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Paris

Galerie Perrotin - Saint Claude

Exhibition Detail
"Hello, My Name is Bernard Frize"
10, impasse Saint Claude
75003 Paris
France


January 18th - March 1st
 
"Diola", Bernard FrizeBernard Frize, "Diola",
2013, Acrylic and resin on canvas, 180 x 160 cm / 70 3/4 x 63 inches
© Courtesy of the artist and Galerie Perrotin - Saint Claude
> QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://www.perrotin.com
NEIGHBORHOOD:  
3rd Arrondissement
EMAIL:  
info@perrotin.com
PHONE:  
+33 (1) 42 16 79 79
OPEN HOURS:  
Tues-Sat 11-7
> DESCRIPTION
Galerie Perrotin is pleased to present an exhibition of paintings by noted artist Bernard Frize, built out of the artist’s practice of experimentation. As a new introduction to Bernard Frize, the exhibition reveals key facts about his work: a. Bernard Frize’s paintings feature a spectrum of colors, selected not for their specific qualities but selected because they are distinct from one another; selected simply to be a color, not to evoke a mood or make a statement in and of themselves. b. Bernard Frize follows systematic procedures in executing his paintings, based on a pre-determined script he chooses which can do nothing once put in motion but veer pointedly towards disruption. c. Bernard Frize provides a stage for chance and the nature of the materials to make their way, to have their influence. Paint, resin, color, weight of the brush, imprint of the paint, the choice to allow a freeness to the touch. In “Diola” gesture is evident. There is a saturation of color at the top and bottom of the canvas, at the edges of the brushstrokes. Throughout the main field of the painting, color is also saturated at the edges of the brushstrokes, where the paint became ever so slightly heavier from the friction between the brush and the canvas. The material (paint) is doing what it does. Water, pigment, gravity, the effects of drying all have their influence and all play a part in what the painting becomes. It’s an organic process.
 
We, as organic beings, can likely relate to it more readily than to a piece wholly controlled, with no variations brought about by the nature of the materials. A straight line is not followed by a straight line. A curved line is not followed by a line that matches the same curve. The pattern is intentionally askew. In the painting “Paltif”, the process started with a brush stroke and led to the variations and disturbances progressing along to the opposite end of the canvas. Splashes of orange color are introduced amongst the blue brushstrokes. The explorations in this painting and in “Tir” led to the series “Mele,” “Imi” and “Liam”. These works reveal precision, but with intentional variations to the precision. It is not computer-generated, it is not perfection, even though the artist has the right to strive for a perfection. Bernard Frize chose to let something else happen.
“My work is not the result of some kind of recipe, but an exploration about my identity in the world. . . How do I use my experience, experience that I can name mine in the mass of the information of the day? The world presents itself as an obstinate and invading whole and I always have to measure and figure out the thread of skepticism.” In this exhibition, the work is aesthetically resonant; pleasing to look at and contemplate. Paintings in the show are simple in appearanceyet, as is usual with Bernard Frize’s work, stem from something more intricate, a rule he has devised to have the material and circumstance create the work. In viewing the work, it can be ok to free oneself to experience it at a surface level and allow initial thoughts to have credence:
 
#1 shimmer, sound wave, water droplet waves
#2 convex/concave with heavy spots at edges of some lines
#3 nice wash smudge; blue and pink featured; hot n cool; light blending to dark from left to right
#4 yellow blue greeny brown
#5 horizontal tree trunk birch style; look more closely, especially where colors join; puzzles are revealed, but not solved
The paintings are disturbance. Bernard Frize establishes a field, a surface; then establishes a starting point; then creates a disturbance.

And for us, in the gallery, it is about looking. Look at how the gestures are layered. Look at the component parts, the color, the lines, the groups of colors, the groups of lines. How do they flow? How do they inter-relate? How are they distinct? Aesthetically, what is the quality of the mark on the canvas? Is it dense, is it consistent, is it even? What is its character? Notice the sweep of the brush. See where there was a twist of the wrist? Recognize the steadiness of the motion that created the marks. It is an introduction. As if at a cocktail party and you meet someone new and notice everything about their suit and a spot on the tie and an uneven place in the left eyebrow and their pattern of looking directly at you while you are talking to them, but allowing their gaze to wander around the room as they speak to you. And truly, the names of paintings don’t matter. The names do not provide extra meaning or hints at meaning, but only allow viewers to distinguish one painting from another and mentally sort them.

If we were all named “Person” we would have to make up new ways to refer to and remember one another. “Person taller than me” and “Person with the loud voice” and “Person who is always side-by-side with that other Person”. Like with someone new, we can’t get to know about a painting unless we spend some time in a conversation with it. Sometimes it will have really interesting things to say. As Bernard Frize describes it, “A work of art gives a form to Chaos, not because it reveals a hidden signification of the World. The forest is more or less dense for all of us, but we are all looking for a path through it. And if you are asking why people who are not artists could be interested by painting, I suppose the answer is that they probably share these questions in their life and they could project on paintings some answers for their quest.” The tension here is tangible: with a careful, practiced discipline, Bernard Frize creates works that are simultaneously controlled yet free; at once determined yet random. These truths in the works are discovered by the viewer when he or she enters into a dialogue with the painting, opens eyes and studies the layers. New introductions can be wonderful.
Sara Radelet
La Galerie Perrotin est heureuse de présenter une exposition des pei­ntures du célèbre artiste Bernard Frize, construit sur sa pratique de l’expérimentation.

En guise d’introduction nouvelle à Bernard Frize, l’exposition dévoile des faits importants de son travail :

a. Les peintures de Bernard Frize comportent des fréquences de couleurs choisies non pour leurs qualités singulières, mais parce qu’elles se dis­tinguent les unes des autres – choisies simplement pour être une couleur, et non pour évoquer une ambiance ou faire une déclaration en soi.

b. Bernard Frize suit des méthodes systématiques dans l’exécution de ses peintures, selon un scénario pré-déterminé et choisi, qui ne peut rien une fois mis en branle, mais conduit décidément vers sa perturbation.

c. Bernard Frize met en scène un tableau où le hasard et la nature des matériaux tracent leur chemin, manifestent leur influence: peinture, résine, couleur, poids de la brosse, empreinte de la peinture, la possibilité de laisser une liberté au toucher.

Le geste est évident dans « Diola ». Il y a saturation de la couleur en haut et en bas de la toile, sur les bords de la brosse du pinceau. Dans toute la surface principale de la peinture, la couleur est également saturée sur les bords de la brosse du pinceau, là où la peinture est devenue très légèrement plus épaisse du fait de la friction entre la brosse et la toile. Le matériau (la peinture) fait ce qu’il fait. L’eau, le pigment, la pesanteur, les effets du séchage, tout cela influe et joue un rôle dans ce qu’il advient de la peinture.

C’est un processus organique. Et, comme les êtres organiques, nous l’appréhendons probablement plus aisément qu’une pièce entièrement maîtrisée, sans variations induites par la nature des matériaux.

Une ligne droite n’est pas suivie par une ligne droite. Une ligne courbe ne prolonge pas une ligne suivant la même courbe. Le motif est inten­tionnellement de travers.

Dans « Paltif », le processus commence par un coup de pinceau et se poursuit en variations et perturbations progressant jusqu’à l’extrémité opposée de la toile. Des taches de couleur orange viennent se glisser entre les coups de pinceau bleu. Les recherches de ce tableau et de « Tir » ont inspiré les séries « Mele », « Imi » et « Liam ».

Ces oeuvres révèlent une grande précision, mais une précision aux variations intentionnelles. Elles ne sont pas générées par l’ordinateur, il ne s’agit pas de perfection – même si l’artiste a le droit de chercher la perfection : Bernard Frize a choisi de laisser quelque chose d’autre arriver.

« Mon travail n’est pas le résultat d’une sorte de recette, mais une exploration de mon identité dans le monde... Comment puis-je utiliser mon expérience, celle que je peux nommer mienne dans la masse d’information d’une journée? Le monde se présente comme un tout obstiné et envahissant et je dois toujours mesurer et envisager le fil des doutes. »

Dans cette exposition, le travail est esthétiquement résonnant, agréable à regarder et à contempler. Apparemment simples, les peintures de l’exposition, comme souvent dans le travail de Bernard Frize, s’inspirent de quelque chose de plus complexe – une règle conçue pour que le matériau et les circonstances créent l’oeuvre. Face à son travail, on peut s’autoriser à l’expérience au niveau de la surface et à accorder crédit aux premières réactions :

# 1 miroitement, vague sonore, vagues de gouttelettes d’eau

# 2 convexe/concave aux lourdes taches en marge de certaines lignes

# 3 belle tache à l’eau ; bleu et rose en évidence ; chaud et froid ; la lumière se fondant dans l’obscurité de gauche à droite

# 4 jaune bleu verdâtre brun

# 5 tronc d’arbre horizontal style bouleau ; examiner de plus près, là surtout où les couleurs se mêlent ; les énigmes se révèlent, mais ne se résolvent pas

Les peintures sont perturbation. Bernard Frize érige un champ, une surface : puis pose un point de départ, et crée une perturbation.

Et pour nous, dans la galerie, il s’agit de regarder. Regarder comment les gestes se superposent. Regarder les éléments, la couleur, les lignes, les groupes de couleurs, les groupes de lignes. Comment circulent-ils? Comment interagissent-ils ? Comment se distinguent-ils ? Quelle est la qualité esthétique de la marque sur la toile ? Est-elle dense, est-elle cohérente, est-elle régulière ? Quel est son caractère? Notez le balay­age du pinceau. Vous voyez là où le poignet s’est plié ? Reconnaissez la régularité du mouvement qui a créé les marques.

C’est une introduction – un peu comme si vous rencontriez, à un cocktail, une nouvelle personne et remarquiez chaque détail de son costume, la tache sur sa cravate, l’irrégularité de son sourcil gauche, cette façon de vous regarder droit dans les yeux quand vous vous adressez à elle, mais de laisser flotter son regard dans la pièce quand elle vous parle.

Peu importe, en réalité, le titre des peintures. Le titre n’offre pas tant une signification supplémentaire, ni ne suggère d’autres significations, qu’il ne permet au spectateur de distinguer un tableau d’un autre et de le classer mentalement. Si nous nous appelions tous « Personne », il nous faudrait inventer de nouvelles façons de nous nommer et se souvenir les uns des autres – « Personne plus grande que moi », « Personne à grosse voix » ou « Personne qui est toujours à côté de cette Personne ».

Comme avec une nouvelle connaissance, il est difficile de comprendre une peinture à moins de passer un certain temps à converser avec elle. Parfois, elle aura des choses très intéressantes à nous dire.

Comme Bernard Frize l’explique : « L’oeuvre d’art donne une forme au chaos, non pas parce qu’elle révèlerait une signification cachée du Monde. La forêt est plus ou moins dense pour chacun d’entre nous, mais nous cherchons tous un chemin pour la traverser. Et si vous vous demandez pourquoi ceux qui ne sont pas artistes peuvent s’intéresser à la peinture, je suppose que la réponse est qu’ils partagent probablement ces interrogations dans leur vie et peuvent projeter sur les peintures certaines réponses à leur quête. »

La tension ici est palpable : avec une discipline attentive et expérimentée, Bernard Frize crée des oeuvres à la fois maîtrisées et libres, contraintes et aléatoires. Le spectateur découvre ces vérités dans les oeuvres, quand il ou elle entre en dialogue avec la peinture, ouvre les yeux et en étudie les multiples dimensions.

Les nouvelles introductions peuvent être merveilleuses.

Sara Radelet


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