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Optical Illusions: Contemporary Still Life

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Helmholtz Sirene, 2017 (Detail) © Annette Kelm / K├Ânig Galerie
Optical Illusions: Contemporary Still Life
Curated by: Ann-Christin Bertrand

Amerika Haus
Hardenbergstr. 22-24
10623 Berlin
Germany
July 13th - September 10th
Opening: July 12th 7:00 PM - 9:00 PM

QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://www.co-berlin.info
EMAIL:  
info@co-berlin.org
PHONE:  
+49.30.28 44 41 60
OPEN HOURS:  
Sun-Sat 11-8

DESCRIPTION

The opening will be held on Wednesday, July 12th, 2017, at 7 pm in the Amerika Haus (free admission).

Set tables, elaborate floral arrangements, ostentatious compositions of books, trophies, glasses and instruments count among the well-known motifs of classical still lifes and have for centuries been a canon of European art history. These once precious and symbolically charged objects have gradually given way to everyday objects. Meanwhile, perfume bottles, marbles, chewing sweets, hair shampoo, Starbucks cups and pizza boxes are the objects of today’s still lifes. The traditionally picturesque subject is currently experiencing a renaissance in contemporary photography, with the boundaries between artistically arranged still life on the one hand and commercial product photography on the other.

Even artists of the 1920s and 30s, such as Man Ray, László Moholy-Nagy or Florence Henri, experimented with the camera in a studio setting and created new forms of still life that were used as both artistic and advertising photos. Hans Hansen, whose exhibition entitled Still Life . Photographs from 1957 to 2017 is being shown in dialogue with Optical Illusions . Contemporary Still Life, successfully continued this approach from the 1970s on as artistic product photography. Today, advertising and product photography belong to the visuals of everyday life in our digitized society, once again making the still life an attractive genre for young artists. In this way, artistic arrangements beyond the pictured subject are explored: new technical possibilities are explored, visual codes are reduced to absurdity, and our habits of thinking and perception are investigated in a time in which making and publishing pictures has become commonplace for nearly everyone.

The exhibition Optical Illusions . Contemporary Still Life curated by Ann-Christin Bertrand at C/O Berlin will present four artistic positions through the works of Lucas Blalock, Annette Kelm, Antje Peters and Oskar Schmidt that do not just reassess the genre in a media sense, but rather also bring it up to date artistically. They all share an impressive precision and strict methodical formalization and use them to dissolve artistic conventions. By using both rhetoric and aesthetic of everyday photography and at the same time questioning the mechanisms for the creation of photographic images, they open new spaces of thought and perception and re-address the differing conditions of digital image production and the aesthetic norms of photography.

The American photographer Lucas Blalock demonstrates the work process behind photographic images in his pieces. Equally interested in both the history and in the possibilities of photography, he first uses classical studio photography with an analogue large-format camera, and then scans the negatives and processes them digitally. However, instead of disguising these digital work processes, he leaves them perceivable, creating unique hybrid forms between classic object representations and their total alienation. In this way, his works reflect not only contemporary production methods of photographic images, but rather always also the viewing and the high complexity of photographic reality.

Lucas Blalock, born in 1978 in Asheville, North Carolina (USA). He lives and works in New York. After studying at Bard College in New York, he graduated from the Skowhegan School of Painting and Sculpture at Skowhegan and completed a Master of Fine Arts at UCLA in Los Angeles. His work has been exhibited at the Museum of Modern Art (NYC), the Walker Art Center (Minneapolis, Minnesota) and the Metropolitan Museum of Art (NYC). He has published numerous artist books, has also worked as an author and critic, and has published various interviews and essays in magazines such as IMA, Aperture, Foam, Mousse and Objektiv.

For Annette Kelm, it is also about the approaches to our optical perception. Drawing on the artistic conventions of advertising photography like Elad Lassry or Roe Etheridge, her arrangements are generally cold and calculated. Her photographs are created by means of industrial and advertising photography. Instead of placing her objects on a neutral background, Annette Kelm mostly makes the background itself into the subject of the image. Whatever seems to stem from reality is then converted into a formally developed hyper-reality, which then loses its legibility. But precisely the strict orientation of formal criteria, the elimination of narrative elements and the deliberate irritation caused by the insertion of collaged props allow the viewer to come to nothing. Thus, their photographs become new spaces (of thought) resting between precision and ambiguity, space and surface as well as objectivity and abstraction.

Annette Kelm, born in Stuttgart in 1975, lives and works in Berlin. She studied at the University of Fine Arts (HFBK), Hamburg. Her work has won several awards, including the Camera Austria Prize for Contemporary Photography of the City of Graz (2015) and the ART COLOGNE Preis für junge Kunst (2005). Annette Kelm‘s works are located in prestigious collections of international museums and exhibition venues such as the Tate Modern in London, the Museum of Modern Art and the Solomon R. Guggenheim Museum in New York, the German Federal Cultural Foundation, the Kunsthaus Zürich and the Centre Pompidou in Paris.

Antje Peters‘ works adhere to the concept of a deliberate deconstruction of the perfect high-gloss photograph: Expensive cosmetic products are painted with felt-tip pens and centrally placed in an amorphous bundle with adhesive tape and colored pencils laced into a package together with a Swatch wristwatch. A spilled glass of water, exotic fruits, perfume, marbles, bank notes and CDs are distributed with chewing sweets, playing cards and hair shampoo on a black background and in a more chaotic way than perfectly choreographed one– it‘s always about the „crafting“ behind the perfect, smooth and cold appearance of digital product photography. It is precisely because of this artistic departure from known visual strategies in the advertising world that Antje Peters‘ work at C/O Berlin will be presented as an extensive still life. Thus, her work balances between commercial window displays and artistic installations.

Antje Peters, 1979 born in Berlin. She lives and works in Berlin. Since studying photography at the Utrecht School of the Arts, she has worked as an independent photographer and artist. In addition to the publication of her works in various books, such as The Book of Paper, The Curator as Barman, Automatic Books oder Illusion, Lodret Vandret, and magazines, such as Spike Art Quarterly, Numéro Homme Berlin, L‘Officiel, BLEND Magazine and FW Magazine, they have also appeared in exhibitions at the Boijmans van Beuningen Museum, Goethe Institute and TENT in Rotterdam, SecondROOM in Brussels, Amsterdams Center voor Fotografie and the European Months of Photography in Berlin.

The clear and highly reduced images of Oskar Schmidt remind viewers of classic panel paintings. They are the result of careful arrangements and display mirror-smooth surfaces, hidden objects or isolated portraits. Schmidt often refers to painting icons or photography history. At the same time, his recordings are in direct reference to so-called „stock photography“ - immaculate and mass-pre-produced studio recordings, which are license-free and authorless on digital image databases or are available free of charge via agencies. However, Schmidt is less concerned with the perfect reproduction of the original or the staging of the object and the figures themselves, and more with a photographic translation and artistic variation. With his factual and minimalistic photographic works, questions arise that go beyond the mere imaging technique of photography.

Oskar Schmidt was born in 1977 in Erlabrunn. He lives and works in Berlin. His works appeared most recently in various solo and group exhibitions, such as at the Fotomuseum Winterthur (2016), in the Aperture Foundation, New York (2014) and the Goethe-Institute, Washington D.C. (2010), at Zabludowicz Collection London/New York (2012), the Museum für bildende Künste Leipzig (2011) and at C/O Berlin (2009). They are part of important collections, such as the Center for Creative Photography, Tucson, the Staatliche Kunstsammlungen Dresden, the Daimler Art Collection, Stuttgart/Berlin, the UBS Bank Art Collection, Zurich and the Zabludowicz Collection, London.


Die Eröffnung findet am Mittwoch, den 12. Juli 2017, um 19 Uhr im Amerika Haus statt (Eintritt frei).

Gedeckte Tische, aufwendige Blumenarrangements, prunkvolle Kompositionen aus Büchern, Pokalen, Gläsern und Instrumenten zählen zu den bekannten Motiven des klassischen Stilllebens und gehören seit Jahrhunderten zum Kanon der europäischen Kunstgeschichte. Die einst kostbaren und symbolisch aufgeladenen Objekte sind zunehmend den Alltagsgegenständen gewichen. Inzwischen bilden Parfümflaschen, Murmeln, Kaubonbons, Haarshampoo, Starbucks-Becher und Pizza-Kartons die Objekte heutiger Stillleben. Das traditionell malerische Sujet erlebt in der zeitgenössischen Fotografie derzeit eine Renaissance, wobei sich die Grenzen zwischen künstlerisch arrangiertem Stillleben auf der einen und kommerzieller Produktfotografie auf der anderen Seite immer weiter auflösen.

Schon Künstler der 1920er- und 30er-Jahre wie Man Ray, László Moholy-Nagy oder Florence Henri experimentierten im Studio mit der Kleinbildkamera und schufen neue Formen des Stilllebens, die sowohl als künstlerische wie auch als Werbefotografie verwendet wurden. Hans Hansen, dessen Ausstellung Still Life . Fotografien von 1957 bis 2017 im Dialog zu Optical Illusions . Contemporary Still Life gezeigt wird, führte diese Herangehensweise ab den 1970er-Jahren als künstlerische Produktfotografie erfolgreich weiter. Heute gehören Werbe- und Produktfotografie zum visuellen Alltag unserer digitalisierten Gesellschaft, und damit ist auch das Stillleben für junge Künstler wieder ein attraktives Genre. So werden kunstvolle Arrangements über das abgebildete Sujet hinaus zum Experimentierfeld: Neue technische Möglichkeiten werden ausgelotet, visuelle Codes ad absurdum geführt und unsere Wahrnehmungsgewohnheiten in einer Zeit untersucht, in der Bilder zu machen und zu veröffentlichen für fast jeden zum Alltag geworden ist.

Die von Ann-Christin Bertrand kuratierte Ausstellung Optical Illusions . Contemporary Still Life bei C/O Berlin präsentiert mit Werken von Lucas Blalock, Annette Kelm, Antje Peters und Oskar Schmidt vier künstlerische Positionen, die das Genre nicht nur medial neu denken, sondern auch künstlerisch aktualisieren. Allen gemein ist ihre bestechende Präzision und strenge methodische Formalisierung, mit der sie bildnerische Konventionen auflösen. Indem sie sich einer Rhetorik und Ästhetik der Alltagsfotografie bedienen und gleichzeitig die Mechanismen der Herstellung von fotografischen Bildern hinterfragen, eröffnen sie neue Denk- sowie Wahrnehmungsräume und setzen sich mit den unterschiedlichen Bedingungen der digitalen Bildproduktion und den ästhetischen Normen der Fotografie neu auseinander.

Der amerikanische Fotokünstler Lucas Blalock veranschaulicht in seinen Arbeiten den Arbeitsprozess hinter fotografischen Bildern. Gleichermaßen an der Geschichte wie auch an den Möglichkeiten der Fotografie interessiert, bedient er sich zunächst der klassischen Studiofotografie mit analoger Großbildkamera, scannt anschließend die Negative ein und bearbeitet sie digital weiter. Statt diese digitalen Arbeitsprozesse zu verschleiern, belässt er sie jedoch nachvollziehbar, wodurch eigenartige Zwitterformen zwischen klassischer Objektdarstellung und deren totaler Verfremdung entstehen. Auf diese Weise reflektieren seine Arbeiten nicht nur zeitgenössische Produktionsmethoden fotografischer Bilder, sondern stets auch das Sehen und die hohe Komplexität fotografischer Realität.

Lucas Blalock, 1978 in Asheville, North Carolina (USA) geboren. Er lebt und arbeitet in New York. Nach einem Studium am Bard College in New York absolvierte er zunächst einen Abschluss in der Skowhegan School of Painting and Sculpture in Skowhegan sowie einen Master of Fine Arts an der UCLA in Los Angeles. Seine Arbeiten wurden in Ausstellungen u.a. am Museum of Modern Art in New York, dem Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota und dem Metropolitan Museum of Art in New York präsentiert. Er hat zahlreiche Künstlerbücher veröffentlicht und ist außerdem als Autor sowie Kritiker tätig, und hat Interviews und Essays u.a. in Magazinen wie IMA, Aperture, Foam, Mousse und Objectiv veröffentlicht.

Auch Annette Kelm geht es um die Annäherungen an unsere optische Wahrnehmung. Wie auch Elad Lassry oder Roe Etheridge auf die bildnerischen Konventionen der Werbefotografie zurückgreifend, wirken ihre Arrangements im Allgemeinen kühl und kalkuliert. Ihre Fotografien entstehen mit Mitteln der Industrie- und Werbefotografie. Statt jedoch ihre Gegenstände vor neutralem Fond freizustellen, macht Annette Kelm den Hintergrund meistens selbst zum Bildgegenstand. Was sich aus der Realität zu speisen scheint, wird hier zu einer formal ausgearbeiteten Hyperrealität umgebaut, die dabei ihre Lesbarkeit verliert. Aber gerade die strikte Orientierung an formalen Kriterien, der Verzicht von erzählerischen Elementen und die bewusste Irritation durch das Einfügen bildfremder Requisiten lässt den Betrachter ins Leere laufen. So werden ihre Fotografien zu neuen (Denk-)räumen zwischen Präzision und Mehrdeutigkeit, Raum und Fläche sowie Gegenständlichkeit und Abstraktion.

Annette Kelm, 1975 in Stuttgart geboren, lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte an der Hochschule für Bildende Künste, Hamburg. Ihr Werk hat diverse Auszeichnungen erhalten, u.a. den Camera Austria—Preis für zeitgenössische Fotografie der Stadt Graz (2015) und den Preis der ART COLOGNE für junge Kunst (2005). Annette Kelms Arbeiten befinden sich in namhaften Sammlungen internationaler Museen und Ausstellungshäuser, wie der Tate Modern in London, dem Museum of Modern Art und Solomon R. Guggenheim Museum in New York, der Kulturstiftung des Bundes, dem Kunsthaus Zürich sowie dem Centre Pompidou in Paris.

Antje Peters‘ Arbeiten folgen dem Konzept einer ganz bewussten Dekonstruktion der perfekten Hochglanzfotografie: Teure Kosmetikprodukte werden mit Filzstiften bemalt und zu einem amorphen Bündel mit Klebeband zentral ins Bild gesetzt, bunte Farbstifte mit einer Swatch-Armbanduhr zu einem Paket geschnürt. Ein verschüttetes Wasserglas, exotische Früchte, Parfüm, Murmeln, Geldscheine und CDs werden mit Kaubonbons, Spielkarten und Haarshampoo eher chaotisch als perfekt choreografiert auf schwarzem Untergrund verteilt – immer geht es um das handwerkliche „Basteln“ hinter der perfekten, glatten und kühlen Erscheinung digitaler Produktfotografie. Gerade durch dieses künstlerische Aufbrechen bekannter visueller Strategien der Werbewelt werden Antje Peters Arbeiten bei C/O Berlin als raumgreifende Stillleben umgsetzt. Auf diese Weise balanciert ihre Präsentation der gerahmten Werke zwischen Schaufensterdekoration und Kunstinstallation.

Antje Peters 1979 in Berlin geboren, lebt und arbeitet in Berlin. Seit ihrem Fotografie-Studium an der Kunstakademie in Utrecht arbeitet sie als selbständige Fotografin und Künstlerin. Neben der Veröffentlichung ihrer Arbeiten in verschiedenen Büchern, wie The Curator as Barman, Automatic Books oder Illusion, Lodret Vandret, und Zeitschriften, wie L’Officiel, Numéro Homme Berlin, KaDeWe Magazin, Die Dame Magazin und Baron Magazine, waren diese in Ausstellungen im Museum Boijmans van Beuningen, Goethe Institut und TENT in Rotterdam, Knoll Gallerie Wien im Rahmen ‘curated by_vienna‘, Amsterdams Centrum voor Fotografie sowie im Rahmen des European Months of Photography in Berlin zu sehen.

Die klaren und streng reduzierten Bilder von Oskar Schmidt erinnern an klassische Tafelbilder. Sie sind das Ergebnis sorgfältiger Arrangements und zeigen spiegelglatte Oberflächen, entrückte Objekte oder isoliert dargestellte Porträts. Schmidt bezieht sich dabei häufig auf Ikonen der Malerei- oder Fotografiegeschichte. Zugleich stehen seine Aufnahmen in direkter Referenz zur sogenannten „stock photography“ – makellose und massenhaft vorproduzierte Studioaufnahmen, die lizenzfrei und autorenlos auf digitalen Bilddatenbanken stehen oder über Agenturen kostenfrei abrufbar sind. Jedoch geht es Schmidt weniger um die perfekte Wiedergabe des Originals oder die Inszenierung des Objektes und der Figuren selbst, sondern um eine fotografische Übersetzung und künstlerische Variation. Mit seinen sachlichen und minimalistischen Fotoarbeiten entstehen Fragestellungen, die über die bloße Abbildungstechnik der Fotografie hinausgehen.

Oskar Schmidt 1977 in Erlabrunn geboren. Er lebt und arbeitet in Berlin. Seine Werke waren zuletzt in verschiedenen Einzel- und Gruppenausstellungen, wie im Fotomuseum Winterthur (2016), in der Aperture Foundation in New York (2014) sowie im Goethe-Institut in
Washington D.C. (2010), der Zabludowicz Collection in London/New York (2012), dem Museum für bildende Künste Leipzig (2011) und bei C/O Berlin (2009) zu sehen. Sie sind Teil bedeutender Sammlungen wie dem Center for Creative Photography, Tucson, der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, der Daimler Art Collection, Stuttgart/Berlin, der UBS Bank Art Collection, Zürich sowie der Zabludowicz Collection, London.