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Construction/Destruction: Organized with Olivier Renaud-Clement

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© Courtesy of the Artist and Galerie Almine Rech
Construction/Destruction: Organized with Olivier Renaud-Clement

64 rue de Turenne
75003 Paris
FR
April 29th, 2015 - June 6th, 2015
Opening: April 29th, 2015 5:00 PM - 8:00 PM

QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://www.galeriealminerech.com
NEIGHBORHOOD:  
3rd Arrondissement
EMAIL:  
contact.paris@alminerech.com
PHONE:  
+33 1 45 83 71 90
OPEN HOURS:  
Tue-Sat 11-7

DESCRIPTION

Almine Rech Gallery is pleased to announce 'Construction / Destruction', a group exhibition that brings together the work of six international artists active between the 1960s and today. Emerging from divergent contemporary trajectories across the globe, their work explores notions of destruction, construction and transformation, as forces of cyclical renewal to define the connections to, or away from, their own cultural past. The destructive tendency is crucial to the history of modern and contemporary art. However, presented here, these acts are no more violent than they are transformational, looking to develop dynamic visual and spatial relationships, or to construct multi-layered experiences, which engage the artist, the material and the agency of the viewer.

Together, the works of Joel Shapiro and Fernanda Gomes create a new landscape of form and meaning, which insists upon a phenomenological experience of space. Based in Rio de Janeiro, the work of Fernanda Gomes emerges from the traditions of Brazilian Constructivism and the Neo-Concrete. Created in situ, her installations reflect upon a process of discovery, assimilation and appropriation. Starkly minimal in her aesthetic approach, Gomes extracts discarded objects from the world – such as cotton thread, nails, wood, plastic bags, wire, or paintbrushes – most of which she paints the color white. Choreographing barely noticeably interventions among the gallery’s walls and physical space, her work requires extended observation as she poetically manifests fragments from the world. “The state of things on their way to disappearing appeals to me,” she explains, “they have a strange density in contrast to their precarious materiality.”

In a similar manner, American sculptor Joel Shapiro presents a series of new miniature sculptures, which despite their modest scale, command an unwavering presence. Sans plinth, his pieces are fixed and spread across the gallery’s floor. In this new series of intimately scaled works, Shapiro first constructs models of houses made of wood, which he then burns and later casts in bronze. His use of scale alludes to an extreme vulnerability, but at the same time conveys an aloof distance. Here, Shapiro revisits the motif of ‘the house’, a theme which first appeared and, in fact, dominated the work of his early career. Emerging in the sixties and seventies, in the wake of Minimalist and Conceptual art, Shapiro developed an iconography that drew upon private memory, but which sought out formal invention. The immediate physical experience of the artist’s sculptures is therefore psychologically charged, imbued with personal associations whilst simultaneously evoking everyday universal forms.

Performing serial acts of destruction, the young New York-based artist Adam Marnie not only interrogates the boundaries of sculpture, but explores and subverts the aesthetic of architectural space. Marnie’s work traces the influence of Minimalism, which he arguably embraces and critiques in a very physical way. ‘Locus Rubric’ (2011) appropriates construction materials, such as drywall, which the artist employs to build boxed forms that have been punctured by two fist-sized holes. As if to capture the immediacy of the impact, the sculpture has been encased and displayed within a frame to collect that rubble as it falls. However, through careful looking, the viewer finds that Marnie’s surface fissures are nothing more than a series of predetermined, constructed gestures that create tension between artifice and real presentations of violence.

Although the work of Jannis Kounellis and Kishio Suga developed separately within a distinctive national context during the postwar period, their work shares affinities in an approach to material and process, which articulates the artwork as a site of contingency, open to the possibility of fragmentation and ephemeral states. Japanese artist Kishio Suga is one of the most prominent figures of Mono Ha (School of Things), whose work emphasizes the close relationship between the fundamental nature of objects and the spaces in which they exist. In a series of wall-mounted assemblages presented here, Suga employs natural and industrial materials to create intimate pieces sparked with improvisational energy, reflecting the physical act of their construction. Similarly, the sculptures of Jannis Kounellis – one of the forefather’s of the Italian Arte Povera movement – can be characterized by the juxtaposition of objects and materials that may be physically and culturally antithetical to one another. Ordinary objects held a directness and immediacy for Kounellis, who sought to unite art with everyday lived experiences.

Lastly, Venezuelan artist Arturo Herrera’s work is rooted in the practice of collage. Incorporating the use of everyday printed materials into his visual vocabulary, Herrera combines dislocated fragments of popular imagery to create abstract compositions, which tap into our cultural subconscious and collective memory. In a recent series of 'Untitled' works, the artist has sourced found books from flea markets in Berlin. An example of Herrera’s first foray in painting, the artist deconstructs the notion of the picture plane by employing the book as his canvas. Dipping the objects into paint, the pages of each book are sealed shut, obliterating their content and destroying their original form. Continuing to spill and drip paint over the surface, Herrera transforms the discard paperback and hardcover books into intimate object-based paintings, which, through built up layers, invoke the process of collage to create compelling new graphic forms.


La galerie Almine Rech a le plaisir d’annoncer « Construction / Destruction », une exposition collective réunissant les œuvres de six artistes internationaux actifs entre les années 1960 et aujourd’hui. Issus de trajectoires contemporaines divergentes, prenant leur source de par le monde, ces travaux envisagent les notions de destruction, de construction et de transformation comme moteurs d’un renouveau au moyen duquel ils tentent de définir les liens de rapprochement, ou de distanciation, qu’ils entretiennent avec leur propre passé culturel. La tendance destructive joue un rôle central dans l’histoire de l’art moderne et contemporain. Toutefois, présentés ici, ces actes ne sont pas plus violents que transformatifs ; ils cherchent à développer des relations visuelles et spatiales ou à construire plusieurs niveaux d’expériences, lesquels impliquent l’artiste et le matériau aussi bien que l’intervention du visiteur.

Les pièces de Joel Shapiro et de Fernanda Gomes créent, à partir de formes et de significations, des paysages nouveaux et mettent l’accent sur une expérience phénoménologique de l’espace. Domiciliée à Rio de Janeiro, Fernanda Gomes produit une œuvre issue de la tradition du Constructivisme brésilien et du Néo-concret. Créées in situ, ses installations témoignent d’une réflexion sur le processus de découverte, d’assimilation et d’appropriation. L’artiste, dont la démarche esthétique se caractérise par un minimalisme austère, recueille les objets dont le monde ne veut plus – fil de coton, clous, bout de bois, sacs plastique, câble ou pinceaux – qu’elle peint pour la plupart en blanc. Chorégraphie d’interventions à peine visibles sur les murs et dans l’espace physique de la galerie, son travail demande un sens aigu de l’observation à qui veut déceler sa traduction poétique de ces fragments du monde. « Je suis attirée par l’état des choses qui sont sur le point de disparaître », explique-t-elle, « leur densité semble étrangement en décalage avec leur matérialité, si précaire ».

De manière comparable, le sculpteur américain Joel Shapiro présente des sculptures miniatures inédites qui, malgré leur échelle modeste, s’imposent par une assurance inébranlable. Elles sont éparpillées et fixées sur le sol de la galerie, sans socle. Dans cette nouvelle série, Joel Shapiro construit des maquettes de maison en bois qu’il brûle avant d’en mouler les vestiges dans le bronze. Chez lui, l’échelle évoque une vulnérabilité extrême, mais tient aussi froidement à distance. Il revisite ici le motif de « la maison », un thème qui dominait son œuvre, au début de sa carrière. Joel Shapiro se fait connaître entre les années 60 et 70 alors que, dans le sillage de l’art minimal et conceptuel, il développait une iconographie inspirée tout autant de la mémoire privée, que de la quête d’un renouvellement formel. C’est donc à une expérience physique immédiate empreinte de psychologie qu’appellent les sculptures de l’artiste  simultanément imprégnées d’associations personnelles et évocatrices d’une quotidienneté universelle.

Par ses actes de destruction en série, le jeune artiste new yorkais Adam Marnie questionne non seulement les limites de la sculpture mais étudie également l’esthétique de l’espace architectural, pour mieux la subvertir. Son travail retrace l’influence du minimalisme qu'il accepte et critique conjointement, de façon très physique. L’oeuvre « Locus Rubric », (2011) s’approprie des matériaux de construction à l’instar de ces plaques de plâtre avec lesquelles l’artiste réalise des formes cubiques percées de deux trous de la taille d’un poing. Comme pour saisir l’immédiateté de l’impact, la sculpture, enchâssée, est exposée dans un cadre qui récolte les gravats au fur et à mesure de leur chute. Le visiteur attentif découvre toutefois que ces fissures ne sont rien d’autre qu’une série de gestes construits et prédéterminés, créateurs de tension, entre artifices et présentations concrètes de la violence.

Bien que Jannis Kounellis et Kishio Suga aient développé leur pratique à part, chacun dans un contexte national d’après-guerre spécifique, leurs pièces partagent une approche similaire du matériel et du processus, dans laquelle l’œuvre s’articule tel un théâtre d’imprévus, ouvert à la possibilité de la fragmentation et des états éphémères. L’artiste japonais Kishio Suga est une figure de proue du Mono Ha (École de Choses), mouvement qui se concentre sur le lien étroit entre la nature fondamentale des objets et les espaces au sein desquels ces derniers existent. Dans une série d’assemblages muraux ici présentés, Kishio Suga se sert de matériaux naturels et industriels pour créer des pièces intimes à l’énergie improvisée, reflets de l’acte physique qui est à leur origine. De même, les sculptures de Jannis Kounellis – l’un des pionniers du mouvement italien de l’Arte Povera – peuvent se définir par la juxtaposition d’objets et de matériaux possiblement antithétiques les uns aux autres sur les plans physique et culturel. Les objets ordinaires renferment une franchise et une immédiateté pour cet artiste, dont l’objectif consiste à réunir art et expériences vécues du quotidien. 

Le travail du Vénézuélien Arturo Herrera est, quant à lui, ancré dans la pratique du collage. Par l’emploi d’objets ordinaires imprimés qu’il intègre à son vocabulaire visuel, il agence des fragments disloqués de l’imagerie populaire et crée ainsi des compositions abstraites qui puisent dans notre inconscient collectif et dans notre mémoire culturelle. Dans une série récente d’œuvres «Untitled», Arturo Herrera utilise des livres dénichés sur divers marchés aux puces berlinois. Première incursion de l’artiste dans le monde de la peinture, les ouvrages déconstruisent la notion même de plan pictural puisqu’il s’en sert comme de toiles. Lorsqu’il trempe les livres dans la peinture, les pages se collent entre elles et emmurent leur contenu cependant que leur forme d’origine disparaît. Alors qu’il continue de renverser de la peinture sur leur surface, Arturo Herrera transforme les différents livres abandonnés en des tableaux-objets intimistes dont les couches superposées invoquent le processus du collage et créent des formes graphiques singulières.

 

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