ArtSlant - Recently added en-us 40 - Pinacothèque de Paris - November 6th - February 15th, 2015 <p style="text-align: justify;">In the context of its seasonal theme <em>Art and Erotism in the East</em>, and as a follow-up to the exhibition <em>Kama-Sutra</em>, the Pinacoth&egrave;que de Paris wishes to provide the public with a singular approach to erotic life and culture in Japan during the Edo period (1603-1867). The exhibition <em>The Art of Love in the Time of Geishas: Forbidden Japanese Masterpieces </em>is the first ever shown in France, on these famous prints that deal with all our phantasms and Far-Eastern imaginary.</p> <p style="text-align: justify;">The Edo period&rsquo;s prosperity favoured the birth of a dominant middle class at the core of the great Japanese cities: the <em>chonin</em> (city-dewellers). Those shopkeepers, artisans, doctors, teachers or artists enhanced, thanks to the approach of the <em>ukiyo-e</em> cultural movement, a hedonistic conception of life that was in contrast to the neo-Confucian Japanese culture of the governing warrior classes. The <em>ukiyo-e</em> movement, &laquo; images of the floating world&raquo;, was the fruit of an aesthetic and ethical reflection on the brief and transitory character of life, wherein the angle of idealized feminine beauty, and of the erotic imaginary, occupied an overwhelming space.</p> <p style="text-align: justify;">The polychrome etchings of beautiful women (<em>bijinga</em>), and the erotic ones &ndash; the <em>shunga</em>, &ldquo;images of springtime&rdquo; &ndash;, were its most significant manifestations of this time. They were at their peak during the Edo period and reflect the way of life: refined, luxurious and modern of the <em>chonin</em>&rsquo;s class, who attended theatres, pleasure-loving areas, organized parties and upheld a life turned towards pleasure and the satisfaction of personal desires. In parallel to this artistic expression, of which Kitagawa Utamaro, Utagawa Hiroshige or also Katsushika Hokusai were its greatest masters, literature also became a means of expression of that floating world thanks to the <em>ukiyozoshi</em>, the<em> ukiyo</em> novels.</p> <p style="text-align: justify;">Secretly collected in Europe by the leading artistic personalities, such as Gustav Klimt or &Eacute;mile Zola, as soon as Japan opened up to the West in 1868, the ukiyo-e etchings led to the birth and development of &laquo; Japanism &raquo; at the end of the 19<sup>th</sup> century.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition <em>The Art of Love in the Time of Geishas: Forbidden Japanese Masterpieces</em> offers over 200 etchings, photographs in albumin and objects taken from daily life, provided by the Museo delle Culture de Lugano, as well as other great public museums in Switzerland and Italy. A group of modern and contemporary works, plates of <em>mangas</em> and paintings, bear witness to the continuity of this erotic tradition up to contemporary Japan.</p> <p style="text-align: justify;">Marc Restellini, director of the Pinacoth&egrave;que de Paris</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;"><strong>Warning</strong></p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">The exhibition&nbsp;<strong><em>The Art of love in the time of Geishas</em></strong> features artwork with a highly erotic content and might not be suitable for anyone under the age of 18.</p> <hr /> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Dans le cadre de sa saison <em>Art et &Eacute;rotisme en Orient</em>, et en compl&eacute;ment de l&rsquo;exposition <em>K&acirc;ma-S&ucirc;tra</em>, la Pinacoth&egrave;que de Paris souhaite offrir au public une approche singuli&egrave;re de la vie et de la culture &eacute;rotique au Japon &agrave; l&rsquo;&eacute;poque d&rsquo;Edo (1603-1867). L&rsquo;exposition<em> L&rsquo;Art de l&rsquo;amour au temps des Geishas : les chefs-d&rsquo;&oelig;uvre interdits de l&rsquo;art japonais</em> est la premi&egrave;re jamais pr&eacute;sent&eacute;e en France sur ces fameuses estampes qui rel&egrave;vent de tous nos fantasmes et de l&rsquo;imaginaire extr&ecirc;me-oriental.</p> <p style="text-align: justify;">La prosp&eacute;rit&eacute; de l&rsquo;&eacute;poque d&rsquo;Edo favorise la naissance d&rsquo;une nouvelle et riche classe bourgeoise dominante au sein des grandes cit&eacute;s japonaises&nbsp;: les <em>ch</em><em>ō</em><em>nin </em>(citadins). Ces commer&ccedil;ants, artisans, m&eacute;decins, enseignants ou artistes affirment par le biais du mouvement culturel <em>ukiyo-e </em>une conception h&eacute;doniste de l&rsquo;existence qui contraste avec la morale n&eacute;o-confucianiste japonaise des classes guerri&egrave;res dirigeantes. Le mouvement <em>ukiyo-e</em>, &laquo;&nbsp;images du monde flottant&nbsp;&raquo;, est le fruit d&rsquo;une r&eacute;flexion esth&eacute;tique et &eacute;thique sur le caract&egrave;re bref et transitoire de la vie et o&ugrave; l&rsquo;angle de la beaut&eacute; f&eacute;minine id&eacute;alis&eacute;e et de l&rsquo;imaginaire &eacute;rotique prend une part pr&eacute;pond&eacute;rante.</p> <p style="text-align: justify;">Les gravures polychromes repr&eacute;sentant des belles femmes (<em>bijinga)</em> et celles &eacute;rotiques - les&nbsp;<em>shunga</em>,&laquo;&nbsp;images de printemps&nbsp;&raquo; -, en sont les manifestations les plus significatives de cette &eacute;poque. Elles connurent leur apog&eacute;e durant l&rsquo;&eacute;poque d&rsquo;Edo et sont le reflet du mode vie raffin&eacute;, luxueux et moderne de la classe des <em>ch</em><em>ō</em><em>nin</em> qui fr&eacute;quente les th&eacute;&acirc;tres, les quartiers de plaisir, organise des f&ecirc;tes et revendique une existence tourn&eacute;e vers le plaisir et la satisfaction des d&eacute;sirs personnels. En parall&egrave;le de cette expression artistique, dont Kitagawa Utamaro, Utagawa Hiroshige ou encore Katsushika Hokusai furent les plus grands ma&icirc;tres, la litt&eacute;rature devient elle aussi un mode d&rsquo;expression de ce monde flottant gr&acirc;ce aux <em>ukiyozoshi</em>, les romans <em>ukiyo.</em></p> <p style="text-align: justify;">Secr&egrave;tement collectionn&eacute;es en Europe par de grandes personnalit&eacute;s artistiques comme Gustav Klimt ou &Eacute;mile Zola d&egrave;s l&rsquo;ouverture du Japon &agrave; l&rsquo;Occident en 1868, les gravures <em>ukiyo-e </em>contribuent &agrave; la naissance et au d&eacute;veloppement du Japonisme &agrave; la fin du xix<sup>e</sup> si&egrave;cle.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition L&rsquo;Art de l&rsquo;amour au temps des geishas : les chefs-d&rsquo;&oelig;uvre interdits de l&rsquo;art japonais propose plus de 200 gravures, photographies &agrave; l&rsquo;albumine et objets de la vie quotidienne en provenance du Museo delle Culture de Lugano ainsi que d&rsquo;autres grands mus&eacute;es publics et collections particuli&egrave;res de Suisse et d&rsquo;Italie. Un ensemble d&rsquo;&oelig;uvres modernes et contemporaines, planches de mangas et peintures, t&eacute;moigne de la continuit&eacute; de cette tradition &eacute;rotique jusque dans le Japon contemporain.</p> <p style="text-align: justify;">Marc Restellini, directeur de la Pinacoth&egrave;que de Paris</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;"><strong>Avertissement</strong></p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">L'exposition <strong><em>L'Art de l'amour au temps des Geishas</em></strong> pr&eacute;sente des oeuvres &agrave; caract&egrave;re fortement &eacute;rotique qui peuvent choquer certains visiteurs. Elle est d&eacute;conseill&eacute;e aux mineurs.</p> Thu, 23 Oct 2014 17:08:29 +0000 - Pinacothèque de Paris - October 2nd - January 11th, 2015 <p class="bodytext" style="text-align: justify;">For its Autumn-Winter season 2014-2015, the Pinacoth&egrave;que de Paris will put on an unusual exhibition: <em>The Kama-Sutra : spirituality and erotism in Indian art</em>.</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">Attributed to a Brahman who might have written it in the 4th century of our era, the Kama-Sutra makes up one of the major texts of medieval Hinduism and is not a pornographic book, as it is often described in the Western world. It is divided up into seven sections (adhikarana): society and social concepts, sexual union, as regards the spouse, as regards extra-marital relationships, as regards courtesans, as regards the arts of seduction.</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">Around 330 outstanding works including those of Shriji Arvind Singh Mewar, maharana of Udaipur and the remarkable collection of Beroze and Michel Sabatier - sculptures, paintings, miniatures, objects of daily life, &ldquo;pillow books&rdquo;, illustrated works that were offered to the newlyweds until the 19th century, in order to give them an erotic education-, organized according to the seven sections of the Kama-Sutra, will be exhibited in the Pinacoth&egrave;que de Paris.</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">The exhibition, unadvised for minors, will explain the erotic aesthetics specific to the erotic aesthetics of Indian cultural life and to Hinduism. It will also attempt to understand why the Western world casts such a deformed look on that very unusual book.</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">Exhibition curators: Dr Alka Pande and Mr Marc Restellini, director of the Pinacoth&egrave;que de Paris</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;"><strong>Warning</strong></p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">The exhibition <strong><em>The Kama-Sutra: spirituality and erotism in Indian art</em></strong> features artworks with erotic content that might shock certain viewers. It is not advisable to the younger visitors.</p> <hr /> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Pour la saison automne-hiver 2014-2015, la Pinacoth&egrave;que de Paris pr&eacute;sente une exposition hors du commun : <em>Le K&acirc;ma-S&ucirc;tra : spiritualit&eacute; et &eacute;rotisme dans l&rsquo;art indien</em></p> <p style="text-align: justify;">Attribu&eacute; &agrave; un brahmane qui l&rsquo;aurait &eacute;crit au IVe si&egrave;cle de notre &egrave;re, le <em>K&acirc;ma-S&ucirc;tra</em>constitue l&rsquo;un des textes majeurs de l&rsquo;hindouisme m&eacute;di&eacute;val et n&rsquo;est pas un livre pornographique ainsi qu&rsquo;il est souvent pr&eacute;sent&eacute; en Occident. Il est divis&eacute; en sept sections (<em>adhikarana</em>) : la soci&eacute;t&eacute; et les concepts sociaux, l&rsquo;union sexuelle, &agrave; propos de l&rsquo;&eacute;pouse, &agrave; propos des relations extra-maritales, &agrave; propos des courtisanes, &agrave; propos des arts de la s&eacute;duction.</p> <p style="text-align: justify;">Pr&egrave;s de 350 &oelig;uvres exceptionnelles dont celles de la collection de Shriji Arvind Singh Mewar, maharana 
d&rsquo;Udaipur et la remarquable collection de Beroze et Michel
 Sabatier - sculptures, peintures, miniatures, objets de la vie
 quotidienne, &laquo; livres de l&rsquo;oreiller &raquo;, ouvrages illustr&eacute;s que l&rsquo;on 
offrait aux jeunes mari&eacute;s jusqu&rsquo;au XIXe si&egrave;cle afin de faire 
leur &eacute;ducation &eacute;rotique -, organis&eacute;es selon les sept sections du <em>K&acirc;ma-S&ucirc;tra</em>, sont pr&eacute;sent&eacute;es par la Pinacoth&egrave;que de Paris.</p> <p style="text-align: justify;">L'exposition, d&eacute;conseill&eacute;e aux mineurs, explique l&rsquo;esth&eacute;tique &eacute;rotique propre &agrave; la vie culturelle indienne et &agrave; l&rsquo;hindouisme. Elle tente &eacute;galement de comprendre pourquoi le monde occidental porte un regard si d&eacute;form&eacute; sur ce livre singulier.</p> <p style="text-align: justify;">Commissaires de l&rsquo;exposition : Dr Alka Pande et M. Marc Restellini, directeur de la Pinacoth&egrave;que de Paris</p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;"><strong>Avertissement</strong></p> <p class="bodytext" style="text-align: justify;">L'exposition <strong><em>Le K&acirc;ma-S&ucirc;tra: spiritualit&eacute; et &eacute;rotisme dans l'art indien</em></strong> pr&eacute;sente des oeuvres susceptibles de choquer certains visiteurs. Elle est d&eacute;conseill&eacute;e aux plus jeunes.</p> Thu, 23 Oct 2014 17:04:03 +0000 Claude Cattelain - Palais de Tokyo - November 6th 7:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Pour Colonne Empirique En Ligne, l&rsquo;artiste Claude Cattelain avance sur une ligne de blocs en se servant du bloc franchi pour s&rsquo;&eacute;lever graduellement ; sans poser les pieds au sol, sa progression se complique sur cette colonne de plus en plus haute et instable. L&rsquo;artiste n&rsquo;a qu&rsquo;une seule certitude&thinsp;: la chute est in&eacute;vitable.</p> Thu, 23 Oct 2014 16:58:10 +0000 Kerwin Rolland - Palais de Tokyo - October 30th 9:00 PM - 10:00 PM <p style="text-align: justify;">L&rsquo;installation&ndash;performance <em>Sound Inception</em> propose une exp&eacute;rience psych&eacute;d&eacute;lique bas&eacute;e sur deux principes scientifiques : la r&eacute;sonance qui permet la mise en vibration des corps et le son binaural capable de plonger tout auditeur dans des &eacute;tats modifi&eacute;s de conscience pr&eacute;-d&eacute;termin&eacute;s. Sound Inception propose un espace de projection de pens&eacute;es et d'&eacute;tats de corps. La performance se situant entre la s&eacute;ance d'hypnose et le set &eacute;lectronique.</p> <p style="text-align: justify;">Sound Inception est une pi&egrave;ce perform&eacute;e qui se d&eacute;ploie simultan&eacute;ment dans un ensemble de plusieurs dizaines casques et un syst&egrave;me d'enceintes acoustiques. Le son produit est d&eacute;coupl&eacute; selon deux &ldquo;espaces&rdquo; : dans l&rsquo;air une musique minimale mix&eacute;e dans un bouillon d'infra-basses et diffus&eacute;e sur deux puissants subwoofers ; au casque un monde plusintime peupl&eacute; de bruissements naturalistes et d&rsquo;ondes binaurales. Ces deux espaces sont toujours en relation, comme si une partie d&rsquo;un accord de piano &eacute;tait jou&eacute;e dans l&rsquo;air pendant que l&rsquo;autre ne serait audible qu'au casque.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;installation questionne ainsi la &ldquo;r&eacute;v&eacute;lation&rdquo;. R&eacute;v&eacute;lation d&rsquo;un accord musical et sonore ; mais &eacute;galement r&eacute;v&eacute;lation&nbsp; photographique au travers d'une ambiance lumineuse rappelant la lumi&egrave;re inactinique d'un labo photo. Une succession de tubes fluorescents recouverts de g&eacute;latine rouge s&eacute;pare ainsi l'espace visuel en deux, d'un cot&eacute; un espace hyper contrast&eacute;, hyper irradi&eacute;, de l'autre une impression en clair obscur tranch&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exp&eacute;rience Sound Inception s&rsquo;appuie sur une sc&eacute;nographie privil&eacute;giant le confort et l'abandon, pr&eacute;cis&eacute;ment &eacute;tablie en fonction du contexte de la performance, et qui permet une &eacute;coute approfondie, qu&rsquo;elle soit de courte ou de longue dur&eacute;e.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>KERWIN ROLLAND</strong><br /><br /> Kerwin Rolland &eacute;volue depuis douze ans dans l'ensemble des champs de la cr&eacute;ation&nbsp; contemporaine &ndash; art visuel, musique, danse, th&eacute;&acirc;tre, cin&eacute;ma &ndash; et de l'ing&eacute;nierie &ndash; recherche acoustique et psycho-acoustique, d&eacute;veloppement logiciel, prise de son et post-production. Souvent l&agrave; o&ugrave; on ne l'attend pas, son art se situe dans la pluri-comp&eacute;tence, l'adaptation et le changement. L'attention de cet artiste-inventeur se porte sur la pr&eacute;sence du spectateur (ou de lui-m&ecirc;me au sein de performances) dans sa relation au son et &agrave; l'espace.</p> <p style="text-align: justify;">Kerwin Rolland est particuli&egrave;rement impliqu&eacute; dans des projets collaboratifs (avec entre-autres Dominique Blais, Yvan Etienne, Joris Lacoste, Dominique Petitgand, Emmanuelle Raynaut, Michael Sellam, Pierre Bismuth, Olaf Nicolai, ou encore John Zorn. Il est par ailleurs r&eacute;f&eacute;rent pour de nombreuses institutions dont le Centre National des Arts Plastiques, le Berliner Philharmoniker, La Fondation Lafayette pour l'art contemporain, le FRAC Franche Comt&eacute;, ou encore La Villa Arson.</p> <p style="text-align: justify;">Kerwin Rolland vit et travaille &agrave; Paris, France. Il a re&ccedil;u une formation d&rsquo;ing&eacute;nieur &agrave; l&rsquo;INSA de Rennes dont il est dipl&ocirc;m&eacute; en 2000. En 2005, il &eacute;tudie la composition &eacute;lectro-acoustique et mixte &agrave; l&rsquo;Ecole Nationale de Musique et Danse d&rsquo;Evry, &agrave; l&rsquo;IRCAM (Paris), et au STEIM (Amsterdam).<br /> Il se d&eacute;finit aujourd'hui comme artiste, performeur et ing&eacute;nieur. Kerwin Rolland a b&eacute;n&eacute;fici&eacute; en 2011 d&rsquo;une r&eacute;sidence au Conservatoire de musique de Villetaneuse, et est laur&eacute;at de la r&eacute;sidence d'artiste Sonic 2013 &agrave; la Haute Ecole des Arts du Rhin.<br /> &nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Production : <a href="" target="_blank">Supernova Project </a></strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong>Dominique Blais&nbsp;: conception de la sculpture lumineuse</strong></p> Thu, 23 Oct 2014 16:55:11 +0000 - Palais de Tokyo - October 24th 7:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><em>Parade</em> (2014) de Shahryar Nashat est la transposition cin&eacute;matographique d&rsquo;une chor&eacute;graphie d&rsquo;Adam Linder, elle-m&ecirc;me inspir&eacute;e d&rsquo;un ballet cr&eacute;&eacute; par Jean Cocteau en 1917. Ainsi l&rsquo;appareil de Nashat, t&eacute;moin passif de la performance, prolonge la vie de la chor&eacute;graphie dans une autre forme culturelle, au del&agrave; de sa propre pr&eacute;sence</p> Thu, 23 Oct 2014 16:53:29 +0000 Xavier Veilhan - Palais de Tokyo - November 5th - November 28th <p style="text-align: justify;">Because he was part of the generation for whom the emergence of CANAL+ was a major cultural event, the television channel has asked Xavier Veilhan to turn his artistic vision to the celebration of its 30th anniversary. For this occasion, the artist has imagined a work composed of an immense mural and a stage space at the Palais de Tokyo. An allegorical vision of the television channel, the mural mixes portraits, images from the channel&rsquo;s programs, and images from behind the scenes to create a reflection on technique and that which remains off camera. Taking inspiration from Eug&egrave;ne Delacroix&rsquo;s history painting and Diego Rivera&rsquo;s murals, Veilhan&rsquo;s piece plays with art history as it gives an external perspective on CANAL+. Its imposing format underscores the epic dimension of the channel&rsquo;s unique human and televisual adventure. CANAL+ appears in the work as a &ldquo;creator of images,&rdquo; with its stream of images irrigating contemporary visual culture.<br /><br /> Xavier Veilhan acts as a video editor in order to draw on this well of iconography and thereby find the elements necessary to compose his motif. In front of this monument, he installs a wide wooden stage made of bleacher seats and podiums. This stage hosts a lively program devised by CANAL+, featuring encounters, discussions, projections, and happenings, and the public space offers a privileged view of the mural.<br /><br />The simplicity of the stage&rsquo;s forms and the raw materials used in its construction are reminiscent of the behind the scenes of television sets while also recalling the minimalist aesthetic of architectural modernism. A major figure on the international art scene, Xavier Veilhan lives and works in Paris. Since the late 1980s, he has developed a multiform body of work that oscillates between classicism and high technology as it spans sculpture, painting, performance, video, and photography. Describing art as &ldquo;a tool for vision through which we must look in order to understand our past, present, and future,&rdquo; he questions our perception of reality by exploring modes of representation. His work has recently been exhibited in Paris, New York, Washington, Seoul, Barcelona, and Tokyo.</p> <p style="text-align: justify;"><br /><a href="" target="_blank"><strong></strong></a></p> <hr /> <div class="node-content"> <p style="text-align: justify;">Parce qu&rsquo;il fait partie de cette g&eacute;n&eacute;ration pour laquelle l&rsquo;&eacute;mergence de CANAL+ a &eacute;t&eacute; un fait culturel majeur, la chaine, pour c&eacute;l&eacute;brer ses 30 ans, a demand&eacute; &agrave; Xavier Veilhan de porter son regard d&rsquo;artiste sur elle. L&rsquo;artiste imagine au Palais de Tokyo une oeuvre constitu&eacute;e d&rsquo;une fresque monumentale et d&rsquo;un espace sc&eacute;nique. Vision all&eacute;gorique de la cha&icirc;ne, la fresque m&ecirc;le portraits, images issues de ses programmes, de ses coulisses, et propose une r&eacute;flexion sur le hors-champ et la technique. S&rsquo;inspirant de la peinture d&rsquo;histoire d&rsquo;Eug&egrave;ne Delacroix ou des fresques murales de Diego Rivera, elle joue avec l&rsquo;histoire de l&rsquo;Art en portant un regard ext&eacute;rieur sur CANAL+. Son imposant format souligne la dimension &eacute;pique d&rsquo;une aventure humaine et t&eacute;l&eacute;visuelle unique en son genre.<br /><br /> CANAL+ appara&icirc;t comme un &laquo; cr&eacute;ateur d&rsquo;images &raquo; dont le flux irrigue la culture visuelle contemporaine. Xavier Veilhan puise dans cette r&eacute;serve iconographique les &eacute;l&eacute;ments n&eacute;cessaires &agrave; la composition de son motif, travaillant &agrave; la mani&egrave;re d&rsquo;un monteur vid&eacute;o.<br /><br /> Devant ce monument, il installe une vaste sc&egrave;ne en bois, faite de gradins et de podiums. Celle-ci accueille une programmation vivante, pens&eacute;e par CANAL+, o&ugrave; se succ&egrave;dent rencontres, discussions, projections et happenings. Cet espace public offre un point de vue privil&eacute;gi&eacute; sur la fresque. La simplicit&eacute; de ses formes et les mat&eacute;riaux bruts employ&eacute;s rappellent l&rsquo;envers du d&eacute;cor des plateaux de t&eacute;l&eacute;vision tout en &eacute;voquant l&rsquo;esth&eacute;tique &eacute;pur&eacute;e du modernisme architectural.</p> <p style="text-align: justify;"><br /> Xavier Veilhan d&eacute;veloppe depuis la fin des ann&eacute;es 1980 une d&eacute;marche artistique aux formes multiples - sculpture, peinture, environnement, spectacle, vid&eacute;o, photo, etc - qui s&rsquo;inscrit entre classicisme formel et haute technologie. L&rsquo;art est pour lui &laquo; un outil de vision au travers duquel il faut regarder pour comprendre notre pass&eacute;, notre pr&eacute;sent et notre futur &raquo;. Xavier Veilhan questionne notre perception en r&eacute;alisant des expositions sous forme de paysages et des interventions in situ dans des villes, parcs et maisons (<em>Veilhan Versailles</em>, 2009 ; <em>Veilhan at Hatfield : Promenade</em>, 2012 ; la s&eacute;rie<em> Architectones</em>, 2012-2014). Habitu&eacute; des projets dans l&rsquo;espace public, il a r&eacute;cemment install&eacute; des oeuvres &agrave; New York (<em>Jean-Marc</em>, 2012), &agrave; Shanghai (<em>Alice</em>, 2013) ou encore en Su&egrave;de (<em>Vibration</em>, 2010). Il pr&eacute;sente en 2014 des expositions personnelles &agrave; S&eacute;oul, Moscou et Barcelone tandis que l&rsquo;Abbaye de Cluny pr&eacute;sente pendant trois ans<em> Le Baron de Triqueti</em> (2006), un dispositif sc&eacute;nographique accueillant une s&eacute;lection d&rsquo;oeuvres anciennes et contemporaines. Xavier Veilhan est repr&eacute;sent&eacute; par la Galerie Perrotin (New-York, Hong Kong &amp; Paris), Andr&eacute;hn-Schiptjenko (Stockholm) et 313 Art Project (S&eacute;oul).<br /><br /><a href="" target="_blank"><strong></strong></a></p> </div> Thu, 23 Oct 2014 16:51:03 +0000 Auguste Rodin - Musée Rodin - November 13th - September 27th, 2015 <p style="text-align: justify;">The exhibition <em>Rodin: the Laboratory of Creation</em> will let us into the secret of the sculptor&rsquo;s studio ─ a veritable laboratory of creation and the crucible of his oeuvre.<br /> A unique selection of some 150 plaster and terracotta works, many of which have never been shown before, will be taken from the storeroom for this special event. These pieces illustrate the advance of the sculptor&rsquo;s extraordinary career. Visitors will be drawn into the heart of the creative process; by observing, they will gain insight into Rodin&rsquo;s formal thinking ─ the paths he followed, the hesitations he experienced and the flashes of brilliance that lit his way.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><em>The Gates of Hell</em>, the monuments to the<em> Burghers of Calais</em> or to <em>Victor Hugo</em>, <em>Balzac</em>, <em>James McNeill Whistler</em>&hellip; Rodin&rsquo;s most famous and accomplished works gradually emerge from his mind and hands. They represent the culmination of prodigious efforts and numerous preparatory works: studies and sketches in vigorously kneaded clay, maquettes and plaster models that were used to make series of casts which were reworked until the final version was obtained&hellip;</p> <p style="text-align: justify;">Rodin&rsquo;s sculptures come into being before our eyes: faces acquire expression, nudes adopt their poses before being clothed in drapery, and bozzetti ─ individual body parts such as heads, hands, arms and feet ─ are given individual attention, modeled into their own positions then incorporated into the final figure. With every new project, the artist is gripped by a creative frenzy, a burgeoning of his imagination as it probes, explores and experiments.</p> <p style="text-align: justify;">The series formed by the final works and by the studies and models preceding their creation will be supplemented with photographs taken in Rodin&rsquo;s studios, or touched up by the artist to clarify an idea, find a profile or develop a composition. In a sense, therefore, the exhibition will highlight the path to the final &ldquo;masterpiece.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Chief Curator</strong></p> <p style="text-align: justify;">Catherine Chevillot, <strong>Director of the Mus&eacute;e Rodin</strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong>Exhibition Curator</strong></p> <p style="text-align: justify;">H&eacute;l&egrave;ne Marraud, <strong>responsible for sculptures</strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition <em>Rodin, le laboratoire de la cr&eacute;ation</em>, nous introduit dans le secret de l&rsquo;atelier du sculpteur, v&eacute;ritable laboratoire de la cr&eacute;ation et creuset d&rsquo;une &OElig;uvre. Un ensemble unique de cent cinquante pl&acirc;tres et terres cuites souvent in&eacute;dits, est sorti des r&eacute;serves &agrave; cette occasion. Il permet de suivre le parcours exceptionnel du sculpteur. Le visiteur plonge au c&oelig;ur du processus de cr&eacute;ation, invit&eacute;, par l&rsquo;exercice de son regard, &agrave; percevoir les chemins, les h&eacute;sitations, mais aussi les fulgurances de la pens&eacute;e formelle de Rodin.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Porte de l&rsquo;enfer,</em> monuments<em> aux Bourgeois de Calais </em>ou<em> &agrave; Victor Hugo, Balzac, Muse Whistler</em>&hellip; Les &oelig;uvres les plus c&eacute;l&egrave;bres et les plus abouties &eacute;mergent peu &agrave; peu de l&rsquo;esprit et des mains de Rodin, aboutissements d&rsquo;un travail prodigieux et de tr&egrave;s nombreux travaux pr&eacute;paratoires : &eacute;tudes et esquisses de terre malax&eacute;es vigoureusement, maquettes, &eacute;preuves de pl&acirc;tre moul&eacute;es en s&eacute;rie, puis retravaill&eacute;es jusqu&rsquo;&agrave; obtenir la version finale&hellip; &nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;&oelig;uvre se construit sous nos yeux, les visages s&rsquo;animent, les nus prennent position, avant d&rsquo;&ecirc;tre drap&eacute;s, tandis que les abattis &ndash; ces membres s&eacute;par&eacute;s du corps (t&ecirc;tes, mains, bras, pied) &ndash; sont &eacute;tudi&eacute;s comme des morceaux de choix, des gestes isol&eacute;s, avant d&rsquo;&ecirc;tre r&eacute;int&eacute;gr&eacute;s &agrave; l&rsquo;&oelig;uvre d&eacute;finitive. C&rsquo;est une v&eacute;ritable profusion cr&eacute;atrice qui s&rsquo;empare de l&rsquo;artiste &agrave; chaque projet, une efflorescence de l&rsquo;imaginaire qui explore, sonde, exp&eacute;rimente&hellip;</p> <p style="text-align: justify;">Les s&eacute;ries constitu&eacute;es par les &oelig;uvres d&eacute;finitives, ainsi que par les &eacute;tudes et les mod&egrave;les pr&eacute;alables qui ont pr&eacute;sid&eacute; &agrave; leur conception, seront compl&eacute;t&eacute;s par des photographies prises dans les ateliers de Rodin, ou retouch&eacute;es par lui pour affiner son id&eacute;e, chercher un profil, &eacute;laborer ses compositions. C&rsquo;est donc en quelque sorte le cheminement qui pr&eacute;c&egrave;de le &laquo;&nbsp;chef d&rsquo;&oelig;uvre&nbsp;&raquo; qui sera donn&eacute; &agrave; voir.</p> Thu, 23 Oct 2014 16:43:54 +0000 Daniel Dewar & Grégory Gicquel - Musée Rodin - May 27th - October 26th <p style="text-align: justify;">Continuing its dialogue with contemporary art, the Mus&eacute;e Rodin is opening the garden of the H&ocirc;tel Biron to the artist duo Dewar &amp; Gicquel.</p> <p style="text-align: justify;">Working together since they met in 1997 and winners of the Prix Marcel Duchamp award in 2012, they explore a highly experimental path between erudition and amateurism, the re-examination of the history of art and the showcasing of craftsmanship.</p> <p style="text-align: justify;">Ten large-scale concrete sculptures have been designed and produced specifically for the exhibition. Modelled, cast and assembled by the artists using traditional sculpture techniques, these works are independent and yet form a unit. They represent fragments of naked bodies, some sculpted in the round, others more architectural. Bodies of athletes and wrestlers, whose monumental aspect does not exclude the wearing of familiar clothing nor the more incongruous presence of bathroom items.</p> <p style="text-align: justify;">In line with the museum's background and as part of a practice already developed by the artists based on image and sculpture, such a production refers to the work of Rodin, considered as "a starting point to enable us to work on a specific technique: casting as a major stage of the sculptural process" according to the artists . But unlike Rodin, Dewar &amp; Gicquel, as well as carrying out each stage of the production themselves, destroy the moulds after use in order to limit their production to a single copy. An effective way of considering the question of reproducibility in their approach.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition and works titles are to be read as a reference to the Salon de la Jeune Sculpture, which was regularly held at the Mus&eacute;e Rodin from the post-war period until the 60s.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Poursuivant son dialogue avec l&rsquo;art contemporain, le mus&eacute;e Rodin ouvre les jardins de l&rsquo;h&ocirc;tel Biron au duo d&rsquo;artistes, Dewar et Gicquel, laur&eacute;ats en 2012 du Prix Marcel Duchamp, attribu&eacute; pour la premi&egrave;re fois &agrave; un mod&egrave;le de production &agrave; deux. Collaborant depuis leur rencontre en 1997 &agrave; l&rsquo;Ecole des Beaux-Arts de Rennes, les deux artistes explorent une voie tr&egrave;s exp&eacute;rimentale entre &eacute;rudition et amateurisme, relecture de l&rsquo;histoire de l&rsquo;art et pratiques artisanales. L&rsquo;hybridation des techniques, des motifs et des mat&eacute;riaux leur permettent d&rsquo;interroger les canons de la sculpture.</p> <p style="text-align: justify;">Le corpus d&rsquo;oeuvres con&ccedil;u pour l&rsquo;exposition est compos&eacute; d&rsquo;un ensemble de sculptures en b&eacute;ton de grandes dimensions, coul&eacute;es et r&eacute;alis&eacute;es par les artistes selon les techniques classiques, au cours d&rsquo;un processus &agrave; la fois performatif, ludique et conceptuel.</p> Thu, 23 Oct 2014 16:36:28 +0000 - Musée Guimet - October 22nd - March 1st, 2015 <p style="text-align: justify;">Under the high patronage of Mr. Fran&ccedil;ois Hollande, President of the French Republic and Mr. Xi Jinping, President of the People&rsquo;s Republic of China.</p> <p style="text-align: justify;">This exhibition is presented as part of the commemoration of the 50th anniversary of the establishment of diplomatic relations between the French Republic and the People&rsquo;s Republic of China.</p> <p style="text-align: justify;">After the reign of the &lsquo;first Emperor&rsquo; Qin Shi Huangdi (221 &ndash; 210 BC), the sovereigns of the Han dynasty (206 BC &ndash; 220 AD) established the foundations of a unified empire. Over nearly four centuries, they reinforced a huge territory which extended from the fringes of the steppe to the north of the Indochinese Peninsula, supported by a highly organised administration, an efficient agrarian economy and diplomacy which favoured distant alliances and trade, in particular by the Silk Road.</p> <p style="text-align: justify;">In the last five decades, an increasing number of important Chinese archaeological discoveries have brought to light the exceptional art and culture of the Han era. These works comprise for the most important part funerary objects that represent the life of the aristocracy as well as more modest everyday activities; characterized by striking humanism they record conceptions of the afterlife and immortality and the abundant mythology which prevailed during these four centuries.</p> <p style="text-align: justify;">Thanks to the exceptional loan of major works from a large number of Chinese provincial museums, and to the presentation of new archaeological discoveries, the Mus&eacute;e national des arts asiatiques &ndash; Guimet will be presenting to the public a brilliant panorama of creation under the Han, from jades to bronzes and ceramics to lacquerware, covering every field of artistic endeavour, from delicate objects to monumental sculptures</p> <p style="text-align: justify;">This period of artistic and technical innovation constitutes a key phase in the history of China and its founding role can be compared to that of the Roman Empire in Western culture. This exhibition has been made possible thanks to the exceptional generosity of the 27 Chinese museums that have accepted to part with their masterpieces for the duration of the exhibition, ensuring it a remarkable level of quality, appropriate to the event being commemorated.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>President</strong> :<br />Sophie Makariou</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Curators from the&nbsp;MNAAG</strong> :<br />&Eacute;ric Lefebvre, conservateur<br />Huei-Chung Tsao, charg&eacute;e de collections</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Curators from Art Exhibitions China</strong> :<br />Zhao Gushan<br />Dai Penglun</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Exposition pr&eacute;sent&eacute;e dans le cadre de la comm&eacute;moration du 50e anniversaire de l&rsquo;&eacute;tablissement des relations diplomatiques entre la R&eacute;publique fran&ccedil;aise et la R&eacute;publique populaire de Chine.</p> <p style="text-align: justify;">Apr&egrave;s le r&egrave;gne de &laquo; l&rsquo;auguste Empereur &raquo; Qin Shi Huangdi (221-207 av. J.-C.), les souverains de la dynastie Han (-206 av. J.-C. / 220 ap. J.-C.) trouvent les bases d&rsquo;un empire unifi&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Pendant pr&egrave;s de quatre si&egrave;cles, ils l&rsquo;affermiront et &eacute;largiront un territoire allant des confins de la steppe au nord de la p&eacute;ninsule indochinoise en s&rsquo;appuyant sur une administration hi&eacute;rarchis&eacute;e, une &eacute;conomie agricole et une diplomatie favorisant les alliances lointaines et les &eacute;changes, notamment par la route de la soie.</p> <p style="text-align: justify;">Depuis pr&egrave;s de quarante ans, les d&eacute;couvertes de premier ordre, r&eacute;v&eacute;lant la richesse de l&rsquo;art et de la culture de l&rsquo;&eacute;poque des Han n&rsquo;ont cess&eacute; de se multiplier, renouvelant sans cesse l&rsquo;arch&eacute;ologie chinoise. Ces oeuvres, appartenant principalement &agrave; la sph&egrave;re fun&eacute;raire &eacute;voquent l&rsquo;art de vivre aristocratique aussi bien que les activit&eacute;s quotidiennes ; elles sont d&rsquo;un humanisme saisissant et t&eacute;moignent aussi des conceptions de l&rsquo;au-del&agrave; pr&eacute;valant durant ces quatre si&egrave;cles. Il s&rsquo;ouvre sur un espace mythologique foisonnant, s&eacute;jour des immortels.</p> <p style="text-align: justify;">Gr&acirc;ce au pr&ecirc;t exceptionnel d&rsquo;oeuvres majeures provenant des mus&eacute;es de nombreuses provinces chinoises et &agrave; la pr&eacute;sentation de d&eacute;couvertes arch&eacute;ologiques<br />in&eacute;dites, le mus&eacute;e national des arts asiatiques ― Guimet pr&eacute;sentera au public un brillant panorama de la cr&eacute;ation sous les Han, depuis la peinture jusqu&rsquo;aux bronzes, aux c&eacute;ramiques et aux objets de laque, parcourant l&rsquo;ensemble de la cr&eacute;ation artistique, de la d&eacute;licatesse de l&rsquo;objet jusqu&rsquo;aux sculptures monumentales.</p> <p style="text-align: justify;">Ce temps d&rsquo;innovation artistique et technique constitue un moment essentiel de l&rsquo;histoire de la Chine dont le r&ocirc;le fondateur peut &ecirc;tre compar&eacute; &agrave; celui de l&rsquo;empire romain dans la culture occidentale.</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition n&rsquo;est possible que gr&acirc;ce &agrave; la g&eacute;n&eacute;rosit&eacute; insigne de nombreux mus&eacute;es chinois qui se d&eacute;font, le temps de cette exposition, de nombre de leurs chefs-d&rsquo;oeuvre, assurant &agrave; la manifestation un niveau de qualit&eacute; remarquable, &agrave; la hauteur de l&rsquo;&eacute;v&eacute;nement comm&eacute;mor&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Pr&eacute;sidente de l&rsquo;&eacute;tablissement</strong> :<br />Sophie Makariou</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Commissariat MNAAG</strong> :<br />&Eacute;ric Lefebvre, conservateur<br />Huei-Chung Tsao, charg&eacute;e de collections</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Commissariat Art Exhibitions China</strong> :<br />Zhao Gushan<br />Dai Penglun</p> Thu, 23 Oct 2014 16:24:24 +0000 - Musée du Quai Branly - November 14th - February 1st, 2015 <p style="text-align: justify;">Compos&eacute; de douze &icirc;les principales (parmi neuf-cents &icirc;les et &icirc;lots au total), l'archipel des Salomon d&eacute;cline selon les groupes <strong>une multitude de tendances culturelles</strong>. On conna&icirc;t de ces &icirc;les des &oelig;uvres embl&eacute;matiques comme les figures de proue de canot de guerre, des reliquaires, des monnaies de plumes ou encore des armes.</p> <p style="text-align: justify;">En regardant les artefacts traditionnels des &icirc;les Salomon, l&rsquo;&oelig;il du visiteur, m&ecirc;me non initi&eacute;, per&ccedil;oit <strong>les effets visuels</strong> des coquillages polis, transform&eacute;s en parures et monnaies, des contrastes entre la surface brillante de la nacre ou celle &eacute;clatante de la chaux de corail et la matit&eacute; sombre du bois couvert de r&eacute;sine&nbsp;ou de charbon qui sont un trait stylistique commun &agrave; l&rsquo;archipel des Salomon.</p> <p style="text-align: justify;">Ces jeux de contraste visuel renvoient &agrave; une multitude de r&eacute;f&eacute;rents culturels, et constituent <strong>le fil conducteur du parcours de l&rsquo;exposition</strong>.&nbsp;Parcourant les provinces occidentales, orientales et les enclaves polyn&eacute;siennes de l&rsquo;archipel, l'exposition pr&eacute;sente ainsi la fa&ccedil;on dont les objets mat&eacute;rialisent, par leurs caract&eacute;ristiques techniques et visuelles, les relations entre les humains, et entre les humains et les entit&eacute;s surnaturelles.</p> Thu, 23 Oct 2014 16:11:57 +0000 - Musée du Louvre - November 14th - February 10th, 2015 <p style="text-align: justify;">World famous for the now-gone Colossus&mdash;one of the Seven Wonders of the Ancient World&mdash;and the Knights of Saint John in the Middle Ages, Rhodes was a pivotal trading hub between the Aegean and the East since ancient times.</p> <p style="text-align: justify;">The artworks brought to this exhibition essentially from the museums of Rhodes and Copenhagen, as well as the Louvre and the British Museum, recall the exceptional richness of Rhodian archeology between the 14th and 6th centuries BC (from the Bronze Age to the Archaic period). It portrays the early and uninterrupted history of excavations by French, English, Danish, Italian and Greek archaeologists.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition highlights the cultural mix of Rhodes, a land of trade in the Eastern Mediterranean. It also provides an opportunity to rediscover the Orientalist nature of Rhodian art through some of its most spectacular productions, particularly its gold and silver works, unique to Greece, and its faience with ties to Egypt and the Levant.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Organized by:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Anne Couli&eacute;, Mus&eacute;e du Louvre, and Melina Filimonos-Tsopotou, 22nd Ephorate of Antiquities, Rhodes</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">C&eacute;l&egrave;bre dans le monde entier gr&acirc;ce au souvenir du Colosse, l&rsquo;une des sept merveilles du monde antique, et de la pr&eacute;sence des chevaliers de Saint-Jean &agrave; l&rsquo;&eacute;poque m&eacute;di&eacute;vale, Rhodes est, d&egrave;s l&rsquo;Antiquit&eacute;, un lieu privil&eacute;gi&eacute; d&rsquo;&eacute;changes entre l&rsquo;&Eacute;g&eacute;e et l&rsquo;Orient.</p> <p style="text-align: justify;">Les oeuvres r&eacute;unies &agrave; l&rsquo;occasion de cette exposition, en provenance des mus&eacute;es de Rhodes, de Copenhague, du Louvre et du British Museum pour l&rsquo;essentiel, rappellent la richesse exceptionnelle de l&rsquo;arch&eacute;ologie rhodienne entre les XIVe et VIe si&egrave;cles avant J.-C. (de l&rsquo;&acirc;ge du bronze &agrave; l&rsquo;&eacute;poque archa&iuml;que). Elle &eacute;voque l&rsquo;histoire pr&eacute;coce et continue des fouilles, auxquelles ont particip&eacute; des arch&eacute;ologues fran&ccedil;ais, anglais, danois, italiens et grecs.</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition met en valeur la mixit&eacute; culturelle de Rhodes,&nbsp; terre d&rsquo;&eacute;changes en M&eacute;diterran&eacute;e orientale. Elle est aussi l&rsquo;occasion de red&eacute;couvrir la dimension orientalisante de l&rsquo;art rhodien par l&rsquo;interm&eacute;diaire de quelques-unes de ses productions les plus spectaculaires, en particulier son orf&egrave;vrerie, sans &eacute;quivalent dans le monde grec, et sa fa&iuml;ence, un artisanat li&eacute; &agrave; l&rsquo;&Eacute;gypte et au Levant.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Commissaire(s) : </strong></p> <p style="text-align: justify;">Anne Couli&eacute;, mus&eacute;e du Louvre, et Melina Filimonos-Tsopotou, 22e &eacute;phorie des Antiquit&eacute;s, Rhodes</p> Thu, 23 Oct 2014 16:00:02 +0000 - Musée du Louvre - October 17th - January 19th, 2015 <p style="text-align: justify;">From the 11th to the 15th centuries, a succession of dynasties &ndash; Almoravid, Almohad, and Marinid &ndash; fashioned a political and civilizational space centered on Morocco and stretching to Andalusia. Their conquests took them from the southern edge of the Sahara (northern fringe of Mauritania) to the northern reaches of Algeria and Tunisia. This empire&rsquo;s influence, unifying for the first time the western Islamic world, was felt as far as the Near East. Bringing together around 300 works, the exhibition will enable visitors to explore this long and complex history, both essential to understanding contemporary Morocco and the very source of its modernity.</p> <p style="text-align: justify;">This exhibition provides a new look at the period when the western Islamic world was at the height of its glory, as much in terms of its artistic production as its place in history. It includes many of the most beautiful examples of this period&rsquo;s achievements in areas such architectural decoration, textiles, ivory, and calligraphy, and recognizes this powerful civilization&rsquo;s position at the center of diplomatic and trade networks. &ldquo;Medieval Morocco&rdquo; takes visitors on a chronological journey through the Moroccan and Andalusian cultural landscape. For each historical period, special emphasis is given to this civilization&rsquo;s centers of power and influential capitals, cities of splendor and enlightenment.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Organized by:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Yannick Lintz, Director, Department of Islamic Art, Mus&eacute;e du Louvre, and Bahija Simou, Director, Royal Archives, Rabat, Morocco.<br /> Scientific curators: Claire Delery and Bulle Tuil-Leonetti, Mus&eacute;e du Louvre.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Du XIe au XVe si&egrave;cle, une succession de dynasties &ndash; almoravide, almohade et m&eacute;rinide &ndash; ont uni�fi&eacute; un espace politique et civilisationnel centr&eacute; sur le Maroc, et &eacute;tendu jusqu&rsquo;&agrave; l&rsquo;Andalousie. Leurs conqu&ecirc;tes les ont men&eacute;es du sud du d&eacute;sert du Sahara (frange nord de la Mauritanie) au nord de l&rsquo;Alg&eacute;rie et de la Tunisie. L&rsquo;in�fluence de ces empires, unissant pour la premi&egrave;re fois les con�fins de l&rsquo;Occident islamique, a rayonn&eacute; jusqu&rsquo;en Orient. L&rsquo;exposition (pr&egrave;s de ���300 oeuvres) permet d&rsquo;appr&eacute;hender cette longue et riche histoire, clef de compr&eacute;hension du Maroc contemporain et source de sa modernit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition incite &agrave; relire cette p&eacute;riode d&rsquo;apog&eacute;e de l&rsquo;Occident islamique, tant du point de vue historique qu&rsquo;artistique. Elle pr&eacute;sente ses plus belles r&eacute;alisations dans les domaines du d&eacute;cor architectural, du textile, de l&rsquo;ivoire ou de la calligraphie et replace cette puissante entit&eacute; au centre des r&eacute;seaux diplomatiques et commerciaux qui&nbsp; furent les siens. &laquo; Le Maroc m&eacute;di&eacute;val &raquo; invite &agrave; un voyage dans l&rsquo;espace marocain et andalou, suivant un �fil chronologique. Chacune des p&eacute;riodes historiques est ponctu&eacute;e d&rsquo;&eacute;clairages sur les lieux de pouvoir et capitales historiques, cit&eacute;s d&rsquo;or et de lumi&egrave;re.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Commissaire(s) : </strong></p> <p style="text-align: justify;">Yannick Lintz, directrice du d&eacute;partement des Arts de l&rsquo;Islam, mus&eacute;e du Louvre, et Bahija Simou, directrice des Archives royales, Rabat, Maroc.<br /> Commissaires scientifiques : Claire Delery et Bulle Tuil-Leonetti, mus&eacute;e du Louvre.</p> Thu, 23 Oct 2014 15:48:37 +0000 Claude Leveque - Musée du Louvre - April 2nd - January 2nd, 2015 <div id="wysiwyg" class="col-desc"> <div id="wysiwyg" class="col-desc"> <p style="text-align: justify;">Claude L&eacute;v&ecirc;que's work intervenes in the spaces it encounters, harnessing the energy of his densely-woven, intense 'plastic' vocabulary to deliver a powerful visual and sensory shock. As guest artist in residence at the Louvre, L&eacute;v&ecirc;que's engagement begins with an incandescent light installation at Ieoh Ming Pei's celebrated Pyramid.</p> <p style="text-align: justify;">Neon &ndash; a signature medium of choice for L&eacute;v&ecirc;que &ndash; strikes a great bolt of light, slicing an immense volume of air to scatter reflections day and night on the architecture all around.</p> <p style="text-align: justify;">After Tony Cragg, Wim Delvoye and Loris Gr&eacute;aud, Claude L&eacute;v&ecirc;que's creation <em>in situ</em> offers his own, highly personal reading of the museum's iconic entrance, to be extended further into the underground moat and keep of the medieval Louvre in 2015.</p> <p style="text-align: justify;"><em>'Light and sound enact a complete metamorphosis,' </em>says Claude L&eacute;v&ecirc;que. <em>'They are the twin primordial elements in any sensation. After that, come texture, visual images, atmosphere, objects and the rest.'</em></p> <p style="text-align: justify;">Claude L&eacute;v&ecirc;que's new creation is the first chapter in an intervention extending in autumn 2015 to the underground moat of the medieval Louvre.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> </div> <p style="text-align: justify;">Avec des gestes plastiques d&rsquo;une &eacute;nergie dense et ramass&eacute;e, l&rsquo;oeuvre de Claude L&eacute;v&ecirc;que travaille avec les lieux qu&rsquo;elle rencontre pour y activer une forte charge d&rsquo;images et de sensations. L&rsquo;invitation du Louvre commence avec une mise en incandescence de la pyramide de Ieoh Ming Pei.</p> <p style="text-align: justify;">Le n&eacute;on, l&rsquo;un des mat&eacute;riaux privil&eacute;gi&eacute;s de l&rsquo;artiste, se fait ici foudre, tranchant un volume d&rsquo;air pour distribuer ses r&eacute;sonances nocturnes sur l&rsquo;architecture alentour. Apr&egrave;s Tony Cragg, Wim Delvoye et Loris Gr&eacute;aud, cette cr&eacute;ation<em> in situ</em> de Claude L&eacute;v&ecirc;que vient inscrire sa propre lecture de l&rsquo;entr&eacute;e du mus&eacute;e. Il s&rsquo;agit du premier chapitre d&rsquo;une intervention plus d&eacute;velopp&eacute;e de l&rsquo;artiste, qui s&rsquo;&eacute;tendra, en 2015, aux foss&eacute;s et au donjon du Louvre m&eacute;di&eacute;val.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo; <em>La lumi&egrave;re et le son sont des moyens de m&eacute;tamorphose compl&egrave;te</em>, affirme Claude L&eacute;v&ecirc;que. <em>Ce sont deux &eacute;l&eacute;ments primordiaux dans une sensation. Apr&egrave;s viennent les textures, les images, les ambiances, les objets, etc.</em> &raquo;</p> <p style="text-align: justify;">Claude L&eacute;v&ecirc;que est aussi invit&eacute; &agrave; parler de sa pratique artistique &agrave; l&rsquo;<a href="" target="_blank">auditorium du Louvre</a>.</p> </div> Thu, 23 Oct 2014 15:43:07 +0000 Mâkhi Xenakis - Musée de la Chasse et de la Nature - October 21st - January 26th, 2015 <p style="text-align: justify;">&laquo; Lorsque je commence un dessin ou une sculpture, j&rsquo;attends toujours ce moment magique o&ugrave;, brusquement quelque chose de nouveau appara&icirc;tra, li&eacute; &agrave; nous, &agrave; notre animalit&eacute;, &agrave; notre universalit&eacute;, &agrave; notre intimit&eacute;. J&rsquo;ai alors la d&eacute;licieuse sensation de cr&eacute;er de la vie et d&rsquo;&eacute;loigner un petit peu la mort. &raquo;</p> <div class="content column-4"> <p style="text-align: justify;">M&acirc;khi Xenakis r&eacute;alise des s&eacute;ries au caract&egrave;re quasi-obsessionnel. Ses r&eacute;cents dessins, au fusain ou au pastel, ont un caract&egrave;re organique&nbsp;: peaux couvertes d&rsquo;&eacute;cailles ou de plumes, muqueuses, agrandies &agrave; l&rsquo;extr&ecirc;me. Parfois une b&eacute;ance, bouche ou sphincter, creuse l&rsquo;&eacute;piderme comme un gouffre ouvert sur le myst&egrave;re. Cette dimension &eacute;nigmatique est constante dans le travail de l&rsquo;artiste.</p> <p style="text-align: justify;">Pour <em>Th&ecirc;bai</em> qu&rsquo;elle pr&eacute;sente au mus&eacute;e de la Chasse et de la Nature, les &oelig;uvres graphiques accroch&eacute;es au mur r&eacute;pondent &agrave; la sculpture d&rsquo;un sphinx plac&eacute;e dans une vitrine. Sensuelle et grotesque, la petite cr&eacute;ature au buste de femme, au corps de f&eacute;lin et aux ailes d&rsquo;oiseau, semble attendre le visiteur au seuil d&rsquo;un parcours initiatique comme, sur le chemin de Th&egrave;bes, le sphinx soumettant les passants &agrave; la question dont la r&eacute;ponse d&eacute;termine leur avenir.</p> <p style="text-align: justify;">M&acirc;khi Xenakis est n&eacute;e en 1956. Elle vit et travaille &agrave; Paris.</p> </div> Thu, 23 Oct 2014 15:28:31 +0000 Kate MccGwire - Musée de la Chasse et de la Nature - October 21st - January 26th, 2015 <p style="text-align: justify;">Kate MccGwire &eacute;volue dans un monde fascinant et fantastique. A partir de plumes de pigeon patiemment r&eacute;colt&eacute;es, nettoy&eacute;es et assembl&eacute;es, elle cr&eacute;e depuis 2004 une faune in&eacute;dite de formes m&ecirc;l&eacute;es, entrelac&eacute;es, anim&eacute;es de mouvements, d&rsquo;ondulations, qui semblent dou&eacute;es de vie et d&rsquo;expansion. Ce bestiaire tout droit sorti d&rsquo;un livre de contes de f&eacute;es, qui s&rsquo;enroule sur lui-m&ecirc;me, et dont on ne saurait trouver ni commencement ni fin, nous ram&egrave;ne &agrave; des temps obscures, primaires et incertains tout en nous semblant d&rsquo;une incroyable familiarit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Extr&ecirc;mement fragiles, les oiseaux naturalis&eacute;s requi&egrave;rent d&rsquo;&ecirc;tre conserv&eacute;s &agrave; l&rsquo;abri de vitrines. Dans les demeures des particuliers, comme dans les mus&eacute;es d&rsquo;histoire naturelle ou dans les salles du mus&eacute;e de la Chasse et de la Nature, ces voli&egrave;res &eacute;tanches participent de la mise en sc&egrave;ne des volatiles qu&rsquo;on y maintient enferm&eacute;s. Dans nombre de ses &oelig;uvres, Kate MccGwire adapte des vitrines anciennes &agrave; la pr&eacute;sentation de ses &eacute;tranges sculptures gain&eacute;es de plumes. Comme d&eacute;pourvus de membres et priv&eacute;s de sens, ces animaux-troncs semblent p&eacute;trifi&eacute;s dans le sommeil. Confin&eacute;s dans un espace insuffisant &agrave; les contenir autrement que recroquevill&eacute;s &ndash; &agrave; mi-chemin entre le cercueil des bienheureux de cire et le bocal de formol &ndash; les figures animali&egrave;res de Kate MccGwire semblent bien trop &agrave; l&rsquo;&eacute;troit et font craindre les cons&eacute;quences de leur r&eacute;veil&hellip;</p> <div class="content column-4"> <p style="text-align: justify;">Ce ressort anxiog&egrave;ne s&rsquo;av&egrave;re l&rsquo;un des axes principaux du travail de Kate MccGwire&nbsp;: en jouant tout &agrave; la fois sur l&rsquo;emploi de mat&eacute;riaux communs et facilement identifiables mais inusit&eacute;s, l&rsquo;artiste reprend en partie le concept freudien d&rsquo;Unheimlich (l&rsquo;&eacute;trange ou, litt&eacute;ralement, l&rsquo;inhospitalier), c&rsquo;est &agrave; dire l&rsquo;id&eacute;e que le familier peut, en quelque sorte, susciter la peur. La nature premi&egrave;re du mat&eacute;riau persiste dans nos esprits et vient comme troubler, tout au moins parasiter, notre vision. Par ailleurs, en s&rsquo;appuyant sur l&rsquo;imaginaire collectif, les associations d&rsquo;id&eacute;es et les oppositions conscientes ou inconscientes, Kate MccGwire se confronte &agrave; la notion de Beaut&eacute;&nbsp;: ce sentiment du beau qui serait ind&eacute;pendant de tout principe d&rsquo;esth&eacute;tisme, un beau qui serait probl&eacute;matique, complexe, et pourquoi pas repoussant&nbsp;! Pour rendre beau ce qui, a priori, ne l&rsquo;est pas, l&rsquo;artiste joue sans cesse avec les perceptions des spectateurs, allant jusqu&rsquo;&agrave; sacraliser ses &laquo;&nbsp;curiosit&eacute;s&nbsp;&raquo; en les ench&acirc;ssant dans les pr&eacute;cieuses vitrines anciennes qu&rsquo;elle choisit avec soin. C&rsquo;est ainsi que, face &agrave; ces cr&eacute;ations ind&eacute;finissables, celui-ci reste souvent aimant&eacute;, qu&rsquo;il appr&eacute;cie ou qu&rsquo;au contraire il rejette ce qui lui est donn&eacute; &agrave; voir.</p> <p style="text-align: justify;">Kate MccGwire est n&eacute;e en 1964. Elle vit et travaille &agrave; Londres.<br /> Exposition pr&eacute;sent&eacute;e en partenariat avec La Galerie Particuli&egrave;re, Paris.</p> </div> <p>&nbsp;</p> Thu, 23 Oct 2014 15:27:16 +0000 - FIAC - October 22nd - October 26th <p>(OFF)ICIELLE, le nouvel &eacute;v&eacute;nement de la FIAC, se tiendra &agrave; Paris, du mercredi 22 au dimanche 26 octobre 2014 aux Docks - Cit&eacute; de la Mode et du Design &agrave; Paris.<br />Le Vernissage&nbsp;aura lieu mardi 21 octobre.</p> Thu, 23 Oct 2014 13:10:21 +0000