ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Romuald Hazoumè, Mathieu Mercier, Carsten Höller, Keith Sonnier, Calixte Dakpogan, Thomas Houseago - JGM Galerie - April 17th - May 24th <p style="text-align: justify;">La JGM GALERIE est heureuse d&rsquo;annoncer une nouvelle exposition collective, Masks, qui offre une selection d&rsquo;oeuvres qui prolonge la longue tradition des masques dans la cr&eacute;ation artistique contemporaine.<br /><br />Cette exposition rassemble en effet des &oelig;uvres r&eacute;alis&eacute;es par des artistes majeurs de la sc&egrave;ne contemporaine fran&ccedil;aise, anglaise, allemande, am&eacute;ricaine, suisse et africaine. <br /><br />A la fois ornement, d&eacute;guisement, sculpture, objet mortuaire, folklorique ou spirituel, le masque est un &eacute;comus&eacute;e &agrave; lui seul. Trait&eacute; avec une abstraction contemporaine, aussi conceptuelle soit-elle, ou se r&eacute;f&eacute;rant &agrave; ses formes traditionnelles, le masque demeure un objet &eacute;nigmatique qui voile autant qu&rsquo;il d&eacute;voile les secrets de la conscience humaine.<br /><br />&laquo; En sculpture, le statut du masque est quelquefois probl&eacute;matique. S'agit-il d'une &eacute;tape interm&eacute;diaire ou d'une &oelig;uvre d&eacute;finitive ? Il est li&eacute; &agrave; la fragmentation de la repr&eacute;sentation, voie d&eacute;cisive du renouvellement de la sculpture au tournant des XIXe et XXe si&egrave;cles.<br /><br />L'un des enjeux majeurs du masque est aussi le regard, ou son absence : les sculpteurs se sont toujours mesur&eacute;s au d&eacute;fi de restituer la pr&eacute;sence particuli&egrave;re du regard. <br /><br />C'est vers 1906 qu'une nouvelle source d'inspiration, venue d'Afrique, bouleverse les codes de la repr&eacute;sentation et op&egrave;re une d&eacute;construction des traits du visage. Les masques africains, et les masques dits alors "primitifs" en g&eacute;n&eacute;ral, ach&egrave;vent l'entreprise de d&eacute;personnalisation du portrait qui se met en place en Europe. Picasso, Derain ou Vlaminck s'enthousiasment pour les masques et les sculptures des arts non occidentaux, per&ccedil;us comme la confirmation de leur propre d&eacute;sir d'abstraction. Aux bouleversements formels s'adjoint la fascination exerc&eacute;e par la dimension surnaturelle des objets de cultes.&raquo;</p> <p style="text-align: justify;">___________________________________</p> <p style="text-align: justify;">JGM GALERIE is pleased to announce a new group exhibition, Masks, featuring a selection of artworks following the long tradition of masks in contemporary art. <br /><br />This exhibition gathers works made by influential artists from the French, English, German, American and African contemporary scenes. <br /><br />An ornament, a disguise, a sculpture, a mortuary object, folkloric or spiritual, the mask is an eco-museum of its own. Whether it is created in an abstract contemporary way, conceptual or not, or as a reference to its traditional shape, the mask remains an enigmatic object which veils as much as it unveils the secrets of human consciousness.<br /><br />&ldquo;In sculpture, the mask's status can be problematic. Is it an intermediary stage or a definitive work? It is linked to the fragmentation of presentation, the decisive route to the revival of sculpture in the late 19th and early 20th centuries.<br /><br />One of the major issues of the mask is the expression, or the absence of one: sculptors have always risen to the challenge of trying to restore this particular presence.<br /><br />It was around 1906 that a new source of inspiration, coming from Africa, pushed aside the accepted rules of representation, and brought about a deconstruction of facial features. African masks, and masks then called "primitive" in general, finished the depersonalisation process of the portrait which had started in Europe. Picasso, Derain and Vlaminck were filled with enthusiasm for masks and sculptures in non-Western arts, which they perceived as the confirmation of their own desire for abstraction. As well as this breaking down of form, there was the fascination exercised by the supernatural dimension of these cult objects.&rdquo;</p> Mon, 21 Apr 2014 12:47:18 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Martin Mc Nulty, Raphael de Villers - Galerie Patricia Dorfmann - April 17th - May 17th <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 456.3px; transform: rotate(0deg) scale(0.9654, 1); transform-origin: 0% 0% 0px; text-align: justify;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="110.055588338089"><span style="font-size: small;">Le titre de l&rsquo;exposition est emprunt&eacute; &agrave; Saint Augustin, qui, lors d&rsquo;un pr&ecirc;che, s&rsquo;exclame O Felix Culpa!</span></div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 635.1px; transform: rotate(0deg) scale(0.981189, 1); transform-origin: 0% 0% 0px; text-align: justify;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="429.76075446090704"><span style="font-size: small;">&nbsp;</span></div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 635.1px; transform: rotate(0deg) scale(0.981189, 1); transform-origin: 0% 0% 0px; text-align: justify;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="429.76075446090704"><span style="font-size: small;">La notion de &laquo;faute heureuse&raquo; appara&icirc;t comme un point de relation entre les pratiques de Martin McNulty (n&eacute; en 1966, en Angleterre) et de Rapha&euml;l de Villers (n&eacute; en 1969, en France). Chacun &agrave; leurmani&egrave;re, ils empoignent, mod&egrave;lent, sculptent et travaillent la mati&egrave;re. L&rsquo;accident et le hasard jouent unr&ocirc;le in&eacute;vitable et souhait&eacute; dans leurs processus cr&eacute;atifs respectifs. Martin McNulty plie, casse, broiediff&eacute;rents mat&eacute;riaux (r&eacute;sines, plastiques, carton), puis recouvre l&rsquo;objet de peinture et/ou de paillettescolor&eacute;es. Il produit des m&eacute;t&eacute;orites scintillantes, des cristaux comme pris dans la glace ou des roches translucides semblant provenir d&rsquo;une plan&egrave;te lointaine.</span></div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 635.1px; transform: rotate(0deg) scale(0.981189, 1); transform-origin: 0% 0% 0px; text-align: justify;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="429.76075446090704"><span style="font-size: small;">&nbsp;</span></div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 635.1px; transform: rotate(0deg) scale(0.981189, 1); transform-origin: 0% 0% 0px;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="429.76075446090704"> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 332.738px; top: 753.9px; transform: rotate(0deg) scale(0.978754, 1); transform-origin: 0% 0% 0px; text-align: justify;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="403.2467572704315"><span style="font-size: small;">Depuis 2008, Rapha&euml;l de Villers pratique la c&eacute;ramique. Du four sortent des cr&eacute;atures oscillant entre figures identifiables et silhouettes informes. La terre est couverte d&rsquo;&eacute;maux diff&eacute;rents, appliqu&eacute;s demani&egrave;re instinctive. Au c&oelig;ur d&rsquo;un territoire expressionniste, brutal et physique, les deux artistespartagent une r&eacute;flexion sur lamati&egrave;re, le geste, la couleur, la lumi&egrave;re et l&rsquo;espace.</span></div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 332.738px; top: 753.9px; transform: rotate(0deg) scale(0.978754, 1); transform-origin: 0% 0% 0px; text-align: justify;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="403.2467572704315">&nbsp;</div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 332.738px; top: 753.9px; transform: rotate(0deg) scale(0.978754, 1); transform-origin: 0% 0% 0px; text-align: justify;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="403.2467572704315"><span style="font-size: small;">Felix Culpa </span><span style="font-size: small;">est le r&eacute;sultat d&rsquo;une rencontre entre deux univers motiv&eacute;s par un renouvellement des</span><span style="font-size: small;">formes. Si le dialogue gestuel et physique fait sens, la culture d&rsquo;une tension entre les deux</span><span style="font-size: small;">pratique</span><span style="font-size: small;">s est aussi instaur&eacute;e. Rapha&euml;l de Villers parle d&rsquo;une &laquo;</span><span style="font-size: small;">menace</span><span style="font-size: small;">&raquo; qui viendrait exacerber la</span><span style="font-size: small;">dimension tellurique des &oelig;uvres c&eacute;ramique et souligner le caract&egrave;re interstellaire des &oelig;uvres</span><span style="font-size: small;">fluorescentes et scintillantes de Martin Mc</span><span style="font-size: small;">Nulty. Un rapport de forces</span> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 962.7px; transform: rotate(0deg) scale(0.975667, 1); transform-origin: 0% 0% 0px;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="551.2517415872574"><span style="font-size: small;">est invoqu&eacute;,la terre et lecosmos interagissent. Avec&nbsp; un&nbsp; besoin constant de g&eacute;n&eacute;rer&nbsp; de nouvelles formes, de faire &eacute;clater lacouleur et la mati&egrave;re, les deux artistes travaillent l&rsquo;accident et le chaos.</span></div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 962.7px; transform: rotate(0deg) scale(0.975667, 1); transform-origin: 0% 0% 0px;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="551.2517415872574"><span style="font-size: small;">&nbsp;</span></div> <div style="font-size: 18px; font-family: sans-serif; left: 106.6px; top: 962.7px; transform: rotate(0deg) scale(0.975667, 1); transform-origin: 0% 0% 0px;" dir="ltr" data-angle="0" data-font-name="g_font_9_0" data-canvas-width="551.2517415872574"><span style="font-size: small;">&nbsp;</span></div> </div> </div> Sun, 20 Apr 2014 14:24:56 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Will Benedict - Balice Hertling - April 18th - June 21st Sun, 20 Apr 2014 14:04:31 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Damien Deroubaix - In Situ / Fabienne Leclerc - April 3rd - May 17th Sun, 20 Apr 2014 13:56:58 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Léa Barbazanges - Galerie Xippas - March 22nd - April 26th <p style="text-align: justify;">La galerie Xippas est heureuse de pr&eacute;senter pour la premi&egrave;re fois le travail de L&eacute;a Barbazanges en galerie.&nbsp;Cette jeune artiste n&eacute;e en 1985 et r&eacute;v&eacute;l&eacute;e lors du 58&egrave;me Salon de Montrouge (2013), a expos&eacute; son travail&nbsp;dans diverses institutions en France et &agrave; l&rsquo;&eacute;tranger (principalement en Suisse et en Allemagne) depuis&nbsp;2007.</p> <p style="text-align: justify;">L&eacute;a Barbazanges est une glaneuse, une investigatrice curieuse. Attentive &agrave; l&rsquo;environnement, l&rsquo;artiste&nbsp;s&rsquo;attache &agrave; recueillir des mat&eacute;riaux d'origine min&eacute;rale ou organique (v&eacute;g&eacute;tale ou animale). Feuille d&rsquo;or&nbsp;suspendue, cristaux, marbre blanc, aigrettes de pissenlits, fils d&rsquo;araign&eacute;e, filaments de cl&eacute;mentines,&nbsp;feuilles d&rsquo;<em>Elaeagnus</em>, voil&agrave; le vocabulaire employ&eacute; par L&eacute;a Barbazanges pour cr&eacute;er des oeuvres qu&rsquo;elle&nbsp;qualifie &laquo; d&rsquo;assemblages organiques &raquo;. Pour elle, chaque rencontre avec un mat&eacute;riau est v&eacute;cu comme un&nbsp;nouveau d&eacute;fi. Il s&rsquo;agit avant tout d&rsquo;en comprendre la substance, de trouver la fa&ccedil;on de le manipuler, de&nbsp;chercher sa juste mise en forme afin d&rsquo;en d&eacute;gager les propri&eacute;t&eacute;s jusqu&rsquo;alors invisibles.</p> <p style="text-align: justify;">Si en regardant ces oeuvres le spectateur se trouve face &agrave; des fragments de r&eacute;els tels qu&rsquo;il ne les a jamais&nbsp;vus, c&rsquo;est que l&rsquo;artiste les sublime et en exp&eacute;rimente les caract&eacute;ristiques pour tenter d&rsquo;en d&eacute;passer les&nbsp;limites et les rendre extraordinairement graphiques sans l&rsquo;aide d&rsquo;aucun artifice. Le rectangle d&rsquo;ailes de&nbsp;mouches devient un jeu de transparence, les filaments de cl&eacute;mentines un dessin abstrait, les feuilles&nbsp;d&rsquo;<em>Elaeagnus</em> des puits de lumi&egrave;re, les cristaux des reflets brillants, changeant selon la luminosit&eacute;&hellip; La&nbsp;beaut&eacute; du travail de L&eacute;a Barbazanges r&eacute;side dans la fragilit&eacute; des oeuvres, le toucher mena&ccedil;ant chaque&nbsp;objet de dispara&icirc;tre. En tentant de rendre p&eacute;rennes les mati&egrave;res appr&eacute;hend&eacute;es comme &eacute;ph&eacute;m&egrave;res, l&rsquo;artiste&nbsp;nous invite &agrave; voir la force t&eacute;nue qui r&eacute;side dans la pr&eacute;carit&eacute;. Rien de th&eacute;&acirc;tral dans les oeuvres domestiques&nbsp;de L&eacute;a Barbazanges, aucune mise en sc&egrave;ne, tout au plus un support, toujours minimal et discret, pour&nbsp;permettre &agrave; l&rsquo;oeuvre d&rsquo;&ecirc;tre montr&eacute;e. Chez l&rsquo;artiste, le spectaculaire rel&egrave;ve de l&rsquo;extraordinaire en ce sens&nbsp;qu&rsquo;il r&eacute;side dans le proc&eacute;d&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">La <em>Paroi de cr&eacute;pines</em> r&eacute;alis&eacute;e in situ dans la derni&egrave;re salle de l&rsquo;exposition, grande oeuvre &eacute;ph&eacute;m&egrave;re,&nbsp;contrairement &agrave; la plupart des autres pi&egrave;ces, frappe par son &eacute;tonnante beaut&eacute; diaphane. Le mat&eacute;riau &agrave;&nbsp;priori repoussant devient une toile translucide faite de r&eacute;seaux fascinants qui questionne le regard que&nbsp;nous portons sur le monde qui nous entoure. D&eacute;passant la question de la relation entre art et nature, les&nbsp;oeuvres de L&eacute;a Barbazanges attendent simplement d&rsquo;&ecirc;tre approch&eacute;es, regard&eacute;es, contempl&eacute;es et&nbsp;appr&eacute;ci&eacute;es pour l&rsquo;infinie d&eacute;licatesse qu&rsquo;elles r&eacute;v&egrave;lent.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">L&eacute;a Barbazanges est n&eacute;e en 1985 &agrave; Rennes, elle vit et travaille &agrave; Strasbourg. Elle est dipl&ocirc;m&eacute;e de l'Ecole Sup&eacute;rieure&nbsp;des Arts D&eacute;coratifs de Strasbourg et a obtenu son DNSEP (Dipl&ocirc;me national sup&eacute;rieur d'expression plastique) en 2009.</p> <p style="text-align: justify;">Son travail a fait l'objet d'expositions personnelles, telles que <em>Fils de cristal</em> &agrave; la Galerie des projets en 2008&nbsp;(Strasbourg), <em>Filandre</em> &agrave; l&rsquo;Espace Insight en 2009 (Strasbourg). Elle a aussi particip&eacute; &agrave; des expositions collectives, parmi&nbsp;lesquelles <em>N'oublions pas que le vertige se prend sur les hauteurs</em> &agrave; la Kunsthalle de Mulhouse, <em>Strasbourg, capitale du&nbsp;verre</em> &agrave; l'H&ocirc;tel du D&eacute;partement (Strasbourg) ou encore <em>Au fil des araign&eacute;es</em> au Mus&eacute;e d'Histoire Naturelle de Paris.</p> <p style="text-align: justify;">En 2013 L&eacute;a Barbazanges participait au 58&egrave;me Salon de Montrouge. Elle partira cette ann&eacute;e en r&eacute;sidence en Cor&eacute;e du&nbsp;Sud, dans le cadre du programme The National Art Studio (IASK).</p> Sun, 20 Apr 2014 13:49:28 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Wang Bing - Galerie Paris-Beijing - April 29th - June 7th <h2 style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Galerie Paris-Beijing is proud to present the world premier of Chinese filmmaker Wang Bing&rsquo;s photographic work. Having achieved international renown with his first film, the epic West of the Tracks (2004), and fame with his historical fiction The Ditch (the surprise film at the Venice festival in 2010), Wang Bing does extreme cinema. He makes films of incredible length (up to 9 hours!), tackles radical subjects and creates images with a harsh aesthetic that approaches the cruel reality, but with honesty and gentleness, and even empathy.</span><br /><br /><span style="font-size: x-small;"> Born in 1967 in Shaanxi, a province in central China, Wang Bing first studied photography in Shenyang before taking cinema classes in Beijing. Very recently, he has returned to his first passion: between 2013 and 2014, Wang Bing realized a series of photographs taken on the sites of two former full-length films, and also during the shooting of his latest film, Father and Sons.</span><br /><br /><span style="font-size: x-small;"> Galerie Paris-Beijing had the pleasure of supporting the artist in this project and co- producing these new works, which will be exhibited in part at the Pompidou Center, where a retrospective of his cinematic work will take place from 14th April &ndash; 26th May.</span><br /><br /><span style="font-size: x-small;"> As an extension of the event and exhibition at the Pompidou Center, Galerie Paris- Beijing is showing two new photographic series for the first time: The Man With No Name (2013) and Father and Sons (2014).</span><br /><br /><span style="font-size: x-small;"> In the first series, Wang Bing has retraced the footsteps of the silent hero that he followed into the depths of the Chinese steppes in 2006 for a documentary on his daily life in the margins of society. For the second series, he filmed and photographed the miserable life of Cai, a stonemason, and his two sons in the desolate suburbs of a lost city in the mountains of Yunnan. The unreleased film Father and Sons will also be projected at the gallery for the duration of the exhibition.</span><br /><br /><span style="font-size: x-small;"> Wang Bing shows us a world and a humanity in ruins, the other side to the coin of China&rsquo;s triumphal march towards material prosperity: &ldquo;We must show the problems of contemporary China,&rdquo; he says, &ldquo;the hypocrisy of this system where economic growth obscures a material and spiritual impoverishment that affects millions of people.&rdquo;</span></h2> Sun, 20 Apr 2014 13:34:53 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Efrat Shvily - Galerie Martine et Thibault de La Châtre - May 3rd - June 21st <p style="text-align: justify;">Jasmine fruit</p> <p style="text-align: justify;">Dans le contexte d'une r&eacute;flexion in&eacute;puisable au sein de la soci&eacute;t&eacute; isra&euml;lienne sur la nature et l'importance du devoir de M&eacute;moire de l'Holocaust, deux projets vid&eacute;os d'Efrat Shvily offrent une vision &agrave; la fois complexe et mesur&eacute;e du non repr&eacute;sentable. </p> <p style="text-align: justify;">Open Closed Open (2006) aborde la comm&eacute;moration officielle par le biais d'un travail documentaire sur la c&eacute;r&eacute;monie comm&eacute;morative "Unto Every Person There is a Name" qui a lieu chaque ann&eacute;e Au Yad Vashem Museum &agrave; J&eacute;rusalem.</p> <p style="text-align: justify;">Family Photographs (2012) se concentre sur le souvenir familial de l'arri&egrave;re-grand-p&egrave;re d'Efrat Shvily, d&eacute;port&eacute; &agrave; Auschwitz pour ne jamais revenir.<br />Dans ces deux travaux, Efrart Shvily s'int&eacute;resse &agrave; ces "communaut&eacute;s t&eacute;moins", groupes d'isra&euml;liens et de juifs, unis par la conscience de leur responsabilit&eacute; historique, de porter le fardeau du pass&eacute; au nom des g&eacute;n&eacute;rations futures. Le r&eacute;el drame de ces &oelig;uvres c'est certain, n'est pas dans le souvenir traumatique, au sens de la perte et du deuil, ni m&ecirc;me dans les t&eacute;moignages de ces atrocit&eacute;s. Le caract&egrave;re unique de ce travail vid&eacute;o r&eacute;side dans la mani&egrave;re dont l'artiste fa&ccedil;onne m&eacute;ticuleusement la structure temporelle comme un mod&egrave;le aux multiples facettes et aux multiples dimensions. Au sein de ce mod&egrave;le, le temps devient une image r&eacute;elle et permanente qui &eacute;rode, ronge et met en danger la m&eacute;moire elle-m&ecirc;me. (&hellip;) Son travail attire l'attention sur les relations paradoxales entre le souvenir et l'oubli, le pass&eacute; et le pr&eacute;sent, qui place le temps au coeur des questions relatives &agrave; l'identit&eacute; Isra&euml;lienne contemporaine.<br /><br />D'apr&egrave;s Orly Shevi, "A Witness Chain : On Holocaust Remembrance in two video works by Efrat Shvily.</p> Sun, 20 Apr 2014 13:16:17 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Olivier Mosset - Galerie Les Filles du Calvaire - May 7th - June 21st <div id="text"> <p style="text-align: justify;">Nous sommes heureux d&rsquo;accueillir &agrave; nouveau une exposition d&rsquo;Olivier Mosset &agrave; la galerie. Artiste incontournable de la sc&egrave;ne artistique contemporaine, il est connu pour avoir fait partie du groupe BMPT, &agrave; la fin des ann&eacute;es soixante, et est reconnu pour son exploration du monochrome et de l&rsquo;abstraction g&eacute;om&eacute;trique.</p> <p style="text-align: justify;">Il ne se lasse pas, &agrave; travers ses diff&eacute;rents accrochages, de renouveler le concept d&rsquo;exposition : collaborations avec d&rsquo;autres artistes, commissariat d&rsquo;artistes.</p> <p style="text-align: justify;">Apr&egrave;s avoir expos&eacute; r&eacute;cemment &agrave; la galerie en duo avec Paz Corona, peintre figurative du portrait, dans un jeu sur la pratique picturale en 2011, et avoir commissari&eacute; avec Stefano Pult en 2012 Hell Raisers, exposition qui r&eacute;unissait les &oelig;uvres d&rsquo;une dizaine d&rsquo;artistes de son entourage et se rejoignant sur la pratique de la moto, Olivier Mosset investira le rez-de-chauss&eacute;e de la galerie avec de grands monochromes dont il nous laisse devine les couleurs.</p> <p style="text-align: justify;">N&eacute; &agrave; Berne, en Suisse en 1944, il vit et travaille d&eacute;sormais &agrave; Tucson, aux Etats-Unis. Il a particip&eacute; &agrave; de multiples expositions comme r&eacute;cemment au Centre Culturel Suisse &agrave; Paris, au Magasin &agrave; Grenoble, au LACMA &agrave; Los Angeles ou encore Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris et a repr&eacute;sent&eacute; la Suisse &agrave; la Biennale de Venise en 1990.</p> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> </div> Sun, 20 Apr 2014 13:13:38 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list James Hyde - Galerie Les Filles du Calvaire - May 7th - June 21st <div id="text"> <p style="text-align: justify;">La galerie est heureuse de pr&eacute;senter un ensemble de peintures r&eacute;centes de James Hyde. Au cours de la derni&egrave;re d&eacute;cennie, Hyde a d&eacute;velopp&eacute; une sorte de paradigme pictural &ndash; peignant de toutes mani&egrave;res sur des tirages photographiques- qui s&rsquo;inscrit de mani&egrave;re distincte mais dans la continuit&eacute; de ses explorations picturales ant&eacute;rieures autour de l&rsquo;image et du support, de la mati&egrave;re et de la surface.</p> <p style="text-align: justify;">Dans les grandes peintures pr&eacute;sent&eacute;es ici, de grands paysages panoramiques sont recouverts, de mani&egrave;re presque emphatique, de formes g&eacute;om&eacute;triques et d&rsquo;aplats de couleurs vives. Hyde a photographi&eacute; la zone de Pyramid Lake, &agrave; une cinquante de miles au nord-est de Los Angeles pendant plusieurs jours en 2009 et 2011. Dans ces peintures, des bandeaux g&eacute;om&eacute;triques divisent et encadrent les motifs photographiques, parfois accentuant un panorama, d&rsquo;autres en mettant en lumi&egrave;re des d&eacute;tails photographiques.</p> <p style="text-align: justify;">Ces nouvelles &oelig;uvres emploient les tirages photographiques comme point de d&eacute;part. Bien que les photographies de Hyde soient tr&egrave;s techniques et d&eacute;taill&eacute;es, les images sont moins importantes en elles-m&ecirc;me que comme symboles du m&eacute;dium photographique. Pour James Hyde, la photographie repr&eacute;sente un index m&eacute;moriel du monde. Le rapport photographique v&eacute;hicule une temporalit&eacute;, un fragment d'un regard port&eacute; sur le monde. C'est l&agrave; pr&eacute;cis&eacute;ment que les peintures de Hyde ont lieu. Hyde embrasse la photographie comme contexte et objet de la peinture. Sa g&eacute;om&eacute;trie picturale existe ind&eacute;pendamment, mais en relation dynamique avec ses photographies.</p> <p style="text-align: justify;">Hyde dit ainsi : &laquo; en regardant mes grands tirages photographiques, un visiteur m'a demand&eacute; pourquoi j'avais peint sur ces derni&egrave;res. Sans r&eacute;fl&eacute;chir, j&rsquo;ai r&eacute;pondu - pour les rendre r&eacute;elles. Ces photos sont extr&ecirc;mement descriptives, elles d&eacute;taillent un endroit et un moment. Peindre, appliquer la couleur, la mati&egrave;re et la forme sur les surfaces, construit une logique et font que l&rsquo;exp&eacute;rimentation de celles-ci s&rsquo;inscrit dans le temps pr&eacute;sent et dans la mati&egrave;re physique. &raquo;</p> </div> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">______________________________</p> <div id="text"> <p style="text-align: justify;">The gallery is pleased to present a group of recent paintings by James Hyde. Over the last decade Hyde has developed a paradigm of painting &mdash; different modes of painting on photographic prints &mdash;&not;that forms a distinct but continuous relationship to his earlier painterly explorations of image and support, material and surface.</p> <p style="text-align: justify;">In the large paintings on view simple geometry and bright flat colors emphatically occupy large panoramic landscapes. Hyde photographed the area around Pyramid Lake fifty miles northeast of Los Angeles over several days in 2009 and 2011. In these paintings, geometric bands to divide and frame the photographic surfaces, at times enhancing the stretch of a panorama, other times creating a mutually reinforcing coincidence of photographic detail and pigment.</p> <p style="text-align: justify;">Hyde&rsquo;s new paintings employ photographs as the physical ground to paint on. Although Hyde's photographs are highly technical and detailed, the images are less important than their embodiment of the photographic condition. For Hyde, photography represents a mnemonic index of the world. The photographic record holds a moment of time, a fragment of a view onto the world. This is the location that Hyde&rsquo;s paintings take place. Hyde embraces photography as context and subject for painting. His painterly geometry exists independently, but in dynamic relation to his photographs.</p> <p style="text-align: justify;">Hyde has written,</p> <p style="text-align: justify;">"Looking at the large detailed photographic prints a visitor asked me why I painted on the photographs. Without reflecting I replied&mdash;to make it real. These photos are enormously descriptive&mdash;precise in location and moment. Painting, applying color, material and shape on surfaces, constructs a logic and brings the experience of these works into the physical present."</p> </div> Sun, 20 Apr 2014 13:08:41 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Noemie Goudal - Galerie Les Filles du Calvaire - March 14th - April 26th <div id="text"> <p style="text-align: justify;">La galerie Les filles du calvaire est heureuse de pr&eacute;senter la premi&egrave;re exposition personnelle &agrave; la galerie de No&eacute;mie Goudal, jeune photographe fran&ccedil;aise, laur&eacute;ate du Prix HSBC pour la Photographie en 2013.</p> <p style="text-align: justify;">The Geometrical Determination of the Sunrise</p> <p style="text-align: justify;">Si le travail de No&eacute;mie Goudal appara&icirc;t &agrave; entr&eacute;es multiples, c&rsquo;est qu&rsquo;il entretient lui-m&ecirc;me avec la r&eacute;alit&eacute; des rapports ambigus qui se r&eacute;v&egrave;lent &ecirc;tre l&rsquo;essence m&ecirc;me de son univers. Car c&rsquo;est bien d&rsquo;un univers dont on peut parler dans son cas. Il va de sa s&eacute;lection de sites pour ses prises de vue &agrave; l&rsquo;installation de ses images de grand format dans des lieux inusuels.</p> <p style="text-align: justify;">Bon nombre de ses photographies donnent &agrave; voir des constructions &eacute;nigmatiques, des ruines modernes dont le b&eacute;ton semble &ecirc;tre le mat&eacute;riau privil&eacute;gi&eacute;, celui d&rsquo;une civilisation s&egrave;che et sans &acirc;me dont les utopies se noient dans on ne sait quel lac. C&rsquo;est la nature qui reprend le dessus, on y reviendra. En travaillant sur ce type d&rsquo;arch&eacute;ologie du XXe si&egrave;cle, ses r&ecirc;ves de grandeur ou de conqu&ecirc;tes &agrave; vision totalitaire ou industrielle, No&eacute;mie Goudal s&rsquo;inscrit dans une lign&eacute;e d&rsquo;artistes d&rsquo;une m&ecirc;me g&eacute;n&eacute;ration, tels Geert Goiris ou Guillaume Lemarchal (1) plus proches de la photographie ou encore Cyprien Gaillard qui, comme elle, utilise plusieurs m&eacute;dias. Eux aussi, &agrave; travers leurs images implacables, s&rsquo;interrogent sur les vestiges et les &eacute;garements de certains aspects de notre civilisation telle qu&rsquo;elle s&rsquo;est d&eacute;velopp&eacute;e au XXe si&egrave;cle. Pour No&eacute;mie Goudal, la s&eacute;rie Haven Her Body Was &eacute;voque un monde en perdition, un monde qui se reconstruit autrement. Elle s&rsquo;interroge sur la fragilit&eacute; et la force de la nature et la relation qu&rsquo;elle entretient avec les hommes : les ruines ont &eacute;t&eacute; un point de d&eacute;part; ensuite c&rsquo;est la nature qui reprend le dessus sur les constructions humaines. Ainsi celles-ci ont pu &ecirc;tre d&eacute;truites par des &eacute;l&eacute;ments violents naturels, comme des temp&ecirc;tes ou la puissance de la mer.</p> <p style="text-align: justify;">Cette s&eacute;rie d&rsquo;images &agrave; forte connotation architecturale pourrait se suffire &agrave; elle-m&ecirc;me et s&rsquo;&eacute;tendre de fa&ccedil;on autarcique, dans une sorte de monumentalit&eacute; abstraite, n&rsquo;existant que par le regard de la photographe, &agrave; cet instant o&ugrave; le r&eacute;el rejoint la fiction. Petit &agrave; petit cependant, No&eacute;mie Goudal fait glisser ces &eacute;l&eacute;ments de ruines modernes vers des apparitions v&eacute;g&eacute;tales tout aussi singuli&egrave;res, &eacute;mergeant elles aussi de la surface aquatique. Les unes comme les autres peuvent &ecirc;tre per&ccedil;ues comme des observatoires dominant un paysage et le structurant tels des promontoires. S&rsquo;il va de soi que ce terme d&rsquo;observatoire induit la notion de point de vue, la photographe s&rsquo;en empare d&rsquo;une fa&ccedil;on toute personnelle, en remettant au go&ucirc;t du jour la pratique de la photographie st&eacute;r&eacute;oscopique. &laquo; J&rsquo;ai construit des st&eacute;r&eacute;oscopes avec des images que j&rsquo;ai compos&eacute;es moi-m&ecirc;me en num&eacute;rique et non pas avec un appareil photo st&eacute;r&eacute;oscopique habituel. Donc l&rsquo;effet 3D n&rsquo;appara&icirc;t que sur une seule partie de l&rsquo;image &raquo;. Superposer les images, en fragmenter les points de vue, &eacute;laborer de nouvelles perspectives figurent au centre des pr&eacute;occupations de No&eacute;mie Goudal.</p> <p style="text-align: justify;">Sa premi&egrave;re s&eacute;rie, Les Amants, constitue une sorte de m&eacute;taphore de ces rapports conflictuels entre la nature et l&rsquo;homme, o&ugrave; le territoire de l&rsquo;une est battu en br&egrave;che par l&rsquo;autre. Au d&eacute;but de ce travail, No&eacute;mie Goudal s&rsquo;imaginait un territoire d&eacute;sol&eacute;, o&ugrave; les hommes sont venus, puis sont partis, laissant derri&egrave;re eux des vestiges de leur histoire. Pour elle, la nature ainsi que ces vestiges y construiraient ensemble un nouveau paysage.</p> <p style="text-align: justify;">Les pr&eacute;misses du travail &eacute;tant ainsi pos&eacute;es, la photographe s&rsquo;est int&eacute;ress&eacute;e &agrave; ces lieux qui constituent des &eacute;l&eacute;ments atypiques du paysage, comme des &icirc;les et des grottes. Elles sont, tant dans l&rsquo;histoire que dans les l&eacute;gendes, empreintes d&rsquo;une certaine dramaturgie, ou du moins propices &agrave; des reconstructions ou des mises en sc&egrave;ne particuli&egrave;res. En tous temps, ces paysages reclus et isol&eacute;s ont attir&eacute; les hommes, tant par int&eacute;r&ecirc;t pour la d&eacute;couverte de territoires inconnus et myst&eacute;rieux que par les sentiments de protection ou de refuge qu&rsquo;ils induisent. No&eacute;mie Goudal ne dit rien d&rsquo;autre lorsqu&rsquo;en invoquant ces lieux qui l&rsquo;int&eacute;ressent elle aussi, elle les qualifie d&rsquo;h&eacute;t&eacute;rotopies, cr&eacute;es entre une r&eacute;alit&eacute; g&eacute;ographique et une part de l&rsquo;imagination humaine.</p> <p style="text-align: justify;">Le pendant de ces espaces naturels relativement difficiles d&rsquo;acc&egrave;s est constitu&eacute; de lieux industriels d&eacute;saffect&eacute;s et abandonn&eacute;s, o&ugrave; l&rsquo;on retrouve cette ambiance de sites en fin de vie. Elle ne se contente pas de les photographier comme s&rsquo;il fallait en sauvegarder la m&eacute;moire, mais se les r&eacute;approprie comme &ldquo;d&eacute;cor&rdquo;. Elle y installe en effet ses propres photographies de lieux similaires, agrandis &agrave; l&rsquo;&eacute;chelle du lieu investi, pour interf&eacute;rer avec ceux-ci et cr&eacute;er un nouvel imaginaire : &laquo; dans la construction de mes photos, je m&rsquo;int&eacute;resse &agrave; la cr&eacute;ation d&rsquo;une nouvelle perspective dans le cadre de l&rsquo;image, en floutant les fronti&egrave;res entre le r&eacute;el et la fiction, le vrai et l&rsquo;invent&eacute;. Je me suis demand&eacute; comment il &eacute;tait possible d&rsquo;entrer dans la perspective d&rsquo;une image en offrant un paysage mi-r&eacute;el, mi-artificiel &raquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Il est donc &agrave; nouveau question de superpositions de plans et de fragmentations d&rsquo;espaces pour cr&eacute;er de nouvelles perceptions, en jouant sur les perspectives du lieu d&rsquo;accueil (grottes, usines d&eacute;saffect&eacute;es, navires &eacute;chou&eacute;s, granges abandonn&eacute;es) et des traces laiss&eacute;es par son histoire. Des sites sans perspective au d&eacute;part se voient ainsi prolong&eacute;s et transform&eacute;s en un autre d&eacute;cor naturel ou industriel, gr&acirc;ce &agrave; cette superposition d&rsquo;images. Il n&rsquo;y a cependant pas de confusion possible entre l&rsquo;enveloppe et son contenu, car les images &ldquo;import&eacute;es&rdquo; sont elles&ndash;m&ecirc;mes compos&eacute;es de fragments (on y revient) d&rsquo;une m&ecirc;me image d&eacute;compos&eacute;e et imprim&eacute;e sur des papiers suspendus dans le nouvel espace, le squattant en quelque sorte.</p> <p style="text-align: justify;">Ces espaces sortis de nulle part ne sont cependant pas accessibles au public, la perspective et l&rsquo;ad&eacute;quation de la mise en sc&egrave;ne ne pouvant se percevoir que d&rsquo;un point de vue unique et intangible, celui que se r&eacute;serve la photographe. Les lieux investis par No&eacute;mie Goudal se transforment en support de ses installations visuelles, qui, paradoxalement, en les occultant r&eacute;v&egrave;lent leur existence. L&rsquo;artiste ne se contente pas de bousculer les perspectives de ses images, elle perturbe &eacute;galement les espaces qu&rsquo;elle investit dont elle modifie la perception pour en &eacute;laborer un nouveau territoire.</p> <p style="text-align: justify;">(1) Guillaume Lemarchal fut laur&eacute;at du Prix HSBC en 2008, avec son travail sur Les paysages de l&rsquo;apr&egrave;s</p> <p style="text-align: justify;">Bernard Marcelis</p> <p style="text-align: justify;">____________________________________________</p> <div id="text"> <p style="text-align: justify;">Les filles du calvaire gallery is pleased to present the first solo show of No&eacute;mie Goudal, a young french photographer, and laureate of the HSBC prize for Photography in 2013, at the gallery.</p> <p style="text-align: justify;">The Geometrical Determination of the Sunrise</p> <p style="text-align: justify;">If No&eacute;mie Goudal&rsquo;s work seems to offer multiple ways in which it can be approached, this is because it maintains ambiguous connections with reality, relationships that are revealed to be the very essence of her universe&mdash;for it is indeed a universe that we can speak of with regard to her work. This universe spans from her selection of sites for her photographs to the installation of large format images in unusual places.</p> <p style="text-align: justify;">Many of her photographs show enigmatic constructions, modern ruins for which concrete seems to be the favoured material, that of a dessicated and soulless civilisation whose utopias have drowned in who knows what lake. It is nature that has taken over; we will return to this later. By working on this kind of 20th century archaeology, its dreams of greatness or of conquests with a totalitarian or industrial vision, No&eacute;mie Goudal&rsquo;s work fits within the tradition of artists of the same generation, such as Geert Goiris and Guillaume Lemarchal *, with close ties to photography, or Cyprien Gaillard who, like Goudal, uses several media. Through their implacable images, they also examine the vestiges and aberrations of certain aspects of our civilisation such as it has developed in the 20th century. For No&eacute;mie Goudal, the series Haven Her Body Was evokes a world on the road to ruin, a world that rebuilds itself differently. She questions the fragility and the power of nature and the relation it maintains with man: ruins were a departure point; then it is nature that takes over human constructions. Thus the latter have been destroyed by violent natural elements, such as hurricanes or the force of the sea.</p> <p style="text-align: justify;">This series of images with a strong architectural connotation could suffice in itself and spread out in an autarchic way, in a kind of abstract monumentality, existing only because of the photographer&rsquo;s gaze, at that instant when reality joins fiction. Little by little, however, No&eacute;mie Goudal makes these elements of modern ruins slide towards equally singular vegetal apparitions, they too emerging from the aquatic surface. One and the other can be perceived as observatories dominating a landscape and structuring it like promontories. Although it goes without saying that this observatory term infers the notion of point of view, the photographer seizes hold of it in a quite personal way, by reviving the practice of stereoscopic photography. &ldquo;I created stereoscopes with images that I composed digitally, not with a typical stereoscopic camera. Hence the 3D effect appears on only one part of the image.&rdquo; Superposing images, fragmenting points of view and developing new perspectives are central to No&eacute;mie Goudal&rsquo;s concerns.</p> <p style="text-align: justify;">Her first series, Les Amants (The Lovers), constituted a kind of metaphor for the conflicting relationships between nature and mankind, where the territory of one is given a pounding by the other. At the beginning of this work, Goudal imagined &ldquo;a desolate territory, where mankind had come, then left, leaving behind the vestiges of its history&rdquo;. For her, &ldquo;nature as well as these vestiges would together create a new landscape here.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">The premises of her work thus laid down, the photographer became interested in places with atypical landscape elements, such as islands and caves. In history as in legends, these places are imbued with a certain dramaturgy, or at least are propitious to reconstructions or particular mises en scenes. These secluded and isolated landscapes have always attracted human beings, either because of an interest in the discovery of unknown and mysterious lands, or because of the feelings of shelter and protection that they provoke. No&eacute;mie Goudal says nothing other when, invoking these places that also interest her, she describes them as &ldquo;heterotopias, created between a geo graphic reality and a part of human imagination.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">The counterpart of these natural spaces, relatively difficult to access, consists of disused and deserted industrial places, where we find this atmosphere of sites nearing the end of their lives. She is not content with photographing them as though it were necessary to protect their memory, but re-appropriates them like &lsquo;d&eacute;cor&rsquo;. Inside them, she installs her photographs of similar places, enlarged to the size of the site she is filling, to interfere with the latter and to create a new imaginary world. &ldquo;In the construction of my photos, I&rsquo;m interested in creating a new perspective within the context of the image, by blurring the boundaries between reality and fiction, the real and the invented. I&rsquo;ve asked myself how it might be possible to enter the perspective of an image by offering a half-real, half-artificial landscape.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">Hence, there is once again the question of the superposing of shots and the fragmentations of spaces to create new perceptions, by playing with the perspectives of the host site (caves, disused factories, ships lying high and dry, deserted barns) and the traces left by its history. Sites initially without a perspective find themselves extended and transformed into another natural or industrial &lsquo;d&eacute;cor&rsquo;, thanks to this superposing of images. There is nevertheless no confusion possible between the envelope and its contents, because the &lsquo;imported&rsquo; images are themselves composed of fragments (here we are again) of the same image decomposed and printed on paper sheets suspended in the new space, squatting it in a way.</p> <p style="text-align: justify;">These spaces that have come out of nowhere are not accessible to the public, the perspective and harmony of the mise en sc&egrave;ne can only be glimpsed from a unique and intangible point of view, the one that the photographer reserves for herself. The places taken over by No&eacute;mie Goudal transform into a medium for her visual installations, which, paradoxically, reveal the existence of the former by overshadowing them. She is not content with merely upsetting the perspectives of her images, she also disturbs the spaces that she takes over, whose perception she modifies so as to develop a new territory.</p> <p style="text-align: justify;">Bernard Marcelis</p> <p style="text-align: justify;">*Guillaume Lemarchal was the recipient of the 2008 Prix HSBC, with his work on Les Paysages de l&rsquo;apr&egrave;s (Landscapes,afterwards).</p> </div> </div> Sun, 20 Apr 2014 13:02:35 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Sachin Kaeley - galerie hussenot - April 26th - June 3rd Sun, 20 Apr 2014 12:58:43 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Julien Berthier, Gilles Barbier, Julien Bismuth, Alain Bublex, Adam Janes, Jean Tinguely, Julia Wachtel, WINSHLUSS - Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois - May 5th - May 31st <p style="text-align: justify;">Pour l&rsquo;exposition de groupe &laquo;&nbsp;Portrait de 3/4&nbsp;&raquo;, Alain Bublex se livre &agrave; un exercice d&rsquo;&eacute;quilibriste : celui de l&rsquo;artiste endossant le r&ocirc;le de commissaire d&rsquo;exposition.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;&nbsp;Je n&rsquo;avais pas vraiment d&rsquo;id&eacute;e pour l&rsquo;accrochage &ndash; et j&rsquo;ai d&eacute;cid&eacute; de ne pas en chercher une, et de partir de l&agrave; : de travailler sans id&eacute;e &ndash; sans th&egrave;me et sans principe &ndash; sansd&eacute;monstration &agrave; faire. D&rsquo;assembler simplement les pi&egrave;ces disponibles,de les appairer sans intention et avec une relative indiff&eacute;rence ; en laissant simplement une impression s&rsquo;encha&icirc;ner &agrave; une autre, comme une d&eacute;couverte en am&egrave;ne une autre du fait de la place qu&rsquo;elle lib&egrave;re, du vide qu&rsquo;elle laisse. Les oeuvres se c&ocirc;toieront dans l&rsquo;espace de la galerie ind&eacute;pendamment de leur provenance, qu&rsquo;elle soit historique, ou g&eacute;ographique &ndash; un peu comme dans les r&eacute;serves &ndash; jamais vraiment en ordre alphab&eacute;tique, non plus par ordre d&rsquo;arriv&eacute;e, dans un m&eacute;lange des deux et des mouvements in&eacute;vitables d&eacute;sorganisant perp&eacute;tuellement les dispositions. Leur seul lien (mais ce n&rsquo;est d&eacute;j&agrave; pas si mal !) est d&rsquo;&ecirc;tre toutes inscrites au catalogue de la galerie. Ensemble, et parce qu&rsquo;elles ne veulent faire aucune d&eacute;monstration, elles en tissent un portrait. Mais il n&rsquo;est pas impossible qu&rsquo;elle d&eacute;voile malgr&eacute; tout une part des dialogues secrets, des connivences et des m&eacute;fiances qui les occupent quand nous sommes partis, que les lumi&egrave;res sont &eacute;teintes et l&rsquo;alarme branch&eacute;e!&nbsp;&raquo;</p> <p style="text-align: justify;">Dans l&rsquo;esprit de l&rsquo;artiste, le &laquo;&nbsp;Portrait de 3/4&nbsp;&raquo; serait donc celui de la galerie. Pourtant, la subtilit&eacute; de l&rsquo;accrochage, les interventions architectur&eacute;es dessin&eacute;es sp&eacute;cialement pour le projet, jusqu&rsquo;&agrave; la mise en lumi&egrave;re de la sc&eacute;nographie sont autant de touches d&eacute;licates permettant de dresser en creux un autoportrait d&rsquo;Alain Bublex lui-m&ecirc;me.</p> <p style="text-align: justify;">Donner consistance &agrave; des projets par l&rsquo;invention de nouveaux formats qui non seulement &eacute;vitent de les cantonner dans un moment pr&eacute;cis (faisant se m&ecirc;ler les temps de la conception, de la production et de l&rsquo;exposition), mais qui permettent &eacute;galement de maintenir en communication aussi longtemps que possible les pratiques les plus h&eacute;t&eacute;rog&egrave;nes, du design &agrave; la photographie, en passant par la m&eacute;canique et le tourisme : telle pourrait &ecirc;tre une caract&eacute;risation du r&eacute;gime de travail d&rsquo;Alain Bublex.</p> <p style="text-align: justify;">N&eacute; en 1961, Alain Bublex a notamment expos&eacute; &agrave; La Force de l&rsquo;art 02 au Grand Palais Paris), au CCC de Tours, au Centre Pompidou (Paris), au MAC/ VAL (Vitry-sur-Seine) et au MAMCO (Gen&egrave;ve). Une importante monographie lui a &eacute;t&eacute; consacr&eacute;e par les &Eacute;ditions Flammarion en 2010.</p> <p style="text-align: justify;">Alain Bublex est repr&eacute;sent&eacute; par la galerie depuis 1992.</p> <p style="text-align: justify;">__________________________________________</p> <p style="text-align: justify;">For the group show entitled &laquo;&nbsp;Portrait de 3/4&nbsp;&raquo; (&lsquo;3/4 facing portrait&rsquo;), Alain Bublex tiptoes on a tightrope: being an artist assuming the role of curator.</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo; I didn&rsquo;t really have an idea for the hanging and I decided not to look for one and start from there: to work without an idea, without a theme or a principle, without a demonstration to give. To simply assemble available works, to pair them without any intention and with a relative indifference; leaving only an impression following another,like how a discovery can bring about another one, due to the space it creates, the empty space it leaves. The works will neighbour each other in the gallery regardless of their provenance, may it be historical, or geographical &ndash; similar to the way they sit next to each other in a storage &ndash; never in alphabetical order, nor in order of arrival, a mix of the two and subject to the inevitable movements perpetually disorganising their disposition. Their only relation (and it&rsquo;s already something!) is the fact that they are all registered in the gallery&rsquo;s catalogue. Together, and because they are not part of any demonstration, they weave a portrait. But it remains probable that they should unveil part of the secret dialogues, the connivance and suspicion that occupy them when we are not there, when the lights are out and the alarm is on.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">In the artist&rsquo;s mind, the &laquo;3/4 facing portrait&raquo; is of the gallery. Still, the subtlety of the hanging, the architectural interventions designed especially for this project, even the lighting and scenography all constitute delicate touches allowing us to make out a selfportrait of Alain Bublex himself.</p> <p style="text-align: justify;">Giving life to a project through the creation of new formats, that not only prevent the project from being imprisoned in just one instant (by merging conception, production and exhibition), but also allow heterogeneous practices to communicate for as long as possible: from design to photography, and from mechanics to tourism. This is what is most characteristic of Alain Bublex&rsquo;s work. Born in 1961, his work was shown at La Force de l&rsquo;art 02 at the Grand Palais in Paris, at the CCC &ndash; Contemporary art center in Tours, at the Centre Pompidou in Paris, at the MAC/VAL in Vitry-sur-Seine and at the MAMCO in Geneva. A major monography was dedicated to him by the publishing house Flammarion in 2010.</p> <p style="text-align: justify;">Alain Bublex is represented by the gallery since 1992.</p> Sun, 20 Apr 2014 12:56:07 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Matías Duville - Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois - March 14th - April 26th <p style="text-align: justify;">Mat&iacute;as Duville a grandi entre l&rsquo;oc&eacute;an et la for&ecirc;t. Il observe, exp&eacute;rimente et fantasme deux territoires invoquant aussi bien le sublime que la peur et le danger. Des sentiments non pas contradictoires, mais compl&eacute;mentaires qui traversent son &oelig;uvre. Ses dessins monochromatiques, r&eacute;alis&eacute;s au fusain, pr&eacute;sentent une nature tourment&eacute;e et mena&ccedil;ante. Les paysages ante- ou post-apocalyptiques, aux contours escarp&eacute;s et improbables, pr&eacute;sagent une brusque mutation. Ils sont marqu&eacute;s par des crevasses, des crat&egrave;res, des gouffres, des protub&eacute;rances, des tra&icirc;n&eacute;es et des vagues d&eacute;vastatrices. Entre les vides et les pleins, la lumi&egrave;re et l&rsquo;obscurit&eacute;, la pr&eacute;sence et l&rsquo;absence, le r&eacute;el et la fiction, l&rsquo;artiste nous plonge au c&oelig;ur d&rsquo;un monde &eacute;nigmatique. Le n&ocirc;tre ? La r&eacute;ponse n&rsquo;est pas &eacute;vidente. Le passage de l&rsquo;Homme y est rare, quelques traces de la civilisation s&rsquo;obstinent au creux d&rsquo;un d&eacute;cor o&ugrave; la nature a repris ses droits. Une catastrophe a eu lieu, ou bien se pr&eacute;pare : une tornade, un tsunami, une &eacute;ruption, un changement climatique brutal. Tout ce qui nous est familier est soudainement balay&eacute; par des ph&eacute;nom&egrave;nes tentaculaires et impitoyables. Le monde que nous pensions conna&icirc;tre est en voie de disparition. L&rsquo;inqui&eacute;tante &eacute;tranget&eacute; d&eacute;livr&eacute;e par Freud est ici pr&eacute;gnante. Les dessins, r&eacute;alis&eacute;s au moyen de traits vifs, abrupts et incisifs, traduisent une volont&eacute; de sculpter le paysage : creuser, sillonner et d&eacute;chirer la terre, entrem&ecirc;ler les racines, fa&ccedil;onner des arcs, ciseler la roche, suspendre la mer, fendre le ciel. Alors, un dialogue s&rsquo;&eacute;tablit naturellement avec son travail en volume. Une chemin&eacute;e en bois calcin&eacute; (<em>Fireplace</em> &ndash; 2011), une table figurant un paysage fait de sel, de crochets et de verre bris&eacute; (en cours de r&eacute;alisation), constituent ce qu&rsquo;il reste apr&egrave;s le choc. Les &eacute;l&eacute;ments domestiques figurent les ruines d&rsquo;une humanit&eacute; qui aurait subitement pris la fuite. Le feu et l&rsquo;eau ont tout emport&eacute;. Seules des traces ont r&eacute;sist&eacute; &agrave; un passage violent et irr&eacute;versible. Gr&acirc;ce &agrave; ses espaces non identifi&eacute;s, Mat&iacute;as Duville restitue les forces de la nature dans tous leurs extr&ecirc;mes. Le malaise et la fascination sont conjugu&eacute;s. Il travaille ainsi la notion de seuils (du r&ecirc;ve au cauchemar) et de limites (temporelles et spatiales) en explorant un monde inhospitalier o&ugrave; les rep&egrave;res sont boulevers&eacute;s. Immerg&eacute;s dans le chaos, nous sommes entra&icirc;n&eacute;s par l&rsquo;imagination convulsive de l&rsquo;artiste qui se fait &agrave; la fois l&rsquo;auteur et le traducteur d&rsquo;une nature en col&egrave;re.</p> <p style="text-align: justify;">Julie Crenn</p> <p style="text-align: justify;">_________________________________________</p> <p style="text-align: justify;">Mat&iacute;as Duville grew up between ocean and forest. He observes, carries out experiments and fantasies about two territories invoking simultaneously the sublime, fear and danger. Feelings that are not contradictory, but complimentary, and which penetrate his work. His monochromatic charcoal drawings present a tormented and threatening nature. The ante- and post-apocalyptic landscapes surrounded by steep and improbable edges forecast a sudden mutation. They are marked by cracks, craters, abysses, extrusions, trails and devastating waves. In-between empty spaces and loaded formations, light and darkness, presence and absence, reality and fiction, the artist immerses us at the heart of an enigmatic world. Ours? The answer is not simple. Man&rsquo;s footprints are rare, traces of civilisation stubbornly remain at the bottom of a d&eacute;cor where nature has reasserted itself. A catastrophe has taken place, or is about to: a tornado, a tsunami, an eruption, a brutal climate change. Everything that is familiar to us is suddenly swept away by sprawling and ruthless phenomena. The world we are accustomed to is on the verge of disappearing. The uncanny theorised by Freud takes on its full meaning here. The drawings made of sharp, abrupt and incisive strokes translate a desire to sculpt the landscape: to dig, to roam and tear the earth, to intertwine roots, to shape arches, to carve rocks, to hang the sea, to split the sky. A dialogue is then established with his 3-dimensional work. A charred wooden fireplace (<em>Fireplace</em> &ndash; 2011), a table presenting a salt landscape, hooks and broken glass (under realisation) constitute what remains after the impact. Domestic elements represent ruins of a suddenly fleeing humanity. Fire and water have swept away everything. Only traces have resisted this violent and irreversible wave. With these unidentified spaces, Mat&iacute;as Duville brings back Nature&rsquo;s forces in all its extremes. Unease and fascination are combined. It allows him to shape the notion of thresholds (delimiting dream from nightmare) and limits (temporal and spatial) by exploring an inhospitable world where bearings are turned upside down. Immersed in chaos, we are driven by the convulsive imagination of the artist who is both author and translator of an angry nature.</p> <p>Julie Crenn</p> Sun, 20 Apr 2014 12:46:48 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Michel Le Belhomme - Galerie Binôme - May 2nd - June 7th Sun, 20 Apr 2014 12:34:57 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Jean-Pierre Alaux - Fondation Taylor - May 6th - May 31st Sun, 20 Apr 2014 12:25:12 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Pierre-Henry - Fondation Taylor - May 6th - May 31st Sun, 20 Apr 2014 12:23:17 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list