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Track Changes

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Stiff Ballet for the End of the Century, 1996 Video 14’ © Courtesy of the Artist and Mendes Wood DM
Track Changes
Curated by: plan b

Rua da Consolação 3358
01416-000 São Paulo
Brazil
September 3rd, 2016 - October 30th, 2016

QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://www.mendeswood.com
NEIGHBORHOOD:  
Cidade
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info@mendeswood.com
PHONE:  
+55 11 3081 1735
OPEN HOURS:  
Mon-Sat 10-7
TAGS:  
video-art

DESCRIPTION

The exhibition Track Changes takes the model of a boîte-en-valise show‭, ‬following the program of Galeria Plan B through a retrospective and subjective selection‭. ‬Looking at the past and trying to construct a possible narrative‭, ‬this show links different positions in Romanian art of the last fifty years‭. ‬It traces a line from the dictatorial regime of the communist times‭, ‬when art had to negotiate its existence within the context of state censorship‭ (‬softer in the 1960s and very harsh in the 1980s‭), ‬and the‭ ‬post-communist transition of the 1990s‭ ‬‮–‬‭ ‬when art took its socio-political role very seriously‭ ‬‮–‬‭ ‬until the 2000s‭, ‬marked by an autonomous and independent position in a broader context of the international art field‭.    ‬

The relative political openness experienced in the 1960s‭, ‬after the dark 1950s‭, ‬allowed artists to exhibit works that didn’t respond to the official political discourse‭, ‬artists who‭ ‬‮–‬‭ ‬as Octav Grigorescu suggested‭ ‬‮–‬‭ ‬were dreaming of a blissful place of the image‭. ‬This kind of art was envisioning an autonomous place in relation to the social and political reality‭, ‬recreating a‭ ‬connection with the grand tradition of art and philosophical thinking‭. ‬The iconic watercolors of Victor Ciato‭, ‬entitled Moment 0‭ (‬the self-proclaimed moment of a new beginning‭), ‬the metaphysical painting of Sorin Campan‭, ‬the utopian spaces of Horia Damian‭,‬‭ ‬and the mythological universe of Octav Grigorescu are representative‭ (‬works‭) ‬for those visionary years‭. ‬

Once the new dictatorial ideology had enforced additional constraints‭ (‬following Ceausescu's return from China and North Korea in July 1971‭), ‬the late 1970s and the 1980s witnessed a reinstatement of the social and political art that responded subversively‭ ‬and courageously to the difficult context of the time‭. ‬Artists such as Onucsan or Bone resisted the pressures of the regime through conceptual art and performance‭, ‬while Ioana Batranu responded to the issues of this enclosed‭, ‬corrupt‭, ‬and confused society‭ ‬with painting‭, ‬following her own analytical tools of filtering‭. ‬The artists of the 1980s and 1990s referred persistently to social and political issues‭, ‬animating their work at the same time with a poetic vision‭, ‬a synthesis which is apparent in diaspora‭-‬artist Belu-Simion Fainaru's work but which remains essentially political‭.‬

Alongside other voices of their generation‭, ‬Ciprian Muresan‭, ‬Adrian Ghenie and Serban Savu engage the recent past of Eastern Europe as an occasion to extricate the very notion of history from ideological falsification‭, ‬to bind it up with personal experience‭, ‬conceptual accident and the history of art‭. ‬Equally concerned with global issues and immune to the utopias of revolution or liberalism‭, ‬artists from the 2000s generation conjoined their discourse rather with a metaphysical and apolitical approach‭. ‬Both‭ ‬Victor Man and Iulia Nistor‭ (‬a young voice of the diaspora‭), ‬deal with the conditio humana in these uncanny times‭, ‬and reimplement an autonomous art language in the contemporary context‭.‬

The visual material exhibited here oscillates between metaphysical and political issues‭, ‬understood as responses to the same reality and connected dialectically‭. ‬The last fifty years of Romanian art is following just as other so-called peripheral spaces did‭, ‬the sinuous road of a society passing from dictatorship to democracy and globalization‭. ‬But‭, ‬regardless of the perspective in‭ ‬each artist's oeuvre‭ ‬‮–‬‭ ‬either the self as a point of reference or the world around it‭ ‬‮–‬‭ ‬the form of expression tying them is the poetic‭. ‬None of the works on display illustrate didactically a single point of view‭, ‬but they all show a great capacity of adding new meanings and layers every time and in each context they are shown‭. ‬Perhaps the quality of this show resides in the mirror effect itself that changes the background of the works while keeping them as examples of a circular historical flux‭, ‬always playing between the autonomous condition and the political engagement and back‭.‬

Plan B opened 2005‭ ‬in Cluj‭, ‬Romania initiated by Mihai Pop and Adrian Ghenie‭; ‬Plan B functions as a production and exhibition space for contemporary art and at the same time a research center focusing on the Romanian art of the last 50‭ ‬years‭, ‬by revealing‭ ‬works of remarkable artists without previous international exposure‭. ‬Since 2008‭, ‬Plan B is running a permanent exhibition space‭ ‬in Berlin‭, ‬Germany and is coordinated by Mihai Pop and Mihaela Lutea‭.‬

About the artists and works in the show:

Ioana Batranu‭ (‬b‭. ‬1960‭, ‬lives and works in Bucharest‭) ‬approaches themes that are marginal in relation to what used to be the official culture in Romania and expresses them with acute sensitivity‭, ‬in a permanent vacillation between subjectivity and reality‭.‬‭ ‬There are a few recurrent themes‭ (‬Melancholic Interiors‭, ‬Enclosed Gardens and Latrines‭) ‬which‭, ‬seen together‭, ‬form a coherent image of her personal project‭: ‬looking for the point in which the break with the world and the attempt to make peace with it are‭ ‬simultaneous in her existence‭. ‬The conflict between the two leads the artist to subjects located at the periphery of the society‭ ‬in which she lives and never to the center thereof‭. ‬Studies for the Latrines series of oil paintings‭, ‬the watercolors on view reconsider the harsh reality of the late 80s‭, ‬which coincided with the downfall of the communist regime and the outbreak of the 1989‭ ‬Revolution‭. ‬The bleak‭, ‬impersonal interiors become instances of an alienating public space defined by the loss of privacy and strict daily routine‭. ‬

Rudolf Bone‭ (‬b‭. ‬1951‭ ‬in Oradea‭, ‬Romania lives and works in Oradea‭) ‬is one of the most important sculptors and performance artists of his generation in Romania‭; ‬he comes from the experimental context Atelier 35‭ ‬Oradea‭ - ‬the young group of the Romanian Fine‭ ‬Artists‭' ‬Union‭ - ‬active in the 80‭'‬s‭, ‬partially in the underground‭, ‬without a real political and financial support‭, ‬far from ideology and even subversive towards the communist regime‭. ‬The art of Rudolf Bone is a significant reference for understanding the experimentalism and reconsidering sculptural practice in Romania‭. ‬Bone is remarkable in his ability to combine a light touch and‭ ‬playful approach to art making‭, ‬with his constant and serious preoccupation for finding a stable and unique truth‭. ‬Confronted with the political and social reality of the Ceausescu era‭, ‬his work got a more and more subversive note‭. ‬The artist has been consistently intrigued by the specificity of different materials‭; ‬he worked with matter as diverse as sand‭, ‬soil‭, ‬string‭, ‬glass‭, ‬photography‭, ‬aluminium foil castings‭, ‬and live plants and fish and extended his sculptural practice into performance‭. ‬Interested in the idea of art in progress and the ephemeral character of the artwork‭, ‬he is often recurring to breaking glass in his happening‭, ‬as in Haiku‭, ‬first realized in 1986‭. ‬With this work‭, ‬Bone is also tackling a central idea for the artistic creation‭: ‬the attachment of the artist to his own creation‭, ‬to which he sets a forceful counterpoint‭. ‬The ephemeral object‭ ‬has no chance to develop into cult‭. ‬The acoustical effect of the breaking glass is carrier of a strong message‭: ‬the force of the moment impresses itself deeply into the viewer’s perception‭. ‬The artist’s physical involvement in his own happenings during the 80s in Romania was a call for participation and involvement‭.‬

Sorin Campan's‭ (‬born 1940‭, ‬lives and works in Cluj‭, ‬Romania‭) ‬works achieve their appearance of simplicity through a nuanced reflection on the instruments of painting and a series of detours‭. ‬Their enigmatic articulation demands a patient reading‭: ‬simple images like nocturnal landscapes or still lives with fruit are pretexts to localize mystery‭, ‬to subject it to a kind of order‭, ‬which does not coincide with its translation or explanation‭. ‬Beyond the always surprising dosage of transparency and secrecy‭, ‬the quality of the painting‭ ‬‮–‬‭ ‬the austerity of means and the often exuberant chromatics‭ ‬‮–‬‭ ‬make Campan a remarkable artist‭.‬

Victor Ciato‭ (‬b.1938‭, ‬lives and works in Cluj‭) ‬is one of the few post-war Romanian abstract painters who did not surrender to the pressures of Socialist Realism‭. ‬On the contrary‭, ‬in reaction to the oppressive system‭, ‬Ciato detached himself from the dominant aesthetics marked by figuration and developed his own artistic reality based on pure abstraction‭. ‬The two watercolors presented are part of a series entitled‭ '‬Moment 0‭', ‬painted between 1966‭ ‬and 1968‭. ‬After finishing his studies at the Fine Arts Institute‭ ‬Ion Andreescu ‬in Cluj in 1964‭, ‬Victor Ciato's‭ ‬‘Moment 0‘‭ ‬represented a turning point in his artistic practice‭. ‬In this way he wanted to free himself from the academic norms and the ballast of prolet-cultist painting and reinvent‭ ‬‮–‬‭ ‬in a real modernist manner‭ ‬‮–‬‭ ‬creating his own norms‭. ‬In this way he achieved the‭ ‬series of abstract watercolors‭, ‬works that were not meant to represent anything in particular‭. ‬They are puristic abstractions‭, ‬colored in a refined manner‭; ‬nowadays‭, ‬their artistic value is doubled by the importance of the auto-formative‭ (‬self-formative‭) ‬exercise‭, ‬performed in those circumstances‭. ‬Related to the art of that time‭, ‬the search into the problematic field of the non-figurative can be perceived as a radical gesture of re-definition‭.‬

Horia Damian‭ (‬1922-2012‭) ‬was born in Bucharest‭, ‬where he had his first personal exhibitions‭, ‬before settling to Paris in 1946‭. ‬He had encounters and collaborated with artists like Fernard Leger‭, ‬Constantin Brancusi‭, ‬Auguste Herbin‭, ‬Saldavor Dali and Ives Klein‭. ‬Horia Damian‘s work is rooted in a European tradition of monument builders‭, ‬most admirably exemplified by his fellow Romanian Brancusi in such structures as the‭ Column of the Infinite‭ ‬and‭ '‬The Gate of the Kiss‭'. ‬Through the deliberateness of the choices of his subjects and the analysis in depth of a very few themes‭, ‬Damian may be likened to Christo who also reveals the infinite variety of object-ideas through work cycles‭. ‬But unlike Christo and Yves Klein‭, ‬Damian‘s friend and contemporary‭, ‬Damian is ultimately concerned with the intuition of an extra-terrestrial spatial order‭. ‬Damian created monumental‭, ‬symbolic sculptures giving them a metaphysical perspective that would distinguish them from the contemporary works of American Minimal Art made by artists like Ronald Bladen‭, ‬Robert Grosvenor or Tony Smith‭.‬In 1975‭ ‬he constructed for the Guggenheim Museum in New York‭ '‬The Hill’‭. ‬The director of Guggenheim Museum of that time‭, ‬Thomas Messer writes about Damian‘s works‭: ‬in all of these‭, ‬Damian aims for essentially the same results and all his concepts therefore have parallel meaning within his total oeuvre‭. ‬Damian‘s art‭, ‬based upon impeccable craftsmanship and an obsessive preoccupation with materials‭, ‬cannot be faulted for lacking concreteness‭. ‬But despite the sparseness and reductiveness of Damian‘s structures‭, ‬minimal and formalistic interpretations do not suffice in this case‭. ‬For his explicit references are to a celestial rather than a terrestrial space‭, ‬to an ideal rather than a palpable world order‭, ‬and to sacral rather than temporal realities‭.‬

Belu-Simion Fainaru‭ (‬born 1959‭ ‬in Bucharest‭, ‬Romania‭) ‬lives and works in Haifa‭, ‬Israel‭. ‬Făinaru’s work uses a wide range of media‭, ‬such as sculpture‭, ‬installation‭, ‬drawing and video‭. ‬The works contain several layers of meaning that touch upon Jewish-Romanian history and issues of identity and territory‭. ‬Although his predilection for these subjects is‭ ‬indisputable‭, ‬Fainaru’s oeuvre also unmistakably addresses universal human themes‭.‬Dr‭. ‬Daniel Wayman of Tel Aviv University writes on the practice of Belu-Simion Fainaru‭: ‬Over the years the artist Belu-Simion Fainaru has coped with issues connected to the concept of the nothingness that drives his creativity‭. ‬The monastically compressed‭ ‬characteristics of the works‭, ‬the sparing choice of materials‭, ‬the limited forms and colors‭ (‬chiefly black and white‭), ‬as well as the use of Hebrew lettering‭, ‬direct the viewer to symbolical spiritual meanings and to philosophical issues beyond the identification of the present physical object‭. ‬In some of the objects derived from the ready made concept in art‭, ‬the tension is created by disruption of the functionality and by the disconnection from useful purposefulness‭. ‬These duality systems prompt us to engage in queries regarding the existing present‭, ‬the identity or actual reality that we apprehensively embrace when facing the threat of the void and the nothingness‭.‬As in Black Sea‭, ‬2008‭, ‬the black liquid as a recurrent element in his work‭, ‬refers to the image of the black milk‭, ‬that appears‭ ‬in Paul Celan's poem Fugue of Death as a recurring theme‭: ‬Fugue of Death/Black milk of daybreak we drink it at nightfall/we drink it at noon in the morning‭/ ‬we drink it at night we drink it and drink it‭.‬Like Celan‭, ‬Fainaru combines contrasts creating a rich symbolic reality derived from the past and the present‭, ‬from the sacred and the profane‭, ‬from the soul and the body‭. ‬Like Celan’s meridian address that describes a symbolic search for a map of his childhood and an aspiration to find a place that is no place‭, ‬as in the poem where he finds himself anew‭, ‬thus does Fainaru combine objects and images‭, ‬sights and memories that create an‭ ‬internal and external journey in search of identity and place‭.‬

Adrian Ghenie‭ (‬b‭. ‬1977‭, ‬works in Cluj and Berlin‭) ‬isolates and abstracts particular episodes fromthe convulsed history of the 20th century‭. ‬His paintings are brimming with history while also manifesting astrange detachment from it‭: ‬historical scenes are reconstructed as tragic or comic dialectical images‭,‬disconnected from chronological continuum‭, ‬familiar in their references and strangely elusive as reconfiguredsums of these references‭. ‬In their suspension‭, ‬they materialize accidental intersections of self and history‭.‬

Octav Grigorescu‭ ‬In the person and art of Octav Grigorescu‭ (‬1933-1987‭) ‬there coincided a typically avant-garde nostalgia for the primordial and worship of the elementary‭, ‬on the one hand‭, ‬and a postmodernist taste for crepuscular delights and the presentiment of death‭, ‬on‭ ‬the other‭. ‬Born in 1933‭, ‬Octav Grigorescu died in 1987‭ ‬at the age of just fifty-four‭, ‬but during his short lifetime he created a‭ ‬body of work that made a mark on twentieth-century Romanian art‭. ‬A draughtsman‭, ‬engraver and painter‭, ‬he was hugely productive‭.‬Octav Grigorescu plunges into his archaeological‭, ‬historical‭, ‬mythological‭, ‬biblical and even everyday reveries‭, ‬filtering in an‭ ‬extreme subtle way echoes of Da Vinci‭, ‬Poussin and Hans von Marees‭, ‬to which any number of other names might also be added‭. ‬The‭ ‬memory is also at work at the strictest level of technique when Octav Grigorescu recreates the illusion of the palimpsest‭, ‬which is extremely suggestive precisely in his historical paintings‭, ‬where the evocation of temporality is a necessity and a condition‭. ‬The integral realism of which Octav Grigorescu speaks at one point means the rehabilitation of the plenitude of the world as‭ ‬a whole and emergence from under the fascinating curse of the fragment‭. ‬His historical paintings and those on biblical themes are a series of visions in the original‭, ‬etymological sense of the word‭, ‬visions that tend to capture key moments in the history‭ ‬of mankind‭. ‬A unifying perspective joins the cruel events of history with biblical times‭.‬

The works of Victor Man‭ (‬b‭. ‬1974‭, ‬lives and works in Berlin and Cluj‭) ‬study the limits of understanding from a different perspective‭: ‬the fine dosage of contextual references both encourages and renders incomplete an elucidation of what might be happening‭ ‬in his paintings‭, ‬of the nature of their diaphanous incidents‭. ‬Man returns to the subtle infrastructure of information and visual clues that allows a scene to be imaginatively placed‭ ‬somewhere, ‬and assumed to represent‭ ‬‘something’‭, ‬and pushes this limit until it folds upon itself‭. ‬The distinct visual vocabulary of Victor Man is informed by a constant exploration of the paradoxes and contrarieties of his own being‭. ‬‘Victor Man operates in the depths of vision‭, ‬on the eye‭, ‬on the uterus-eye begetting visions on things‭, ‬meaning the divine seeds‭, ‬planes‭, ‬sketches and croquis‭. ‬In his work‭, ‬Victor Man is tirelessly and obstinately looking for the level at which one may operate‭, ‬at which he may intervene through sight over the formation of things‭, ‬the highly spiritual and ultimate operations level of encounter between the eye and the uterus‭, ‬where painting’s plasticity is found and alchemically identified with the germinative plasticity of things and nature‭.‬

An additional proof of his pursuit and heroic advancement on his path‭, ‬that Victor Man heroically and epically proves himself capable of‭, ‬is this recent painting‭ (‬2015‮–‬2016‭) ‬titled Early Paradise‭ (‬and actually representing a study for a World Flag‭), ‬this exceptional painting within painting in which representation is explicitly allegoric‭, ‬the illustration of the astral eggs and the‭ ‬ovular deformed head stretched towards the maternal breast‭, ‬an egg‭, ‬a tear‭, ‬a bud‭, ‬a drop of dew‭, ‬etc‭., ‬culminating with a new‭ ‬stage in the imagination of the de-colouring‭, ‬of the shadowing‭, ‬this time by simply effacing colours‭, ‬as in a restoration work and the return‭, ‬thus trans-visual‭, ‬to the drawing beneath‭, ‬by blotting out to the canvas as reality support that creates a flash‭ ‬upon the covered light‭, ‬shadowed by history‭.‬ (‬from a text by Bogdan Ghiu‭)‬

Ciprian Muresan‭ (‬b.1977‭, ‬lives and works in Cluj‭) ‬turns the quotidian experience upside down‭, ‬along with art history’s authority‭. ‬His sharply ironic works tackle the social transition in today's Romania‭, ‬the replacement of values like tradition‭ ‬and religion‭, ‬but also the substitution of communist propaganda for the new imagery of a consumerist society‭. ‬Video holds a special place in Ciprian Muresan's extensive practice including drawing‭, ‬sculpture and installation‭. ‬For Dog Luv‭ (‬2009‭), ‬one of his early video works commissioned for the Romanian Pavilion at the 53rd Venice Biennale‭, ‬Muresan sets a social debate in a theatrical context‭, ‬as handcrafted puppets of black dogs were animated based on a text by playwright Saviana Stanescu‭ ‬about humanity’s darkest traits‭. ‬The dialogue about torture and execution gradually extends into an enactment of the cruel actions discussed‭, ‬the power relations between the five dogs shifting dramatically throughout the video‭, ‬from solidarity to violence‭. ‬By dressing the characters in black‭, ‬a method used by puppeteers to hide from the audience‭, ‬Muresan unmasks the dogs as puppets‭, ‬while placing‭ ‬the puppets‭, ‬as well as puppeteers on the same stage‭, ‬therefore equally redistributing the importance of these elements‭, ‬and hijacking the traditional format of puppet theatre‭. ‬

Iulia Nistor‭ ‭(‬b‭. ‬1985‭, ‬lives and works in Frankfurt am Main‭) ‬deals with the potentiality of uncertainty and disorientation wherein painting becomes an epistemological instrument‭. ‬Her painting process is a constant negotiation between informing and discharging the image and focuses on qualia‭ (‬the qualitative character of experience‭), ‬as well as on the sensual aspect of things‭. ‬Nistor works at the intersection of semiotics and visual phenomena‭, ‬where a signifying language of images is built into a sensuous field using overlays and veils of tone in order to create phenomenal depth‭. ‬The multiple layering and the repeated process of adding and subtracting introduce the dimension of time‭, ‬which contrasts with the immediacy of the expressive and symbolic elements‭. ‬Coordinates also determine the position in a 3-dimensional space of qualia for E1‭ ‬F8‭ ‬P4‭ (‬2016‭) ‬and E7‭ ‬W6‭ ‬A3‭ (‬2016‭) ‬as‭ ‬Pieces of Evidence‭ ‬‮–‬‭ ‬a format of oil on wood paintings with the same dimensions 40‭ ‬× 50‭ ‬cm‭/ ‬50‭ ‬× 40‭ ‬cm‭. ‬Nistor thus questions conventions of our perception and thought in order to create new potentiality of understanding‭. ‬She is creating iconic images from the ephemeral‭, ‬while trying to preserve it‭. ‬

Serban Savu‭ (‬b‭. ‬1978‭, ‬lives and works in Cluj‭) ‬paints the New Man‭ ‬‮–‬‭ ‬the long-awaited product of the communist society‭, ‬created in the ideological laboratory‭ ‬‮–‬‭ ‬caught in the melancholy of his daily condition of anonymity in the transition to capitalism‭. ‬The‭ ‬distance between ideal and real loads the image with tension as Savu paints the image of a world after the failure of a historical project‭. ‬Characterized by empathy and close scrutinity‭, ‬observation and abstraction‭, ‬reduction and re-composition‭, ‬his paintings are capable of initiating an assessment of the present moment understood in a wider‭, ‬historical sense‭.‬Darker than most of Savu's paintings of quotidian tableaux‭, ‬the eerie landscape in Blackout‭ (‬2016‭) ‬is a rare scene because of the absent human figure‭, ‬which is however present through the ghostly silhouette of the partly collapsed high voltage transmission‭ ‬tower‭. ‬Derelict in the vast natural expanse‭, ‬the massive man-made structure acts both as a reminder for the failure of technology‭, ‬and a reflection on humanity at large‭.  ‬

Miklos Onucsan‭ (‬b‭. ‬1952‭, ‬Gherla‭, ‬Romania lives and works in Oradea‭) ‬works in a conceptual vein‭, ‬addressing a wide range of issues that are highly personal and yet manage to acquire a more general resonance‭. ‬His interventions also bring to mind a Fluxus-like spirit‭. ‬In his own statement his work does not seek to represent or to replace the existing reality‭, ‬but rather guides our perception through almost imperceptible alterations of what we encounter in the world‭. ‬For Stiff Ballet for the End of the Century‭ (‬1996‭), ‬Miklos Onucsan used a real experience as starting point‭: ‬on a terribly hot day‭, ‬as people were trudging along the street‭, ‬a child released a balloon that started‭ dancing‭ ‬in the air‭, ‬while deflating‭. ‬From that fleeting moment‭, ‬Onucsan developed a performance enacted by a group of people acting rigidly‭, ‬but simultaneously involved in a choreography activated by the balloons they hold and let go‭ ‬‮–‬‭ ‬a free‭, ‬unedited and unpredictable dance within the predefined‭, ‬fixed coordinates of the performance‭, ‬as much as a poetic tribute paid to the century that was about to end‭, ‬based on a both critical and humorous comment‭.‬


Track Changes assume o modelo das exposições boîte-en-valise‭, ‬que segue o programa da Galeria Plan B em uma retrospectiva e seleção subjetiva‭. ‬De olho no passado e em uma tentativa de construir uma possível narrativa‭, ‬esta exposição conecta diferentes posições da arte romena dos últimos 50‭ ‬anos‭, ‬traçando uma linha desde o regime ditatorial da era comunista‭, ‬quando a arte teve que negociar a sua existência em um contexto de censura estatal‭ (‬mais brando na década de 1960‭ ‬e muito duro na década de 1980‭), ‬passando pela transição pós-comunista dos anos 1990‭, ‬quando o papel sociopolítico da arte assume seriedade‭, ‬e chegando aos anos 2000‭,‬‭ ‬marcados por uma posição de autonomia e independência em um contexto mais amplo do campo internacional da arte‭.   ‬

A relativa abertura política vivenciada na década de 1960‭, ‬após a sombria década de 1950‭, ‬permitiu que os artistas exibissem trabalhos que não refletissem diretamente o discurso político oficial da época‭, ‬artistas que‭ ‬‮–‬‭ ‬conforme sugere Octav Grigorescu‭ ‬‮–‬‭ ‬sonhavam com um lugar feliz da imagem‭. ‬Esse tipo de arte vislumbrava um lugar autônomo em relação à realidade social e política‭, ‬reativando uma conexão com a grande tradição da arte e do pensamento filosófico‭. ‬As icônicas aquarelas de Victor Ciato‭, ‬intituladas Moment 0‭ (‬o autoproclamado momento de um novo começo‭), ‬as pinturas metafísicas de Sorin Campan‭, ‬os espaços utópicos de Horia‭ ‬Damian e o universo mitológico de Octav Grigorescu são representativos desses anos visionários‭. ‬

Uma vez impostas as restrições adicionais da nova ideologia ditatorial‭ (‬após o retorno de Ceausescu da China e da Coreia do Norte em julho de 1971‭), ‬o final da década de 1970‭ ‬e o começo dos anos 1980‭ ‬testemunharam o reestabelecimento de uma arte social e política‭, ‬que respondeu de forma subversiva e corajosa ao difícil contexto da época‭. ‬Artistas como Onucsan e Bone resistiram à pressão do regime com o uso da arte conceitual e da performance‭, ‬enquanto Ioana Batranu reagiu contra essa sociedade fechada‭, ‬corrupta e confusa com pinturas‭, ‬seguindo as suas próprias ferramentas analíticas de filtro‭. ‬Os artistas dos anos 1980‭ ‬e 1990‭ ‬abordaram persistentemente questões sociais e políticas‭, ‬ao mesmo tempo que revigoraram seus trabalhos com uma visão poética‭, ‬uma síntese que é aparente na obra do artista de diáspora‭, ‬Belu-Simion Fainaru‭, ‬mas que todavia permanece essencialmente política‭. ‬

Ao lado de outras vozes da sua geração‭, ‬Ciprian Muresan‭, ‬Adrian Ghenie e Serban Savu se envolveram com o passado recente do Leste Europeu‭, ‬para libertar a própria noção de história de falsificações ideológicas‭, ‬para vinculá-la à experiência pessoal‭, ‬ao acidente conceitual e à história da arte‭. ‬Igualmente interessados nas questões globais e imunes das utopias de revolução e liberalismo‭, ‬os artistas da geração dos anos 2000‭ ‬construíram o seu discurso de uma forma um tanto metafísica e apolítica‭. ‬Victor Man e‭ ‬Iulia Nistor‭ (‬uma voz jovem da diáspora‭) ‬lidam com a condição humana nessa era de incertezas e reimplementam uma linguagem da arte autônoma no contexto contemporâneo‭. ‬

Os materiais visuais exibidos aqui oscilam entre questões metafísicas e políticas e são entendidos como respostas à mesma realidade e conectados dialeticamente‭. ‬Os últimos 50‭ ‬anos de arte romena estão seguindo‭, ‬assim como outros chamados espaços periféricos o fazem‭, ‬a estrada sinuosa de uma sociedade que passa de uma ditatura para a democracia e a globalização‭. ‬Entretanto‭, ‬independentemente da perspectiva na obra de cada artista‭, ‬tendo a si ou ao mundo ao seu redor como pontos de referência‭, ‬a forma de expressão que os une é poética‭. ‬Nenhum dos trabalhos ilustra didaticamente um único ponto de vista‭, ‬mas todos mostram uma grande capacidade em adicionar novos significados e camadas a cada vez e em cada contexto em que são exibidos‭. ‬Talvez a qualidade desta exposição resida no seu próprio efeito-espelho que altera o contexto por trás das peças ao mesmo tempo que as mantêm como exemplos‭ ‬de um fluxo histórico circular‭, ‬sempre transitando entre a condição autônoma e o engajamento político‭.     ‬

A Galeria Plan B foi fundada em 2005‭, ‬em Cluj‭, ‬România‭, ‬por Mihai Pop e Adrian Ghenie‭. ‬A Plan B funciona como espaço de produção‭ ‬e exposição de arte contemporânea e também como centro de pesquisa que enfatiza a arte romena dos últimos 50‭ ‬anos‭, ‬revelando trabalhos de artistas excepcionais‭, ‬sem visibilidade internacional prévia‭. ‬Desde 2008‭, ‬a Plan B opera um espaço de exposição permanente em Berlim e é coordenada por Mihai Pop e Mihaela Lutea‭.‬

Sobre os artistas e as obras em exposição:

Ioana Batranu‭ (‬nascida em 1960‭, ‬vive e trabalha em Bucareste‭) ‬aborda temas que são marginais em relação àquilo que costumava ser‭ ‬a cultura‭ ‬oficial‭ ‬na Romênia e os expressa com uma sensibilidade apurada‭, ‬em uma alternância constante entre subjetividade e realidade‭. ‬Ela trabalha com alguns temas recorrentes‭ (‬interiores melancólicos‭, ‬jardins fechados e latrinas‭) ‬que‭, ‬vistos em conjunto‭, ‬formam uma imagem coerente do seu projeto pessoal‭: ‬buscar o ponto no qual a quebra com o mundo e a tentativa de se sentir em paz com ele sejam‭ ‬simultâneas em sua existência‭. ‬O conflito entre esses dois elementos leva a artista a sujeitos localizados na periferia da sociedade em que vive e nunca no seu centro‭. ‬Como estudos para a série de pinturas a óleo intitulada Latrines‭ (‬Latrinas‭), ‬as aquarelas em exibição reconsideram a dura realidade do final da década de 1980‭, ‬que coincidiu com a queda do regime comunista e a eclosão da Revolução de 1989‭. ‬Os interiores sombrios e impessoais se tornam instâncias de um espaço público alienante‭, ‬definido pela perda de privacidade e de uma estrita rotina diária‭.  ‬

Rudolf Bone‭ (‬nascido em 1951‭ ‬em Oradea‭, ‬Romênia‭, ‬vive e trabalha em Oradea‭) ‬é um dos mais importantes escultores e artistas de performance de sua geração na Romênia‭. ‬Ele está ligado ao contexto experimental do Atelier 35‭ ‬de Oradea‭, ‬um grupo de jovens do Sindicato dos Artistas Gráficos da Romênia que atuou nos anos 1980‭, ‬de forma parcialmente underground‭, ‬sem apoio político ou financeiro‭, ‬desconectado de qualquer ideologia e até mesmo subversivo em relação ao regime comunista‭. ‬A arte de Rudolf Bone é uma referência importante para se entender o experimentalismo e reconsiderar a prática escultórica na Romênia‭. ‬Bone é excepcional em sua capacidade de combinar um toque leve e uma abordagem lúdica na produção de arte‭, ‬com uma preocupação constante e profunda em encontrar uma verdade estável e única‭. ‬Confrontando a realidade política e social da era de Ceausescu‭, ‬seu trabalho foi ganhando‭ ‬um tom cada vez mais subversivo‭.‬O artista cultiva um interesse consistente pela especificidade de diferente materiais‭. ‬Já trabalhou com elementos tão diversos quanto areia‭, ‬terra‭, ‬barbante‭, ‬vídeo‭, ‬fotografia‭, ‬fundição de alumínio‭, ‬plantas e peixes vivos‭, ‬expandindo sua prática escultórica para a performance‭. ‬Interessado na ideia de arte em andamento e no caráter efêmero da obra de arte‭, ‬Bone muitas vezes recorre‭ ‬a vidros quebrados nos seus happenings‭, ‬tais como em Haiku‭, ‬realizado pela primeira vez em 1986‭. ‬Neste trabalho‭, ‬Bone lida com uma das ideias centrais de seu processo de criação artística‭: ‬o vínculo entre o artista e a sua própria criação‭, ‬para a qual ele‭ ‬estabelece um potente contraponto‭. ‬O objeto efêmero não tem chance de se tornar em cult‭. ‬O efeito acústico do vidro quebrando carrega uma forte mensagem‭: ‬a força do momento fica impressa na profundeza da percepção do espectador‭. ‬O envolvimento do próprio artista nos seus happenings nos anos 1980‭, ‬na Romênia‭, ‬serviu como um chamado de participação e envolvimento‭.


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A obra de Sorin Campan‭ (‬nascido em 1940‭, ‬vive e trabalha em Cluj‭, ‬Romênia‭) ‬alcança sua aparência de simplicidade por meio de uma‭ ‬reflexão sutil sobre os instrumentos da pintura e sobre uma série de desvios‭. ‬Sua articulação enigmática exige uma leitura paciente‭. ‬Imagens simples‭, ‬tais como paisagens noturnas ou naturezas mortas com frutas‭, ‬são pretextos para inserir mistério‭, ‬para sujeitá-las a uma espécie de ordem que não coincide com sua tradução ou explicação‭. ‬Para além da sempre surpreendente dosagem de transparência e sigilo‭, ‬a qualidade da pintura‭ ‬‮–‬‭ ‬a austeridade dos meios e seus cromáticos quase sempre exuberantes‭ ‬‮–‬‭ ‬fazem de Campan um artista extraordinário‭. ‬

Victor Ciato‭ (‬nascido em 1938‭, ‬vive e trabalha em Cluj‭) ‬é um dos poucos pintores abstratos romenos do pós-guerra que não se rendeu às pressões do Realismo Socialista‭. ‬Pelo contrário‭, ‬em uma reação contra o sistema opressivo‭, ‬Ciato se desconectou da estética dominante marcada pela figuração e desenvolveu sua própria realidade artística com base na pura abstração‭. ‬As duas aquarelas apresentadas aqui fazem parte da série Moment 0‭ (‬Momento 0‭), ‬produzida entre 1966‭ ‬e 1968‭. ‬Após terminar os seus estudos no Instituto de Belas Artes Ion Andreescu‭, ‬em Cluj‭, ‬em 1964‭, ‬seu Moment 0‭ ‬representou um ponto de virada na sua prática artística‭, ‬pois evidenciou um desejo de se libertar das normas acadêmicas e do lastro da pintura de culto ao proletariado e de reinventar‭ ‬‮–‬‭ ‬de uma forma verdadeiramente modernista‭ ‬‮–‬‭ ‬criando as suas próprias normas‭. ‬Dessa forma‭, ‬ele desenvolveu essa série de aquarelas abstratas‭, ‬trabalhos que não tinham como intuito representar nada em particular‭. ‬São abstrações puristas‭, ‬de um colorido refinado‭. ‬Hoje‭, ‬o seu valor artístico é redobrado pela importância do exercício autoformativo‭, ‬realizado naquelas circunstâncias‭. ‬Em relação‭ ‬à arte da época‭, ‬sua busca no campo problemático do não-figurativo pode ser entendida como um gesto radical de redefinição‭.  ‬

Horia Damian‭ (‬1922-2012‭) ‬nasceu em Bucareste‭, ‬onde fez as suas primeiras exposições individuais antes de se mudar para Paris em‭ ‬1946‭. ‬Colaborou e dialogou com artistas tais como Fernard Leger‭, ‬Constantin Brancusi‭, ‬Auguste Herbin‭, ‬Saldavor Dali e Ives Klein‭. ‬A obra de Damian é embasada na tradição europeia de construtores de monumentos‭, ‬admiravelmente exemplificada pelo seu compatriota romeno‭, ‬Brancusi‭, ‬em estruturas‭, ‬tais como Coluna Infinita e Portão do Beijo‭. ‬Por meio da escolha deliberada de seus sujeitos e de uma análise aprofundada de alguns poucos temas‭, ‬Damian pode ser comparado a Christo‭, ‬que também revela uma variedade infinita de ideias-objetos através de ciclos de trabalho‭. ‬No entanto‭, ‬diferentemente de Christo e Yves Klein‭ ‬‮–‬‭ ‬contemporâneo e amigo‭ ‬de Horia Damian‭ ‬‮–‬‭, ‬Horia está‭, ‬em última instância‭, ‬preocupado com a intuição de uma ordem espacial extraterrestre‭. ‬Damian criou esculturas monumentais e simbólicas‭, ‬dando a elas uma perspectiva metafísica que as distingue de trabalhos contemporâneos de Arte Minimalista americana‭, ‬feitos por nomes como Ronald Bladen‭, ‬Robert Grosvenor ou Tony Smith‭.


‬Em 1975‭, ‬ele construiu para o Guggenheim Museum‭, ‬em Nova York‭, ‬a escultura The Hill‭ (‬A Colina‭). ‬O diretor do museu na época‭, ‬Thomas Messer‭, ‬escreveu sobre as peças de Damian‭: ‬“em todas elas‭, ‬Damian visa essencialmente alcançar os mesmos resultados e todos os seus conceitos‭, ‬portanto têm um significado paralelo dentro de sua obra completa‭. ‬A arte de Damian‭, ‬baseada em uma técnica impecável e uma preocupação obsessiva com materiais‭, ‬não pode ser criticada pela falta de concretude‭. ‬No entanto‭, ‬apesar da escassez e redução de suas estruturas‭, ‬interpretações‭ ‬minimalistas ou formalistas não são suficientes neste caso‭, ‬pois as suas referências explícitas são o espaço celestial ao invés‭ ‬de terrestre‭, ‬uma ordem mundial ideal ao invés de palpável e realidades sacrais ao invés de temporais”‭.  ‬

Belu-Simion Fainaru‭ (‬nascido em 1959‭ ‬em Bucareste‭, ‬Romênia‭) ‬vive e trabalha em Haifa‭, ‬Israel‭. ‬O trabalho de Fainaru usa uma vasta gama de técnicas‭, ‬tais como escultura‭, ‬instalação‭, ‬desenho e vídeo‭. ‬Seus trabalhos contêm várias camadas de significados que abordam a história judaico-romena e questões de identidade e de território‭. ‬Embora sua predileção por esses assuntos seja indisputável‭, ‬a obra de Fainaru também lida‭, ‬indiscutivelmente‭, ‬com temas humanos universais‭. ‬De acordo com Dr‭. ‬Daniel Wayman‭, ‬da Universidade de Tel Aviv‭: ‬Ao longo dos anos‭, ‬o artista Belu-Simion Fainaru vem lidando com questões ligadas ao conceito do nada‭, ‬que impulsiona a sua criatividade‭. ‬As características monasticamente condensadas de seus trabalhos‭, ‬a esparsa escolha de materiais‭, ‬as formas e as cores‭ ‬limitadas‭ (‬majoritariamente‭,  ‬preto e branco‭), ‬bem como o uso da inscrição hebraica‭, ‬direcionam o espectador a significados espirituais simbólicos e a questões filosóficas além da identificação do objeto físico presente‭. ‬Em alguns dos objetos‭, ‬derivados do‭ ‬conceito de ready-made‭, ‬a tensão é criada pela interrupção de sua funcionalidade e pela desconexão com seu propósito útil‭. ‬Esses sistemas de dualidade nos incentivam a questionar o presente existente‭, ‬a identidade ou a realidade atual que nós apreensivamente abraçamos perante a ameaça do vazio e do nada‭. ‬Assim como em Black Sea‭ (‬Mar Negro‭), ‬de 2008‭,, ‬o líquido preto como tema recorrente na sua obra se refere à imagem do leite negro que aparece no poema de Paul Celan‭, ‬Fuga da Morte‭: ‬Leite negro da madrugada nós o bebemos de noite‭/ ‬nós o bebemos ao meio-dia e de manhã‭/ ‬nós o bebemos de noite nós o bebemos e bebemos‭. ‬Como Celan‭, ‬Fainaru combina contrastes criando uma rica realidade simbólica derivada do passado e do presente‭, ‬do sagrado e do profano‭, ‬da alma e do corpo‭. ‬Tal qual o endereço meridiano de Celan que descreve uma busca simbólica de um mapa de sua infância em uma aspiração em encontrar um lugar que é não lugar‭ ‬‮–‬‭ ‬como no poema‭, ‬onde ele se encontra de novo‭ ‬‮–‬‭, ‬Fainaru combina objetos e‭ ‬imagens‭, ‬cenas e memórias‭, ‬que criam uma jornada interior e exterior em busca de identidade e lugar‭.  ‬

Adrian Ghenie‭ (‬nascido em 1977‭, ‬trabalha em Cluj e em Berlim‭) ‬isola e abstrai episódios específicos da agitada história do século XX‭. ‬Suas pinturas são repletas de história ao mesmo tempo que manifestam um forte desapego histórico‭: ‬as cenas históricas são‭ ‬reconstruídas como imagens dialéticas trágicas ou cômicas‭, ‬desconectadas de um contínuo cronológico‭, ‬familiares nas suas referências‭, ‬mas estranhamente elusivas como somas reconfiguradas dessas referências‭. ‬Na sua suspensão‭, ‬elas materializam intersecções‭ ‬acidentais do eu e da história‭. ‬

Na pessoa e na arte de Octav Grigorescu‭ (‬1933-1987‭) ‬coincidem‭, ‬de um lado‭, ‬uma nostalgia tipicamente de vanguarda pelo primordial e pela veneração do elementar e‭, ‬de outro‭, ‬um gosto pós-modernista por deleites crepusculares e pelo pressentimento da morte‭. ‬Nascido em 1933‭, ‬Octav Grigorescu morreu em 1987‭, ‬com apenas 54‭ ‬anos de idade‭. ‬No entanto‭, ‬durante a sua curta vida‭, ‬criou uma obra que marcou para sempre a arte romena do século XX‭. ‬Como desenhista‭, ‬xilógrafo e pintor‭, ‬sua produção é fecunda‭.‬Octav Grigorescu mergulha nos seus devaneios arqueológicos‭, ‬históricos‭, ‬mitológicos‭, ‬bíblicos e até mesmo rotineiros‭, ‬filtrando‭ ‬sutilmente ecos de Da Vinci‭, ‬Poussin e Hans von Marees‭, ‬aos quais podemos acrescentar vários outros nomes‭. ‬A memória também está em jogo no nível mais estrito da técnica‭, ‬quando Octav Grigorescu recria a ilusão do palimpsesto‭, ‬que é extremamente sugestiva precisamente em suas pinturas‭ ‬históricas‭, ‬nas quais a evocação da temporalidade é uma necessidade e uma condição‭. ‬O‭ ‬realismo integral‭ ‬sobre o qual Octav Grigorescu discorre em um dado momento significa a reabilitação da plenitude do mundo como um todo‭, ‬que emerge da fascinante maldição do‭ ‬fragmento. ‬Suas pinturas históricas e bíblicas são uma série de‭ ‬visões‭ ‬no sentido original e etimológico da palavra‭. ‬Visões que tendem a captar momentos-chave na história da humanidade‭, ‬em uma perspectiva unificadora que une os eventos cruéis da história com os tempos bíblicos‭.  ‬

Os trabalhos de Victor Man‭ (‬nascido em 1974‭, ‬vive e trabalha em Berlim e em Cluj‭) ‬examinam os limites do entendimento a partir de uma perspectiva diferente‭: ‬uma leve dosagem de referências contextuais incentiva e‭, ‬ao mesmo tempo‭, ‬torna incompleta uma elucidação do que acontece em suas pinturas e da natureza de seus incidentes diáfanos‭. ‬Man retorna à infraestrutura sutil da informação e de indícios visuais que permitem que uma cena seja imaginativamente colocada‭ ‬em algum lugar ‬e que seja entendida como representando‭ ‬“alguma coisa”‭, ‬levando isso ao limite até que colapse sobre si mesmo‭. ‬O distinto vocabulário visual de Victor Man é orientado por uma constante exploração dos paradoxos e contrariedades de seu próprio ser‭. ‬Victor Man opera na profundeza da visão‭, ‬no olho‭, ‬no olho-útero que gera a visão das coisas‭, ‬ou seja‭, ‬as sementes‭, ‬planos‭, ‬esboços e croquis divinos‭. ‬No seu trabalho‭, ‬Victor Man incansável e obstinadamente procura um nível possível de operação‭, ‬intervindo‭ ‬por meio da visão sobre a formação das coisas‭, ‬em um nível de operação altamente espiritual e definitivo do encontro entre o olho e o útero‭, ‬no qual a plasticidade da pintura é encontrada e‭, ‬como alquimia‭, ‬identificada com a plasticidade germinativa das coisas e da natureza‭. ‬Uma prova adicional dessa busca e avanço heroico na sua trajetória‭, ‬que Victor Man épica e heroicamente se prova capaz de alcançar‭, ‬é uma pintura recente‭ (‬2015-2016‭), ‬chamada Early Paradise‭ (‬Paraíso inicial‭), ‬que representa um estudo para uma World Flag‭ (‬Bandeira do mundo‭), ‬uma excepcional pintura dentro de uma pintura na qual a representação é explicitamente alegórica‭. ‬A ilustração dos ovos astrais e da cabeça ovular deformada buscando o seio materno‭, ‬um ovo‭, ‬um corte‭, ‬um botão‭, ‬uma gota de orvalho etc‭., ‬culmina em um novo estágio da imaginação do descolorir‭, ‬do‭ ‬sombreamento‭, ‬desta vez simplesmente por meio do apagamento das cores‭, ‬como em um trabalho de restauração‭, ‬e o retorno‭, ‬desse modo‭, ‬transvisual‭, ‬ao desenho que está embaixo‭, ‬manchando a tela como apoio da realidade‭, ‬que cria um flash na luz coberta‭, ‬sombreada ‬pela história‭.‬ (‬extraído de um texto de Bogdan Ghiu‭)‬

Ciprian Muresan‭ (‬nascido em 1977‭, ‬vive e trabalha em Cluj‭) ‬vira de ponta-cabeça a experiência contemporânea e‭, ‬com ela‭, ‬a autoridade da história da arte‭. ‬Seus trabalhos distintamente irônicos lidam com a transição social da Romênia atual‭, ‬com a substituição de valores como a tradição e a religião‭, ‬mas também com a substituição da propaganda comunista pelo novo imaginário de uma sociedade consumista‭. ‬A prática do vídeo sustenta um lugar especial na extensa produção de Ciprian Muresan‭, ‬que também inclui desenhos‭, ‬esculturas e instalações‭. ‬Em Dog Luv‭ (‬Amor de Cão‭) (‬2009‭), ‬um dos seus primeiros trabalhos em vídeo comissionados para o Pavilhão da Romênia na 53a Bienal de Veneza‭, ‬Muresan estabelece um debate social em um contexto teatral‭. ‬Marionetes de cachorros pretos feitas à mão‭ ‬foram animadas com base em um texto da dramaturga Saviana Stanescu sobre os traços mais sombrios da realidade‭. ‬O diálogo sobre tortura e execução gradualmente se transforma em uma dramatização das cruéis ações em discussão‭, ‬e as relações de poder entre os‭ ‬cinco cachorros mudam dramaticamente ao longo da duração do vídeo‭, ‬de solidariedade para violência‭. ‬Ao vestir os personagens de‭ ‬preto‭, ‬um método usado por manipuladores de marionetes para se esconderem da plateia‭, ‬Muresan revela os cachorros como marionetes‭, ‬colocando as marionetes e os seus manipuladores no mesmo palco‭, ‬portanto redistribuindo igualmente a importância desses elementos e sequestrando o formato tradicional do teatro de marionetes‭. ‬

Iulia Nistor‭ (‬nascida em 1985‭, ‬vive e trabalha em Frankfurt‭) ‬lida com a potencialidade da incerteza e da desorientação‭, ‬na qual‭ ‬a pintura se torna um instrumento epistemológico‭. ‬Seu processo de pintura é uma constante negociação entre informar e descarregar a imagem e enfatiza a qualidade‭, ‬ou seja‭, ‬o caráter qualitativo da experiência‭, ‬assim como o aspecto sensual das coisas‭. ‬Os trabalhos de Nistor estão na intersecção da semiótica e do fenômeno visual‭, ‬na qual uma linguagem significadora de imagens é incorporada a um campo sensual usando sobreposições e véus de tons para criar profundidade fenomênica‭. ‬As camadas múltiplas e o processo de repetidamente adicionar e subtrair introduzem a dimensão do tempo‭, ‬que contrasta com a urgência dos elementos expressivos‭ ‬e simbólicos‭. ‬Coordenadas também determinam a posição em um espaço tridimensional da qualidade em E1‭ ‬F8‭ ‬P4‭ (‬2016‭) ‬e em E7‭ ‬W6‭ ‬A3‭ (‬2016‭), ‬fazendo delas‭ ‬peças de evidência‭, ‬um formato de pintura a óleo em madeira com as mesmas dimensões‭, ‬40‭ ‬x 50‭ ‬cm‭/ ‬50‭ ‬x 40‭ ‬cm‭. ‬Dessa forma‭, ‬Nistor questiona as convenções de nossa percepção e pensamento para criar uma nova potencialidade do pensar‭. ‬A artista cria imagens icônicas do efêmero‭ ‬ao mesmo tempo que tenta preservá-lo‭. ‬

Serban Savu‭ (‬nascido em 1978‭, ‬vive e trabalha em Cluj‭) ‬pinta o‭ ‬Novo Home ‬‮–‬‭ ‬o tão esperado produto da sociedade comunista‭, ‬criado no laboratório ideológico‭ ‬‮–‬‭, ‬preso à melancolia de sua rotina de anonimato na transição para o capitalismo‭. ‬A distância entre o ideal e o real carrega a imagem de tensões‭, ‬pois Savu pinta a imagem de‭ ‬um mundo após a falência de um projeto histórico‭. ‬Caracterizadas por empatia e exame minucioso‭, ‬observação e abstração‭, ‬redução‭ ‬e recomposição‭, ‬suas pinturas são capazes de iniciar uma avaliação do momento presente entendido em um sentido amplo e histórico‭. ‬Mais sombria do que a maioria dos seus quadros do cotidiano‭, ‬a inquietante paisagem de‭ Blackout‭ (‬2016‭) ‬é uma cena rara devido à ausência de uma figura humana‭, ‬que‭, ‬no entanto‭, ‬está presente na silhueta fantasmagórica da parcialmente desmoronada torre de transmissão de alta voltagem‭. ‬Abandonada na vasta expansão natural‭, ‬a gigantesca estrutura ereta pelo homem funciona tanto como um lembrete da falência da tecnologia quanto como uma reflexão da humanidade em geral‭. ‬

Miklos Onucsan‭ (‬nascido em 1952‭, ‬Gherla‭, ‬Romênia‭, ‬vive e trabalha em Oradea‭) ‬trabalha em um viés conceitual‭, ‬lidando com uma vasta gama de questões altamente pessoais‭, ‬mas que também são capazes de adquirir uma ressonância ampla‭. ‬Suas intervenções também trazem à mente um espírito a la Fluxus‭. ‬Em suas própria palavras‭, ‬seu trabalho não visa representar ou substituir a realidade existente‭, ‬mas orientar nossa percepção por meio de alterações quase imperceptíveis daquilo que encontramos no mundo‭.‬ Em Stiff Ballet for the End of the Century‭ (‬Balé duro para o fim do século‭) (‬1996‭), ‬Miklos Onucsan usa uma experiência real como‭ ‬ponto de partida‭: ‬em um dia de muito calor‭, ‬no meio das pessoas caminhando pela rua‭, ‬uma criança solta um balão que começa a‭ ‬dançar ‬no ar‭, ‬conforme se esvazia‭. ‬A partir daquele momento fugaz‭, ‬Onucsan desenvolve uma performance realizada por um grupo de pessoas atuando de forma rígida‭, ‬mas simultaneamente envolvidas em uma coreografia ativada pelos balões que elas seguram e soltam‭ ‬‮–‬‭ ‬uma dança livre‭, ‬sem edições e imprevisível‭, ‬dentro das coordenadas fixas e pré-definidas da performance‭, ‬como um tributo poético‭ ‬ao século prestes a terminar‭, ‬embasado em um ponto de vista tanto crítico quanto bem-humorado‭.  ‬