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The Galerie Nathalie Obadia is pleased to pr esent &ldquo\;Kolkata/Calcutta&rdquo\;\, the second solo exhibition of Patr ick Faigenbaum in its gallery in Paris after &ldquo\;Santurlussurgiu&rdquo\ ; in October 2008.

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In 2013 the artist won the prestigious Henri Cartier-Bresson Award\, which enabled him to carry out a project on the city of Calcutta\, the capital of Bengal and the British In dian Empire\, during six trips. &ldquo\;It was a question of avoiding t he image of the eternal or picturesque India\, though without focusing on a n equally caricatured image of modernization&rdquo\;\, explains Patric k Faigenbaum\, who made his first trip to India in 1995\, before the countr y&rsquo\;s economic explosion.

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A set of fifte en new photographs will be presented at the Galerie Nathalie Obadia in an e xhibition that will dialogue with the large show dedicated to his work at t he Fondation Cartier-Bresson from 13 May to 26 July 2015. Portraits\, group shots and scenes of daily life are included in this subjective representat ion of the Calcutta that Faigenbaum experienced and interiorized\, with par ticular emphasis on still lifes. &ldquo\;A still life is a model of lan dscape\, and the landscape is a still life on the grand scale*&rdquo\; \, comments the historian and art critic Jean-Franç\;ois Chevrier in the book that accompanies the exhibition at the Fondation Henri Cartier-Bre sson. &ldquo\;Their documentary content relates purely to the fruits ch osen but they offer a metaphoric image of the rural areas that surround the agglomeration&rdquo\;.

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Patrick Faigenba um&rsquo\;s acquaintance with many artists\, musicians and filmmakers known to the public contributed greatly to the outcome of his project. &ldquo\;< em>The base for my work was the house-cum-studio and district where an arti st called Shreyasi Chatterjee lives&rdquo\;\, he explains. He observed certain rituals of Bengali daily life without ever abandoning his status a s a privileged witness with a Western background.
Like Shreyasi Chatte rjee&rsquo\;s works of embroidery\, &ldquo\;the choice of Calcutta allo wed me to explore its layers of history and to show how they relate to one another as though in a mosaic or weaving&rdquo\;.

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Trained as a painter\, Patrick Faigenbaum took his first photogra phs during the 1970s. He has since focused particularly on portraiture\, wh ich has become his speciality and allowed him to make a series of black-and -white portraits of important aristocratic families in Italy in the early 1 980s. When he takes up other types of project\, he tackles places unknown t o him\, offering a fixed and intimate look on a city and its identity\, as seen in his works on Bremen\, Barcelona\, Prague\, Santulussurgiu and Calcu tta.

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His exhibition &ldquo\;Kolkata/Calcutta& rdquo\; at the Fondation Cartier-Bresson will be presented at the Aperture Foundation from 18 September to 29 October 2015.

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* Kolkata/Calcutta\, by Jean-Franç\;ois Chevrier\, Lars Mü\;ller Publishers\, Zurich\, 2015

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Patrick Faigenba um was born in Paris in 1954 where he lives and works.

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Patrick Faigenbaum has had important solo exhibitions at the Musé\;e des Beaux-Arts de Chambery (Patrick Faigenbaum\, 2014)\, the Acadé\;mie de France\, Villa Medici in Rome (Patrick Faigenbaum\ , 2013 / Vies Parallè\;les\, 1987)\, at the Point du Jour à\; C herbourg-Octeville (Noir et blanc\, 1973-2008\, 2011)\, at the Musé\; e des Beaux-Arts de Grenoble (Patrick Faigenbaum. Oeuvres 1973-2008\, 2008) \, at the Centro de Arte Moderna José\; de Azeredo Perdigao &ndash\; Fundaç\;ao Calouste Gulbenkian in Lisbon (Patrick Faigenbaum\, 2007)\ , at the Musé\;e du Louvre in Paris (Louvre and Chaussé\;e d&rs quo\;Antin\, 2005)\, at the Musé\;e d&rsquo\;Art Moderne de la Ville de Paris (Patrick Faigenbaum\, Naples 1989-1991\, 1991 / Patrick Faigenbaum \, 1984)\, and at the Art Institute of Chicago (Roman Portraits\, 1988).

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His works are included in many public and private collections\, amongst which the Metropolitan Museum of Art (New York)\, the Centre Pompi dou &ndash\; Musé\;e National d&rsquo\;Art Moderne (Paris)\, the MACB A (Barcelona) and the Point du Jour (Cherbourg).

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La Galerie Nathalie Obadia est heureuse de pré\;senter « \; Kolkata/Calcutta »\;\, la seconde exposition personnelle de Patrick Faigenbaum dans sa galerie à\; Paris aprè\;s «\; Santulus surgiu »\; en octobre 2008.

L&rsquo\;artiste a remport&eacu te\; en 2013 le prestigieux Prix Henri Cartier-Bresson qui lui a valu de r& eacute\;aliser un projet sur la ville de Calcutta\, à\; l&rsquo\;occa sion de six voyages successifs dans cette mé\;tropole du Bengale\, an cienne capitale de l&rsquo\;Empire britannique des Indes. «\;Il s& rsquo\;agit d&rsquo\;é\;viter l&rsquo\;image de l&rsquo\;Inde é \;ternelle ou pittoresque\, sans pour autant favoriser une idé\;e tou t aussi caricaturale de la modernisation»\;\, explique Patrick Fa igenbaum dont le premier voyage en Inde remonte à\; 1995\, avant l&rs quo\;explosion é\;conomique du pays.

Un ensemble de quinze photographies iné\;dites sera pré\;senté\; à\; la Galerie Nathalie Obadia\, en dialogue avec l&rsquo\;importante exposition q ue lui consacre la Fondation Cartier-Bresson du 13 mai au 26 juillet 2015. Portraits\, tableaux chorals et scè\;nes de la vie quotidienne se c&o circ\;toient dans cette vision toute subjective d&rsquo\;une Calcutta v&eac ute\;cue\, inté\;riorisé\;e\, faisant é\;galement la part belle aux natures mortes. «\;Une nature morte est un modè\; le de paysage\, et le paysage une nature morte é\;largie* » \;\, commente l&rsquo\;historien et critique d&rsquo\;art Jean-Franç\ ;ois Chevrier dans le livre qui accompagne l&rsquo\;exposition de la Fondat ion Cartier-Bresson. «\;Leur teneur documentaire tient exclusiveme nt au choix des fruits rassemblé\;s. Mais elles constituent une image mé\;taphorique du territoire rural qui englobe l&rsquo\;agglom&eacut e\;ration»\;.

Les rencontres ont é\;té\; & eacute\;galement dé\;terminantes pour le photographe dont l&rsquo\;ob jectif a croisé\; la route de nombreux artistes\, musiciens et cin&ea cute\;astes de la scè\;ne publique. «\;La base de mon travai l est la maison-atelier et le quartier où\; vit une artiste nomm&eacu te\;e Shreyasi Chatterjee»\;\, explique-t-il. Patrick Faigenbaum assiste à\; certains rituels du quotidien bengali\, sans jamais se d& eacute\;partir de sa position de regardeur privilé\;gié\;\, aux attaches occidentales.

A l&rsquo\;instar des &oelig\;uvres brod é\;es de Shreyasi Chatterjee\, «\;Le choix de Calcutta perme t\, dit-il\, d&rsquo\;explorer des couches historiques et de montrer commen t elles se combinent dans une image en mosaï\;que ou en tissage&ra quo\;.

Formé\; à\; la peinture\, Patrick Faigenbaum ré\;alise ses premiè\;res photographies au dé\;but des an né\;es 70. Dè\;s cette é\;poque\, il s&rsquo\;attache au genre du portrait\, qui deviendra sa spé\;cialité\; et qui l&rs quo\;amè\;nera à\; ré\;aliser au dé\;but des ann&ea cute\;es 80 une sé\;rie de portraits en noir et blanc des grandes fam illes aristocrates italiennes. Le portrait demeure le motif essentiel de so n travail et lorsqu&rsquo\;il s&rsquo\;en é\;loigne\, c&rsquo\;est to ujours avec une certaine intimité\; qu&rsquo\;il aborde les territoir es encore inconnus de lui\, portant un regard appuyé\; sur la ville e t son identité\; à\; l&rsquo\;instar des projets ré\;alis é\;s à\; Brê\;me\, Barcelone\, Prague\, Santulussurgiu\, C alcutta.

L&rsquo\;exposition «\;Kolkata/Calcutta»\; de Patrick Faigenbaum à\; la Fondation Cartier-Bresson sera pré\; senté\;e à\; la Fondation Aperture à\; New York du 18 sep tembre au 29 octobre 2015.

*Kolkata/Calcutta\, par Jean -Franç\;ois Chevrier\, Lars Mü\;ller Publishers\, Zurich\, 2015
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Patrick Faigenbaum est né\; à\; Paris en 1954 où\; il vit et travaille.
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Patrick Faigenbaum a bé\;n&eac ute\;ficié\; d&rsquo\;importantes expositions personnelles au Mus&eac ute\;e des Beaux-Arts de Chambery (Patrick Faigenbaum\, 2014)\, à\; l &rsquo\;Acadé\;mie de France\, Villa Mé\;dicis à\; Rome ( Patrick Faigenbaum\, 2013 / Vies Parallè\;les\, 1987)\, au Point du J our à\; Cherbourg-Octeville (Noir et blanc\, 1973-2008\, 2011)\, au M usé\;e des Beaux-Arts de Grenoble (Patrick Faigenbaum. Oeuvres 1973-2 008\, 2008)\, au Centro de Arte Moderna José\; de Azeredo Perdigao &n dash\; Fundaç\;ao Calouste Gulbenkian à\; Lisbonne (Patrick Fai gen- baum\, 2007)\, au Musé\;e du Louvre à\; Paris (Louvre et C haussé\;e d&rsquo\;Antin\, 2005)\, au Musé\;e d&rsquo\;Art Mode rne de la Ville de Paris (Patrick Faigenbaum\, Naples 1989-1991\, 1991 / Pa - trick Faigenbaum\, 1984)\, à\; l&rsquo\;Art Institute of Chicago (R oman Portraits\, 1988).
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Les oeuvres de Patrick Faigenbaum f igurent dans de nombreuses collections publiques et privé\;es\, au pr emier rang desquelles celles du Metropolitan Museum of Art (New York)\, au Centre Pompidou - Musé\;e National d&rsquo\;Art Moderne (Paris)\, au MACBA (Barcelone) ou encore au Point du Jour (Cherbour

DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150610 GEO:48.8574296;2.3562995 LOCATION:Galerie Nathalie Obadia - Rue Du Bourg-Tibourg\,18 Rue du Bourg-Ti bourg \nParis\, 75004 SEQUENCE:0 SUMMARY:Kolkata/Calcutta\, Patrick Faigenbaum UID:384628 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Marko Velk draws in charcoal a nd dry pastel.

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He distills an almost luminous whiteness that stands out against the dark background like a hazy evaporation.

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The phantoms seem to be projected by the breath of the secret disquietude.

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But who are they ?

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They flutter\, vibrate with their transparency\, float in a space with no profo undness or gravity.

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The preceding ser ies revealed the energy of a compul­\;sive trait.

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Pressing on the whiteness of the paper\, in the chaos of bl ack lines drawn with passionate energy\, Marko Velk allowed a phantasmagori a to come about.

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Superposition of ima ges\, bursting bodies : that violent dramaturgy dismanteled bodies\, scatte red viscera\, un­\;veiled skeletons\, displayed vanity.

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The new chaplet of images is tinted with greater calm \, a mysterious\, almost pious silence that resounds with a certain gravity .

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The deep black and charcoal materia l seem to pre-exist here in a &ldquo\;nebulous absorption&rdquo\; against w hich strange and ghostly figures stand out. A shrouding texture\, downy and sensual\, tends to muffle sounds and perceptions\, leaving only strange\, still pieces. The apparent quietude that lies in this new chapter echoes ol d series like Sotto voce\, What is left and What&rsqu o\;s missing. It&rsquo\;s the resonance and the reminiscence of their obscure and suave black­\;ness.

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Of the portrait of Innocent X painted by Velazquez and disfigured by Bacon\, only arms\, reposing on arm-rests of an arm-chair\, are left.

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Geometric forms float in an absolute whiteness aro und a girl with a monkey head \; two dressed male bodies\, seen only up to the waist\, wear enigmatically a ring of keys hanging on their belt \; a he adless body\, sitting in the void with an open stomach revealing the inside s : a bust clad in the chasuble\, with composedly crossed arms\, wears a te rrible mask similar to those used in archaic rites \; three little girls wi th long braids\, are frozen in a round dance : COLLISION.

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Black squares that house this procession could be velv et cases containing playing cards with chimeric figures.

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Or\, possibly\, a tarot game in which each character wi th its attributes\, functions and powers\, evolves in a cosmos ready to van ish on a restless night.

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Like an Alic e in Wonderland who strolls among strange creatures\, the onlooker is subme rged in a world where the real is only a souvenir.

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Thus\, these figures\, like emanations of some parallel re&sh y\;alities\, tell us a story in which Art\, myths\, popular images and comm on imagination collide.

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What remains to be seen is what they mean\, which inev­\;itably is the enigma of thes e drawings. All cards are in the onlookers hand \; it is up to him to imagi ne what laws it obeys.

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And yet in a r ecent work drawn by Marko Velk\, that a blinding light\, pushed back by the hand of a fetus emerg­\;ing from nothingness\, explodes. An affirmation ? A sign ?

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The COLLISION is unavoida ble.

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Marko Velk dessine au fusain et au pastel sec.

\n< p style="text-align: justify\;">Il distille une blancheur à\; peine l umineuse qui se dé\;tache du fond sombre comme une é\;vaporatio n nuageuse. Des phantasmes semblent avoir é\;té\; projeté \;s par le souffle d&rsquo\;une secrè\;te inquié\;tude. Mais qu els sont-ils ?

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Ils palpitent\, vibren t de leur transparence\, flottent dans un espace sans profondeur ni gravit& eacute\;.

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Les pré\;cé\;de ntes sé\;ries ré\;vé\;laient l&rsquo\;é\;nergie d&r squo\;un trait compulsif.

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En s&rsquo\ ;appuyant sur le fond blanc du papier Marko Velk laissait advenir une fanta smagorie dans un chaos de lignes noires à\; l&rsquo\;é\;nergie ardente.

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Superpositions d&rsquo\;imag es\, é\;clatements des corps\, cette dramaturgie violente dé\;m antelait les corps\, é\;parpillait les viscè\;res\, dé\;v oilait les squelettes\, affichait la vanité\;.

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Ce nouveau chapelet d&rsquo\;images est teinté\; d&rs quo\;un plus grand calme\, d&rsquo\;un silence mysté\;rieux\, presque recueilli qui ré\;­\;sonne d&rsquo\;une certaine gravité\;.

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Le noir profond\, la matiè\;re charbonneuse\, semblent pré\;exister dans une «\; né\;bul euse d&rsquo\;absorption »\; d&rsquo\;où\; se dé\;tachent des figures é\;tranges et fantomatiques. Une texture enveloppante\, d uveteuse et sensuelle veut é\;touffer les sons\, les perceptions\, po ur ne retenir que des morceaux é\;tranges et immobiles. L&rsquo\;appa rente quié\;tude qui ré\;side dans ce nouveau chapitre ré \;pond à\; d&rsquo\;anci­\;ennes sé\;ries telles que Sot to Voce\, What is left et What&rsquo\;s missing\, r& eacute\;sonnance et ré\;miniscence de ce noir obscur et suave.

\n< p style="text-align: justify\;">Du portrait d&rsquo\;Innocent X peint par V é\;lazquez et dé\;figuré\; par Bacon\, il ne reste que le s bras posé\;s sur les accou­\;doirs du fauteuil.

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Des formes gé\;omé\;triques flottent dans une blancheur absolue autour d&rsquo\;une fillette à\; tê\;te d e singe \; deux corps d&rsquo\;hommes en costume\, dont on ne voit que les jambes\, portent é\;nigmatiquement un trousseau de clé\;s &agra ve\; la cein­\;ture \; un corps sans tê\;te assis dans le vide\, &e acute\;corché\; au ventre\, laisse entrevoir ses entrailles \; un bus te\, revê\;tu d&rsquo\;une chasuble et dont les mains se croisent pos& eacute\;ment\, porte un masque effrayant semblable à\; ceux des rites archaï\;ques \; trois fillettes aux longues tresses se figent dans en ronde : COLLISION

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Les carré\;s noirs qui accueillent ce cortè\;ge pourraient ê\;tre les é \;crins de velours d&rsquo\;un jeu de carte aux figures chimé\;riques .

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Peut-ê\;tre un jeu de tarot da ns lequel chaque person­\;nage\, affublé\; de ses attributs\, fonc tions et pouvoirs\, é\;volue dans un cosmos prê\;t à\; s&r squo\;é\;vanouir par une nuit intranquille.

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A la faç\;on d&rsquo\;une Alice au Pays des merveilles q ui dé\;am­\;bule parmi des cré\;atures é\;tranges\, le spectateur est ici immergé\; dans un monde où\; le ré\;e l n&rsquo\;est que souvenir.

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Ces figu res\, comme des é\;manations de ré\;alité\;s par­\;all è\;les\, relatent ainsi une histoire où\; Art\, mythes\, images populaires et imaginaires communs s&rsquo\;entrechoquent.

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Il reste à\; savoir ce qu&rsquo\;elles signifie nt\, ce qui immanqua­\;blement demeure l&rsquo\;é\;nigme de ces de ssins. Le specta­\;teur a les cartes en main\, à\; lui d&rsquo\;im aginer à\; quelles lois elles obé\;issent.

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Pourtant\, c&rsquo\;est dans une oeuvre plus ré\;ce nte ré\;alisé\;e par Marko Velk qu&rsquo\;une lumiè\;re a veuglante\, repoussé\;e par la main d&rsquo\;un foetus é\;merge ant du né\;ant\, é\;clate.

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Affirmation\, indice ?

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La COLLISION est iné\;vitable&hellip\;

DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150604 GEO:48.8600807;2.3623635 LOCATION:Galerie Odile Ouizeman\,10/12 rue des Coutures Saint-Gervais \nPar is\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Collision\, Marko Velk UID:384626 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150603T210000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150603T180000 GEO:48.8600807;2.3623635 LOCATION:Galerie Odile Ouizeman\,10/12 rue des Coutures Saint-Gervais \nPar is\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Collision\, Marko Velk UID:384627 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Olivier Castaing est heureux d e pré\;senter au sein de sa galerie la premiè\;re exposition co nsacré\;e à\; Gilles Caron\, figure majeure de la photographie en France.

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Cette exposition m arque le dé\;but de la collaboration initié\;e entre la Fondati on Gilles Caron et la School Gallery à\; l&rsquo\;occasion du lanceme nt du premier numé\;ro des \;Cahiers de la Fondation Gilles C aron.

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La galerie pr&eac ute\;sentera é\;galement une sé\;lection de photographies &agra ve\; Londres en mai à\; l&rsquo\;occasion

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de la \;premiè\;re é\;dition de Photo Lo ndon \;à\; Candlestar Somerset House (Booth E3).

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Le sens premier de la Fondation est de donne r à\; Gilles Caron la place qui lui revient dans l&rsquo\;histoire du journalisme\, de l&rsquo\;art et de la photographie. La Fondation s&rsquo\ ;engage à\; dynamiser au mieux l&rsquo\;archivage\, la divulgation et la valorisation de son &oelig\;uvre.

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Le Scrapbook \;et plus largement le travail entrepris par la Fondation depuis sa cré\;ation ont pour objectif de faire connaî \;tre au public le plus large\, Gilles Caron à\; travers son &oelig\; uvre\, sa vie et son engagement. \;Les photos de Caron entrent aujourd&rsquo\;hui dans les grandes collections d&rsquo\;art\, dans les mus é\;es\, et certaines sont devenues \;synonymes \;de \;che f-d&rsquo\;&oelig\;uvre \;(Exposition \;&ldquo\;Chefs-d&rs quo\;&oelig\;uvre \;?&rdquo\; \;Centre Beaubourg-Metz 2011).

\n< p style="text-align: justify\;">La dé\;couverte ré\;cen te d&rsquo\;un ensemble d&rsquo\;Ektachromes trè\;s peu diffusé \;s est à\; l&rsquo\;origine du premier \;Cahier de la Fondat ion Gilles Caron\, en lien direct avec son activité\; d e recherche. Ces cliché\;s en couleur de Gilles Caron\, connu avant t out pour son travail en noir et blanc\, é\;clairent d&rsquo\;un jour nouveau son rapport à\; la prise de vue.

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Gilles Caron aurait eu 75 ans ...
mais il ne lui aura fallu que 5 ans pour marquer à\; tout ja mais
de son empreinte exceptionnelle
l&rsquo\;histoire de la photographie
de la fin des anné\;es 60.

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Mai 68\, guerre des 6 jours\, guerre du Vietnam\, du Biafra\, &eac ute\;meutes de Londonderry ... ce jeune photographe est pré\;sent sur tous les fronts ... et il laisse derriè\;re lui plus de 100 000 photographies ...

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Se plonger dans les archives de Gilles Caron\, c&rsquo\;est comme feuille ter un livre d&rsquo\;Histoire\, tant elles renferment des portraits d&rsquo\;hommes et femmes de lé\;gende ... le G&e acute\;né\;ral de Gaulle\, Mendes France\, Sartres et Beauvoir\, Cohn Bendit\, Bob Kennedy\, ... mais aussi stars de la musique ou du ciné \;ma : Louis Amstrong\, James Brown\, Jacques Brel ... Romy Schneider\, Jea nne Moreau\, Franç\;ois\, Truffaut\, Fawe Dunaway\, Warren Betty\, po ur ne citer qu&rsquo\;eux.

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Gilles Car on é\;tait un portraitiste hors norme\, sachant saisir des instants d e grâ\;ce ou les personnalité\;s intimes se dé\;voilent\, comme ce portrait de Gainsbourg et Birkin sur le tournage de Slogan ...

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Plus que toutes\, les photos ré\;a lisé\;es par Gilles Caron comme reporter de guerre impressionnent ... chaque photographie recè\;le un sens inné\; du cadrage\, de la dramaturgie\, du tempo ... il est là\; ou il faut quand il faut r&ea cute\;vé\;lant une part de vé\;rité\; de ces conflits v&e acute\;cus de l&rsquo\;inté\;rieur\, sur les champs de bataille parmi les combattants dans le feu de l&rsquo\;action ... une vé\;rit&eacut e\; crue\, odorante\, sonore ... chaque image constitue comme une ré\ ;alité\; augmenté\;e\, des relents de boues et de sueurs des so ldats du Vietnam à\; l&rsquo\;odeur des corps calciné\;s du Bia fra ... tout est là\; fixé\; sur la pellicule\, indé\;l&e acute\;bile ... pour té\;moigner de l&rsquo\;engagement d&rsquo\;un d es plus grand photographe de notre temps.

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Cette exposition est avant tout remarquable parce qu&rsquo\;el le dé\;voile pour la premiè\;re fois une importante sé\;l ection des tirages couleurs de Gilles Caron\, des photographies iné\; dites regroupé\;es autour de 4 thé\;matiques.

DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150611 GEO:48.8681941;2.3552644 LOCATION:School Gallery\,322 rue Saint Martin \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Photographies Couleurs\, Gilles Caron UID:384625 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Praz-Delavallade is pleased to announce Pictures\, Chromogenic and Pigment\, #2\, an exhibition of photographic monochromes and works on paper by Phil Chang. This will be the artist&rsquo\;s first show with the gallery and his first solo exhibiti on in Europe.

Like the recent exhibitions of his artwork and t he group show that he has organized\, Pictures\, Chromogenic and Pigmen t\, #2 continues Chang&rsquo\;s interest in using forms of production and materiality that allow his photographic work to function only in the co ntext of contemporary art. Chang&rsquo\;s interest is in eschewing the plur ality that is specific to photography in order to occupy a plurality specif ic to art itself\, namely art&rsquo\;s ability to function as decor\, as an object of discussion\, as an artifact\, and as a commodity. This exhibitio n is the second iteration following an exhibition from 2014 at M+B and is t he first to pair a series of purple monochromes with black works on paper.

The monochromes in the exhibition were made using a digital fi le that measures 14\,400 pixels x 18\,000 pixels and constitutes 777 MB of information. Each monochrome on view was printed in Los Angeles at the fine art photo lab and community darkroom\, Contact\, using an Océ\; Ligh tJet 430 to expose Kodak Endura Glossy photographic paper. The paper was de veloped and bleach-fixed using a Kreonite KMIV RA4 color processor. Each of the works were mounted on aluminum by Pro Image Service and framed under O ptium Museum Acrylic by Atelier Tetragone.

The works on paper were made by applying inkjet printer ink onto inkjet paper using Quickie br and sponge mops in lieu of a computer and inkjet printer. Each work consist s of bottled ink manufactured by Media Street that has been applied to glos sy inkjet paper manufactured by Epson. Like the photographic monochromes\, each of the works were mounted on aluminum and framed under Optium Museum A crylic.

Phil Chang received his MFA from CalArts and his BA fr om the University of California\, Irvine. Solo exhibitions include the Cali fornia Museum of Photography at UCR ARTSblock\; M+B\, LAXART and Pepin Moor e\, Los Angeles. Chang&rsquo\;s work has been included in group exhibitions at Marlborough Chelsea\, Renwick Gallery\, The Swiss Institute\, Otis Coll ege of Art and Design\, Control Room\, and LACMA. His work has been written about in Artforum\, The New Yorker\, The LA Times\, nonsite.org and has appeared in Aperture\, Blind Spot\, C-Photo\, and IMA. Chang&rsquo\;s publicatio ns include Four Over One\, an artist&rsquo\;s book published by th e LACMA in association with Textfield\, Inc. Chang&rsquo\;s curatorial proj ects include Soft Target\, a group exhibition that he co-organized in June 2014. He is currently visiting faculty in the Department of Art at UCLA and a lecturer at Otis College of Art and Design. Phil Chang lives an d works in Los Angeles.

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Praz- Delavallade est heureux de pré\;senter Pictures\, Chromogenic and Pigment\, #2\, une exposition de photographies monochromes et d&rsquo \;oeuvres sur papier de Phil Chang\, dans ce qui constitue la premiè\ ;re exposition de l&rsquo\;artiste avec la galerie\, ainsi que sa premi&egr ave\;re exposition personnelle en Europe.

A l&rsquo\;image des expositions ré\;centes de son travail\, ainsi que des expositions de groupe qu&rsquo\;il a organisé\;es\, Pictures\, Chromogenic and Pigment\, #2 poursuit la ré\;flexion de Phil Chang sur une mat&e acute\;rialité\;\, une forme de production qui permet à\; ses t ravaux photographiques de se mesurer au contexte de l&rsquo\;art contempora in. Chang s&rsquo\;interdit cette pluralité\; qui est spé\;cifi que à\; la photographie pour s&rsquo\;inscrire à\; l&rsquo\;inv erse dans une logique propre à\; l&rsquo\;art\, autrement dit : la ca pacité\; de l&rsquo\;art à\; fonctionner en tant que dé\; cor\, sujet de discussion\, arté\;fact ou bien de consommation.

Les monochromes proviennent d&rsquo\;un fichier image de 777 Mo d&r squo\;une taille de 14 400 x 18 000 pixels. Ils ont é\;té\; imp rimé\;s à\; Los Angeles au laboratoire photo Contact. Le papier photographique (Kodak Endura Glossy) a é\;té\; exposé\; sur une Océ\; LightJet 430\, avant d&rsquo\;ê\;tre dé\;vel oppé\; et fixé\; dans un appareil de traitement couleur Kreonit e KMIV RA4. Chaque oeuvre a é\;té\; monté\;e sur aluminiu m par Pro Image Service et encadré\;e sous une plaque d&rsquo\;Optium Museum Acrylic par l&rsquo\;Atelier Tetragone.

Pour les oeuvr es sur papier\, au lieu de se servir d&rsquo\;un ordinateur et d&rsquo\;une imprimante\, Chang a appliqué\; de l&rsquo\;encre pour imprimante je t d&rsquo\;encre sur du papier brillant (Epson) à\; l&rsquo\;aide de balais-é\;ponge de la marque Quickie. L&rsquo\;encre a é\;t&eac ute\; fabriqué\;e par Media Street. Tout comme les monochromes\, chaq ue oeuvre est monté\;e sur aluminium et encadré\;e sous Optium Museum Acrylic.


Phil Chang a obtenu son MFA à\; C alArts et son BA à\; l&rsquo\;University of California\, Irvine. Ses expositions personnelles se sont tenues au California Museum of Photography - UCR ARTSblock\; M+B\, LAXART ou Pepin Moore\, Los Angeles. Phil Chang a é\;galement participé\; à\; plusieurs expositions de grou pe : Marlborough Chelsea\, Renwick Gallery\, Swiss Institute\, Otis College of Art and Design\, Control Room\, et le LACMA. Son travail a fait l&rsquo \;objet de nombreux articles dans Artforum\, The New Yorker\, The LA Ti mes\, nonsite.org\, Aperture\, Blind Spot\, C-Photo\, ou IMA. Chang a é\;galement publié\; un livre d&rsquo\;artiste Fou r Over One\, publié\; conjointement par le LACMA et Textfield\, Inc. En tant que commissaire\, Chang a notamment co-organisé\; So ft Target\, une exposition de groupe qui a eu lieu au mois de juin 201 4 chez M+B. Il est actuellement professeur invité\; au Department of Art de l&rsquo\;UCLA et maî\;tre de confé\;rences à\; l&rs quo\;Otis College of Art and Design. Phil Chang vit et travaille à\; Los Angeles.

DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150530 GEO:48.8616654;2.3573702 LOCATION:Praz-Delavallade - Paris\,5\, rue des Haudriettes \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Pictures\, Chromogenic and Pigment\, #2\, Phil Chang UID:384624 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

La lumiè\;re est au coeu r de l&rsquo\;&oelig\;uvre de Matt Bollinger que ce soit par le dessin\, la pratique du collage ou la peinture. Le travail de dessin possè\;de c ette rare qualité\; qu&rsquo\;il parvient à\; donner la sensati on de la couleur \;: une faculté\; qu&rsquo\;on trouve par exempl e chez Hockney\, pour lequel le recours au dessin correspond à\; l&rs quo\;exercice d&rsquo\;une vision. Celle de Matt Bollinger suggè\;re le plan sé\;quence du ciné\;ma\, non par le mouvement mais par la profondeur de champ et le zoom. Auquel s&rsquo\;ajoute le rendu des mati è\;res\, jusque dans les moindre dé\;tails \;: l&rsquo\;usu re des siè\;ges d&rsquo\;automobile\, les reflets du paysage dans les ré\;troviseurs\, la fumé\;e accumulé\;e derriè\;re les vitres d&rsquo\;une voiture au point d&rsquo\;effacer en partie le vis age du conducteur&hellip\; Matt Bollinger met ainsi au point\, de la mani&e grave\;re la plus minutieuse qui soit\, de vé\;ritables dispositifs o ù\; la lumiè\;re tient un rô\;le essentiel dans la constru ction de l&rsquo\;espace\, combinaison paradoxale d&rsquo\;une abstraction radicale et d&rsquo\;une forme d&rsquo\;hyper-ré\;alisme. Le processu s consiste à\; juxtaposer ou à\; superposer des feuilles de pap ier peintes et dé\;coupé\;es en les collant sur panneau ou sur toile\, de sorte que les é\;lé\;ments de collage entrent en con tinuité\; avec les parties peintes directement.

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En vé\;ritable ciné\;aste\, Bollinger imagine le scenario. Des garç\;ons et des filles à\; l&rsquo\;â\;g e où\; tout semble encore permis\, saisis dans diverses attitudes r&e acute\;vé\;lé\;es par la lumiè\;re \;: l&rsquo\;&eacu te\;blouissement des phares\, le cô\;ne lumineux des lampadaires\, un reflet de lampe sur des chaussures\, la dé\;coupe d&rsquo\;une porte ou d&rsquo\;une fenê\;tre ouverte sur la nuit. D&rsquo\;une zone urbai ne pé\;riphé\;rique on retient l&rsquo\;immensité\; du ci el et des visages l&rsquo\;interrogation du regard. Tous ces dé\;tail s\, parfois infimes et toujours intimes constituent des é\;lé\; ments clé\;s de la mé\;moire. L&rsquo\;artiste en use pour acti ver le dé\;veloppement d&rsquo\;un espace mental où\;\, comme d ans les rê\;ves\, dominent les sentiments d&rsquo\;inquié\;tude et d&rsquo\;é\;trangeté\;.

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Ils sont parfois trè\;s pré\;cis quand ils remontent à\ ; ses propres souvenirs\, à\; Kansas City dans le Missouri\, dans le garage de son pè\;re où\; la Camaro 1970 le fascine\, capot ouv ert comme un é\;corché\; de mé\;tal. Cette Camaro qui fut l&rsquo\;instrument d&rsquo\;une tragé\;die personnelle que son p&eg rave\;re lui ré\;vè\;le \;: le ré\;cit de sa tentativ e de meurtre\, un coup de couteau au c&oelig\;ur qui aurait pu ê\;tre mortel. De ces circonstances tragiques Matt Bollinger tire tout un ensemble d&rsquo\;&oelig\;uvres \;: dessins\, lavis d&rsquo\;encre\, collages e t peintures qui repré\;sentent une maniè\;re de «\; \; commentaire \;»\; du drame\, jusqu&rsquo\;au fac simile d u procè\;s-verbal é\;tabli par les policiers.

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Un autre exemple est donné\; par The Ghost B ike (2015)\, une peinture qui é\;voque les peintures «\;&nb sp\;ex-voto \;»\; placé\;es en bordure des routes en m&eacut e\;moire des cyclistes tué\;s. Pour Matt Bollinger «\; \;la mé\;canique du moteur comme le squelette du vé\;lo sont autant de mé\;taphores du corps et finalement de mon corps à\; moi\, q uand c&rsquo\;est mon propre vé\;lo qui a servi de modè\;le.&nb sp\;»\; Bernard Zü\;rcher

DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150613 GEO:48.864097;2.3537344 LOCATION:GALERIE ZURCHER\,56\, rue Chapon \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, Matt Bollinger UID:384623 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION: DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150606 GEO:48.860811;2.3635805 LOCATION:Galerie Thaddaeus Ropac - Paris\,7 rue Debelleyme \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:New Sculptures and Paintings\, Raqib Shaw UID:384621 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150606T200000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150606T180000 GEO:48.860811;2.3635805 LOCATION:Galerie Thaddaeus Ropac - Paris\,7 rue Debelleyme \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:New Sculptures and Paintings\, Raqib Shaw UID:384622 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Born in 1957 in London. Wo rks and lives in Galway (Ireland) and Utrecht (Netherlands). Mary A. Waters graduated at the Galway College of Art in 1981. She taught as professor of Art and Design at the secondary school of Galway until 1990 and her works have been exhibited in many museums or galleries and international art fair s. Her last solo show has been inaugurated in 2014 at Stedelijk Museum Kamp en.

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Mary A. Waters grew up in Ir eland\, where the access to the masterpieces of the museums and to the rich illustrated books of the libraries was very difficult. Fascinated by the a rt of the Italian Renaissance as well as the art of the Dutch and British G olden Age\, she had to satisfy her curiosity with the reproductions\, often in black and white\, she could find on catalogues. This indirect contact w ith artworks deeply impressed her reflection\, and the use of reproductions is at the core of her artistic approach.

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The picture of a painting\, the reproduction\, not the original one\, is for her the starting point to create an image. She acts as an image-hunt er\, on her canvases she reclaims characters from the most famous portraits of the History of Art that she combines with a contemporary touch: the fre e use of colors\, loans from cinematographic techniques\, monochrome backgr ounds and the reflection of images are actually associable to post-modern p ractices.

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According to the artist\, t he symbolic value of an original (economic and historic values) as well as the context in which we observe it\, influence our sensing\, whereas a repr oduction allowing both the contact and the necessary distance\, gives us th e opportunity to experiment fully these masterpieces. For her third exhibit ion at Galerie Piè\;ce Unique\, Mary A. Waters goes deeper in her pic torial researches and through these skillfully elaborated images\, the arti st initiates us into feeling above all the timelessness and the power of Pa inting.

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 \;Né\ ;e en 1957 à\; Londres. Vit et travaille à\; Galway (Irlande) e t Utrecht (Pays-Bas).

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Mary A. Waters est diplomé\;e du Galway College of Art en 1981. Elle ensei gne comme professeur d&rsquo\;art et de design a l&rsquo\;é\;cole sec ondaire de Galway jusqu&rsquo\;en 1990 et ses oeuvres ont é\;té \; exposé\;es dans nombre de musé\;es ou galeries et foires int ernationales. Sa derniè\;re ré\;trospective a é\;té \; inauguré\;e en 2014 au Stedelijk Museum Kampen.

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&nbs p\;Mary A. Waters a grandi en Irlande\, dans un contexte où\; l&rsquo \;accè\;s aux chefs-d&rsquo\;oeuvre des musé\;es et aux riches ouvrages illustré\;s des bibliothè\;ques n&rsquo\;é\;tait pas toujours é\;vident. Passionné\;e par la peinture de la Ren aissance italienne\, du Siè\;cle d&rsquo\;Or hollandais et anglais\, Mary A. Waters a dû\; satisfaire sa curiosité\; en observant les reproductions\, souvent en noir et blanc\, qu&rsquo\;elle trouvait dans le s catalogues. Ce rapport indirect aux oeuvres a profondé\;ment marqu& eacute\; sa ré\;flexion\, et le principe de reproduction est aujourd& rsquo\;hui au coeur de sa dé\;marche artistique.

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La photographie d&rsquo\;une peinture\, la reproduction\, non l&rsquo\;original\, sont\, pour elle\, le point de dé\;part pour cré\;er une image. Elle agit comme un chasseur d&rsquo\;images et re prend dans ses toiles des personnages issus des plus cé\;lè\;br es portraits de l&rsquo\;histoire de l&rsquo\;art qu&rsquo\;elle associe &a grave\; une facture contemporaine: l&rsquo\;utilisation libre des couleurs\ , l&rsquo\;emprunt des techniques ciné\;matographiques\, les fonds mo nochromes et le reflet d&rsquo\;images sont effectivement associables aux p ratiques postmodernes.

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Selon l&rsquo\ ;artiste\, la valeur symbolique d&rsquo\;un original (valeur historique et é\;conomique)\, tout comme les conditions dans lesquelles on l&rsquo\ ;observe\, influencent souvent notre perception alors qu&rsquo\;une reprodu ction\, en permettant à\; la fois le contact et le dé\;tachemen t né\;cessaires\, nous donne l&rsquo\;occasion de vé\;ritableme nt expé\;rimenter ces chefs-d&rsquo\;oeuvre. Pour sa troisiè\;m e exposition à\; la Galerie Piè\;ce Unique\, Mary A. Waters app rofondit ses recherches picturales et à\; travers ces images savammen t é\;laboré\;es\, nous initie à\; ressentir avant tout l& rsquo\;intemporalité\; et la puissance de la Peinture.

DTEND:20150925 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150528 GEO:48.8552887;2.3377425 LOCATION:Galerie Piece Unique\,4 rue Jacques Callot \nParis\, 75006 SEQUENCE:0 SUMMARY:New Works\, Mary A. Waters UID:384619 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150528T213000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150528T180000 GEO:48.8552887;2.3377425 LOCATION:Galerie Piece Unique\,4 rue Jacques Callot \nParis\, 75006 SEQUENCE:0 SUMMARY:New Works\, Mary A. Waters UID:384620 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Galerie Perrotin\, Paris\, pre sents the first French exhibition by SouthKorean painter Chung Chang-Sup (C heongju\, 1927&ndash\;Seoul\, 2011)\, a major figure of his country&rsquo\; s art scene. Made between 1985 and 2005\, the pieces on show represent the artist&rsquo\;s late maturity. Chung Chang-Sup worked in series\, and the m ixture of materials he affixed to his canvases in early works led some to c ompare him to art informel and matter painting. Most of his works were crea ted with hanji paper\, made in a lengthy process using mulberry fiber\, one of the most traditional Korean materials.

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Chung Chang-Sup graduated from the College of Fine Arts\, Seoul Natio nal University\, Korea in 1951. His first paintings\, executed in oil\, exp lored aspects of Western modernism\, notably the question of form as it was conceived by the Cubists and of materiality\, as in the many experiments o f post-war art informel. But for all his interest in the West\, the artist also helped forge a new Korean artistic identity\, breaking free of Chinese and Japanese influence after the liberation of 1953. In the 1970s\, Chung Chang-Sup founded the Dansaekhwa group with his contemporaries Lee Ufan\, C hung Sang-Hwa\, Ha Chong-Huyn\, Park Seo-Bo\, and Yun Hyong-Keun. Also know n as &ldquo\;the school of white\,&rdquo\; the group&rsquo\;s &ldquo\;medit ative&rdquo\; aesthetic is said to have been inspired by the restrained bea uty and simple forms of the white porcelain made during the Joseon period ( 1392-1910)\, illustrating Korean Confucian ideas. Indeed\, Chung Chang-Sup titled some of his youthful works White Porcelain.

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Members of the Dansaekhwa group practised monochrome using a limited range of colours: white\, black and beige\, which is the colour of the hanji paper used by Chung Chang-Sup after 1975\, and which gradually be came his trademark. The Tak series from the 1980s - which opens the show an d is named after the mulberry paper utilized by the artist - illustrates th is point. Hanji provided the artist with a material integrated into the sup port\; it could also be used to create delicate effects on the surface of t he very dense application of the paper that covered the surface of the canv as by making imprints within its creases. In this way he could preserve the mobile trace of the gesture and the vibrant impact of the creative act on the surface of the work.

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Begun in the 1990s\, the Meditation series again transformed his work on the surface\, by means of a controlled series of gestures that enabled him to &ldquo\;ope n&rdquo\; painting towards the &ldquo\;pure&rdquo\; monochrome space of the tableau\, following the very rhythm of the meditative act.

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With Chung Chang-Sup\, it is the material and the wa y he alters the material that constitutes the work. The accumulation of the time of its creation keeps with with a principle of moderation rooted in K orean philosophy. The work is given its final form through a long process\, akin to meditation\, in which each degree of elevation or transformation i s indicated.

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In this series he reveal s the pictorial space by edging his compositions with a particularly dense zone of material in relief. His treatment of the quadrangular\, monochrome figures is\, paradoxically\, smoother\, with the effect of hollowing out th e space in the centre of the work. The border can be seen to represent the physical limits inherent to the materiality of the world that is traversed in the art of meditation\, just as one traverses this initial plane to atta in the pure space of painting.

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The ap parent simplicity of these compositions\, sometimes said to be inspired by minimalism\, also question the infinite depth of the painting\, which is li ke an inner landscape. According to Yoon Jin-sup\, &ldquo\;His creations ar e placed within an ecological\, cosmological and terrestrial perspective wh ich is diametrically opposed to the formalist vision of Westerners.&rdquo\;

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The artist continued working on his Meditation series up to his death in 2011. The canvases are almost always o rganized around a binary relation between the foreground and background\, s een as an abyss withdrawn from the modulations of material\, work of colour that announces its luminous sources ad infinitum. The Return series from t he 1970s\, bordering the white infinity of the painting with black ink\, co nstitutes the genesis of the idea through which Chung Chang-Sup invites the beholder to contemplate emptiness\, now the receptacle of our own meditati ons. Such a proposition joins those formulated for instance by Kazimir Male vich in 1915\, by Yves Klein in the 1950s\, or by Sam Francis in the early 1960s\, who all invested monochrome pictorial space with spiritual but also cosmogonic values.

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For Chung Chang-S up the artwork had to be the result of a harmony with nature\, with creatio n\, a transformative and meditative experience whose duration was sometimes evoked by a grid of lines dividing the canvas into squares\, acting as cle arly defined temporal sequences. In a note dated 19 August 1992\, Chang-Sup Chung wrote that &ldquo\;my work begins only once pre-existing methods\, f orms and norms have been totally eliminated. Just as an artisan reveals him self through his work\, I reveal a world (the making of a painting) from wh ich all \; (intentional) painting is absent\, while appreciating the sp iritual freedom linked to the abandoning of all knowledge\, intentions\, an d memories of intentions\, memories of my childhood and forgotten details. My hope and desire is that I will discover another me (through these activi ties).&rdquo\;

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Chung Chang-Sup's artw orks have been exhibited in particular in Korea\, Japan\, United States\, A ustralia\, China\, Taï\;wan\, France&hellip\; and are featured among ot hers in the collections of the National Museum of Contemporary Art\, Gwache on\, Korea \; Seoul Museum of Art\, Seoul\, Korea \; Busan Museum of Modern Art\, Busan\, Korea \; Daejeon Museum of Art\, Daejeon\, Korea \; Leeum\, Samsung Museum of Art\, Seoul\, Korea \; Royal Nepal Museum\, Nepal \; Toky o Metropolitan Art Museum\, Tokyo\, Japan \; Mie Prefectural Art Museum\, M ie\, Japan \; Shimonoseki City Art Museum\, Shimonoseki\, Japan \; Hiroshim a City Museum of Contemporary Art\, Hiroshima\, Japan&hellip\;

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Chung Chang-Sup's work is currently on view in th e exhibition "Dansaekhwa"\, collateral event of the 56th Biennale di Venezi a\, at Palazzo Contarini-Polignac\, until August 15th\, and on the occasion of the Year of Korea in France (2015-2016)\, a major exhibition dedicated to Korean artists - including Chung Chang-Sup\, will take place at the Cern uschi Museum in Paris: "From Lee Ungno to Lee Ufan: Korean Artists in Franc e" (16 October 2015 - January 2016).

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La Galerie Perrotin\, Paris\, pré\;sente la premiè\;re exposition franç\;aise du peintre sud coré\;en Chung Chang-Sup (Cheongju\, 1927- Sé\;oul\, 2011). Les oeuvres exposé\;es ont & eacute\;té\; ré\;alisé\;es entre 1985 et 2005. Chung Chan g-Sup travaillait en sé\;rie fixant sur la toile des mé\;langes de maté\;riaux qui l&rsquo\;apparentè\;rent initialement &agra ve\; l&rsquo\;art informel et aux matié\;rismes occidentaux. Il a r&e acute\;alisé\; la plupart de ses toiles en utilisant le hanji. Ce pap ier coré\;en ré\;alisé\; suivant un long processus de fab rication à\; partir de fibres de mû\;riers à\; papier est un des maté\;riaux les plus traditionnels de Coré\;e.

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Figure incontournable de la scè\;ne cont emporaine coré\;enne\, Chung Chang-Sup sort diplô\;mé\; du College of Fine Arts\, Seoul National University\, Coré\;e en 1951. Ses premiè\;res peintures\, à\; l&rsquo\;huile\, explorent une part du modernisme occidental \; la question de la forme telle que les cubi stes l&rsquo\;avaient envisagé\;e et celle de la maté\;rialit&e acute\; de la peinture que l&rsquo\;art informel d&rsquo\;aprè\;s-gue rre expé\;rimente abondamment. Son oeuvre toujours curieuse de l&rsqu o\;Occident concourra cependant à\; forger des caractè\;res ide ntitaires coré\;ens supplantant les empreintes laissé\;es par l a domination des cultures sino-japonaises aprè\;s la libé\;rati on en 1953.

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Dans les anné\;es 1 970\, Chung Chang-Sup co-fonde avec ses contemporains Lee Ufan\, Chung Sang -Hwa\, Ha Chong-Huyn\, Park Seo-Bo\, Yun Hyong-Keun\, le groupe Dansaekhwa litté\;ralement «\; l&rsquo\;é\;cole du blanc »\;. On dit que l&rsquo\;esthé\;tique de la porcelaine blanche de la p&eacut e\;riode Joseon (1392-1910)\, illustrant à\; sa maniè\;re la pe nsé\;e confucé\;enne coré\;enne\, caracté\;ris&eacu te\;e par sa sobrié\;té\; et la beauté\; de ses formes si mples\, aurait inspiré\; l&rsquo\;esthé\;tique dite «\; m& eacute\;ditative »\; au mouvement. Chung Chang-Sup titre parfois certa ins tableaux de jeunesse White Porcelain.

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Les membres de Dansaekhwa pratiquent le monochrome\, utilisent une gam me chromatique restreinte de blancs\, de noirs et de beiges qui est la coul eur mê\;me du Hanji utilisé\;e à\; partir de 1975 par Chun g Chang-Sup et qui devient\, d&rsquo\;une certaine maniè\;re\, sa sig nature. La sé\;rie Tak &ndash\; du nom du murier à\; papier &nd ash\; travaillé\;e dans les anné\;es 1980 et inaugurant l&rsquo \;exposition\, illustre ce caractè\;re. Le hanji ne lui sert pas seul ement en tant que maté\;riau inté\;gré\; au support\, il lui sert à\; former de dé\;licates alté\;rations à\ ; la surface de ses applications particuliè\;rement denses qui recouv rent la toile en ré\;alisant des empreintes de ses froissures. Il pr& eacute\;serve ainsi la trace mobile du geste et du travail qui dé\;li vre\, en surface\, la charge vibratoire de l&rsquo\;acte cré\;ateur.< /p>\n

La sé\;rie Mé\;ditation\, inauguré\;e dans les anné\;es 1990\, renouvelle son travail de la surface à\; travers un ensemble de gestes maitrisé\;s qui l ui permettent d&rsquo\; «\; ouvrir »\; la peinture vers «\; l&rsquo\;espace pur »\; et monochrome du tableau\, suivant le rythme m ê\;me de l&rsquo\;acte mé\;ditatif. La matiè\;re et ses al té\;rations recherché\;es forment le tableau chez Chung Chang-S up. Elle sé\;dimente le temps de cré\;ation en faveur du princi pe de modé\;ration ancré\; dans la philosophie coré\;enne . Le tableau est amené\; à\; sa forme ultime au terme d&rsquo\; un long processus de travail qui s&rsquo\;opè\;re comme une mé\ ;ditation\, dont chaque degré\; d&rsquo\;é\;lé\;vation ou de transformation serait signalé\;.

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À\; travers cette sé\;rie\, il ré\;vè\;le l&r squo\;espace pictural en bordant ses compositions d&rsquo\;une zone de mati è\;re particuliè\;rement dense\, en relief. Il ré\;serve paradoxalement un traitement plus lisse à\; des «\; figures &raq uo\; quadrangulaires\, monochromes\, creusant ainsi l&rsquo\;espace au cent re du tableau. Cette bordure correspondrait au seuil des limites physiques inhé\;rentes à\; la maté\;rialité\; du monde traver sé\;e dans l&rsquo\;art de la mé\;ditation comme on traverse ce premier plan pour accé\;der à\; l&rsquo\;espace pur de la pein ture. La simplicité\; apparente de ces compositions\, que l&rsquo\;on dit parfois inspiré\;es du minimalisme\, questionne ainsi la profond eur infinie du tableau qui é\;quivaut au paysage inté\;rieur. P our Yoon Jin-Sup \; «\; Ses cré\;ations se situent dans une pers pective é\;cologique\, cosmologique et terrestre diamé\;traleme nt opposé\;e à\; celle\, formaliste\, des Occidentaux »\;.

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La sé\;rie Mé\;ditation fut travaillé\;e par l&rsquo\;artiste jusqu&rsquo\;à\; son d&ea cute\;cè\;s en 2011. Elle comporte de nombreuses variations. Les toil es s&rsquo\;organisent presque toujours suivant un rapport binaire entre le premier et l&rsquo\;arriè\;re plan vé\;cu comme abî\;me s oustrayant aux modulations de matiè\;res\, un travail de la couleur q ui annonce à\; l&rsquo\;infini\, au loin\, ses sources lumineuses. La sé\;rie Return\, des anné\;es 1970\, bordant à\; l&rsquo \;encre noire\, l&rsquo\;infini blanc du tableau\, constitue la genè\ ;se de sa pensé\;e à\; travers laquelle Chung Chang-Sup invite le regardeur à\; la contemplation du vide\, ré\;ceptacle\, d&ea cute\;sormais\, de nos propres mé\;ditations.

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Une telle proposition rejoint celles anté\;rieures fo rmulé\;es par exemple par Kasimir Malevitch en 1915\, par Yves Klein au milieu des anné\;es 1950\, par Sam Francis au dé\;but des an né\;es 1960\, qui\, tous trois et distinctement\, avaient confé \;ré\; à\; l&rsquo\;espace pictural monochrome des valeurs spir ituelles mais aussi cosmogoniques. L&rsquo\;oeuvre d&rsquo\;art chez Chung Chang-Sup doit ê\;tre le ré\;sultat d&rsquo\;une osmose avec la nature\, la cré\;ation\, cette expé\;rience mé\;ditative transformatrice dont la duré\;e est parfois restitué\;e par un ré\;seau de lignes compartimentant la toile en carré\;s\, agiss ant comme des sé\;quences temporelles clairement dé\;finies.

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Chung Chang-Sup é\;crit dans ses notes du 19 aout 1992 : «\; [&hellip\;] mon travail dé\;marre se ulement une fois que les mé\;thodes pré\;existantes\, les forme s et les normes ont é\;té\; totalement é\;liminé\;e s. De la mê\;me maniè\;re qu'un artisan se dé\;couvre &agr ave\; travers son travail\, je dé\;couvre un monde (la ré\;alis ation d'une peinture) où\; toute peinture (intentionnelle) est absent e\, tout en appré\;ciant la liberté\; spirituelle lié\;e à\; l'abandon de toute connaissance\, intentions\, souvenirs de mon e nfance et dé\;tails oublié\;s. Mon espoir et mon dé\;sir sont de dé\;couvrir un autre moi (à\; travers ces activit&eacut e\;s). »\;

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Les oeuvres d e Chung Chang-Sup ont é\;té\; montré\;es en Coré\;e du Sud\, au Japon\, aux Etats-Unis\, en Australie\, en Chine\, à\; T aï\;wan\, en France&hellip\; et figurent notamment dans les collections du National Museum of Contemporary Art\, Korea\, Gwacheon\, Coré\;e \; Seoul Museum of Art\, Seoul\, Coré\;e \; Busan Museum of Modern Ar t\, Busan\, Coré\;e \; Daejeon Museum of Art\, Daejeon\, Coré\; e \; Leeum\, Samsung Museum of Art\, Seoul\, Coré\;e \; Royal Nepal M useum\, Né\;pal \; Tokyo Metropolitan Art Museum\, Tokyo\, Japon \; M ie Prefectural Art Museum\, Mie\, Japon \; \; Shimonoseki City Art Muse um\, Shimonoseki\, Japon \; Hiroshima City Museum of Contemporary Art\, Hir oshima\, Japon&hellip\; Son oeuvre est actuellement visible dans l&rsquo\;e xposition «\; Dansaekhwa »\; pré\;senté\;e au Palazzo Contarini-Polignac jusqu&rsquo\;au 15 aoû\;t 2015\, dans le cadre de la 56è\;me Biennale de Venise. A l' occasion de l'Anné\;e de la Coré\;e en France (2015-2016)\, une importante exposition dé\;dié\;e aux artistes coré\;ens - dont Chung Chang-Sup\, aura lieu au musé\;e Cernuschi à\; Par is: «\; De Lee Ungno à\; Lee Ufan: Les artistes coré\;ens en France »\; (16 octobre 2015 - janvier 2016).

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Charlotte Waligò\;ra

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1. Professeur à\; l&rsquo\;université\; Honam\, critique d&rsquo\;art et commissaire de l&rsquo\;exposition «\; Le Da nsaekhwa\, peinture monochrome coré\;enne »\; en 2012 au Nationa l Museum of Contemporary Art\, Gwacheon\, en Coré\;e du Sud. \; DTEND:20150801 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150604 GEO:48.8604855;2.3646752 LOCATION:Galerie Perrotin - Turenne\,76\, rue de Turenne \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Meditation\, Chung Chang-Sup UID:384617 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150604T210000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150604T160000 GEO:48.8604855;2.3646752 LOCATION:Galerie Perrotin - Turenne\,76\, rue de Turenne \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Meditation\, Chung Chang-Sup UID:384618 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

 \;&ldquo\;Yee-Haw\,&rdquo \; Paola Pivi&rsquo\;s ninth exhibition at Galerie Perrotin in the last fif teen years\, introduces a new series of photographs with animals.

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Her diverse work\, spanning performances to sc ulptures to large installations\, is punctuated over the years by her photo graphic representations of animals in performative happenings\; these are h er most renowned images.

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A long way f rom unicorns and other chimeras\, the animals that appear in Paola Pivi&rsq uo\;s world are very real. Yet\, set in their strange surroundings\, they a ppear as a dream within reality\, imbuing them with a mythological aura (os triches or a donkey sailing on a small boat in the Mediterranean Sea\, 84 g oldfish swimming in bowls and flying in a passenger airplane in New Zealand \, different white animals grazing in an Edenic land\, alligators frolickin g in whipped cream in Florida or polar bears covered in multicolored feathe rs posing during the inauguration of Galerie Perrotin in New York). These i mages cast a new oneiric light over the world\, viewed now through the pris m of fantasy\, of a fabulous bestiary. They appear to reveal a dimension th at is a part of everyday life\, which has only by chance never occured befo re in front of someone&rsquo\;s eyes.

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For this exhibition\, Pivi brought four horses to the Eiffel Tower. The an imals seem to have found a new playground\, an architectural landscape made to their measure. Once again\, Pivi cleverly revisits and juxtaposes eleme nts that are both familiar and archetypal into a fantastic iconography.

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The creation of a new work on the Eiffel Tower\, the most iconic landmark of Paris\, is also very meaningful for Pi vi\, as a way for her to play with the entire city and its history.

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Special thanks to the Socié\;té\ ; d&rsquo\;Exploitation de la Tour Eiffel\, to the famous horse trainer Mar io Luraschi and Virginie Coupé\;rie-Eiffel\, founder of the Longines Paris Eiffel Jumping\, an equestrian competition\, held at Champ de Mars on July 3\, 4\, 5\, 2015. Virginie Coupé\;rie-Eiffel invited and co-com missioned Paola Pivi to make an artistic contribution to the Longines Paris Eiffel Jumping\, which will be used for the poster of the event.

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The photographs were shot by Hugo Glendinning< /p>\n

Paola Pivi has achieved worldwide rec ognition.

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Her artworks are featured i n some of the most prestigious international collections\, such as the Gugg enheim Museum in New York\, Centre Pompidou in Paris\, Castello di Rivoli i n Turin\, MAXXI - National Museum of XXI Century Arts\, Roma...

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She was co-awarded the Golden Lion for the best national pavilion (Italy) at Harald Szeemann&rsquo\;s Venice Biennial in 19 99. For this venue\, Paola Pivi presented &ldquo\;Untitled (airplane)&rdquo \;\, an inverted Fiat G-91 airplane resting on its cockpit. She showed agai n at the Venice Biennial in 2003\, in Manifesta 5 in 2004 and in the Berlin Biennial in 2008.

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In 2012\, the arti st was commissioned two original public artworks in New York City: &ldquo\; How I roll&rdquo\;\, a project by Public Art Fund\, a Piper Seneca airplane rotating on its wingtips\, installed near Central Park at Doris C. Freedma n Plaza\, and &ldquo\;Untitled (zebras)&rdquo\;\, a striking &\; romanti c image of zebras on a snow-covered mountaintop on the 25-by-75-foot High L ine Billboard at West 18th Street.

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Sh e has also displayed public art in Rotterdam in 2010-2011 with Sculpture In ternational Rotterdam.

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She has exhibi ted in important Museums as the Musé\;e d&rsquo\;Art Moderne de la Vi lle de Paris (2000)\, Hara Museum of Contemporary Art\, Tokyo (2001)\, MoMA PS1\, New York (2003 &\; 2007)\, MCA - Museum of Contemporary Art of Ch icago (2005)\, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts\, San Fran­\;c isco (2005)\, Hayward Gallery\, London (2005)\, Kunsthalle Ba­\;sel (200 7)\, Portikus\, Frankfurt (2008)\, Palazzo Grassi\,Venice (2008)\, Tate Mod ern\, London (2009).

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 \;" Yee-Haw"\, 9è\; exposition de Paola Pivi à\; la Galerie Perroti n depuis 15 ans\, ré\;unit un nouvel ensemble de photographies d'anim aux.

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Artiste proté\;iforme\, Pa ola Pivi ré\;alise une oeuvre\, aux confins de la performance\, de la sculpture et de l'installation monumentale\, ponctué\;e de ses fameu ses repré\;sentations photographiques d'animaux lors de happenings pe rformatifs.

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Loin des licornes ou autr es chimè\;res\, les animaux traversant l'univers de Paola Pivi sont b ien ré\;els. Ils apparaissent dans des univers insolites et incarnent alors l'irruption du rê\;ve dans la ré\;alité\;\, leur co nfé\;rant une aura quasi mythologique (des autruches ou un â\;ne navigant sur une barque en mer Mé\;diterrané\;e\, 84 poissons rouges survolant tout en nageant dans un avion la Nouvelle Zé\;lande\ , des animaux d'un blanc immaculé\; é\;voluant dans un pays &ea cute\;dé\;nique\, des alligators s'é\;battant dans de la cr&egr ave\;me fouetté\;e en Floride... des ours recouverts de plumes prenne nt la pose lors de l'inauguration de la Galerie à\; New York). Ces im ages modifient de maniè\;re onirique notre perception du monde\, &agr ave\; travers dé\;sormais le prisme fantasmagorique d'un bestiaire fa buleux. Elles ré\;vè\;lent une dimension autre faisant partie d e notre quotidien\, visible pour la premiè\;re fois.

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Pour cette exposition\, Paola Pivi a placé\; qu atre chevaux sur la Tour Eiffel. Les chevaux semblent avoir trouvé\; un nouveau terrain de jeu\, un paysage architecturé\;\, à\; leu r mesure. Là\; encore\, Paola Pivi dé\;tourne et juxtapose habi lement des é\;lé\;ments à\; la fois familiers et embl&eac ute\;matiques et les mé\;tamorphose en une iconographie hallucinatoir e.

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Le caractè\;re emblé\; matique et incontournable de la Tour Eiffel permet à\; l'artiste de j ouer de maniè\;re é\;loquente avec la ville et son histoire.

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Remerciements à\; la Socié\ ;té\; d&rsquo\;Exploitation de la Tour Eiffel\, au cé\;lè \;bre dresseur Mario Luraschi et à\; Virginie Coupé\;rie-Eiffel \, fondatrice du Longines Paris Eiffel Jumping\, une compé\;tition &e acute\;questre\, qui a lieu sur le champ de Mars les 3\, 4 &\; 5 juillet 2015. Virginie Coupé\;rie-Eiffel a proposé\; à\; Paola P ivi de participer artistiquement au Longines Paris Eiffel Jumping\, en r&ea cute\;alisant la photographie du poster de l'é\;vé\;nement.

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Les photographies ont é\;té\ ; prises par Hugo Glendinning

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Les oeu vres de Paola Pivi sont montré\;es à\; travers le monde et figu rent dans les plus prestigieuses collections internationales\, comme le Gug genheim Museum\, New York\, le MNAM/Centre Pompidou\, Paris\, Castello di R ivoli\, Turin\, MAXXI - National Museum of XXI Century Arts\, Rome...

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Paola Pivi a é\;té\; colaur&ea cute\;ate du lion d'or du meilleur pavillon (italien) à\; la Biennale de Venise en 1999 (commissaire Harald Szeemann). Elle y pré\;sentait un avion Fiat G-91 renversé\; sur son cockpit. Elle a à\; nouv eau participé\; à\; la Biennale de Venise en 2003\, à\; M anifesta 5 en 2004 et à\; la Biennale de Berlin en 2008.

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En 2012\, elle a montré\; à\; New Yor k\, dans le cadre du Public Art Fund Commission\, &ldquo\;How I roll&rdquo\ ;\, un avion Piper Seneca tournant sur ses ailes et installé\; pr&egr ave\;s de Central Park à\; Doris C. Freedman Plaza\, ainsi que &ldquo \;Untitled (zebras)&rdquo\;\, une saisissante et romantique scè\;ne d e deux zè\;bres sur des sommets enneigé\;s sur le panneau gigan tesque de la High Line Art Billboard à\; hauteur de la West 18th Stre et.

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Elle a aussi ré\;alis&eacut e\; une installation dans l'espace public à\; Rotterdam en 2010-2011 avec Sculpture International Rotterdam.

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Elle a exposé\; dans les plus importants musé\;es tels le Mu sé\;e d&rsquo\;Art Moderne de la Ville de Paris (2000)\, Hara Museum of Contemporary Art\, Tokyo (2001)\, MoMA PS1\, New York (2003 &\; 2007) \, MCA - Museum of Contemporary Art of Chicago (2005)\, CCA Wattis Institut e for Contemporary Arts\, San Francisco (2005)\, Hayward Gallery\, Londres (2005)\, Kunsthalle Basel (2007)\, Portikus\, Frankfort (2008)\, Palazzo Gr assi\, Venise (2008)\, Tate Modern\, Londres (2009).

DTEND:20150801 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150604 GEO:48.8604855;2.3646752 LOCATION:Galerie Perrotin - Turenne\,76\, rue de Turenne \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Yee-Haw\, Paola Pivi UID:384615 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150604T210000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150604T160000 GEO:48.8604855;2.3646752 LOCATION:Galerie Perrotin - Turenne\,76\, rue de Turenne \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Yee-Haw\, Paola Pivi UID:384616 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

The Galerie Nathalie Obadia is very pleased to hold a new solo exhibition by Nicola Tyson. On this occasi on the artist is presenting three paintings and a set of recent drawings\, where we find the confrontation of her visual ambiguities.

In Self-portrait: Single Tear
2015\, the artist&rsquo\;s perfectly roun d &lsquo\;head&rsquo\; floats independent of her vertically dangling strand s of hair. Her open mouth has fingers where teeth should be. A single tear is getting ready to fall from one of her animated\, empty eyes.

The absurd has always been an important ingredient in Tyson&rsquo\;s appro ach: humor veering into the satirical\, and often the hysterical. In Se lf-portrait: Weeping 2015 the artist references Picasso&rsquo\;s cryin g women\, but here it is her own experience that she describes. Nevertheles s\, her nose seems to double as a penis\, literally ejaculating into her fa ce. Looking at Art History frequently feels that way for the female viewer but Tyson&rsquo\;s surprised expression is also the steady gaze of self-ass urance and artistic authority.

In Figure Waving 2015\, a creature&mdash\;part animal/part &lsquo\;woman&rsquo\;&mdash\;coyly looks back at us\, over it&rsquo\;s shoulder\, whilst waving a giant cartoon-lik e hand. Is this a greeting or a farewell? It&rsquo\;s other arm\, meanwhile \, sprouts ribbons of green vegetation\, that agitatedly whip around in the air.

Does this trio of paintings depict grief\, or relief? A b it of both probably. This is in fact the last group of paintings Tyson plan s to make for now\, as she is turning her attention to sculpture. Her long relationship with painting will be interrupted for a while..

Dr awing\, however\, remains central to Tyson&rsquo\;s practice and included i n the show are a group of seven small square graphite drawings. Since the b eginning of 2015 Tyson has been posting a drawing a day on social media&mda sh\; \; #NicolaTysonadrawingaday&mdash\;and has garnered quite a follow ing. It is a great opportunity for Tyson to share&mdash\;and get instant fe edback&mdash\;on work that would rarely get seen otherwise. Older work is i nterspersed with works made especially&mdash\;such as the group exhibited h ere&mdash\;for the instagram format &mdash\; nicola_tyson \; \; &md ash\;which is square.

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Nicola Tyson was born in 1960 in London\, England. She attend ed Chelsea School of Art\, St. Martins School of Art and Central/St. Martin s School of Art in London and currently lives and works in upstate New York .

Primarily known as a painter\, Tyson has also worked with photography\, film\, performance and the written word. In 2011 she pub lished in limited edition\, in conjunction with Petzel Gallery\, New York&n bsp\; and Sadie Coles HQ\, London\, with design by Peter Miles\, a collecti on of satirical letters to famous artists titled &ldquo\;Dead Letters Men&r dquo\;. Her unique archive of color photos documenting the London club scen e of the late 1970&rsquo\;s &mdash\;&ldquo\;Bowie Nights at Billy&rsquo\;s Club&rdquo\; &mdash\;was the subject of shows\, both in New York and London \, in 2012 and 2013.

Tyson&rsquo\;s work is included in major co llections such as Museum of Modern Art\, New York\; Solomon R. Guggenheim M useum\, New York\; Whitney Museum of Art\, New York\; San Francisco Museum of Modern Art\, San Francisco\; Walker Art Center\, Minneapolis\; Philadelp hia Museum of Art\, Philadelphia\; Museum of Contemporary Art\, Chicago\; C orcoran Gallery of Art\, Washington\, D.C.\; The Hirshhorn Museum &\; Sc ulpture Garden\, Washington D.C\; and Tate Modern\, London. She is represen ted by Petzel Gallery in New York and Sadie Coles HQ in London.

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La Galerie Nathalie Obadia est trè \;s heureuse de pré\;senter une nouvelle exposition personnelle de l& rsquo\;artiste Nicola Tyson. A cette occasion\, l&rsquo\;artiste pré\ ;sentera trois peintures et un ensemble de dessins ré\;cents\, o&ugra ve\; l'on retrouve la confrontation de ses ambiguï\;té\;s visuell es.

Dans Self-portrait: Single Tear 2015\, la «\;& nbsp\;tê\;te \;»\; parfaitement ronde de l&rsquo\;artiste flo tte sur la toile\, sans lien avec ses cheveux raides tombant à\; la v erticale. Dans sa bouche ouverte apparaissent des doigts à\; la place des dents. D&rsquo\;un de ses yeux vides mais pleins de vie\, une larme es t sur le point de couler.

L&rsquo\;absurde a toujours é\;t é\; un ingré\;dient important de l&rsquo\;approche de Tyson&nbs p\;: l&rsquo\;humour vire à\; la satire et souvent à\; l&rsquo\ ;hysté\;rie. Dans Self-portrait \;: Weeping 2015\, l&rsq uo\;artiste fait ré\;fé\;rence à\; la «\; \;femm e qui pleure \;»\; de Picasso\, mais c&rsquo\;est ici sa propre ex pé\;rience qu&rsquo\;elle dé\;crit. Son nez semble cependant do ubler de taille\, tel un pé\;nis é\;jaculant litté\;ralem ent sur son visage. C&rsquo\;est souvent ce que ressentent les spectatrices face à\; l&rsquo\;histoire de l&rsquo\;art\, mais derriè\;re l &rsquo\;expression é\;tonné\;e de Tyson se cache aussi un regar d ferme\, plein d&rsquo\;assurance et d&rsquo\;autorité\; artistique.

Dans Figure Waving 2015\, une cré\;ature &ndash\ ; mi animal\, mi «\; \;femme \;»\; &ndash\; nous regarde avec coquetterie par-dessus son é\;paule\, tout en agitant une gigant esque main en carton. S&rsquo\;agit-il d&rsquo\;un bonjour ou d&rsquo\;un a dieu \;? Parallè\;lement\, en lieu et place de son autre bras pou ssent des rubans de verdure qui fouettent l&rsquo\;air environnant.
Ce trio de peintures dé\;crit-il la douleur ou le soulagement&nbs p\;? Un peu des deux\, sans doute. C&rsquo\;est en fait le dernier ensemble pictural que Tyson envisage de ré\;aliser pour le moment\, car elle se concentre dé\;sormais sur la sculpture. Sa longue relation avec la peinture sera donc provisoirement en suspens.

Le dessin demeure cependant au centre de sa pratique : l&rsquo\;exposition pré\;sente un groupe de sept petits dessins carré\;s ré\;alisé\;s au crayon. Depuis le dé\;but de l&rsquo\;anné\;e 2015\, Tyson pos te chaque jour un dessin sur un ré\;seau social (#NicolaTysondrawinga day). Ses publications ont é\;té\; particuliè\;rement sui vies \;: c&rsquo\;est pour elle une belle opportunité\; de partag er et d&rsquo\;avoir un retour instantané\; sur son travail qui serai t beaucoup moins visible sans cela. Son &oelig\;uvre anté\;rieur est ponctué\; de travaux spé\;cialement conç\;us pour le form at carré\; d&rsquo\;Instagram (nicola_tyson) &ndash\; comme le groupe de dessins exposé\;.

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Nicola Tyson est né\;e à\; Londres en 1960. Elle a suivi les cours de la Chelsea School of Art\, de la St. Martins Sch ool of Art puis du Central St. Martins College of Art and Design. Elle vit et travaille aujourd&rsquo\;hui dans le nord de l&rsquo\;Etat de New-York.< /strong>

Principalement connue comme peintre\, Tyson a é\; galement utilisé\; dans son travail la photographie\, le film\, la pe rformance et l&rsquo\;é\;criture. En 2011\, elle a publié\; en collaboration avec les galeries Petzel (New York) et Sadie Coles HQ (Londre s) une collection de lettres satiriques adressé\;es à\; des art istes connus \;: «\; \;Dead Letters Men \;»\; &ndash\ ; une é\;dition limité\;e dont la conception graphique est sign é\;e Peter Miles. Ses archives uniques de photos couleurs montrant le s soiré\;es londoniennes de la fin des anné\;es 1970 &ndash\; & laquo\; \;Bowie Nights at Billy&rsquo\;s Club \;»\; &ndash\; o nt fourni le sujet de ses expositions de Londres et de New York en 2012 et 2013.

L&rsquo\;&oelig\;uvre de Tyson figure au catalogue de coll ections majeures \;: Musé\;e d&rsquo\;Art Moderne\, Guggenheim et Whitney Museum of Art de New York \;\; Musé\;e d&rsquo\;Art Mode rne de San Francisco \;\; Walker Art Center de Minneapolis \;\; Mus é\;e des Beaux-Arts de Philadelphie \;\; Musé\;e d&rsquo\;A rt Contemporain de Chicago \;\; galerie d&rsquo\;art Corcoran et Hirshh orn Museum &\; Sculpture Garden de Washington \;\; et Tate Modern de Londres. Elle est repré\;senté\;e par les galeries Petzel &agr ave\; New York et Sadie Coles HQ à\; Londres.

DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150610 GEO:48.8587758;2.3517685 LOCATION:Galerie Nathalie Obadia\,3 rue du Cloître Saint-Merri \nParis\, 75 004 SEQUENCE:0 SUMMARY:Goodbye/Hello\, Nicola Tyson UID:384614 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION: DTEND:20150725 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150610 GEO:48.8587758;2.3517685 LOCATION:Galerie Nathalie Obadia\,3 rue du Cloître Saint-Merri \nParis\, 75 004 SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, Enoc Perez UID:384613 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

*Vernissage de l'exposition de Katja Schenker "Temps Suspend u" à\; la Galerie Mitterrand en pré\;sence de l'artiste. \; Performance "Lü\;ften" à\; 19h30.

DTEND:20150711 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150529 GEO:48.8613485;2.3561339 LOCATION:Galerie Mitterrand\,79\, rue du Temple \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Temps Suspendu\, Katja Schenker UID:384611 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150528T210000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150528T180000 GEO:48.8613485;2.3561339 LOCATION:Galerie Mitterrand\,79\, rue du Temple \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:Temps Suspendu\, Katja Schenker UID:384612 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Marian Goodman Gallery in Pari s is pleased to present an exhibition entitled
«\; Presque rien »\; (almost nothing) including a selection of works by Leonor Antunes \, Christian Boltanski\, Carol Bove\, Nina Canell\, Lygia Clark\, Simon Fuj iwara\, Marine Hugonnier\, Koo Jeong A\, Seung-Taek LEE Franç\;ois Mo rellet\, Gabriel Sierra\, Rayyane Tabet\, Niele Toroni\, Richard Tuttle and Cerith Wyn Evans.

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La Galerie Marian Goodman a le plaisir de pré\;senter une exposition intitul&ea cute\;e
«\; Presque rien »\; incluant une sé\;lectio n d&rsquo\;&oelig\;uvres de Leonor Antunes\, Christian Boltanski\, Carol Bo ve\, Nina Canell\, Lygia Clark\, Simon Fujiwara\, Marine Hugonnier\, Koo Je ong A\, Seung-Taek Lee\, Franç\;ois Morellet\, Gabriel Sierra\, Rayya ne Tabet\, Niele Toroni\, Richard Tuttle et Cerith Wyn Evans.

DTEND:20150731 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150605 GEO:48.8613485;2.3561339 LOCATION:Galerie Marian Goodman - Paris\,79 rue du Temple \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:« Presque rien » (almost nothing)\, François Morellet\, Cerith Wyn Evans\, Richard Tuttle\, Niele Toroni\, Rayyane Tabet\, Gabriel Sierra\, Se ung-taek Lee\, Koo Jeong A\, Marine Hugonnier\, Simon Fujiwara\, Lygia Clar k\, Nina Canell\, Carol Bove\, Christian Boltanski\, Leonor Antunes UID:384606 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150605T203000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150605T180000 GEO:48.8613485;2.3561339 LOCATION:Galerie Marian Goodman - Paris\,79 rue du Temple \nParis\, 75003 SEQUENCE:0 SUMMARY:« Presque rien » (almost nothing)\, Koo Jeong A\, Leonor Antunes\, Christian Boltanski\, Carol Bove\, Nina Canell\, Lygia Clark\, Cerith Wyn E vans\, Simon Fujiwara\, Marine Hugonnier\, Seung-taek Lee\, François Morell et\, Gabriel Sierra\, Rayyane Tabet\, Niele Toroni\, Richard Tuttle UID:384607 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

S'inté\;ressant à\ ; la question du né\;gationnisme\, Pascaline Marre a mené\; pen dant dix ans\, de la Turquie aux confins de l'Iran\, des recherches photogr aphiques sur les traces et la place du gé\;nocide armé\;nien da ns l'Histoire et l'inconscient \;collectif.

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Dans le cadre du centenaire\, plusieurs é\;vé\;nemen ts donnent voix à\; ce travail : expositions personnelles Fantô\ ;mes d'Anatolie au Centre du patrimoine Armé\;nien à\; Valence (6 mars >\; 24 mai) et Armé\;niÉ\;e à\; la Galerie Bin& ocirc\;me (12 juin >\; 24 juillet) \;- exposition collective Le g&eac ute\;nocide armé\;nien de l'Empire ottoman au Mé\;morial de la Shoah à\; Paris (3 avril >\; 27 septembre) - colloque international Le Gé\;nocide des Armé\;niens de l'Empire ottoman dans la Gran de Guerre\, Cent ans de recherche\, \;Photographier aprè\;s (25 & gt\; 28 mars) - projections du film Fantô\;mes d'Anatolie de Pascaline Marre \;dans le \;parcours Hors les murs de la YIA (octobre 2014)& nbsp\;et à\; Poë\;t-Laval (12 >\; 13 \;juin) - \;paruti on du livre de photographies \;Fantô\;mes \;d'Anatolie de Pasc aline Marre chez Escourbiac (fé\;vrier 2015) \;- publication dans la \;revue \;Té\;moigner entre Histoire et mé\;moire ( trimestrielle \;avril 2015).

DTEND:20150724 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150612 GEO:48.8543134;2.3598057 LOCATION:Galerie Binôme\,19\, rue Charlemagne \nParis\, 75004 SEQUENCE:0 SUMMARY:ArméniÉe\, Pascaline Marre UID:384604 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150611T210000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150611T180000 GEO:48.8543134;2.3598057 LOCATION:Galerie Binôme\,19\, rue Charlemagne \nParis\, 75004 SEQUENCE:0 SUMMARY:ArméniÉe\, Pascaline Marre UID:384605 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION: DTEND:20150718 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150702 GEO:48.8788409;2.3370109 LOCATION:Fondation Taylor\,1 rue La Bruyère \nParis\, 75009 SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, Marie-Antoinette Rouilly le Chevallier UID:384602 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150702T210000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150702T170000 GEO:48.8788409;2.3370109 LOCATION:Fondation Taylor\,1 rue La Bruyère \nParis\, 75009 SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, Marie-Antoinette Rouilly le Chevallier UID:384603 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION: DTEND:20150627 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150604 GEO:48.8788409;2.3370109 LOCATION:Fondation Taylor\,1 rue La Bruyère \nParis\, 75009 SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, Manuel Jumeau UID:384600 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20150604T210000 DTSTAMP:20150524T232207 DTSTART:20150604T170000 GEO:48.8788409;2.3370109 LOCATION:Fondation Taylor\,1 rue La Bruyère \nParis\, 75009 SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, Manuel Jumeau UID:384601 END:VEVENT END:VCALENDAR