ArtSlant - Recently added en-us 40 Daniel Dezeuze - Galerie Daniel Templon - September 6th - October 25th <div style="text-align: justify;">Daniel Dezeuze&rsquo;s latest exhibition at Galerie Templon,&nbsp;<strong><em>Battements, chemins</em></strong>, explores new aesthetic paths inspired by&nbsp;<strong>Chinese philosophy</strong>.&nbsp;The&nbsp;<em>battements</em>&nbsp;(beats) evoke the beating of the heart, with its alternating diastole&nbsp;and systole&nbsp;cycle, and the entire exhibition is imbued with a Ying-Yang duality.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">A founding member of the&nbsp;<strong>Supports/Surfaces</strong>&nbsp;group in the 1970s, Daniel Dezeuze has spent forty years exploring and questioning the concepts that underpin painting, galleries and space.&nbsp;The artist appropriates a wide variety of techniques, offering a reinterpretation of American art, both abstract and minimalist, while constantly experimenting with what are seen as basic materials: net, metal gauze, wood, fabric and metal.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">This new work positions Daniel Dezeuze as the creator of a new universe. Here, he is presenting us with its preliminary matrix: the&nbsp;<strong>Tao</strong>, the underlying force that runs through all things, both living and inert.&nbsp;"The Tao-taillis evoke density, interweaving, turbulence. The Icons, on the other hand, suggest a geometric vision. My aim is not to demonstrate a method but to open up new paths."</div> <div>&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">In his&nbsp;<strong><em>Tsimtsoum</em></strong>&nbsp;series, featuring pieces in intertwined wood that shift between expansion and retraction, the artist refers to the teachings of Kabbalah and the process preceding the creation of the world according to Jewish tradition:&nbsp;God withdrew to allow the existence of a reality outside himself and to create the world. The&nbsp;<strong><em>Ailes de papillons</em>&nbsp;</strong>series, on the other hand, moves between colour saturation and delicately applied tones to conjure up the life contained in the fluttering of a butterfly&rsquo;s wings.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Forms, choice of materials, order and disorder are all keys for unlocking the mysteries of these&nbsp;<strong>visual allegories</strong>, patterned with light and space.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Daniel Dezeuze has recently exhibited his work at the MAMAC in Nice (2012), the Centrale Electrique in Brussels (2009), Mus&eacute;e Fabre in Montpellier (2009), Su&ntilde;ol Foundation in Barcelona (2008), Mus&eacute;e Paul Val&eacute;ry in S&egrave;te (2008), Les Abattoirs in Toulouse (2007), marking the inauguration of the Toulouse metro station he designed, Casa de Francia in Mexico (2007) and Force de l&rsquo;art in Paris (2006).</div> Mon, 18 Aug 2014 13:18:28 +0000 Catherine Lee - Galerie Karsten Greve - September 6th - November 1st <p style="text-align: justify;"><strong><em>Cocktail Samedi 18 Octobre en pr&eacute;sence de l&rsquo;artiste<br /></em></strong><em>Cocktail on Saturday October 18th in presence of the artist</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>&nbsp;</em></p> <p style="text-align: justify;">La&nbsp;Galerie&nbsp;Karsten&nbsp;Greve&nbsp;est&nbsp;heureuse&nbsp;de&nbsp;pr&eacute;senter&nbsp;l&rsquo;exposition&nbsp;<em>RIFT&nbsp;</em>d&eacute;di&eacute;e &agrave;&nbsp;l&rsquo;artiste Catherine&nbsp;Lee.&nbsp;N&eacute;e&nbsp;en&nbsp;1950&nbsp;&agrave;&nbsp;Pampa&nbsp;au&nbsp;Texas, le&nbsp;travail&nbsp;&agrave; la&nbsp;renomm&eacute;e internationale&nbsp;de&nbsp;Catherine&nbsp;Lee&nbsp;refl&egrave;te&nbsp;sa&nbsp;fascination&nbsp;pour&nbsp;l&rsquo;abstraction.&nbsp;L&rsquo;artisteaborde&nbsp;ce sujet&nbsp;&nbsp;&agrave;&nbsp;&nbsp;travers&nbsp;&nbsp;des&nbsp;&nbsp;diff&eacute;rents supports&nbsp;:&nbsp;des sculptures&nbsp;monumentales&nbsp;en&nbsp;bronze, desc&eacute;ramiques&nbsp;raku,&nbsp;des&nbsp;huiles&nbsp;sur&nbsp;bois,&nbsp;sur&nbsp;toile&nbsp;ou&nbsp;sur&nbsp;pl&acirc;tre. C&rsquo;est&nbsp;aux peintures que l&rsquo;exposition&nbsp;<em>RIFT&nbsp;</em>se&nbsp;consacre&nbsp;:&nbsp;les&oelig;uvres&nbsp;expos&eacute;es&nbsp;ont&nbsp;&eacute;t&eacute;&nbsp;r&eacute;alis&eacute;es&nbsp;sur&nbsp;une&nbsp;longue&nbsp;p&eacute;riode,&nbsp;ce qui&nbsp;t&eacute;moigne non&nbsp;seulement&nbsp;de&nbsp;l&rsquo;engagement&nbsp;constant&nbsp;de&nbsp;l&rsquo;artistevis-&agrave;-vis&nbsp;de la&nbsp;composition&nbsp;minimaliste, mais&nbsp;&eacute;galement&nbsp;de&nbsp;son&nbsp;rapport&nbsp;intime&nbsp;avec&nbsp;la&nbsp;notion&nbsp;de&nbsp;temps&nbsp;et&nbsp;de r&eacute;p&eacute;tition.&nbsp;Il&nbsp;estint&eacute;ressant&nbsp;de&nbsp;voir&nbsp;comme&nbsp;les&nbsp;proc&eacute;d&eacute;s&nbsp;restent&nbsp;les&nbsp;m&ecirc;mes&nbsp;pendant&nbsp;toute&nbsp;la p&eacute;riode&nbsp;de&nbsp;production&nbsp;:&nbsp;&agrave;&nbsp;ce&nbsp;propos,&nbsp;l&rsquo;artisteaffirme&nbsp;que&nbsp;<em>mon&nbsp;travail&nbsp;est&nbsp;toujours&nbsp;s&eacute;riel, toujours r&eacute;p&eacute;titif&nbsp;;&nbsp;c&rsquo;est&nbsp;comme&nbsp;une&nbsp;marque&nbsp;du temps,&nbsp;comme&nbsp;un souvenir&nbsp;d&rsquo;&ecirc;tre au&nbsp;monde</em>.</p> <p style="text-align: justify;">Les peintures les plus r&eacute;centes, qui font partie de la s&eacute;rie Quanta, sont expos&eacute;es ensemble avec les travaux r&eacute;alis&eacute;s &agrave; partir des ann&eacute;es 1970. Ce corpus d&rsquo;&oelig;uvres d&eacute;voile l&rsquo;un des aspects principaux du travail de Catherine Lee : celui de la r&eacute;p&eacute;tition dynamique. Le point de d&eacute;part pour ses peintures est la grille, qu&rsquo;elle con&ccedil;oit comme le moyen le plus simple d&rsquo;orientation &ndash; tout comme la grille utilis&eacute;e en cartographie pour les donn&eacute;es g&eacute;ographiques &ndash; et qu&rsquo;elle emploie pour structurer le plan de la peinture. Pour l&rsquo;artiste c&rsquo;est le moyen le plus &eacute;vident pour faire de l&rsquo;ordre au milieu du vide.</p> <p style="text-align: justify;">Les cellules individuelles sont remplies de couleurs &agrave; l&rsquo;aide de multiples proc&eacute;d&eacute;s. L&rsquo;application coh&eacute;rente des couches de couleur &eacute;voque le rythme r&eacute;gulier et automatique de la respiration : le coup de pinceau devient ainsi un geste quasiment existentiel. Comme le temps est divis&eacute; en unit&eacute;s qui s&rsquo;additionnent pour faire des heures, des jours et des mois, chaque carr&eacute; est similaire, mais diff&eacute;rent. L&rsquo;artiste &eacute;vite consciemment d&rsquo;inclure des traces autobiographiques dans ses peintures, de tant plus que la perception de son travail se fait de mani&egrave;re lin&eacute;aire et narrative. Le concept d&rsquo;abstraction est central dans le processus cr&eacute;atif de Catherine Lee et fait appel &agrave; ses impressions sur le paysage de son enfance : L&agrave; o&ugrave; j&rsquo;ai grandi le panorama &eacute;tait inexistant, c&rsquo;&eacute;tait plat, et il n&rsquo;y avait rien pour arr&ecirc;ter le vent de souffler &agrave; travers le paysage vide.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">La plupart des titres font r&eacute;f&eacute;rence aux couleurs utilis&eacute;es, par exemple Mark. Yellow, ou aux lignes de po&egrave;mes &eacute;crits par l&rsquo;artiste (notamment Immediate the Resonance of No). Chaque peinture se compose d&rsquo;une &agrave; quatre couleurs, bien que Catherine Lee pr&eacute;f&egrave;re se limiter &agrave; deux tons d&eacute;gageant un dynamisme et un rythme plus vivant. Le dessin de la grille est toujours totalement rempli d&rsquo;une couleur m&eacute;lang&eacute;e qui couvre la surface totale du support. Une autre couleur m&eacute;lang&eacute;e est pos&eacute;e dessus, fa&ccedil;onnant la teinte sous-jacente, comme un accord en deux parties. L&rsquo;acte de peindre est un processus que Catherine Lee voit comme une forme de m&eacute;ditation parmi d&rsquo;autres choses. Son travail demande une tr&egrave;s grande concentration : la moindre distraction peut faire s&rsquo;&eacute;chapper le pinceau, conduisant &agrave; la perte de la peinture.&nbsp;<br /><br />Un autre medium important pour Catherine Lee est la sculpture. Bien que l&rsquo;exposition se compose principalement de peintures, elle pr&eacute;sente &eacute;galement une s&eacute;lection de travaux en c&eacute;ramique : ces &oelig;uvres sont r&eacute;alis&eacute;es en suivant la technique de la cuisson Raku. Silverbacks et Rift sont aussi&nbsp;<br /><br />caract&eacute;ris&eacute;s par la r&eacute;p&eacute;tition, mais incarnent une qualit&eacute; diff&eacute;rente d&eacute;termin&eacute;e par la r&eacute;alit&eacute; corporelle des &eacute;l&eacute;ments sculpturaux. Comme dans les peintures, le principe cr&eacute;atif des c&eacute;ramiques est la s&eacute;quence d&rsquo;unit&eacute;s formelles reli&eacute;es entre elles.&nbsp;</p> <p style="text-align: left;">__________________________________________</p> <p style="text-align: justify;">Galerie Karsten Greve is pleased to present the exhibition&nbsp;<em>RIFT</em>&nbsp;dedicated to the American artist Catherine Lee. Born in 1950 in Pampa, Texas, the internationally renowned work of Catherine Lee reflects her fascination with abstraction. The artist addresses this issue through different media: monumental bronze sculptures, raku ceramics, oil on wood, canvas or plaster. It is to her paintings that the&nbsp;<em>RIFT</em>&nbsp;exhibition is devoted. The exhibited works were carried out over a long period, which reflects not only the continued commitment of the artist vis-&agrave;-vis minimalist composition, but also her intimate relationship with the concept of time and repetition. It is interesting to see how the methods remain the same throughout the period of production: in this respect, the artist says&nbsp;<em>my work is always serial, always repetitive; it's like a mark of time, like a memory of being in the world</em>.</p> <p style="text-align: justify;">The most recent paintings, which are part of the&nbsp;<em>Quanta</em>&nbsp;series, are displayed together with the work carried out from 1970. This body of work reveals one of the main aspects of Catherine Lee's creation, which is dynamic repetition. The starting point for her paintings is a grid, which she conceives as the easiest means of orientation - just like the grids used in cartography for geographic data - which she uses to structure the paint scheme. For the artist, it is&nbsp;<em>the most effective way of creating order in the middle of the void</em>.</p> <p style="text-align: justify;">Catherine Lee lives and works in New York and Texas. Her work is present in the most important public collections including the Museum of Art in San Francisco, the Museum of Fine Arts Houston, MoMA in New York, the Museum of Modern Art in Copenhagen and the Tate Gallery in London. Exhibitions in Lenbachhaus in Munich (1992), the Irish Museum of Modern Art, Dublin (2005), the Mus&eacute;e d'Art Moderne in Saint Etienne (2006) and the Hotel des Arts de Toulon (2006) drew the attention of a wider audience. Catherine Lee was also a professor at the University of Texas at San Antonio and at Columbia University in New York.</p> <p><span style="color: #333333; font-family: HelveticaNeue, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 13px; letter-spacing: 1.2000000476837158px; line-height: 20px;">&nbsp;</span></p> Mon, 18 Aug 2014 13:10:57 +0000 Anthony Caro - Galerie Daniel Templon - September 6th - October 25th <div style="text-align: justify;">Galerie Daniel Templon is proud to announce an exhibition of recent works by Sir Anthony Caro. The show pays homage to the<strong>master of modern sculpture,&nbsp;</strong>who died a year ago.</div> <div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Born in 1924 and knighted by the Queen of England in 1987, Anthony Caro is considered to be one of the greatest sculptors of the last fifty years. A former student of Henry Moore, Anthony Caro constantly re-invented the language of modern sculpture, experimenting with a wide range of different materials. Over the years, his work evolved from the radically abstract line of the sixties to an avant-garde exploration of space, always with a deep-seated artistic freedom.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;"><em>Last Works</em>, a selection of&nbsp;<strong>sculptures from his final two years</strong>&nbsp;comprising steel pipes, beams, discs and farm tools, reveal new facets of Anthony Caro&rsquo;s work. Evolving from his exploration of how people view works in public spaces, the Park Avenue series suggests the movement, speed and horizontality so characteristic of the thoroughfares of New York. The captivating forms of a work such as&nbsp;<em>Horizon</em>&nbsp;condense in a few structured lines the&nbsp;<strong>astonishing creativity and boundless energy</strong>&nbsp;of an artist who never ceased exploring the language of abstraction.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Sir Anthony Caro&rsquo;s art has recently been celebrated with major shows at the Tate Britain (2005), Metropolitan Museum of Art in New York (2011), Chatsworth House and Yorkshire Sculpture Park in the UK (2012), and Venice&rsquo;s Museo Correr (2013). The artist is currently the subject of a major retrospective at the W&uuml;rth Ersteinn museum in France, which runs until January 2015. Sir Anthony Caro&rsquo;s work also features in the world&rsquo;s leading public art collections, including the Centre Pompidou in Paris, New York Museum of Modern Art, London&rsquo;s British Museum, Tokyo&rsquo;s Museum of Contemporary Art and Ludwig Museum in Cologne.</div> </div> Mon, 18 Aug 2014 12:57:52 +0000 Didier Trenet - Galerie Claudine Papillon - September 6th - October 18th <p style="text-align: justify;"><em>LA HAINE DU DEFINITIF<br /><br />C&rsquo;est un vague sentiment, mais tenace. La nostalgie du Non Finito ? Pas seulement. Une passion de l&rsquo;infini ? Minute, papillon. Il y a cet air moite qui nous accable.&nbsp;<br />L&rsquo;atmosph&egrave;re d&rsquo;un bocal &agrave; poissons rouges promu en &eacute;difice omnipotent :&nbsp;<br />Nous sommes dans l&rsquo;ar&egrave;ne du commentaire.<br />Haine de la parole ? Bien plus. Une atrocit&eacute; d&eacute;lib&eacute;r&eacute;e. Officielle. Haine de la sentence ? Pire. Une drogue ? Un bilan comptable ? Au-del&agrave;.&nbsp;<br />Une foutaise ind&eacute;l&eacute;bile. Insubmersible.<br />La haine de dieu peut-&ecirc;tre ? Tout ensemble ; l&rsquo;&eacute;chafaudage foireux qui se r&ecirc;ve &eacute;chafaud. La voix du sp&eacute;cialiste, en d&eacute;finitive.<br />La haine de l&rsquo;intention pure ? Encore un peu ce serait mon dada.<br /><br />Est-ce un bras qui vient pour brandir le glaive contre le glaive ? Fatalitas. Non, juste un poignet. La danse du poignet &agrave; plume en souvenir du glaive.&nbsp;<br />Imaginons la plaie joyeuse aux grandes l&egrave;vres souriantes un jour de menstrues*, de ces plaies sp&eacute;ciales qui aiment jouer &agrave; cache-cache, c&rsquo;est &ccedil;a. C&rsquo;est ce genre de haine. Haine lascive comme un paysage apr&egrave;s la pluie. Aucune pri&egrave;re, aucun clairon.<br /><br />L&rsquo;&eacute;quipe du Pharmakonkon*** arrive &agrave; la rescousse. Elle sort du fourreau sa dague &agrave; r&eacute;p&eacute;tition : &laquo;sauve toi ath&eacute;e, le ciel t&rsquo;h&acirc;tera &raquo;.<br />Ah, l&rsquo;ath&eacute;isme. &Ccedil;a ne vaut pas le chant des cannibales polyth&eacute;istes.<br />Polyth&eacute;iste moi-m&ecirc;me, d&rsquo;ailleurs. Sans go&ucirc;t pour les nimbes, mais avec un net penchant pour le sfumato dans les nymphes. Tiens, voil&agrave; ma religion.&nbsp;</em><br /><br />Didier Trenet, 2014<br /><br /><em>(*) : Sant&eacute; Paul-Armand ! Sant&eacute; Donatien Alphonse !&nbsp;<br />(***) : Trois fois championne du monde. En Gr&egrave;ce ancienne, la parole c&rsquo;est un Pharmakon (&agrave; la fois le rem&egrave;de et le poison). Par extension, la parole divine, proph&eacute;tique, ou simplement experte rel&egrave;ve du Pharmakonkon.</em><br /><br /><br /><strong>Didier TRENET&nbsp;</strong>&ndash; n&eacute; en 1965, vit et travaille &agrave; Trambly, Bourgogne.&nbsp;<br /><br /><em>Hot water in my girlfriend</em>&nbsp;est sa troisi&egrave;me exposition personnelle &agrave; la galerie Claudine Papillon.&nbsp;<br />Dans ses derniers dessins, lavis, aquarelles et autres collages, l&rsquo;eau est quasiment devenue un personnage. Personnage tant&ocirc;t d&eacute;sirable, tant&ocirc;t inqui&eacute;tant. Les diff&eacute;rents moments o&ugrave; elle s&rsquo;incarne, rassembl&eacute;s dans cette exposition, se rappellent &agrave; la m&eacute;moire du paysage, v&eacute;cu ou imagin&eacute;. Le fil conducteur est scand&eacute; par l&rsquo;apparition r&eacute;currente d&rsquo;une silhouette de cavali&egrave;re, un fantasme de monument &eacute;questre.<br /><br />En 2013, le Ch&acirc;teau de Rambouillet l'a invit&eacute; &agrave; installer plusieurs &oelig;uvres dans les jardins et diff&eacute;rents espaces du Ch&acirc;teau. R&eacute;cemment ses &oelig;uvres ont &eacute;t&eacute; pr&eacute;sent&eacute;es lors des expositions &laquo; Au pied du mur II &raquo;, FRAC Picardie, &laquo; Sans trompette, ni tambour &raquo;, Lieu unique, Nantes, ainsi qu&rsquo;au Mus&eacute;e de l&rsquo;Arsenal, Soissons, et au Mus&eacute;e des Ursulines, M&acirc;con.<br />Dipl&ocirc;m&eacute; de la Villa Arson en 1991, apr&egrave;s des &eacute;tudes &agrave; l'Ecole des Beaux-Arts de M&acirc;con, il a particip&eacute; &agrave; l'exposition &laquo;&nbsp;Migrateurs&nbsp;&raquo; au Mus&eacute;e d'Art Moderne de la Ville de Paris en 1993. Apr&egrave;s avoir &eacute;t&eacute; pensionnaire de la Villa Medicis &agrave; Rome en 1997, il r&eacute;alise une exposition pour le Cabinet d'art graphique du Centre George Pompidou,&nbsp;&laquo;&nbsp;Le jardin de ma m&egrave;re, &eacute;tudes et ruines&nbsp;&raquo;.&nbsp;<br /><br />Les &oelig;uvres de Didier Trenet sont repr&eacute;sent&eacute;es dans diff&eacute;rentes collections publiques, parmi lesquelles le FRAC Ile de France, le FRAC Picardie, le FMAC de la ville de Paris, le FNAC, ainsi que dans la collection du Mus&eacute;e National d&rsquo;Art Moderne, Centre Georges Pompidou.&nbsp;</p> Mon, 18 Aug 2014 12:51:15 +0000 Charles Mayton - Campoli Presti-Paris - September 12th - September 27th Mon, 18 Aug 2014 12:31:46 +0000 Norbert Prangenberg - Galerie Karsten Greve - September 6th - October 11th <p style="text-align: justify;">La Galerie Karsten Greve est heureuse d&rsquo;annoncer l&rsquo;exposition Sculpture consacr&eacute;e &agrave; Norbert Prangenberg. &Agrave; la fois peintre, graveur, sculpteur et designer de verre, Prangenberg a &eacute;t&eacute; une figure majeure de l&rsquo;art contemporain allemand : fils de la deuxi&egrave;me moiti&eacute; du XXe si&egrave;cle, son travail t&eacute;moigne des exp&eacute;rimentations formelles des avant-gardes d&rsquo;apr&egrave;s-guerre o&ugrave; la mati&egrave;re et son rapport &agrave; l&rsquo;espace se fait l&rsquo;une des pr&eacute;occupations principales de l&rsquo;&eacute;volution artistique. Pendant que l&rsquo;homme atterrit sur la Lune et que les concepts se font de plus en plus spatiaux, Prangenberg se d&eacute;die au modelage de l&rsquo;argile, depuis toujours la terre la plus fertile pour les artistes, donnant vie &agrave; un corpus d&rsquo;&oelig;uvres faisant hommage &agrave; la concr&eacute;tude et la solidit&eacute; de la sculpture, dont la pr&eacute;sence physique se fait parfois volontairement encombrante.&nbsp;<br /><br />Norbert Prangenberg commence ses premiers travaux en tant que sculpteur autour de 1980. Les &eacute;chos archa&iuml;ques de ses c&eacute;ramiques de grandes dimensions, dont la surface est souvent brute et la forme imposante, attribuent aux &oelig;uvres de l&rsquo;artiste une port&eacute;e presque intemporelle. R&eacute;alis&eacute;es en argile, autant ductile &agrave; l&rsquo;&eacute;tat naturel que rigide apr&egrave;s la cuisson, les vases et amphores naissent de la combinaison d&rsquo;une pratique artisanale remontant &agrave; l&rsquo;antiquit&eacute; et d&rsquo;une recherche contemporaine o&ugrave; la forme n&rsquo;est appel&eacute;e &agrave; suivre aucune r&egrave;gle sauf celle de la recherche expressive. Les &oelig;uvres pr&eacute;sent&eacute;es dans l&rsquo;exposition n&rsquo;ont rien des pr&eacute;cieuses vaisselles commun&eacute;ment associ&eacute;es au mat&eacute;riau de la c&eacute;ramique ou de la porcelaine de S&egrave;vres : les dimensions &eacute;tonnantes et les couleurs vives de ces sculptures am&egrave;nent le visiteur &agrave; d&eacute;couvrir un monde o&ugrave; la grandeur solennelle des &oelig;uvres se m&ecirc;le &agrave; une l&eacute;g&egrave;ret&eacute; ludique, o&ugrave; la forme se fait libre et les teintes gaies.<br /><br />Avec un m&eacute;lange de mat&eacute;riaux exactement d&eacute;fini fait d&rsquo;argile et de chamotte, n&eacute;cessaire au modelage et aux importantes qualit&eacute;s de combustibilit&eacute;, Norbert Prangenberg construit ses grandes sculptures de corps creux, le plus souvent ovales : la forme est r&eacute;alis&eacute;e en disposant le mat&eacute;riau directement en anneaux ou bien avec l&rsquo;aide de patrons. Couche apr&egrave;s couche, les anneaux d&rsquo;argiles sont pos&eacute;s les uns sur les autres, &laquo; soud&eacute;s &raquo; &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur. Vestiges arch&eacute;ologiques imaginaires, les sculptures s&rsquo;apparentent &agrave; un organisme hybride sur lequel s&rsquo;agr&egrave;gent et se d&eacute;veloppent des parasites : petites vaguelettes model&eacute;es, fragments de fa&iuml;ence ou fleurs trompettes. Ces amphores d&eacute;mesur&eacute;ment grandes rappellent la poterie traditionnelle par leur forme et leur technique artisanale, mais sont lib&eacute;r&eacute;es de toute fonction utilitaire.&nbsp;<br /><br />Norbert Prangenberg se concentre sur des formes sculpturales simples et &agrave; la fois tr&egrave;s riches. La condition pr&eacute;alable d&eacute;terminante pour son travail est le mat&eacute;riau dont il se sert qui est l&rsquo;argile. Il s&rsquo;agit d&rsquo;un mat&eacute;riau naturel venant de la terre : c&rsquo;est un aspect fondamental pour Prangenberg qui aime toucher la mati&egrave;re, la sentir et ensuite travailler avec elle. L&rsquo;importance de l&rsquo;approche physique dans la pratique de Prangenberg est &eacute;vidente : partout on voit des empreintes digitales, pos&eacute;es avec plus ou moins de force. L&rsquo;artiste perce les parois d&rsquo;ouvertures circulaires ou rectangulaires et rajoute directement &agrave; la main des traces de raclage, de grattage et des &eacute;gratignures, ce qui donne &agrave; ses sculptures un r&eacute;el caract&egrave;re organique. La relation intrins&egrave;que du corps de l&rsquo;artiste avec la mati&egrave;re se retrouve &eacute;galement dans le titre qu&rsquo;il utilise de mani&egrave;re constante : &laquo; figure &raquo;. Prangenberg refuse ainsi de nommer ses &oelig;uvres dont l&rsquo;effet et la signification doivent seulement &ecirc;tre provoqu&eacute;s par l&rsquo;objet lui-m&ecirc;me, sans aucune r&eacute;f&eacute;rence aux choses de ce monde.<br /><br />Autre symbole de son ancrage &agrave; la terre, Prangenberg modelait ses sculptures au sol : l&rsquo;artiste suit la consistance de l&rsquo;argile, sa lourdeur naturelle, sa mall&eacute;abilit&eacute; et sa tectonique. Dans son proc&eacute;d&eacute;, Prangenberg accepte le mouvement propre &agrave; la mati&egrave;re qui est ainsi int&eacute;gr&eacute; dans l&rsquo;&oelig;uvre : la nature de mottes informes de l&rsquo;argile, les asp&eacute;rit&eacute;s d&rsquo;une paroi, les crevasses d&rsquo;une surface ne sont de fait pas enti&egrave;rement soumises &agrave; la main du modeleur. Dans les sculptures en terre cuite verniss&eacute;e, le flux de vernis se d&eacute;pose dans les fissures de l&rsquo;argile ; les voies que prend ce flux, la mani&egrave;re dont les couleurs se modifient, tout cela demeure r&eacute;serv&eacute; &agrave; une raison du mat&eacute;riau.</p> <hr align="left" width="50%" /> <p style="text-align: justify;">Galerie Karsten Greve is pleased to announce the exhibition Sculpture featuring Norbert Prangenberg. As a painter, engraver, sculptor and glass designer, Prangenberg was a major figure in contemporary German art. As an artist of the second half of the twentieth century, his work reflects the formal experiments of the post-war avant-garde where material and its relationship to space was one of the main concerns in artistic evolution. While man landed on the moon and concepts became more and more spacious, Prangenberg devoted himself to modelling clay, always the most fertile ground for artists, giving life to a body of work that pays homage to the concreteness and solidity of sculpture, whose physical presence is sometimes deliberately cumbersome.<br /><br />Norbert Prangenberg began his early work as a sculptor around 1980. The archaic echoes of his large scale ceramics, whose surfaces are often rough with imposing forms, ascribe an almost timeless significance to the works of the artist. Made of clay, which is as ductile in its natural state as it is rigid after firing, the vases and amphorae arise from the combination of a traditional practice dating back to antiquity merged with contemporary research where the shape is called to follow no rules except those of a search for the expressive. The works in the exhibition have nothing in common with the dainty objects commonly associated with ceramic material or Sevres porcelain: the amazing size and bright colours of these sculptures bring the visitor to discover a world where solemn grandeur mingles with a playful lightness; where the form is free and the colours cheerful.<br /><br />With a precisely defined mixture of materials made of clay and fireclay necessary for modelling and the important qualities of combustibility, Norbert Prangenberg builds his large sculptures with hollow bodies that are generally oval. The shape is created by placing the material directly in rings or with the help of patterns. Layer after layer, clay rings are laid one upon the other, "welded" on the inside. Like imaginary archaeological remains, the sculptures resemble hybrid organisms on which parasites, such as small, modelled ripples and fragments of earthenware or trumpet flowers aggregate and develop. These disproportionately large amphorae are reminiscent of traditional pottery by their shape and craftsmanship, but are freed of any utilitarian function.<br /><br />Norbert Prangenberg focuses on sculptural forms that are simple and at the same time very rich. The crucial prerequisite for his work is the material he uses, which is clay. It is a natural material that comes from the earth. This is a fundamental aspect for Prangenberg who loves to touch the material, to feel it and then work with it. The importance of the physical approach in Prangenberg's practice is obvious. Everywhere we see fingerprints, imposed with greater or lesser force. The artist pierces the walls of the circular or rectangular openings and directly adds traces of scrapings, grazes and scratches by hand, which give his sculptures a real organic character. The intrinsic relationship between the artist's body and the material is also reflected in the title he consistently uses - "figure." Prangenberg refuses to name his works whose purpose and meaning must only be evoked from the object itself, without any reference to the things of this world.<br /><br />Another symbol of his anchoring to the earth, Prangenberg models his sculptures on the ground: he follows the consistency of clay, its natural heaviness, its malleability and tectonics. In his method, the artist accepts the movement that is inherent in the material, which is thus integrated into the work. The nature of shapeless lumps of clay, the roughness of a wall, the cracks of a surface are therefore not fully subject to the hand of the modeller. In his glazed terracotta sculptures, the flow of the glaze is deposited in the cracks of the clay. The pathways this flow takes, the way the colours change, all remain subject to the nature of the material.</p> Sat, 16 Aug 2014 15:47:15 +0000 Patrick Pietropoli - GALERIE FELLI - September 6th - September 6th <p style="text-align: justify;">Patrick Pietropoli est n&eacute; en 1953 &agrave; Paris . Il vit et travaille actuellement &agrave; new-York. A partir des ann&eacute;es 1980, il se consacre exclusivement&nbsp; &agrave; la peinture et &agrave; la sculpture. Ses peintures et sculptures sont pr&eacute;sent&eacute;es &agrave; Paris &agrave; partir de 1983.</p> <p style="text-align: justify;">Ses principales expositions personnelles ont &eacute;t&eacute; organis&eacute;es par la Galerie 31 Lille (Paris 1983, 1984, 1988, ), la galerie Jean-Marie Felli (Paris 1994), Les galeries Catherine Gu&eacute;rard, Galerie Anne Robin, Galerie Gu&eacute;n&eacute;gaud (Paris 1995, 1996, 1997) La galerie de l&rsquo;Europe et la Galerie Claudine Legrand (Paris 1997, 1999, 2000, 2001, 2002, 2003, 2005, 2006). A partir de 2003 il commence &agrave; exposer aux Etats-Unis &agrave; la Galerie Soho, (new York 2003, 2005, 2007), il part vivre &agrave; New York en 2008, expose ensuite &agrave; San-Fransisco et New-york 2008 et &agrave; Boston en 2009.&nbsp; Pietropoli a aussi r&eacute;alis&eacute; une paire d&rsquo;ob&eacute;lisques en bronze, une oeuvre monumentale en terre et en acier pour la mutualit&eacute; du Pas-de-Calais, et une exposition de portraits historiques au Mus&eacute;e de Cr&eacute;ma en Italie. De nombreux&nbsp; catalogues ont &eacute;t&eacute; &eacute;dit&eacute;s &agrave; l&rsquo;occasion de ses expositions.</p> Sat, 16 Aug 2014 14:49:52 +0000 Sheila Hicks - galerie frank elbaz - September 6th - October 18th Sat, 16 Aug 2014 14:40:00 +0000 Joseph Havel - Gabrielle Maubrie - September 13th - October 25th <p style="text-align: justify;">Sph&egrave;re (nom)<br />a/ Figure g&eacute;om&eacute;trique. Surface de r&eacute;volution qui peut &ecirc;tre engendr&eacute;e par un cercle tournant autour d&rsquo;un de ses diam&egrave;tres.<br />b/ Surface d&rsquo;une telle figure. Surface sph&eacute;rique.<br />c/ Plan&egrave;te ou &eacute;toile. Corps c&eacute;leste.<br />d/ Sph&egrave;re c&eacute;leste : coquilles ou couches transparentes et concentriques dans lesquelles, selon la croyance antique, les corps c&eacute;lestes &eacute;taient dispos&eacute;s.<br />e/ Lieu ou environnement d&rsquo;une personne ou d&rsquo;une chose ; domaine d&rsquo;activit&eacute; ou d&rsquo;op&eacute;ration.<br />f/ Monde social particulier ; strate de la soci&eacute;t&eacute; ; promenade de la vie, condition ou espace d&rsquo;influence.<br /><br />L&rsquo;exposition de Joseph Havel &agrave; la galerie Gabrielle Maubrie en septembre 2014 commence &agrave; l&rsquo;intersection des d&eacute;finitions multiples, simples mais contradictoires du mot &laquo; sph&egrave;re &raquo;. Qu&rsquo;elle soit un environnement o&ugrave; s&rsquo;exerce une influence, une forme c&eacute;leste, une figure g&eacute;om&eacute;trique simple, le r&eacute;cipient d&rsquo;un volume, ou une couche de la soci&eacute;t&eacute; : la question centrale revient simplement &agrave; savoir ce qu&rsquo;est une sph&egrave;re ou, de fa&ccedil;on peut-&ecirc;tre plus importante encore, comment en faire une. Comment on peut exercer une influence sur un espace et faire en sorte qu&rsquo;il devienne plus particulier, une lieur ou une sph&egrave;re.&nbsp;<br />L&rsquo;exposition examine les forces d&rsquo;association et de connexion propres &agrave; cette question, en cr&eacute;ant une s&eacute;rie d&rsquo;objets qui l&rsquo;encadrent sans y r&eacute;pondre. Ils construisent une d&eacute;finition de la sph&egrave;re, collective et &agrave; plusieurs facettes, chacun d&rsquo;eux avec ses sources et son histoire faite d&rsquo;associations individuelles, tout en formant &eacute;galement un &laquo; lieu ou un environnement d&rsquo;une personne ou d&rsquo;une chose &raquo;.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Ces objets utilisent de multiples mat&eacute;riaux. Bronze, r&eacute;sine ur&eacute;thane transparente, livres trouv&eacute;s et d&eacute;tritus de divers &eacute;l&eacute;ments du quotidien sont rassembl&eacute;s pour poser une question &laquo; c&eacute;leste &raquo; &agrave; propos orbite, d&rsquo;influence et d&rsquo;association. L&rsquo;utilisation d&rsquo;objets banals est permanent dans le travail de Havel depuis les ann&eacute;es 1980 et cet ensemble d&rsquo;&oelig;uvres pr&eacute;sente de nouveau certains des acteurs habituels de son &oelig;uvre : cols de chemise, v&ecirc;tements, livres et draps de lit ainsi que certains nouveaux &eacute;l&eacute;ments, tels que le football (soccer) qui est maintenant entr&eacute; dans la sph&egrave;re d&rsquo;influence. Les mat&eacute;riaux trouv&eacute;s enracinent le travail dans la vie quotidienne contrastent avec les associations historiques du bronze ou des bijoux comme des qualit&eacute;s de la r&eacute;sine coul&eacute;e.</p> <p style="text-align: justify;">Le dicton selon lequel &laquo; tout est reli&eacute; par six degr&eacute;s de s&eacute;paration &raquo; reconna&icirc;t qu&rsquo;aucun ph&eacute;nom&egrave;ne n&rsquo;est isol&eacute;. Il y a toujours des liens, des causes et des effets entre ce que nous percevons comme des individus et des incidents isol&eacute;s.</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition examine comment les forces de ces connexions construisent une g&eacute;om&eacute;trie.</p> Sat, 16 Aug 2014 13:32:35 +0000