ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Michel Huelin - GALERIE ZURCHER - May 21st - July 9th <p>&laquo;&nbsp;Mes travaux s&rsquo;inscrivent dans une relation &eacute;quivoque avec la nature&nbsp;&raquo; souligne l&rsquo;artiste suisse Michel Huelin qui proc&egrave;de par une approche transdisciplinaire. Peintre, ses paysages des ann&eacute;es 90 &eacute;taient d&eacute;j&agrave; tributaires de pratiques aussi diverses que la vid&eacute;o et le ski de haute montagne&nbsp;! Des paysages tellement d&eacute;tourn&eacute;s dans leur repr&eacute;sentation que celle-ci appara&icirc;t comme la manifestation d&rsquo;un trouble, &agrave; commencer par celui de la vision.</p> <p>Depuis le d&eacute;but des ann&eacute;es 2000, Michel Huelin brouille les rep&egrave;res, offrant un m&eacute;lange d&rsquo;&eacute;l&eacute;ments de l&rsquo;espace intime (issu de ses &eacute;tudes sur le design mobilier) et de l&rsquo;espace interne (issu de son travail sur l&rsquo;imagerie m&eacute;dicale), initiant une esth&eacute;tique organique qu&rsquo;il d&eacute;veloppe autant de mani&egrave;re physique par la peinture (huile et r&eacute;sines alkydes) que de mani&egrave;re num&eacute;rique par des images g&eacute;n&eacute;r&eacute;es par ordinateur. Le processus lanc&eacute; par l&rsquo;artiste cr&eacute;e des variations ph&eacute;notypiques offrant l&rsquo;illusion du principe fondamental de l&rsquo;&eacute;volution.</p> <p>Michel Huelin obtient ainsi l&rsquo;image d&rsquo;esp&egrave;ces nouvelles dont le caract&egrave;re fictionnel ne suffit pas &agrave; &eacute;carter le trouble qui saisit le spectateur en constatant que cet environnement artificiel prend une place aussi &ldquo;naturelle&rdquo;. D&rsquo;autant que dans la nature, ces &laquo;&nbsp;invasive species&nbsp;&raquo; &ndash; ainsi que l&rsquo;artiste les a lui-m&ecirc;me d&eacute;sign&eacute;s &ndash; poss&egrave;dent des caract&egrave;res tr&egrave;s proches de ceux que l&rsquo;artiste met en &oelig;uvre virtuellement, en particulier la capacit&eacute; d&rsquo;une reproduction asexu&eacute;e, rapide et &agrave; ce point capable d&rsquo;adaptation en toutes circonstances.</p> <p>Michel Huelin d&eacute;livre ainsi des images conformes aux repr&eacute;sentations possibles d&rsquo;un &eacute;cosyst&egrave;me du futur g&eacute;n&eacute;tiquement modifi&eacute;. Avec cette &eacute;volution technique, les pr&eacute;occupations &eacute;thiques prennent une place pr&eacute;pond&eacute;rante. Michel Huelin imagine un univers de mutations suscitant &agrave; la fois la fascination et le malaise,&nbsp;manifestations d&rsquo;une techno-nature en expansion selon un principe de prolif&eacute;ration, comme la nature elle-m&ecirc;me sans contr&ocirc;le ni limite hormis celle de la perception du d&eacute;tail, cette notion m&ecirc;me devenant elle-m&ecirc;me imperceptible et floue. La complexit&eacute; du processus pictural lui-m&ecirc;me renforce encore cet &eacute;tat d&rsquo;hybridation.</p> <div> <p>Entre les <em>Landscape Recovery</em> et les <em>Recovery Landscape </em>la diff&eacute;rence est, en premier lieu, technique: les premiers recourent au lambda print quand les seconds sont des images imprim&eacute;es sur des transparents puis peintes, puis scann&eacute;es et enfin imprim&eacute;es en jet d&rsquo;encre sur un papier l&eacute;g&egrave;rement textur&eacute;. Les peintures proprement dites ne donnent pas moins l&rsquo;illusion de l&rsquo;irr&eacute;alit&eacute;. Comme l&rsquo;indique Michel Huelin&nbsp;: &laquo;&nbsp;cette prolif&eacute;ration est quantifiable, le fouillis et le d&eacute;sordre sont fictifs et ne cherchent pas &agrave; passer pour r&eacute;els&nbsp;&raquo;.</p> <p><br /> <em>Bernard Z&uuml;rcher</em></p> </div> Tue, 03 May 2016 17:02:44 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Francis Alÿs, Aurélie Pétrel, George Brecht, Claude Closky, Christian Marclay, Various other artists - cneai - May 11th - May 21st <p>&nbsp;</p> <p><strong>&nbsp;</strong></p> <p><span style="font-size: x-large;"><strong>SEUILS DE VISIBILIT&Eacute;</strong></span></p> <p><strong><span style="font-size: medium;">11 May to 21 May 2016</span><br /><br /></strong></p> <p><span style="font-size: small;"><strong>Works from the Cneai's collection together with a new project by artist Aur&eacute;lie P&eacute;trel</strong></span></p> <p><span style="font-size: small;"><strong>Curated by the students of the MBA in Arts and Cultural Management at IESA&nbsp;</strong><strong>INTERNATIONAL and Paris School of Business at the Cneai with the participation of&nbsp;</strong><strong>Audrey Illouz, Aur&eacute;lie P&eacute;trel and Sylvie Boulanger</strong></span></p> <p><br /><br /></p> <p>The exhibition explores <strong>the notion of performative action</strong> through the <strong>Cneai's collection of ephemera and multiples</strong> indistinctly. It focuses on scores, scripts, instructions and actions inviting the viewers to interpret, or simply touch the objects they are facing. It takes as a starting point works from the Fluxus movement such as Water Yam, a game created by George Brecht in which instructions &ndash;<em> fluxscores</em> &ndash; are printed on small cards. Another seminal work is Richard Kostelanetz's book <em>Scenarios: Scripts to Perform</em> (1980) in which the contributions by a diverse range of poets, artists and musicians like Marina Abramovic &amp; Ulay, John Cage, Nam June Paik and Jonas Mekas play with performative action through the many entries. The selection of works explores the performative actions that may remain hidden to the viewer when the object is exhibited in a showcase.</p> <p>Due to the very nature of artists' books and prints, many elements are concealed, latent and cannot be revealed to the viewer at first glance. How can the viewer apprehend such objects? What can one grasp when seeing them only partially or without touching them?</p> <p>To investigate further these issues, we have commissioned a <strong>new work by artist Aur&eacute;lie P&eacute;trel</strong>. The artist has been exploring the notion of visibility through her work dealing with photography in its relation to space and display. Aur&eacute;lie P&eacute;trel creates a specific project that plays upon handling the artworks from the collection, pushing further their manipulation together with their levels of visibility. Through photography, the new fragments we grasp may lead to other interpretations.</p> <p>Throughout the exhibition, <strong>tours will be available in English</strong> which include the opportunity for visitors to experience these objects being handled by mediators.&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> <p><strong>About Cneai:</strong> Dedicated to media works since 1997,the Cneai has been transforming in line with artistic desires and necessities : creating a collection of editions (600 editions), building the FMRA collection (11 000 artists' publications), commissioning the Floating House from the Bouroullec brothers and renovating Cneai's current home, the Maison Levanneur, with architects Bona and Lemercier in 2012. With the opening of the renovated space the Cneai began a new artistic and cultural project,and a new way to envision the idea of a space for art and its public. Transformed by the Bona-Lemercier architecture agency, the spaces have been completely rethought to give a new dimension allowing an easy and clutter-free access to the displays.</p> <p><strong>About Aur&eacute;lie P&eacute;trel:</strong> Born in 1980, she lives and works in Paris and Geneva. Through various encounters and collaborations her works constantly question images, their status, (re)presentation and activation, as well as their production processes. This artist does not consider herself a photographer: she deconstructs; reconnects; questions within the bounds of the media. She paves the way by exploring the margins, making the photographic material resonate in a dialogue with thousands of voices. Like a dialectic stemming from the same and the other, without ever repeating she develops, reveals what is in the negative space, not showing. Yet Aur&eacute;lie P&eacute;trel is a photographer: the issues in her shots are always significant. They act as a trigger, the driving force of an expression like a musical score. The first movement makes the rest possible. By blurring the boundaries between work, representation and the world experienced, she transforms our perspectives.</p> <p><strong>About the MBA in Arts and Cultural Management program:</strong> The MBA in Arts and Cultural Management program delivered by IESA INTERNATIONAL and Paris School of Business trains early career arts professionals with a specific interest in the art market and management. The course applies essential elements of business to the arts and cultural sector.</p> <p>This exhibition marks the final group project for the class of 2016.</p> Tue, 03 May 2016 14:20:24 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Group Show - School Gallery - May 12th - June 4th <p style="text-align: justify;">A l&rsquo;occasion du group Show No(s) Drawings vous aurez le plaisir de rencontrer konrad qui a rejoint la Team School Gallery ce printemps.</p> <p>&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Des barbes de cent jours, des tifs en d&eacute;sordre, des rides qui dessinent des valons, des montagnes, des crevasses : les portraits g&eacute;ants de konrad sont des paysages et des errances, les visages de ceux qui n&rsquo;ont plus rien ou de vieux sages disciples de Diog&egrave;ne. Leur peau, devenue comme l&rsquo;&eacute;corce d&rsquo;un arbre, parle, crie, pleure. S&rsquo;inscrivent &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur, la rue et l&rsquo;humanit&eacute;. Entre les plis de ces carcasses &agrave; l&rsquo;abandon, entre les poils, entre les bosses, les yeux l&rsquo;emportent. Des yeux &eacute;lectriques. Nobles. Des yeux pleins. Des yeux qui signalent au monde que le monde a oubli&eacute; les hommes. L&rsquo;&eacute;motion se plante toujours dans les yeux. Et c&rsquo;est la solitude, le d&eacute;nuement, l&rsquo;injustice que l&rsquo;on regarde droit en face, et c&rsquo;est l&rsquo;&acirc;me qui s&rsquo;en sort, se soul&egrave;ve, sauv&eacute;e, vivante. L&rsquo;hyperr&eacute;alisme des dessins de konrad, sa virtuosit&eacute; technique, les grands formats, la couleur bleue du stylo &agrave; bille, offrent &agrave; ces visages une aura, une pr&eacute;gnance, une r&eacute;alit&eacute;. Ils leur donnent une place, un espace d&rsquo;existence. On pense aux photographies des sans domicile fixe de Lee Jeffries et, bien s&ucirc;r, aux portraits de Chuck Close. Chuck Close, croqu&eacute; &agrave; son tour par konrad, ne voyait-il pas dans un visage une &laquo; carte routi&egrave;re de la vie &raquo; ? Une t&ecirc;te de vieillard appara&icirc;t sur la page d&rsquo;un atlas, traversant les pays, les villes, les villages, les fronti&egrave;res comme un grand voyage &agrave; rebours. Et un philosophe, et un humoriste, Onfray sage, Rollin qui gueule, ont le droit, aussi, aux d&eacute;tails de leur image.</p> <p style="text-align: justify;">&Agrave; cot&eacute; des hommes, konrad dessine des objets, des chaises c&eacute;l&egrave;bres du design. La Panton chair, la Zig-Zag, la Vegetal ou la Standard de Jean Prouv&eacute; se couchent sur le papier dans une version bleu pastel du stylo &agrave; bille, m&eacute;lancolique et vuln&eacute;rable comme une sanguine. Priv&eacute;es de toute utilit&eacute;, r&eacute;sistent sur la feuille leur rang d&rsquo;ic&ocirc;nes et leur inutile beaut&eacute;.</p> Fri, 29 Apr 2016 16:28:18 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Group Show - Martine Aboucaya - May 12th - June 22nd Fri, 29 Apr 2016 16:20:29 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Clémence van Lunen - Galerie Polaris - May 3rd - June 4th Fri, 29 Apr 2016 16:05:03 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Anne-Sophie Cochevelou - Galerie Isabelle Gounod - April 30th - May 28th <p class="Pa2" style="text-align: justify;">La galerie Isabelle Gounod a le plaisir de pr&eacute;senter la premi&egrave;re exposition d&rsquo;Anne-Sophie Cochevelou. Artiste fran&ccedil;aise &eacute;tablie &agrave; Londres, Anne-Sophie Cochevelou propose dans &laquo; Obsolescence d&eacute;programm&eacute;e &raquo; une r&eacute;flexion sur la r&eacute;appropriation culturelle par un maximalisme foisonnant qui lui est cher, c&eacute;l&eacute;brant ainsi la richesse des cultures revisit&eacute;es &agrave; travers des objets de r&eacute;cup&eacute;ration.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Plasticienne et performeuse, elle d&eacute;veloppe au quotidien son esth&eacute;tique de l&rsquo;ornement, de l&rsquo;accumulation donnant forme &agrave; des cr&eacute;ations exub&eacute;rantes et improbables qui explorent le concept de <em>wearable art </em>et d&eacute;fendent un &laquo;f&eacute;minisme de l&rsquo;hyperf&eacute;minit&eacute;&raquo;.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">L&rsquo;artiste questionne le corps de la femme dans la soci&eacute;t&eacute; post-moderne et plus particuli&egrave;rement les paradoxes du f&eacute;minisme &agrave; travers une performance costum&eacute;e. La robe, r&eacute;alis&eacute;e &agrave; l&rsquo;aide d&rsquo;une crinoline sur laquelle sont cousues des centaines de jambes de Barbies recouvertes de pantalons, est pens&eacute;e comme installation et comme medium de la performance. Le public est invit&eacute; &agrave; d&eacute;placer ou ajouter des &eacute;l&eacute;ments &agrave; l&rsquo;installation pour la personnaliser. La performance joue sur l&rsquo;ambigu&iuml;t&eacute; d&rsquo;un strip-tease entre d&eacute;voilement et pr&eacute;servation. L&rsquo;oeuvre finale, suspendue dans l&rsquo;espace d&rsquo;exposition, devient le point de rencontre entre deux pratiques : celle de l&rsquo;artiste et celle de l&rsquo;audience qui cr&eacute;e sa propre conception de l&rsquo;oeuvre gr&acirc;ce &agrave; cette interaction rendue possible.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Anne-Sophie Cochevelou &eacute;labore ses oeuvres &agrave; partir d&rsquo;&eacute;l&eacute;ments tr&egrave;s divers qu&rsquo;elle va r&eacute;cup&eacute;rer, chiner dans des brocantes ou encore des vide-greniers. Ces &eacute;l&eacute;ments vont ensuite &ecirc;tre assembl&eacute;s pour donner corps &agrave; des cr&eacute;ations et des mises en sc&egrave;ne th&eacute;&acirc;trales qui puisent leur inspiration dans un imaginaire baroque. A la galerie, l&rsquo;artiste s&rsquo;est empar&eacute;e de symboles culturels japonais, chinois, am&eacute;rindiens ou encore Moris qu&rsquo;elle d&eacute;tourne en confectionnant des objets qui mettent &agrave; l&rsquo;honneur un &eacute;clectisme culturel. C&rsquo;est ainsi qu&rsquo;elle &eacute;pingle au mur un Kimono qui est litt&eacute;ralement &laquo; une chose que l&rsquo;on porte sur soi &raquo; - <em>kiru </em>et <em>mono </em>en japonais - sur lequel elle brode des Moshis Monsters, embl&egrave;me de la culture japonaise contemporaine <em>Kawaii </em>et <em>Manga</em>. Ce Kimono devient alors un v&ecirc;tement narratif charg&eacute; de symboles revisit&eacute;s. Une s&eacute;rie de parures compos&eacute;es de coiffes et de plastrons posent quant &agrave; eux un regard critique sur notre soci&eacute;t&eacute;. Une coiffe d&rsquo;inspiration am&eacute;rindienne d&eacute;nonce le g&eacute;nocide perp&eacute;tr&eacute; par les colons lors de la conqu&ecirc;te de l&rsquo;Am&eacute;rique tandis qu&rsquo;un plastron repr&eacute;sentant les quatre &acirc;ges de la femme nous rappelle l&rsquo;in&eacute;luctabilit&eacute; de notre destin.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Anne-Sophie Cochevelou con&ccedil;oit le monde comme une vaste sc&egrave;ne et a ce don tr&egrave;s singulier de th&eacute;&acirc;traliser les objets qui l&rsquo;entourent.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;"><strong>Anne-Sophie Cochevelou </strong>est n&eacute;e en 1990 &agrave; Toulon. Elle vit et travaille &agrave; Londres.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Apr&egrave;s une hypokh&acirc;gne-kh&acirc;gne &agrave; Paris (2008-2011), Anne-Sophie Cochevelou r&eacute;alise un Master &ldquo;Performance Design &amp; Practice&rdquo; &agrave; La Central Saint Martins de Londres de 2011 &agrave; 2013 o&ugrave; elle &eacute;crit et monte deux productions th&eacute;&acirc;trales au Platform Theatre et cr&eacute;e son propre collectif de performance &ldquo;Luxuriouxsnacks&rdquo;.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Anne Sophie Cochevelou con&ccedil;oit depuis ses propres performances. Elle s&rsquo;est produite au &ldquo;Barbican Centre&rdquo;, au &ldquo;Battersea Art Centre&rdquo;, au &ldquo;Fringe Festival &agrave; Brigthon&rdquo;, ou encore &ldquo;Camdem Theatre People&rdquo; et r&eacute;cemment &agrave; Paris &agrave; la Galerie Isabelle Gounod, dans le cadre de l&rsquo;exposition consacr&eacute;e au photographe Anthony Lycett.</p> <p style="text-align: justify;">Ses pi&egrave;ces ont &eacute;t&eacute; expos&eacute;es &agrave; la &ldquo;Saint Pancras Gallery&rdquo; &agrave; Camdem, ainsi qu&rsquo;&agrave; la &ldquo;West Bank Gallery&rdquo; &agrave; Portobello ou &agrave; &ldquo;Cult Mountain&rdquo; &agrave; Bricklane.</p> Fri, 29 Apr 2016 15:57:13 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Francesca Woodman - Fondation Henri Cartier-Bresson - May 11th - July 31st <div class="description"> <div class="description"> <p style="text-align: justify;">The Fondation Henri Cartier-Bresson is pleased to be presenting the dazzling work of American photographer Francesca Woodman (1958&ndash;1981). Rooted in constant exploration of herself and the medium, Woodman&rsquo;s insightful, deeply intimate approach turned her photography into a second skin. In her images she made almost exclusive use of her own body: It&rsquo;s a matter of convenience, she explained, I&rsquo;m always available. Despite her premature passing at the age of twenty-two, Woodman left an impressive body of work. And while the pictures betray a host of influences ranging from Symbolism to Surrealism, her own talent was as prodigious as it was precocious.</p> </div> <div class="description" style="text-align: justify;"> <p>Francesca Woodman explores her own image although her inspiration drives her to navigate into the photographic technic and the act of writing. Her staging in desolated rooms, the ghostly body presence in the middle of spaces in decay, of houses on the threshold of demolition outreached the pure self-portrait genre. Preps and setups disclose assumed surrealist influences, glasses, mirrors, peeling paint, ripped wallpaper. The body is to be fiddled with, fragmented until mingling with its environment and raises issues about metamorphosis and genre. These insolent and disconcerting images of a rare intensity arouse the ephemeral, the elusiveness of time.</p> <p>The artist photographs are part of international museum collections such as the Tate Modern in London and the Metropolitan Museum of Art in New York. The first travelling exhibition of her works has been organized in 1986 and her main European exhibitions in the 90&rsquo;s. La Fondation Cartier and Les Rencontres Internationales de la Photographie d&rsquo;Arles have been the first and last institutions to present a retrospective of her work in France, in 1998.</p> <p>&nbsp;</p> <p>The exhibition including a hundred prints, video and documents has been organized in collaboration with the Estate of Francesca Woodman in New York and Anna Tellgren, the curator. After the Moderna Museet in Stockholm and FOAM in Amsterdam, the European tour of the exhibition will end up at the Moderna Museet in Malm&ouml;.</p> <hr /> <p>&nbsp;</p> </div> <p style="text-align: justify;">La Fondation Henri Cartier-Bresson pr&eacute;sente l&rsquo;oeuvre fulgurante de la photographe am&eacute;ricaine Francesca Woodman (1958-1981). Par son travail profond&eacute;ment intime et sensible, fond&eacute; sur l&rsquo;exploration perp&eacute;tuelle du soi et du m&eacute;dium, elle fait de la photographie sa seconde peau. Francesca Woodman a quasi exclusivement utilis&eacute; son corps dans ses images, ainsi je suis toujours &agrave; port&eacute;e de main, explique-t-elle, quand l&rsquo;urgence de la repr&eacute;sentation se manifeste. Malgr&eacute; sa disparition pr&eacute;matur&eacute;e &agrave; l&rsquo;&acirc;ge de vingt-deux ans, Francesca Woodman laisse une impressionnante production visuelle. Ses photographies d&eacute;voilent de multiples influences allant notamment du symbolisme au surr&eacute;alisme mais sa pr&eacute;cocit&eacute; est prodigieuse.</p> </div> <div class="description"> <p style="text-align: justify;">Francesca Woodman explore sa propre image mais son imp&eacute;tueuse imagination la m&egrave;ne &eacute;galement vers des r&eacute;flexions sur la technique photographique et l&rsquo;&eacute;crit. Ses mises en sc&egrave;ne &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur de pi&egrave;ces d&eacute;pouill&eacute;es, l&rsquo;apparition fantomatique du corps au milieu d&rsquo;espaces en d&eacute;cr&eacute;pitude, de maisons sur le point d&rsquo;&ecirc;tre d&eacute;molies d&eacute;passent le strict genre de l&rsquo;autoportrait. Les accessoires et mises en sc&egrave;ne tendent vers des influences surr&eacute;alistes assum&eacute;es, verres, miroirs, peinture &eacute;caill&eacute;e, papier peint d&eacute;chir&eacute;. Le corps quant &agrave; lui est tritur&eacute; et fragment&eacute; jusqu&rsquo;&agrave; se fondre dans son environnement et soulever des questions sur la m&eacute;tamorphose ou le genre. Ces images insolentes, d&eacute;routantes et d&rsquo;une d&rsquo;une rare intensit&eacute; &eacute;voquent l&rsquo;&eacute;ph&eacute;m&egrave;re, la fugacit&eacute; du temps.<br /> Les oeuvres de l&rsquo;artiste font partie de collections de mus&eacute;es internationaux comme la Tate Modern &agrave; Londres ou le Metropolitan Museum of Art &agrave; New York. La premi&egrave;re exposition itin&eacute;rante du travail de Francesca Woodman date de 1986 et ses principales expositions europ&eacute;ennes, des ann&eacute;es 1990. La Fondation Cartier et les Rencontres Internationales de la Photographie d&rsquo;Arles ont &eacute;t&eacute; les premiers ont &eacute;t&eacute; les premiers &agrave; lui consacrer une r&eacute;trospective en France, en 1998.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition est constitu&eacute;e d&rsquo;une centaine de tirages, vid&eacute;os et documents. Elle est con&ccedil;ue en collaboration avec l&rsquo;Estate Francesca Woodman &agrave; New York et Anna Tellgren, commissaire. Apr&egrave;s le Moderna Museet de Stockholm et FOAM &agrave; Amsterdam, la tourn&eacute;e europ&eacute;enne s&rsquo;ach&egrave;vera au Moderna Museet de Malm&ouml;.</p> </div> Fri, 29 Apr 2016 15:37:44 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Lobna al Ameen - Europia Galerie - May 3rd - June 3rd Fri, 29 Apr 2016 15:32:45 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list