ArtSlant - Recently added en-us 40 Marie Angeletti, Camille Blatrix, Jean-Alain Corre, Audrey Cottin, Hendrik Hegray, Melanie Matranga - FONDATION RICARD - September 10th - October 31st <h4 style="text-align: justify;">Exhibition for the 16th Prize Fondation d'entreprise Ricard</h4> <p style="text-align: justify;">" A press release usually greets the viewer with the wrong hand. By immediately setting the exhibition in an artificial landscape of references, concepts and analysis, it awkwardly takes its distance from it. Most of the time it euphemizes the conditions of the exhibition&rsquo;s making and neutralizes the discussions and questions which sparked during its conception, in order to offer an image of self-evidence.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Nothing, however, can be taken for granted in this exhibition in particular, as the guidelines of the prize awarded by the Fondation d&rsquo;entreprise Ricard can seem to overdetermine the choice of artists taking part in it, not to mention the way they are perceived. What matters then is to set the exhibition in motion, to think of it as an investigation about the present. This consists, firstly, in articulating several positions, aesthetics and personal aspirations with one another, and in identifying certain sensibilities, which are at least temporarily shared: those of a generation or, let&rsquo;s say, of the times. But it is best not to go too far too fast and outpace everyone (including ourselves). As we write these words, this exhibition is a scaffolding of unstable, living and anxious intentions, collectively elaborated, a circumstantial dialogue between a many-facetted group of curators whose activity in Paris gravitates around the exhibition venue castillo/corrales, and six artists, barely in their thirties, intrigued by the situation: Marie Angeletti, Camille Blatrix, Jean-Alain Corre, Audrey Cottin, Hendrik Hegray, and M&eacute;lanie Matranga.</p> <p style="text-align: justify;">Choosing a title for the show that calls to mind another, Baudelairian, one &ndash; &ldquo;The Times, Fashion, Morality, Passion&rdquo; &ndash; is a way of thinking out loud. These notions probably still play a large part in the appreciation of an artist&rsquo;s works. But fashion, morality and passion are asserted in the manner of the decree, and convey maybe less well today the sensibility that informs our relation to things. In these times, everything seems to be moving all the time, over time, under changing conditions that are affecting behaviors at once fleetingly and profoundly. This is not to say that the &ldquo;generation&rdquo; which incarnates this sensibility is devoid of more lasting and resistant values than the volatile set of moods to which people often want to reduce it. Allegedly lacking in concentration, it nevertheless knows that attention is, it just so happens, the only power at hand to counter the tensions affecting it. Nothing is simple; but these artists are moving forward, tossed about between a feeling of powerlessness and extreme lucidity. "</p> <p>castillo/corrales, July 2014.</p> <p>_____________________________________________</p> <p style="text-align: justify;">&laquo; Un communiqu&eacute; de presse tend souvent la mauvaise main au visiteur. En situant d&rsquo;embl&eacute;e l&rsquo;exposition dans un paysage artificiel de r&eacute;f&eacute;rences, de concepts ou d&rsquo;analyses, il prend maladroitement ses distances avec elle. Il euph&eacute;mise la plupart du temps les conditions de son &eacute;laboration et neutralise les discussions et les questionnements qui ont accompagn&eacute; sa conception, pour donner &agrave; bon compte l&rsquo;image trompeuse de l&rsquo;&eacute;vidence.</p> <p style="text-align: justify;">Rien ne va pourtant de soi dans cette exposition en particulier, les attendus du prix de la Fondation d&rsquo;entreprise Ricard pouvant sembler surd&eacute;terminer le choix des artistes qui y participent, ainsi que leur perception. Ce qui importe alors, c&rsquo;est de mettre l&rsquo;exposition en mouvement, en la pensant comme une enqu&ecirc;te sur le pr&eacute;sent. Cela consiste d&rsquo;abord &agrave; articuler entre elles des positions, des esth&eacute;tiques, des aspirations individuelles, et d&rsquo;identifier certaines sensibilit&eacute;s, au moins temporairement communes ; celles d&rsquo;une g&eacute;n&eacute;ration, ou, disons, d&rsquo;une &eacute;poque. Mais mieux vaut ne pas chercher &agrave; &ecirc;tre l&agrave; o&ugrave; nous ne sommes pas encore, &agrave; prendre tout le monde (&agrave; commencer par nous-m&ecirc;mes) de vitesse. Cette exposition est, &agrave; l&rsquo;heure o&ugrave; nous &eacute;crivons ces lignes, un &eacute;chafaudage d&rsquo;intentions instables, vivantes et anxieuses, &eacute;labor&eacute;es collectivement, un dialogue circonstanciel entre un groupe polymorphe de curateurs dont l&rsquo;activit&eacute; &agrave; Paris s&rsquo;est constitu&eacute;e autour de l&rsquo;espace d&rsquo;exposition castillo/corrales, et six artistes &agrave; peine trentenaires intrigu&eacute;s par la situation : Marie Angeletti, Camille Blatrix, Jean-Alain Corre, Audrey Cottin, Hendrik Hegray et M&eacute;lanie Matranga.</p> <p style="text-align: justify;">Choisir un titre pour l&rsquo;exposition qui en rappelle un autre, baudelairien, &laquo; L&rsquo;&eacute;poque, la mode, la morale, la passion &raquo;, est une fa&ccedil;on de penser &agrave; voix haute. Sans doute ces notions continuent-elles de jouer &agrave; plein dans l&rsquo;appr&eacute;ciation des &oelig;uvres d&rsquo;un artiste. Mais la mode, la morale, la passion s&rsquo;affirment sur le mode du d&eacute;cret, et traduisent sans doute moins bien aujourd&rsquo;hui la sensibilit&eacute; qui caract&eacute;rise notre rapport aux choses. Dans cette &eacute;poque, tout semble se mouvoir &agrave; chaque instant, au fil du temps, un temps changeant, influant sur les comportements de mani&egrave;re &agrave; la fois passag&egrave;re et profonde. Cela ne revient pas &agrave; dire que la &laquo; g&eacute;n&eacute;ration &raquo; qui incarne cette sensibilit&eacute; soit d&eacute;nu&eacute;e de valeurs plus durables, r&eacute;sistantes, que le r&eacute;gime volatil des humeurs auquel on veut souvent la r&eacute;duire. Pr&eacute;tendument en d&eacute;faut de concentration, elle sait pourtant que l&rsquo;attention, justement, est la seule force dont elle dispose pour contrer les tensions qui l&rsquo;affectent. Rien n&rsquo;est simple ; mais ces artistes avancent, dans l&rsquo;entre-deux du sentiment d&rsquo;impuissance et de l&rsquo;hyper-lucidit&eacute;. &raquo;</p> <p>castillo/corrales, juillet 2014.</p> Mon, 15 Sep 2014 12:59:04 +0000 David Smith - Carpenters Workshop Gallery Paris - September 13th - December 20th Fri, 12 Sep 2014 16:41:37 +0000 Vincent Dubourg - Carpenters Workshop Gallery Paris - September 13th - December 20th <p style="text-align: justify;">From September 13th to December 20th 2014, Carpenters Workshop Gallery will present a solo show by Vincent Dubourg in its Parisian space in Le Marais. Vincent Dubourg&rsquo;s new artworks will be reunited for the occasion and shown in a scenography which will recreate the artist&rsquo;s workshop in La Creuse.</p> <p style="text-align: justify;">In the wonderful and preserved surroundings of La Creuse, Vincent Dubourg chose a land of freedom. Far away from the pressure of space and time, he opens up on contact with the material, in a workshop which he conceived and where he developed a personal practice that restores the dialogue between sculpture and design. A unique construction, that the young founders of Carpenters Workshop Gallery wanted to promote beyond our frontiers.</p> <p style="text-align: justify;">Nature inspires him, he tries to seize the energy throught a sophisticated composition of the whole and empty. He metamorphoses most familiar items into art pieces, giving them an immaterial dimension, an added soul. Trained in exact metal work technics, passionate observer of cabinetmaking, Vincent Dubourg establishes a dialogue between the two. The paradoxical deconstruction of his art pieces, translates the methodical meaning of his art of building.</p> <p style="text-align: justify;">The reconstruction of his workshop allows us to discover the melting pot where the creative fire of Vincent Dubourg is developed, an elusive alchemy. The artworks which are present testify the reality of his talent and his relevant singularity.</p> Fri, 12 Sep 2014 16:40:24 +0000 Jae Ko, Gabriel Pionkowski, Dirk Vander Eecken - Hélène Bailly Gallery - September 18th - November 1st <p style="text-align: justify;">Pour cette rentr&eacute;e 2014, la galerie propose une exposition intitul&eacute;e&nbsp;(de)construction, au sein de son espace d&eacute;di&eacute; &agrave; l&rsquo;art contemporain.</p> <p style="text-align: justify;">A cette occasion, nous pr&eacute;senterons les travaux de quatre artistes travaillant &nbsp;pour certains la d&eacute;construction &agrave; travers la d&eacute;composition de l&rsquo;oeuvre, et pour &nbsp;d&rsquo;autres, le processus de construction avec la disposition et l&rsquo;assemblage de &nbsp;mat&eacute;riaux ou diff&eacute;rentes parties qui forment un tout.</p> <p style="text-align: justify;">Gabriel Pionkowski d&eacute;construit ses toiles fil par fil pour les reconstruire en &nbsp;cr&eacute;ant ainsi une &oelig;uvre qui interroge le support et fait na&icirc;tre un nouvel angle &nbsp;d&rsquo;analyse de l&rsquo;oeuvre.</p> <p style="text-align: justify;">Jae Ko, quant &agrave; elle, utilise du papier recycl&eacute; pour former des volumes color&eacute;s &nbsp;qui se construisent en se gonflant d&rsquo;encres. Les formes et les structures de ses oeuvres sont des constructions uniques m&ecirc;lant ainsi tradition et modernit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Dirk Vander Eecken, enfin, s&rsquo;int&eacute;resse &agrave; la fragmentation de l&rsquo;infiniment petit pour reconstruire son oeuvre couche par couche, laissant appara&icirc;tre le processus de (de)construction, d&rsquo;apparition et de disparition..</p> <p style="text-align: justify;">____________________________________________________</p> <p style="text-align: justify;">To celebrate the return from the summer holidays, HELENE BAILLY GALLERY is proud to present a new exhibition, entitled (de)construction, in its location dedicated to Contemporary Art.</p> <p style="text-align: justify;">We will present pieces from four different artists who either work on &ldquo;deconstruction&rdquo; through the artpiece&rsquo;s breakdown or work on &ldquo;construction&ldquo; through the gathering and the arrangement of materials and different parts that give form to a whole.</p> <p style="text-align: justify;">Gabriel Pionkowski breaksdown his canvases thread by thread and rebuilds them, thus creating a work that questions the frame and gives rise to a new point of view on art .</p> <p style="text-align: justify;">Jae Ko uses recycled paper to form colorful volumes inflated with ink. The forms and structures of her works are unique constructions that combine tradition and modernity.</p> <p style="text-align: justify;">Gilbert1, who calls some of his pieces &ldquo;destruction&rdquo;, takes possession of the basement of the gallery. The artist works in the streets and in abandonned spaces, as well as in his studio and galleries. He expresses himself through abstract and unstructured figures, distant heir to the Arte Povera.</p> <p style="text-align: justify;">Dirk Vander Eecken, focuses on the fragmentation of what&rsquo;s extremely little to rebuild his work layer by layer, revealing the process of (de)construction, of appearance and disappearance...</p> Wed, 10 Sep 2014 15:06:09 +0000 Group Show - Galerie Natalie Seroussi - September 19th - October 30th <p style="text-align: justify;">Cette exposition raconte une histoire de la couleur seule. En 1955 Yves Klein présente au salon des réalités nouvelles un monochrome orange. réaction du jury : &laquo; Une seule couleur unie, non, non, non vraiment, ce n&rsquo;est pas assez, c&rsquo;est impossible ! &raquo;</p> <p style="text-align: justify;">Pour aborder la monochromie, une &oelig;uvre s&rsquo;impose : le carré blanc sur fond blanc de Malevitch de 1915. Déjà, Malevitch rêvait d&rsquo;un espace temps, d&rsquo;un espace en dehors de la toile, où la couleur serait seule sujet du tableau.</p> <p style="text-align: justify;">40 ans plus tard, on retrouve les artistes italiens, tous architectes et sculpteurs de la toile. Ils ajoutent, chacun avec son propre langage et de manière répétitive, une troisième dimension au tableau.</p> <p style="text-align: justify;">Lucio Fontana veut développer une architecture spatiale. Rompant avec le classicisme, il radicalise son geste qui devient rapide, violent. On peut sentir la main qui perfore, lacère, incise la toile. Il explore et matérialise l&rsquo;espace avec ses Concetto spaziale. Les titres de ses tableaux sont souvent liés à son quotidien, à son imagination, à ses réflexions sur l&rsquo;art.</p> <p style="text-align: justify;">Enrico Castellani construit sous la peau souple, docile et tendue de la toile une architecture faite de légères protubérances et de creux. Il rythme la surface pour jouer de la géométrie, de l&rsquo;espace avec l&rsquo;ombre et la lumière. il crée une superficie d&rsquo;une seule tonalité, ici arancione (1962) et alluminio (1969).</p> <p style="text-align: justify;">Salvatore Scarpitta, fils de sculpteur, faisait partie des &laquo; monuments men &raquo; pendant la seconde Guerre Mondiale. Il enveloppe les châssis de ses tableaux avec des bandes de toiles, les agrafe, les ceinture, les recouvre totalement ou laisse apparaître des blessures qu&rsquo;il panse à nouveau. Double Halter montre cette construction de ce passionné de voitures de course et inventeur de traîneaux.</p> <p style="text-align: justify;">Paulo Scheggi nous attire vers ses &oelig;uvres. on s&rsquo;approche, on va chercher sous la première toile la seconde toile qui cache la troisième. Il y découpe des formes simples, sensuelles, ovoïdes, ourlées et il semble que ce soit la couleur qui les maintienne, Per una situazione et Zone riflesse.</p> <p style="text-align: justify;">Dadamaino (Eduarda Emilia Maino) découpe ses toiles de si grandes perforations que le vide devient volume. Les Volumi noirs ou blancs sont créés par enlèvement. &laquo; J&rsquo;ai toujours détesté la matière et j&rsquo;ai toujours cherché l&rsquo;immatériel.&raquo;</p> <p style="text-align: justify;">Piero Manzoni, c&rsquo;est le blanc. Il explore les matériaux non conventionnels. il reste proche de la matière. L&rsquo;utilisation du kaolin, de la fibre de verre, du papier d&rsquo;emballage, des billes de polystyrène, du coton hydrophile sont les éléments de &laquo;l&rsquo;achrome&raquo;, de la non couleur.</p> <p style="text-align: justify;">D&rsquo;un rouge intense, d&rsquo;un noir profond ou d&rsquo;un blanc électrique, les plus belles &oelig;uvres de Calder sont des mouvements monochromes dessinés dans l&rsquo;espace. La couleur seule libère l&rsquo;oeuvre de sa matière, unifie son geste et l&rsquo;anime d&rsquo;un souffle.</p> <p style="text-align: justify;">Sergio Camargo, ami de Fontana, de Arp et élève de Brancusi à Paris, dispose des cylindres de bois blancs de tailles différentes et invente des reliefs d&rsquo;une géométrie imprévue, réconciliant l&rsquo;ordre et le chaos.</p> <p style="text-align: justify;">Anish Kapoor invente des formes géométriques abstraites, poétiques. Qu&rsquo;elles soient recouvertes de pigments purs, de peinture ou de miroirs, elles semblent des architectures intemporelles, des archétypes, les 1000 Names.</p> <p style="text-align: justify;">Yves Klein, c&rsquo;est le ciel bleu de Nice et la spiritualité, c&rsquo;est Yves le monochrome et IKB, c&rsquo;est le magnétisme et la sensualité, c&rsquo;est le pigment pur, ce sont les éponges et le feu. Yves Klein, c&rsquo;est l&rsquo;immatérialité.</p> <p style="text-align: justify;">Pour Olivier Mosset &laquo; la peinture, c&rsquo;est de la couleur appliquée sur une toile. &raquo; La couleur monochrome est le vecteur de son travail. Il recherche le rapport sensible au regardant par la vérité de la couleur appliquée sur la toile.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo; pour m'introduire dans le silence de la peinture j'écris comme je crie&raquo;. Le monochrome sensible intervient comme le support de l&rsquo;écriture. Les peintures lettristes de gil joseph wolman sont avec celles d'Isidore Isou les plus plastiques. Wolman se détachera très vite de ce mouvement pour laisser la place au poète et à la &laquo; séparation &raquo;, l'âme de son travail d'artiste pluriel.</p> <p style="text-align: justify;">Cette histoire sans fin et bien incomplète nous parle aussi de Jean Arp, l&rsquo;homme du plâtre. Ce matériau, genèse de la sculpture, remplira son atelier de formes sensuelles, de germinations, de Fleur de rêve au museau, de Démarche décidée, de Sculpture d&rsquo;une lettre.</p> <p style="text-align: justify;">Qu'ils soient peintres, sculpteurs ou photographes, la monochromie demeure un sujet de réflexion intemporelle. Man ray, en 1929, pousse son rayogramme si loin qu&rsquo;il en devient un monochrome noir qu&rsquo;il dédicace à son ami poète Louis Aragon.</p> <p style="text-align: justify;">Le fond et la forme ne font qu'un. Libre à celui qui regarde de laisser voyager son imagination.</p> Thu, 11 Sep 2014 18:41:26 +0000 Jean-Pierre Poisson - galerie MOUVANCES - September 22nd - October 5th Wed, 10 Sep 2014 14:20:25 +0000 FENX - Galerie MathGoth - September 12th - October 4th <p style="text-align: justify;">Au travers de 4 s&eacute;ries d&rsquo;&oelig;uvres sur toile, papier et aluminium, l&rsquo;artiste travaille sur la m&eacute;moire et le souvenir qui s&rsquo;estompe au fil du temps.</p> <p style="text-align: justify;"><em>&laquo; Ne sois pas triste que ces vacances se terminent sinon comment veux-tu que l&rsquo;on profite des prochaines ? &raquo;</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Ces paroles prononc&eacute;es par mon p&egrave;re depuis mon plus jeune &acirc;ge, je n&rsquo;en ai saisi la sagesse et la grandeur spirituelle que bien plus tard dans ma vie d&rsquo;adulte. Un peu moins d&rsquo;une vingtaine de mots pour exprimer l&rsquo;all&eacute;gorie de la vie : naissance, mort, renaissance. Quoi de mieux que les vacances pour exprimer cette trinit&eacute; ?</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>&laquo; Memories fade &raquo; : Les amours de vacances, rien de plus po&eacute;tique que ces promesses qui ne verront jamais le jour, r&ecirc;v&eacute;es si fort. D&eacute;j&agrave; dans le train du retour, l&rsquo;image de l&rsquo;idylle s&rsquo;estompe. D&egrave;s la rentr&eacute;e bien moins pr&eacute;cise, elle aura quasiment disparu &agrave; l&rsquo;approche des prochaines vacances, propices &agrave; la red&eacute;couverte amoureuse.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>&laquo; Finis terre &raquo; : &Agrave; peine le jour lev&eacute; il prend forme. Sa silhouette se dessine, se transforme au gr&eacute; des variations de lumi&egrave;re. Tant&ocirc;t effil&eacute;, tant&ocirc;t myst&eacute;rieux, il finira par s&rsquo;&eacute;vanouir &agrave; la nuit tomb&eacute;e, attendant patiemment les premiers rayons du jour pour s&rsquo;&eacute;veiller.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>&laquo; Belle horizonto &raquo; : Le corps offert a la douceur des rayons du soleil. La peau alors habitu&eacute;e &agrave; sa blancheur hivernale, rev&ecirc;t peu &agrave; peu sa pigmentation estivale pour atteindre son z&eacute;nith au trente-et-uni&egrave;me, et dernier jour des vacances. Puis le quotidien reviendra voler la couleur cuivr&eacute;e, attendant de nouveau onze mois pour &ecirc;tre bouscul&eacute;.</em></p> <p><em>Fenx.</em></p> Wed, 10 Sep 2014 14:18:13 +0000 Aurelien Froment - Galerie Marcelle Alix - September 19th - November 8th <p style="text-align: justify;">As I was typing the words "Giordano Bruno" in the Google search engine in order to reminisce about the reasons why this famous Italian monk was convicted at the hands of the Inquisition, I was bewildered as a long list of websites appeared, inciting me to buy a 'GoPro', a popular camera that you can fasten just about anywhere to film your most unexpected sporting achievements in subjective mode. No relationship whatsoever is to be found, of course, between the 16th-century Dominican whose statue adorns the Campo de' Fiori in Rome and this contemporary narcissistic tool, if but a few letters that my tired fingers might have mixed up. And then again, maybe there is? Maybe this convoluted relationship can serve as an illustration of what I was looking to express regarding Aur&eacute;lien Froment&rsquo;s work.</p> <p style="text-align: justify;">The title of Aur&eacute;lien Froment&rsquo;s exhibition&nbsp;<em>On the Shadows of Ideas</em>&nbsp;is born of Giordano Bruno: "As ideas are the principal forms of things, according to which all is formed, so we should form in us the shadows of ideas", words uttered in the film shown at the gallery,&nbsp;<em>Camillo&rsquo;s Idea</em>. The analogy with Plato&rsquo;s thought, using the link between the ideas and shadows in the cave in which we reside, inscribes Bruno&rsquo;s sentence in the humanist tradition, a characteristic Renaissance feature. It would be easy to read in Froment&rsquo;s work an apology of this very particular moment in Western history, when artists were scientists and scientists artists, when the study of a beautiful form was also the study of a rational one.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">But when we skim over the images taken by the artist in Arcosanti, both city project and urban laboratory, built by Paolo Soleri in the Arizona desert of the 70s--still unfinished--we do not see what we expect to, that is to say the curtsey of a contemporary artist to a master of utopic architecture. We rather find ourselves face to face with everyday images of the residents that chose Arcosanti as a place to live. These images are not easily readable: they bypass nostalgia, apology, reverence and discourse. On the contrary, they proceed from a certain opacity that makes Froment&rsquo;s work stand out.<br /><br />In Giordano Bruno's words, it is the shadow that catches our attention. The shadows of ideas can of course represent their manifestations in Plato&rsquo;s cave, those that men mistake for the truth. He nevertheless expresses in this sentence a certain affection for these shadows: they are not to be left aside, following Plato's wish, to favour the light, the truth. They are at the basis of a thought system, the one which Giulio Camillo sketches in his theatre of memory, to access unlimited knowledge. To the contemporary reader, it inevitably calls to mind that which Junichiro Tanizaki praises, a shadow about which we can care, a shadow that could be the sign of a reversal of modern Western values. The humanist project, whether seen through Camillo or Bruno, is not merely a project of light. Arcosanti is not the apology of a luminous modernism in the middle of the desert. It is about birthing shadows there, modelling the earth to make the characteristic bells, sold to finance in part the construction of the project.<br /><br />The work of shadow and light, the one of the photographer and of the projectionist--two roles Froment works at in turn--is at the heart of the exhibition. The nature of these techniques that aim to find the perfect contrast, seems doubled by the images of the series made in Arcosanti, and by the character's speech in&nbsp;<em>Camillo&rsquo;s Idea</em>, whose precision does not yet enable us to attain a clear mental image of what could nearly be the theatre of memory evoked. There is not really, in Froment&rsquo;s body of work, a medium and a subject, such as when we distinguish the figure from the ground in painting. It is a practice that escapes this binary yoke, and thus refuses the clarity Western modernity treasures as a value. The form and subject of his work--unique and bizarre--constantly evolve and never cease to question the nature of language (spoken language, but also cinematographic language, and the language of images) and the way language enables us to represent the world. Froment's images do not 'show' a lot, and 'demonstrate' even less.&nbsp; They take notice of the ambiguity of the world, of our desperate but poetic attempts to comprehend it fully and pick out, metaphorically, through the photographic image, the shadow in the picture: the difficulties Giulio Camillo has to express himself orally, the impossibility of following the explanation of a mnemonic method, the desire of humans to reach infinity and their congenital impotence.<br /><br />Far from the use of a 'GoPro', a door to a more than transparent sharing of our experiences, Aur&eacute;lien Froment&rsquo;s work grows this beautiful shadow, the shadow that the earth casts on the moon in the solar system Giordano Bruno defended until his death, the shadow that makes those able to nurture it the most complicated and charismatic beings of all.<br /><br />IA</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Aur&eacute;lien Froment</strong>&nbsp;was born in France in 1976, and has been living in Dublin, Ireland, since 2008. Many institutions have organised solo presentations of his work, including: The Wattis Institute (San Francisco), Le&nbsp; Cr&eacute;dac (Ivry-sur-Seine, France), Mus&eacute;e de Rochechouart (France), Gasworks (London), Montehermoso (Vitoria, Spanish Basque country), Bonniers Konsthalle (Stockholm), Palais de Tokyo (Paris), FRAC Champagne-Ardenne (Reims, France). He participated in the Sydney Biennial (2014), the Venice Biennial (2013), the Lyon Biennial (2011) and the Gwangju Biennial (2010). In 2014, his exhibition&nbsp;<em>Fr&ouml;bel Fr&ouml;beled</em>, which was first presented at the Contemporary Art Gallery in Vancouver, toured to Villa Arson (Nice, France) and Spike Island (Bristol, UK).</p> Sun, 14 Sep 2014 14:07:48 +0000 Jean Dupuy - Galerie Loevenbruck - September 19th - October 18th Wed, 10 Sep 2014 14:06:52 +0000 Pietropoli - GALERIE FELLI - September 6th - September 26th <p style="text-align: justify;">Patrick Pietropoli est n&eacute; en 1953 &agrave; Paris . Il vit et travaille actuellement &agrave; new-York. A partir des ann&eacute;es 1980, il se consacre exclusivement&nbsp; &agrave; la peinture et &agrave; la sculpture.</p> <p style="text-align: justify;">Ses principales expositions personnelles ont &eacute;t&eacute; organis&eacute;es par la Galerie 31 Lille (Paris 1983, 1984, 1988, ), la galerie Jean-Marie Felli (Paris 1994), Les galeries Catherine Gu&eacute;rard, Galerie Anne Robin, Galerie Gu&eacute;n&eacute;gaud (Paris 1995, 1996, 1997) La galerie de l&rsquo;Europe et la Galerie Claudine Legrand (Paris 1997, 1999, 2000, 2001, 2002, 2003, 2005, 2006). A partir de 2003 il commence &agrave; exposer aux Etats-Unis &agrave; la Galerie Soho, (new York 2003, 2005, 2007), il part vivre &agrave; New York en 2008, expose ensuite &agrave; San-Fransisco et New-york 2008 et &agrave; Boston en 2009.&nbsp; Pietropoli a aussi r&eacute;alis&eacute; une paire d&rsquo;ob&eacute;lisques en bronze, une oeuvre monumentale en terre et en acier pour la mutualit&eacute; du Pas-de-Calais, et une exposition de portraits historiques au Mus&eacute;e de Cr&eacute;ma en Italie. De nombreux&nbsp; catalogues ont &eacute;t&eacute; &eacute;dit&eacute;s &agrave; l&rsquo;occasion de ses expositions.</p> Wed, 10 Sep 2014 14:00:57 +0000 Yo-Xarek Wolter, Louise Marion, Jsna c., Elvio Ricca, Birthe Bo Sakurai, Gilles Chambon, Sema Culam, Ole Grøn - Galerie Art et Miss - September 3rd - September 21st <p>Chaque artiste nous proposera son univers auquel on pourrait associer cette phrase de Frida Kahlo :</p> <p><strong><em>&laquo; Ils pensaient que j'&eacute;tais une surr&eacute;aliste, mais je ne l'&eacute;tais pas. Je<br />n'ai jamais peint de r&ecirc;ves, j'ai peint ma r&eacute;alit&eacute;. &raquo;</em></strong></p> <p class="Style24">&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> Wed, 10 Sep 2014 13:50:39 +0000 Alfredo Aceto, Jack Greer, Benjamin Horns - Bugada & Cargnel - September 11th - October 11th <p style="text-align: justify;">'The Arcades Project' is an ensemble of unfinished essays, fragments and collected quotations, written by German philosopher Walter BENJAMIN from 1927 to 1940 posthumously published. In this collection, the author evokes the Parisian passages, home to myriad boutiques. During his wanderings through these arcades, Walter BENJAMIN matured his influential concept of the historian as 'rag collector' who accrues small elements that relate to the past, bringing them together in a common narration. According to Walter BENJAMIN, the historian's task is less about the uncovering of absolute truths than the assembly of ruins of past times in the creation of a colorful and engaging mosaic.<br /><br />The artists gathered for this exhibition work in the same spirit as the Benjaminian historian: with a gesture comprising both collection and montage. They use materials taken from their everyday surroundings; they gather anecdotes, citations, real and imagined histories. Following this initial harvesting, they assemble fragments into abstract paintings and sculptural objects, breathing new life into both materials and media loaded in art history. In this way, their works acknowledge Walter BENJAMIN's belief that 'the world is present in every one of its objects'.</p> <p style="text-align: justify;">_____________________________________________</p> <p style="text-align: justify;"><em>The Arcades Project</em>&nbsp;est un recueil de notes et de textes inachev&eacute;s du philosophe allemand Walter BENJAMIN, r&eacute;dig&eacute;s entre 1927 et 1940 et publi&eacute;s &agrave; titre posthume, l'auteur y &eacute;voque les passages couverts parisiens et leurs enfilades de boutiques. C'est en fl&acirc;nant dans ces passages que Walter BENJAMIN a m&ucirc;ri un de ses concepts les plus c&eacute;l&egrave;bres, incarn&eacute; par la figure du "chiffonnier", dont il compare l'activit&eacute; &agrave; celle de l'historien, qui glane des fragments du pass&eacute; et &eacute;labore un r&eacute;cit commun &agrave; partir de ceux-ci. Selon Walter BENJAMIN, la t&acirc;che de l'historien est moins la d&eacute;couverte de v&eacute;rit&eacute;s absolues que l'assemblage de ruines afin de cr&eacute;er une mosa&iuml;que vivante.</p> <p style="text-align: justify;">La figure du chiffonnier est le trait d'union entre les artistes de cette exposition, dont les pratiques artistiques proc&egrave;dent &eacute;galement de ce double geste de collection et de montage. Comme le chiffonnier, ils se servent de mat&eacute;riaux du quotidien, s'approprient des anecdotes et des histoires r&eacute;elles aussi bien qu'imaginaires. Les divers fragments issus de la r&eacute;colte initiale sont transform&eacute;s en peintures abstraites ou en objets sculpturaux, donnant une nouvelle vie aux formes et aux id&eacute;es. Ces &oelig;uvres sont l'incarnation de l'id&eacute;e ch&egrave;re &agrave; Walter BENJAMIN selon laquelle "le monde est pr&eacute;sent dans chacun de ses objets".</p> Mon, 15 Sep 2014 13:13:31 +0000 Mark Lewis - Musée du Louvre - October 9th - January 5th, 2015 <p style="text-align: justify;">Depuis ses d&eacute;buts dans les ann&eacute;es 1990�, l&rsquo;oeuvre de Mark Lewis semble traverser &agrave; rebours l&rsquo;histoire des images. Peinture, photographie et cin&eacute;ma entretiennent dans ses �films une conversation silencieuse.</p> <p style="text-align: justify;">Se r&eacute;f&eacute;rant aux fr&egrave;res Lumi&egrave;re, l&rsquo;artiste canadien place l&rsquo;exploration optique au centre de l&rsquo;exp&eacute;rience artistique. Un nouvel espace temporel s&rsquo;invente, o&ugrave; se croisent les chemins du regard et ceux de la m&eacute;moire, les temps m&ecirc;l&eacute;s de l&rsquo;image en mouvement et les dur&eacute;es internes de la perception.</p> <p style="text-align: justify;">Sous le titre d&rsquo;<em>Invention au Louvre</em>, Mark Lewis a con&ccedil;u trois nouveaux films &agrave; partir des collections du mus&eacute;e. En observant&nbsp;<em>Le Bienheureux Ranieri d&eacute;livre les pauvres d&rsquo;une prison de Florence</em>, de Giovanni Sassetta,&nbsp;<em>L&rsquo;Enfant au toton</em>, de Chardin, ou encore la galerie de la&nbsp;<em>V&eacute;nus de Milo</em>, l&rsquo;artiste r&eacute;active une tradition ancienne de la litt&eacute;rature artistique : celle du mouvement imagin&eacute;. Diderot, dans sa critique du&nbsp;<em>Salon de 1763����</em>, invitait le spectateur &agrave; &eacute;voluer de plain-pied dans la peinture par le&nbsp; truchement d&rsquo;une lunette ; Goethe, face au groupe sculpt&eacute; du&nbsp;<em>Laocoon</em>&nbsp;au Vatican, pr&eacute;conisait de cligner des yeux pour en &laquo; animer &raquo; optiquement les � figures ; dans son po&egrave;me&nbsp;<em>Le Peintre</em>, Girodet s&rsquo;identi�fiait au mythe de Pygmalion, aspirant &agrave; insuff�ler la vie aux images. Le �film, sugg&egrave;re Mark Lewis, s&rsquo;est invent&eacute; avant la technique du&nbsp; cin&eacute;ma, dans l&rsquo;oeil du spectateur.</p> Wed, 10 Sep 2014 13:18:00 +0000 Pippo Delbono - La Maison Rouge - September 5th - September 21st <p style="text-align: justify;">Pippo Delbono, homme de th&eacute;&acirc;tre et de cin&eacute;ma, investit pour la premi&egrave;re fois un lieu d&rsquo;art contemporain parisien et propose une nouvelle forme : une exposition-performance qui m&ecirc;le son, vid&eacute;o et exp&eacute;rience du visiteur.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;Ma m&egrave;re et les autres &raquo; c&rsquo;est tout ce qui se passe&nbsp;dans le ventre, ce sont toutes&nbsp; les blessures, les marques sur la peau, tous les cris, toutes les caresses, les derniers mouvements du corps et puis la pr&eacute;sence dans toute chose.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;Ma m&egrave;re et les autres &raquo; &rsquo;est la voix.<br />&laquo;Ma m&egrave;re et les autres &raquo; ce sont les loups, ce sont les rencontres qui transpercent, qui sauvent.<br />&laquo;Ma m&egrave;re et les autres &raquo; c&rsquo;est le Minotaure et son labyrinthe, Saint S&eacute;bastien et ses fl&egrave;ches.<br />&laquo;Ma m&egrave;re et les autres &raquo; c&rsquo;est la vie qui se retire parfois. Et restent les traces.</p> <p style="text-align: justify;">Chaque nouvel espace le plongera dans un souvenir ou une r&eacute;miniscence : l&rsquo;h&ocirc;pital psychiatrique, l&rsquo;enfermement, les derni&egrave;res paroles de sa m&egrave;re, le fauteuil de ses insomnies, la rencontre avec Bobo, les multiples visages de Bobo, la libert&eacute;, la joie.</p> <p style="text-align: justify;">Pippo Delbono d&eacute;tourne ici les supports habituels de l&rsquo;art contemporain (installation, vid&eacute;o&hellip;) pour les immerger dans l&rsquo;art des sens. Loin des concepts, il s&rsquo;agit ici de perdre ses rep&egrave;res, de se perdre pour exacerber son acuit&eacute;, son attention au monde.</p> <p style="text-align: justify;">Qu&rsquo;il connaisse le parcours de Pippo Delbono ou qu&rsquo;il soit vierge de tout a priori, le visiteur est ici invit&eacute; &agrave; se laisser emporter par la force de la proposition de l&rsquo;artiste.</p> <p style="text-align: justify;">La voix, les mots, le mouvement, la lumi&egrave;re, la musique, les images&hellip; Pippo Delbono les manipule au th&eacute;&acirc;tre comme au cin&eacute;ma. Avec ces outils familiers, il a souhait&eacute; modeler une forme nouvelle.</p> <p style="text-align: justify;">Une forme perm&eacute;able. Il ne s&rsquo;agit plus de regarder un monde, mais d&rsquo;y p&eacute;n&eacute;trer.</p> <p style="text-align: justify;">Telle une errance dans les trav&eacute;es de Pippo Delbono. Un labyrinthe dans lequel le Minotaure aurait diss&eacute;min&eacute; des fragments de lui. Un Minotaure qui nous tendrait son propre fil pour nous mener &agrave; lui. Un Minotaure aux allures de Saint S&eacute;bastien dont chaque fl&egrave;che baliserait son existence,&nbsp;dont chaque stigmate serait le fruit de ses drames, de ses rencontres, de sa violence, de sa tendresse, de tout ce qui aurait marqu&eacute; sa peau.</p> <p style="text-align: justify;">Pippo Delbono a construit cette exposition autour d&rsquo;une dramaturgie aussi occulte que limpide. Le visiteur est ainsi contraint &agrave; suivre des temps et des rythmes pr&eacute;cis.</p> <p style="text-align: justify;">Accompagn&eacute; d&rsquo;une guide muette et guid&eacute; par la voix de Pippo Delbono il traversera un r&eacute;fectoire, une chambre noire, un vestibule, un d&eacute;dale blanc. Comme les pi&egrave;ces d&rsquo;un puzzle, comme les amers d&rsquo;une vie.</p> <p style="text-align: justify;">bIographie Pippo Delbono, acteur, metteur en sc&egrave;ne, est n&eacute; &agrave; Varazze en 1959. Apr&egrave;s avoir commenc&eacute; sa formation dans le th&eacute;&acirc;tre de tradition, il se consacre pendant plusieurs ann&eacute;es &agrave; l&rsquo;&eacute;tude de la relation entre th&eacute;&acirc;tre et danse, en particulier dans les principes du th&eacute;&acirc;tre de l&rsquo;Orient o&ugrave; le travail de l&rsquo;acteur et du danseur s&rsquo;unissent. &Agrave; la fin des ann&eacute;es 1980 il fonde sa compagnie avec laquelle il cr&eacute;e depuis tous ses spectacles.&nbsp;En 1996, sa rencontre avec Bob&ograve;, sourd, muet, microc&eacute;phale, intern&eacute; dans un h&ocirc;pital psychiatrique depuis 45 ans, marque un tournant dans son travail. Avec Bob&ograve;, commence une collaboration artistique qui le conduira &agrave; ouvrir sa compagnie &agrave; des personnes en provenance d&rsquo;un monde &eacute;loign&eacute; du th&eacute;&acirc;tre et de la danse. Naissent ainsi les premiers moments d&rsquo;un langage th&eacute;&acirc;tral qui conditionnera fortement une technique rigoureuse, menant l&rsquo;exp&eacute;rience vers la recherche d&rsquo;une danse moins virtuose mais profond&eacute;ment li&eacute;e &agrave; la vie.&nbsp;Depuis 1999, il publie r&eacute;guli&egrave;rement des textes et entretiens en lien avec son travail th&eacute;&acirc;tral.&nbsp;Depuis 2003, il m&egrave;ne &eacute;galement une recherche cin&eacute;matographique en tant que r&eacute;alisateur. Il a par ailleurs cr&eacute;&eacute; plusieurs mises en sc&egrave;ne pour l&rsquo;op&eacute;ra et collabore fr&eacute;quemment avec des musiciens.&nbsp;En tant qu&rsquo;acteur au cin&eacute;ma, il a particip&eacute; &agrave; de nombreux films ces derni&egrave;res ann&eacute;es. Ces diff&eacute;rentes voies tendent de plus en plus &agrave; se m&ecirc;ler pour ne faire qu&rsquo;une.</p> <p style="text-align: justify;">&Eacute;quipe artistique et technique</p> <p style="text-align: justify;">Auteur et co-concepteur : Pippo Delbono Sc&eacute;nographe et co-concepteur : Richard Laillier Assistant : Pepe Robledo Montage video : Vladimir Vatsev Directeur technique : Philippe Dupont Ing&eacute;nieur du son : Mika Benet Com&eacute;dienne : Elsa Briongos-Renaud Coordination : Antoine Bataille</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> Wed, 10 Sep 2014 13:09:22 +0000