Tout Doit Disparaître

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Dennis Adams: Airborne, 2002 © Courtesy of the Artist and Galerie Gabrielle Maubrie
Tout Doit Disparaître

24 Rue Sainte Croix de la Bretonnerie
75004 Paris
May 31st, 2018 - July 13th, 2018

01 42 78 03 97
Tue-Sat 2-7 and by appointment


DOUBLE FEATURE is a series of composite “stills” collaged from individual frames grabbed from Jean-Luc Godard’s Breathless (1959) and Gillo Pontecorvo’s The Battle of Algiers (1965). In these constructed images Jean Seberg, the co-star of Breathless, has been displaced from her celebrated stroll along the Champs-Élysées in Paris, where she hawked the New York Herald Tribune with Jean-Paul Belmondo at her side, and relocated in Algiers during Algeria’s struggle for independence from French rule, where she walks the city’s war-torn streets. The artist chose to combine still images from these two films because they depict a shared moment of time in French history in which two oppositional urban realities were emerging.
While both Breathless and The Battle of Algiers depict the same historical window of time, and even share some of the era’s cinema verité, handheld camera aesthetic, they could not be more incompatible in their narrative pacing and political stance. Seberg and Belmondo wander aimlessly through Paris, attentive only to their tenuous relationship and the momentary circumstances of their lives, while the cast of characters in Algiers, on both sides of the conflict, tests the absolute limits of violence in a battle to
defend opposing ideals.
Released in 1966 and initially banned in France, The Battle of Algiers commemorates the Algerian uprising against French colonial rule, a struggle that lasted from 1954 to 1962. Considered one of the most influential films in the history of political cinema, it revolutionized the genre with its quasi-documentary style and use of former insurgents to reenact historical events. `
Released in 1960, Breathless is Godard’s first full-length feature and a manifesto of New Wave cinema.

Searching the skies over lower Manhattan since 9/11, Adams has photographed newspapers and plastic bags that he found floating over the city. This lightweight debris becomes airborne from gusts and updrafts generated by traffic, architecture and weather conditions of the city. Suspended in the atmospheric light of changing skies, Adams has captured these isolated urban fragments as potential signs of both memory and prophesies.

Patty Chang is an artist who works in performance, video, writing and installation. His work has the ability to explore complex topics almost simultaneously, just like life. Born in 1972 in San Leandro, California, Chang earned her BA from the University of California at San Diego in 1994. Her work has been exhibited nationally and internationally in institutions such as the Museum of Modern Art in New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; New Museum, New York; BAK, Basis voor actuele Kunst, Utrecht, The Netherlands; the Hammer Museum in Los Angeles; Fri Art Freiburg Art Center, Friborg, Switzerland; Chinese Arts Center, Manchester, England; the Chicago Museum of Contemporary Art; the M + Museum, Hong Kong; the San Francisco Museum of Modern Art; and Moderna Museet, Stockholm. Her work received a 2003 Rockefeller Foundation Award and a 2012 Creative Capital Award. In 2008, she was a finalist in the Hugo Boss Prize and Guna S. Mundheim Scholar in Visual Arts at the American Academy in Berlin. In 2014, Chang was a fellow of the John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Her acclaimed exhibition "Patty Chang: The Wandering Lake 2009-2017" will visit the Los Angeles Institute of Contemporary Art in 2019. She lives and works in Los Angeles.

Miroslav Tichy (1926-2011) composed in Communist Czechoslovakia from the 1960s to the late 1980s.
The first peculiarity of Miroslav Tichy's photography is the reinvention by the artist, of his tools, a very strong attention to the process of making the image: DIY objectives, makeshift development rooms made from shoe boxes or preserves, lentils with toothpaste or ashes of cigarettes to blur and diffract the image and thus transform the real, the objective image offered by the real or that of the beings that it crosses, in particular the women of Kyjov, at the center of his work. The eroticism that emerges from these images is not that, licked, other works that are contemporary or advertising: it is for Miroslav Tichy by photography, to find "something new, a new world ".
The work of Miroslav Tichy has long remained unknown, by choice of the artist himself, radically opposed to any idea of market and even recognition, even conservation of his works.

Ralph Eugene Meatyard was one of only few photographers who had any sort of influence on my « photographic » roots…I believe in his bizarre, fictional world.
-Cindy Sherman
Ralph Eugene Meatyard was born in Normal, Illinois in 1925 and lived in Lexington, Kentucky, where he made his living as an optician. Having developed a serious interest in photography, Meatyard joined the Lexington Camera Club in 1954. Among the members of the club were Cranston Ritchie and Van Deren Coke, both who would become important mentors and inspiring models in Meatyard’s work. Other subjects of Meatyard’s photographs, included members of his own family. His wife, Madelyn and their three children would enact symbolic dramas, set in ordinary, often abandoned places. Working outside the photographic mainstream, Meatyard experimented with multiple exposures, motion blur, and focus. Meatyard’s final series, The Family Album of Lucybelle Crater, completed shortly before he died in 1972, pays homage to his beloved family and talented friends.

HRAFNKELL SIGURDSSON “Unfolding Landscapes”

For some earlier voyagers on the Grand Tour the passage through the Alps was an unwelcome terror. The genteel cities of northern Europe were barricaded by chasms and fractured peaks from the picturesque climes of southern Italy. This landscape in unreasoned ruin was an intrusion and infliction upon their cultured senses. To save their eyes from the horror, it was common for the blinds in their carriage to be drawn during their transit through the high mountains.

This touristy editing out of the abject seems pertinent to these new works of Hrafnkell Sigurðsson. The formal device – not dissimilar to an altarpiece and one, which Sigurðsson's has used in the past – establishes something of a dichotomy between the two images, which stand as cultural tropes, and alternately conceal and give way to one another. While in the past Sigurðsson's pairing of a pristine Icelandic winter vista that is concealed behind an image of a close up of a refuse site, appears to relate through polarity: the natural versus the manmade; the sacred and the profane; the benign concealing the malevolent. To some extent these new works renegotiate the moral dimension within the work (however it should be noted that in the earlier work the refuse was depicted in such a luscious and compelling way that it would be inaccurate to suggest there was a particular hierarchy being advanced). A hibernal landscape and a great expanse of azure is opened – gives way – to reveal a tumultuous eruption. Two facets of nature and two quintessential Icelandic images. Yet unlike those on the Grand Tour this vulgarity of nature, the volcano Eyjafjallajökull, is perceived with awe, fear and amazement. The global response to Eyjafjallajökull's activity in the spring of 2010 was an instance of the contemporary sublime, the power and magnitude of the volcano was felt around the world.

DENNIS ADAMS « Double Feature »
Double Feature est une série de photogrammes composites tirés de À Bout de Souffle de Jean-Luc Godard (1959) et de La Bataille d’Alger de Gillo Pontecorvo (1965).
Dans ces images assemblées, Jean Seberg (qui tient l’un des premiers rôles dans À bout de Souffle), à été déplacée des Champs-Élysées le long desquels, dans une scène célèbre, elle distribuait le Herald Tribune aux côtés de Jean-Paul Belmondo, et déplacer vers l’Alger de la guerre d’indépendance, où elle marche dans les rues détruites par le conflit. L’artiste a choisi d’assembler des photogrammes de ces deux films car ils dépeignent le moment de l’histoire de la France où sont apparues deux réalités urbaines opposés.
Tandis que À bout de Souffle et La Bataille d’Alger dépeignent le même temps historique, et stylistique (le cinéma-vérité, l’esthétique de la caméra à l’épaule), ils sont absolument opposés dans leur rythme narratif et dans leur position politique. Seberg et Belmondo errent dans Paris, attentifs seulement à leur relation, et les circonstances momentanées de leurs vies, tandis que les personnages à Alger, des deux côtés du conflit, testent les limites de la violence dans une bataille qui défend des idéaux opposés.
Réalisé en 1965 et longtemps interdit en France, La Bataille d’Alger commémore l’insurrection algérienne contre la colonisation française, une lutte qui dura de 1954 à 1962. Considéré comme un des films les plus influents dans l’histoire du cinéma politique, La Bataille d’Alger a révolutionné le genre par son style presque documentaire et en demandant à d’anciens insurgés de rejouer les évènements historiques.
Réalisé en 1959, À Bout de Souffle fut le premier long-métrage de Jean-Luc Godard et un manifeste de la Nouvelle Vague.

DENNIS ADAMS « Airborne »
Observant le ciel au-dessus du bas Manhattan depuis le 11 septembre, Adams a photographié les journaux et les sacs de plastique qui flottent dans l'air au-dessus de la ville. Ces légers débris profitent des courants d'air provoqués par la circulation, l'architecture et les changements de température pour se maintenir en suspension. Dennis Adams a capté ces fragments d'urbanité flottant dans la lumière atmosphérique d'un ciel changeant, signes potentiels à la fois de mémoire et de prophétie.

est une artiste qui travaille dans la performance, la vidéo, l'écriture et l'installation. Son travail a la capacité d'explorer des sujets complexes presque simultanément, tout comme la vie. Née en 1972 à San Leandro en Californie, Chang a obtenu son BA de l'Université de Californie à San Diego en 1994. Son travail a été exposé à l'échelle nationale et internationale dans des institutions telles que le Museum of Modern Art de New York; Musée Solomon R. Guggenheim, New York; Nouveau musée, New York; BAK, Basis voor actuele Kunst, Utrecht, Pays-Bas; le Hammer Museum de Los Angeles; Fri Art Centre d'Art de Fribourg, Fribourg, Suisse; Centre des Arts Chinois, Manchester, Angleterre; le musée d'art contemporain de Chicago; le musée M +, Hong Kong; le musée d'art moderne de San Francisco; et le Moderna Museet, Stockholm. Son travail a reçu un prix 2003 de la Fondation Rockefeller et un prix Creative Capital 2012. En 2008, elle a été finaliste du prix Hugo Boss et boursière Guna S. Mundheim dans les arts visuels à l'American Academy de Berlin. En 2014, Chang était boursière de la Fondation John Simon Guggenheim Memorial. Son exposition acclamée "Patty Chang: The Wandering Lake 2009-2017" se rendra à l'Institut d'Art Contemporain de Los Angeles en 2019. Elle vit et travaille à Los Angeles.

Miroslav Tichy (1926-2011), composé dans la Tchécoslovaquie communiste des années 60 à la fin des années 80.
La première particularité de la photographie de Miroslav Tichy est la réinvention par l’artiste, de ses outils, une attention très forte au processus de fabrication de l’image : objectifs bricolés, chambres de développement de fortune composées à partir de boîtes à chaussures ou de conserves, lentilles passées au dentifrice ou à la cendre de cigarettes pour flouter et diffracter l’image et ainsi transformer le réel, l’image objective offerte par le réel ou celle des êtres qu’il croise, en particulier les femmes de Kyjov, au centre de son œuvre. L’érotisme qui se dégage de ces images n’est pas celui, léché, d’autres travaux qui lui sont contemporains ou de la publicité : il s’agit pour Miroslav Tichy par la photographie, de trouver « quelque chose de nouveau, un nouveau monde ».
L’œuvre de Miroslav Tichy est longtemps demeurée méconnue, par choix de l’artiste lui-même, radicalement opposé à toute idée de marché et même de reconnaissance, voire de conservation de ses œuvres.

« Unfolding Landscapes »

À certains voyageurs du Grand Tour, le passage des Alpes inspirait une terreur fâcheuse. Entre les villes distinguées de l’Europe du Nord et les contrées pittoresques de l’Italie méridionale se dressaient des barricades d’abîmes et de sommets fracturés. Ce paysage de ruine irrationnelle offusquait leurs sens raffinés. Pour s’épargner la vue de cette horreur, ils avaient coutume de tirer les rideaux de leur carrosse quand ils traversaient la haute montagne.
Ce montage touristique de l’odieux semble s’appliquer aux nouvelles œuvres de Hrafnkell Sigurösson. Le dispositif formel de ses photographies, – qui rappelle celui des retables et que Sigurösson a déjà utilisé dans le passé, établit une sorte de dichotomie entre les deux images, lesquelles acquièrent le statut de tropes culturels, images qui, tour à tour, dissimulent l’autre avant de lui céder la place. Dans ses dispositifs doubles antérieurs, Sigurösson cachait un panorama immaculé de l’hiver islandais derrière un gros plan de décharge, et semblait les associer par des séries d’opposition : le naturel contre l’artificiel, le sacré contre le profane, le bénéfique dissimulant le maléfique. Dans une certaine mesure ces nouvelles œuvres surmontent la dimension morale inhérente à ce travail (il serait inexact de laisser entendre qu’il existait une hiérarchie précise.) Un paysage d’hiver sous un vaste ciel bleu s’ouvre et s’efface devant une éruption tumultueuse. Deux facettes de la nature et deux images islandaises par excellence. Pourtant, contrairement à celle du Grand Tour, cette vulgarité de la nature, qu’est le volcan Eyjafjallajökull, est perçue avec un étonnement mêlé de crainte respectueuse. La réaction universelle à l’éruption de l’Eyjafjallajökull au printemps 2010 fut un moment sublime, la puissance et la grandeur du volcan ont été ressenties partout dans le monde. Le volcan a provoqué le chaos général en clouant au sol les avions au sol. Il a été, pour l’essentiel, une terreur invisible, mais qui a donné une échelle d’humilité au monde.

Ralph Eugene Meatyard was one of only few photographers who had any sort of influence on my « photographic » roots…I believe in his bizarre, fictional world. -Cindy Sherman
Ralph Eugene Meatyard né en 1925 à Normal, Illinois, a vécu à Lexington, Kentucky, où il exerçait la profession d'opticien. S'intéressant de plus en plus à la photographie, il adhéra au Lexington Camera Club en 1954. À ce club appartenaient Cranston Ritchie et Van Deren Coke, qui allaient tous deux devenir pour lui d'importants mentors et modèles d'inspiration. Les membres de sa propre
famille figuraient également parmi ses sujets photographiques. Son épouse, Madelyn, et leurs trois enfants se prêtaient ainsi à des scènes symboliques, dans le cadre de lieux ordinaires, souvent
abandonnés. Travaillant à l'écart des grands courants photographiques, Meatyard multiplia les expériences autour des multi-expositions, du flou de mouvement et de mise au point. Sa série finale, The Family Album of Lucybelle Crater, achevée peu avant sa mort en 1972, rend hommage à sa famille et à ses amis.

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