ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Georg Baselitz - Galerie Catherine Putman - May 16th - June 27th Fri, 24 Apr 2015 15:04:57 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Em'kal Eyongakpa - Kadist Art Foundation - May 22nd - July 26th <p style="text-align: justify;">Em' kal Eyongakpa approaches the experienced, the unknown as well as collective histories, through a ritual use of repetitions and transformation. He works with photography, video, sculpture, text, sound and performance.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">His residence at Kadist draws from a sonic experience during one of his Paris visits, in May 2013:&nbsp;<br />"Walking pass a street in the neighborhood of Ch&acirc;teau Rouge, street vendors negotiating with their clients left me with a feeling of displacement and nostalgia &mdash; a sense of familiar sounds struggling in a Parisian architectural setting. The rhythmic currency, negotiation codes to product names, all perculiar to open markets public spaces across central and west Africa and the nuances inbetween."</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;&nbsp;Fumbua&nbsp;! carton &agrave; 10 euros, 
bobolo&nbsp;! 3 pour 2 euros,&nbsp;<br />Safou, 8 &agrave; 5 euros, ceintures, arachide frais....&nbsp;&raquo;</p> <p style="text-align: justify;">For his experiment,&nbsp;<em>negotiations, chapter I-i</em>, Em'kal Eyongakpa composes a fragmented narrative from sounds recorded in Paris and Douala, in selected informal market settings, transport routes with excerpts from natural soundscapes or spaces where the objects of these negotiations are extracted. 
In these spaces of negotiations, identities are in constant mutation as the ancient confronts set urban codes. The dynamics of these spaces usually tend to mirror "maximalist" urban variants of ethnic music; like Bikutsi in Cameroun, Congotronics in RDC or even Juju in Nigeria.</p> <p style="text-align: justify;">
In&nbsp;<em>negotiations I-i</em>, the artist plays with undertones of negotiations and creolization of these highly political spaces. He attempts a dialogue between the intense anthrophony of these spaces in and with a "white cube".</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;&nbsp;How could one capture the beautiful essence or energies of these spaces of constant negotiations without over-altering the &laquo;&nbsp;maximalist&nbsp;&raquo; nature of the loud and seemingly chaotic environments.&nbsp;&raquo;</p> Fri, 24 Apr 2015 14:55:39 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Raphaëlle Ricol, Mathieu BOISADAN, Mohamed Ben Slama - Galerie Patricia Dorfmann - May 16th - June 20th <p style="text-align: justify;">Avec la complicit&eacute; de Jean-Michel Marchais Texte : Marguerite Pilven &laquo; La contemporan&eacute;it&eacute; est une singuli&egrave;re relation avec son propre temps, auquel on adh&egrave;re tout en prenant ses distances, elle est tr&egrave;s pr&eacute;cis&eacute;ment la relation au temps qui adh&egrave;re &agrave; lui par le d&eacute;phasage et l&rsquo;anachronisme &raquo;. Giorgio Agamben</p> <p style="text-align: justify;">Qu&rsquo;ont en commun les peintres Mohamed Ben Slama, Mathieu Boisadan et Rapha&euml;lle Ricol ? Celui de ne pas ignorer d&rsquo;o&ugrave; ils peignent. Il n&rsquo;est pas inutile de le pr&eacute;ciser &agrave; la vue de tant de &laquo; propositions &raquo; artistiques interchangeables, dont l&rsquo;&eacute;gotisme et l&rsquo;absence de singularit&eacute; forment le d&eacute;solant paradoxe. Dans ces &oelig;uvres, l&rsquo;histoire personnelle et l&rsquo;observation du monde s&rsquo;enrichissent l&rsquo;une l&rsquo;autre, l&rsquo;exp&eacute;rience et la m&eacute;moire transitent, se transforment et s&rsquo;organisent en un devenir image.</p> <p style="text-align: justify;">Apr&egrave;s avoir d&eacute;velopp&eacute; un travail marqu&eacute; par un h&eacute;ritage pictural fort revisitant les effets dramatiques de la grisaille, du clair obscur et de l&rsquo;emp&acirc;tement, <strong>Mathieu Boisadan</strong>, artiste autodidacte, d&eacute;veloppe un style plus libre dans son approche des sujets et de la composition. Sa d&eacute;marche proc&egrave;de d&rsquo;un double d&eacute;sir de confronter sa r&eacute;alit&eacute; &agrave; celle de l&rsquo;histoire de la peinture. Son int&eacute;r&ecirc;t pour l&rsquo;histoire contemporaine lui fait construire d&rsquo;&eacute;tonnantes visions o&ugrave; la violence des conflits ukrainiens, dont il extrait les clich&eacute;s dans la presse, est contrebalanc&eacute;e par un traitement chromatique doux, exempt de &laquo; couleur locale &raquo;. Des r&eacute;miniscences de ses fr&eacute;quents voyages en Europe Centrale et de la peinture russe du 19e si&egrave;cle d&eacute;couverte &agrave; Moscou - celle de Mika&iuml;l Nesterov lui donnant envie d&rsquo;&eacute;claircir sa palette - nourrissent ses &oelig;uvres les plus r&eacute;centes. En multipliant les sources d&rsquo;inspiration, Mathieu Boisadan d&eacute;crit une trajectoire &agrave; la fois document&eacute;e et imaginaire qui ouvre sur des mondes &agrave; la tonalit&eacute; onirique.</p> <p style="text-align: justify;">Les &oelig;uvres introspectives de <strong>Mohamed Ben Slama</strong> croisent l&rsquo;histoire biographique et le fait de soci&eacute;t&eacute;. Leur style &eacute;nigmatique et provocant repose sur une forme de silence, une expression contenue. Dans sa derni&egrave;re s&eacute;rie de tableaux, des groupes de personnages, mi-hommes mi-b&ecirc;tes, embarquent sur de fragiles pneumatiques color&eacute;s dont on ne sait s&rsquo;ils sont une bou&eacute;e de sauvetage ou une piscine pour enfants. Le traitement des espaces d&eacute;pourvu de profondeur apporte un trouble suppl&eacute;mentaire &agrave; ces r&eacute;cits de voyages immobiles dont on devine la port&eacute;e all&eacute;gorique. Extrayant ses figures d&rsquo;un fond monochrome noir, l&rsquo;artiste compose un jeu subtil, pr&eacute;cis&eacute;ment r&eacute;gl&eacute;, entre les corps et la lumi&egrave;re qui les d&eacute;voile et les mod&egrave;le. La lumi&egrave;re th&eacute;&acirc;trale fait aussi vibrer ces compositions statiques de moments cl&eacute;s. Il y a par exemple cette main pos&eacute;e sur un homme qui nous tourne le dos, une main que nous n&rsquo;avions d&rsquo;abord pas vu &oelig;uvrer dans l&rsquo;ombre, trop occup&eacute;s par un fant&ocirc;me agitant les bras, revenant d&rsquo;on ne sait quel ailleurs illusoire o&ugrave; l&rsquo;herbe, dit-on, serait plus verte. Ces images mentales proches de l&rsquo;apparition ont la persistance d&rsquo;un r&ecirc;ve insondable.</p> <p style="text-align: justify;">La peinture de<strong> Rapha&euml;lle Ricol</strong> &eacute;volue aussi rapidement que ses humeurs et ses envies. La joie de se laisser surprendre par les devenirs de ses propres tableaux l&rsquo;entra&icirc;ne le temps d&rsquo;une toile dans une suite de d&eacute;fis, une d&eacute;couverte en cascade de mondes qu&rsquo;elle ne refuse jamais de traverser, par app&eacute;tit de d&eacute;livrance. Tout s&rsquo;ouvre et se fend dans ses tableaux, les corps se livrent &agrave; de terribles m&eacute;tamorphoses, comme mus par un imp&eacute;tueux d&eacute;sir de cro&icirc;tre, des flux color&eacute;s en jaillissent et des membres s&rsquo;en s&eacute;parent pour aller voir ailleurs. Des t&ecirc;tes tombent aussi ! On ne s&rsquo;&eacute;tonnera donc pas de croiser Lewis Carroll et Barbe Bleue dans ses r&eacute;cents tableaux. Rapha&euml;lle Ricol maquille les apparences ou les met &agrave; nu, chahutant les attributs que l&rsquo;on pr&ecirc;te commun&eacute;ment &agrave; l&rsquo;homme, la femme, l&rsquo;enfant et l&rsquo;animal. Elle s&rsquo;amuse aussi des jeux de pouvoir qu&rsquo;elle observe avec l&rsquo;acuit&eacute; d&rsquo;une artiste n&eacute;e sourde. Par &eacute;nergie sans doute, sa peinture &eacute;tourdissante et solaire sait se passer d&rsquo;ironie.</p> Fri, 24 Apr 2015 14:51:56 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Sun Yu, Zhu Xinyu, Fu Site, Ma Sibo, Yan Heng, Wang Haiyang - Galerie Paris-Beijing - June 4th - July 31st <h2 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Galerie Paris-Beijing is pleased to present the exhibition STATE OF MIND, painting China now, gathering the works of Wang Haiyang, Yan Heng, Ma Sibo, Fu Site, Zhu Xinyu et Sun Yu. These six painters are representatives of a new wave of Chinese figurative painting, focused on the expression of an inner world, states of mind, feelings or existential questions of individuals.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Born in the 80&rsquo;s, the exhibited artists have not directly experienced the pivotal events of the Cultural Revolution and grew up in the midst of an economic boom. Their approach is remote from those of the 1990&rsquo;s Avant&ndash;Garde and frees itself from all historical or political critique of the 20th century China.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> This new generation finds her inspiration sources and subjects in the intimate sphere of people living in the heart of the today&rsquo;s ultramodern and ultrafast Chinese society. Paintings of these artists reveal, in different ways, the same search of an escape or of a freedom space for individual consciousness in the frenetic life of an ever-changing country. In a distinctive personal style, each painter gives free reign to the unconscious and lets emerge his anxieties, fears or dreams. Illusions and fantasy references are recurrent in the works: behind apparent normalcy often hides a feeling of unease.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The exhibition of the six artists selected by Galerie Paris-Beijing is an opportunity to discover an interesting face of the new Chinese figurative painting that invites us to meet with the strange and whimsical. The works exhibited also offer an original testimony to the new generation feelings in front of extraordinary transformations and inexorably Western culture impacts China is going through.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Artists and works</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Fu Site&rsquo;s canvases seem to superimpose the layers and time of the narrative, introducing a psychological dimension to the space. Hallucinatory visions rear up in the immobile d&eacute;cor like traces or snippets of memories or fantastical presences. A perfectly mastered use of mixed media &ndash; China ink, pencil and oils &ndash; allows Site Fu (b. 1984, Liaoning) to play with the spatial layers to introduce a blurred temporality. Behind the curtains of a waiting room, between the veils of a canopy or in the reflection of a pool, troubling scenes emerge, as if insidious truths were hiding under an apparent calm&hellip;</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The work of the painter and video artist Wang Haiyang (b. 1984, Shandong) addresses more explicitly the states of the subconscious and explores the most tortuous relations it entertains with desires. His Kafkaesque characters transform and metamorphose, while enigmatic images put us face to face with disturbing emotions. The sky&rsquo;s the limit for the creations of the unconscious in the fantasy works of Wang Haiyang, as illustrated, for example, by the figure of Freud whose skull opens up to release butterflies (Freud, Fish and Butterfly, 2012).</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Zhu Xinyu (b. 1980, Liaoning) fantasizing dive into the twists and turns of landscapes and enchanted forests. His large oil paintings bring the audience between the shadows and glimmers of strange and ethereal twilight passing through the trees. With his hypersensitive work and his interest in mystical ecology, Zhu Xinyu never deals with landscapes romantically, but rather symbolically. If the forest is capable of evoking the relationship between shadows, light and the body, here it is also a place of reminiscence and of meditation, away from the noise of the world.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Light is the primordial element in the Ma Sibo (b. 1979, Tianjin) canvases, also. Plays of light and haziness, obtained by an astonishing manipulation of his materials in gradation, create a troublingly strange effect that blankets the banal scenes and spaces, such as merry-go-rounds in a theme park or clothing abandoned in the half-light of a bedroom. In these places, purged of all human presence, sensations are elicited by things and colors. Indeed, Ma Sibo&rsquo;s brushes envelope inert objects with an emotional aura, awakening distant memories and a vague nostalgia.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Yan Heng (b. 1982, Jinzhou City) expresses in his works his emotions and personal experiences of living the digital and consumerist Chinese society. He experiments strange overlaps, implanting mechanical items in his works, especially computer parts, but also fans, refrigerators, etc... The artist aims to combine realities with false appearances to create visual shapes that are both organic and permeable. Opposing yesterday and today Chinas, Heng&rsquo;s compositions mix the past and the present. All these disorganized references create an impression of parallel realities and of the chaos brought about the society of spectacle and consumerism.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The exploration of the human being and his vicissitudes is the main subject of Sun Yu&rsquo;s (b. 1982, Ji Ling) works. Using a minimal palette of colors and a polished brush stroke, Sun Yu depicts tormented characters that seem to be searching for the meaning of their own existence. On seeing their face expressions and their fragile silhouettes, we are confronted to feelings of alienation and worry.</span></h2> <hr /> <h2 style="text-align: justify;">&nbsp;</h2> <h2 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La Galerie Paris-Beijing est heureuse de pr&eacute;senter l&rsquo;exposition STATE OF MIND, painting China now, qui r&eacute;unit les &oelig;uvres de Wang Haiyang, Yan Heng, Ma Sibo, Fu Site, Zhu Xinyu et Sun Yu. Ces six peintres sont le miroir d&rsquo;une nouvelle vague figurative de la peinture chinoise, tourn&eacute;e vers la repr&eacute;- sentation d&rsquo;un monde int&eacute;rieur, des &eacute;tats d&rsquo;&acirc;me, des sentiments ou des interrogations existentielles de l&rsquo;individu.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> N&eacute;s dans les ann&eacute;es &lsquo;80, les artistes expos&eacute;s ont grandi en plein boom &eacute;conomique et ils n&rsquo;ont pas connu de fa&ccedil;on directe les &eacute;v&egrave;nements marquants de la R&eacute;volution Culturelle. Leur d&eacute;marche s&rsquo;&eacute;loigne de celle de l&rsquo;Avant&ndash;Garde des ann&eacute;es &rsquo;90 et se lib&egrave;re de toute critique historico-politique de la Chine du XX&egrave;me si&egrave;cle.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Cette nouvelle g&eacute;n&eacute;ration trouve ses sources d&rsquo;inspiration et ses sujets dans la sph&egrave;re intime des individus qui vient au c&oelig;ur de la soci&eacute;t&eacute; chinoise actuelle, ultramoderne et ultrarapide. Leurs pein- tures r&eacute;v&egrave;lent, de mani&egrave;res diff&eacute;rentes, la recherche d&rsquo;une fuite et d&rsquo;une zone de libert&eacute; pour la conscience individuelle face &agrave; la vie fr&eacute;n&eacute;tique d&rsquo;un pays qui se transforme et s&rsquo;occidentalise sans cesse. Chaque artiste, avec son propre style, laisse libre cours &agrave; son inconscient pour t&eacute;moigner des angoisses, des malaises ou des r&ecirc;veries.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> L&rsquo;exposition des six peintres s&eacute;lectionn&eacute;s par la Galerie Paris-Beijing est l&rsquo;occasion de d&eacute;couvrir une partie int&eacute;ressante de la nouvelle peinture figurative chinoise, o&ugrave; l&rsquo;&eacute;trange et le fantasque sont au rendez-vous. Les &oelig;uvres pr&eacute;sent&eacute;es constituent aussi un t&eacute;moignage original du ressenti des nou- velles g&eacute;n&eacute;rations face aux transformations et ouvertures formidables &agrave; l&rsquo;&oelig;uvre en Chine.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Les toiles de Fu Site semblent introduire une dimension psychique dans l&rsquo;espace. Des visions hallucinatoires surgissent dans l&rsquo;immobilit&eacute; du d&eacute;cor, telles des traces, des bribes de m&eacute;moire ou des pr&eacute;sences fantasmagoriques. L&rsquo;utilisation d&rsquo;une technique mixte parfaitement ma&icirc;tris&eacute;e - encre de Chine, crayon et huile -, permet &agrave; Fu Site de jouer avec les plans pour &eacute;voquer une temporalit&eacute; troubl&eacute;e. Derri&egrave;re les rideaux d&rsquo;une salle d&rsquo;attente, entre les voiles d&rsquo;un baldaquin ou dans le reflet de l&rsquo;eau d&rsquo;une piscine, des sc&egrave;nes troublantes affleurent, comme si des v&eacute;rit&eacute;s insidieuses se cachaient sous un calme apparent...</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> L&rsquo;&oelig;uvre du peintre et vid&eacute;aste Wang Haiyang porte plus explicitement sur les &eacute;tats du subconscient et explore ses relations les plus tortueuses avec le d&eacute;sir. Ses personnages tr&egrave;s kafka&iuml;ens se transforment et se m&eacute;tamorphosent, alors que des images &eacute;nigmatiques nous mettent face &agrave; des &eacute;motions d&eacute;rangeantes. Les &oelig;uvres de Wang Haiyang manifestent les forma- tions de l'inconscient &agrave; ciel ouvert comme l'illustre, par exemple, la figure de Freud dont le cr&acirc;ne s'ouvre pour laisser s'&eacute;chapper des papillons (Freud, Fish and Butterfly, 2012).</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> L&rsquo;onirisme de Zhu Xinyu plonge dans les m&eacute;andres de paysages et for&ecirc;ts enchant&eacute;es. Ses larges peintures &agrave; l&rsquo;huile am&egrave;nent les spectateurs dans les ombres et les lueurs d&rsquo;&eacute;tranges cr&eacute;puscules et lumi&egrave;res &eacute;th&eacute;r&eacute;es qui traversent les arbres. Ecologie mystique et &oelig;uvre hypersensible, Zhu Xinyu n&rsquo;aborde en aucun cas le paysage de fa&ccedil;on romantique mais symbolique. Si la for&ecirc;t est capable d&rsquo;&eacute;voquer la parent&eacute; entre les t&eacute;n&egrave;bres, la lumi&egrave;re et le corps, elle est ici lieu de r&eacute;minis- cence et de m&eacute;ditation, &agrave; l&rsquo;abri du fracas du monde.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> La lumi&egrave;re est aussi l&rsquo;&eacute;l&eacute;ment primordial des toiles de Ma Sibo. Telles de fen&ecirc;tres de l&rsquo;esprit, elles nous donnent &agrave; voir des fragments de paysages intimes et de bribes du quotidien aux pouvoirs &eacute;vocateurs. Les jeux de lumi&egrave;re et de flou, obtenus gr&acirc;ce &agrave; un &eacute;tonnant travail de la mati&egrave;re en d&eacute;grad&eacute;, recouvrent des sc&egrave;nes et des espaces banals d&rsquo;un effet troublant d&rsquo;&eacute;tranget&eacute;. Dans ces lieux &eacute;pur&eacute;s de toute pr&eacute;sence humaine, les sensations sont confi&eacute;es aux choses et aux cou- leurs. En effet, les pinceaux de Ma Sibo entourent des objets inertes d&rsquo;une aura &eacute;motionnelle, en r&eacute;veillant une nostalgie vague ou des souvenirs estomp&eacute;s.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Yan Heng exprime dans ses &oelig;uvres ses exp&eacute;riences et ses sentiments confus face &agrave; la soci&eacute;t&eacute; chinoise digitalis&eacute;e et consum&eacute;riste. Il exp&eacute;rimente des superpositions &eacute;tranges, en introduisant des morceaux d&rsquo;objets m&eacute;caniques et des &eacute;l&eacute;ments anachroniques dans ses toiles, en le rendant des &oelig;uvres organiques et perm&eacute;ables. Opposant la Chine d&rsquo;hier et celle d&rsquo;aujourd&rsquo;hui, Yan Heng m&ecirc;le dans ses compositions le pass&eacute; au pr&eacute;sent. Toutes ces r&eacute;f&eacute;rences &eacute;parses donnent l&rsquo;im- pression de r&eacute;alit&eacute;s parall&egrave;les et d&rsquo;un chaos occasionn&eacute; par la soci&eacute;t&eacute; du spectacle et de consommation actuelle.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> L&rsquo;&eacute;tude de l&rsquo;&ecirc;tre humain et ses vicissitudes caract&eacute;rise les portraits &agrave; l&rsquo;huile de Sun Yu. Utilisant une palette minimale et un coup de pinceau soign&eacute;, il repr&eacute;sente des personnages tourment&eacute;s qui semblent &ecirc;tre &agrave; la recherche du sens de leur propre existence. Les expressions des leurs visages et leurs silhouettes fragiles nous renvoient &agrave; des sentiments d&rsquo;ali&eacute;nation et d&rsquo;inqui&eacute;tude.</span></h2> <p>&nbsp;</p> Fri, 24 Apr 2015 14:38:28 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Benjamin Mouly - Galerie Les Filles du Calvaire - May 6th - June 20th <p style="text-align: justify;"><em><br /></em><strong>Benjamin Mouly &ndash; Hors champ &ndash; Le jour sait, la nuit ignore</strong></p> <p style="text-align: justify;"><em>Et vite il nous menait</em></p> <p style="text-align: justify;">L&agrave; o&ugrave; la nuit tombe,</p> <p style="text-align: justify;">Lui &agrave; deux pas devant</p> <p style="text-align: justify;">Nous, et se retournant,</p> <p style="text-align: justify;">Riant toujours, prenant</p> <p style="text-align: justify;">A des branches, faisant</p> <p style="text-align: justify;">Lumi&egrave;re de ses fruits</p> <p style="text-align: justify;"><em>De menue pr&eacute;sence.</em></p> <p style="text-align: justify;">Extrait de&nbsp;<em>Les Planches Courbes</em>, Yves Bonnefoy</p> <p style="text-align: justify;">Un rien d&lsquo;intime semble s&rsquo;&ecirc;tre soustrait &agrave; l'harmonique livr&eacute; par chacune des images compos&eacute;es par Benjamin Mouly. Isol&eacute;ment, individuellement, elles profitent des interstices qu&rsquo;elles font appara&icirc;tre entre elles pour op&eacute;rer en fragments dans une sorte de r&eacute;manence. Depuis elles, la partition indiff&eacute;remment jou&eacute;e en couleur ou en noir et blanc figure deux gammes qui ne cessent de s&rsquo;alimenter sans se toucher. Passant de natures mortes en silhouettes anonymes, ce n&rsquo;est plus la lisi&egrave;re des corps, ni du cadre qui est attendue mais bien ce qui est venu se loger, s&rsquo;immiscer &laquo; entre &raquo;. Le hors champ n&rsquo;a plus d&rsquo;utilit&eacute; ici puisque le d&eacute;tail suffit &agrave; plonger dans une mer d&rsquo;oscillations abstraites ou dans la plissure d&rsquo;un membre. Tout est contenu vers l&rsquo;int&eacute;rieur : un monde &laquo; d&rsquo;intensit&eacute;s &raquo; et de &laquo; mati&egrave;res &raquo; surgissant fortuitement.</p> <p style="text-align: justify;">Petites fables se succ&eacute;dant les unes aux autres, les photographies de Benjamin Mouly abritent des circonstances o&ugrave; l&rsquo;incongru et l&rsquo;inqui&eacute;tant ont recouvert le visage du double. Telles des apparitions, ces figures fondues dans la nuit ou suspendues au temps semblent tout droit sorties de films noirs, o&ugrave; la lumi&egrave;re surprend les corps r&eacute;fugi&eacute;s en eux-m&ecirc;mes, pris en flagrant d&eacute;lit de banalit&eacute;. Un drame mineur, rejou&eacute; chaque fois, poursuit ces images, d&rsquo;un r&eacute;cit qui ne se finirait jamais. Dans ces d&eacute;cors naturels aux &eacute;blouissements presque aveuglants, les corps se d&eacute;gagent d&rsquo;une chor&eacute;graphie qui les aurait forc&eacute; &agrave; se d&eacute;finir. Tant&ocirc;t informes, repli&eacute;s ou vout&eacute;s, ils ne se performent que pour mieux s&rsquo;&eacute;loigner de leurs &eacute;tats : &laquo; voir comment un corps se tend, la mati&egrave;re de ses attitudes et la fa&ccedil;on dont il se glisse dans ce qui l&rsquo;entoure &raquo;.</p> <p style="text-align: justify;">En face, les objets observent des silences. Le vertical est sans doute ce lien contigu qui permet de traverser les photographies toutes &agrave; la fois, et s&eacute;par&eacute;ment. Car la pratique de Benjamin Mouly pr&eacute;f&egrave;re &agrave; l&rsquo;illustration un jeu d&rsquo;&eacute;carts o&ugrave; le chevauchement participe &agrave; une circulation libre, essaimant des boutures d&rsquo;images greff&eacute;es entre elles. Aussi, c&rsquo;est dans ce glissement qu&rsquo;il construit ses installations. Le dispositif photographique n&rsquo;est plus uniquement vou&eacute; au format tirage mais bien, invariablement, du mur au livre, &agrave; la recherche d&rsquo;un aplanissement des angles. Que ce soit en photographie &agrave; travers une tentative de prolonger l&rsquo;image au del&agrave; de son cadre, ou par le biais de la vid&eacute;o en la faisant percuter, dans une bataille r&eacute;flexive infinie, les surfaces r&eacute;fl&eacute;chissantes provoqu&eacute;es par des miroirs dispos&eacute;s &agrave; la verticale, c&rsquo;est bien la r&eacute;p&eacute;tition de sa quintessence que l&rsquo;artiste tend &agrave; &eacute;prouver. Verres, motifs, robes, jambes, fruits, fleurs, toutes pourtant, semblent implorer une &eacute;nigme propre, et au moins autant, en appeler &agrave; r&eacute;sister au sens.</p> <p>Fanny Lambert</p> Fri, 24 Apr 2015 14:31:28 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Claudia Huidobro - Galerie Les Filles du Calvaire - May 6th - June 20th <p style="text-align: justify;">Telle une dentelle brod&eacute;e, construite sur un maillage dont on ne cesse de tirer le fil, l&lsquo;&oelig;uvre de Claudia Huidobro appelle ce sein que nous ne saurions voir. Non pas celui des pin-up, objets de fantasmes masculins qu&rsquo;elle d&eacute;tourne en les lac&eacute;rant pour en faire des collages aux inflexions constructivistes, mais bien celui qui persiste quand le corps se d&eacute;ploie hors du cadre. Ailleurs, chaque membre se fera motif. Un autoportrait en creux se dessinera dans ce cadre sans fond.</p> <p style="text-align: justify;">Ce sont des bouts de jambes sur lesquelles on tr&eacute;buche, des monceaux de corps et des d&eacute;bris &eacute;parpill&eacute;s qui peuplent le monde fragile et hant&eacute; de l&rsquo;artiste. On pense alors aux photographies d&rsquo;Hans Bellmer et &agrave; sa poup&eacute;e mont&eacute;e sur jambes, mais aussi &agrave; celles que Guy Bourdin laisse tra&icirc;ner au sol, au hasard d&rsquo;int&eacute;rieurs feutr&eacute;s. A ceci pr&egrave;s que chez Claudia Huidobro, l&rsquo;&eacute;tranget&eacute; n&rsquo;appara&icirc;t plus via la repr&eacute;sentation de l&rsquo;image, mais bien gr&acirc;ce aux interventions qu&rsquo;elle op&egrave;re sur celle-ci. En effet, en utilisant tour &agrave; tour le scotch qui viendra arracher le grain de peau, l&rsquo;aiguille piquer &agrave; travers le muscle, c&rsquo;est avant tout pour qu&rsquo;&agrave; la douceur des textures employ&eacute;es s&rsquo;oppose la violence des blessures qu&rsquo;elle inflige. Un trait juste et fid&egrave;le que l&rsquo;on suit &agrave; la trace, une facture minutieuse, lisse, vient contrer les agressions men&eacute;es sur cette chair devenue mati&egrave;re, et que l&rsquo;artiste se plait &agrave; malmener.</p> <p style="text-align: justify;">Du dessin &agrave; la vid&eacute;o, tous les effets conduits par le m&eacute;dium doivent concourir &agrave; l&rsquo;&eacute;mergence d&rsquo;une &eacute;criture comme signe. Dans un souci d&rsquo;&eacute;conomie de moyens, faire avec ce dont la main dispose, qu&rsquo;elle soit arm&eacute;e ou non. Dans ce lien t&eacute;nu o&ugrave; l&rsquo;ambivalence r&egrave;gne, le corps de l&rsquo;artiste semble se frayer une voie au travers de g&eacute;om&eacute;tries variables qu&rsquo;il compose. Cherchant d&eacute;sesp&eacute;r&eacute;ment les racines qui ont &agrave; se maintenir en lui, recompos&eacute; en un moi hybride ou sous les traits d&rsquo;une sculpture mena&ccedil;ante, celui-ci recherche l&rsquo;&eacute;quilibre, et bascule rituellement du terrible &agrave; la jubilation.</p> <p style="text-align: justify;">La s&eacute;rie&nbsp;<em>Tout contre</em>&nbsp;pr&eacute;sent&eacute;e ici marque une rupture. Avec la photographie, l&rsquo;artiste explore le corps repoussant ses propres limites. L&rsquo;exigu&iuml;t&eacute; du lieu et ses disproportions contribuent &agrave; rendre ces gestes, &agrave; la fois amples et ramass&eacute;s sur eux-m&ecirc;mes, plus imposants qu&rsquo;ils ne semblent. Et c&rsquo;est bien en se d&eacute;ployant &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur de cette bo&icirc;te, oscillant entre apparition et disparition, que l&rsquo;identit&eacute; se fait corps. Nous laissant ainsi dans une ambig&uuml;it&eacute; latente, ne sachant plus qui, de la main de l&rsquo;ange ou de celle du d&eacute;mon, est venue pr&eacute;c&eacute;der la premi&egrave;re.</p> <p style="text-align: justify;">Fanny Lambert</p> Fri, 24 Apr 2015 14:30:25 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Babi Badalov - Galerie Jérôme Poggi - May 20th - June 20th <p style="text-align: justify;">J&eacute;r&ocirc;me Poggi is pleased to announce the first Parisian solo show in Paris by Azeri artist Babi Badalov (born 1959). A political refugee in France since 2011, Badalov is a wanderer, a forced nomad from Azerba&iuml;jan who has spent most of his life migrating between various countries, cultures, and languages.&nbsp;<br /><br />Exhibited worldwidely (New Museum in New-York, Manifesta 8, Plateau in Paris, MUKHA in Antwerpen, Tranzit in Prague, Garage in Moscow, etc), his paintings, drawings and collages are essentially poetical and political, mixing words, alphabets, etymologies and meanings in an ornamental way, that echoes to the chaotic melting-pot of contemporary globalization.</p> <p style="text-align: justify;">An interview with azeri art critic Le&iuml;la Jafarova, former assistant curator at Centre Pompidou, will be published on the occasion of the show, in preparation to a future monography to be published by the gallery about Babi Badalov.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">J&eacute;r&ocirc;me Poggi est heureux d'annoncer la premi&egrave;re exposition personnelle &agrave; Paris de l'artiste az&eacute;ri Babi Badalov (n&eacute; en 1959, vivant et travaillant &agrave; Paris). R&eacute;fugi&eacute; politique en France depuis 2011, Badalov est un nomade malgr&eacute; lui, un migrant d'Azerba&iuml;djan qui a pass&eacute; sa vie &agrave; passer de pays en pays, de culture en culture, de langue en langue.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Expos&eacute; dans le monde entier (New Museum &agrave; New-York, Manifesta 8, Plateau &agrave; Paris, MUKHA &agrave; Ansvers, Tranzit &agrave; Prague, Garage &agrave; Moscou, etc), ses peintures, dessins et collages sont essentiellement po&eacute;tiques et politiques, m&ecirc;lant les mots, alphabets, &eacute;tymologies et sens dans un style ornemental qui fait &eacute;cho au melting-pot chaotique propre &agrave; la globalisation contemporaine.</p> <p style="text-align: justify;">Une interview de la critique d'art az&eacute;rie Le&iuml;la Jafarova, r&eacute;cemment attach&eacute;e de conservation au Centre Pompidou, sera publi&eacute;e &agrave; l'occasion de cette exposition, dans la perspective d'un ouvrage monographique que la galerie publiera prochainement sur Babi Badalov.</p> Fri, 24 Apr 2015 14:18:56 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Group Show - Galerie Xippas - April 25th - May 30th Fri, 24 Apr 2015 13:50:09 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Patrick Wokmeni, Suni Prisco, Noémie Gallet, Jeroen Frateur - Galerie Olivier Robert - April 25th - May 17th <p style="text-align: justify;">What is a square root? Mathematically, it represents a geometrical division, it symbolizes a number to the root of the square it quantifies. Pascale Marthine Tayou utilizes the square root, and divides the space according to four artists; Jeroen Frateur, No&eacute;mie Gallet, Suni Prisco and Patrick Wokmeni.<br /><br />The square root of a heterogeneous and harmonious addition creates the perfect duality. The metaphoric light of those who were placed under the gaze, are once again put on display. This light is a philosophical light, because Jeroen Frateur and Patrick Wokmeni have, shown the public in an introspective way, while developing their own personal language, speaking out to their inner selves. In another way, the shadow sand dreams of illumination underlie the experience one experiences during the exhibition. It is both the youthfulness of No&eacute;mie Gallet and Suni Prisco, and their academic approach that gives them the freshness of the first emersion, of dream attaining reality. Their work stretches itself towards the light, and soaks up its first rays. Seeing as shadows and light are interdependent from one another, this addition melts itself into one universe.<br /><br />Root or origin? By confronting different times and spaces, a research process is engaged, with the purpose of renewing with the origin of origins. The reuniting of art and enlightenment, pondered and completed, with its own origins, the seek of oneself, for its singularity and the possibilities it allows. The &radic; exhibition maybe depicts a fragment of ideal originality, seen by Pascale Marthine Tayou.<br /><br /><br /><br />Emeline Villess&egrave;che</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Qu'est-ce qu'une racine carr&eacute;e ? Math&eacute;matiquement, elle figure une division presque g&eacute;om&eacute;trique, symbole d'un nombre &agrave; la racine du carr&eacute; qu'elle qualifie. Pascale Marthine Tayou joue les racines carr&eacute;es, et divise l'espace en fonction de quatre artistes ; Jeroen Frateur, No&eacute;mie Gallet, Suni Prisco et Patrick Wokmeni.<br /><br />Racine carr&eacute;e d'une addition h&eacute;t&eacute;roclite et pourtant harmonieuse, c'est une parfaite dualit&eacute;. D'un c&ocirc;t&eacute; la lumi&egrave;re, m&eacute;taphorique, de ceux qui ont &eacute;t&eacute; vus au grand jour, et s'exposent &agrave; nouveau aux regards. C'est un &eacute;clairage philosophique, car Jeroen Frateur et Patrick Wokmeni ont, de fa&ccedil;on introspective, tout en s'&eacute;prouvant face au public, pu d&eacute;velopper leur langage propre, personnel, relevant&nbsp;du domaine de l'intime. De l'autre c&ocirc;t&eacute;, l'ombre et le r&ecirc;ve de l'illumination sous-tendent une &laquo; exp&eacute;rience-exposition &raquo;. C'est &agrave; la fois la jeunesse de No&eacute;mie Gallet et Suni Prisco, et leur inscription dans une d&eacute;marche acad&eacute;mique, qui leur conf&egrave;re la fra&icirc;cheur de la premi&egrave;re &eacute;mersion, du r&ecirc;ve touchant &agrave; la r&eacute;alit&eacute;. Leur art en &eacute;closion s'&eacute;tire vers la lumi&egrave;re, et profite de ses premiers rayons. Et tout comme l'ombre et la lumi&egrave;re sont interd&eacute;pendantes, cette addition se fond en un seul univers n&eacute; de chaque composante de l'addition.<br /><br />Racine ou origine ? En confrontant les espaces et les temps diff&eacute;rents, un processus de recherche est enclench&eacute;, dans le but de renouer avec l'origine des origines. Par la r&eacute;union d'un art &eacute;clair&eacute;, r&eacute;fl&eacute;chi et abouti, avec ses propres origines, la qu&ecirc;te du soi, de sa singularit&eacute; et des possibilit&eacute;s qu'elle ouvre, l'exposition &radic; d&eacute;peint peut-&ecirc;tre un fragment de l'originalit&eacute; id&eacute;ale selon Pascale Marthine Tayou.&nbsp;</p> Fri, 24 Apr 2015 13:46:51 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Jurg Kreienbühl, Gilles Aillaud - Galerie Gabrielle Maubrie - March 21st - May 20th <p style="text-align: justify;">&ldquo;Some living beings<br />Gilles Aillaud &amp; Jurg Kreienb&uuml;hl<br />in their daily environment&rdquo;<br /><br />&ldquo;I only paint what I see&rdquo;<br />Gustave Courbet<br /><br />Contrary to what is generally admitted, the fate of contemporary art, especially her submission to the &ldquo;capital remuneration capital of the senses&rdquo;, was not played as in June 1964 when an American won for the first time the Gold Lion (Lion d&rsquo;or) at the Venice Biennale, between 1962 and 1968, that is to say from when Guy Debord advocated the &ldquo;overtake in art&rdquo; and the defeat of the spirit of revolution. These three events, however, share the same origin: in the 50&rsquo;s, in Paris, the art world and intellectuals had largely turned their backs on the history of its own modernity, with its bohemian tradition and dissenting libertarian.</p> <p style="text-align: justify;">In 1965, Gilles Aillaud sums the situation in a lapidary: &ldquo;we are in the critical situation in which art, no longer thought as aesthetic, lost its essential relationship to the truth&rdquo;, and he continues: &ldquo;In this sense, art, as Levi-Strauss said, the status of a national park. Sheltered from cars, large animals, innocent and ferocious, frolic freely in the grandiose reservations of culture. They have strange and sometimes beautiful gestures as the trumpeting in the night. But real life is obviously elsewhere&rdquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Real life? It is she, of course, that Jurg Kreienb&uuml;hl, a young artist from Basel, landed rue de Buci in 1956, went out to look on his bicycle the slums of Hauts-de-Seine, where there were &ldquo;crammed: gypsies, Algerians, Portuguese, Polish, French, dogs, cats and rats&rdquo;, but also ex-strippers or decrepit prostitutes, tramps of all kinds, drug addicts, hooligans, pensioners mentally retarded or not, veterans reduced to poverty, petty seedy criminals&hellip;.a zoo, what.</p> <p style="text-align: justify;">Slum dwellers painted in situ by Jurg Kreienb&uuml;hl re-joining the zoos that haunt the paintings of Gilles Aillaud. They also share being the last remnants of this life &ldquo;wild and sincere loneliness&rdquo;, about to be &ldquo;domesticated definitively&rdquo;. &ldquo;How is the world forcing to advance become such a desert? Art is definitely a thing of the past?&rdquo; askes Aillaud in a direct echo to Debord&rsquo;s finding. With Kreienb&uuml;hl, it seems to me, they attempt in their own way to proclaim, and &ldquo;things are what they are interested in and not the images&rdquo;. Sharing the findings issued in 1966 by &ldquo;members of the Situationist international and the students of Strasbourg&rdquo;, they strive in their painting, to consider also the misery &ldquo;in its economic, political, psychological, sexual and intellectual&rdquo;, proposing in hollow &ldquo;some ways of resolve them&rdquo;.<br /><br /><br />St&eacute;phane Correard</p> Fri, 24 Apr 2015 13:31:43 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Daniel Convenant - Galerie Art et Miss - May 1st - May 15th Fri, 24 Apr 2015 13:30:01 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Benjamin Swaim - Galerie Jean Brolly - May 13th - June 13th <p>Ulysse, pour conna&icirc;tre le chemin qui le ram&egrave;nera &agrave; Ithaque doit traverser le Styx, aller &agrave; la fronti&egrave;re d&rsquo;Had&egrave;s afin de consulter l&rsquo;&acirc;me du devin Tir&eacute;sias&hellip;</p> <p>&nbsp;</p> <p>Le Styx est un jour apparu dans une toile de Benjamin Swaim, et &agrave; l&rsquo;horizon du fleuve un visage le regardait.</p> <p>&nbsp;</p> <p>Dans les tableaux pr&eacute;sent&eacute;s pour sa seconde exposition &agrave; la galerie Jean Brolly, on voit un corps dans un paysage, parfois deux corps et toujours un astre, ses rayonnements circulaires. L&rsquo;homme ou la femme, ou leur communion, et le jour, l&rsquo;aveuglante lumi&egrave;re du jour&hellip;</p> <p>Figures que n&rsquo;effarouche pas la lumi&egrave;re, elles nous regardent intens&eacute;ment. Cette recherche d&rsquo;une pr&eacute;sence intense &agrave; la limite de l&rsquo;obsc&egrave;ne passe par une utilisation outranci&egrave;re de la couleur o&ugrave; l&rsquo;on peut voir une influence fauve-expressionniste ainsi que la marque profonde de l&rsquo;&oelig;uvre de Michel Blum (1928-1992) avec qui Benjamin Swaim a expos&eacute; en 2013 chez dix291 &agrave; Paris.</p> <p>Les tableaux se situent dans une lign&eacute;e <em>moderne</em> <em>et expressionniste</em> dont les grands noms sont Picasso, Dubuffet, Bacon, Guston, Dix, Kirchner. Ils sont r&eacute;alis&eacute;s sans aucune id&eacute;e pr&eacute;alable, dans un flottement de l&rsquo;attention qui rapproche la s&eacute;ance de travail en atelier d&rsquo;une s&eacute;ance d&rsquo;analyse.</p> <p>&nbsp;</p> <p><strong>Benjamin Swaim est un peintre franco-am&eacute;ricain n&eacute; en 1970 &agrave; Paris, o&ugrave; il a &eacute;tudi&eacute; l&rsquo;art et la philosophie. </strong></p> <p>&nbsp;</p> <p>Il a expos&eacute; en 2007 dans le vestibule de La Maison rouge et en 2010 au Palais de Tokyo dans un <em>Module</em>. En 2014, le19 &ndash; Centre r&eacute;gional d&rsquo;art contemporain de Montb&eacute;liard a pr&eacute;sent&eacute; un large ensemble de grands formats pour sa premi&egrave;re exposition monographique. Il a aussi particip&eacute; &agrave; des expositions de groupe au FRAC Poitou-Charentes et FRAC Alsace, &agrave; la galerie de Noisy-le-Sec, &agrave; la galerie Air de Paris, ou &agrave; la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe.</p> Fri, 24 Apr 2015 13:21:31 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Sebastian Black - Balice Hertling - April 23rd - May 23rd Fri, 24 Apr 2015 13:11:32 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Nikolaj Bendix Skyum Larsen, Reynald Drouhin, Markus Henttonen, Emeric Lhuisset, Christophe Luxereau, Jari Silomäki, Berndnaut Smilde and Sarah Trouche. - Galerie Vanessa Quang - May 6th - June 13th <p>GROUP SHOW PHOTO : Capturer l'&eacute;ph&eacute;m&egrave;re</p> <p>Given its long standing engagement with photography; curator Madeleine Filippi in collaboration with Vanessa Quang Gallery is pleased to present <em>Capturer l&rsquo;&Eacute;ph&eacute;m&egrave;re.</em></p> <p>An exhibition that&nbsp;brings together artists of different nationalities with a shared desire to capture a fleeting&nbsp;moment.&nbsp;This exhibition is a homage to inevitable change, and an ode to the act of creation itself; inviting the public to wonder about the medium of photograph.</p> <p><em>Capturer l&rsquo;&Eacute;ph&eacute;m&egrave;re</em> also offers alternative perspectives from which to experience the works; on the one hand there is the capturing of natural transformation, with the photographs of Christophe Luxereau, Reynald Drouhin, and and&nbsp; Berndnaut Smilde.&nbsp;On the other there is human intervention; remembering that our actions are only ephemeral in appearance; and that their repercussions prolong beyond a given moment, and can sometimes have consequences lasting centuries, and our perceptions.As witnessed perfectly by the photographs of Markus Henttonen, Nikolaj Bendix Skyum Larsen, Emeric Lhuisset, Jari Silom&auml;ki and Sarah Trouche.</p> <p>More than proposing a critical discourse, their work reveals the poetic aspect of a fleeting moment; of upheaval; of metamorphosis; it proposes to conceive of seeing a work of art as an experimentation itself of the ephemeral.</p> <p><em>Madeleine Filippi</em></p> <p><em>French Curator and art critic</em><em> she cultivated a research interest around three specific subjects: History &ndash; Archive and Memory. While developing her critical and curatorial cannons for public and private institutions. She founded and is co-editor of the online site Revue DIAPO. Which is a quarterly Paris based review of contemporary art and performance.leading to a series of review and exhibition catalogues. Prior to conceiving of the art website, Madeleine Filippi was artistic director for Prom&rsquo;Art; an association that actively promotes contemporary Corsican artists. Currently, she is preparing a book on the censure notion through the exhibits that made scandals over the past decade in France.</em></p> Thu, 23 Apr 2015 14:01:15 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list