ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Thomas Fougeirol - Praz-Delavallade - Paris - February 13th - March 26th <p style="text-align: justify;"><br /> Thomas Fougeirol&rsquo;s playground is the surface of the painting and, having many years ago rid himself of the painter&rsquo;s traditional tools, he envisages the act of painting and his contact with the canvas through the intermediary of imprints using pieces of fabrics and metal grids etc.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Thomas Fougeirol consid&egrave;re l&rsquo;espace du tableau comme une surface o&ugrave; agir. C&rsquo;est &agrave; ce titre que depuis des ann&eacute;es il s&rsquo;est d&eacute;barrass&eacute; des outils traditionnels de la peinture pour envisager l&rsquo;acte de peindre en privil&eacute;giant notamment le contact avec la toile par l&rsquo;interm&eacute;diaire d&rsquo;empreintes de tissus, de grilles m&eacute;talliques&hellip;</p> Sun, 07 Feb 2016 19:15:08 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Musée Luxembourg - March 9th - July 10th <p style="text-align: justify;">Le Mus&eacute;e du Luxembourg accueille les chefs-d&rsquo;oeuvre des mus&eacute;es de&nbsp;Budapest. Le c&eacute;l&egrave;bre Sz&eacute;pmuv&eacute;szeti M&uacute;zeum, en cours de r&eacute;novation, se&nbsp;joint &agrave; la Galerie Nationale Hongroise pour pr&eacute;senter &agrave; Paris les fleurons de&nbsp;leurs collections, depuis la sculpture m&eacute;di&eacute;vale jusqu&rsquo;au symbolisme et &agrave;&nbsp;l&rsquo;expressionnisme. L&rsquo;exposition rassemble quatre-vingt peintures, dessins&nbsp;et sculptures de D&uuml;rer, Cranach, Greco, Goya, Manet, Gauguin,&nbsp;Kokoschka (&hellip;) et une dizaine d&rsquo;oeuvres embl&eacute;matiques de l&rsquo;art hongrois&nbsp;offrant une perspective inattendue sur l&rsquo;art europ&eacute;en.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Exposition organis&eacute;e par la R&eacute;union des mus&eacute;es nationaux &ndash; Grand Palais, le&nbsp;mus&eacute;e des Beaux-Arts de Budapest et la Galerie nationale hongroise.</em></p> Sun, 07 Feb 2016 19:08:46 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Musée du Quai Branly - January 26th - November 13th <h4 style="text-align: justify;">How does the inanimate become animate? How do people establish an unusual or intimate relationship with objects? A group of anthropologists addressed these issues, at a time when our ideas of the human being are vacillating and the borders are continually being pushed back</h4> <h4 style="text-align: justify;">&nbsp;</h4> <h4 style="text-align: justify;">Comment l&rsquo;inanim&eacute; devient-il anim&eacute; ? Comment l&rsquo;homme instaure-t-il une relation insolite ou intime avec des objets ? Un groupe d&rsquo;anthropologues s&rsquo;est pench&eacute; sur ces questions, &agrave; l&rsquo;heure o&ugrave; notre conception de l&rsquo;humain vacille et que ses fronti&egrave;res ne cessent d&rsquo;&ecirc;tre repouss&eacute;es.</h4> <div class="csc-header csc-header-n1" style="text-align: justify;"> <h2 class="csc-firstHeader">&Agrave; propos de l'exposition</h2> </div> <p style="text-align: justify;">Nombreux sont les objets qui ont un statut plus proche de celui d&rsquo;une personne ou d&rsquo;une cr&eacute;ature que d&rsquo;un simple objet. Objets d&rsquo;art &ndash; occidental ou non occidental, populaire ou contemporain &ndash;, ou produits high tech &ndash; robots, machines, etc. &ndash; se voient r&eacute;guli&egrave;rement attribuer, dans leur utilisation, des capacit&eacute;s d&rsquo;action insoup&ccedil;onn&eacute;es, qui en font des quasi-personnes. Comme l&rsquo;enfant qui voue une passion &agrave; son doudou ou celui qui peste contre son ordinateur ou son mobile en lui reprochant d&rsquo;&ecirc;tre incomp&eacute;tent ou t&ecirc;tu. Comme le chamane qui convoque les esprits &agrave; travers une statuette prenant les traits des dieux.</p> <p style="text-align: justify;">Ce transfert ou cette confusion qui s&rsquo;op&egrave;re alors entre l&rsquo;humain et le non-humain, et la relation particuli&egrave;re et personnalis&eacute;e qui les lie, dans les cultures les plus vari&eacute;es, est le vaste sujet de cette exposition d&rsquo;anthropologie. Une incursion par la robotique, via l&rsquo;oeuvre pionni&egrave;re de Masahiro Mori, permettra de comprendre le r&ocirc;le de l&rsquo;anthropomorphisme dans les artefacts les plus divers, et ce qui se joue lorsqu&rsquo;un robot &agrave; l&rsquo;apparence trop humaine &ndash; ou toute autre pi&egrave;ce au r&eacute;alisme intimidant &ndash; croise notre regard, jusqu&rsquo;&agrave; le d&eacute;stabiliser.</p> <ul> <li> <h3 style="text-align: justify;">commissariat g&eacute;n&eacute;ral</h3> <div class="items" style="text-align: justify;"> <ul> <li><strong>Emmanuel Grimaud</strong>, anthropologue, charg&eacute; de recherche au CNRS</li> <li><strong>Anne-Christine Taylor-Descola</strong>, directeur de recherche &eacute;m&eacute;rite, CNRS</li> </ul> </div> <h3 style="text-align: justify;">Commissariat associ&eacute;</h3> <div class="items"> <ul> <li style="text-align: justify;"><strong><strong>Thierry Dufr&ecirc;ne</strong></strong>, professeur d&rsquo;histoire de l&rsquo;art, Universit&eacute; Paris Ouest Nanterre La D&eacute;fense</li> <li style="text-align: justify;"><strong>Denis Vidal</strong>, anthropologue, Directeur de recherche IRD (Institut de Recherche pour le D&eacute;veloppement)</li> </ul> </div> </li> </ul> Sun, 07 Feb 2016 19:02:35 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Musée de l'Orangerie - April 6th - July 18th <p style="text-align: justify;">The exhibition &ldquo;Apollinaire, the Eyes of the Poet&rdquo; looks at the period between 1902 and 1918 when Guillaume Apollinaire was active as an art critic. This period of fifteen years, seemingly a brief span, would in fact see a prodigious concentration of schools, manifestos, experiments and discoveries flourishing throughout the arts. Apollinaire&rsquo;s character, his artistic sensitivity and his insatiable curiosity, made him a witness, a participant and a privileged intermediary in the turbulent times of the early 20<sup>th</sup> century. With a keen eye for discovering the art of his time, Apollinaire &ldquo;defined once and for all the approach of artists like Matisse, Derain, Picasso and Chirico (&hellip;) using intellectual surveying techniques not seen since Baudelaire" Breton declared in 1952.</p> <p style="text-align: justify;">The aim of this exhibition is to recognise the important effect that this poet-critic&rsquo;s discerning eye had on his era, in much the same way as Baudelaire and Mallarm&eacute; had on theirs.</p> <p style="text-align: justify;">Poet, critic, friend of artists and one of the first to discover African arts, Apollinaire proved to be a key player in the aesthetic revolution that led to the birth of modern art.</p> <p style="text-align: justify;">This exhibition aims to explore Apollinaire&rsquo;s mental and aesthetic universe through a thematic display: from Douanier Rousseau to Matisse, Picasso, Braque and Delaunay, from Cubism to Orphism and Surrealism, from academic sources to modernity, from tribal arts to popular arts. One section will highlight in particular the poet&rsquo;s links with Picasso. The exhibition sits quite naturally in the Mus&eacute;e de l'Orangerie alongside the works collected by his friend Paul Guillaume, whom Apollinaire introduced into the avant-garde circles, and whose adviser he became.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>General Curator</strong><br /> Laurence des Cars, general heritage curator, director of the Mus&eacute;e de l'Orangerie</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Curators</strong><br /> Claire Bernardi, curator of painting, Mus&eacute;e d'Orsay<br /> C&eacute;cile Girardeau, heritage curator, Mus&eacute;e de l'Orangerie<br /> Assisted by Sylphide de Daranyi, documentation manager, Mus&eacute;e de l'Orangerie</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Scientific Committee </strong><br /> Emilie Bouvard, heritage curator, Mus&eacute;e National Picasso, Paris<br /> Laurence Campa, lecturer at the Universit&eacute; de Paris Ouest Nanterre<br /> C&eacute;cile Debray, heritage curator, Mus&eacute;e National d&rsquo;Art Moderne, Centre Georges Pompidou<br /> Maureen Murphy, senior lecturer at the Universit&eacute; Paris I-Panth&eacute;on Sorbonne<br /> Peter Read, professor of modern French literature and visual arts at the University of Kent</p> <p style="text-align: justify;">Exhibition organized by the <a href="http://www.musee-orsay.fr/en/home.html?cHash=1030a57d48" target="_blank">Mus&eacute;e d'Orsay</a> and the Mus&eacute;e de l'Orangerie, with the exceptional support of the <a href="https://www.centrepompidou.fr/en" target="_blank">Centre Pompidou, Mus&eacute;e national d&rsquo;art moderne</a>, the <a href="http://www.museepicassoparis.fr/en/" target="_blank">Mus&eacute;e national Picasso-Paris</a> and the <a href="http://equipement.paris.fr/bibliotheque-historique-de-la-ville-de-paris-bhvp-16" target="_blank">Biblioth&egrave;que historique de la Ville de Paris</a>.</p> <hr /> <p>&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition "Apollinaire, le regard du po&egrave;te" s&rsquo;attache &agrave; la p&eacute;riode o&ugrave; Guillaume Apollinaire a &eacute;t&eacute; actif comme critique d&rsquo;art, essentiellement entre 1902 et 1918. Cette large quinzaine d&rsquo;ann&eacute;es, qui peut sembler r&eacute;duite dans ses bornes chronologiques, va cependant concentrer un foisonnement prodigieux d&rsquo;&eacute;coles, de manifestes, de tentatives et de d&eacute;couvertes dans le domaine des arts. La personnalit&eacute; d&rsquo;Apollinaire, sa sensibilit&eacute; artistique, son insatiable curiosit&eacute;, font de lui un t&eacute;moin, un acteur et un passeur privil&eacute;gi&eacute; des bouleversements du d&eacute;but du XXe si&egrave;cle. Grand d&eacute;couvreur de l&rsquo;art de son temps, Apollinaire avait "situ&eacute; une fois pour toutes la d&eacute;marche d&rsquo;un Matisse, d&rsquo;un Derain, d&rsquo;un Picasso, d&rsquo;un Chirico (&hellip;) au moyen d&rsquo;instruments d&rsquo;arpentage mental comme on en avait plus vus depuis Baudelaire" d&eacute;clarait Breton en 1952.</p> <p style="text-align: justify;">Le propos de cette exposition est de rendre l&rsquo;importance qu&rsquo;a pu avoir pour son &eacute;poque le regard de ce po&egrave;te-critique comme Baudelaire ou Mallarm&eacute; en leurs temps. Po&egrave;te, critique, d&eacute;couvreur des arts africains, ami des artistes, Apollinaire s&rsquo;est r&eacute;v&eacute;l&eacute; un acteur central de la r&eacute;volution esth&eacute;tique qui donna naissance &agrave; l&rsquo;art moderne.</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition souhaite explorer l&rsquo;univers mental et esth&eacute;tique d&rsquo;Apollinaire &agrave; travers un parcours th&eacute;matique : du Douanier Rousseau &agrave; Matisse, Picasso, Braque ou Delaunay, du cubisme &agrave; l&rsquo;orphisme et au surr&eacute;alisme, des sources acad&eacute;miques &agrave; la modernit&eacute;, des arts premiers aux arts populaires. Elle mettra tout particuli&egrave;rement &agrave; l&rsquo;honneur les liens du po&egrave;te avec Picasso dans une section d&eacute;di&eacute;e... Elle trouve tout naturellement sa place au mus&eacute;e de l&rsquo;Orangerie, aux c&ocirc;t&eacute;s d&rsquo;&oelig;uvres r&eacute;unies par son ami Paul Guillaume, qu&rsquo;il introduisit dans les cercles d&rsquo;avant-garde et dont il devint le conseiller.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Commissaire g&eacute;n&eacute;rale </strong><br /> Laurence des Cars, conservateur g&eacute;n&eacute;ral du patrimoine et directrice du mus&eacute;e de l&rsquo;Orangerie</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Commissaires </strong><br /> Claire Bernardi, conservateur du patrimoine peinture au mus&eacute;e d&rsquo;Orsay<br /> C&eacute;cile Girardeau, conservateur du patrimoine au mus&eacute;e de l&rsquo;Orangerie<br /> Assist&eacute;es de Sylphide de Daranyi, charg&eacute;e d&rsquo;&eacute;tude documentaire au mus&eacute;e de l&rsquo;Orangerie</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Comit&eacute; scientifique </strong><br /> Emilie Bouvard, conservateur du patrimoine au mus&eacute;e national Picasso, Paris<br /> Laurence Campa, professeur &agrave; l'Universit&eacute; de Paris Ouest Nanterre<br /> C&eacute;cile Debray, conservateur du patrimoine au mus&eacute;e national d&rsquo;art moderne, Centre Georges Pompidou<br /> Maureen Murphy, ma&icirc;tre de conf&eacute;rences &agrave; l&rsquo;Universit&eacute; Paris I-Panth&eacute;on Sorbonne<br /> Peter Read, professeur de litt&eacute;rature et arts visuels &agrave; l&rsquo;universit&eacute; du Kent</p> Sun, 07 Feb 2016 18:56:20 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Henri Rousseau - Musée d'Orsay - March 22nd - July 17th <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Peintre &eacute;minemment singulier, Henri Rousseau est un cas unique dans l'histoire de l'art europ&eacute;en. Son oeuvre s'inscrit pourtant dans son temps, au tournant du XXe si&egrave;cle&nbsp;: en confrontant sa peinture &agrave; quelques-unes de ses sources d'inspiration, qui comptent l'acad&eacute;misme comme la nouvelle peinture, et aux oeuvres des artistes d'avant-garde l'ayant intronis&eacute; comme p&egrave;re de la modernit&eacute;, Le Douanier Rousseau. L'innocence archa&iuml;que se veut une mise en lumi&egrave;re critique de son art autour d'une r&eacute;flexion sur la notion d'archa&iuml;sme.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">L'archa&iuml;sme est ainsi le fil conducteur entre les oeuvres de cette exposition, pr&eacute;sent&eacute;e une premi&egrave;re fois au Palazzo Ducale de Venise en 2015, avant de rejoindre les salles du mus&eacute;e d'Orsay au printemps prochain. Les chefs-d'oeuvre d'Henri Rousseau des collections des mus&eacute;es d'Orsay et de l'Orangerie (de La Charmeuse de Serpents &agrave; La Noce) seront confront&eacute;s aux toiles pr&ecirc;t&eacute;es par les plus prestigieuses institutions internationales. Des oeuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso mais aussi d'artistes m&eacute;connus permettront d'&eacute;voquer la richesse des liens qui se tissent autour du Douanier Rousseau, creuset d'une voie originale dans l'exploration de la modernit&eacute;.</span></p> <h4 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Commissariat g&eacute;n&eacute;ral</span></h4> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Guy Cogeval, pr&eacute;sident des mus&eacute;es d'Orsay et de l'Orangerie</span><br /><span style="font-size: small;">Gabriella Belli, directrice de la Fondazione Musei Civici di Venezia</span></p> <h5 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Commissariat</span></h5> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Beatrice Avanzi et Claire Bernardi, conservateurs au mus&eacute;e d'Orsay</span></p> Sun, 07 Feb 2016 18:51:22 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Alexandre Hollan - Marie Hélène Gallery La Forest Divonne - March 3rd - April 30th <p style="text-align: justify;"><em>&ldquo;Hollan travaille &agrave; la limite de la visibilit&eacute; pour atteindre un invisible (&hellip;)&rdquo;</em></p> <p style="text-align: justify;">Yves Bonnefoy</p> <p style="text-align: justify;">Marie H&eacute;l&egrave;ne de La Forest Divonne, qui travaille en &eacute;troite collaboration avec Alexandre Hollan depuis 1994, est heureuse de l&rsquo;exposer pour la premi&egrave;re fois dans son nouvel espace de la rue des Beaux-Arts &agrave; Paris.</p> <p style="text-align: justify;">Faisant suite &agrave; sa derni&egrave;re exposition rue Vieille du Temple en 2014 et &agrave; la publication r&eacute;cente d&rsquo;une importante monographie aux &eacute;ditions Corlevour, l&rsquo;exposition mettra en &eacute;vidence la coh&eacute;rence d&rsquo;une oeuvre qu&rsquo;Alexandre Hollan nomme lui-m&ecirc;me sa recherche : arbres et vies silencieuses.</p> <p style="text-align: justify;">Cette recherche est l&rsquo;exp&eacute;rience de toute une vie consacr&eacute;e &agrave; l&rsquo;approfondissement des pre&shy;mi&egrave;res intuitions. La pratique de la peinture et du dessin accompagne les interrogations de l&rsquo;artiste, qu&ecirc;te sans fin sur le motif : les arbres retrouv&eacute;s chaque &eacute;t&eacute; dans le midi et les vies silencieuses dispos&eacute;es dans l&rsquo;atelier parisien.</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition sera l&rsquo;occasion de d&eacute;couvrir les arbres peints r&eacute;cemment en atelier, parfois de tr&egrave;s grands formats, &agrave; l&rsquo;acrylique, en noir et blanc mais surtout en couleur, avec une technique tr&egrave;s libre qu&rsquo;impose une radicalisation du propos &ndash; intense travail de concentration, de m&eacute;mo&shy;risation et d&rsquo;int&eacute;riorisation.</p> <p style="text-align: justify;">Comme l&rsquo;&eacute;crit Olivier Delavallade dans la monographie : <em>&ldquo;La v&eacute;rit&eacute; n&rsquo;a que peu de choses &agrave; voir avec la r&eacute;alit&eacute; apparente du monde. Les couleurs d&rsquo;Alexandre Hollan dans ses derni&egrave;res peintures, bien que peu r&eacute;alistes, sont d&rsquo;une v&eacute;rit&eacute; absolue.&rdquo;</em></p> Sun, 07 Feb 2016 17:57:00 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Jeff Kowatch - Marie Hélène Gallery La Forest Divonne - January 20th - February 20th <p class="Pa1" style="text-align: justify;">For its fourth personal exhibition at the gallery, Marie H&eacute;l&egrave;ne de La Forest Divonne unveils a wide selection of paintings by Jeff Kowatch :</p> <p class="Pa1" style="text-align: justify;">&lsquo;&lsquo;<em>Circus&rsquo;&rsquo;</em>.</p> <p class="Pa1" style="text-align: justify;">A new series of scenic abstractions. Vibrant colours, stopped and suspended in the air. Can&shy;vases, mostly, in which Kowatch&rsquo;s amazing glaze skill spreads out, in the tradition of great mas&shy;ters. Layer after layer, the paint is scrubbed, sanded, dried and covered again to create this distinctive transparency and vibration. Works on wood, also, in a few pastel compositions striken by bright colours, red, blue or orange as light&shy;nings crossing the composition.</p> <p class="Pa1" style="text-align: justify;">After <em>&lsquo;&lsquo;Don Quixotte&rsquo;&rsquo; </em>and &lsquo;<em>&lsquo;Pond&rsquo;&rsquo;, &lsquo;&lsquo;Circus&rsquo;</em>&rsquo; is inspi&shy;red by the visual and creative worlds of carnival and circus. A vertigo of lights, colors and shapes, that immerses the viewer in a soft wonder, between nostalgia and amazement.</p> <p style="text-align: justify;">&lsquo;&lsquo;My last paintings are like a suspended thought, a lost paradise. The celebration of a world that no longer exists.&rsquo;&rsquo;</p> <p style="text-align: justify;">After this show, Kowatch&rsquo;s recent works will be shown in New York, at Gallery Earl McGrath and at Salon Z&uuml;rcher where Marie H&eacute;l&egrave;ne de La Forest Divonne will show pieces by Jeff Kowatch, Guy de Malherbe and Anna Mark. Jeff Kowatch will also be part of the opening show of Galerie La Forest Divonne&rsquo;s new space in Brussels, at the end of February.</p> <p style="text-align: justify;">Tandem, a collection dedicated to major contemporary artists, will publish an important book about Jeff Kowatch this year.</p> <hr /> <p class="Pa1" style="text-align: justify;">Pour sa quatri&egrave;me exposition personnelle &agrave; la galerie, Marie H&eacute;l&egrave;ne de La Forest Divonne pr&eacute;sente un grand ensemble d&rsquo;oeuvres in&eacute;dites de Jeff Kowatch : &ldquo;<em>Circus&rdquo;. </em></p> <p class="Pa1" style="text-align: justify;">Une nouvelle s&eacute;rie d&rsquo;abstractions majestueuses, de couleurs vibrantes comme arr&ecirc;t&eacute;es et sus&shy;pendues dans l&rsquo;espace, des toiles principalement, dans lesquelles s&rsquo;exprime sa grande ma&icirc;trise technique du glacis dans la tradition des grands ma&icirc;tres. Les aplats successifs &agrave; l&rsquo;huile, grat&shy;t&eacute;s, ponc&eacute;s, s&eacute;ch&eacute;s, sont recouverts &agrave; nouveau jusqu&rsquo;&agrave; obtenir cette transparence et cette vibra&shy;tion si particuli&egrave;re. Des oeuvres sur bois, aussi, dans quelques compositions au pastel qu&rsquo;illu&shy;minent des traits de couleurs vives, orange, bleu, rouge, comme des &eacute;clairs de lumi&egrave;re traversant la composition.</p> <p style="text-align: justify;">Apr&egrave;s <em>&ldquo;Don Quixotte&rdquo; </em>et <em>&ldquo;Pond&rdquo;, &ldquo;Circus&rdquo; </em>est ins&shy;pir&eacute; par les mondes du carnaval et du cirque. Un vertige de lumi&egrave;res, de couleurs et de formes qui plonge le spectateur dans une douce f&eacute;erie, entre nostalgie et &eacute;merveillement. &ldquo;Mes derni&egrave;res toiles sont comme une pens&eacute;e suspendue, un paradis perdu. La c&eacute;l&eacute;bration d&rsquo;un monde qui n&rsquo;existe plus&rdquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Apr&egrave;s cette exposition, les toiles r&eacute;centes de Jeff Kowatch</p> <p style="text-align: justify;">partiront au printemps pour New York &agrave; la Galerie Earl McGrath et au Salon Z&uuml;rcher <em>(foire off de la Frieze New York 2016) </em>o&ugrave; la galerie Marie Helene de La Forest Divonne pr&eacute;sentera les oeuvres de Jeff Kowatch, Guy de Malherbe et Anna Mark.</p> <p style="text-align: justify;">Jeff Kowatch fera aussi partie de l&rsquo;accrochage d&rsquo;inauguration de la Galerie La Forest Divonne - Bruxelles fin f&eacute;vrier.</p> <p style="text-align: justify;">Enfin, l&rsquo;ann&eacute;e sera marqu&eacute;e par la parution d&rsquo;un ouvrage important dans la collection Conversations des &eacute;ditions Tandem, consacr&eacute;e aux artistes contemporains majeurs.</p> Sun, 07 Feb 2016 17:51:56 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Thomas Schütte, Ai Weiwei, Henri Matisse, Pablo Picasso, Auguste Rodin - La Maison Rouge - March 9th - June 5th <p style="text-align: justify;">Under the title CERAMIX, the Bonnefantenmuseum (Maastricht &ndash; NL), Cit&eacute; de la c&eacute;ramique (S&egrave;vres &ndash; F) and la Maison Rouge (Paris &ndash; F) are presenting a mega exhibition about the use of ceramics by artists of the 20th and 21st century. <br /><br />From 9 March 2016 to 12 June 2016 la maison rouge will be showing a selection of over 200 top pieces from international museums and private collections (including Victoria &amp; Albert Museum in London, Museo Internazionale della ceramica in Faenza, Petit Palais in Paris, Marck Larock-Granoff, Isabelle Maeght, Alain Tarica and Luciano Benetton). It will be a unique selection, compiled by guest curators Camille Morineau and Lucia Pesapane, with works by more than 100 artists, including Matisse, Rodin, Picasso, Thomas Sch&uuml;tte and Ai Weiwei. It is the first exhibition to focus on the relationship between art and ceramics from the early 20th century to the present. <br /><br />Through more than 200 artworks, Ceramix tells the story of ceramic art from the beginning of last century to the present, with a strong focus on the post-war production of artistic ceramics and the contemporary art of Europe, North America and Asia. The artists selected have used the material in a variety of ways: from paintings and sculptures to installations in mixed techniques. The exhibition is presented both chronologically and thematically, and also includes a number of monograph rooms that have been arranged in close cooperation with the artists in question, who include Johan Creten and Klara Kristalova. <br /><br />The guest curators Camille Morineau and Lucia Pesapane have previously worked together on exhibitions about Gerhard Richter, Roy Lichtenstein, Niki de Saint Phalle and elles@centrepompidou.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">S&egrave;vres &ndash; Cit&eacute; de la c&eacute;ramique, La maison rouge &agrave; Paris et le Bonnefanten Museum &agrave; Maastricht (Pays-Bas) pr&eacute;sentent CERAMIX, un &eacute;v&eacute;nement &agrave; l'ambition internationale. Gr&acirc;ce aux pr&ecirc;ts de prestigieuses institutions mus&eacute;ales (Museo Internazionale della ceramica de Faenza, du Saedelijk Museum &agrave; Hertogenbosch et &agrave; Amsterdam, Victoria &amp; Albert Museum de Londres, le Petit Palais &agrave; Paris) et de collectionneurs passionn&eacute;s*, ce ne sont pas moins de 250 oeuvres, de 100 artistes issus de 25 nationalit&eacute;s qui mettent en lumi&egrave;re les relations entre art et c&eacute;ramique aux XXe et XXIe si&egrave;cles. Ce sujet est trait&eacute; pour la premi&egrave;re fois dans une grande amplitude chronologique et g&eacute;ographique.<br />L'exposition ouvre ses portes tout d'abord &agrave; Maastricht, du 16 octobre 2015 au 31 janvier 2016, puis &agrave; Paris &agrave; la maison rouge du 9 mars au 5 juin et &agrave; S&egrave;vres, du 9 mars au 12 juin 2016.<br /><br />Commissariat : Camille Morineau et Lucia Pesapane<br /><br />Conservatrice du Patrimoine, Camille Morineau a travaill&eacute; dans différents musées parisiens : le musée d&rsquo;Art moderne de la Ville de Paris, la galerie du Jeu de Paume, avant d&rsquo;être chargée du Fonds municipal d&rsquo;art contemporain dont elle a organis&eacute;́ la première exposition publique (<em>Jeux de genres</em>, Espace Electra, 1998). Conservatrice des Collections contemporaines au Centre Pompidou pendant dix ans, elle a notamment organis&eacute; les expositions : <em>Yves Klein, r&eacute;trospective</em> en 2006, <em>elles@centrepompidou, artistes femmes dans les collections</em> en 2010,<em> Gerard Richter, Panorama</em> en 2012 et <em>Roy Lichtenstein, r&eacute;trospective</em> en 2013. En 2015 Camille Morineau est la commissaire de l&rsquo;exposition Niki de Saint Phalle au Grand Palais. Elle pr&eacute;side l&rsquo;association AWARE, Archives of Women Artists, Research and Exhibitions.<br /><br />Apr&egrave;s un cursurs en Lettres Modernes, Lucia Pesapane obtient un master recherche en art contemporain &agrave; l'Universit&eacute; de Milan. Elle a travaill&eacute; dans les centres d'art de Grenoble et Villeurbanne d&eacute;di&eacute;s &agrave; la jeune cr&eacute;ation artistique. En 2009, elle rejoint le service des collections contemporaines au Centre Pompidou o&ugrave; elle a suivi la pr&eacute;paration des expositions <em>elles@centrepompidou </em>et Gerhard Richter. En 2014 elle a travaill&eacute; avec Camille Morineau &agrave; la r&eacute;trospective Niki de Saint Phalle au Grand Palais. L'exposition a voyag&eacute; ensuite au mus&eacute;e Guggenheim de Bilbao et au National Art Center &agrave; Tokyo.</p> Sun, 07 Feb 2016 17:47:37 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Galerie Olivia Ganancia - February 6th - March 5th Sun, 07 Feb 2016 17:30:42 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Stephan Crasneanscki - Galerie Odile Ouizeman - January 9th - February 27th <p style="text-align: justify;"><em>What We Leave Behind</em></p> <p style="text-align: justify;">A movie set.</p> <p style="text-align: justify;">Sounds that never saw the light of day and never left those instances behind the camera, before the actors, inventing a frame, an image.</p> <p style="text-align: justify;">Stephan Crasneanscki was offered access to sound fragments from the shooting sets of Jean-Luc Godard, but also to an entire documentation that helps explain what nourished the cineaste.</p> <p style="text-align: justify;">What We Leave Behind, what he discovered, sort of by accident, reveals part of the director&rsquo;s archives, the part fallen into oblivion, even dismissed&hellip;</p> <p style="text-align: justify;">It is also a portrait of contemporary cinema, a reflection about the archive, a loose reinvention through editing and pasting of moments of cinema emerged from the collision between literature, visual arts and music that Godard was the first to bring together.</p> <p style="text-align: justify;">A composite piece, <em>What We Leave Behind </em>is Stephan Crasneanscki&rsquo;s gaze over these forgotten items; objects that hold thought matter within, waiting only to be revealed. So the artist observed, recomposed, and in turn, induces perception.</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;To be, is to be perceived,&rdquo; claims Berkeley, and the being of objects is to be perceived, in the same way that of subjects is to perceive. </p> <p style="text-align: justify;">Film reels, books, notes, videocassettes, piles of information, clues, all offered to his gaze and evoking cinema&rsquo;s memory through its various formats.</p> <p style="text-align: justify;">Through film, sound and photography, Stephan Crasneanski brings in an imaginary world linked to Godard&rsquo;s thought, and restitutes an experience.</p> <p style="text-align: justify;">He delivers clues, and asks:</p> <p style="text-align: justify;">A tree falling in the forest, does it make noise if no one is there to listen?</p> <p style="text-align: justify;">Does the spirit create what it observes? And what happens when deprived of observation? Archives plunged into unending silence?</p> <p style="text-align: justify;">What does a reel with the inscription &ldquo;Nouvelle vague&rdquo; hide? A new cinema, a revolution? The open book of an era, a poetic and sociological testimony?</p> <p style="text-align: justify;">Obviously, there are the insiders, those who have seen, and are able to decipher and call for a flow of the films&rsquo; images.</p> <p style="text-align: justify;">There is Crasneanscki&rsquo;s photographic eye, which re-contextualizes that memory.</p> <p style="text-align: justify;">But there is also an imagining force, creation as (re)creation of mosaic pieces that form breaches opening onto a world to be discovered.</p> <p style="text-align: justify;">Aren&rsquo;t quotes, paraphrases or copies keys often used by famous artists?</p> <p style="text-align: justify;">Julien D&rsquo;Abrigeon asserts that &ldquo;(Picasso and Godard), both &ldquo;pasters&rdquo;, share some aesthetic similarities, the same fragmented perception of the body, of the world re-transcribed in their representations, the same aim at total, comprehensive description, the same use of flat colors, three colors <em>(Le M&eacute;pris</em>&hellip;), and black and white (<em>Guernica</em>, of course) but also a recurring use of stripes: <em>Jacqueline aux mains crois&eacute;es </em>(1954) and the stripes of Michel and Patricia in <em>A bout de souffle</em>; Angela&rsquo;s robe in <em>Une femme est une femme</em>; B.B.&rsquo;s sweater in <em>Le m&eacute;pris, </em>etc. (Godard as a precursor of Daniel Buren?).&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">Godard&rsquo;s cinema should be conceived as a whole and no art is excluded from his projects. &ldquo;Godard is Delacroix&rdquo; would marvel Aragon who had acknowledged cinema as a plastic art, recalls Julien D&rsquo;Abrigeon.</p> <p style="text-align: justify;">The minimalist compositions in <em>What We Leave Behind </em>can also evoke a history of abstract art: Donald Judd, Malevitch or even Sol Lewitt with some Progressive Structure. Again, the thought matter within &ndash; the forgotten archives rearticulated in a mise en abyme of collage and quotation.</p> <p style="text-align: justify;">Godard&rsquo;s pieces are complex, and such are many artists&rsquo; pieces, that collide and that Crasneanscki invites us to explore. Are the piles of videocassettes of <em>Soigne ta droite </em>annotated with black a felt-pen, the keys of a piano, the evocation of a world connected to music, or the recollection of some political commitment, which may have inhibited that of the artist?</p> <p style="text-align: justify;">Recalling Lotta continua, a Maoist, communist and revolutionary political group, with the image of a man waving a weapon, surrounded by his companions, as the inscription Lotta continua surges from a composition of dark boxes split however by a sparkle of red. </p> <p>Godard is the starting point, the one who has read, listened to, watched, created, and has led Stephan Crasneanscki to pursue a path in order to reveal and produce a game out of this living matter, this memory.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><em>What We Leave Behind</em>, (Ce qu&rsquo;on laisse derri&egrave;re soi) Un plateau de cin&eacute;ma. Des sons qui n&rsquo;ont jamais vu le jour et ne sont jamais sortis de ces moments, derri&egrave;re la cam&eacute;ra, devant des acteurs dans l&rsquo;invention d&rsquo;un plan, d&rsquo;une image. Stephan Crasneanscki a eu acc&egrave;s &agrave; des fragments de sons issus des tournages des films de Jean-Luc Godard, mais &eacute;galement &agrave; toute une documentation, un t&eacute;moignage de ce qui a nourri le cin&eacute;aste.</p> <p style="text-align: justify;">Ce qu&rsquo;on laisse derri&egrave;re soi, ce qu&rsquo;il a red&eacute;couvert, presque par accident, r&eacute;v&egrave;le une partie des archives du cin&eacute;aste, celles qui ont &eacute;t&eacute; oubli&eacute;es, voire d&eacute;laiss&eacute;es... </p> <p style="text-align: justify;">C&rsquo;est aussi un portrait du cin&eacute;ma contemporain une r&eacute;flexion sur l&rsquo;archive, une libre r&eacute;invention par le montage, le collage, de moments de cin&eacute;ma n&eacute;s d&rsquo;une collision entre litt&eacute;rature, arts visuels et musique que Godard fut le premier &agrave; rassembler. </p> <p style="text-align: justify;">Oeuvre composite, <em>What we leave behind </em>conduit Stephan Crasneanscki &agrave; poser son regard sur ces objets oubli&eacute;s d&eacute;tenteurs d&rsquo;une mati&egrave;re &agrave; penser en attente d&rsquo;&ecirc;tre d&eacute;voil&eacute;e.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;artiste observe donc, recompose et invite &agrave; son tour &agrave; percevoir.</p> <p style="text-align: justify;"><em>&Ecirc;tre, c&rsquo;est &ecirc;tre per&ccedil;u nous </em>dit Berkeley et l&rsquo;&ecirc;tre des objets est d&rsquo;&ecirc;tre per&ccedil;u, comme celui des sujets, de percevoir.</p> <p style="text-align: justify;">Des bobines de films, des livres, des feuillets d&rsquo;&eacute;criture, des cassettes vid&eacute;os, un amoncellement d&rsquo;informations, des indices qui s&rsquo;offrent &agrave; son regard et &eacute;voquent aussi une m&eacute;moire du cin&eacute;ma au regard de ses diff&eacute;rents supports. </p> <p style="text-align: justify;">Par le film, le son et la photographie Stephan Crasneanski convoque un imaginaire li&eacute; &agrave; la pens&eacute;e de Godard et restitue une exp&eacute;rience. </p> <p style="text-align: justify;">Il livre des indices et questionne :</p> <p style="text-align: justify;">Un arbre qui tombe dans la for&ecirc;t, fait-il du bruit s&rsquo;il n&rsquo;y a personne pour l&rsquo;entendre?</p> <p style="text-align: justify;">Est-ce l&rsquo;esprit qui cr&eacute;e ce qu&rsquo;il observe, alors priv&eacute; de l&rsquo;observation, que se passe-t-il ?</p> <p style="text-align: justify;">Des archives plong&eacute;es dans un interminable silence?</p> <p style="text-align: justify;">Que laisse entrevoir une bobine laissant appara&icirc;tre l&rsquo;inscription &laquo; Nouvelle vague &raquo; ? Un nouveau cin&eacute;ma, une r&eacute;volution ? un livre ouvert sur une &eacute;poque, un t&eacute;moignage &agrave; la fois po&eacute;tique et sociologique ? </p> <p style="text-align: justify;">Il y a bien &eacute;videmment les initi&eacute;s, ceux qui ont vu. </p> <p style="text-align: justify;">Ceux qui sont capable de d&eacute;crypt&eacute;s et d&rsquo;appeler au surgissement les images de ces films.</p> <p style="text-align: justify;">Il y a l&rsquo;oeil photographique de Crasneanscki qui r&eacute;actualise alors une m&eacute;moire.</p> <p style="text-align: justify;">Mais il y a aussi une force imaginante, une cr&eacute;ation comme une re-(&eacute;)-cr&eacute;ation d&rsquo;oeuvresmosa&iuml;ques qui forment des br&egrave;ches et ouvrent un monde &agrave; d&eacute;couvrir.</p> <p style="text-align: justify;">Citations, paraphrases, copies ne sont-elles pas souvent les cl&eacute;s dont usent d&rsquo;illustres cr&eacute;ateurs ?</p> <p style="text-align: justify;">Julien D&rsquo;Abrigeon &eacute;tablit que l&rsquo;&laquo; On retrouve des similitudes esth&eacute;tiques entre (Picasso et Godard) ces deux &laquo;colleurs&raquo;, une m&ecirc;me perception fragment&eacute;e du corps, du monde retranscrite dans leurs repr&eacute;sentations, un m&ecirc;me d&eacute;sir de description totale, englobante, une m&ecirc;me utilisation des aplats, de la trichromie (Le m&eacute;pris...), et du noir et blanc (Guernica, bien s&ucirc;r) mais aussi, une utilisation r&eacute;currente des rayures : Jacqueline aux mains crois&eacute;es (1954), et les rayures de Michel et Patricia dans A bout de souffle, le peignoir d&rsquo;Angela dans Une femme est une femme, le chandail de B.B. dans Le m&eacute;pris, etc. (Godard serait-il un pr&eacute;curseur de Daniel Buren ?). &raquo;</p> <p style="text-align: justify;">Le cin&eacute;ma de Godard se con&ccedil;oit dans un ensemble et il n&rsquo;exclut aucun art de ses projets.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;Godard, c&rsquo;est Delacroix.&raquo;, s&rsquo;&eacute;merveillait Aragon qui avait compris que le cin&eacute;ma est aussi un art plastique, rel&egrave;ve encore Julien D&rsquo;Abrigeon. </p> <p style="text-align: justify;">Les compositions minimalistes de <em>What we leave behind </em>viennent aussi &eacute;voquer une histoire de l&rsquo;art abstrait ; Donald Judd, Malevitch ou m&ecirc;me Sol Lewitt avec une Progressive Structure. C&rsquo;est encore cette mati&egrave;re &agrave; penser, ces archives oubli&eacute;es qui se r&eacute;articulent dans une mise en abime du collage et de la citation. </p> <p style="text-align: justify;">C&rsquo;est une oeuvre complexe, celle de Godard, mais aussi les oeuvres de nombreux artistes, qui se t&eacute;l&eacute;scopent et que Crasneanscki nous invite &agrave; explorer. Les empilements de cassettes vid&eacute;os &laquo; Soigne ta droite &raquo; marqu&eacute;s au feutre noir sont-ils le clavier d&rsquo;un piano, l&rsquo;&eacute;vocation d&rsquo;un univers li&eacute; &agrave; la musique ou le rappel d&rsquo;un engagement politique qui a peut-&ecirc;tre fait &eacute;cran &agrave; celui de l&rsquo;artiste ?</p> <p style="text-align: justify;">Et se souvenir de <em>Lotta continua</em>, une formation politique mao&iuml;ste, communiste et r&eacute;volutionnaire avec l&rsquo;image d&rsquo;un homme, levant une arme, entour&eacute; de compagnons dont l&rsquo;inscription Lotta continua surgit d&rsquo;une composition de boites sombres pourtant rompu par un &eacute;clat de rouge.</p> <p style="text-align: justify;">Godard est le point de d&eacute;part, celui qui a lu, &eacute;cout&eacute;, regard&eacute;, cr&eacute;&eacute; et qui conduit ainsi Stephan Crasneanscki &agrave; poursuivre un cheminement afin de r&eacute;v&eacute;ler et de construire un jeu avec cette mati&egrave;re vivante qu&rsquo;est la m&eacute;moire&hellip; </p> Sun, 07 Feb 2016 17:29:22 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Galerie Maria Lund - La Galerie Danoise - February 20th 6:00 PM - 7:00 PM <p style="text-align: justify;"><strong>NOW - Tristan Pradelle </strong>(saxophone), <strong>Blanche Lafuente </strong>(percussion-drums) and <strong>Alexandre Perro</strong>t (bass) <strong>- </strong>draws inspiration from the exhibition of Bente Skj&oslash;ttgaard.</p> <p style="text-align: justify;"><a href="http://www.facebook.com/nowfreemusic" target="_blank"><strong>www.facebook.com/nowfreemusic</strong></a></p> Sun, 07 Feb 2016 16:18:59 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Bente Skjøttgaard - Galerie Maria Lund - La Galerie Danoise - January 30th - March 12th <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>The passages between categories, in particular those between nature and culture, have always been at the heart of artist-ceramicist Bente Skj&oslash;ttgaard&rsquo;s research. Sometimes the main inspiration is that of nature - a storm in a forest, geology, or movements of clouds and air. At other times the creative process is triggered by the long history of ceramics - exploiting its possibilities and challenging its limitations. </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">E V O L U T I O N</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">Bente Skj&oslash;ttgaard&rsquo;s first exhibition in Paris in 2004 suggested the transition from pottery tradition &ndash; the exploration of the container, the jar, the pot, the dish as a base for experimenting with the ceramic matter - towards a purely sculptural approach where the potential function was definitely left out. The transition had happened through &ldquo;the deviation&rdquo; of a series of &ldquo;dishes&rdquo;. The dishes, saturated with lustrous glazes had turned into lakes - and the &ldquo;handles&rdquo; had taken the shape of branches that circled the lakes or disappeared in them&hellip; Then, the handles-branches had evolved towards infinite ramifications and interlacing; some extremely delicate, others thick as tree trunks&hellip;Vegetation was explicitly here.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">What followed was something more geological: the <em>Elements in white </em>ensemble (2008) presented an exploration of the clay matter, of the mineral and of geological movements. All covered in dense and matte, white glazes with surprising surfaces. A ceramic feat, not only in terms of new textures but also as goes for the monumentality of the pieces. The weight of the rock was succeeded by the illusion of the clouds&rsquo; lightness with the series <em>In the clouds </em>(2010) and <em>Resting area </em>(2012). In these works, the attention was focused both on a contradictory challenge &ndash; the rendering of a fluctuant and vaporous phenomenon with ceramic matters - and on color. Bente Skj&oslash;ttgaard developed a very marshmallowy range that took up the entire celestial spectrum while recalling fine pastry textures. With her exhibition <em>Cumulomnibus </em>(Copenhagen Ceramics, 2014), the exploration of clouds reached a state of apotheosis: The direct inspiration, the <em>Cumulomnibus</em>, king of clouds &ndash; a complex phenomenon born from the meeting between cumulus creating a upward movement - had led to a an abundance of open shapes in psychedelic colors: orange, blue and mauve variations - and certain whites with very sensuous red blushes. A captivating world of shapes, where bad weather had called forth the floral, the haute couture and sugar candy&hellip;</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>I N S I D E A N D O U T S I D E </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">If, as evoked before, vegetation has one day grown from a container, it is now a poetic story of both of them - the container/pot and the branch/coil &ndash; that constitutes Bente Skj&oslash;ttgaard&rsquo;s proceedings. One day the human being felt the need to contain, transport, preserve and protect&hellip; Maybe he took a shell to carry water to his mouth; rejoiced that the rainwater had accumulated in a rock&rsquo;s cavity or he admired the nests&rsquo; weaving that allowed birds to live in the air, far from the dangers of the ground&hellip;These assumptions are part of the story of civilizations. We know that the clay container can be found in every culture and that it represents one of the first traces of human work. Starting off from rather large branches Bente Skj&oslash;ttgaard&rsquo;s new pieces are &laquo; knitted with large needles &raquo; to make very open and swaying structures&hellip; In this organic mesh, &ldquo;nests-bowls-containers&rdquo; lie alone or together, unless they outright rest on it, forming a most extravagant &ldquo;high rise&rdquo; construction&hellip; The branches support, circle and penetrate the &ldquo;bowls&rdquo;, holes and passages appear. There, the artist allows the cultural product of the container to find its natural origins again and to turn into imaginary variations on their relationship to one another: The branch is also coil, snake, straw and rope and the container stone, pod, shell, nest or a simple hole in the earth&hellip;</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">The colors are bright - pinks, mauves, lemon yellows and cobalt blues in combination with an immaculate white. The matte surfaces meet glossy ones; densities and transparences unfold in a crackling game and in three dimensional patterns, recalling those of bark or animal skin, or even the veins of a marble that has yet to be discovered.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">Bente Skj&oslash;ttgaard has gone off to add another highly personal chapter to the infinite story that culture and nature share, whilst continuing her exploration of ceramic possibilities.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>B A C K G R O U N D </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">The Galerie Maria Lund has presented five exhibitions (2004, 2006, 2008 and 2010, 2012) of Bente Skj&oslash;ttgaard (born in Denmark in 1961), that were all warmly welcomed by the public, the press and institutions. <strong>Her sculptures have joined the <em>Fond national d&rsquo;art contemporain</em>, Paris and the <em>V&amp;A</em>, London, the <em>Mus&eacute;e National de la C&eacute;ramique</em>, S&egrave;vres, the <em>Mus&eacute;es de Ch&acirc;teauroux </em>and a number of public collections in Northern Europe</strong>. Bente Skj&oslash;ttgaard often exhibits in Europe, in the United States as well as in South Korea (<em>KIAF </em>in 2008, 2009, 2010 and 2011). Her work has also been shown at the <strong><em>Biennale de Ch&acirc;teauroux </em></strong>(2009 and 2011), at the <strong><em>Biennale de Vallauris </em></strong>(2010) and recently she has participated in the <strong><em>Parcours Carougeois </em></strong>(2015, exhibition on the line, Halles de la Fonderie).</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">In 2012, the artist created the exhibition platform <strong><em>Copenhagen Ceramics </em></strong>in collaboration with artists-ceramicists Martin Bodilsen Kaldahl and Steen Ipsen.</p> <p style="text-align: justify;">Until March 1st 2016, a selection of her &rdquo;clouds&rdquo; is visible in the context of <strong><em>Climats artificiels </em></strong>at the <strong>Espace Fondation EDF</strong>, Paris.</p> <p class="Default">&nbsp;</p> <p class="Default">&nbsp;<strong>OPENING</strong><strong>: Saturday January 30</strong><strong>th </strong><strong>from 5pm to 8 pm with the artist present. </strong></p> <p class="Default"><strong>EXTEMPORANEOUS IMPROVISATION</strong><strong>: Saturday February 20</strong><strong>th </strong><strong>at 6pm: NOW - Tristan Pradelle </strong>(saxophone), <strong>Blanche Lafuente </strong></p> <p class="Default">(percussion-drums) and <strong>Alexandre Perro</strong>t (bass) <strong>- </strong>draws inspiration from the exhibition of</p> <p>Bente Skj&oslash;ttgaard. <strong>www.facebook.com/nowfreemusic</strong></p> Sun, 07 Feb 2016 16:17:31 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Nina Canell, Mark Lewis, Helen Mirra, Gyan Panchal - Galerie Marcelle Alix - February 4th - April 9th <p style="text-align: justify;">"Welcome me, landscape" is the partial display of an ideal collection, reflecting art forms that appear to free themselves from a typically human gravity. Nina Canell, Mark Lewis, Helen Mirra and Gyan Panchal all practice, it seems to us, a form of unselfish art. This is probably why all of what surrounds them, even in its most uncontrollable aspects, can become allies, partners, accomplices even, in the implementation of their work. As they embrace space and time, artists may be in the best position to get precisely what they desire: the perfect moment to capture a snowstorm, a symbolic shedding, the materialization of an unexpected void or the pitch of a travel notebook that would in turn belong to an entomologist, a poet or an hermit.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="padding-left: 30px; text-align: justify;">CB: "We still live under the reign of logic ...". These words by Andr&eacute; Breton seem to taunt us forever. They remind us it still falls upon artists to transform this mind-map of a chartered and "finished" world by opposing extravagant phenomena to it, namely: a poetic matter organized and operated so that it'd question our certainties. We envision this collective exhibition, it seems to me, as an antidote to a liability that would engage the artist alone: one that would defeat usual categories to impose the idea of a continuum through which unknown laws would regulate a fluid circulation system between people and things. The word 'porous' seems the most appropriate in order to advertise the very unclean, very horizontal system that drives this project in my mind. The idea to paint on the clothes one wears (Gyan Panchal) or the creation of rubbings to recount a walk in the landscape (Helen Mirra) meet up to enhance a (cross)fade vision through which not one thing is ever alone but on the contrary calls for a whole, calls perhaps for its opposite, simultaneously.<br /><br />IA: I am very sensitive to what you describe, to this idea of a continuum between the body of the artist, the work and the natural space, a continuum that also often exists between pieces and their exhibition space. For six years, the gallery's tile-floor has been one of the major 'players' of our exhibitions, for instance. Here, it acts as a backdrop for the great plexiglas work by Nina Canell. To ensure that motif and background became one, was one of modern art's objectives, I'm thinking of Vuillard or about abstraction. And, through the means of a very contemporary thought form that de-prioritizes things, a thought form transiting from animals to humans to plants to artifacts, it is as if we returned to the 'classics' we most hold dear. I like this idea of an infinite loop that would always push us back to what we liked in the first place, passionately, without necessarily having to understand what touched us back then. Reassessing my first loves with the criteria that I hold mine today and finding them still beautiful, all the more stimulating, is to me an infinite source of pleasure. I think that's what brings us together and gives Marcelle Alix its 'classic' taste too, in a sense, its taste for artists that already are classics. Thus, in particular, I see the work of Nina Canell in its relationship to space, as well as Mark Lewis's in its relationship to painting.<br /><br />CB: I have this fantasy for projects at the gallery which would remind me of my favorite exhibition moments, those I carefully keep in mind when this continuum we're talking about is freely (and openly) expressed, it seems to me, encouraged by the intensity of certain meetings. I always find it nice to let my eyes wander in museums that have a real sense of staging, those which rely on the space between works and on what may occur, for example, between a table, a chair, a trinket, a window or a particular pavement. English museums make prowess in the genre but it's in the charming Mus&eacute;e de la Vie Romantique, in Paris, that I was recently reminded of this breezy English touch. The gesture of displaying thistles on a chair or on the edge of a chimney goes well beyond its prohibitive role to become an extension of the painting. These small thistles gave value to something that was not acting on the same level as the rest, but still remained part of the rest, something that was included, assimilated and aesthetically encouraging. In this exhibition, we'll see one piece through another one and this system of indirect and interpenetrating vision and forms make some space for what classical art has sought to take in within the limits of whatever media being used: air, floating bodies, tapes of writing (ancestor of sort for speech bubbles), or the unsettling feeling of being watched by something that requires a constant correction of our discourse.<br /><br />IA: I like the idea to start 2016--after such a violent, such an un-conductive to contemplation year we just came out of--by the perhaps idealistic vision of an exhibition that would reconcile the various reigns, that would give birth to a harmony between works of different craftsmanship and the gallery's quirky space. A pacifist fantasy kind of an exhibition, a manifesto of conciliation that each of the displayed works contains.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="padding-left: 30px; text-align: justify;">"Never mourn over flowers--eat less, weaken oneself, in the worst case sell one's blood--but continue to live close to flowers and books (early summer peonies)." Herv&eacute; Guibert, <em>Mausoleum of Lovers</em>,<em> journals 1976-1991</em></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Nina Canell was born in 1979 in V&auml;xj&ouml;, Sweden. She lives in Berlin. Her work was recently shown in France at Rond-Point Projects, Marseille (cur. Anja Isabel Schneider), at the 13th Lyon Biennale (cur. Ralph Rugoff) and at Cr&eacute;dac-contemporary art center in Ivry-sur-Seine (cur. Chris Sharp). Her last solo museum exhibitions include "Free-Space Path Loss" at Lunds Konsthall, Sweden, "Mid &ndash; Sentence" at Moderna Museet, Stockholm and "Near Here" at Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead, England and Camden Art Centre, London, 2014. She is represented by Barbara Wien in Berlin.<br /><br />Mark Lewis was born in Hamilton, Ontario and currently lives and works in London, U.K. Lewis began his career as a photographer before moving into film. He has had numerous solo shows: at BFI Southbank (London); Art Gallery of Ontario (Toronto); Vancouver Art Gallery (Vancouver), MUDAM (Luxemburg). In 2009, Lewis represented Canada in the 53rd Venice Biennale (cur. Barbara Fischer). Most recently he had a presentation at the Sao Paulo Biennial, Brazil (2014) and solo exhibitions at The Louvre, Paris (2014); Le Bal, Paris (2015); Canada House, London (2015), and The Power Plant, Toronto (2015). He is represented by Daniel Faria in Toronto.<br /><br />Helen Mirra was born in Rochester, New York in 1970 and lives in Cambridge, Massachusetts. Recent solo exhibitions include "Habitat de Transi&ccedil;&atilde;o" at Culturgest, Lisbon (2014); "Hourly Directional" at Radcliffe Center for Advanced Study, Cambridge and the MIT List Visual Arts Center (both 2014); "gehend (Field Recordings 1-3)" which was held at three venues: Haus Konstruktiv, Zurich, KW Institute for Contemporary Art, Berlin, and Bonner Kunstverein (2011-2012). She is represented by Peter Freeman Inc. (Paris/ New York)<br /><br /><a title="marcellealix.com" href="http://www.marcellealix.com/artistes/oeuvres/672/gyan-panchal" target="_blank">Gyan Panchal</a> was born in 1973, he lives in Eymoutiers (Limousin, France). A graduate of the Jan Van Eyck Academie (Maastricht, NL), he has had many solo shows: at Frank Elbaz, Paris, Galerie Edouard Manet, Gennevilliers (F), Palais de Tokyo, Jhaveri Contemporary, Bombay (India) and Maison des Arts Georges Pompidou, Cajarc (F). His works have recently been exhibited at Centre Pompidou, Paris, the Rennes Biennale, Carr&eacute; d&rsquo;art -Contemporary Art Museum in N&icirc;mes (F), Cr&eacute;dac-art center in Ivry-sur-Seine (F), Villa Arson, Nice (F), Maison Populaire de Montreuil (F), Fondation d&rsquo;entreprise Ricard, Paris and CAN, Neuchatel (CH). In 2015 he exhibited his work at Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris, at the occasion of the Apart&eacute;s program.<br /><br />Special thanks: Galerie Barbara Wien, Berlin (Barbara Wien, Aylin Kowalewsky), Daniel Faria Gallery, Toronto (Daniel Faria, Dory Smith), Peter Freeman, Inc, Paris (Anne-Laure Riboulet, Agn&egrave;s Gillier), Mark Lewis Studio (Ludovica Carbotta), Baptiste Pinteaux and Fran&ccedil;ois Orphelin.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Marcelle Alix warmly welcomes Lucie and Jil to her extended family :)</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&laquo; Accueille-moi paysage &raquo; est l&rsquo;accrochage d&rsquo;une partie d'une collection id&eacute;ale, refl&eacute;tant un art dont les formes sont comme lib&eacute;r&eacute;es d&rsquo;une pesanteur typiquement humaine. Il nous semble que Nina Canell, Mark Lewis, Helen Mirra et Gyan Panchal pratiquent un art d&eacute;sint&eacute;ress&eacute; et c&rsquo;est sans doute pourquoi ce qui les entoure, et ce qu&rsquo;il y a de plus incontr&ocirc;lable, peut devenir alli&eacute;, partenaire et m&ecirc;me complice &agrave; la r&eacute;alisation d&rsquo;une &oelig;uvre. En &eacute;treignant l&rsquo;espace et le temps, peut-&ecirc;tre les artistes sont-ils les mieux plac&eacute;s pour obtenir ce qu&rsquo;ils d&eacute;sirent : une temp&ecirc;te de neige &agrave; filmer au bon moment, une mue symbolique, la mat&eacute;rialisation d&rsquo;un vide inattendu, ou encore l&rsquo;id&eacute;e d&rsquo;un carnet de voyage qui serait tour &agrave; tour celui de l&rsquo;entomologiste, du po&egrave;te ou de l&rsquo;anachor&egrave;te.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="padding-left: 30px; text-align: justify;">CB: &laquo; Nous vivons encore sous le r&egrave;gne de la logique&hellip; &raquo;. Les mots d&rsquo;Andr&eacute; Breton semblent nous narguer &eacute;ternellement. Ils nous font r&eacute;aliser qu&rsquo;il appartient toujours aux artistes de transformer cette vision d&rsquo;un monde r&eacute;pertori&eacute; et fini pour lui opposer des ph&eacute;nom&egrave;nes extravagants, soit : une mati&egrave;re po&eacute;tique organis&eacute;e et exploit&eacute;e de telle fa&ccedil;on qu&rsquo;elle remette en question nos certitudes. Cette exposition collective, nous l&rsquo;envisageons il me semble comme un antidote &agrave; une responsabilit&eacute; qui n&rsquo;engagerait que l&rsquo;artiste: celle de d&eacute;faire les cat&eacute;gories habituelles pour forcer l&rsquo;id&eacute;e d&rsquo;un continuum &agrave; travers lequel des lois inconnues fabriqueraient un syst&egrave;me de circulation fluide entre les &ecirc;tres et les choses. Je crois que le mot poreux me para&icirc;t le plus appropri&eacute; pour vanter le syst&egrave;me tr&egrave;s impur et aussi tr&egrave;s horizontal qui anime ce projet. L&rsquo;id&eacute;e de peindre des v&ecirc;tements sur soi (Gyan Panchal) ou celle de cr&eacute;er des frottages (Helen Mirra) pour raconter une marche dans le paysage rejoignent et valorisent une vision en fondu (encha&icirc;n&eacute;) &agrave; travers laquelle une chose n&rsquo;est jamais seule, mais appelle un tout et peut-&ecirc;tre son contraire en m&ecirc;me temps.<br />&nbsp;<br />IA : je suis tr&egrave;s sensible &agrave; ce que tu d&eacute;cris, &agrave; cette id&eacute;e d&rsquo;un continuum entre le corps de l&rsquo;artiste, l&rsquo;&oelig;uvre et l&rsquo;espace naturel, un continuum qui existe souvent aussi entre l&rsquo;&oelig;uvre et l&rsquo;espace d&rsquo;exposition. Le carrelage de la galerie est depuis six ans un &laquo; acteur &raquo; majeur de nos expositions. Ici, il agit comme toile de fond pour la grande &oelig;uvre en plexiglas de Nina Canell. Faire en sorte que le motif et le fond ne fassent plus qu&rsquo;un &eacute;tait l&rsquo;un des objectifs de l&rsquo;art moderne, je pense &agrave; Vuillard ou &agrave; l&rsquo;abstraction. Et c&rsquo;est comme si, par une pens&eacute;e tr&egrave;s contemporaine de d&eacute;-hi&eacute;rarchisation des choses, de transition de l&rsquo;animal au v&eacute;g&eacute;tal &agrave; l&rsquo;humain &agrave; l&rsquo;objet fabriqu&eacute;, on revenait aux &laquo; classiques &raquo; qui nous sont chers. J&rsquo;aime cette id&eacute;e d&rsquo;une boucle infinie qui nous pousse toujours &agrave; retourner vers ce que l&rsquo;on a aim&eacute; au d&eacute;but, passionn&eacute;ment, sans comprendre ce qui nous touchait. R&eacute;&eacute;valuer mes premi&egrave;res amours avec les crit&egrave;res qui sont les miens aujourd&rsquo;hui, et les trouver toujours aussi belles et encore plus stimulantes me procure un infini plaisir. Je crois que c&rsquo;est ce qui nous rapproche et donne &agrave; Marcelle Alix son go&ucirc;t si &laquo; classique &raquo; dans un sens, ce go&ucirc;t pour des artistes qui sont d&eacute;j&agrave; des classiques. C&rsquo;est ainsi notamment que je vois le travail de Nina Canell dans son rapport &agrave; l&rsquo;espace, comme celui de Mark Lewis dans son rapport &agrave; la peinture.<br />&nbsp;<br />CB: J&rsquo;ai le fantasme de projets &agrave; la galerie qui puissent me rappeler mes meilleurs moments d&rsquo;expositions, ceux que je garde pr&eacute;cieusement &agrave; l&rsquo;esprit lorsqu&rsquo;il me semble que ce continuum dont nous parlons s&rsquo;exprime librement et ouvertement, encourag&eacute; par l&rsquo;intensit&eacute; de certaines rencontres. Il m&rsquo;est toujours tr&egrave;s agr&eacute;able de promener mes yeux dans des mus&eacute;es qui ont un vrai sens de la mise en sc&egrave;ne, de celles qui font confiance aux espaces entre les &oelig;uvres et &agrave; ce qui peut se produire, par exemple, entre un tableau, une chaise, un bibelot, une fen&ecirc;tre et un dallage particulier. Les mus&eacute;es anglais font des prouesses dans le genre, mais c&rsquo;est le charmant Mus&eacute;e de la Vie Romantique &agrave; Paris qui r&eacute;cemment me rappelait cette &eacute;bouriffante touche anglaise. Le geste de d&eacute;poser des chardons sur une chaise ou le rebord d&rsquo;une chemin&eacute;e d&eacute;passe largement son r&ocirc;le d&rsquo;interdiction pour devenir une mani&egrave;re de prolonger le tableau. Ces petits chardons donnent de la valeur &agrave; quelque chose qui n&rsquo;agit pas au m&ecirc;me plan que le reste, mais qui en fait partie, qui se retrouve englob&eacute;, assimil&eacute; et esth&eacute;tiquement encourageant. Dans cette exposition, on pourra voir une &oelig;uvre &agrave; travers une autre et ce syst&egrave;me de vision indirecte, et de formes interp&eacute;n&eacute;tr&eacute;es, donnera de la place &agrave; ce que l&rsquo;art classique s&rsquo;est efforc&eacute; d&rsquo;incorporer dans la limite des m&eacute;dias utilis&eacute;s: de l&rsquo;air, des corps flottants, des rubans d&rsquo;&eacute;criture (sortes d&rsquo;anc&ecirc;tres du phylact&egrave;re), ou encore le sentiment d&eacute;stabilisant d&rsquo;&ecirc;tre regard&eacute; par quelque chose qui demande une rectification constante de nos discours.<br />&nbsp;<br />IA : j&rsquo;aime cette id&eacute;e de commencer 2016, apr&egrave;s l&rsquo;ann&eacute;e si violente, si peu propice &agrave; la contemplation que nous venons de passer, par une vision peut-&ecirc;tre id&eacute;aliste de l&rsquo;exposition qui r&eacute;concilie les diff&eacute;rents r&egrave;gnes, qui fait na&icirc;tre l&rsquo;harmonie entre des &oelig;uvres de diff&eacute;rente facture et l&rsquo;espace biscornu de la galerie. Une sorte de fantasme pacifiste pour l&rsquo;exposition, un manifeste de conciliation que contient en elle-m&ecirc;me chacune des &oelig;uvres montr&eacute;es.<br /><br />&laquo; Ne jamais faire le deuil des fleurs - manger moins, s'an&eacute;mier, au pire vendre son sang - mais continuer &agrave; vivre dans une proximit&eacute; de fleurs comme de livres (les pivoines du d&eacute;but de l'&eacute;t&eacute;). &raquo; Herv&eacute; Guibert, <em>Le Mausol&eacute;e des amants</em>, <em>journal 1976-1991</em><br /><br /></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Nina Canell est n&eacute;e en 1979 &agrave; V&auml;xj&ouml; en Su&egrave;de. Elle vit &agrave; Berlin. On a pu voir son travail en France &agrave; Rond-Point Projects, Marseille (cur. Anja Isabel Schneider), &agrave; la 13&egrave;me Biennale de Lyon (cur. Ralph Rugoff) ou au Cr&eacute;dac &agrave; Ivry-sur-Seine (cur. Chris Sharp). Ses derni&egrave;res expositions personnelles dans des institutions ont &eacute;t&eacute; "Free-Space Path Loss" &agrave; Lunds Konsthall et "Mid &ndash; Sentence" au Moderna Museet, Stockholm ainsi que "Near Here" &agrave; Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead (UK), et au Camden Art Centre, Londres. Elle est repr&eacute;sent&eacute;e par Barbara Wien &agrave; Berlin.<br /><br />Mark Lewis est n&eacute; en 1958 &agrave; Hamilton, Ontario (CA) et vit &agrave; Londres. Il a commenc&eacute; sa carri&egrave;re comme photographe avant de se consacrer au film. Il a b&eacute;n&eacute;fici&eacute; de nombreuses expositions personnelles : BFI Southbank (London); Art Gallery of Ontario (Toronto); Vancouver Art Gallery (Vancouver), MUDAM (Luxembourg). En 2009, il a repr&eacute;sent&eacute; le Canada &agrave; la 53&egrave;me&nbsp; Biennale de Venise (cur. Barbara Fischer). Mark Lewis a r&eacute;cemment expos&eacute; &agrave; la biennale de Sao Paulo et au Louvre. Le Bal &agrave; Paris et The Power Plant &agrave; Toronto lui ont consacr&eacute; deux expositions majeures en 2015. Il est repr&eacute;sent&eacute; par la galerie Daniel Faria &agrave; Toronto.<br /><br />Helen Mirra est n&eacute;e &agrave; Rochester, New York in 1970 et vie &agrave; Cambridge, Massachusetts (USA). Ses expositions personnelles les plus r&eacute;centes comprennent "Habitat de Transi&ccedil;&atilde;o", Culturgest, Lisbonne, "Hourly Directional", Radcliffe Center for Advanced Study, Cambridge et au MIT List Visual Arts Center et "gehend (Field Recordings 1-3)" qui a tourn&eacute; dans trois lieux: Haus Konstruktiv, Zurich, KW Institute for Contemporary Art, Berlin et au Bonner Kunstverein (2011-2012). Elle est repr&eacute;sent&eacute;e par Peter Freeman Inc. (Paris/ New York)<br /><br /><a title="marcellealix.com" href="http://www.marcellealix.com/artistes/oeuvres/672/gyan-panchal" target="_blank">Gyan Panchal </a>est n&eacute; en 1973, il vit &agrave; Eymoutiers (Limousin). Depuis sa sortie de la Jan Van Eyck Academie (Maastricht, NL), son travail a fait l&rsquo;objet de nombreuses expositions personnelles : &agrave; la galerie Frank Elbaz, Paris, &agrave; la galerie Edouard Manet, Gennevilliers, au Palais de Tokyo, chez Jhaveri Contemporary &agrave; Bombay (Inde) et &agrave; la Maison des Arts Georges Pompidou &agrave; Cajarc. On a &eacute;galement pu voir ses &oelig;uvres dans les collections du Centre Pompidou, Paris, &agrave; la Biennale d&rsquo;Art Contemporain de Rennes, au Carr&eacute; d&rsquo;art de N&icirc;mes, au Cr&eacute;dac &agrave; Ivry-sur-Seine, &agrave; la Villa Arson &agrave; Nice, &agrave; la Maison Populaire de Montreuil, &agrave; la Fondation d&rsquo;entreprise Ricard &agrave; Paris et au CAN de Neuch&acirc;tel (Suisse). En 2015, il a montr&eacute; son travail dans le cadre du projet Apart&eacute;s au Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris.<br /><br />Remerciements: Galerie Barbara Wien, Berlin (Barbara Wien, Aylin Kowalewsky), Daniel Faria Gallery, Toronto (Daniel Faria, Dory Smith), Peter Freeman, Inc, Paris (Anne-Laure Riboulet, Agn&egrave;s Gillier), Mark Lewis Studio (Ludovica Carbotta), Baptiste Pinteaux et Fran&ccedil;ois Orphelin.<br style="font-size: small;" /><br />Marcelle Alix souhaite la bienvenue &agrave; Lucie et Jil dans sa grande famille :)</p> Sun, 07 Feb 2016 16:08:05 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Maleonn - Galerie Magda Danysz - February 6th - February 27th <p style="text-align: justify;">Maleonn is one of the most famous Shanghai photographers. Artist with many personalities, Maleonn has become the leader of an entire generation in China.</p> <p style="text-align: justify;">Maleonn's photographs are like tales. Combining ancient theater costumes, surprising and edgy props, he takes us into a fable and tells us with poetry the story and culture of the chinese society. His univers is rich, both complexe and playful, he reveals the plurality of nowadays china, split between its traditions and its will to build the future.</p> <p style="text-align: justify;">Considered as one of the most weel-kept secret of the country in 2013, by the famous magazine Juxtapoz,&nbsp;Maleonn has travelled across China, with his Studio Mobil, &nbsp;meeting people from cities to towns. Maleonn is exhibited in Shanghai, Hong-Kong, Madrid, Bruxelles, Rome, New-York, Chicago or Paris. He receives many awards although he is beforeall the symbol of a whole generation. His photographs, from which the characters appear to evolve in ideal or dreamlike worlds, are true emblems for the young chinese generation, and now international.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Born in Shanghai in 1972</p> <p style="text-align: justify;">Lives and works in Shanghai, China</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Le photographe bas&eacute; &agrave; Shanghai, Maleonn, m&ecirc;le ressources num&eacute;riques et mises en sc&egrave;ne th&eacute;&acirc;trales pour cr&eacute;er un univers plein de fantaisie dans lequel se c&ocirc;toient superh&eacute;ros d&eacute;cal&eacute;s, personnages &agrave; t&ecirc;te de cheval ou facteurs pr&ecirc;t &agrave; s&rsquo;envoler.</p> <p style="text-align: justify;">Ses photographies m&ecirc;lent m&eacute;lancolie et comique d&eacute;cal&eacute;, nous donnant &agrave; voir une Chine imagin&eacute;e.</p> <p style="text-align: justify;">Les photographies faussement na&iuml;ves de Maleonn captivent et documentent toute la dichotomie de l&rsquo;identit&eacute; chinoise, &agrave; la fois absorb&eacute;e par son histoire, et si d&eacute;termin&eacute;e &agrave; construire l&rsquo;avenir.</p> <p style="text-align: justify;">Maleonn est une v&eacute;ritable star en Chine o&ugrave; il est l&rsquo;embl&egrave;me de tout un pays. Il a re&ccedil;u de nombreux prix et expose aujourd&rsquo;hui dans le monde entier de New-York &agrave; Madrid en passant par Londres.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>BIOGRAPHIE</strong></p> <p style="text-align: justify;">Dire que Maleonn s&rsquo;est toujours senti artiste serait une litote dans la mesure o&ugrave; il l&rsquo;a toujours &eacute;t&eacute;. &ldquo; J&rsquo;ai toujours eu, d&egrave;s mon plus jeune &acirc;ge, plein d&rsquo;images en t&ecirc;te. Elles sont souvent tr&egrave;s pr&eacute;cises. Je ne sais pas tr&egrave;s bien d&rsquo;o&ugrave; viennent ces images, mais c&rsquo;est probablement pour cette raison que j&rsquo;ai &eacute;tudi&eacute; l&rsquo;art depuis mon enfance. J&rsquo;ai ce type d&rsquo;imagination visuelle prolifique. &raquo; Bien qu&rsquo;&eacute;lev&eacute; par sa grand m&egrave;re, Maleonn est n&eacute; de parents artistes, une m&egrave;re actrice et un p&egrave;re directeur du principal op&eacute;ra de Shanghai &agrave; l&rsquo;aube de la r&eacute;volution culturelle, Maleonn est d&egrave;s sa plus tendre enfance scolaris&eacute; dans des &eacute;coles d&rsquo;art. Des ann&eacute;es plus tard, apr&egrave;s avoir obtenu son dipl&ocirc;me en Arts de l&rsquo;Universit&eacute; de Shanghai Maleonn travaille aussi en tant que r&eacute;alisateur de vid&eacute;os publicitaires d&eacute;veloppant encore sa technique de photographe et vid&eacute;aste tout en attisant son envie de cr&eacute;er en toute libert&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">D&egrave;s le d&eacute;but de sa carri&egrave;re artistique, Maleonn a re&ccedil;u de nombreuses r&eacute;compenses au niveau national, comme par exemple lors du Festival International de Photo de Pingyao, qu&rsquo;au niveau international lors du Australian International Digital Art Awards ou encore du&nbsp; Trierenberg Super Circuit en Autriche. Maleonn a ainsi ensuite &eacute;t&eacute; expos&eacute; de Shanghai &agrave; Toronto en passant pas Singapour, San Francisco, Rome et Paris. Depuis il a m&ecirc;me &eacute;t&eacute; malgr&eacute; son jeune &acirc;ge &eacute;t&eacute; reconnu comme l&rsquo;un des 50 artistes les plus important au niveau international par le magazine japonais MAC. Le photographe a &eacute;t&eacute; expos&eacute; dans les principaux mus&eacute;es de Shanghai, du Mus&eacute;e des Beaux Arts au MOCA, mais aussi en Mus&eacute;e Liu Hai Su, au MOCA de New York, au Victoria &amp; Albert Museum de Londres, au De Voss Museum au Michigan&nbsp; ou encore le Mus&eacute;e de la Photographie Contemporaineor de Chicago. Mais dire ce Maleonn que c&rsquo;est un artiste de talent n&rsquo;est pas suffisant. Maleonn est tout &agrave; la fois, un sc&eacute;nographe de th&eacute;&acirc;tre, un sculpteur des sens, un po&egrave;te visuel et un peintre des &eacute;motions. Ses &oelig;uvres sont en outre collectionn&eacute;es &agrave; travers le monde tant par des particuliers que des institutions ou encore des fondations comme la Ailing Foundation en Chine.</p> Sun, 07 Feb 2016 16:04:38 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Group Show - Galerie de Multiples - February 6th - March 15th <p style="text-align: justify;">Flower Power est ce type d&rsquo;expositions qui naissent de la suggestion des artistes.</p> <p style="text-align: justify;">C&rsquo;est face aux fleurs id&eacute;ales de St&eacute;phane Calais, face &agrave; la Monstera de Thea Djordjadze, face aux Pens&eacute;es d&rsquo;Ann Craven..., que nous avons souhait&eacute; r&eacute;unir cet ensemble d&rsquo;&oelig;uvres &eacute;dit&eacute;es par la Galerie Des Multiples. Toutes ont pour sujet les fleurs.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;&eacute;volution de la repr&eacute;sentation des fleurs t&eacute;moigne de l&rsquo;histoire. Les fleurs &eacute;voluent au fil des bouleversements de l&rsquo;art.</p> <p style="text-align: justify;">Les bouquets luxuriants de fleurs aux p&eacute;tales de velours et de soie, dont on devine les fragrances trop capiteuses, ont &eacute;t&eacute;, &agrave; la veille du XXe si&egrave;cle, saisis par une th&eacute;orie de peintres qui les r&eacute;implant&egrave;rent dans la nature. Les fleurs y perdirent leurs dessins pr&eacute;cis et savants mais retrouv&egrave;rent les joies de la terre et du soleil. Durant le XXe si&egrave;cle, elles disparurent souvent pour ne plus exhaler que leurs couleurs, mais tinrent t&ecirc;te &agrave; l&rsquo;abstraction et apparurent sous toutes les formes que leur donn&egrave;rent les nombreux mouvements qui agit&egrave;rent l&rsquo;&eacute;poque.</p> <p style="text-align: justify;">En 2005, nous avions d&eacute;j&agrave; r&eacute;uni des artistes concern&eacute;s, au moins le temps d&rsquo;une &oelig;uvre, par les fleurs. Aurelie Voltz assura le commissariat de Lasst Blumen Sprechen, proposition de Beuys qu&rsquo;elle fit sienne pour recenser des &oelig;uvres qui r&eacute;pondaient au pr&eacute;cepte.</p> <p style="text-align: justify;">10 ans plus tard, nous voulons de nouveau poser cette question un peu na&iuml;ve mais essentielle &agrave; nos yeux : O&ugrave; en sommes-nous avec les fleurs ?</p> <p style="text-align: justify;">O&ugrave; en sommes-nous aujourd&rsquo;hui avec le pouvoir, attractif ou r&eacute;pulsif, des fleurs ? Que peut nous montrer une s&eacute;rie de fleurs id&eacute;ales peintes par St&eacute;phane Calais, apr&egrave;s Jean-Baptiste Pillement, ou de fleurs &eacute;cras&eacute;es &agrave; coups de marteau par Bernhard R&uuml;diger ? Que nous disent aujourd&rsquo;hui les fleurs de notre pouvoir ou de notre impuissance ?</p> <p style="text-align: justify;">Dans la revendication d&rsquo;un slogan, Flower Power, et en tressant des couronnes de fleurs, une g&eacute;n&eacute;ration illustra sa volont&eacute; de cr&eacute;er des rapports nouveaux &agrave; la nature et entre les humains. Nous avons parfois moqu&eacute; ce projet ang&eacute;lique. Pourtant, il &eacute;tait porteur d&rsquo;une r&eacute;volution sociale et politique.</p> <p style="text-align: justify;">De quels id&eacute;aux sommes-nous les chantres aujourd&rsquo;hui ?</p> <p style="text-align: justify;">Ne trouverons-nous dans les fleurs, pour le plus triste ou le plus heureux, qu&rsquo;un accessoire d&rsquo;ornementation ?</p> <p style="text-align: justify;">Ou voudrons-nous ressaisir, dans des bouquets ou des champs, &agrave; l&rsquo;aide de termes et de gestes nouveaux, un v&eacute;ritable pouvoir de cr&eacute;ation ?</p> <p style="text-align: justify;">Belles et intenses, graves ou joyeuses, ironiques ou intempestives, produits de l&rsquo;imagination et de la contemplation, les &oelig;uvres pr&eacute;sent&eacute;es dans l&rsquo;exposition ne r&eacute;pondent pas &agrave; ces questions.<br /> Elles les posent. Et en posent d&rsquo;autres, sans doute, qui chacune d&eacute;pendra de chaque visiteur.</p> Sun, 07 Feb 2016 15:58:59 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list George Henry Longly - Galerie Chez Valentin - January 21st - March 12th <div class="large-8 columns leftborder text-justify"> <p style="text-align: justify;">George Henry Longly&rsquo;s new exhibition at Valentin, <em>The Smile of a Snake</em>, takes its name from a language tutorial emphasising the pronunciation of the letter &ldquo;s&rdquo;. A phonetic exercise for learning English as a foreign language it also highlights problems with the physical materialisation of language. A lisp, also known as sigmatism, is a speech impediment in which a person misarticulates sibilant sounds. This exercise evokes how language, on one level, is the physical process of testing boundaries and forming accoustics using the body.</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;S&rdquo; is also the shape of the serpent, whose flexibility and musculature evoke language. A liminal motif in Longly&rsquo;s work, the snake is a communication tool used in humanity&rsquo;s most ancient rituals. Semiotically ambivalent, a pharmakon representing both purity and corruption, flexibility and immobility&mdash;fundamental intensities of the artist&rsquo;s plastic research. Its cerebral nature comes into tension with the inevitably visceral, irrational reactions it provokes in people.</p> <p style="text-align: justify;">Built as an immersive environment, <em>The Smile of the Snake</em> plays upon this analogy between the physical and semiotic materialisation of language and that of the plastic shaping process, from the perspective of how these operations relate to the demarcation of internal and external spaces, of meaning and sensation. Here, references to industrial rationality and to the structuring systems of architecture, language and the body&rsquo;s morphology come into tension with internal perceptions / affections such as those provoked by colour, smells and sound.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">La nouvelle exposition de George Henry Longly &agrave; la galerie Valentin, <em>The smile of a snake</em>, tient son titre d'un tutorial d'apprentissage du langage mettant l'accent sur la prononciation des &laquo;&nbsp;s&nbsp;&raquo;. Un exercice phon&eacute;tique souvent employ&eacute; pour traiter des probl&egrave;mes dans la mat&eacute;rialisation physique du langage, comme le z&eacute;zaiement, lorsque la langue ne parvient pas &agrave; faire pression sur fronti&egrave;re de la bouche. Cet exercice &eacute;voque ainsi la mani&egrave;re dont le langage est un apprentissage (physique et social) de la limite, o&ugrave; l'individu doit conditionner et contraindre son organe &agrave; s'adapter aux limites internes de son environnement formant.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo; S &raquo; est aussi la forme du serpent dont la souplesse et la musculature &eacute;voque la langue. Motif liminal de l'&oelig;uvre de Longly, le serpent est un instrument de communication utilis&eacute; dans les plus anciens rituels de l'humanit&eacute;. S&eacute;miotiquement ambivalent, il est un pharmakon incarnant tout &agrave; la fois la puret&eacute; et la corruption, la souplesse et l'immobilit&eacute;, intensit&eacute;s fondamentales de la recherche plastique de l&rsquo;artiste. Sa nature c&eacute;r&eacute;brale entre en tension avec les r&eacute;actions in&eacute;vitablement visc&eacute;rales et irrationnelles qu'il suscite chez l'homme.</p> <p style="text-align: justify;">Constitu&eacute; comme un environnement immersif et dramatis&eacute;, The smile of a snake joue ainsi de cette analogie entre le processus de mat&eacute;rialisation physique et s&eacute;miotique du langage et celui de la mise en forme plastique dans la relation qu'ils entretiennent avec la d&eacute;marcation des espaces internes et externes, de la signification et de la sensation. Les r&eacute;f&eacute;rents &agrave; la rationalit&eacute; industrielle et aux syst&egrave;mes de structuration de l'architecture, du langage, et de la morphologie du corps, entrent ici en tension avec des perceptions internes comme celles provoqu&eacute;es par la couleur, l'odeur, et le son.</p> </div> Sun, 07 Feb 2016 15:52:41 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list