ArtSlant - Recently added en-us 40 Illés Sarkantyu - Marie Hélène Gallery La Forest Divonne - November 3rd - November 27th <p style="text-align: justify;"><em>&laquo; La paraphrase est une figure de style r&eacute;currente dans le travail d&rsquo;Ill&eacute;s Sarkantyu. Son &eacute;criture photo&shy;graphique, &laquo; &agrave; la mani&egrave;re de &raquo;, ou par citation directe, convoque les regards port&eacute;s par d&rsquo;autres artistes sur le monde. Faire des images &laquo; &agrave; la fa&ccedil;on de &raquo;, c&rsquo;est glisser dans la peau d&rsquo;un autre, assimiler une sensi&shy;bilit&eacute; &eacute;trang&egrave;re et en approcher l&rsquo;essence, au risque de se perdre. &raquo; </em></p> <p style="text-align: justify;">Marguerite Pilven</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Apr&egrave;s une exposition in&eacute;dite intitul&eacute;e <em>Less is more </em>en 2014, en duo avec le photographe Lucien Herv&eacute;, la Galerie La Forest Divonne - Paris pr&eacute;sente en novembre prochain l&rsquo;expo&shy;sition personnelle <em>Paraphrases, La Collection d&rsquo; Ill&eacute;s Sarkantyu, </em>dans le cadre du Festival Photo Saint-Germain.</p> <p style="text-align: justify;">Dans cette exposition photographique, tous les tirages auront pour r&eacute;f&eacute;rence soit un artiste, soit une oeuvre artistique pr&eacute;cise. Passant d&rsquo;un dessin de Sergue&iuml; Eisenstein &agrave; une peinture de Pierre Tal Coat ou Gerhard Richter, d&rsquo;une sculpture d&rsquo;&Eacute;tienne Martin &agrave; une photo&shy;graphie de Lucien Herv&eacute; ou Ernest J. Bellocq, Ill&eacute;s Sarkantyu revisite une vingtaine d&rsquo;oeuvres.</p> <p style="text-align: justify;">Il utilise de multiples proc&eacute;d&eacute;s, tout particuli&egrave;rement la mise en abyme. Dans les mises en sc&egrave;ne qu&rsquo;il organise, soit il copie l&rsquo;original avec minutie soit il porte son regard sur le sujet ayant inspir&eacute; l&rsquo;oeuvre originale. Quelquefois, c&rsquo;est en collaboration avec l&rsquo;artiste dont il s&rsquo;ins&shy;pire ou encore par appropriation totale que l&rsquo;oeuvre r&eacute;invent&eacute;e se cr&eacute;e : le photographe transforme alors la reproduction d&rsquo;une peinture en oeuvre originale.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Ce qui est troublant et audacieux &agrave; la fois est la pr&eacute;sence dans cette exposition d&rsquo;un certain nombre des originaux (&agrave; partir desquels Sarkantyu travaille) &agrave; c&ocirc;t&eacute; des images du photographe, sans que cet enchev&ecirc;trement ait forc&eacute;ment besoin d&rsquo;&ecirc;tre explicit&eacute;.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Ill&eacute;s Sarkantyu est photographe, mais aussi cin&eacute;aste. Travaillant dans le domaine artistique, il a r&eacute;alis&eacute; &agrave; ce jour plus d&rsquo;une vingtaine de films sur l&rsquo;art. Cette exposition est une occasion pour le &laquo; <em>Sarkantyu collectionneur &raquo; </em>de t&eacute;moigner du paysage artistique qui nourrit son quotidien et qui fait de lui ce qu&rsquo;il est.</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">C&rsquo;est l&rsquo;occasion &eacute;galement pour lui de poser les questions essentielles qui guident l&rsquo;en&shy;semble de son travail et reviennent comme un leitmotiv : Qu&rsquo;est ce qu&rsquo;une oeuvre d&rsquo;art ? Qu&rsquo;est ce qu&rsquo;une image photographique et &agrave; qui appartient-elle ?</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;"><em>&laquo; Tout n&rsquo;est pas art, mais tout peut devenir art, o&ugrave; plut&ocirc;t, toute chose peut devenir mat&eacute;riau de l&rsquo;art d&egrave;s lors qu&rsquo;elle est inscrite dans une proc&eacute;dure artistique. L&rsquo;art devient une question de proc&eacute;dure, et de croyance. &raquo; </em></p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;">Andr&eacute; Rouill&eacute;</p> <p class="Pa2" style="text-align: justify;"><span style="text-decoration: underline;">Artistes &agrave; partir desquels Ill&eacute;s Sarkantyu a travaill&eacute; pour cette exposition (entre autres) : </span></p> <p style="text-align: justify;">Sergue&iuml; Eisenstein, Ernest J. Bellocq, Janos Ber, Pierre Buraglio, Jean-Louis Gerbaud, Lu&shy;cien Herv&eacute;, Alexandre Hollan, Guy de Malherbe, Anna Mark, Patrick Modiano, &Eacute;tienne Martin, Josef Nadj, Gerhard Richter, Eric Rondepierre, Pierre Tal Coat, Joel-Peter Witkin&hellip;</p> Sun, 16 Oct 2016 06:33:28 +0000 Didier Fiuza Faustino - Galerie Michel Rein - October 20th - December 17th <p style="text-align: justify;">We are proud to announce the third solo show of Didier Fi&uacute;za Faustino at gallery Michel Rein after We can&rsquo;t go home again (2013) and The Wild Things (2011).</p> <p style="text-align: justify;">He&rsquo;s sitting on the fence, one would say on the other side of the Channel. Didier Fi&uacute;za Faustino has been working for many years on the cusp of art and architecture, between space and sculpture. We know that, with this artist, the said barrier is capable of great contortions (Point Break, 2009; Vortex Populi, 2015) which further aggravate the discomfort of the one straddling in this way.</p> <p style="text-align: justify;">The theme of the exhibition MY CRAFTS is very precisely that of uncertain seating and denied commodities. Ten works made over the last sixteen years, which we have difficulty calling &ldquo;chairs&rdquo; as they mishandle not only our bodies but also and foremost the categories established by design theorists and other decorative art specialists (Les Liaisons dangereuses, 2008). Ten works to be further considered as milestones in Faustino&rsquo;s work, formations which appeared during his spatial work and were then integrated into this or that installation or associated with this or that building site.</p> <p style="text-align: justify;">A chance encounter between barbed wire and a bent tube; Love me tender (2000) opens up the series and seems to dictate to the other works his anti-ergonomic treaty with a slightly deceptive title. It is in fact often at the expense of our tendons and cervical region that the canons of the history of architecture and design have been modified, hybridized, bloated or emaciated here (Donnie Darko, 2014). </p> <p style="text-align: justify;">Faustino seeks to establish the degree zero of individual (Expliseat, 2005) or collective (Sympathy for the Devil, 2006) comfort. He questions Western postural conventions and thereby our addiction to armchairs. For this purpose, he reveals the possibility of a rock (Broken White Cube, 2007), and a horse (Hermaphrodite, 2010). As he is not concerned with losing oneself in the sticky heat of the upholstery, the artist never fills in the gaps. That is the body&rsquo;s role (Temps sauvages et incertains, 2007). Often, mere concrete reinforcing rods and steel sheets suffice. The object, being reduced to its most simple structure in this way becomes both a territorial marker and an observation post. Its calculated, deliberate instability puts the user at risk and consequently stimulates his attention.</p> <p style="text-align: justify;">The last born in the series are multiplied; a couple of seats (Delete Yourself, 2016) design infinite combinatory landscapes, whilst giving knowing reverential winks to the work of Sol Lewitt and Superstudio. Polarised like the two wings of the Uncut House (2010), almost a genre in themselves, they are intended to be, as paradoxically as is possible, as massive as they are puny, simultaneously structural and monolithic. The angular one is an atom of space, a terminal giving us the origin of the three Cartesian coordinates. The curved back of the other one provokes disorder in the system. He doesn&rsquo;t care for templates and cuts on the crossbar. Faustino himself (Nowhere Somewhere, 2013) makes his own &ndash; truant &ndash; way through the rigorous land registry of disciplinary fields.</p> <p style="text-align: justify;">Tony C&ocirc;me</p> <p style="text-align: justify;">September 2016</p> <p style="text-align: justify;">Didier Fi&uacute;za Faustino (b. 1968, lives between Paris and Lisbon) was exhibited worldwide, recently at Magasin - Centre National d'Art Contemporain, Grenoble (2015), AA Gallery, School of Architecture, London, (2015), MUCEM, Marseille (2013), Wien Kunsthalle (2013), MoMA, New York (2012), Cit&eacute; de l'Architecture et du Patrimoine, Paris (2011), Gulbenkian Foundation, Lisbon (2011), CCA - Center for Contemporary Art, Kitakyushu (2010), LAXART, Los Angeles (2009), Yokohama Biennial (2008), MNAM - Centre Georges Pompidou, Paris (2007).</p> <p style="text-align: justify;">His artworks are collected by major private and public collections: MANM - Centre Georges Pompidou, Paris / MoMA, New York / MACS, Museu de Arte Contempor&acirc;nea de Serralves, Porto / FRAC Centre, Orl&eacute;ans / FRAC Nord-Pas de Calais, Dunkerque / Centro de Arte Moderna Jos&eacute; de Azeredo Perdig&atilde;o, Lisbon.&nbsp;</p> Sun, 16 Oct 2016 06:25:09 +0000 Sabine Moritz - Galerie Marian Goodman - Paris - October 28th - December 3rd <div>&laquo; &nbsp;Quand j&rsquo;&eacute;tais &agrave; l&rsquo;Est, j&rsquo;avais un tr&egrave;s grand d&eacute;sir de partir ; mais quand je me suis retrouv&eacute;e de l&rsquo;autre c&ocirc;t&eacute;, je me suis sentie compl&egrave;tement perdue.&nbsp;</div> <div>Quelques ann&eacute;es plus tard, j&rsquo;ai commenc&eacute; &agrave; dessiner, et alors je me suis mise &agrave; dessiner tout ce que je pouvais me rappeler de mon enfance.&raquo; Sabine Moritz&nbsp;</div> <div>&nbsp;</div> <div>&nbsp;</div> <div>La Galerie Marian Goodman a le plaisir d&rsquo;annoncer une exposition des nouvelles &oelig;uvres de Sabine Moritz. A cette occasion sera publi&eacute; un catalogue en deux volumes, comprenant plus de soixante-quinze reproductions, une conversation entre l&rsquo;artiste, Etel Adnan et Hans Ulrich Obrist ainsi qu&rsquo;un po&egrave;me d&rsquo;Etel Adnan.</div> <div>&nbsp;</div> <div>Dawn rassemble de nouvelles peintures &agrave; l&rsquo;huile et pour la premi&egrave;re fois, une s&eacute;rie de sept peintures abstraites. Pour Sabine Moritz la r&eacute;alisation d&rsquo;une peinture est un processus qui s&rsquo;inscrit dans la dur&eacute;e. Ainsi il n&rsquo;est pas rare qu&rsquo;elle interrompe l&rsquo;&eacute;laboration d&rsquo;un tableau pendant des mois, voire des ann&eacute;es. Elle confie d&rsquo;ailleurs: &laquo; Je construis, j&rsquo;ajoute, parfois j&rsquo;efface, puis je rajoute. Je regarde mes peintures tr&egrave;s longtemps, et alors, je vois qu&rsquo;il faut que je rajoute ou change quelque chose. Mais enfin, je les conclus.&raquo;&nbsp;</div> <div>&nbsp;</div> <div>Avec Ville abandonn&eacute;e I et Ville abandonn&eacute;e II, Sabine Moritz r&eacute;alise, comme souvent, deux peintures &agrave; partir d&rsquo;une m&ecirc;me inspiration. Si les deux versions repr&eacute;sentent un chien dans une ville d&eacute;sert&eacute;e, la seconde se distingue par un cadre plus resserr&eacute; et une touche plus dense. Paradis (Deception Island) et Cr&eacute;puscule traitent d&rsquo;un sujet tr&egrave;s similaire : un navire au large d&rsquo;un paysage de montagnes, mais de nouveau la palette de couleurs et le traitement diff&egrave;rent. Ces peintures sont empreintes de tranquillit&eacute; et d&eacute;gagent un sentiment de m&eacute;lancolie et d&rsquo;attente. Pour la critique Christine Mehring la suspension du temps est une force majeure de l&rsquo;art de Sabine Moritz : &laquo; le temps r&eacute;el est suspendu pour les personnages de Moritz, de m&ecirc;me qu&rsquo;il l&rsquo;est pour celui qui regarde l&rsquo;&oelig;uvre et pour l&rsquo;artiste en train de la r&eacute;aliser. &raquo;</div> <div>&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Les fleurs, en particulier les roses et les lys, figurent parmi ses th&egrave;mes de pr&eacute;dilections. &laquo; Je dessine et je peins souvent les fleurs qui se trouvent dans mon atelier. La peinture de ces fleurs est une repr&eacute;sentation du pr&eacute;sent, dans lequel on se surprend &agrave; penser &agrave; des &eacute;poques lointaines, peut-&ecirc;tre &agrave; la mani&egrave;re d&rsquo;un r&ecirc;ve &eacute;veill&eacute;. &raquo; Deux pivoines et Orchid&eacute;e sont pour la premi&egrave;re fois accompagn&eacute;es de deux &laquo; vanit&eacute;s &raquo;.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition compte &eacute;galement un ensemble exceptionnel d&rsquo;&oelig;uvres sur papier dont la s&eacute;rie Storm (Temp&ecirc;te), d&eacute;di&eacute;e &agrave; une cabane abandonn&eacute;e. Cette petite maison, Sabine Moritz l&rsquo;a photographi&eacute;e lors d&rsquo;une promenade dans les environs de Munich avant de la fixer au graphite sur papier. Une dizaine d&rsquo;ann&eacute;es plus tard, &nbsp;elle a reproduit ce dessin gr&acirc;ce &agrave; la technique de la lithographie, chaque tirage devenant un support qu&rsquo;elle a rehauss&eacute; de couleurs. Ce proc&eacute;d&eacute; lui a ainsi permis de cr&eacute;er de multiples versions qui traduisent des variations de l&rsquo;environnement, de la lumi&egrave;re et de l&rsquo;atmosph&egrave;re qu&rsquo;elle a imagin&eacute;es.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">L&rsquo;it&eacute;ration du m&ecirc;me motif est fr&eacute;quente dans la pratique de Moritz, comme en t&eacute;moignent ses pr&eacute;c&eacute;dentes &eacute;tudes sur les h&eacute;licopt&egrave;res ou les navires de guerre. Ainsi dans son &oelig;uvre une m&ecirc;me image semble n&rsquo;&ecirc;tre jamais fig&eacute;e. La variation sur un m&ecirc;me th&egrave;me peut &ecirc;tre vue comme une tentative de contrer la dissipation d&rsquo;un souvenir. Ici, la cabane rev&ecirc;t la dimension symbolique de r&eacute;ceptacle de la m&eacute;moire.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Hans Ulrich Obrist souligne que &laquo; le travail de Sabine est en relation tr&egrave;s &eacute;troite avec la m&eacute;moire, et s&rsquo;enracine aussi dans sa propre m&eacute;moire. &raquo;. La nouvelle s&eacute;rie Laboratoire est une fascinante et minutieuse exploration d&rsquo;un lieu fictif li&eacute; &agrave; ses souvenirs de jeunesse. Les dessins poursuivent un cycle r&eacute;alis&eacute; en 1993 portant le m&ecirc;me titre, dans lequel Sabine Moritz s&rsquo;attachait &agrave; recr&eacute;er plus pr&eacute;cis&eacute;ment le laboratoire o&ugrave; son p&egrave;re, chimiste, travaillait lorsqu&rsquo;elle &eacute;tait enfant et o&ugrave; il fut victime d&rsquo;un accident mortel. Au sujet des nouveaux dessins Sabine Moritz pr&eacute;cise : &laquo; J&rsquo;essaie d&rsquo;imaginer diff&eacute;rentes pi&egrave;ces. Ces pi&egrave;ces n&rsquo;existent pas r&eacute;ellement, mais je les situe, dans mon esprit, autour de la pi&egrave;ce o&ugrave; travaillait mon p&egrave;re.(&hellip;) La pi&egrave;ce semble plut&ocirc;t vide, avec des surfaces et des objets &eacute;tranges. &raquo;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Le style des dessins est n&eacute;anmoins proche de celui du cycle r&eacute;alis&eacute; plus d&rsquo;une vingtaine d&rsquo;ann&eacute;es auparavant. Dans les deux s&eacute;ries &laquo; les dessins pr&eacute;sentent un contraste absolu entre les diff&eacute;rents &eacute;l&eacute;ments, couleurs s&eacute;duisantes et blanc cass&eacute;, menus d&eacute;tails et lacunes, pr&eacute;cision et flou, zoom et coupure de l&rsquo;image, visible et invisible, pr&eacute;sence et absence, information et manque d&rsquo;information. Les espaces et objets environnants &ndash; becs Bunsen et &eacute;prouvettes, &eacute;viers, robinets et carrelage, porte et fen&ecirc;tres- &eacute;vacuent la brutalit&eacute; de l&rsquo;accident dont Moritz sait si peu de choses. En ce sens ce groupe d&rsquo;&oelig;uvres transcende r&eacute;solument l&rsquo;histoire personnelle qui l&rsquo;a inspir&eacute;. &raquo;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Sabine Moritz est n&eacute;e en 1969 &agrave; Quedlinburg, entre Hanovre et Leipzig en Allemagne (ex RDA). Enfant, elle habite &agrave; Lobeda pr&egrave;s de I&eacute;na puis, avant le Chute du mur de Berlin, elle &eacute;migre avec sa famille en Allemagne de l&rsquo;ouest. Cet &eacute;v&eacute;nement sera v&eacute;cu comme un exil. Elle vit d&rsquo;abord &agrave; Darmstadt, puis &agrave; Offenbach et &agrave; D&uuml;sseldorf o&ugrave; elle &eacute;tudie respectivement &agrave; la Hochschule f&uuml;r Gestaltung et &agrave; la Kunstakademie. Sabine Moritz vit et travaille aujourd&rsquo;hui &agrave; Cologne.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Des expositions personnelles lui ont &eacute;t&eacute; consacr&eacute;es en Allemagne, en France et au Royaume Uni. En 2013 elle expose &agrave; la Foundation de 11 Lijnen &agrave; Oudenburg en Belgique. Plusieurs catalogues de son travail sont publi&eacute;s chez Verlag der Buchhandlung Walter K&ouml;nig et Heni Publishing.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Le catalogue d&rsquo;exposition sortira &agrave; l&rsquo;occasion du vernissage jeudi 27 octobre. A 19h d&eacute;butera une lecture de po&egrave;mes par Etel Adnan, suivie d&rsquo;une pr&eacute;sentation de la publication par Hans Ulrich Obrist.</div> Sun, 16 Oct 2016 06:15:30 +0000 Gilles Aillaud - Galerie Loevenbruck - October 21st - November 26th <p style="text-align: justify;">Gilles Aillaud is a painter, and also poet (<em>Dans le bleu fonc&eacute; du matin</em>, edited by Christian Bourgois), art critic (revue <em>Rebelote</em>), author of prefaces (H&eacute;lion, Titina Maselli), and set designer (fifty-two productions with the stage directors Jean Jourdheuil, Klaus Michael Gr&uuml;ber, and Luc&nbsp; Bondy). He has methodically recorded the name of every painting in a class notebook. However, he is said to have painted one painting a day in the 1950s, in a period of complete solitary isolation, between his first exhibition in 1950 in Rome and his exhibition in 1963 at the Galerie Claude Levin. He distanced himself from philosophy, which he studied with Merleau-Ponty, to focus on painting, which he always practiced alone in his studio. </p> <p style="text-align: justify;">The beautiful title of Gilles Aillaud&rsquo;s text on Vermeer, <em>Voir sans &ecirc;tre vu </em>(<em>Seeing without being seen</em>), could also define all his paintings. Gilles Aillaud looks at the paintings by the master of Delft as he paints his own canvases. He uses oil paints to portraits animals that are clearly visible or hidden away in zoos, landscapes, beaches, mountains, and skies full of flying birds.&nbsp; He never appropriates his subjects: &ldquo;I paint things as they wish to be painted.&rdquo; He portrays them, rendering them free of nostalgia, in their picturesque nature. History has seen fit to define him as a painter of animals, as linked to the movement of Narrative Figuration, and as a militant member of the &ldquo;Jeune Peinture&rdquo; movement in 1968, a learned expert, and the metaphorical assassin of Duchamp in 1965. Many young painters and amateurs weren&rsquo;t taken in.</p> <p style="text-align: justify;">The two exhibitions presented in Paris showcase how over two distinct decades much of Gilles Aillaud&rsquo;s artworks form a unique, subtle, and complex path that stretches far past the society of the spectacle.</p> <blockquote> <p style="text-align: justify;">&ndash; At Loevenbruck Gallery, six major paintings from 1966 to 1976, often in large formats, form a veritable museum room. Certain ones haven&rsquo;t been seen in twenty-five years. The decors made in cement, in <em>Deux eaux </em>and in <em>Int&eacute;rieur et hippopotame</em>, give off a cool, white light that contrasts with the electric light of <em>Mangouste, nuit rouge </em>emanating through a glass pane, and also contrasts with the warm golden light of <em>Int&eacute;rieur jaune et vasistas</em>. The animals are painted at eye level and don&rsquo;t look at anything in particular: their gaze passes through us, settling on nothing. Gilles Aillaud has an aesthetic eye that is absolute and decisive &ndash; a <em>decisive instant </em>as Cartier-Bresson described it. Since his early youth, he and his sister spent time at Jardin des Plantes as others visit museums. During multiple trips to Greece, Egypt, and Kenya, he developed an intimate and private relationship with animals that dispelled him of any form of seduction or naturalist tendencies. He paints enclosed animals with delicacy, with <em>tact</em>, his term for Vermeer&rsquo;s paintings.</p> <p style="text-align: justify;">&ndash; In the Studiolo of the artist&rsquo;s longtime gallery Galerie de France (since the 1980s), flights of birds on paintings, long papers unrolled, and collages from 1990-2001 have flown their tight, precise enclosures (virtual portraits of animals in minerals) for the unlimited and unreachable spaces of ultramarine zones, between beach and sky. Some birds fly very high above the horizon, while others, on the contrary, lightly brush the water. Spectator&rsquo;s look up and trace these nomadic paths, distinguishing the forms that cast shadows, a plump wing of a seagull... A selection of these artworks was shown in the exhibition <em>Deadline </em>at the Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris in 2009, which underscores for certain artists a freedom finally mastered in their ultimate work.</p> </blockquote> <hr /> <p style="text-align: justify;">Gilles Aillaud (1928-2005) est peintre, mais aussi po&egrave;te (<em>Dans le bleu fonc&eacute; du matin</em>, &eacute;dit&eacute; chez Christian Bourgois), critique (revue <em>Rebelote</em>), pr&eacute;facier (H&eacute;lion, Titina Maselli), sc&eacute;nographe de th&eacute;&acirc;tre (52 spectacles avec les metteurs en sc&egrave;ne Jean Jourdheuil, Klaus Michael Gr&uuml;ber, Luc Bondy). Il a m&eacute;thodiquement consign&eacute; dans des cahiers d&rsquo;&eacute;colier la liste de tous les tableaux qu&rsquo;il a peints. Il y en a moins de 350. Pourtant, il dit avoir peint un tableau par jour dans les ann&eacute;es 1950, dans des p&eacute;riodes d&rsquo;isolement total, entre sa premi&egrave;re exposition, en 1950 &agrave; Rome, et celle de 1963, &agrave; la galerie Claude Levin. Il s&rsquo;est alors d&eacute;tach&eacute; de la philosophie &eacute;tudi&eacute;e avec Merleau-Ponty pour se consacrer &agrave; la peinture, qu&rsquo;il pratiquera toujours en solitaire, dans l&rsquo;atelier.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Voir sans &ecirc;tre vu</em>, le beau titre du texte de Gilles Aillaud sur Vermeer, pourrait d&eacute;finir toute sa peinture. Gilles Aillaud regarde les tableaux du ma&icirc;tre de Delft comme il peint les siens propres. Il peint &agrave; l&rsquo;huile des portraits d&rsquo;animaux, visibles ou cach&eacute;s dans les zoos, des paysages, des plages, des montagnes, des ciels avec vols d&rsquo;oiseaux. Il ne s&rsquo;approprie jamais les sujets &ndash; &laquo; je peins les choses comme elles le veulent &raquo; &ndash;, il les rend, les redonne sans nostalgie, dans toute leur &eacute;tranget&eacute; picturale. La fortune critique a aim&eacute; le r&eacute;duire &agrave; un peintre de la question animale, attach&eacute; au mouvement de la Figuration narrative, militant de mouvement de la Jeune Peinture en 1968, ex&eacute;g&egrave;te &eacute;rudit, assassin m&eacute;taphorique de Duchamp en 1965&hellip; Beaucoup de jeunes peintres et d&rsquo;amateurs ne s&rsquo;y sont, eux, pas tromp&eacute;s.&nbsp; Les deux expositions pr&eacute;sent&eacute;es &agrave; Paris montrent, en deux d&eacute;cennies distinctes, combien l&rsquo;oeuvre de Gilles Aillaud est engag&eacute; dans une voie unique, subtile et complexe, tr&egrave;s loin de la soci&eacute;t&eacute; du spectacle.</p> <blockquote> <p style="text-align: justify;">&ndash; &Agrave; la galerie Loevenbruck, six tableaux majeurs de 1966 &agrave; 1976, souvent de tr&egrave;s grand format, constituent une v&eacute;ritable salle de mus&eacute;e. Certains n&rsquo;ont pas &eacute;t&eacute; vus en public depuis 25 ans. Les d&eacute;cors dans <em>Deux eaux</em>, de l&rsquo;<em>Int&eacute;rieur et hippopotame </em>d&eacute;gagent une lumi&egrave;re froide, blanche, qui contraste avec la lumi&egrave;re &eacute;lectrique de <em>Mangouste, nuit rouge</em>, &agrave; travers une vitre, ou avec la lumi&egrave;re dor&eacute;e, chaude d&rsquo;<em>Int&eacute;rieur jaune et vasistas</em>. Les animaux peints &agrave; hauteur d&rsquo;homme ne regardent rien de pr&eacute;cis, leurs regards passent &agrave; travers nous, ne fixent rien. Gilles Aillaud a un oeil pictural absolu, d&eacute;cisif, comme l&rsquo;&laquo; instant d&eacute;cisif &raquo; d&eacute;crit par Cartier-Bresson. D&egrave;s son plus jeune &acirc;ge, avec sa soeur, il fr&eacute;quentait le Jardin des Plantes comme d&rsquo;autres vont aux mus&eacute;es. Ses multiples voyages en Gr&egrave;ce, en &Eacute;gypte, au Kenya ont d&eacute;velopp&eacute; une intimit&eacute;, une relation priv&eacute;e avec les animaux qui le prot&egrave;ge de tout effet de s&eacute;duction, de rendu naturaliste. Il peint ses animaux enferm&eacute;s avec d&eacute;licatesse, avec &laquo; tact &raquo;, mot qu&rsquo;il emploie pour la peinture de Vermeer.</p> <p style="text-align: justify;">&ndash; Au Studiolo de la Galerie de France, la galerie historique de l&rsquo;artiste depuis le d&eacute;but des ann&eacute;es 1980, les vols d&rsquo;oiseaux des ann&eacute;es 1990-2001 (peintures, longs papiers d&eacute;roul&eacute;s, collages) ont quitt&eacute; les cadrages serr&eacute;s, pr&eacute;cis, des portraits d&rsquo;animaux dans le min&eacute;ral pour les espaces illimit&eacute;s hors d&rsquo;atteinte des zones bleu outremer, entre plages et ciels. Des oiseaux volent tr&egrave;s haut au-dessus de l&rsquo;horizon, d&rsquo;autres au contraire fr&ocirc;lent l&rsquo;eau. En levant la t&ecirc;te, l&rsquo;oeil suit ces traces nomades, distingue des signes qui font des ombres, une aile charnue de mouette&hellip; Une s&eacute;lection de ces oeuvres a &eacute;t&eacute; montr&eacute;e dans l&rsquo;exposition &laquo; Deadline &raquo;, au mus&eacute;e d&rsquo;Art moderne de la Ville de Paris, en 2009, qui soulignait, chez certains artistes, une libert&eacute; enfin conquise dans l&rsquo;oeuvre ultime. </p> </blockquote> Sun, 16 Oct 2016 06:06:52 +0000 Pierre Aghaikian - Galerie Isabelle Gounod - October 19th - October 29th <p style="text-align: justify;">&ldquo;Rien n&rsquo;est plus fantastique et plus fou que la vie r&eacute;elle, et que le po&egrave;te se borne &agrave; en recueillir un reflet confus, comme dans un miroir mal d&eacute;poli.&rdquo;<br />Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, Les contes nocturnes (1816)<br /><br />La galerie Isabelle Gounod est heureuse de pr&eacute;senter la premi&egrave;re exposition personnelle de Pierre Aghaikian. Ce jeune artiste form&eacute; &agrave; l&rsquo;&Eacute;cole des Beaux-Arts de Paris nous immerge dans un univers vacillant et t&eacute;n&eacute;breux. Des &ecirc;tres hybrides, des corps tronqu&eacute;s se d&eacute;tachent dans des mises en sc&egrave;ne apocalyptiques dignes des grandes fictions hollywoodiennes. Dantesque, l&rsquo;univers cr&eacute;&eacute; par Pierre Aghaikian est &agrave; la limite de l&rsquo;implosion. Tr&ocirc;nant et affubl&eacute; d&rsquo;une couronne imp&eacute;riale, l&rsquo;artiste se repr&eacute;sente dans &laquo; Selfportrait &raquo; (2014) en monarque d&eacute;miurge, r&eacute;gnant sur des &ecirc;tres &agrave; l&rsquo;identit&eacute; ind&eacute;finie (cr&eacute;atures monstrueuses, personnages au visage esquiss&eacute; ou &eacute;triqu&eacute;). Les oeuvres de Pierre Aghaikian nourries de r&eacute;f&eacute;rences au cin&eacute;ma, &agrave; la musique et &agrave; la mode suscitent aussi bien le d&eacute;sir et l&rsquo;effroi que viennent renforcer la spontan&eacute;it&eacute; et l&rsquo;urgence du geste.</p> <p><br />Pierre AGHAIKIAN est n&eacute; en 1994 &agrave; Lyon. Il vit et travaille &agrave; Paris.</p> Sun, 16 Oct 2016 05:55:20 +0000 - galerie du jour agnès b. - October 25th - October 29th <p style="text-align: justify;"><strong><em>Campagne des chiens de la route</em></strong> est une s&eacute;rie de livres de voyage relatant trois des exp&eacute;ditions de la meute <strong><em>Road Dogs</em></strong>, &eacute;dit&eacute;s par leur maison ind&eacute;pendante <strong><em>Croatan Edition</em></strong>.</p> <p style="text-align: justify;">Pour le lancement, le collectif s&rsquo;installe &agrave; l&rsquo;espace d&eacute;couverte de la galerie du jour agn&egrave;s b. <strong>du 25 au 29 octobre</strong> et propose trois installations correspondant &agrave; chaque publication:<br /> <strong><em>Soleil Bleu / Tonnerre de l&rsquo;Est / Zone Insulaire.</em></strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong><em>Cl&ocirc;ture de cette r&eacute;sidence avec M&eacute;lange d&rsquo;archives une performance sonore samedi 29 octobre de 16h &agrave; 19h</em></strong></p> Sun, 16 Oct 2016 05:51:16 +0000 Claire Tabouret - Bugada & Cargnel - October 21st - December 23rd <p style="text-align: justify;">ACT I (entering):</p> <p style="text-align: justify;">It begins with her back to us and it will end&mdash;I might as well tell you now&mdash;in a full frontal confrontation. This time, entering the proscenium of the gallery is done with the same embrace of risk and responsibility as when one enters the theater of war. That is, with rules on the verge of being shed and codes of conduct inevitably eroding. But I am getting ahead of myself; that is not where we are now.</p> <p style="text-align: justify;">You entered the courtyard and found yourself behind an androgynous figure, facing away, standing tall. The edges of the painted image are frayed; the depiction sits unevenly within the canvas. As the paint flirts with its surrounding structural edges, you can't help but think that there are an infinite amount of points between the end of the stroke and its frame, and that if, as in Zeno's paradox, the two cannot possibly meet, there can never really be impact, nor finality, nor death. As you look at the braided figure embedded in this "infinite" plane of the painting, it comes to mind that the canvas is rough, arid and scaling. The paint sits on it, thirsty and aggravated. It exudes hotheaded urgency through its materials while depicting cool calm in its imagery&mdash;a contradiction for you to store away. The figure, unaware and uninterested in your gaze, looks out toward a blurry, watery color field. Light seems to emanate from within the painting, not from without. It is radiating something like heat. And so it begins.</p> <p style="text-align: justify;">ACT II (a battleground amongst many):</p> <p style="text-align: justify;">When you turn the corner you find yourself in a room with unsettling and uneven walls. You've heard from soldiers that war is a slow animal, usually composed of long periods of waiting with short, albeit violent, bursts of activity. This particular battlefield illustrates this well. It is deceivingly calm, restrained; it seems organized and paced. A handful of paintings sit on disproportionate walls, facing you with confidence. The landscape is gendered now: faces of women, each wearing her own distinct psyche and state of mind, are accessorized with smudged makeup, like war paint; challenging a traditional sense of beautiful with a little bit of the hysterical, the unhinged. These faces, inspired by magazines and then painted from the imagination, are engaged, engaging. Then, in sequence, in cause and effect, the larger canvases reveal a seated figure on the verge of a large landscape; a woman walking at dusk; an armored horse with its powerful knight and finally, a standing figure, literally larger than life, towering over a meddle of spears and soldiers in battle.</p> <p style="text-align: justify;">The stances of war, as well as their representations, have assumed innumerable forms across eras and geographies. This particular sequence of paintings quotes from, and draw affinities between a sampling of styles such as Jean-Fran&ccedil;ois Millet's raw representation of peasant life, the symbol-infused landscapes of traditional Chinese paintings and perhaps most obviously, Paolo Ucello's infamous <em>Battle of San Romano</em>.</p> <p style="text-align: justify;">The latter, a triptych in which each part is integral to understanding the whole, enacts a precipitated sequence of events amidst the political entanglements of a war. Each of <strong>CLAIRE TABOURET</strong>'s paintings displays a fragment of this, her version of the story, rich with the quotidian experience of each of its characters.</p> <p style="text-align: justify;">If I were to guide you through the exhibition, we would end up in front of the namesake painting of the show. <em>Battleground </em>is a smooth canvas with complicated skies. A giant woman, superhero-like, struts defiantly in an outfit reminiscent of leather dominatrix gear as much as of medieval armor: Jeanne D'ARC, Michelle PFEIFFER and Grace&nbsp;JONES. At her stiletto heels, horse(wo)men bolt forward, kicking up dust. She stands and makes eye contact, silently embodying all of the other women who watched us walk through the galleries. She is the quintessential multifaceted psyche, a Rorschach test; reading her is reading you.</p> <p style="text-align: justify;">ACT III (the fourth wall and the language of war):</p> <p style="text-align: justify;">There is one more room I want to show you. It is a backstage of sorts, a key for the paintings, a reveal. This final room of the show exhibits 23 monotype prints hanging evenly at eye level in the safety of frames. As you walk by them you start to decode a pattern, a rhythm. Characters, shapes and colors appear repeatedly in the prints like a game of linguistic and visual associations. I refer to them as a key because they turn the characters of the exhibition, whether primary or secondary (e.g., the horse(wo)men or the landscape), into symbols of a new vocabulary. Together, they allow you to read the rest of the exhibition, which is itself a kind of syntax and subsequent anthem. In this backstage, the components are revealed, baring the device, without beginning or end, as a circular passage of time; an endless loop of conflicts and ceasefires.</p> <p style="text-align: justify;">An epilogue (and the stakes):</p> <p style="text-align: justify;">Discipline, consistency and obedience are driving principals akin to both the military and the practice of painter Agnes MARTIN. In fact, the two figures in this body of work looking away from you, reader, are portraits of MARTIN (who, it must be noted, would say that she painted with her "<em>back to the world"</em>). While famous for her restrained palette, systematic use of lines and sublime mastery of light, MARTIN's life was solitary; she opted to maintain a position in the margins for much of her career. Solitude, be it temporary or sustained, has often been perceived as an illness, she wrote<a name="_ftnref1" href="">[1]</a>, especially in women, but in her experience it was a quality that lead to rigor, dedication and artistic integrity. MARTIN painted with ardor and command, questioned traditional forms of authority and utilized the dry landscape of the desert as a vantage point to a world of her own.</p> <p style="text-align: justify;">Each of <strong>CLAIRE TABOURET</strong>'s exhibitions builds on the last, like a thought delivered through stream of consciousness, undeterred by contradictions, playing both argument and counterargument against one another. Push and pull. Her last exhibition, <em>Les</em> <em>D&eacute;butantes</em>, consisted of crowds of adolescent characters gathering in each painting and looking forward toward a middle ground. You, viewer, were surrounded. Now mature, the faces of this body of work stand solitary, calm, claiming space with confidence using the white walls as pauses to amplify the magnetic intensity of the canvas's contents. They bleed the kind of powerful, pleasurable, provocative sensation of freedom promised in certain forms of restraint, of domination.</p> <p style="text-align: justify;">Lauren Mackler</p> <p style="text-align: justify;"><a name="_ftn1" href="">[1]</a> "We have been very strenuously conditioned against solitude. To be alone is considered to be a grievous and dangerous condition&hellip;. I suggest that people who like to be alone, who walk alone will perhaps be serious workers in the art field.", <em>Agnes MARTIN: Writings</em>, edited by Dieter Schwarz (Stuttgart: Hatje Cantz, 2005).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Pour sa deuxi&egrave;me exposition personnelle &agrave; la galerie, intitul&eacute;e <em>Battlegrounds</em>, <strong>CLAIRE TABOURET</strong> (n&eacute;e en 1981 &agrave; Pertuis, vit et travaille &agrave; Paris et Los Angeles) pr&eacute;sente un ensemble de nouvelles peintures et de monotypes qui m&ecirc;le, prolonge et renouvelle plusieurs de ses s&eacute;ries iconiques. Exposition-miroir, r&eacute;fl&eacute;chissant ou que l'on traverse, <em>Battleground</em> invite le visiteur &agrave; effectuer un parcours &agrave; travers lequel l'artiste interroge sa place, entre moments suspendus, bruit et fureur.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Battlegrounds </em>ouvre sur une cimaise et sur <em>Back to The World</em>, toile programmatique repr&eacute;sentant un personnage androgyne de dos, tourn&eacute; vers l'inconnu. Inspir&eacute;e par une photo d'Agn&egrave;s MARTIN &ndash; qui a dit qu'elle &laquo; peignait dos au monde &raquo; &ndash; dans son studio, cette toile plonge n&eacute;anmoins instantan&eacute;ment le visiteur dans une posture de d&eacute;couverte, de conqu&ecirc;te, par pur ph&eacute;nom&egrave;ne de projection dans le halo bleut&eacute; de la toile. Pour acc&eacute;der &agrave; la suite de l'exposition, le visiteur est donc invit&eacute; &agrave; passer derri&egrave;re la toile, comme &agrave; travers le miroir.</p> <p style="text-align: justify;">Il se trouve alors pris dans un parcours construit de mani&egrave;re &agrave; ce que chaque toile soit contempl&eacute;e une par une. L'accrochage est minimal, voire radical si on le compare &agrave; celui des <em>D&eacute;butantes</em> (la premi&egrave;re exposition monographique de l'artiste &agrave; la galerie), et refl&egrave;te une mani&egrave;re de peindre plus directe, plus brute. Il est aussi une mani&egrave;re de souligner la confrontation entre les toiles o&ugrave; <strong>CLAIRE TABOURET</strong> choisit de repr&eacute;senter des moments suspendus dans le temps et l'espace et celles dans lesquelles elle retranscrit l'agitation de notre monde &agrave; travers l'association de formes classiques comme modernes.</p> <p style="text-align: justify;">Ainsi, tout en prolongeant son travail sur l'immobilit&eacute;, le silence et la glaciation avec <em>Back to The World</em>, <em>Big Calm</em> et <em>Makeup</em>, <strong>CLAIRE TABOURET</strong> fait-elle entrer avec <em>Battleground</em>, <em>The Yellow Horseman</em>, <em>The Bleu Queen</em> et <em>The Long Walk</em>, le mouvement, le bruit et le feu de son champ de bataille ; des &eacute;l&eacute;ments contenus en puissance dans ses travaux pr&eacute;c&eacute;dents et actualis&eacute;s ici, dans un premier acte.</p> <p style="text-align: justify;">La s&eacute;rie des <em>Makeup</em>, initi&eacute;e au d&eacute;but de l'ann&eacute;e 2016, rappelle cela. Portraits immobiles et intriguants de jeunes filles au regard fixe et au maquillage d&eacute;routant, ils contiennent dans leurs d&eacute;bordements quelque chose de sauvage, rappellant des peintures ou des masques guerriers. <strong>CLAIRE TABOURET</strong> s'est souvenue des propos de l'artiste conceptuelle am&eacute;ricaine Barbara KRUGER : .&laquo; Your Body is a battleground &raquo;.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>CLAIRE TABOURET</strong> propose ici un accrochage qui associe des s&eacute;ries diff&eacute;rentes ; une association qui contribue fructueusement &agrave; l'apparition du mouvement qui parcourt l'ensemble de l'exposition. Elle permet aussi de faire &eacute;merger un nuancier du travail de l'artiste, chaque oeuvre repr&eacute;sentant un &eacute;tat d'esprit. Entre luxe, calme et volupt&eacute;, et bruit et fureur, c'est aussi &agrave; la conqu&ecirc;te de sa place dans le monde en tant que peintre que part <strong>CLAIRE TABOURET</strong>. Est-elle dans le monde ou bien le dos tourn&eacute; &agrave; lui, ou bien, encore, &agrave; quelques pas de c&ocirc;t&eacute; ? Quand on porte son regard sur quelque chose, &agrave; quoi tourne-t-on le dos ? O&ugrave; faire oeuvre est-il possible ? Ce faisant, elle incite, dans un jeu d'&eacute;change et de reflet, presque de chaises musicales, le visiteur, son <em>alter ego</em>, &agrave; se poser la m&ecirc;me question.</p> <p style="text-align: justify;">Dans la derni&egrave;re salle de l'exposition, <strong>CLAIRE TABOURET</strong> a rassembl&eacute; un ensemble de monotypes, nouveau m&eacute;dium dans son travail, qui reprennent des d&eacute;tails de toiles de l'exposition, formant ainsi les constellations de l'exposition, la cloturant &agrave; la mani&egrave;re d'une variation musicale.</p> Sun, 16 Oct 2016 05:42:22 +0000 Geert Goiris - Art : Concept - October 28th - December 10th <p style="text-align: justify;">From the 28th October to 10th December 2016, Art: Concept will be pleased to present Plot Twist, its third solo exhibition with Geert Goiris (Bornem, 1971). Giving an entirely new direction to his work, for the first time the artist proposes a confrontation between photographs and videos.</p> <p style="text-align: justify;">The term &ldquo;plot twist&rdquo; refers to a rebound, a new development occurring unexpectedly within a plot. In the mysterious narrative created by the Belgian photographer, it corresponds to the emergence of moving images that have started to shake a work previously dominated by still images. Beyond photography but not quite films, these three videos (between one and two minutes) fit with extreme coherence into the practice of Geert Goiris. As often, his subject is a micro phenomenon, part of the natural order taking place in our absence; a makeshift locomotive going from point A to point B, a stretch of water covered with ice and a mountainous landscape invaded by a wave of smoke. Even though the medium changes, the relationship with image and the information it conveys remains the same. Again, there are no specifications of time or place. All the elements necessary to our understanding are perceptible (the subject is realistic, perfectly recognizable) but elusive enough to leave room for interpretation. The uniqueness of the video intervenes at this point: incorporating the viewer even more into the process.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition as a whole seems to follow a voluntarily open narrative construction. Despite some clues that could lead to the construction of a scenario not devoid of eschatological echoes - a surgical mask, a packedup car undergoing an undeniable mutation, a mirror without reflection - the purpose is not the disappearance of what is human, on the contrary. In a speech in the negative (in the philosophical sense of the term), this apparent absence just ends up signifying with force, strangeness and even violence, our presence in the world.</p> <p style="text-align: justify;">By almost empirically picking out - in a relatively objective manner - fragments of what is happening without us, the artist reintegrates humans and assigns a different role to them; to fill the gaps, to participate in building a common history whose outcomes are infinite.</p> <p style="text-align: justify;">Julia Moss&eacute; / translation Frieda Schumann</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Born in Bornem (Belgium) in 1971, Geert Goiris lives and works in Antwerp. His work is present in many institutions such as the Seattle Art Museum, the Kunsthalle in Hamburg, the Antwerp Museum of Photography and the Museum of Modern Art of the City of Paris. Recently, several exhibitions were devoted to him: Fight or Flight in Frac Haute Normandie, Unfathomable at Belfast Exposed and Flashbulb Memories, Ash Grey Prophecies at Foam Fotografiemuseum in Amsterdam.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Du 28 octobre au 10 d&eacute;cembre 2016, Art : Concept a le plaisir de pr&eacute;senter Plot Twist la troisi&egrave;me exposition personnelle de Geert Goiris (Bornem, 1971). Donnant une orientation tout &agrave; fait nouvelle &agrave; son travail, l&rsquo;artiste propose pour la premi&egrave;re fois de faire dialoguer photographies et vid&eacute;os.</p> <p style="text-align: justify;">D&eacute;pourvu de parfait &eacute;quivalent fran&ccedil;ais, &ldquo;plot twist&rdquo; d&eacute;signe un rebondissement, un d&eacute;veloppement nouveau survenant de mani&egrave;re inattendue au sein d&rsquo;une intrigue. Dans la myst&eacute;rieuse narration cr&eacute;&eacute;e par le photographe belge c&rsquo;est le surgissement de l&rsquo;image mouvante qui vient bousculer une oeuvre jusque l&agrave; domin&eacute;e par l&rsquo;image fixe. Au del&agrave; de la photographie mais pas tout &agrave; fait dans le film, ces trois vid&eacute;os d&rsquo;une &agrave; deux minutes s&rsquo;inscrivent pourtant avec une extr&ecirc;me coh&eacute;rence dans la pratique de Geert Goiris.</p> <p style="text-align: justify;">Comme souvent le sujet est un micro ph&eacute;nom&egrave;ne, inscrit dans l&rsquo;ordre naturel prenant lieu et place en notre absence ; une locomotive de fortune allant d&rsquo;un point A &agrave; un point B, une &eacute;tendue d&rsquo;eau prise par les glaces et un paysage montagneux envahi par une vague de fum&eacute;e. Si le medium change, le rapport &agrave; l&rsquo;image et aux informations qu&rsquo;elle v&eacute;hicule demeure identique. L&agrave; aussi, aucune pr&eacute;cision de temps, ni de lieu. Tous les &eacute;l&eacute;ments n&eacute;cessaires &agrave; notre compr&eacute;hension sont perceptibles (le sujet est r&eacute;aliste, parfaitement reconnaissable) mais suffisamment &eacute;vasifs pour laisser place &agrave; l&rsquo;interpr&eacute;tation. La singularit&eacute; de la vid&eacute;o intervient &agrave; cet endroit, int&eacute;grant davantage le spectateur dans le processus.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition dans son ensemble semble ob&eacute;ir &agrave; cette construction narrative volontairement ouverte. Malgr&eacute; quelques indices qui pourraient &eacute;chafauder un sc&eacute;nario aux &eacute;chos eschatologiques &ndash; un masque chirurgical, une voiture empaquet&eacute;e en proie &agrave; une mutation certaine, un miroir sans reflet &ndash; le propos ne porte pas sur la disparition de l&rsquo;humain, bien au contraire. Dans une forme de discours en n&eacute;gatif, l&rsquo;absence apparente vient signifier avec force, &eacute;tranget&eacute; voire violence, notre pr&eacute;sence au monde. L&rsquo;artiste en pr&eacute;levant de mani&egrave;re quasi empirique et relativement objective des fragments de ce qui se passe sans nous, r&eacute;int&egrave;gre l&rsquo;humain en lui attribuant un autre r&ocirc;le ; celui de combler les vides, de participer &agrave; la construction d&rsquo;une histoire commune dont les d&eacute;nouements sont infinis.</p> <p style="text-align: justify;">Julia Moss&eacute;</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">N&eacute; &agrave; Bornem (Belgique) en 1971, Geert Goiris vit et travaille &agrave; Anvers. Son travail est pr&eacute;sent dans de nombreuses institutions telles que le Seattle Art Museum, la Kunsthalle de Hambourg, le Mus&eacute;e de la photographie d&rsquo;Anvers et le Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris. R&eacute;cemment plusieurs expositions personnelles lui ont &eacute;t&eacute; consacr&eacute;es : Fight or Flight au Frac Haute Normandie, Unfathomable au Belfast Exposed et Flashbulb Memories, Ash Grey Prophecies au Foam Fotografiemuseum Amsterdam.</p> Sun, 16 Oct 2016 05:39:30 +0000 Flore - Galerie Sit Down - November 4th - December 24th <p style="text-align: justify;"><em>&ldquo;Avec ces presque riens qu&rsquo;elle nous propose comme autant d&rsquo;offrandes de temps suspendu, FLORE nous &eacute;largit le regard et agrandit le monde d&rsquo;espaces insoup&ccedil;onn&eacute;s&ldquo;.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Susana G&aacute;llego Cuesta</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Conservatrice de la collection photographique du Petit Palais <br /></em></p> <p style="text-align: justify;">Pour c&eacute;l&eacute;brer les vingt ans de la mort de Marguerite Duras et &agrave; l'occasion de la sortie du livre aux &eacute;ditions Contrejour, la galerie SIT DOWN est heureuse de pr&eacute;senter pour la premi&egrave;re fois en France, la nouvelle s&eacute;rie de FLORE <em>"Lointains souvenirs".</em></p> <p style="text-align: justify;">N&eacute; d&rsquo;un lent voyage qui l&rsquo;a men&eacute;e de Sa&iuml;gon &agrave; Sadec, des rives du M&eacute;kong aux rizi&egrave;res du sud de la Cochinchine, cette nouvelle s&eacute;rie photographique est une variation autour de la jeunesse indochinoise de Marguerite Duras.</p> <p style="text-align: justify;">Les tirages pigmentaires en noir et blanc teint&eacute;s ou en couleurs, ont tous &eacute;t&eacute; r&eacute;alis&eacute;s par l&rsquo;artiste sur papier baryt&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Un voyage au long cours o&ugrave; FLORE, par sa propre histoire familiale, sa connaissance intime des lieux et des &eacute;crits de l&rsquo;auteur ne pouvait &ecirc;tre meilleure "interpr&egrave;te" des mythologies de l&rsquo;&eacute;crivain.</p> <p style="text-align: justify;"><em>"&hellip; FLORE par le cadrage de ses photographies, par cette mati&egrave;re blanche qui s&rsquo;en &eacute;chappe - l&agrave;-bas le soleil aussi est blanc et tout est happ&eacute; par une sorte de brouillard qui estompe les contours - parvient non &agrave; illustrer les textes de Marguerite Duras mais &agrave; se mettre dans ses pas - non pas comme une aficionada mais comme une sorte de fant&ocirc;me, de double hallucinatoire qui viendrait r&eacute;veiller au plus profond de nous pourquoi et comment les mots de Marguerite Duras lus, relus, ressass&eacute;s, rab&acirc;ch&eacute;s,viennent toujours r&eacute;enchanter notre imaginaire et nous donner furieusement envie, &agrave; notre tour, de faire ce voyage au pays des morts vivants. Une pr&eacute;sence absence."</em></p> <p style="text-align: justify;"><strong><em>Laure Adler</em></strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong>Biographie</strong></p> <p style="text-align: justify;">Photographe franco-espagnole, FLORE vit et travaille actuellement &agrave; Paris. Elle est repr&eacute;sent&eacute;e par plusieurs galeries, son travail fait l&rsquo;objet d&rsquo;expositions monographiques &agrave; travers le monde et nombre de ses oeuvres font partie de collections publiques et priv&eacute;es.</p> <p style="text-align: justify;">En parall&egrave;le de son activit&eacute; artistique FLORE est une p&eacute;dagogue reconnue qui donne r&eacute;guli&egrave;rement des workshops. Son pr&eacute;c&eacute;dent livre <em>"Une femme fran&ccedil;aise en Orient" </em>a &eacute;t&eacute; &eacute;dit&eacute; par Postcart Edizioni en 2014.</p> <p style="text-align: justify;">Elle d&eacute;finit son univers po&eacute;tique et atemporel comme un acte politique, qui est sa fa&ccedil;on de se positionner face au "faisceau de t&eacute;n&egrave;bres qui provient de son temps", comme dit G. Agamben.</p> <p style="text-align: justify;">Pour chacune de ses s&eacute;ries, elle trouve une technique photographique personnelle et diff&eacute;rente lui permettant d'exprimer au mieux son monde int&eacute;rieur. FLORE utilise principalement la photographie argentique qu&rsquo;elle travaille parfois avec des ajouts de mati&egrave;re comme de la cire, de l&rsquo;or ou de l&rsquo;aquarelle avec un soin tout particulier apport&eacute; aux tirages.</p> Sat, 15 Oct 2016 15:59:45 +0000 Marie Maurel de Maillé - Galerie Sit Down - October 8th - October 29th <p style="text-align: justify;">Ce travail renvoie &agrave; la l&eacute;gende de &ldquo;l&rsquo;inconnue de la Seine&ldquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Un m&eacute;decin l&eacute;giste avait trouv&eacute; si beau et si &eacute;nigmatique le visage d&rsquo;une jeune fille rep&ecirc;ch&eacute;e dans la Seine qu&rsquo;il avait fait r&eacute;aliser son masque mortuaire. Le mouleur d&eacute;cide de vendre le masque dans sa boutique, Rilke va la d&eacute;couvrir en 1902, lors de son premier s&eacute;jour parisien : &ldquo;Le Mouleur devant la boutique duquel je passe tous les jours a accroch&eacute; deux masques devant sa porte. Le visage de la jeune femme noy&eacute;e que l&rsquo;on moula &agrave; la morgue, parce qu&rsquo;il &eacute;tait beau et parce qu&rsquo;il souriait, parce qu&rsquo;il souriait de fa&ccedil;on si trompeuse, comme s&rsquo;il savait.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">Cet objet de pl&acirc;tre s&eacute;duit les milieux litt&eacute;raires, en 1931 Jules Supervielle &eacute;crit &ldquo;L&rsquo;inconnue de la Seine&rdquo;, Nabokov lui d&eacute;die un po&egrave;me en 1934, C&eacute;line utilise une photographie du masque pour sa pi&egrave;ce &ldquo;l&rsquo;Eglise&rdquo;, Man Ray met en sc&egrave;ne le masque dans des photographies pour Aur&eacute;lien d&rsquo;Aragon, Maurice Blanchot poss&eacute;dait un des masques. </p> <p style="text-align: justify;">Plus r&eacute;cemment, Didier Blonde publie un roman &ldquo;L&rsquo;inconnue de la Seine&rdquo; et l&rsquo;historien d&rsquo;art Bertrand Tillier enqu&ecirc;te sur le myst&eacute;rieux masque dans un ouvrage intitul&eacute; &ldquo;La belle noy&eacute;e&rdquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Bachelard : &laquo; L&rsquo;image synth&eacute;tique de l&rsquo;eau, de la femme et de la mort ne peut pas se disperser, affirme-t-il, un mot des eaux, un seul, suffit pour d&eacute;signer l&rsquo;image profonde d&rsquo;Oph&eacute;lie. &raquo;</p> <p style="text-align: justify;">Depuis plus d&rsquo;un si&egrave;cle ce personnage myst&eacute;rieux alimente les fictions, tr&ocirc;ne dans les ateliers d&rsquo;artistes, on le voit au cin&eacute;ma, dans le film de Truffaut, &ldquo;La mari&eacute;e &eacute;tait en noir&rdquo;, il est un objet familier, mais totalement inconnu, et l&rsquo;on a de cesse de lui inventer une histoire.</p> <p style="text-align: justify;">Eric Rondepierre me laisse acc&eacute;der &agrave; ses archives, des centaines de prises de vues de pellicules de cin&eacute;ma, les photographies qui m&rsquo;interpellent sont celles de plans cadrant des actrices, datant du d&eacute;but du XX&egrave;me si&egrave;cle, et qui sont aujourd&rsquo;hui de parfaites inconnues. Leurs visages expressifs, isol&eacute;s dans le photogramme, me rem&eacute;morent le mythe de la noy&eacute;e, chacune d&rsquo;elles, isol&eacute;e, fix&eacute;e dans l&rsquo;image, existe sur une bobine de film, incarne un personnage, alors qu&rsquo;aujourd&rsquo;hui, elles sont sans doute mortes, et plus personne ne conna&icirc;t leur nom. Elles apparaissent comme des fant&ocirc;mes, surgissent de l&rsquo;oubli comme les nymphes des eaux mouvantes.</p> <p style="text-align: justify;">Apr&egrave;s une s&eacute;lection de ces visages &eacute;nigmatiques, je r&eacute;alise des photographies de rivi&egrave;res, cascades, d&rsquo;eaux courantes. Par le biais de montage, je les associe, en tentant de trouver pour chacune, quel flot, quelle chute d&rsquo;eau la fera r&eacute;appara&icirc;tre pour la noyer &agrave; nouveau dans le flux des images, du temps.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Marie Maurel de Maill&eacute; </strong></p> <p style="text-align: justify;">Marie Maurel de Maill&eacute; est n&eacute;e &agrave; Lyon en 1978.</p> <p style="text-align: justify;">Elle &eacute;tudie &agrave; l&rsquo;Ecole des Beaux-Arts de Saint-Etienne, ainsi qu&rsquo;&agrave; la Faculdade de Belas Artes de Porto o&ugrave; elle d&eacute;veloppe un travail d&rsquo;installations m&ecirc;lant vid&eacute;o et photographie.</p> <p style="text-align: justify;">Ses recherches qui s&rsquo;articulent autour d&rsquo;images fant&ocirc;matiques, d&eacute;doubl&eacute;es, de pr&eacute;sences qui toujours se retirent, son rapport &eacute;troit avec la litt&eacute;rature et la po&eacute;sie l&rsquo;am&egrave;nent &agrave; tisser des liens privil&eacute;gi&eacute;s avec la photographie.</p> <p style="text-align: justify;">Elle constitue alors un corpus de photographies, regroup&eacute;es pour la plupart en s&eacute;rie, qui interroge notre relation au monde des images et met en doute le seuil fragile qui s&eacute;pare la r&eacute;alit&eacute; de la fiction en concentrant son attention sur des ph&eacute;nom&egrave;nes d&eacute;j&agrave; constitu&eacute;s en repr&eacute;sentations.</p> <p style="text-align: justify;">Elle expose en France et &agrave; l&rsquo;&eacute;tranger : au ch&acirc;teau d&rsquo;eau de Toulouse, &agrave; la galerie Les Filles du Calvaire &agrave; Paris, Au centre d&rsquo;art image/imatge &agrave; Orthez, aux Rencontres Internationnales de la Photographie d&rsquo;Arles, au Mus&eacute;e de la Litt&eacute;rature Roumaine de Bucarest, au Centre Culturel Fran&ccedil;ais de Iasi, &agrave; PhotoEspa&ntilde;a, au Casino Luxembourg, au centre d&rsquo;art La Chapelle Saint-Jacques &agrave; Saint-Gaudens.</p> <p style="text-align: justify;">Elle participe &eacute;galement &agrave; des r&eacute;sidences : Quartiers d&rsquo;Octobre aux Subsistances &agrave; Lyon, &agrave; la Collection Lambert en Avignon, au Pav&eacute; dans la Mare &agrave; Besan&ccedil;on, aux Rencontres photographiques de Niort, au domaine d&rsquo;Abbadia &agrave; Hendaye, au Centre National de Recherche Mihai Eminescu en Roumanie.</p> <p style="text-align: justify;">Elle est pensionnaire de la Casa Velasquez de 2011 &agrave; 2012.</p> <p style="text-align: justify;">Elle publie deux livres : L&rsquo;Estran aux &eacute;ditions Filigranes en 2010, et Raiponce aux &eacute;ditions nonpareilles en 2013.</p> Sat, 15 Oct 2016 15:55:38 +0000 Wendy Sacks - Galerie Sit Down - October 8th - October 29th <p style="text-align: justify;">La galerie SIT DOWN accueille pour la premi&egrave;re fois en France le travail de la photographe am&eacute;ricaine Wendy Sacks avec sa s&eacute;rie <em>&ldquo;Immersed in Living Water&ldquo;</em>. L&rsquo;exposition &ldquo;&agrave; fleur d&rsquo;eau&ldquo; accompagne la sortie du premier livre au titre &eacute;ponyme publi&eacute; aux &eacute;ditions Contrejour.</p> <p style="text-align: justify;">Wendy Sacks a d&eacute;but&eacute; son parcours photographique en tant que m&eacute;decin au service des urgences p&eacute;diatriques. Elle utilisait son appareil photographique &agrave; des fins de documentation et d&rsquo;enseignement, une vocation qu&rsquo;elle dut abandonner &agrave; cause de probl&egrave;mes physiques r&eacute;sultant d&rsquo;une maladie d&eacute;g&eacute;n&eacute;rative des tissus conjonctifs. Elle tourna alors son objectif vers ses enfants.</p> <p style="text-align: justify;">Le moment du bain avec eux &eacute;tablit un instant privil&eacute;gi&eacute; dans la journ&eacute;e et lui fait d&eacute;couvrir les effets calmants ainsi que le potentiel cr&eacute;atif et artistique de l&rsquo;eau qui appara&icirc;t dans sa premi&egrave;re s&eacute;rie de portraits Immerg&eacute;s dans l&rsquo;eau vive.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Alors que je travaillais en tant que m&eacute;decin aux urgences p&eacute;diatriques, je pris l&rsquo;habitude d&rsquo;emmener mon appareil photo afin de documenter les cas de mes jeunes patients. J&rsquo;utilisais alors ces images &agrave; des fins d&rsquo;enseignement. Les images enregistraient cependant &eacute;galement le chagrin g&eacute;n&eacute;r&eacute; par l&rsquo;exp&eacute;rience de la souffrance et parfois de la mort, parfois m&ecirc;me un d&eacute;sespoir qu&rsquo;il &eacute;tait difficile de contenir. Afin de rester professionnelle et de conserver mon efficacit&eacute;, il me fallait dissocier mes sentiments d&rsquo;individu de mon approche clinique de m&eacute;decin ; cette strat&eacute;gie se retrouvait elle aussi traduite dans mes images.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Il me fallut ensuite abandonner la m&eacute;dicine pour des raisons de sant&eacute; (s&eacute;v&egrave;re arthrite et d&eacute;g&eacute;n&eacute;rescence des tissus) alors que j&rsquo;avais une trentaine d&rsquo;ann&eacute;es. Je ne pouvais alors plus prendre soin de mes patients et de ma famille. Je me mis en cong&eacute; de ma carri&egrave;re de m&eacute;decin pour m&rsquo;occuper de ma famille avec amour et joie. Gr&acirc;ce &agrave; cet investissement la tristesse de mon d&eacute;part de l&rsquo;h&ocirc;pital pour incapacit&eacute; physique se transforma en une opportunit&eacute; d&rsquo;exercer mon activit&eacute; de m&egrave;re &agrave; plein temps. Malgr&eacute; tout, l&agrave; aussi, mes probl&egrave;mes de sant&eacute; devinrent probl&eacute;matiques. Les t&acirc;ches m&eacute;nag&egrave;res simples devenaient extr&ecirc;mement douloureuses. Mes articulations se d&eacute;t&eacute;rioraient demandant traitement et remplacement progressif. La photographie devint alors un d&eacute;rivatif, une th&eacute;rapie m&ecirc;me, me permettant &agrave; la fois de porter mon attention au-del&agrave; de mes probl&egrave;mes tout en les abordant de fa&ccedil;on d&eacute;tourn&eacute;e.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Ici encore, j&rsquo;utilisais l&rsquo;appareil photographique pour documenter ma vie et celle de mes enfants. Ne pouvant les soulever, un th&eacute;rapeute me sugg&eacute;ra de me baigner avec eux. Je finis l&agrave; aussi par documenter cet aspect de notre vie photographiquement. &Agrave; travers l&rsquo;objectif, mon rapport &agrave; la vie et la mort prit un aspect diff&eacute;rent de celui qu&rsquo;il avait &agrave; l&rsquo;h&ocirc;pital. Bien s&ucirc;r, les souvenirs des enfants malades dont j&rsquo;avais assur&eacute; les soins, ceux qui &eacute;taient d&eacute;c&eacute;d&eacute;s sous ma garde me revenaient. Durant les heures de travail je n&rsquo;avais pas eu le temps de m&rsquo;y arr&ecirc;ter, de pleurer les petits disparus. Des sentiments profond&eacute;ment scell&eacute;s dans mon subconscient se mirent &agrave; &eacute;merger. </em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Par hasard, l&rsquo;eau est devenue mon &eacute;l&eacute;ment de pr&eacute;dilection, un lieu de d&rsquo;apaisement physique et &eacute;motif. <br /></em></p> <p style="text-align: justify;"><strong><em>Wendy Sacks </em></strong><em>[Traduction &copy; Bruno Chalifour, Aout 2011]</em></p> <p>&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Wendy Sacks a exerc&eacute; la profession de m&eacute;decin d&rsquo;urgences p&eacute;diatriques, profession qu&rsquo;elle a d&ucirc; abandonner suite &agrave; une maladie chronique pour se consacrer intens&eacute;ment &agrave; sa vocation de photographe. Elle est n&eacute;e &agrave; New Haven dans l&rsquo;&eacute;tat du Connecticut en 1959.</p> <p style="text-align: justify;">Sa m&egrave;re, conceptrice de tissus et peintre, a instill&eacute; en elle un go&ucirc;t pour la cr&eacute;ativit&eacute;. Son p&egrave;re et son grand-p&egrave;re, tous les deux m&eacute;decins, l&rsquo;ont familiaris&eacute;e avec la m&eacute;decine et les textes m&eacute;dicaux d&egrave;s son plus jeune &acirc;ge, facilitant sa compr&eacute;hension de l&rsquo;anatomie humaine, de la terminologie m&eacute;dicale, et plus largement de la condition humaine. Cette combinaison d&eacute;termina l&rsquo;orientation de sa carri&egrave;re de m&eacute;decin, puis de sa vocation en tant qu&rsquo;artiste photographe. Ses photographies ont &eacute;t&eacute; expos&eacute;es dans plusieurs galeries et mus&eacute;es internationaux. Elles font aussi partie de nombreuses collections priv&eacute;es aux &Eacute;tats-Unis comme &agrave; l&rsquo;&eacute;tranger.</p> <p style="text-align: justify;">Elle vit au nord-ouest de l&rsquo;&eacute;tat de New York avec son terrier de Boston, Ollie, et son chat Abyssinien, Myla.</p> Sat, 15 Oct 2016 15:52:37 +0000 Nicolas Alquin - Galerie Maeght - October 13th - November 26th <p style="text-align: justify;"><strong>Du 13 octobre au 26 novembre 2016, la Galerie Maeght pr&eacute;sente &laquo; De toutes pi&egrave;ces &raquo;, l'exposition personnelle du sculpteur Nicolas Alquin qui regroupe des &oelig;uvres in&eacute;dites en bronze, en bois, des encres sur papier ainsi que de nouvelles gravures sign&eacute;es et num&eacute;rot&eacute;es.</strong>&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">La figure statuaire est au centre des recherches plastiques de Nicolas Alquin qui revendique l&rsquo;influence du sculpteur Eug&egrave;ne Dodeigne comme celle des flamands Roel et ReinHound D&rsquo;Haese, et reconna&icirc;t une profonde admiration pour l&rsquo;oeuvre du basque Edouardo Chillida. &laquo; De toutes pi&egrave;ces &raquo; est une ode &agrave; cet art : Nicolas Alquin &eacute;difie un jeu d&rsquo;&eacute;checs dans lequel les figures hi&eacute;ratiques &ndash; tours, fous, cavaliers, dames, rois et pions &ndash; prennent vie, notamment gr&acirc;ce &agrave; la force des bronzes. En 1987, Nicolas Alquin avait cr&eacute;&eacute; pour la Galerie Maeght un petit jeu d&rsquo;&eacute;checs <strong>en bronze. Avec cette nouvelle exposition, il reprend la partie l&agrave; o&ugrave; ils l&rsquo;avaient laiss&eacute;e.</strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong>Nicolas&nbsp; Alquin cherche&nbsp; les&nbsp; correspondances&nbsp; entre&nbsp; les&nbsp; mati&egrave;res,&nbsp; les&nbsp; th&egrave;mes,&nbsp; les&nbsp; &eacute;chelles .&nbsp; Il&nbsp; provoque les&nbsp; contrastes et les&nbsp; oppositions .&nbsp;</strong> Dans cette exposition, toutes les pi&egrave;ces s&rsquo;opposent et&nbsp; s&rsquo;unissent finalement&nbsp; dans&nbsp; leur&nbsp; diversit&eacute;.&nbsp; Les&nbsp; &oelig;uvres&nbsp; sur&nbsp; papier et&nbsp; les&nbsp; gravures&nbsp; in&eacute;dites&nbsp; prolongent&nbsp; ce&nbsp; dialogue.&nbsp; Un&nbsp; parcours&nbsp; utopique dans lequel les figures de l&rsquo;&eacute;chiquier s&rsquo;inscrivent dans des paysages oniriques :&nbsp; la&nbsp; reine&nbsp; devient&nbsp; brume,&nbsp; le&nbsp; roi&nbsp; devient&nbsp; falaise. Nicolas&nbsp; Alquin introduit pour la premi&egrave;re fois la couleur dans son &oelig;uvre sur&nbsp; papier avec des bruns, des bleus, des verts , inspir&eacute;s des paysages bretons, des roches et de l&rsquo;immensit&eacute; de la mer.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>&Agrave; propos de Nicolas Alquin</strong></p> <p style="text-align: justify;">&Agrave; la fois sculpteur, dessinateur et illustrateur, Nicolas Alquin est notamment connu&nbsp; du&nbsp; grand&nbsp; public&nbsp; pour&nbsp; ses&nbsp; sculptures&nbsp; monumentales.&nbsp; So n &oelig;uvre se d&eacute;veloppe &agrave;&nbsp; travers&nbsp; trois&nbsp; techniques :&nbsp; le&nbsp; bronze,&nbsp; le&nbsp; bois&nbsp; et&nbsp; l&rsquo;encre .&nbsp; Nicolas&nbsp; Alquin mod&egrave;le&nbsp; chaque &oelig;uvre, il y&nbsp; imprime&nbsp; ses&nbsp; gestes&nbsp; et&nbsp; marque&nbsp; le&nbsp; mouvement&nbsp; de&nbsp; ses&nbsp; propres&nbsp; mains.&nbsp; Depuis&nbsp; ses&nbsp; d&eacute;buts,&nbsp; il&nbsp; affectionne&nbsp; l&rsquo;&eacute;dition&nbsp; d&rsquo;art&nbsp; et&nbsp; les&nbsp; techniques&nbsp; de&nbsp; l&rsquo;imprimerie. Il a notamment publi&eacute; des ouvrages de bibliophilie ainsi que r&eacute;alis&eacute;&nbsp; des &oelig;uvres grav&eacute;es , sign&eacute;es&nbsp; et&nbsp; num&eacute;rot&eacute;e s . Son &oelig;uvre a re&ccedil;u des distinctions&nbsp; internationales&nbsp; et&nbsp; fait&nbsp; l&rsquo;objet&nbsp; de&nbsp; plusieurs&nbsp; expositions&nbsp; en&nbsp; France&nbsp; comme&nbsp; &agrave;&nbsp; l&rsquo;&eacute;tranger.</p> Sat, 15 Oct 2016 15:44:43 +0000 Antoine Donzeaud - Galerie Chez Valentin - October 19th - November 19th Sat, 15 Oct 2016 15:37:15 +0000 Group Show - Galerie Chantal Crousel - October 15th - November 19th <p style="text-align: justify;">&ldquo;It necessarily follows that circular movement, being unnatural to these bodies, is the natural movement of some other. Further, if, on the one hand, circular movement is natural to something, it must surely be some simple and primary body which is ordained to move with a natural circular motion, as fire is ordained to fly up and earth down.&rdquo;<br /> <br /> &mdash; Aristotle, <em>On the Heavens</em>, Book I, paragraph 2, 350 BC.<br /> <br /> <br /> At the very beginning, there is earth, water and fire. Then comes air, colorless, invisible to all senses, subtle alliance between fire and light, and direct environment to the celestial sphere sheltering us. For Aristotle, aether is an etheric body, more ethereal than air and denser than matter: the quintessence of universe at its climax. Mythological God in Antique Greece and master of the stellar forces and their brightness, Aether&mdash;whilst constantly in motion&mdash;is pure and &ldquo;all its beings are divine.&rdquo;<sup>1</sup><br /> <br /> If this echoing whirlwind has, over the years, raised so many hypotheses, as extraordinary and dialectical as they can be, aether has, in fact, become a phenomenon, which escapes us, and is deprived of any evidence of a terrestrial residual. Subtle medium in constant propagation, aether is at the origin of fundamental theories, which emerged between the 18th and 20th centuries. Newton&rsquo;s theory of gravitation supported it, whereas others, such as Einstein&rsquo;s, refuted it, which led to a redefinition of Aether and its purpose in our universe.<br /> <br /> The 5<sup>th</sup> element is at the centre of all discourses, all scientific discoveries or even legends, but its limits in History remain fictional and aether is &ldquo;constantly faced with impossibilities, lacunae, and loss-of-words.&rdquo;<sup>2</sup><br /> <br /> The<em> Ether</em> exhibition explores its own mutations and its tales, through the illusion of a parallel world, a space of communion between the four elements. Fragment of a sublimated reality, Pierre Huyghe, Tarek Atoui, and Roberto Cuoghi unveil at first, the many small and secret lives. Then comes the terrestrial cap, the salt journey from Northern Mali, and the work of rough and translucent matter, with Melik Ohanian, Wolfgang Laib, Gabriel Orozco, Marcel Broodthaers, Zheng Guogu and finally, Jean-Luc Moul&egrave;ne.<br /> <br /> Jos&eacute; Mar&iacute;a Sicilia, Robert Filiou, David Douard, Moshe Ninio and Danh V&otilde; examine the elements of the surface, where nature, as fragile and elusive as it can be, is reduced to nothing. At last, and with boldness and simplicity, Yves Klein, Wade Guyton and the duo Jennifer Allora &amp; Guillermo Calzadilla transgress the boundaries of what is apparent, &ldquo;light is emitted, reflected, refracted, inflected, and heats bodies.&rdquo;<sup>3 </sup>Out of reach, Wifredo Lam, and Wolfgang Tillmans enlighten us on what matters, the untouchable: the heavenly bodies.<br /> <br /> _________<br /> 1&nbsp; Diog&egrave;ne La&euml;rce, VIII, 26, p.3 - translation from P. Festugi&egrave;re..<br /> 2&nbsp; Joe Milutis, Ether: The Nothing That Connects Everything (Minneapolis: University of Minnesota Press, 2006), p. XII.<br /> 3&nbsp; Isaac Newton, Principia (1687), quoted in The Luminiferous Aether, Volson Wood (New York: D. Van Nostrand, 1886), pp.74-75.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&laquo;&nbsp;Il est de toute n&eacute;cessit&eacute; qu&rsquo;il existe un corps simple dont la nature soit de se mouvoir selon la translation circulaire, conform&eacute;ment &agrave; sa propre nature&hellip; En dehors des corps qui nous entourent ici-bas, il existe un autre corps, s&eacute;par&eacute; d&rsquo;eux, et poss&eacute;dant une nature d&rsquo;autant plus noble qu&rsquo;il est plus &eacute;loign&eacute; de ceux de notre monde.&nbsp;&raquo;<br /> <br /> &mdash; Aristote, <em>Du ciel</em>, Livre I, paragraphe 2, 350 av. J.C.<br /> <br /> <br /> Au commencement, il y a la terre, l&rsquo;eau, le feu. Puis l&rsquo;air, incolore, invisible aux sens, m&eacute;lange de feu et de lumi&egrave;re et environnement direct de la sph&egrave;re c&eacute;leste qui nous abrite. Pour Aristote, l&rsquo;&eacute;ther est un corps &eacute;th&eacute;rique plus a&eacute;rien que l&rsquo;air et plus dense que la mati&egrave;re : la quintessence de l&rsquo;univers &agrave; son apog&eacute;e. Dieu de la mythologie en Gr&egrave;ce antique et ma&icirc;tre des parties astrales et de leur brillance, l&rsquo;&eacute;ther &ndash; toujours en mouvement &ndash; est pur et &laquo; tous les &ecirc;tres qu&rsquo;il contient sont divins<sup>1</sup>. &raquo;<br /> <br /> Si ce tourbillon vibratoire a soulev&eacute; nombre d&rsquo;hypoth&egrave;ses aussi extraordinaires que rationalistes au fil des si&egrave;cles, l&rsquo;&eacute;ther est, somme toute, un ph&eacute;nom&egrave;ne qui nous &eacute;chappe et qui est d&eacute;pourvu de la moindre trace de r&eacute;sidu terrestre. Milieu subtil en constante propagation, il est &agrave; l&rsquo;origine de th&eacute;ories phares entre le XVIII&egrave;me et le XX&egrave;me si&egrave;cle. La th&eacute;orie gravitationnelle de Newton encourage, d&rsquo;autres comme celle d&rsquo;Einstein r&eacute;futent, menant &agrave; la red&eacute;finition compl&egrave;te de l&rsquo;&eacute;ther et de son r&ocirc;le dans notre univers.<br /> <br /> Le 5<sup>&egrave;me</sup> &eacute;l&eacute;ment est au centre des discours, des d&eacute;couvertes scientifiques, des l&eacute;gendes, mais ses limites dans l&rsquo;Histoire restent fictives et &laquo; font sans cesse face &agrave; des impossibilit&eacute;s, des absences et un manque certain li&eacute; au langage<sup>2</sup>.&nbsp;&raquo; &nbsp;<br /> <br /> L&rsquo;exposition <em>Ether</em> explore ses propres mutations et ses r&eacute;cits &agrave; travers l&rsquo;illusion d&rsquo;un monde &agrave; part, d&rsquo;un espace de cohabitation entre les quatre &eacute;l&eacute;ments. Empreinte d&rsquo;une esth&eacute;tique de la r&eacute;alit&eacute;, Pierre Huyghe, Tarek Atoui, Roberto Cuoghi et Anri Sala nous d&eacute;voilent en premier les vies les plus secr&egrave;tes et minuscules. Puis viennent avec l&rsquo;enveloppe terrestre, le voyage du sel au nord du Mali et le travail de la mati&egrave;re brute et pure avec Melik Ohanian, Wolfgang Laib, Gabriel Orozco, Marcel Broodthaers, Zheng Guogu et, enfin,&nbsp; Jean-Luc Moul&egrave;ne.<br /> <br /> Jos&eacute; Mar&iacute;a Sicilia, Robert Filiou, David Douard, Moshe Ninio et Danh V&otilde; jouent avec les &eacute;l&eacute;ments de la surface, o&ugrave; la nature fragile et intangible de la terre est r&eacute;duite &agrave; n&eacute;ant. Enfin, avec d&eacute;fiance et simplicit&eacute;, Yves Klein, Wade Guyton et le duo Jennifer Allora &amp; Guillermo Calzadilla franchissent les limites du visible, &laquo; la lumi&egrave;re se propage, se refl&egrave;te, se r&eacute;fracte, se d&eacute;forme et r&eacute;chauffe les corps<sup>3</sup>.&nbsp;&raquo; Hors de notre port&eacute;e, Wifredo Lam et Wolfgang Tillmans nous &eacute;clairent sur l&rsquo;essentiel, l&rsquo;intouchable : les astres.<br /> <br /> _________<br /> 1. Diog&egrave;ne La&euml;rce, VIII, 26, p.3 - traduction de P. Festugi&egrave;re.<br /> 2. Joe Milutis, Ether: The Nothing That Connects Everything (Minneapolis: University of Minnesota Press, 2006), p. XII.<br /> 3. Isaac Newton, Principia (1687), cit&eacute; dans The Luminiferous Aether, Volson Wood (New York : D. Van Nostrand, 1886), pp. 74-75.</p> Sat, 15 Oct 2016 09:09:15 +0000 Vincent Mauger - Galerie Bertrand Grimont - October 13th - December 2nd Sat, 15 Oct 2016 09:04:20 +0000 Silvia Radelli - Association Culturelle Franco-Japonaise de Tenri - November 15th - November 26th <p style="text-align: justify;">Silvia Radelli met en sc&egrave;ne un cheval dans un champ de drag&eacute;es, puis un autre sous un ciel de coton, et d&rsquo;autres encore sur les branches d&rsquo;un arbre... &agrave; moins que ce soit le m&ecirc;me, ivre de sa nouvelle libert&eacute;. Le cheval sauvage galope dans un tourbillon de rubans, il s&rsquo;&eacute;tonne de son reflet dans un grand miroir rond. Le monde est si vaste et le cheval si petit ! </p> <p style="text-align: justify;">Silvia Radelli construit des sc&egrave;nes po&eacute;tiques et joyeuses, les aventures d&rsquo;un cheval fou.</p> Sat, 15 Oct 2016 09:01:32 +0000