ArtSlant - Recently added en-us 40 Pierre Ardouvin, Philippe Decrauzat, Fabien Mérelle, Amanda Ross-Ho, Analia Saban, Jim Shaw - Praz-Delavallade - Paris - October 17th - November 21st Wed, 07 Oct 2015 17:10:19 +0000 Mohamed Bourouissa - Kamel Mennour - October 17th - December 5th Wed, 07 Oct 2015 17:04:57 +0000 Christian Boltanski - Galerie Marian Goodman - Paris - October 22nd - December 19th <p style="text-align: justify;"><br />&ldquo;I increasingly view my works as a musical score that I &lsquo;play&rsquo;, and exhibitions are like its reinterpretations.&rdquo; Christian Boltanski<br /> <br /> <br /> On the occasion of the twentieth anniversary of the Paris gallery, Marian Goodman has invited Christian Boltanski to present his latest work. The exhibition <em>Faire-part</em> will open on Thursday, October 22 from 6:00 to 10:00 pm during the week of FIAC (Paris International art fair). Christian Boltanski&rsquo;s exhibition is highly anticipated. Generally considered as France&rsquo;s most famous and influential living artist, this will be Boltanski&rsquo;s first solo exhibition of new works in Paris since his show at Grand Palais in 2010.<br /> <br /> Christian Boltanski will use the entire space of the gallery and deploy two monumental installations on the theme of loss and disappearance. On the ground floor, he has designed a labyrinth of veils suspended from the ceiling and imprinted with barely visible photographs. The exhibition continues at the lower level with a contemplative work composed of a projection and a bed of cut flowers that are allowed to fade and decompose over the course of the exhibition.<br /> <br /> Christian Boltanski was born in Paris in 1944. Since the 1970s, his work has been exhibited around the world and he has received numerous prestigious awards, including the Praemium Imperiale (2007) and the Goslarer Kaiserring (2001). In 2011 Boltanski represented France at the Venice Biennale. Currently, several of his pieces are on display at Mus&eacute;e des arts contemporains (Mac&rsquo;s) in Grand Hornu (Belgium) and at the Cricoteka in Krakow (Poland). In 2016, the Museo d&rsquo;arte contemporaneo (MARCO) in Monterrey (Mexico) will hold a retrospective of his work. Among the projects in progress, one of the most ambitious is that of Archives du Coeur [The Heart Archive]. The artist has been collecting and recording thousands of heartbeats from around the world, which are then kept on the small island of Teshima in Japan.<br /> <br /> Marian Goodman has long cited a deep love for Paris as the impetus for opening her first European gallery here in 1995. Originally located at rue Debelleyme, in 1999 the gallery found a permanent home in the H&ocirc;tel de Montmor, a Parisian 17th-century hotel particulier at 79 rue du Temple. For the past twenty years, the Marian Goodman Gallery has presented exciting exhibitions by some of the most important artists, including Gerhard Richter, Giuseppe Penone, Annette Messager and John Baldessari. The gallery has also supported, and helped to organize, numerous exhibitions of artists at renowned French institutions: Giuseppe Penone at Ch&acirc;teau de Versailles in 2013; Gerhard Richter and Annette Messager at Centre Pompidou in 2012 and 2009, respectively; William Kentridge at the Louvre Museum in 2010; Christian Boltanski on the occasion of the Monumenta at the Grand Palais in 2010; Rineke Dijkstra at Jeu de Paume in 2004; Steve McQueen at the Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris in 2002; and, forthcoming, Jeff Wall at the Fondation Cartier-Bresson (September 2015) and Dan Graham at Place Vend&ocirc;me (October 2015).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><em>&laquo; Je consid&egrave;re de plus en plus que mes &oelig;uvres sont comme une partition musicale, que je &laquo; joue &raquo; et que les expositions sont autant de r&eacute;interpr&eacute;tations. &raquo;</em> Christian Boltanski<br /> <br /> A l&rsquo;occasion du vingti&egrave;me anniversaire de sa galerie parisienne, Marian Goodman a invit&eacute; Christian Boltanski &agrave; pr&eacute;senter ses nouvelles &oelig;uvres. Le vernissage de l&rsquo;exposition<em> Faire-part</em> se tiendra le jeudi 22 octobre, de 18h &agrave; 22h, pendant la semaine de la FIAC. Boltanski est l&rsquo;artiste fran&ccedil;ais vivant le plus reconnu sur la sc&egrave;ne internationale. <em>Faire-part</em> sera sa premi&egrave;re exposition personnelle &agrave; Paris depuis <em>Monumenta</em> en 2010. <br /> <br /> Christian Boltanski investit tout l&rsquo;espace de la galerie en d&eacute;ployant deux installations monumentales sur le th&egrave;me de l&rsquo;effacement. Au rez-de-chauss&eacute;e, il con&ccedil;oit un labyrinthe de voiles suspendus sur lesquels sont imprim&eacute;es des photographies presque imperceptibles. L&rsquo;exposition se poursuit au niveau inf&eacute;rieur avec une &oelig;uvre contemplative constitu&eacute;e d&rsquo;une projection et d&rsquo;un parterre de fleurs coup&eacute;es, ces derni&egrave;res sont amen&eacute;es &agrave; fl&eacute;trir et s&rsquo;alt&eacute;rer tout au long de l&rsquo;exposition. <br /> <br /> Christian Boltanski est n&eacute; &agrave; Paris en 1944. Depuis les ann&eacute;es 1970 son travail a &eacute;t&eacute; expos&eacute; dans de nombreux pays. Il est le laur&eacute;at de plusieurs prix prestigieux dont le Praemium Imperiale (2007) ou le Goslarer Kaiserring (2001). En 2011 il repr&eacute;sentait la France &agrave; la Biennale de Venise. Deux expositions importantes de son &oelig;uvre sont actuellement visibles : au Mus&eacute;e des arts contemporains (Mac&rsquo;s) au Grand Hornu (Belgique) et &agrave; la Cricoteka de Cracovie (Pologne). En 2016 le Museo d&rsquo;arte contemporaneo (MARCO) de Monterrey (Mexique) lui consacrera une exposition r&eacute;trospective. Parmi ses projets en cours, un des plus ambitieux est celui des Archives du C&oelig;ur. L&rsquo;artiste collectionne et fait enregistrer dans monde entier des milliers de battements de c&oelig;ur, qui sont par la suite conserv&eacute;s sur la petite &icirc;le de Teshima au Japon.<br /> <br /> L&rsquo;attachement profond que Marian Goodman voue &agrave; Paris l&rsquo;a conduite &agrave; y ouvrir en 1995 sa premi&egrave;re galerie en Europe. Dans un premier temps situ&eacute;e rue Debelleyme, la galerie ouvre en septembre 1999 dans l&rsquo;h&ocirc;tel particulier de Montmor, 79 rue du Temple, o&ugrave; elle se trouve actuellement. Depuis vingt ans, la Galerie Marian Goodman pr&eacute;sente des expositions marquantes de certains des artistes internationaux les plus importants, tels que Gerhard Richter, Giuseppe Penone, Annette Messager ou John Baldessari. La galerie a &eacute;galement soutenu et accompagn&eacute; de multiples expositions de ses artistes dans les plus grandes institutions fran&ccedil;aises : Giuseppe Penone au Ch&acirc;teau de Versailles en 2013, Gerhard Richter et Annette Messager au Centre Pompidou respectivement en 2012 et 2009, William Kentridge au Mus&eacute;e du Louvre en 2010, Christian Boltanski pour Monumenta au Grand Palais en 2010, Rineke Dijkstra au Jeu de Paume en 2004, Steve McQueen au Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris en 2002, ou encore prochainement Jeff Wall &agrave; la Fondation Cartier-Bresson (septembre 2015) et Dan Graham sur la Place Vend&ocirc;me (octobre 2015). <br /> <br /> <br /> contact presse : Rapha&euml;le Coutant / / 01 48 04 70 52<br /> <br /> </p> Wed, 07 Oct 2015 16:51:03 +0000 Nalini Malani, Ana Mendieta, Nancy Spero - Galerie Lelong - Paris - October 15th - November 21st <p style="text-align: justify;">Nancy Spero (1926-2009), Ana Mendieta (1948-1985), Nalini Malani (born in 1946): three women who, over time, have each earned a reputation as major figures of the contemporary art world. While they did not always get the chance to meet and discuss their works in person, there are undeniable echoes in their respective outputs.<br /> <br /> Although they were born in different countries and each has a very singular life story, their works have regularly come together during important group exhibitions organised throughout the world. At the heart of all their work is the same essential feature: the female form and the story of its representation across the ages. This most often appears as a body (and even her own body in the case of Ana Mendieta) visible on a sheet of paper or a canvas; far from being simply an allegory, it asks us to think about our place within our society. It is the very nature of their approach, a blend of modesty, sensuality and provocation, which unites these three artists.&nbsp; Their works manifest a political and feminist agenda, sometimes obliquely, sometimes very explicitly. Their careers are filled with travel, exile and encounters and have generated a body of work that is sensitive and feminine (more than it is feminist), imbued with a significant affective and personal dimension. <br /> <br /> Mid-way between a homage and a citation, Trio is more than an exhibition; it is a reconstituted conversation between these three artists. Nalini Malani, who will have a solo museum exhibition in 2017 in Paris, will thus use her latest paintings to engage in a dialogue with the photographs and drawings of Ana Mendieta and the large works by Nancy Spero.<br /> <br /> In parallel, a series of recent prints by Nalini Malani, published by Lelong Editions, will be presented in the bookshop.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Nancy Spero (1926-2009), Ana Mendieta (1948-1985), Nalini Malani (n&eacute;e en 1946)&nbsp;: trois femmes qui se sont impos&eacute;es au fil du temps comme des figures majeures de l&rsquo;art contemporain. Si elles n&rsquo;ont pas toujours eu la chance de se croiser et d&rsquo;&eacute;changer de vive voix autour de leurs cr&eacute;ations, leurs &oelig;uvres respectives se font ind&eacute;niablement &eacute;cho.<br /> <br /> Bien que n&eacute;es chacune dans un pays diff&eacute;rent, avec une histoire personnelle singuli&egrave;re, leurs &oelig;uvres se sont r&eacute;guli&egrave;rement crois&eacute;es au fil d&rsquo;importantes expositions collectives organis&eacute;es &agrave; travers le monde. Point commun crucial au c&oelig;ur de leur &oelig;uvre&nbsp;: la figure f&eacute;minine et l&rsquo;histoire de sa repr&eacute;sentation &agrave; travers les &acirc;ges. Cela se mat&eacute;rialise le plus souvent par la pr&eacute;sence d&rsquo;un corps (et m&ecirc;me de son propre corps dans le cas d&rsquo;Ana Mendieta) sur la surface d&rsquo;un papier ou d&rsquo;une toile qui, loin de s&rsquo;arr&ecirc;ter &agrave; une all&eacute;gorie, nous questionne sur sa place au c&oelig;ur de notre soci&eacute;t&eacute;. C&rsquo;est la nature m&ecirc;me de leur regard, entre pudeur, sensualit&eacute; et provocation, qui rapproche ces trois artistes. Leurs &oelig;uvres manifestent une revendication politique et f&eacute;ministe parfois voil&eacute;e, parfois tr&egrave;s explicite. Leurs parcours empreints de voyages, d&rsquo;exils et de rencontres, ont g&eacute;n&eacute;r&eacute; une &oelig;uvre sensible et f&eacute;minine (plus que f&eacute;ministe) charg&eacute;e d&rsquo;une forte dimension affective et personnelle.<br /> <br /> A mi-chemin entre hommage et citation, Trio est, plus qu&rsquo;une exposition, une conversation reconstitu&eacute;e entre ces trois artistes. Nalini Malani, dont une exposition mus&eacute;ale est pr&eacute;vue pour 2017 &agrave; Paris, dialoguera ainsi par le biais de ses derni&egrave;res peintures avec les photos et dessins d&rsquo;Ana Mendieta et les grands papiers de Nancy Spero.<br /> <br /> Parall&egrave;lement, une s&eacute;rie d&rsquo;estampes r&eacute;centes de Nalini Malani &eacute;dit&eacute;es par Lelong Editions sera pr&eacute;sent&eacute;e &agrave; la librairie.</p> Wed, 07 Oct 2015 16:42:23 +0000 Kapwani Kiwanga - Galerie Jérôme Poggi - October 22nd - November 28th <p style="text-align: justify;">J&eacute;r&ocirc;me Poggi is pleased to present the first solo show of Kapwani Kiwanga at the gallery. Entitled <em>Continental Shift</em>, the show is part of the "Afrotunnel" project, currently developed by the artist. It refers to a hypothetic tunnel linking Europe to Africa via the strait of Gibraltar, that has been studied for a number of years but has yet to be realised. Parallel to this exhibition, the gallery presents at FIAC (Secteur Lafayette) a solo show untitled Flowers for Africa by Kapwani Kiwanga and publishes an interview with Nata&scaron;a Petre&scaron;in-Bachelez.</p> <p style="text-align: justify;">The Afrotunnel project is developped with support of Centre National des Arts Plastiques (soutien pour une recherche artistique).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">J&eacute;r&ocirc;me Poggi est heureux de pr&eacute;senter la premi&egrave;re exposition personnelle de Kapwani Kiwanga &agrave; la galerie. Intitul&eacute;e &laquo; Continental Shift &raquo;, l'exposition s'inscrit dans le projet &laquo; Afrotunnel &raquo; men&eacute; actuellement par l'artiste, en r&eacute;f&eacute;rence &agrave; un hypoth&eacute;tique passage souterrain reliant l'Europe au continent africain par le d&eacute;troit de Gibraltar. Ce dernier fait depuis plusieurs ann&eacute;es l'objet d'&eacute;tudes d'ing&eacute;nierie se succ&eacute;dant sans aboutissement, l'appel d'offre &eacute;tant toujours en cours. Parall&egrave;lement &agrave; cette exposition, la galerie pr&eacute;sente &agrave; la FIAC (Secteur Lafayette) un solo show de Kapwani Kiwanga consacr&eacute; au projet &laquo;Flowers for Africa&raquo; et publie &agrave; cette occasion un entretien avec Nata&scaron;a Petre&scaron;in-Bachelez.</p> <p style="text-align: justify;">Le projet Afrotunnel est d&eacute;velopp&eacute; avec le soutien du Centre national des arts plastiques (soutien pour une recherche artistique).</p> Wed, 07 Oct 2015 17:16:47 +0000 Henrique Oliveira - Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois - October 19th - November 28th <p style="text-align: justify;">Without limits, this is how <strong>Henrique Oliveira</strong>&rsquo;s world is being developed and written. It really seems that no space is large enough for his utopias. His organic constructions, often monumental, present themselves as overflowing illusions. They display an outpouring of life, overtaking by far the given contours: walls, partitions, ceilings all yield one after the other in its path.</p> <p style="text-align: justify;">At <strong>Galerie GP &amp; N Vallois</strong> in 2011, his installation <em>Desnatureza</em> seemed to bloom from the ground, stretching and growing to irresistibly perforate the ceiling. Like a bindweed, the sculpture, whose roots originate in the artist&rsquo;s imaginary, crawled and eated away the space of the White Cube.</p> <p style="text-align: justify;">For this exhibition entitled <strong><em>Fissure</em></strong>, an installation will renew this site specific approach, leaving its mark on the gallery while deeply transforming it.<br /> Through these tensions, <strong>Oliveira</strong> undoubtedly makes visible the illusion that Nature is taking back its right. Triumphant, it destroys urbanity. Concrete yields and cracks up under the implacable evidence of its strength. Within this visible dynamics probably lies an underground dialectics where nature and culture meet, discuss and argue, through the prism, among others, of the organic and the built, of the animated and the inanimated. <strong>Oliveira</strong> still forces a certain idea of nature into an institutional universe. An abundant lattice which can just as much blend with what it comes across.</p> <p style="text-align: justify;">In his installation <em>Baitogogo</em> at the Palais de Tokyo, which displays a successful transplant with the building, <strong>Oliveira</strong> mingles exposed girders and imaginary tree trunks. A frontal collusion point to be read in-between nature and culture, but not as a sermon on an earth wounded by the presence of man. The artist rather seems to inscribe himself within a formal research on how man lays its hand on the world that surrounds him. Tapumes wood, fine wood slivers used for construction site fences in Brazil, could perhaps remind us how human beings model &ndash; sometimes clumsily &ndash; their territory and inhabit this earth they are the depository of.</p> <p style="text-align: justify;">It can happen that the &laquo;urban epidermis&raquo;, words of the artist, grows in an anarchic manner. And cities implode under the weight. His three dimensional works or drawings on paper, made up of protuberances and growths, are perhaps an implicit portrait of the demographic context in which he grew up.</p> <p style="text-align: justify;">Poor materials also show how much <strong>Oliveira</strong> is mesmerised by construction and the elaboration of space. It is not surprising that the artist visited New Orleans after Hurricane Katrina. Everything in these devastated and worn out landscapes had to be rebuilt. A world to be created, a location where life had to be injected again. Therefore <strong>Henrique Oliveira</strong> went to gather mattresses, pillows, vestiges of a quiet domestic life, to pile them up in a deformed magma, of an explicit poverty. Condensation shows torn mattresses, as if eaten away by emptiness. Years after being pulled out of the slump, they still display open wounds, like residual and historical gaps.</p> <p style="text-align: justify;">Taken from a series on second-hand furniture, the sofa shows the passing of time on its craggy and dirty skin. We cannot sit on it, or rest on it anymore. Its function has died and has been annihilated. It has become the symbol of an irreversible accident.</p> <p style="text-align: justify;">Scrap objects, natural elements, deprivation of materials&hellip; his creations maintain a close relation with Arte Povera. Although the artist himself admits that the poor wood is close to the theoretical statement made by this movement, the use of recovered materials is more a way to force the boundaries of contemporary sculpture and its relationship to space.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Henrique Oliveira</strong> invents oneiric forms infiltrated with life, in the same way a demiurge would bring to life, from the real and ex nihilo, a universe with fantasised contours.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>L&eacute;a Chauvel-L&eacute;vy</strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Sans limite, ainsi se d&eacute;cline et s&rsquo;&eacute;crit le monde d&rsquo;<strong>Henrique Oliveira</strong>. Il semble en effet que nul espace ne soit &agrave; la mesure de ses utopies. Ses constructions organiques, le plus souvent monumentales, s&rsquo;offrent ainsi comme de d&eacute;bordantes chim&egrave;res. Elles affichent pour ainsi dire un trop plein de vie d&eacute;passant de loin les contours donn&eacute;s : murs, cloisons, plafonds c&egrave;dent tour &agrave; tour &agrave; leur passage.</p> <p style="text-align: justify;">Ainsi &agrave; la <strong>Galerie GP &amp; N Vallois</strong>, en 2011, son installation <em>Desnatureza</em> semblait &eacute;clore du sol et tendre dans sa pouss&eacute;e &agrave; perforer irr&eacute;sistiblement le plafond. Comme un liseron, la sculpture dont les racines puisent leur source dans l&rsquo;imaginaire de l&rsquo;artiste, rampait jusqu&rsquo;&agrave; grignoter l&rsquo;espace du White Cube.</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition intitul&eacute;e _*Fissure_* renoue avec la d&eacute;marche in situ de l&rsquo;artiste qui imprime profond&eacute;ment sa marque dans la galerie et la m&eacute;tamorphose en profondeur. <br /> <strong>Oliveira</strong>, &agrave; travers ces tensions, ces forces vitales, donne sans doute &agrave; voir l&rsquo;illusion que la nature reprend ses droits. Triomphante, elle d&eacute;truit l&rsquo;urbain. Le b&eacute;ton c&egrave;de et craquelle sous l&rsquo;&eacute;vidence implacable de sa force. Dans cette dynamique offerte au regard, il y a sans doute une dialectique sous-terraine o&ugrave; se rencontrent, dialoguent et se disputent nature et culture, &agrave; travers le prisme notamment de l&rsquo;organique et du b&acirc;tit, de l&rsquo;anim&eacute; et de l&rsquo;inanim&eacute;. <strong>Oliveira</strong> fait en tout cas entrer au forceps dans un univers institutionnel une certaine id&eacute;e de la nature. Un lacis foisonnant, qui peut tout aussi bien se fondre avec ce qu&rsquo;il rencontre.</p> <p style="text-align: justify;">Dans son installation <em>Baitogogo</em> au Palais de Tokyo qui affiche une greffe r&eacute;ussie qui a &ldquo;pris&rdquo; avec la structure du b&acirc;timent, <strong>Oliveira</strong> fait se comp&eacute;n&eacute;trer poutres saillantes et troncs d&rsquo;arbres imaginaires. Point de collusion frontale &agrave; lire donc entre nature et culture, encore moins un sermon sur la terre meurtrie par la pr&eacute;sence humaine. L&rsquo;artiste semble plut&ocirc;t dans une recherche formelle sur la fa&ccedil;on dont l&rsquo;homme pose sa main sur le monde qui l&rsquo;entoure. Les tapumes, fines lamelles de bois utilis&eacute; pour les palissades de chantier au Br&eacute;sil, rappellent peut-&ecirc;tre &agrave; cet &eacute;gard comment les &ecirc;tres fa&ccedil;onnent &ndash; parfois malhabilement &ndash; leurs territoires, habitent la terre dont ils disposent.</p> <p style="text-align: justify;">Il arrive que &ldquo;l&rsquo;&eacute;piderme urbain&rdquo;, expression de l&rsquo;artiste, grandisse anarchiquement. Alors les villes implosent sous leur poids. Ses &oelig;uvres en trois dimensions ou dessins sur papier, form&eacute;s de protub&eacute;rances, d&rsquo;excroissances sont peut-&ecirc;tre en creux un portrait du contexte d&eacute;mographique dans lequel il a grandi.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;utilisation de mat&eacute;riaux pauvres montre combien <strong>Oliveira</strong> est fascin&eacute; par la construction, l&rsquo;&eacute;laboration de l&rsquo;espace. Il n&rsquo;est pas &eacute;tonnant que l&rsquo;artiste se soit rendu &agrave; la Nouvelle Orl&eacute;ans apr&egrave;s la catastrophe de l&rsquo;ouragan Katrina. Il y avait, dans ces paysages exsangues et d&eacute;vast&eacute;s, tout &agrave; reconstruire. Un monde &agrave; repenser, un lieu dans lequel insuffler &agrave; nouveau de la vie. Alors, <strong>Henrique Oliveira</strong> alla y ramasser des matelas, des coussins, vestiges d&rsquo;une vie domestique qui&egrave;te pour les amasser en un magma, difforme, &agrave; la pauvret&eacute; explicite. Condensation pr&eacute;sente ici des matelas ajour&eacute;s et comme rong&eacute;s par le vide. Plusieurs ann&eacute;es apr&egrave;s le marasme, ils affichent encore des plaies ouvertes, comme autant de b&eacute;ances r&eacute;siduelles et historiques.</p> <p style="text-align: justify;">Issu d&rsquo;une s&eacute;rie autour de mobilier chin&eacute;, le canap&eacute; expose quant &agrave; lui le passage du temps sur sa peau burin&eacute;e et salie. On ne peut plus s&rsquo;y asseoir, s&rsquo;y reposer. Sa fonction est morte et annihil&eacute;e. Il est devenu le symbole de l&rsquo;irr&eacute;versible accident.</p> <p style="text-align: justify;">Objets de rebut, &eacute;l&eacute;ments naturels, d&eacute;nuement des mat&eacute;riaux&hellip; ses cr&eacute;ations entretiennent une relation &eacute;troite avec l&rsquo;Arte Povera. Toutefois, si l&rsquo;artiste reconna&icirc;t volontiers une proximit&eacute; avec la revendication th&eacute;orique de ce mouvement, le recours aux mat&eacute;riaux de r&eacute;cup&eacute;ration est davantage un moyen de contraindre les fronti&egrave;res de la sculpture contemporaine et sa relation &agrave; l&rsquo;espace.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Henrique Oliveira</strong> invente des formes oniriques travers&eacute;es par la vie, &agrave; la fa&ccedil;on dont le d&eacute;miurge fait na&icirc;tre du r&eacute;el ex nihilo un univers aux contours fantasm&eacute;s.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>L&eacute;a Chauvel-L&eacute;vy</strong></p> Wed, 07 Oct 2015 16:25:19 +0000 Danh Vo - Galerie Chantal Crousel - October 22nd - December 19th Wed, 07 Oct 2015 16:19:03 +0000 Stéphanie Saadé - Galerie Anne Barrault - October 17th - November 21st <div id="apDiv1" class="Style12"> <p class="Style16" style="text-align: justify;">La galerie anne barrault est heureuse de proposer la premi&egrave;re exposition personnelle de St&eacute;phanie Saad&eacute; en France.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">Originaire du Liban, St&eacute;phanie Saad&eacute; est n&eacute;e en 1983 pendant la guerre civile. Elle occupe aujourd&rsquo;hui une place sur la nouvelle sc&egrave;ne contemporaine libanaise. Son oeuvre se nourrit de ses s&eacute;jours au Liban, comme en Chine, en passant par la France et les Pays-Bas.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">La force des oeuvres de St&eacute;phanie Saad&eacute; est d&rsquo;&ecirc;tre &agrave; la fois conceptuelle et sensible. Cela tient notamment d&rsquo;un souci d&rsquo;&eacute;conomie de moyens au profit d&rsquo;une richesse de sens. <br /> Impossible Love compos&eacute; de deux fils, l&rsquo;un partant du sol, l&rsquo;autre du plafond et se rejoignant en leur centre forme une installation minimale Ce qui est mis en valeur au-del&agrave; des moyens employ&eacute;s, c&rsquo;est la perception de la rencontre entre ce qui s&rsquo;extrait du sol et ce qui descend du haut, rencontre rare et difficile rendue possible par l&rsquo;artiste. <br /> Au travers de Golden Memories, c&rsquo;est une autre rencontre impossible qui s&rsquo;op&egrave;re o&ugrave; le pass&eacute; devient le miroir du pr&eacute;sent. Le souvenir devenu or vient capter le pr&eacute;sent de mani&egrave;re inqui&eacute;tante. L&rsquo;immuable et le transitoire peuvent se rencontrer tel que dans Opposite Chain o&ugrave; le fer vou&eacute; &agrave; dispara&icirc;tre et l&rsquo;acier inoxydable forment une m&ecirc;me cha&icirc;ne.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">Cette tension traverse l&rsquo;oeuvre de St&eacute;phanie Saad&eacute;. C&rsquo;est ainsi qu&rsquo;elle a intitul&eacute; son exposition En dormance, &eacute;tat particulier o&ugrave; la vie attend de commencer.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">EN DORMANCE</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">&laquo; Qu&rsquo;est&shy;ce que la mati&egrave;re?<br /> Durerat-elle toujours? &raquo;<br /> <br /> &Eacute;vangile de Marie, Myriam de Magdala</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">Les graines germent dans le noir, le noir correspond &agrave; la nuit, et la nuit au r&ecirc;ve.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">Au lieu de vendre sa vache pour dix pi&egrave;ces d&rsquo;argent, Jacques l&rsquo;&eacute;change contre un haricot. Le lendemain, comme dans un r&ecirc;ve, pendant que Jacques dormait, le haricot a pouss&eacute; jusqu&rsquo;au ciel. Autrefois, on &eacute;changeait un diamant pour une graine de caroube : au poids et &agrave; la taille infailliblement r&eacute;guliers, la graine &eacute;quivalait &agrave; un carat. Dormance, dormir, coucher, couch&eacute;. Enterr&eacute;e comme les morts, dont les pieds et la t&ecirc;te touchent le sol, sous la terre, la graine trace lentement le chemin du Pays Horizontal au Pays Vertical. Jacob eut un songe, &laquo; et voici, une &eacute;chelle &eacute;tait appuy&eacute;e sur la terre, et son sommet touchait au ciel &raquo;.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">La Dormance d&eacute;signe une forme de vie ralentie. L&rsquo;activit&eacute; est r&eacute;duite au minimum, et l&rsquo;organisme conserve son &eacute;nergie plus longtemps. L&rsquo;entr&eacute;e en dormance se fait en r&eacute;ponse &agrave; des conditions ext&eacute;rieures hostiles : diminution des ressources alimentaires, temp&eacute;ratures tr&egrave;s &eacute;lev&eacute;es ou tr&egrave;s basses, etc. Strat&eacute;gie de survie, tactique discr&egrave;te et silencieuse, elle permet de r&eacute;sister. Faire le mort, parfois pendant des ann&eacute;es. Que se passe-&shy;t-&shy;il &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur ?<br /> Les Dormants puisent dans leurs propres r&eacute;serves. Qu&rsquo;est-&shy;ce qui peut &ecirc;tre produit dans ces conditions ?</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">En Dormance, le temps s&rsquo;&eacute;coule diff&eacute;remment. Il coule dor&eacute;navant plus lentement &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur qu&rsquo;&agrave; l&rsquo;ext&eacute;rieur. Quel instant faire durer ? Quel souvenir ? Le moment avant de na&icirc;tre, avant de grandir, peut &ecirc;tre prolong&eacute;, peut-&shy;&ecirc;tre &agrave; l&rsquo;infini. Rester plus longtemps dans un pass&eacute;, ou s&rsquo;extraire du temps pour devenir immortel.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">Dans l&rsquo;espace confin&eacute; de la graine ont lieu introspection et recentrement. Comment se tenir debout au centre du monde, et porter le monde autour de soi ? L&rsquo;univers est &laquo; une sph&egrave;re infinie dont le centre est partout, la circonf&eacute;rence nulle part. &raquo;, affirme-&shy;t-&shy;on, de l&rsquo;Antiquit&eacute; jusqu&rsquo;aujourd&rsquo;hui. Du centre du paradis jaillit la fontaine de Jouvence. De cette source partent quatre fleuves, qui coulent en direction des quatre points cardinaux.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">Apr&egrave;s la dormance, l&rsquo;eau coule sur la graine et la r&eacute;veille. Automne, Hiver, Printemps, &Eacute;t&eacute;, la graine prend le risque de mourir et r&eacute;int&egrave;gre les cycles du jour, de la nuit, et de la lune.</p> <p class="Style16" style="text-align: justify;">St&eacute;phanie Saad&eacute;, juillet 2015<strong> <br /></strong></p> </div> Wed, 07 Oct 2015 16:14:07 +0000 Group Show - Palais des Beaux-Arts - Paris - October 20th - January 3rd, 2016 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L&rsquo;&Eacute;cole nationale sup&eacute;rieure des beaux-arts pr&eacute;sente l&rsquo;exposition annuelle des jeunes artistes ayant obtenu le dipl&ocirc;me national sup&eacute;rieur d&rsquo;arts plastiques (Dnsap) avec les f&eacute;licitations du jury.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Commissaire : Hou Hanru, Directeur artistique du Mus&eacute;e national des arts du XXI&egrave;me si&egrave;cle - MAXXI, Rome</span><br /><span style="font-size: small;">Le jury du dipl&ocirc;me &eacute;tait compos&eacute; de Hou Hanru, pr&eacute;sident, Farah Atassi, artiste, Mounir Fatmi, artiste, H&eacute;l&egrave;ne Sirven, ma&icirc;tre de conf&eacute;rences, Universit&eacute; Paris I.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Avec Violette Astier, Clarissa Baumann, Renaud Baur, Jessica Boubetra, Jeremy Demester, L&eacute;a Dumayet, Virgile Fraisse, C&eacute;lia Gondol, Joris Henne avec la collaboration de Natasha Lacroix, Kieran Jessel, Maha Kays, Tarik Kiswanson, Antoine Liebaert, Ana Maria Lozano Rivera, Stefano Marchionini, Elena Moaty, Martin Monchicourt, Eleni Pratsi, Kevin Rouillard, Sarah Srage et Romain Vicari.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">&laquo; Le jury fut tr&egrave;s intense. Pendant trois semaines nous avons vu environ cent &eacute;tudiants. J&rsquo;ai trouv&eacute; les &eacute;tudiants tr&egrave;s dynamiques, engag&eacute;s, ouverts d&rsquo;esprit et en regard sur le monde. Beaucoup des profils que nous avons retenus sont all&eacute;s chercher diff&eacute;rents langages, une diversit&eacute;, dans un rapport au monde au-del&agrave; du quotidien. Nous avons &eacute;t&eacute; particuli&egrave;rement enthousiasm&eacute;s par le c&ocirc;t&eacute; actif, mouvement&eacute;, performatif qui a donn&eacute; une tonalit&eacute; commune &agrave; partir de laquelle se tisse l&rsquo;exposition &laquo; Les voyageurs &raquo;. Un esprit dynamique qui pousse &agrave; voyager que ce soit lors de v&eacute;ritables d&eacute;placements g&eacute;ographiques ou culturels, inspir&eacute;s notamment par les exp&eacute;riences de certains F&eacute;licit&eacute;s au Br&eacute;sil, en Tha&iuml;lande, ou au Vietnam &hellip; ou celui par lequel ils cherchent &agrave; s&rsquo;affranchir des fronti&egrave;res entre les disciplines ou entre les diff&eacute;rentes d&eacute;finitions d&rsquo;une activit&eacute;. Ils sont inspir&eacute;s non seulement par les diff&eacute;rences anthropologiques, mais aussi par une r&eacute;-&eacute;valuation du discours sur la modernit&eacute; et comment ce discours se construit. Ces jeunes artistes ne pr&eacute;sentent pas un regard exotique, mais proposent plut&ocirc;t une forme de diversit&eacute; dans un h&eacute;ritage culturel commun. Je trouve que cela est tr&egrave;s beau, tr&egrave;s juste, dans l&rsquo;approche de ce genre de voyages. Ils prennent donc une position active, s&rsquo;inscrivent dans le processus mondial. Ils ne sont pas spectateurs, ne regardent pas les choses avec un regard distanci&eacute; ou touristique. Ils partagent, s&rsquo;int&egrave;grent dans le projet de chaque endroit. Ce sont donc des voyageurs en profondeur&hellip; Les questions soulev&eacute;es sont aussi celles du franchissement des fronti&egrave;res entre les disciplines, entre les diff&eacute;rentes d&eacute;finitions d&rsquo;une activit&eacute;. Nous nous sommes donc attach&eacute;s &agrave; des artistes qui produisent des films se situant entre fiction et recherche historique, entre documentaire et imaginaire&hellip; Ils cherchent toujours une forme d&rsquo;instabilit&eacute;, que je trouve tr&egrave;s belle. Cela rejoint aussi une recherche sur le statut d&rsquo;artiste vu au-del&agrave; de la stricte d&eacute;finition du m&eacute;tier. Au fond, la conclusion c&rsquo;est de dire : aujourd&rsquo;hui &ecirc;tre artiste, c&rsquo;est &ecirc;tre voyageur. &raquo;</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Hou Hanru</span></p> <h2 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Soir&eacute;e du vernissage :</span></h2> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">C&eacute;lia Gondol propose la performance Slow de 19h &agrave; 20h30 en d&eacute;ambulation dans les espaces d&rsquo;exposition.</span><br /><span style="font-size: small;">Interpr&egrave;tes: &Eacute;lise Ladou&eacute;, Nina Santes</span><br /><br /><span style="font-size: small;">L&rsquo;Ecole remet 7 prix aux F&eacute;licit&eacute;s issus de dons et legs, dits &laquo; Prix de Fondations &raquo;.</span><br /><span style="font-size: small;">Lundi 19 octobre, 20h00, chapelle des Petits-Augustins.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Dans le cadre de la collaboration des Beaux-Arts de Paris avec la FIAC, l&rsquo;exposition Les voyageurs fait partie du parcours priv&eacute;.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Plan d&rsquo;&eacute;vasion / Plan d&rsquo;invasion / Plan d&rsquo;appropriation</span><br /><span style="font-size: small;">Performance itin&eacute;rante avec l&rsquo;artiste Clarissa Baumann</span><br /><span style="font-size: small;">Du 20 au 25 octobre tous les jours &agrave; partir de 15h Du 29 octobre au 22 novembre du jeudi au dimanche &agrave; partir de 15h</span></p> Wed, 07 Oct 2015 16:02:44 +0000 Markus Lüpertz, Julien Salaud - Galerie Suzanne Tarasiève - September 17th - October 31st Wed, 07 Oct 2015 15:55:07 +0000 Baptiste Debombourg - Galerie Patricia Dorfmann - October 24th - November 21st <p style="text-align: justify;">Radiance<em> cl&ocirc;t un cycle de trois expositions : </em>Mati&egrave;re noire<em>, &agrave; la Chaufferie de Strasbourg et <br /></em>Champ d&rsquo;acc&eacute;l&eacute;ration<em> dans le patio de la Maison Rouge visible jusqu'au 16 janvier 2016.</em></p> <p style="text-align: justify;">1 / "Mati&egrave;re Noire", du 1er octobre au 12 novembre 2015, &agrave; la Chaufferie de Strasbourg, galerie de la HEAR est le fruit d'une r&eacute;sidence de l'artiste conduite lors du printemps 2015 au sein de l'Atelier Verre (dans la Cadre de la Biennale du Verre).</p> <p style="text-align: justify;">2 / "Champ d'acc&eacute;l&eacute;ration" &agrave; Paris, dans le Patio de la Maison Rouge, Fondation Antoine de Galbert, une invitation des Amis de la Maison Rouge, du 17 octobre au 16 janvier 2016.</p> Wed, 07 Oct 2015 15:34:45 +0000 Fadia Haddad - Galerie Michel Rein - October 22nd - December 19th Wed, 07 Oct 2015 15:26:50 +0000 - Galerie Kreo - October 1st - November 19th <p style="text-align: justify;">History of Taste is a perpetually evolving and reimagined concept where past, present, and future are all intertwined. Discoveries, forgotten memories, disappearances, reassessments, landmarks, and contradictions all take part in its complex elaboration; and each artist, designer, and creation is consistently compared and appreciated at the mercy of evolving gazes, sitting in the history of their discipline which they simultaneously alter. </p> <p style="text-align: justify;">As a result, the art and design lover always asks the same questions : this piece that I am confronted with for the first time ; with what other pieces can I compare it with? How does it fit into my mental puzzle of other pieces that I own or have already seen ? What will I think of it in the future, when its reality would have been buried in technical innovations and successive aesthetic inventions ? What power will it behold for my contemporaries ? What does it say of our time ? &ldquo;signs of time&rdquo; acts like an exhibition of meetings</p> <p style="text-align: justify;">&mdash;</p> <p style="text-align: justify;">a venture so often pursued by Galerie kreo</p> <p style="text-align: justify;">&mdash;</p> <p style="text-align: justify;">and moreover represents the joint response of Didier Krzentowski and J&eacute;r&ocirc;me de Noirmont to the questions asked above. In the form of a rebus, the show juxtaposes emblematic pieces by designers who have been a part of Galerie kreo for many years, and others who have recently joined the gallery, with works by contemporary artists chosen by J&eacute;r&ocirc;me de Noirmont, including a substantial number of pieces by A.R. Penck, a central figure within the German arts scene. The exhibition&rsquo;s geographical and conceptual horizon is further expanded with the addition of some of Azzedine Alaia&rsquo;s soft&nbsp; &ldquo;archisculptures&rdquo; and Jean-Christophe Charbonnier Collection&rsquo;s war masks from Japan&rsquo;s 18th -century Edo period. Each unique piece has been carefully curated into an ensemble that acts on various aesthetic, chromatic, conceptual, and playful levels. The works reflect each of our times, acting symbolically as the archaeology of contemporary creation. </p> <p style="text-align: justify;">Bringing together works created between the beginning of the 1980s (for some of A.R Penck&rsquo;s paintings) and the beginning of 2015, &ldquo;signs of time&rdquo; proposes a journey through contemporary art and design thanks to the dedication of the two collectors, who have been friends for more than twenty years. When Didier et Cl&eacute;mence Krzentowski founded their gallery in 1999, J&eacute;r&ocirc;me de Noirmont was one of their first followers, convinced of the strength of their project. Sixteen years of activity and the pieces reunited show testimony to the strength he saw. Symbolic of the practice of fourteen designers from different generations and nationalities, these works act as condensed examples of their practices : in their technical research (Cellae by Fran&ccedil;ois Bouchet, Strap by David Dubois, Monroe by Konstantin Grcic, Swatch by Hella Jongerius), their evocative power (Hanging Light by Brynjar Sigur&eth;arson, Game on by Jaime Hayon, Frozen Square Hogweed Table from Studio Wieki Somers), their stylistic synthesis (Roches by Ronan and Erwan Bouroullec, Carrara Tables by Jasper Morrison), their resolute singularity (Ignotus Nomen by Pierre Charpin, Janne Cowbench by Julia Lohmann) and their iconic status. Several of the pieces, notably the legendary light fixture by Gino Sarfatti and the three chairs : Embryo by Marc Newson (1988), Proust Poltrona by Alessandro Mendini (1990) and the Stool by Andrea Branzi (2007) are landmarks in the history of design.</p> <p style="text-align: justify;">Surrounding these pieces, several iconic works by A.R. Penck create a forest of instantly recognisable inscriptions all over. Penck&rsquo;s stylistic self-evidence is further complemented by a constant effort to achieve precision and to go on innovating. The creations of Fabrice Hyber and the American duo McDermott and McGough similarly display this dual quality: that of bringing one&rsquo;s own style and pairing it with formal inventiveness. &ldquo;I always imagine my own work to be like a visual search. The most important experience : the contemplation of the piece by the viewer &rdquo; explained A.R.Penck, emphasising his desire to create a direct dialogue with the the viewer thanks to an expressive and universal iconography, a familiar vocabulary that is paired down and graphic. In a word, manifestly his vision materialised in three dimensions. This visual expression, a marker of timelessness for creation has also spread to the entire ensemble of pieces included in &ldquo;signs of time&rdquo;, a new chapter of the eternal history of taste, a chapter that has been deliberately formed thanks to the subjectivity and freedom of two serial collectors and all of their ensuing viewers.</p> <p style="text-align: justify;">C. Diri&eacute;</p> <p>&nbsp;</p> Wed, 07 Oct 2015 10:00:37 +0000 - Galerie Art' et Miss - October 20th - October 28th Wed, 07 Oct 2015 09:25:48 +0000 - Galerie Art' et Miss - October 10th - October 19th Wed, 07 Oct 2015 09:21:30 +0000 - Galerie Art' et Miss - October 10th - October 19th Wed, 07 Oct 2015 09:21:06 +0000