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Solo Exhibition

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Yukie Ishikawa: Impermanence — A Flowering Stalk Grows, 2015 Acrylic On Canvas 61 1/2 X 75 3/8 Inches © Courtesy of the Artist and Blum & Poe
Solo Exhibition

1-14-34 Jingumae, Shibuya
150-0001 Tokyo
JP
September 1st - October 20th
Opening: September 1st 6:00 PM - 8:00 PM

QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://blumandpoe.com/
OPEN HOURS:  
Tue-Sat 11-7

DESCRIPTION

Blum & Poe is pleased to present a body of work spanning three decades by Tokyo-based artist Yukie Ishikawa. This is Ishikawa’s first solo presentation with the gallery.

Yukie Ishikawa began her career in the late 1980s as the Japanese New Painting movement, which developed alongside American and European Neo-Expressionism, gave way to new artistic possibilities. During this time in Japan, artists began to explore subversive artistic languages of simulacra and appropriation that responded to the zeitgeist of design and advertisement culture during the bubble economy. Ishikawa’s practice is distinct for its conscientious response against the history of Modernist painting and against the monochromatic space found in Minimalist art. The compositions originate from photographs of miscellaneous subject matter she finds in magazines, advertisements, newspapers, and books, which she enlarges, projects, and traces onto the canvas. Although this tracing of form ostensibly results in two-dimensional planes, in Ishikawa’s view one can visually reconstruct three-dimensional space within them. Deliberately composing and coloring the abstractions in order to obfuscate the identity of the original source material, she seeks to create “a pictorial space outside of the three-dimensional space to which those things belonged.” In some works, Ishikawa employs her interpretation of tentai. Translating literally as “spot and substance,” tentai is a technique in ink painting that dates back to 9th-century China—a collaborative interplay of meaning and representation—in which trees, rocks, and mountains are depicted through the application of pointillist ink dots, creating a foggy sense of vitality and rhythm. As such, Ishikawa partakes in Postmodernist strategies of deconstructing Modernist abstraction by appropriating the unique collective unconscious of Japanese advertisement culture through a distinctive engagement with traditional techniques of ink landscape painting.

This exhibition features an ongoing series of highly intricate and complex compositions entitled Impermanence. This body of work was conceived in 2012, as Ishikawa meditated on the ever-shifting appearance of the landscape outside her large studio windows. She began to alter the pictorial structure of paintings from previous decades, retouching or reworking compositions that had once seemed complete. No longer facing a blank canvas, she responds to the “given conditions” of the existing painted surface, adding new layers of lines and grids, some with sand mixed into the paint, and some incorporating the tentai technique. This retouching is not intended to damage, destroy, or deny the given conditions, but to generate a new pictorial meaning within the colors and painted forms on the surface. The lower layer now interacts with the superimposed layer in form, color, and texture. The combination of pigments in the stripes produces an optical color mix. As Ishikawa puts it, “I would like to make paintings that simultaneously contain a variety of unique relationships among disparate elements while the various structural components within the painting exist as independent entities.” 

Yukie Ishikawa was born in Tokyo in 1961, and graduated from the Department of Oil Painting at Musashino Art University, Tokyo, in 1983. She currently lives and works near Kawagoe, Saitama Prefecture. Since the late 1980s she has held regular solo exhibitions in Japan and her paintings have been featured in prominent group exhibitions, including The Vision of Contemporary Art, Ueno Royal Museum, Tokyo (1995 and 1999); Remaking Modernism in Japan 1900–2000, University Art Museum, Tokyo National University of Fine Arts and Music, and Museum of Contemporary Art, Tokyo (2004); The Power of Painting—Japanese Painting since 1980, Museum of Contemporary Art, Tokyo (2005); Primary Field: The State of Contemporary Art—Conversation with the 7 Fields,  Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama (2007); Minimal/ Post Minimal—The Contemporary Japanese Art from 1970s, Utsunomiya Museum of Art, Utsunomiya (2013). Her work is represented in the collections of the Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima; Iwaki City Art Museum, Iwaki; Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama; National Museum of Art, Osaka; Sezon Museum of Modern Art, Karuizawa; and the Utsunomiya Museum of Art, Utsunomiya.


BLUM & POEでは、石川順惠による展覧会を開催いたします。当ギャラリーでは初の個展開催となる本展では、30年にわたる作家の取り組みを一連の作品群と共に紹介いたします。

石川の活動は、アメリカやヨーロッパ各地で、新しい美術の可能性を模索したネオ・エクスプレッショニズム (新表現主義) の動向が席巻した1980年代後半、日本におけるニュー・ペインティングの台頭と共に、始まります。それは、日本においても、バブル経済を時代背景とし、デザインや消費文化といった時代性を反映しながら、既存の美術を乗り越えていくようなシミュラークルやアポロプリエーションといった新しい美術手法が模索された時代でした。このような背景の中で展開されてきた石川の実践には、モダニズム絵画の歴史や、ミニマル・アートに見られるモノクローム的な空間に対する意識的な応答が明確に見られます。

キャンバス上で拡大され、トレースされ、写し出されたコンポジションは、雑誌、広告、新聞、書籍といった印刷物から作家が見つけた日常的なイメージをもとに取り入れられています。トレースされた形態は、一見すると二次元的な平面に収束しているように見えますが、作家の視点を通した画面の中で、見事に三次元的な空間が視覚的に再構成されています。石川は、元のイメージが持つ固有性を曖昧にするように、抽象性を慎重に構成し、彩色を施すことで、「そのような事物が属する三次元的空間とは別種の絵画的な空間」を生み出すことについての探求を行なってきました。また、いくつかの作品では、樹木や岩、そして山といったモチーフに、生命力や律動感をその濃淡のうちに宿すような効果を (意味的にも、表象的にも) 与えるものとして用いられてきた、9世紀の中国で生まれた点苔という水墨画の技法が応用されています。このようにして、作家のアプローチは、伝統的な水墨山水画の技法を特徴的に用いながらも、日本の広告文化における独特な集合的無意識を流用するといった手法を携えた、モダニズム的抽象画を脱構築化するポストモダン的方法論を取っていると言えるでしょう。

さらに、本展では、非常に複雑で入り組んだ構成から成る、日本語で「非永続性」を意味する<Impermanence>と称する現在まで取り組んでいるシリーズを紹介いたします。今回発表する作品は、スタジオの窓から見える風景の移ろいを前にした瞑想的な状況から着想を受けて、2012年に完成されたものです。本作群では、未完成のペインティングを加筆し、すでに完成したかに見える旧作を再構成することで、これまでの作品とは異なる絵画構造を打ち出していきます。同作品群において、真っ新なキャンバスに向かうことを放棄する代わりに、砂を混ぜ質感を増した絵の具や点苔の技法を複合的に駆使し、レイヤーやグリッド、線を新たに加えていくことで、作家は「与えられた条件」に向かっています。作家にとって、加筆という行為は、棄捐や破壊、否定を意図するものではなく、表面に加えられた色彩や、描かれた形式によって新しい絵画的な意味づけを付与していくことを表しているのです。画面の中では、重ねられたレイヤーと下のレイヤーの構成からは、複層的な関係性が生まれています。同様に、ストライプ状の色の組み合わせは、オプティカルな混色をもたらしています。同作における自身の創作の動機について、「画面内の様々な構成要素が、独立的な存在としてありながら、様々な場所で、他の要素と多様な、独特な関係を持つ絵画を描きたいと思っている」と作家は述べています。 

石川順惠
1961年東京生まれ。現在、埼玉県日高市を拠点として活動。1983年武蔵野美術大学油絵学科卒業。80年代末から頻繁に個展を開催し、数多くの主要なグループ展にも参加している。主なグループ展に「VOCA展」上野の森美術館 (東京、1995年・1999年)、「再考:近代日本の絵画-美意識の形成と展開」東京都現代美術館・東京藝術大学大学美術館 (2004年)、「絵画の力 − 今日の絵画 近年の新収蔵作品を中心として」いわき市立美術館 (福島、2005年)、「プライマリー・フィールド 美術の現在 − 七つの<場>との対話」神奈川県立近代美術館葉山館 (2007年)、「ミニマル/ポストミニマル 1970年代以降の絵画と彫刻」宇都宮美術館 (栃木、2013年) などが挙げられる。その作品群は、広島市現代美術館、いわき市立美術館、神奈川県立近代美術館、国立国際美術館、セゾン現代美術館、宇都宮美術館といった美術館で所蔵されている。