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Jousse Enterprise-Saint Claude

Exhibition Detail
Curated by: Stephen Hepworth
6 rue Saint - Claude
75003 Paris

November 3rd, 2012 - December 23rd, 2012
November 3rd, 2012 4:00 PM - 9:00 PM
Untitled (Tape), Elisa SighicelliElisa Sighicelli, Untitled (Tape),
2011, Framed laminated C-Print, Tape, 58 x 58 x 4 cm.
© Courtesy of the Artist and Jousse Enterprise-Saint Claude
3rd Arrondissement
+33 1 53 82 10 18
Tue-Sat 11-7

The six artists brought together in Set-Up, all make photographs through revisiting the studio as a place for creating images. Each employs different approaches and strategies, drawing on areas such as performance, anthropology, and art history to generate images that are visually arresting while tantalizingly evasive. Photography in the United States has developed a new and fresh focus with some artists interested in exploring the technical limits of their materials and recording the process manifest in making a photograph, while others are interested in creating studio based situations, or still lives, as a way of making new and provoking images. Set-up speaks not only to the nature of the creation of these images, but also to a sense of willful misdirection.

Sam Falls straddles both of these tendencies testing the limits of what a photograph can be with works made in the Californian sun in which the trace of an object is bleached into dyed cloth, while others use the conventions of a studio and camera to index different methods of describing a subject. In these fruit and vegetables are arranged then a digital photograph is taken which is sampled to create swathes of color which are added to the image before it is printed. Finally the fruit and vegetables are cut in half and used to print ink onto the surface of the photograph, shifting it from image to object, and back again.

Elisa Sighicelli continues her, often gently humorous, investigation into the poetics of light and space with a return to the studio after many years traveling the world taking photographs and shooting video in exotic locations. Here she chose to photograph mundane materials such as tape, ribbon and paper, but keeping light and its effects as her subject. These new images possess a spare elegance that often disguises their components and questions what is real, photographed and re-photographed in an exercise in contemporary trompe l’oeil.

Corin Hewitt similarly uses mundane materials in the making of his photographs. These are created and emerge as part of durational performances staged within galleries and museums. At the Whitney Museum of American Art in 2009 he constructed a fully enclosed raised workspace with a crawl space hidden below. Throughout the exhibition he constructed still lives using materials both grown and bought that he photographed before recycling, along with the resulting photographs, to stage the next image. In so doing he created an ongoing record of his activity as well as an intimate examination of transformance.

Michele Abeles uses a restricted number of everyday items (including a male nude) to make elegant and compelling tableaus. Each element’s identity is very clear and is in a way emblematic of itself. While very formal, each photograph both suggests and evades meaning,  as if a series of clues is constantly being reshuffled, the elements redeployed and recast. Her stark graphic images are made in camera, immaculately composed with a crisp depth of field that speaks of the classic photographer’s studio with its eternal white backdrop.

Kate Costello’s series Kiki and Me refers to the famous Parisian model and muse Kiki de Montparnasse. Costello collaborates with models in the creation of studio photographs in which they pose in front of a series of painted backdrops. The works reference, through the quotation of pattern and palette, a historical period that is both supported and questioned through the pose of the nude and the transitory nature of scene. Often augmented through a sculptural intervention in the space, her photographs create a sense of uncertainty through merging historical lineage with an improvised theatricality.

Matt Lipps appropriates images from Horizon, an international arts and culture magazine. Focusing on the issues from the 1950s and 60s he playfully explores what happens to the meaning of certain objects and images when they are remixed into new systems and categories – altering both content and context. Collected together in their new groupings clearly appearing as variously sized cutouts they are wittily arranged and dramatically lit as if players on a temporary stage who can at any moment be reconfigured.



Michele Abeles was born 1977 in New York and lives and works in Brooklyn, NY Her solo exhibition Re:Re:Re:Re:Re was at 47 Canal Street, New York, (2011); and she was recently included in New Photography 2012, MoMA, New York; and Out of Focus, Saatchi Gallery (2012).

Kate Costello was born 1974 in Newfane, Vermont and lives and works in Los Angeles. Her
solo exhibitions include: Wallspace, New York (2011); Cokaigne, Redling Fine Art, Los Angeles (2010); She was recently included in Made in LA , Hammer Museum, Los Angeles (2012).

Sam Falls was born 1984 in San Diego, California and lives and works in Los Angeles His solo exhibitions include International Art Objects, Los Angeles; M+B, Los Angeles; American Contemporary, New York (2012).

Corin Hewitt was born in 1971, Burlington, Vermont and lives and works in Richmond, Vermont. His solo exhibitions include Medium/Deep, Laurel Gitlen, New York (2011); Corin Hewitt: Weavings, Seattle Art Museum, Seattle; Seed Stage, The Whitney Museum of American Art, New York (2009).

Matt Lipps was born in 1975 and lives and works in San Francisco and Los Angeles. His solo exhibitions include HORIZON/S, Silverman Gallery, San Francisco and, Marc Selwyn Fine Art, Los Angeles (2011).

Elisa Sighicelli was born in Turin, Italy, in 1968 and lives and works in Turin, London and New York. Her solo exhibitions include The Party is Over, Gagosian Gallery, New York (2010); GA M - Galleria Civica D’Arte Moderna e Contemporanea, Turin (2007); Phi, Giò Marconi Gallery, Milan (2006).

Stephen Hepworth is a British curator who has been based in the US since 2007, initially running the University Art Gallery at the University of California San Diego before moving to New York in 2009. Previously he was a curator at Bloomberg Space in London and Director of the Jerwood Gallery (1998-2001) and The Tannery (1995-97). He has curated over 80 exhibitions. Independent projects include Into My World: Recent British Sculpture at the Aldrich Contemporary Art Museum in Ridgefield, Connecticut (2004) and the touring exhibition
Tailsliding (2001-03) for the British Council. In the 1990’s he exhibited as an artist in Paris with solo exhibitions at Galerie Gutharc Ballin (1992) and Galerie Jousse Seguin (1996).

Les six artistes réunis dans Set-Up pratiquent tous une photographie qui revisite le studio comme lieu de création d’images. Chacun d’entre eux a élaboré une approche et une stratégie différente, en s’inspirant de domaines tels que la performance, l’anthropologie ou l’histoire de l’art, pour engendrer des images aux visuels saisissants et à la fugacité troublante. Aux Etats-Unis, le domaine de la photographie a développé une approche innovante et actuelle avec, d’une part, des artistes qui s’intéressent à l’exploration des limites techniques de leur matériel et à la mise en évidence des procédés visibles dans la fabrication d’une photographie et, de l’autre, ceux qui préfèrent créer des mises en scène en studio ou des natures mortes, afin de produire des images nouvelles et provocantes. Setup renvoie non seulement à la nature de la création de ces images, mais aussi à un sentiment de déviation volontaire.

Sam Falls embrasse ces deux tendances en testant les limites de ce que peut être une photographie, avec des oeuvres réalisées sous le soleil californien, qu’il utilise pour imprimer la trace décolorée d’un objet sur du tissu teinté, alors que d’autres se servent des conventions du studio et de l’appareil photo pour indexer les différentes méthodes de description d’un sujet. Il compose une nature morte de fruits et légumes qu’il photographie numériquement, puis l’échantillonne pour créer des nappes de couleur qu’il ajoute à l’image avant impression. Enfin, les fruits et légumes sont coupés en deux et utilisés pour tamponner de l’encre à la surface de la photographie, la faisant ainsi fluctuer tour à tour entre l’état d’image et celui d’objet.

Elisa Sighicelli poursuit sa recherche, souvent empreinte d’humour subtil, sur la poétique de la lumière et de l’espace, en reprenant son travail en studio après de nombreuses années passées à photographier et filmer des destinations exotiques. Ici, elle a choisi de photographier des objet banals tels que du scotch, du ruban ou du papier, tout en gardant comme sujet principal la lumière et ses effets. Ces nouvelles images possèdent une élégance dépouillée qui masque souvent les éléments qui les composent et questionne leur réalité, à travers un exercice de trompe l’oeil contemporain qui consiste à les photographier à de multiples reprises.

De la même manière, Corin Hewitt utilise des matériaux banals pour créer ses clichés. Leur conception est le résultat de performances continues qu’il met en scène dans des galeries ou des musées. En 2009, au Whitney Museum of American Art, il construit un espace de travail surélevé et entièrement fermé, sous lequel est dissimulé un espace où ramper. Tout au long de l’exposition, il compose des natures mortes avec des matériaux à la fois cultivés et achetés, qu’il photographie avant de les recycler avec le reste des photographies dans la mise en scène de l’image suivante. Il crée ainsi un compterendu continu de son activité, associé à l’examen approfondi d’une transformation.

Michele Abeles fait usage d’un nombre limité d’éléments du quotidien (y compris un nu masculin)
dans des mises en scène captivantes. L’identité de chacun de ces éléments est très claire et, dans un sens, auto emblématique. Malgré leur côté formaliste, chaque cliché suggère et évite simultanément toute signification, comme si une série d’indices était constamment mélangée, redéployée et redistribuée. Ses images graphiques et sans concessions sont réalisées en privé et impeccablement composées, avec une précision de profondeur de champ qui rappelle le studio photo classique et son éternelle toile de fond blanche.

La série Kiki and Me de Kate Costello fait référence à la célèbre modèle et muse parisienne Kiki de Montparnasse. Costello travaille avec des modèles pour créer des photographies de studio dans lesquelles ces dernières posent devant des toiles de fond peintes. Ses oeuvres font allusion, par la similitude de leurs motifs et de leurs palettes, à une période historique qu’elle fait revivre tout en l’interrogeant à travers la pose des nus et la nature transitoire de la scène. Souvent accentuées par une intervention sculpturale dans l’espace, ses photographies créent un sentiment d’incertitude en fusionnant filiation historique et théâtralité improvisée.

Matt Lipps s’approprie des images d’Horizon, un magazine international artistique et culturel. En se basant principalement sur les numéros des années 50 et 60, il examine avec facétie la signification de certains objets et images lorsque ceux-ci sont associés à de nouveaux systèmes et catégories, modifiant ainsi leur contenu comme leur contexte. Rassemblés dans leurs nouveaux groupes, ils apparaissent tels des découpages de tailles diverses, disposés avec esprit et spectaculairement éclairés, comme le seraient des acteurs sur une scène éphémère et à tout instant reconfigurable.

Michele Abeles est née en 1977 à New York. Elle vit et travaille à Brooklyn, NY. Son exposition individuelle Re:Re:Re:Re:Re s’est tenue au 47 Canal Street, New York, (2011) ; elle a récemment participé à New Photography 2012, MoMA, New York, et à Out of Focus, Saatchi Gallery (2012).

Kate Costello est née en 1974 à Newfane, Vermont. Elle vit et travaille à Los Angeles. Ses expositions individuelles comprennent : Wallspace, New York (2011), Cokaigne, Redling Fine Art, Los Angeles (2010). Elle a récemment participé à Made in LA , Hammer Museum, Los Angeles (2012).

Sam Falls est né en 1984 à San Diego, Californie. Il vit et travaille à Los Angeles. Ses expositions individuelles comprennent : International Art Objects, Los Angeles, _M+B, Los Angeles, et American Contemporary, New York (2012).

Corin Hewitt est né en 1971 à Burlington, Vermont. Il vit et travaille à Richmond, Vermont. Ses expositions individuelles comprennent Medium/Deep, Laurel Gitlen, New York (2011), Corin Hewitt:
Weavings, Seattle Art Museum, Seattle, et Seed Stage, The Whitney Museum of American Art, New
York (2009).

Matt Lipps est né en 1975. Il vit et travaille à San Francisco et Los Angeles. Ses expositions individuelles comprennent HORIZON/S, à la Silverman Gallery, San Francisco et à Marc Selwyn Fine Art, Los Angeles (2011).

Elisa Sighicelli est née à Turin, Italie, en 1968. Elle vit et travaille à Turin, Londres et New York. Ses expositions individuelles comprennent The Party is Over, Gagosian Gallery, New York (2010) et GA M - Galleria Civica D’Arte Moderna e Contemporanea, Turin (2007); Phi, Giò Marconi Gallery, Milan

Stephen Hepworth est un commisaire d’exposition britannique installé aux Etats-Unis depuis 2007. Il emménage à New York en 2009, après avoir dirigé la University Art Gallery de l’Université de Californie San Diego. Il a également été commissaire d’exposition du Bloomberg Space de Londres et directeur de la Jerwood Gallery (1998-2001) et de The Tannery (1995-97). Il est l’organisateur de plus de 80 expositions. Ses projets indépendants comprennent Into My World: Recent British Sculpture à l’Aldrich Contemporary Art Museum de Ridgefield, Connecticut (2004) et l’exposition itinérante Tailsliding (2001-03) pour le British Council. Dans les années 90, il expose en tant qu’artiste à Paris, avec des expositions individuelles à la Galerie Gutharc Ballin (1992) et à la Galerie Jousse Seguin (1996).

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