ArtSlant - Closing soon http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Group Show - Galerie Métanöia - September 28th, 2012 - October 4th, 2012 Wed, 19 Sep 2012 00:37:35 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Cyril Le Van, Massimo Gammacurta, Paco Peregrin, PAULA PARRISH - Visionairs Gallery Paris - September 20th, 2012 - October 4th, 2012 <p>Visionairs Gallery présente une exposition avec des oeuvres de <strong>Cyril Le Van</strong>, <strong>Massimo Gammacurta</strong>, <strong>Paco Peregrin</strong> ou <strong>Paula Parrish</strong>, entre autres.</p> <p></p> <p style="text-align: center;">*****</p> <p style="text-align: left;">Visionairs Gallery presents an exhiition with artworks of <strong>Cyril Le Van</strong>, <strong>Massimo Gammacurta</strong>, <strong>Paco Peregrin</strong> or <strong>Paula Parrish</strong>, amongst others.</p> Wed, 19 Sep 2012 00:45:51 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Axel Pahlavi - Galerie Eva Hober - September 6th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;">« Above the road near a laurel wood, I wrapped her up in gathered veils, and I felt a little her immense body. Dawn and the child fell down at the edge of the wood. » Arthur Rimbaud</p> <p style="text-align: justify;">You enter Axel Pahlavi ‘s art the same way you would “enter the Church”; by accepting that a force that is impossible to name will guide you into a narrative, and take you by the hand to tell you a story of painting. For the artist, all creation is a matter of transformation, but also a matter of relation to the other, to the one who is willing to watch. Let us watch then…</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition is like a journey into a thought that is gradually embodied, and from painting to painting, you have to follow the restrained strength of the staged gestures: from the strangeness of a bandaged hand with a forming drop of blood, to the simplicity of a modest hand gently concealing genitals left in the shadow, a choreography of smoothness is implemented. The painter takes up the themes of the female clown, and echoes a former painting (Love Stronger than Death, 2010); but here the red nose has fallen off, and the face covered in white is raised, open, turned towards something other than itself, and standing on something that is beyond melancholy. Standing close by, the body of the woman is still there, naked, and in a position of eternal waiting. The vertical canvas soars up towards a peak that could be a sky. The painting’s only backdrop is a big creased drape, and its<br />bareness, that is also fullness, moves deeply.</p> <p style="text-align: justify;">« Talitha Koum », « young woman, get up and walk! », such are the healing words of Christ. This imperative title coming from both Aramaic and the dawn of time could then be a call for life’s perpetual movement. This young woman is the Virgin Mary, a woman who is still a child, and whom Pahlavi depicts in a large format Annunciation, and in keeping with the best western painting tradition. But unlike Fran Angelico or Botticelli’s paintings, Mary is alone in the picture, modestly depicted in the lower left part of the painting. Archangel Gabriel is embodied in a great light that takes up almost all the space and conjures up abstract painting, not unlike the perceptive depth of a painting by Rothko: emptiness becomes a presence. The artist seems to be willing to hug this small body that will, however, never break; this embodiment of the infinite beauty of the world, wrapped up in her delicate veil.</p> <p style="text-align: justify;">Then it is Christ’s turn to come on, a crying Christ supporting the body of a staggering person. It is the body of the artist himself, a figure of sin, a monster, a devastated clown in jeans and sneakers, whose dancer body finally gives in to the laws of gravitation, an entirely unconscious body, subjected to the other body, the one that still has the strength to support it, and to prevent it from crashing to the ground. What Pahlavi paints here in this strange self-portrait is the encounter between human freedom and divine freedom, within the communion of two bodies. At last, « I.N.R.I », Christ is on the cross, his hands nailed to it, in a landscape of deep shades of blue; the resurrection is still to come.</p> <p style="text-align: justify;">Thus, after the Crucifixion, Axel Pahlavi paints the sweetest revelation, that of the love of childhood that now walks through a happy constellation, just before the summer dawn humbly sets and lets the birds start their singing.</p> <p><br />Léa Bismuth, art critic</p> <p style="text-align: justify;"><b><i> </i></b></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><b><i> </i></b></p> <p style="text-align: justify;"><b><i>« En haut de la route, près d’un bois de lauriers, je l’ai entourée avec ses voiles amassés, et j’ai senti un peu son immense corps. L’aube et l’enfant tombèrent au bas du bois. » </i>Arthur Rimbaud</b></p> <p style="text-align: justify;">On entre dans l’œuvre d’Axel Pahlavi comme on « entre en religion », en acceptant qu’une force que nous ne pouvons pas nommer nous guide dans un récit, nous prenne par la main pour nous raconter une histoire de peinture. Pour l’artiste, toute création est affaire de transformation, mais aussi de relation à l’autre, à celui qui accepte de regarder. Alors, regardons...</p> <p style="text-align: justify;">L’exposition se présente comme un voyage dans une pensée qui s’incarne progressivement, et il faut suivre, de tableaux en tableaux, la force contenue des gestes mis en scène : de l’étrangeté d’une main pansée à la goutte de sang qui perle, à la simplicité d’une main pudique cachant légèrement un sexe laissé dans l’ombre, c’est une chorégraphie de la douceur qui se met en place. Faisant écho à un tableau précédent — <i>L’Amour plus fort que la mort, </i>2010 — le peintre reprend la thématique de la femme clown ; mais, ici, le nez rouge est tombé et le visage barbouillé de blanc s’est relevé, ouvert, vers quelque chose d’autre que lui-même, sur un au-delà de la mélancolie. Tout près, le corps de la femme est encore là, nu, debout, en position d’attente éternelle. La toile, verticale, s’élance vers un sommet qui pourrait être un ciel. Avec pour seul décor un grand drapé froissé, elle bouleverse par son dépouillement, qui est à la fois plénitude.</p> <p style="text-align: justify;">« Talitha Koum », « Jeune fille, lève toi et marche ! », telle est la parole guérisseuse du Christ. Ce titre à l’impératif venu de l’araméen et du fond des temps, serait alors une exhortation au mouvement perpétuel de la vie. Cette jeune fille c’est justement la Vierge, femme encore enfant que Pahlavi représente dans une Annonciation de très grand format, dans la plus grande tradition de la peinture occidentale. Mais, à la différence de Fra Angelico ou de Botticelli, Marie, modestement représentée dans la partie inférieure gauche, est seule dans l’image. L’archange Gabriel s’incarne en une immense lumière qui envahit presque tout l’espace et évoque la peinture abstraite, pourquoi pas la profondeur perceptive d’un Rothko : le vide devient présence. L’artiste semble vouloir serrer dans ses bras ce petit corps qui ne peut pourtant pas se briser, cette incarnation de l’infinie beauté du monde, fragilement enveloppée dans son voile.</p> <p style="text-align: justify;">Puis, c’est au tour du Christ d’entrer en scène, le Christ en larmes supportant le corps d’un être chancelant, celui de l’artiste lui-même, figure du péché et du monstre, clown dévasté en jean et baskets, au corps de danseur laissant son poids se rendre enfin aux lois de la gravitation, entièrement évanoui et soumis à l’autre, celui qui a encore la force de le soutenir, de l’empêcher de s’écraser sur le sol. Ce que peint ici Pahlavi dans cet étrange autoportrait, c’est la rencontre de la liberté humaine et de la liberté divine, dans la communion de deux corps. Enfin, « I.N.R.I », le Christ est sur la Croix, les mains clouées, dans un paysage chargé de bleus profonds ; la résurrection est à venir.</p> <p style="text-align: justify;">Ainsi, après la Crucifixion, Axel Pahlavi peint la plus douce révélation, celle de l’amour de l’enfance qui marche désormais, au centre d’une constellation heureuse, juste avant que l’aube d’été ne se lève humblement et fasse entendre le chant des oiseaux.</p> <p style="text-align: justify;">Léa Bismuth, critique d’art</p> Fri, 31 Aug 2012 20:17:49 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Cameron Platter - galerie hussenot - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;">“What can you see? What? No! No! No! You? Ha! Ha! You die! You die! You lose your mind! And it doesn’t matter what happened to you.”Pastor Chris Oyakhilome (PhD)</p> <p style="text-align: justify;">Galerie Hussenot is pleased to present Cameron Platter’s first solo exhibition in Paris, YOU.</p> <p style="text-align: justify;">Consisting of drawings, sculptural assemblages, and video, the exhibition is an expanded collage of different signs, symbols, and signifiers informed by a contemporary South Africa.</p> <p style="text-align: justify;">Part documentary, part commentary, part allegory, an exploration of reality (far stranger than fiction) through concept, satire and subculture; Platter fills the ordinary and the marginal with incendiary new meaning. Interacting with transitory subjects and sources considered delinquent, sordid and lowbrow, he reconnoiters notions and concepts on the outside fringes of popular culture.</p> <p style="text-align: justify;">Platter’s unique vision; violent, sardonic, collaborative, and critical is channeled through the mediums of chicken, advertising, death, poetry, chaos, weaving, activism, protest, profit-evangelists, portable toilets, political sloganeering, enlargers, empty guarantees, zombies, the disasters of war, unemployment, destitution, eternal love and forgiveness, debt, credit, money, money, money, sex classifieds, Life Solutions International, transvestites, dildos, buttplugs, pornography, privacy, concealment, miracle healing sessions, tabloids, the power of thoughts, nights of destiny, metaphysics, crime, rainbows, psychedelic dream sequences, transcendence, dolphins, doves, ecstasy, penises, visionary manifestos, alternate belief systems, anti-heroes, the 6th and 7th dimensions, True Ass Confessions, mind control, purgatory, cannibals, and self help guides.</p> <p style="text-align: justify;">The drawings on show form part of Platter’s Everyday Apocalypse Pictures series; a projected tenyear series of 100 large-scale drawings. Thinking of these pencil on paper works as “Nomadic Murals” (as Le Corbusier considered tapestries), and as steles, covered with today’s hieroglyphs, these drawings are a series of interlinking thoughts, capturing the most fleeting moment as well as the most expansive scene, linked together to form a single metanarrative.</p> <p style="text-align: justify;">These seemingly divergent and irreverent subjects; and loud, extravagant, oversized, brightly-coloured statements are exactingly, and labour-intensively hand woven together to create a pictogram of dark and deeply troubled times- records of the present and visions of a disturbed and agitated future.</p> <p style="text-align: justify;">The single large-scale sculptural assemblage cannibalizes a portable toilet, a claustrophobic fuckbooth, and a fast-food restaurant. A reflection on Excrement, Trash, Sex, Violence, Food, Imprisonment, Politics, and Redemption all transferred into a handmade dystopian objet-outhouse.</p> <p style="text-align: justify;">Both fantastically humourous and ominous, it blurs between the nonsensical and the serious- a trangressive poem of protest. Its accompanying sculptures, carved from wood, are culled from the everyday. Each work is an imperfect illusion of an existing object- an abandoned used tyre, chairs sourced from borrowed and pilfered plastic examples, a pallet found in a rubbish heap. These works are a celebration of the design of life, both aesthetic and cerebral, tributes to the mundane and its uniqueness and variability.</p> <p style="text-align: justify;">The video, The Power of Thoughts, is an absurdist cut up conversation between Platter and Pastor Chris Oyakhilome, a Nigerian televangelist, faith healer and founder of Believers' LoveWorld Incorporated. Produced in Platter’s signature crude, minimalist filmic technique, it takes an empathetic stance towards this anti-hero and seemingly allows him to speak for Platter himself. “The extent of your vision is whether you can see it?”</p> <p style="text-align: justify;">A limited edition artist’s book, FUCKING HELL, will also be debuted at the show. Designed, anddirected by Platter, the book serves as the most comprehensive document of his work to date.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition, embodying a philosophical way of living and thinking, is a meditation on detritus, consumerism and morality all channeled into a mind-map installation examining contemporary excesses. Optimistic, cynical, and bizarre, it is a sincere effort to investigate a confused and problematic modernity.</p> <p style="text-align: justify;">Platter’s peripheral stance, both conceptually and geographically, highly personal and distinct aesthetic, obsessive work methods, and non-conformist approach, come together to form a singular statement when the works are shown together.</p> <p style="text-align: justify;">Cameron Platter was born in 1978, Johannesburg. He graduated with a BFA in painting from the Michaelis School of Fine Art, Cape Town, in 2001. Recent exhibitions include “Impressions from South Africa, 1965 to Now,” Museum of Modern Art, New York; “Rencontres Internationales,” The Centre Georges Pomidou, Paris and Haus Der Kultur, Berlin; Le Biennale de Dakar 2010, Dakar, Senegal; “Coca- Colonization,” Marte Museum, El Salvador; and “Absent Heroes,” Iziko South African National Gallery.</p> <p style="text-align: justify;">His work appears in the permanent collection of MoMA, New York; The FRAC Centre, Orleans, France; and the Iziko South African National Gallery. His work has been highlighted in The New York Times, Vice Magazine, NKA Journal of Contemporary African Art, Artforum, Utflukt, and Art South<br />Africa.</p> <p style="text-align: justify;">He lives and works in KwaZulu-Natal and Cape Town, South Africa.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">“What can you see? What? No! No! No! You? Ha! Ha! You die! You die! You lose your mind! And it doesn’t matter what happened to you.”</p> <p style="text-align: justify;">Pastor Chris Oyakhilome (PhD)</p> <p>La Galerie Hussenot est heureuse de présenter Cameron Platter pour sa première exposition à Paris.</p> <p style="text-align: justify;">Constituée de dessins, d’assemblages de sculptures et de vidéos, l’exposition présente une articulation de différents signes, symboles et signifiants comme le produit d’un contexte socio-culturel Sud-Africain.</p> <p style="text-align: justify;">Platter emplit l’ordinaire et le marginal par des connotations incendiaires issues à la fois, de documents, de commentaires, ou bien d’allégories soulignant l’exploration de la réalité à travers le concept, la satire et la sous-culture. En jouant de l’interaction avec des sujets et des sources transitoires considérées comme déviants, sordides ou régressifs, il reconnecte des notions et des concepts flirtants avec la limite de la culture populaire.</p> <p style="text-align: justify;">Cette vision de Platter violente, sardonique, et critique est exposée à travers la publicité, la mort, l’image du Poulet, la poésie, le chaos, le truchement, l’activisme, la protestation, l’évangélisme lucratif, les toilettes portables, la pratique des slogans politiques, ”l’enlargement” ou agrandissement, les fausses promesses, les zombies, les désastres de la guerre, le chômage, la déstitution, l’amour et le pardon éternel, la dette, le crédit, l’argent, l’argent, l’argent, les petites annonces de sexe, Life Solutions International, les travestis, les godemichés, les buttplugs, la pornographie, l’intimité, la dissimulation, les sessions de guérison miracle, les tabloïds, le pouvoir de la pensée, la nuit des destinés, la métaphysique, le crime, les arcs-en-ciel, les séquences de rêve psychédélique, la transcendence, les dauphins, les colombes, l’ecstasy, le pénis, les manifestes visionnaires, les systèmes de pensée alternatif, les anti-héros, les 6ème et 7ème dimensions, True Ass confessions, le contrôle de la pensée, le purgatoire, les cannibales et les guides d’auto-assistance.</p> <p style="text-align: justify;">Les dessins ici présentés font partis d’une série à grande échelle de 100 dessins dont la production est projetée sur 10 ans ; Everyday Apocalypse Pictures, en référence aux tapisseries “mural nomade” du Corbusier, considérées comme des stèles couvertes de hiéroglyphes d’aujourd’hui. Ces dessins sont une série de pensées interconnectées capturant les instants les plus fugaces comme les plus débordants liés pour former une méta-narration.</p> <p style="text-align: justify;">Ces sujets, apparemment aussi divergeants qu’irrévérencieux, sont une succession de déclarations bruyantes, extravagantes, surdimensionnées, criantes de couleurs. Ces pièces, faites-mains, sont intensément confectionnées pour créer un pictogramme sombre de notre époque actuelle et de la vision d’un avenir agité et perturbé.</p> <p style="text-align: justify;">Le seul assemblage de sculpture de grande dimension est une “cannibalisation” de toilette portable, un “back room” claustrophobe et un restaurant fast-food. Une réflexion sur les excréments, le Trash, le sexe, la violence, la nourriture, l’emprisonnement, la politique et la rédemption, le tout représenté dans un objet d’extérieur dystopique fait-main. A la fois de mauvaise augure et empli d’humour, la sculpture hésite entre le non-sens et le sérieux comme un poème transgressif de protestation.</p> <p style="text-align: justify;">Les sculptures qui l’accompagnent, taillées dans le bois, sont issues du quotidien. Chaque oeuvre est une reproduction imparfaite d’un objet existant, comme ce pneu usé abandonné, ces chaises dont la forme rappelle celles en plastique des grandes surfaces, ou encore une palette trouvée sur un tas d’ordures. Ces travaux sont une célébration de la conception de la vie, à la fois esthétique et cérébrale, un hommage au banal dans son unicité et sa variablité.</p> <p style="text-align: justify;">The Power of Thoughts est un montage vidéo d’une conversation absurde entre Platter et le Pasteur Chris Oyakhilome, un télé-évangéliste Nigerien, guérisseur de foi et fondateur de Believers' Love World Incorporated. Produit avec la signature crue de Platter, filmé avec des moyens minimalistes, il porte un regard empathique sur cet anti-héros le laissant manifestement parler à sa place : “The extent of your vision is whether you can see it…”</p> <p style="text-align: justify;">Une édition limitée de livre d’artiste, FUCKING HELL, débutera également pour cet évênement. Conçu et dirigé par Platter, ce livre est le document de référence pour la compréhension de son travail.</p> <p style="text-align: justify;">L’exposition incarnant un style de vie et de penser philosophique est une méditation sur le détritus, le consumérisme et la moralité résumé dans une carte mentale examinant les excès de nos sociétés contemporaines. Optimiste, cynique et bizarre, Platter délivre un effort sincère d’exploration sur une modernité confuse et problématique.</p> <p style="text-align: justify;">Dans une position hautement personnelle, à la fois conceptuelle et géographique, Platter, avec sa méthode obsessive et son approche non conformiste, nous délivre une proclamation singulière lorsque ses pièces sont montrées dans un même espace.</p> <p style="text-align: justify;">Cameron le Plateau est né en 1978 à Johannesburg. Il a obtenu un BFA à la Michaelis School of Fine Art, Cape Town, en 2001. Ces expositions récentes incluent "Impressions from South Africa, 1965 toNow," Museum of Modern Art, New York; "Rencontres Internationales," Centre Georges Pompidou,Paris et Haus Der Kultur, Berlin; Biennale de Dakar 2010, Dakar, Sénégal ; "Coca - Colonization,"Musée Marte, au Salvador; et "Absents Heroes," Iziko South African National Gallery.</p> <p style="text-align: justify;">Son travail figure déjà dans plusieurs collections permanentes dont celles du MoMA, New York; FRACLoire, France ; Iziko South African national Gallery. De nombreux articles lui sont consacrésnotamment dans le New York Times, Vice Magazine, NKA Journal of contemporary African Art ,Artforum, Utflukt et Art South Africa.</p> <p style="text-align: justify;">Il vit et travaille à KwaZulu-natal et Cape Town, Afrique du Sud.</p> Sat, 15 Sep 2012 19:52:11 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Erwin Olaf, Samuel Rousseau, Yang Yongliang - Galerie Magda Danysz - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;">Erwin OLAF, Samuel ROUSSEAU and Yang YONGLIANG, each build a very personal universe. Erwin OLAF and Yang YONGLIANG’s videos focus on specific screens while those of Samuel ROUSSEAU tend to be closer to installation. One constructs detailed scenes whereas the others create urban architectures. Through the diverse works of these three artists, the exhibition raises the question of architecture, space and video art.</p> <p style="text-align: justify;">In Erwin OLAF’s work, the characters exist in a setting where every detail is carefully staged, as a narrative construction. Erwin OLAF delicately choses the objects, the color palette, the garments of his models, the music and rhythm to his stories and yet the narrative remains silent.Samuel ROUSSEAU, who was nominated in 2011 for the most prestigious Marcel Duchamp Prize in France, builds video object that are the reflection of our everyday life. His videos are off the screen to fit into the banal objects of everyday life, including car tires, washing machines and pill boxes. It is in this intricate sum of objects that the video becomes alive. Samuel ROUSSEAU’s work is on the border of video, sculpture and installation.Yang YONGLIANG focuses on the relationship between tradition and modernity. In his videos he builds cities in which nature is united with modern architecture. Yang YONGLIANG combines a dream where mountains and waterfalls typical of ancient Chinese calligraphy coexist with an ultra-modern urbanism, agitated by crowded highways of cars. His videos build multiple evanescent landscapes which aesthetic seems close to traditional Asian painting.</p> <p> </p> Sat, 22 Feb 2014 15:36:38 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Elisa Pône - Galerie Michel Rein - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <div style="text-align: justify;" class="colonne"> <p>Galerie Michel Rein is pleased to present Elisa Pône's second exhibition at the gallery, which brings together recent works such as the video trilogy À la fuite along with new productions.</p> The more spectacular the celebration for a festival or public holiday, the more vain  it can seem. Elisa Pône's fireworks are set off in inadvisable place - under a bridge or in a car - and evoke a sort of disappointing wonder, which upsets because the risk and gratuity of such a brief yet excessive spectacle. It's the bitter beauty of a moment in time which the pyrotechnists have sent up in smoke.  The film La Couleur ne brûle pas  and the diptychs Indeterminate activity and resultant masses confronts these pyrotechnical exuberances. The former shows the red and green glow of a maltese wheel, made and tested in the night in collaboration with Stephane Thidet: turning on themselves, the eight arrows of the structure consume fires which are themselves burnt onto the super eight film. The colour is taken in by the film. The second work associates images of multiple sources, two by two, linking the strange attraction of a disaster with fun and entertainment, bringing together images of fires and pyrotechnics. Separated by the cut of the collages and sliced by the crack in the glass of the frame, the pieces come together at the point of the fracture. <br /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">One is never too old to enjoy the various shades of idleness. In the three films of à la fuite, boredom threatens youth as much as it  wears down the old. Created as a tryptic, the work shows a young woman, an old man and two teenagers, without evoking the hackneyed succession of the three states of life. What is in question is the idea of running away rather than that of following on; the three films are shown simultaneously or at random. It remains to determine if by running away we can understand escaping - these people are certainly following a movement - or flux - the flow of time is slipping away from them. Sat in a moving car, the girl lets her cigarette be consumed by the open window, hastening its consumption by the fanning of the air (A Cigarette With God). Without an apparent purpose, the man hikes across the Irish landscape, obeying an erratic path with an unfounded anxiety (Le Meneur de Lune). Finally, driving two on a scooter, the teenagers improvise some acrobatic horse play (Fermer les yeux, sauver sa peau). If the cigarette held by a single continuous shot resembles an hour glass of linear time, the swaying of the scooter captured by a number of cut shots and missing shots would translate rather as a "dislodged" temporality, buckling like an unhinged wheel.  The growing discontinuity in the three edits follows the mounting of a mute impatience in the face of tireless ennui. A boring wearing down which plays emptiness at its own game, by escaping into ones own ideas. The difficulties of concentration testifies to a form of asthenia, a sad mix of intellectual fatigue and of a lazy memory. The symptoms of this apathy sometimes make one think of the intoxication of mercury of which the exhibition's title suggests an ingestion. But Le goût du mercure can also evoke the passive poisoning of an addiction to amnesia which mercury procures. In his poem Le gout du néant, Baudelaire implores that the avalanche of time carry him away as his "dark sullen heart" has lost the taste for love and for arguing. The poet conveys a mercurial temperament - fickle, nervous and melancholic. The recent works by Elisa Pône are made of an explosive foliation of glass panels smeared with streaks of black and mercury, which have been the object of abrasions and impacts on multiple layers. The stratified structure demonstrates a layered memory which is in part crystalized, part absent.<br /><br />                                                                            Hélène Meisel, septembre 2012<br /><br /></p> </div> <div style="display: block; bottom: -205px;" id="thumb-tray" class="load-item"><br />********</div> <div style="display: block; bottom: -205px;" class="load-item"></div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item">La galerie Michel Rein est heureuse de présenter la deuxième exposition personnelle d’Elisa Pône réunissant des oeuvres récentes dont à la fuite, une trilogie vidéographique.</div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item"></div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item">Certaines fêtes semblent d’autant plus vaines qu’elles sont grandioses. Aussi, des feux d’artifices qu’Elisa Pône tire parfois dans des endroits contre-indiqués sous un pont ou dans une voiture, il ressort souvent un  émerveillement contrarié, dépité par le risque et la gratuité d’un spectacle bref et démesuré. La beauté amère d’un temps que les artificiers font partir en fumée. Le film la couleur ne brûle pas et les diptyques d’Indeterminate Activity and Resultant Masses rendent compte de ces exubérances pyrotechniques. Le premier enregistre les incandescences rouges et vertes d’une roue maltaise, fabriquée et testée nuitamment en collaboration avec Stéphane Thidet : censées tourner sur elles-mêmes, les huit flèches de la structure consument des feux qui brûlent à leur tour la pellicule super 8. La couleur est prise dans le film. La seconde oeuvre associe deux par deux des images aux sources multiples, joignant l’attraction du désastre à celle de l’amusement, en rapprochant vues d’incendies et réclames pyrotechniques. Hachés par la découpe des collages et sabrés par la brisure du verre d’encadrement, les pendants s’assemblent dans la fracture.</div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item"></div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item">Il n’y a pas d’âge pour goûter aux ombrages du désoeuvrement. Dans les trois films d’à la fuite, l’ennui guette la jeunesse autant qu’il éreinte les vieux jours. Conçue en triptyque, l’oeuvre montre une jeune femme, un vieil homme et deux adolescents, sans évoquer la succession éculée des trois âges. Car c’est de fuite et non de suite dont il est question ; les trois films ont d’ailleurs déjà été montrés en mode simultané et aléatoire. Reste à déterminer si par fuite il faut entendre fugue – les trois personnages suivent certes un mouvement – ou flux – l’écoulement du temps leur échappe néanmoins. Assise dans une voiture en marche, la fille laisse se consumer sa cigarette<br />par la vitre ouverte, hâtant sa consumation par l’attisement de l’air (A Cigarette With God). Sans but apparent, l’homme sillonne la lande irlandaise, obéissant au parcours erratique d’une inquiétude sans objet (le meneur de lune). Enfin, à deux sur un scooter, les jeunes improvisent une voltige chahutée (fermer les yeux, sauver sa peau). Si la cigarette saisie par un plan séquence continu semble le sablier d’un temps linéaire, le tangage du deux-roues capturé par une alternance de plans coupés et de plans manquants traduirait plutôt une temporalité « déboîtée », voilée comme une roue désaxée. La discontinuité croissante des trois montages suit la montée d’une impatience muette face à l’increvable ennui, une usure lasse qui prend le néant à son propre jeu : de la fuite dans les idées.</div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item"></div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item">Des difficultés à concentrer son attention et ses idées témoignent d’une forme d’asthénie, triste mélange de fatigue intellectuelle et de mémoire paresseuse. Les symptômes de cette apathie trahissent parfois une intoxication au mercure, dont le titre de l’exposition suggère justement l’ingestion. Mais Le goût du mercure peut tout aussi bien évoquer l’empoisonnement passif qu’une accoutumance à l’amnésie que le vif-argent procure. Dans son poème Le goût du néant, Baudelaire implore bien que l’avalanche du temps l’emporte dans sa chute, car son « coeur sombre et boudeur » a perdu le goût de l’amour et de la dispute. Le poète souscrit au  tempérament mercurien, changeant, nerveux et mélancolique. Les pièces récentes d’Elisa Pône, faites d’un feuilletage explosif de plaques de verre entrelardées de mèche noire et de mercure, ont fait l’objet d’abrasions, d’impacts et de forages multiples. Leur structure stratifiée témoigne d’une mémoire étagée qui s’est en partie cristallisée, en partie absentée.</div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item"></div> <div style="display: block; bottom: -205px; text-align: justify;" class="load-item">Hélène Meisel, juillet 2012</div> Mon, 24 Sep 2012 12:50:51 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Jean-Pierre Bertrand - Galerie Michel Rein - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;">Galerie Michel Rein is pleased to present the fourth solo exhibition by Jean Pierre Bertrand at the gallery. When Jean-Pierre Bertrand evokes in his work the subsistence of an ancient body, he is primarily referencing an incarnation of immemorial relics: an egyptian statuette inhabited by the being it represents, and which expresses itself through the artist's voice in the film Samout et Moutnefret, 7 ans avant l'an 2000 (1993 - 2008); the mixtures with which he impregnates his paper as if to feed it with fragrant or fortifying substances. The salt paper becomes mineralized. The lemon paper, vegetalized. The honey paper, animalism and often painted in a red sometimes described as sanguine : plasmic or coagulant. We cannot however stop at this mystical corporeality of the ancient body which represents more fundamentally the preexistence of a structured order. A fragment of the island which to Robinson Crusoe "appeared so fresh, so green, so flourishing [?] that it looked like a planted garden" recalls these completed spaces (arranged in advance) to which the artist often alludes. In the same way, Jean-Pierre Bertrand does not consider the hanging of his works as spacial negotiations a posteriori, but more like the completing of a latent equation which the exhibition temporarily reveals. <br /><br />The formula for the title Six Fois Shem en Deux can be seen as the devision between the two spaces and the six manifestations of one unique shem - a format present in the artist's work for many years and which he describes in simple terms: 'sheets of plexiglas, painted the colour of parchment, which allow horizontal stripes of colour, red or brown, to appear"; a chromatic trinity which he sometimes defines as the three sates of a "goldened" blood, bright and coagulated. The format of the works are invariable, their dimensions are fixed and their harmonies are predetermined ; only the occurrences vary. Once the general devision has been memorized, we understand that between one shem and another the internal variations cancel each other out by "denouncing" themselves: presences and absences mutually refer to each other. This is in fact why there is only one single shem, of which the occurrences coexist in their totality. In linguistic terms, this type of ordered instance is called a scheme : an organizatory structure, which itself has been organized by the rules of the combinations of its constituents. There is therefore between shem and scheme a correspondence which exceeds simple homophony since "shem", meaning "to name" in hebrew, is likely derived from the primary root "swum", "to place, to order, to establish". This (sacred) etymology thus reveals the edifying power of shem/scheme which founds and reveals. <br /><br />The logical or algebraic syntax which underlies the work of the artist rejoins that which Wittgenstein described: a logic in which nothing is accidental because "If (we) know an object, then (we) also know all the possibilities of its occurrence in atomic facts". In Jean-Pierre Bertrand's case, the object in question would be the ancient body which preexists and outlives the work, an arrangement inherited from a utopian place. In the exhibition space, a mirror observes Six fois shem en Deux. Like in the film Playing Dice (1972) where three dice are indefinitely thrown against a mirror, it reflects without recording, not demonstrations of chance, but those of necessity. <br />                                                                                                                                                                   Hélène Meisel, July 2012</p> <p style="text-align: justify;"><br /><br />To be published:<br />Jean-Pierre Bertrand, texts : Agnès Clerc, Hélène Meisel, Catherine Millet and Philippe Alain Michaud, 250 p, Mettray editions, Marseille (dec 2012)</p> <p style="text-align: justify;"></p> <div style="text-align: justify;">****************</div> <div style="text-align: justify;">La galerie Michel Rein est heureuse de présenter la quatrième exposition personnelle de Jean-Pierre Bertrand à la galerie. Quand Jean-Pierre Bertrand évoque au sein de son travail la subsistance d’un corps ancien, il fait d’abord référence à l’incarnation de survivances immémoriales : une statuette égyptienne habitée par l’être qu’elle figure et qui s’exprime par la voix de l’artiste dans le film Samout et Moutnefret, 7 ans avant l’an 2000 (1993-2008) ; des mixtures dont il imprègne son papier comme pour le nourrir de substances embaumantes ou  reconstituantes. Le papier sel devient minéralisé. Le papier citron, végétalisé. Le papier miel, animalisé, et souvent peint d’un rouge décrit en termes sanguins : plasmique ou coagulant. Il ne faut pas cependant s’arrêter à cette corporéité mystique du corps ancien, qui désignerait plus fondamentalement la préexistence d’un ordre structurant. Le planted garden, cette parcelle de son île qui semblait à Robinson Crusoé « si tempérée, si verte, si fleurie […] qu’on l’aurait prise pour un jardin artificiel » relève de ces espaces accomplis (réglés d’avance) auxquels se réfère souvent l’artiste. De même, Jean-Pierre Bertrand n’envisage pas l’accrochage de ses ensembles comme une négociation spatiale a posteriori, mais plutôt comme l’accomplissement d’une équation latente, que manifeste temporairement l’exposition.</div> <div style="text-align: justify;"></div> <div style="text-align: justify;">La formule du titre Six Fois Shem en Deux peut s’énoncer comme la répartition en deux espaces de six manifestations d’un shem unique – format présent dans le travail de l’artiste depuis quelques années et qu’il décrit en termes simples : des « plaques de plexiglas peintes de couleur parchemin, qui laissent apparaître des bandes horizontales colorées, or, rouge et brun »2; trinité chromatique qu’il définit parfois comme les trois états d’un sang « oréfié », vif et coagulé. Les formats du grand fond et des plaques qui y affleurent sont invariants, leurs coordonnées sont fixes et leurs rapports, déterminés ; seules leurs occurrences varient. Une fois leur partition générale mémorisée, on ressent que d’un shem à l’autre les variations internes s’annulent en se « dénonçant » : présences et absences se désignent mutuellement. Voilà pourquoi il n’y aurait en fait qu’un seul shem, dont les occurrences se coexisteraient dans leur totalité. En linguistique, ce type d’instance ordonnatrice s’appelle un schème : une structure organisatrice, elle-même organisée par les règles de combinaisons de ses constituants. Il y a donc entre shem et schème une correspondance qui dépasse la simple homophonie, puisque « shem », signifiant « nommer » en hébreu, dérive probablement de la racine primaire « suwm », « placer, ordonner, établir ». L’étymologie (sacrée) révèle ainsi la puissance édifiante du shem/schème qui fonde et désigne.</div> <div style="text-align: justify;"></div> <div style="text-align: justify;">La logique syntaxique ou algébrique qui sous-tend le travail de l’artiste rejoint celle que décrit Wittgenstein : une logique dans laquelle rien n’est accidentel, car « si [on connaît] l’objet, [on connaît] aussi l’ensemble de ses possibilités d’occurrence dans des états de choses. »3 Dans le cas de Jean-Pierre Bertrand, l’objet en question serait ce corps ancien préexistant et survivant à l’oeuvre, une disposition héritée d’un lieu utopique. Dans l’espace d’exposition, un miroir observe Six Fois Shem en Deux. Comme dans le film Playing Dice (1972) où trois dés sont indéfiniment lancés contre un miroir, il reflète sans les enregistrer les manifestations non du hasard, mais de la nécessité.</div> <div></div> <div>Hélène Meisel, juillet 2012</div> Mon, 24 Sep 2012 12:57:51 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Sturtevant - Galerie Thaddaeus Ropac - Paris - September 11th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;">La Galerie Thaddaeus Ropac est heureuse de présenter l’Abécédaire de Deleuze, une installation vidéo de Sturtevant. Mettant en lumière le pouvoir des mots, cette installation formellement rigoureuse se concentre sur la relation entre son contenu et l’espace qui le contient. Trois chaises installées à équidistance feront face au mur du fond de la galerie. Trois moniteurs placés directement face au spectateur assis le rapprochent des participants qui sont des critiques, directeurs de musées, écrivains et « penseurs » du monde de l’art contemporain. Une image fixe du narrateur sera projetée simultanément sur le mur en grand format. Ainsi présentés, le cybernétique et son complice, le numérique, exposent de façon frontale leurs manigances qui renversent les hiérarchies et leurs systèmes mentaux ancrés et désastreux ; inversant la distance en lieu. Au premier étage de la galerie, Sturtevant présentera indépendamment de l’installation principale, des photographies en noir et blanc de sa série Dillinger Running. Sturtevant vit et travaille à Paris. En 2011, elle a reçu le Lion d’Or « for Lifetime Achievement » à la 54ème Biennale de Venise. Elle est titulaire du prix Kurt Schwitters du Sprengel Museum Hanover, qui présentera l’œuvre House of Horror à l’automne 2013. Le 13 octobre 2012 la foire Frieze de Londres organisera une conversation entre Sturtevant et John Waters. L’exposition de Sturtevant au Moderna Museet à Stockholm Image over Image voyagera à la Kunsthalle Zurich (vernissage le vendredi 16 novembre 2012).</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: center;">*****</p> <p style="text-align: justify;">Galerie Thaddaeus Ropac is please to present Sturtevant’s video installation "l’Abécédaire de Deleuze." The installation is derived to bring into being the higher power of words and the tight formal format is to focus on space as related to content. Three chairs will be equally spaced facing the far wall of the gallery space, with three monitors placed directly in front of the chairs: giving a close view of the participants who are critics, museum directors, writers and “thinkers” of the art world. At the same time, a still image of the subjects will be projected large scale on the facing wall. Thus throwing cybernetics and its sidekick digital to blatantly display its trickster action of reversing hierarchies with its disastrous entrenched mental sets; reversing distance from distance to place. In the upstairs gallery space and without relation to this major installation, Sturtevant will present black and white photographs of her Dillinger Running series. Sturtevant lives and works in Paris. In 2011, she was awarded the Golden Lion for Lifetime Achievement at the 54th Venice Biennial. She has received the Kurt Schwitters prize from the Sprengel Museum Hannover, which will show House of Horror in the fall of 2013. On October 13, 2012 Frieze Art Fair will host a conversation between Sturtevant and John Waters in London. Sturtevant’s exhibition at the Moderna Museet in Stockholm Image over Image will travel to the Kunsthalle Zurich (opening Friday 16th of November 2012).</p> Sat, 08 Sep 2012 04:39:15 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list David Shrigley, Jonathan Monk - Galerie Yvon Lambert - September 8th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;">Yvon Lambert est heureux dʼannoncer Aquarelles Composites, une exposition présentant une série dʼoeuvres réalisées en collaboration par Jonathan Monk et David Shrigley.</p> <p style="text-align: justify;">Shrigley et Monk ont étudié la peinture pendant de longues années, se débattant entre plusieurs styles, méthodes de travail et procédés traditionnels. Ils deviennent amis à la fin des années 1980, alors quʼils sont étudiants à la Glasgow School of Art. Aujourdʼhui artistes internationalement reconnus, ils choisissent de se re-consacrer à ce thème tristement négligé quʼest la peinture de paysage et le portrait à lʼaquarelle.</p> <p style="text-align: justify;">Paris, ville symbolique au riche passé artistique, offrira lʼopportunité aux deux artistes de consacrer leur accomplissement en tant que peintres. La ville sera également source dʼinspiration puisque les oeuvres seront produites in-situ, dans lʼespace dʼexposition de la librairie transformé en atelier pendant les quelques jours précédents le vernissage. À Paris, la quête de lʼauthenticité continue…</p> <p style="text-align: justify;">« Au fur et à mesure quʼon avance dans la vie, on se rend compte que la lutte ne devient pas plus facile mais que, malgré les difficultés auxquelles on se heurte ou à cause dʼelles, une force intrinsèque se développe dans notre coeur. »</p> <p style="text-align: justify;">« Les grandes choses ne sont pas réalisées sur un coup de tête, mais sont plutôt un assemblage de petites choses ».Vincent Van Gogh</p> <p style="text-align: justify;">Jonathan Monk est né à Leicester (Grande-Bretagne) en 1969. Son travail prend sa source dans lʼHistoire de lʼart et questionne, souvent avec humour, lʼidée du génie créateur de lʼartiste. Il vit et travaille à Berlin.</p> <p style="text-align: justify;">David Shrigley est né en 1968 à Macclesfield (Grande-Bretagne). Exposés dans le monde entier, ses oeuvres (dessins, peintures, sculptures, photographies,vidéos dʼanimation) portent un regard drôle et acerbe sur le monde qui nous entoure. Il vit et travaille à Glasgow.</p> <p style="text-align: justify;">_________________________________</p> <p style="text-align: justify;">Yvon Lambert is pleased to announce Aquarelles Composites, an exhibition of collaborative paintings by Jonathan Monk and David Shrigley.</p> <p style="text-align: justify;">Shrigley and Monk trained for many years as painters, struggling with different styles, workings methods and traditional processes. They met in the late 1980ʼs while students at the Glasgow School of Art and became friends. Now internationally acclaimed, they choose to work again within the sadly neglected theme of classical watercolour landscape painting and portraiture.</p> <p style="text-align: justify;">Paris, a symbolic city with a rich artistic history, will offer the artists an opportunity to consecrate their achievement as painters. The city will also be an inspiration as all the works for the exhibition will be produced in-situ, the artists will turn the small store front gallery into a studio on the days before their presentation – in Paris the struggle for authenticity will continue…</p> <p style="text-align: justify;">« As we advance in life it becomes more and more difficult, but in fighting the difficulties the inmost strength of the heart is developed. »</p> <p style="text-align: justify;">« Great things are done by a series of small things brought together. »Vincent Van Gogh</p> <p style="text-align: justify;">Jonathank Monk was born in Leicester (UK) in 1969. His work uses art history as its source and questions, often with humor, the notion of artistic genius. He lives in Berlin.</p> <p style="text-align: justify;">David Shrigley was born in 1968 in Macclesfield (UK). Exhibited internationally, his works (drawings, paintings, sculptures, photographs, videos) portray the world we live in with a cynical distance and a sharp humor. He lives in Glasgow (UK).</p> Wed, 05 Sep 2012 20:02:40 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Giulio Paolini - Galerie Yvon Lambert - September 7th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;">Yvon Lambert a le plaisir dʼannoncer lʼexposition personnelle de lʼartiste italien Giulio Paolini à la galerie Yvon Lambert.</p> <p style="text-align: justify;">Analytique et énigmatique : tels sont les adjectifs contradictoires qui ont parfois servi à qualifier le travail de lʼartiste. Au début des années 1960 Giulio Paolini (né en 1940 à Gênes, vit et travaille à Turin) s'emploie à révéler les éléments constitutifs du tableau ainsi qu'à faire apparaître l'ensemble des relations que tisse une pièce entre l'objet, l'artiste, le spectateur et le contexte de l'exposition.</p> <p style="text-align: justify;">Dans nombre de ses travaux, par lʼusage de miroirs, de photographies, de moulages, ou par celui de la perspective, Giulio Paolini reprend les questions de la représentation et du simulacre. Il invente ainsi un langage paradoxal extrêmement personnel dont le dédoublement et le fragment sont les figures les plus récurrentes. Cette démarche analytique rapprocha Giulio Paolini des artistes conceptuels. Multipliant les références à l'Antiquité et au Néoclassicisme, mêlant les techniques les plus traditionnelles aux matériaux et aux formes d'expression les plus contemporains.</p> <p style="text-align: justify;">Lʼartiste nuança lui-même son rapprochement au mouvement conceptuel en précisant, son goût pour ce que possèdent dʼénigmatique lʼimage et lʼimaginaire : « Je nʼai jamais été capable de renoncer au mystère et à la sensualité que les images évoquent toujours... » (1984).</p> <p style="text-align: justify;">Lʼinauguration de lʼexposition à la galerie Yvon Lambert coïncide avec la parution dʼun nouveau livre : Lʼaurore che credeva di estere (Johan &amp; Levi Editore, Milan). Des images et collages extraits de livre sont projetés dans la première salle de la galerie.</p> <p style="text-align: justify;">Dans le deuxième espace de la galerie, Giulio Paolini présente Ici et Maintenant, qui nʼest autre que la synthèse de deux travaux antérieurs, Le Nom propre et Dernier modèle , réactivant ainsi les liens entre un auteur et son oeuvre. Il met en évidence lʼimpossibilité à laquelle se heurte sans cesse lʼartiste, lʼimpossibilité de refléter ou interpréter la réalité « en temps réel ». Pour Giulio Paolini, lʼ oeuvre rend fatalement compte du retard inévitable entre ce quʼelle semble représenter et notre réalité, cette infranchissable distance qui sépare le Moi et le Monde, même la photographie qui prétend fixer la scène quʻon a sous les yeux échoue également : « la photographie meurt dans lʼinstant même où on la prend ».</p> <p style="text-align: justify;">Enfin avec son oeuvre Salle dʼattente, lʼartiste se joue formellement des différents éléments qui constituent habituellement la substance matérielle dʼun tableau (carte, toile, cadre, passe-partout, ébauche au crayon…). Les éléments sʼalternent ici dans une sorte de jeux combinatoire, qui plonge le spectateur dans un nouveau rapport au monde, silencieux, où le langage semble se libérer des règles.</p> Wed, 01 Aug 2012 14:53:17 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Camille Henrot - Kamel Mennour - September 6th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Kamel Mennour is pleased to present Camille Henrot’s second solo exhibition at the </span><span style="font-size: small;">gallery.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bouquets carrying the names of books, an ideal library as an artificial garden… what lies </span><span style="font-size: small;">behind such an incongruous juxtaposition? This space through which we walk, as though in </span><span style="font-size: small;">a library, radically problematizes the relationship of books to flowers through its thorny </span><span style="font-size: small;">title: ‘Is it possible to be a revolutionary and love flowers?’ With the third part of this </span><span style="font-size: small;">equation, we get to the heart of the work. Camille Henrot cites Marcel Liebman’s </span><span style="font-size: small;">account of one of Lenin’s colleagues saying, “You start by loving flowers and soon you </span><span style="font-size: small;">want to live like a landowner, who, stretched out lazily in a hammock, in the midst of his </span><span style="font-size: small;">magnificent garden, reads French novels and is waited on by obsequious footmen.”<sup>1</sup></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="text-align: justify; font-size: small;">The </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">love of flowers would appear to be a slippery slope towards the practice of </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">something no less counter-revolutionary: literature. Just as the freshness of flowers </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">revives the colour of a dead body, literature soothes our troubles. Must we, in fact, </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">choose between revolution and consolation?</span><span style="text-align: justify;"> </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">Translating her books into flowers in a single gesture, Camille Henrot perpetuates, in her </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">own way, the Japanese art of the bouquet, where the arrangement of flowers is </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">supposed to reflect the state of mind of the person who creates it. From April 2011 </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">to April 2013, Camille Henrot decided to make nothing but ikebana based on her </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">personal library, thereby giving her books a purely material existence, a return to their </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">primal element: the vegetal.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Her practice of ikebana is linked to the idea of ‘art as autotransformation,’ as imagined by </span><span style="font-size: small;">John Cage in a book (How to Improve the World (You Will Only Make Matters Worse)) </span><span style="font-size: small;">which is here embodied in a single organic endigia planted on a kenzan, the traditional </span><span style="font-size: small;">tool used in Japanese ikebana, which oddly echoes one of Cage’s recurring </span><span style="font-size: small;">preoccupations cited by the artist: “days spent searching for non-synthetic food.” </span><span style="font-size: small;">Like a book, the ikebana concentrates in one object the entirety of a thought, brings </span><span style="font-size: small;">together disparate fragments, and reconciles opposites in a whole of global dimensions. </span><span style="font-size: small;">If, as Jean-Christophe Bailly wrote in Le propre du langage, the library is a polyphony, the </span><span style="font-size: small;">environment of ikebana becomes a cosmogony where heterogeneous thoughts form a </span><span style="font-size: small;">harmonious whole based on the principle of the bouquet itself – an assemblage of </span><span style="font-size: small;">uprooted elements, cut off from their context and brought together in synthetic unity. </span><span style="font-size: small;">Whether they play on taxonomy, their ‘palimpsestic’ power, the vulgarisation of the </span><span style="font-size: small;">language of flowers or the history of their origins, the mysterious forces that come </span><span style="font-size: small;">together to create the bouquet practice an ultra-lucid language. In reinterpreting the </span><span style="font-size: small;">ancestral art of the bouquet, Camille Henrot literally sweeps away the rigid hierarchy </span><span style="font-size: small;">between the sensory and the intellectual arts, situating the practice in both cyclical time </span><span style="font-size: small;">(natural time) and historical time (revolutionary time). “In my view, the thoughts </span><span style="font-size: small;">produced by literature, philosophy or anthropology form an integral part of daily life; in </span><span style="font-size: small;">a way, they are also ‘decorative objects,’ displayed here to create a stimulating and </span><span style="font-size: small;">calming environment,” she explains. In this sense, she perpetuates her perspective by </span><span style="font-size: small;">placing herself in an ahistorical vision of time and by reintegrating rationality into all </span><span style="font-size: small;">human behaviour. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In this literature transcribed into flowers, spirit and substance give birth to one another. </span><span style="font-size: small;">Just as values are embodied in natural things, supposedly innocuous flowers take on the </span><span style="font-size: small;">aura of powerful and destructive weapons in the hands of the artist. Camille Henrot </span><span style="font-size: small;">puts in place a lapidary language whose phrasing liberates. Now we understand why </span><span style="font-size: small;">revolutions appropriate the names of flowers: the Carnation Revolution in Portugal, the </span><span style="font-size: small;">Hundred Flowers Campaign in China, the Rose Revolution in Georgia, that of the Tulip in </span><span style="font-size: small;">Kirgizstan, Saffron in Burma, and Jasmine in Tunisia. In reality, these ikebana lead us to the </span><span style="font-size: small;">heart of a principal of resistance violently opposed to all forms of power and authority: </span><span style="font-size: small;">the pleasure principal.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Camille Moulonguet, July 2012</span><br /><span style="font-size: small;">_</span><br /><span style="font-size: small;">1</span><br /><span style="font-size: small;">Marcel Liebman, extract from Leninism under Lenin, the Conquest of Power, 1973 </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Kamel Mennour est heureux de présenter la seconde exposition personnelle de Camille </span><span style="font-size: small;">Henrot à la galerie.</span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Des bouquets aux noms de livres, une bibliothèque idéale comme un jardin artificiel… que </span><span style="font-size: small;">justifie ce rapprochement incongru ? Cet espace, dans lequel on déambule comme on le </span><span style="font-size: small;">ferait dans une bibliothèque, problématise radicalement le rapport du livre aux fleurs par </span><span style="font-size: small;">son titre piquant : « Est-il possible d’être révolutionnaire et d’aimer les fleurs ? » Avec ce </span><span style="font-size: small;">troisième terme de l’équation, on entre dans le vif de l’œuvre. Camille Henrot cite Marcel </span><span style="font-size: small;">Liebman qui rapporte les propos d’un collaborateur de Lénine : « On commence par aimer </span><span style="font-size: small;">les fleurs et bientôt l’envie vous prend de vivre comme un propriétaire foncier, </span><span style="font-size: small;">paresseusement étendu dans un hamac et qui au milieu de son magnifique jardin lit des </span><span style="font-size: small;">romans français et se fait servir par des valets obséquieux. »1</span><br /><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L’amour des fleurs serait un </span><span style="font-size: small;">terrain glissant vers une pratique non moins antirévolutionnaire, celle de la littérature. Et </span><span style="font-size: small;">comme la fraîcheur des fleurs ravive les couleurs d’un cadavre, la littérature panse nos </span><span style="font-size: small;">peines. Entre révolution et consolation, faut-il choisir ? </span><span style="font-size: small;">Camille Henrot, en traduisant d’un trait ses livres en fleurs, perpétue singulièrement la </span><span style="font-size: small;">pratique japonaise du bouquet dont l’assemblage des fleurs doit refléter l’état d’esprit de </span><span style="font-size: small;">celui qui le réalise. D’avril 2011 à avril 2013, Camille Henrot a décidé de faire </span><span style="font-size: small;">exclusivement des ikebana de sa bibliothèque et rendre ainsi à ses livres une existence </span><span style="font-size: small;">purement matérielle, un retour à leur élément primitif, le végétal. </span><span style="font-size: small;">Sa pratique de l'ikebana rejoint l'idée de « l'art comme autotransformation » telle que l'a </span><span style="font-size: small;">imaginé John Cage (Comment rendre le monde meilleur (on ne fait qu’aggraver les choses)), </span><span style="font-size: small;">un livre qui ici s'incarne dans une unique endigia biologique plantée sur un kenzan, l'outil </span><span style="font-size: small;">traditionnel de l'ikebana japonais qui fait singulièrement écho à l’une des préoccupations </span><span style="font-size: small;">récurrentes de Cage citée par l'artiste : « jours passés à chercher des aliments non </span><span style="font-size: small;">synthétiques ».</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ainsi l’ikebana, comme le livre, concentre en un objet l'ensemble d'une pensée, rassemble </span><span style="font-size: small;">des fragments disparates, réconcilie les opposés en un tout dont la dimension est globale. </span><span style="font-size: small;">Si comme l'écrit Jean-Christophe Bailly, dans Le propre du langage, la bibliothèque est une </span><span style="font-size: small;">polyphonie, l'environnement d'ikebana devient une cosmogonie où des pensées </span><span style="font-size: small;">hétérogènes forment un tout harmonieux, sur le principe du bouquet lui-même, assemblage </span><span style="font-size: small;">d'éléments déracinés, coupés de leurs contextes et réunis en un tout synthétique. Qu'elles </span><span style="font-size: small;">jouent sur la taxinomie, leur pouvoir « palimpsestique », la vulgarisation du langage des fleurs </span><span style="font-size: small;">ou l'histoire de leurs origines, les forces mystérieuses qui agissent en vue de la réalisation du </span><span style="font-size: small;">bouquet tracent un langage ultralucide. En reprenant cet art du bouquet ancestral Camille </span><span style="font-size: small;">Henrot balaie littéralement la hiérarchie rigide entre les arts sensoriels et les arts </span><span style="font-size: small;">intellectuels, ce qui s'inscrit dans le temps cyclique (celui de la nature) et dans le temps </span><span style="font-size: small;">historique (celui de la révolution). « A mon sens les pensées produites par la littérature, la </span><span style="font-size: small;">philosophie ou l’anthropologie font partie intégrante du quotidien, elles sont aussi d’une </span><span style="font-size: small;">certaine manière « des objets décoratifs », étant entendu ici qu’elles créent un </span><span style="font-size: small;">environnement stimulant et apaisant », explique-t-elle. En ce sens, elle perpétue sa </span><span style="font-size: small;">perspective de travail en se plaçant dans une vision anhistorique du temps et en </span><span style="font-size: small;">réintégrant la rationalité dans l'ensemble des comportements humains.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dans cette littérature transcrite en fleurs l’esprit et la matière s’engendrent l’un l’autre. Et </span><span style="font-size: small;">comme les valeurs s’incarnent dans les choses naturelles, les fleurs réputées inoffensives </span><span style="font-size: small;">prennent l’aura d’une arme puissante et dévastatrice dans les mains de l’artiste. Camille </span><span style="font-size: small;">Henrot met en place un langage lapidaire dont le phrasé est libérateur. On comprend alors </span><span style="font-size: small;">pourquoi les révolutions s’approprient des noms de fleurs, la révolution portugaise des </span><span style="font-size: small;">œillets, la campagne des cent fleurs en Chine, la révolution des roses en Géorgie, des </span><span style="font-size: small;">tulipes au Kirghizistan, de safran en Birmanie, de jasmin en Tunisie. En réalité, avec ces ikebana </span><span style="font-size: small;">on entre au cœur d'un principe de résistance violemment opposé à toute forme de </span><span style="font-size: small;">pouvoir et d'autorité : le principe du plaisir. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Camille Moulonguet, juillet 2012 </span><br /><span style="font-size: small;">_</span><br /><span style="font-size: small;">1 </span><br /><span style="font-size: small;">Marcel Liebman, Extrait de Le léninisme sous Lénine, la conquête du pouvoir, 1973.</span></p> Thu, 06 Sep 2012 08:14:07 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Daido Moriyama - Kamel Mennour (rue Mazarine) - September 6th, 2012 - October 6th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Like any revolutionary, Daido Moriyama is unsettling. Before becoming a major post-war </span><span style="font-size: small;">artist, he was an activist for all causes, like many in Japan in the early 70s. He kept </span><span style="font-size: small;">company with a number of avant-garde photographers at the Vivo Agency, on the </span><span style="font-size: small;">decline, where he met the eminent Eikoh Hosoe (and eventually became his assistant) </span><span style="font-size: small;">and Shomei Tomatsu, before joining the short-lived magazine Provoke in 1969. </span><span style="font-size: small;">Alongside other photographers and theorists such as Takuma Nakahira, Takahiko Okada, </span><span style="font-size: small;">Yutaka Takanashi, Koji Taki and Nobuyoshi Araki, he continually experimented a new visual </span><span style="font-size: small;">language.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Political protesters at the outset, these photographers wanted to denounce the </span><span style="font-size: small;">frenzied race to consume during the rebuilding of a country that was still nursing the </span><span style="font-size: small;">wounds of defeat under the eye of the Americans. Stray Dog, his emblematic photo of </span><span style="font-size: small;">a mangy dog (1971), was taken at Misawa, right next to a very active American base, not </span><span style="font-size: small;">so far, geographically, from warring Vietnam. They were also struggling against a very </span><span style="font-size: small;">rigid society in which the individual is faced with the masses, the workplace acts as a </span><span style="font-size: small;">substitute for the family, and tradition yields to the American way of life. Remember, </span><span style="font-size: small;">too, that they were all born just before the war – Moriyama in 1938 - and that they </span><span style="font-size: small;">experienced firsthand the chaos of bombardments, two nuclear bombs and the fall of </span><span style="font-size: small;">the empire. Their photography was the medium for their personal and collective </span><span style="font-size: small;">identity crisis. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">This post-war society and its race for modernity transformed the cities, but also the </span><span style="font-size: small;">Japanese mentality and its emphasis on reservedness. Suddenly modesty is no longer a </span><span style="font-size: small;">moral value: women’s intimacy is exposed through pornographic images, flaunted in the </span><span style="font-size: small;">streets. Television invades the family space, Western imagery flourishes in magazines and </span><span style="font-size: small;">advertising comes crashing head-on into a civilization that was, until then, protectionist </span><span style="font-size: small;">and prude! During his photographic promenades, Moriyama deciphers all the signs, the </span><span style="font-size: small;">entire alphabet of the city (subway, crossings, crowds, signs, posters, etc.). Through his </span><span style="font-size: small;">lens, Tokyo becomes a metropolis saturated with representations. Like Eugene Atget, </span><span style="font-size: small;">his greatest influence along with William Klein and Andy Warhol, he captures what will </span><span style="font-size: small;">disappear and seeks his identity through the soul of the city, like an eternal wanderer. </span><span style="font-size: small;">Moriyama likes what reveals itself little by little: between the black (hidden) and the </span><span style="font-size: small;">white (light), there is grey! Araki referred to him as a “grea(y)t photographer”.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Daido Moriyama’s art is a far, far cry from any formal academic quality: images are </span><span style="font-size: small;">blurred, botched, saturated, grainy black and white, film leaders and trailers can be a </span><span style="font-size: small;">part of the image, frames are tilted at random... Over and above calling the nature of </span><span style="font-size: small;">the representation itself into question, his photography becomes an autobiography, a </span><span style="font-size: small;">means of expressing personal experiences! His life and his photography alternate </span><span style="font-size: small;">between depression and addiction, calm and violence, withdrawal from the public eye </span><span style="font-size: small;">and success... Constantly self-questioning his art, like his book Bye, Bye Photography, Dear </span><span style="font-size: small;">(1972): “This book questions the relationship between photography and the </span><span style="font-size: small;">photographer, between photography and history. Who am I when I take a picture? </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Truth be told, in hindsight, I wonder if it is really a book of photographs. I doubt it. It’s </span><span style="font-size: small;">more a rough work of urges and ideas.”</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Daido Moriyama is a photographer in perpetual motion, like the passenger of a runaway </span><span style="font-size: small;">car that shoots the landscape racing by… Moriyama is a physical photographer who </span><span style="font-size: small;">takes pictures with his body more than with his eyes. He is also an atmospheric </span><span style="font-size: small;">photographer who couldn’t care less about convention, a man who prefers the </span><span style="font-size: small;">humanity of the here and now. And, finally, he is an artist who incessantly walks a </span><span style="font-size: small;">tightrope, balancing on the fine line where the subject ends and the spirit begins. </span><span style="font-size: small;">From this constant motion comes the title: Remix. For the work of Moriyama is not </span><span style="font-size: small;">permanent - far from it! He endlessly plunges into his contact prints, tirelessly reprints </span><span style="font-size: small;">his images, re-centres them, prints them horizontally or vertically to achieve the desired </span><span style="font-size: small;">format at the time, an image can exist in black and white and in colour, enough to make </span><span style="font-size: small;">you lose yourself in the maelstrom of his photos. It is also a re-evaluation! He is the </span><span style="font-size: small;">photographer who wants to wear his subject right out - until death? Like a DJ, he </span><span style="font-size: small;">continuously reinterprets his photography: the dog in Stray Dog can look to the right or </span><span style="font-size: small;">to the left, he has long forgotten which way it was in the original. There are seven </span><span style="font-size: small;">different versions of his picture of fishnet stockings, series are constantly evolving, the </span><span style="font-size: small;">Cherry Blossoms appeared in 1972, then in 1983 and again in 1987... the book New York </span><span style="font-size: small;">was published in 2002 with pictures from 1971, a picture taken in 1988 can reappear in </span><span style="font-size: small;">a book in 1993 with a new title, anything goes! If he is not re-examining his books with </span><span style="font-size: small;">each new edition... Now he leaves others the care of arranging his books (act of faith or </span><span style="font-size: small;">ultimate desire for interpretation?), to draw from this incredible mass of images, and to </span><span style="font-size: small;">bring this immense œuvre out of the shadows.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;">Patrick Remy</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p>At this occasion, the second edition of the « Daido Moriyama, Remix » catalogue is published by the Editions kamel mennour<span style="font-size: small; text-align: justify;"> </span></p> <hr /> <p></p> <p style="text-align: justify;">Daido Moriyama, comme tout révolutionnaire, dérange. Avant d’être l’un des artistes les plus importants de l’après-guerre, il est activiste de toutes les causes comme en comptait beaucoup le Japon, à l’aube des 70’s. Compagnon de nombreuses avant-gardes photographiques, de l’agence Vivo, sur le déclin, où il côtoie les maîtres Eikoh Hosoe – dont il deviendra l’assistant – et Shomei Tomatsu, il rejoint en 1969 l’éphémère magazine Provoke: aux côtés d’autres photographes et théoriciens, Takuma Nakahira, Takahiko Okada, Yutaka Takanashi, Koji Taki et Nobuyoshi Araki, il ne cessera d’expérimenter un nouveau langage visuel. Contestataires politiques au départ, ces photographes veulent dénoncer la course frénétique à la consommation d’un pays en pleine reconstruction qui n’en finit pas de panser les plaies de la défaite sous l’oeil des Américains... Stray Dog, son emblématique photo de chien galeux méchant (1971) a été prise à Misawa, juste à côté d’une base américaine très active, pas si loin, géographiquement, du Viêt-nam en guerre…</p> <p style="text-align: justify;">Ils sont également en lutte contre une société très rigide où l’individu s’efface devant les masses, où l’entreprise se substitue à la famille et où la tradition cède à l’american way of life… Rappelons aussi que ces artistes sont tous nés peu avant la guerre - 1938 pour Moriyama - et qu’ils ont connu le chaos des bombardements, les deux bombes nucléaires et la défaite de l’empire. La photographie est le médium de leur crise d’identité personnelle et collective. Cette société de l’après-guerre et sa course à la modernité a transformé les villes, mais aussi la mentalité japonaise et son goût pour l’ombre. Tout d’un coup la pudeur n’est plus une valeur morale : l’intimité des femmes s’exhibe à travers les images pornographiques, et s’affiche dans les rues. La télévision envahit l’espace familial, l’imagerie occidentale se développe dans les magazines et la publicité, venant heurter une civilisation jusqu’alors protectionniste et prude. Lors de ses promenades en images, Moriyama déchiffre tous les signes, tout l’alphabet de la ville (métro, passages, foules, enseignes, affiches). Tokyo devient sous son objectif une métropole saturée de <br />représentations. Comme Eugène Atget, sa plus grande influence aux côtés de William Klein et d’Andy Warhol, il capture ce qui va disparaître et se cherche à travers l’âme de la ville, à la manière d’un éternel flâneur. Daido Moriyama aime ce qui se dévoile petit à petit : entre le noir (caché) et le blanc (la lumière), il y a le gris. Araki disait de lui c’est un « grea(y)t photographer ».</p> <p style="text-align: justify;">L’art de Daido Moriyama est loin, très loin de tout académisme : images floues, ratées, saturées, noir et blanc granuleux, amorces de films pouvant être un élément de l’image, cadrages aléatoires… Sa photographie, au-delà de la remise en question de la nature même de la représentation, devient une autobiographie, un mode d’expression au service d’expériences personnelles ! Sa vie et sa photographie alternent entre dépression ettoxicomanie, calme et violence, retrait de la vie publique et succès… Un perpétuel questionnement sur son art comme son livre Bye, Bye Photography, Dear (1972) : « Ce livre est un questionnement sur les relations entre la photographie et le photographe, entre la photographie et l’histoire. Qui je suis quand je prends une photo ? En vérité, avec le recul, je me demande si c’est vraiment un livre de photographies ? J’en doute. C’est plutôt un brouillon de pulsions et d’idées. »</p> <p style="text-align: justify;">Daido Moriyama est un photographe en perpétuel mouvement, il est comme le passager d’une voiture folle qui photographie le paysage qui défile… Moriyama est un photographe physique qui photographie plus avec son corps qu’avec ses yeux. C’est aussi un photographe d’atmosphère qui fait fi des conventions, un homme qui préfère l’humanité de l’instant. C’est enfin un artiste sans cesse sur le fil de la corde, en équilibre sur la ligne ténue où s’arrête le sujet et commence l’esprit. De ce perpétuel mouvement est tiré le titre : Remix.  Car l’oeuvre de Moriyama n’est pas figée, loin de là ! Sans cesse il se plonge dans ses contacts, retire inlassablement ses images, les recadre, les tire horizontalement ou verticalement pour arriver au format du moment ; une image peut exister en noir et blanc et en couleur, de quoi se perdre dans le maelström de ses photos.</p> <p style="text-align: justify;">C’est aussi une réévaluation ! Il veut épuiser son sujet jusqu’au bout - jusqu’à la mort ? Comme un DJ, il réinterprète sans cesse sa photographie : le chien de Stray Dog peut regarder à droite ou à gauche, il a depuis longtemps oublié de quel côté regardait l’original. Son image de bas résilles existe en sept versions différentes, des séries sont sans cesse en évolution, les Cherry Blossoms apparaissent en 1972, puis en 1983 et 1987… Le livre New York a été publié en 2002 avec des images de 1971 ; une image de 1988 peut réapparaître dans un livre de 1993 avec un nouveau titre, qu’importe ! Quand il ne revisite pas ses livres à chaque édition… Aujourd’hui il laisse aux autres le soin d’ordonner ses photographies (acte de confiance ou volonté suprême d’interprétation ?), de puiser dans cette incroyable masse d’images et de sortir de l’ombre cette œuvre immense. </p> <p style="text-align: justify;"><br />Patrick Remy</p> <p style="text-align: justify;"></p> Thu, 06 Sep 2012 08:06:28 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Kathleen Petyarre, Ningura Napurrula, Judy Watson Napangardi, Emily Pwerle, Walangkura Napanangka, Dorothy Napangardi - Galerie Pierrick Touchefeu - August 25th, 2012 - October 7th, 2012 <p>En préambule de l’exposition « aux sources de l’aborigène » qui se tiendra au Musée du Quai Branly du 9 Octobre 2012 au 20 Janvier 2013, la Galerie Pierrick Touchefeu mettra une nouvelle fois à l’honneur, cette civilisation considérée comme l’une des plus vieilles au monde.</p> <p>Cette exposition présentera des artistes parmi les plus emblématiques de l’art aborigène dont notamment Kathleen Petyarre, Ningura Napurrula, Judy Watson Napangardi, Emily Pwerle, Walangkura Napanangka ou encore Dorothy Napangardi.<br /><br /></p> <p>Une civilisation vieille de 40 000 ans…ou plus ?</p> <p>Les chercheurs se sont longtemps accordés pour dater l’aube des traces humaines en Australie, sous forme de gravures et de peintures rupestres, à 40 000 ans. Soit près de trois fois plus que celles de Lascaux. Cependant, dès 1990, l’application de procédés de thermoluminescence a permis de reculer ces origines à…70 000 ans !</p> <p>A l’arrivée des colonisateurs, il y aurait eu entre 600 et 700 tribus et dialectes différents, se partageant plus de 200 langues, dont une cinquantaine et douze groupes linguistiques majeurs subsistent de nos jours. Au sein de ces ethnies, ou groupe linguistique, la vie est organisée en clans, eux-mêmes de modeste dimension.</p> <p>Fortement hiérarchisée, la société est établie en fonction de l’âge et du savoir acquis selon un parcours initiatique. De petite dimension, se nourrissant de chasse et de cueillette, chaque tribu vivait sur de larges étendues de territoire. Cependant, le monde Aborigène avait réussi à éliminer en son sein les guerres et les luttes de pouvoir ethniques ou dynastiques avant l’arrivée des britanniques. Depuis, la violence existe, mais elle est sévèrement réprimée.</p> <p>La culture Aborigène a été longtemps ignorée voire détruite. « Découvert » par James Cook en 1770, le continent est déclaré Terra Nullius en 1788 par les colonisateurs britanniques, ce qui signifie la négation juridique de toute présence humaine sur le territoire. Il faut attendre 1967 pour que le statut de citoyen leur soit accordé et 1976 pour que des droits commencent à leur être reconnus sur leur terre ancestrale. En 1992, la cour suprême d’Australie rend un jugement favorable aux titres fonciers traditionnels contre le principe de Terra Nullius.</p> <p>Le regard porté sur leur production artistique n’est pas meilleur. D’abord nié comme tel, sous l’effet d’études ethnographiques l’art Aborigène est « officiellement » reconnu, en 1888, lors d’une exposition de dessins réalisés par des artistes du Nord du continent. Au début du 20ème siècle, il est généralement considéré comme « primitif ». A la fin du siècle, cependant, les toiles des artistes Aborigènes sont exposées à côté des maîtres de l’art abstrait occidental. C’est qu’entre-temps le monde a été bouleversé.</p> <p>Le déclic de Papunya<br />Un événement capital est survenu, en 1971, dans une petite localité, Papunya. Communauté artificielle créée par le gouvernement australien au début des années soixante elle a pour but de sédentariser, scolariser et assimiler les Aborigènes des différentes tribus.</p> <p>Ceux-ci sombrent vite dans l’apathie et le désoeuvrement. Leurs enfants apprennent l’anglais et des valeurs étrangères, tandis qu’eux-mêmes sont impuissants à transmettre leur attachement à la terre, leurs us et leurs coutumes.</p> <p>Sous l’impulsion d’un nouveau maître d’école, Geoffrey Bardon, un groupe d’hommes se mettent à peindre avec des supports fournis par ses soins : toiles et peinture acrylique. Il les encourage à travailler selon l’authenticité de leur tradition plutôt que de copier l’esthétique occidentale. Dès août 1971, un de ces Painting men remporte le Caltex Art Award, compétition locale d’une certaine importance où ils se mesurent à l’art occidental. Encouragés par leur succès, les artistes décident de fonder une coopérative : la Papunya Tula Artists Association.</p> <p>L’exemple de cette communauté se propage alors au cours de la fin des années soixante-dix et au début des années quatre-vingt. Les femmes, à leur tour, s’emparent de leurs pinceaux : plus libres avec la couleur, elles adoptent le jaune canari, le rouge, le violet…<br />En quelque vingt années des artistes se sont imposés sur le marché de l’art.<br />Des musées et des collectionneurs du monde entier se disputent leurs oeuvres.</p> <p>Dreamtime et Dreaming…</p> <p>L’art Aborigène prend ses sources au « Temps du Rêve », Dreamtime ou Dreaming, terminologie née à la fin du 19ème siècle pour rendre compte d’une signification difficile.</p> <p>Le Dreaming est un concept religieux complexe. A l’aube des temps, la terre était plate, morne et grise, sans différenciation aucune. Puis, au temps du Rêve, les dieux, jusque-là figés dans les limbes éternels, sont sortis des entrailles de la terre ou descendus des astres et du ciel. Ayant pris des formes généralement animales et géantes, ils ont alors voyagé à travers le pays en vivant des aventures particulières.</p> <p>Ces voyages et activités ont tous créé quelque chose. Ainsi, toutes les caractéristiques physiques de l’Australie sont liées à un ou plusieurs événements. Telle faille dans la topographie, tel point d’eau ou arbre solitaire sont tous le produit d’un passage, d’un combat, d’un accouplement ou d’une halte.</p> <p>Leurs oeuvres accomplies, les dieux ont repris leurs formes anciennes, laissant le monde visible à leurs descendants, animaux et hommes. A charge pour ces derniers de le célébrer et ressusciter lors de cérémonies rituelles.</p> <p>Le Dreaming constitue un univers parallèle où les hommes se ressourcent, pour réactualiser les attaches spirituelles qui les associent individuellement et collectivement à des sites terrestres.</p> <p>L'art est un des moyens par lequel le présent est relié au passé et les êtres humains au monde surnaturel. Il comprend trois formes traditionnelles : les peintures corporelles, pratiquées pour marquer des rites de passage ou des cérémonies particulières ; des peintures sur le sol que certains groupes marquent en pointillés avec des pigments naturels (craie, argile, charbon de bois, ocre) qu'ils disposent à l'aide d'un bâtonnet. Les participants à une cérémonie peuvent également dresser des totems représentant leurs ancêtres, ou reproduire sur écorce des motifs rituels ou claniques. Enfin, troisième forme, des peintures et des gravures qu’on peut voir sur des rochers ou des parois de grottes sacrées.</p> <p>Signification et degrés du savoir</p> <p>Reflet de la diversité des peuples Aborigènes, les oeuvres peuvent être très distinctes d’un groupe à un autre. Pourtant, produit d’une culture homogène, l’Art aborigène comporte un certain nombre de caractéristiques communes.</p> <p>Tout l’art Aborigène tire son essence de la volonté du créateur de raconter une histoire, un événement mythique. Mais ce récit s’ordonne selon trois degrés fondamentaux : le premier est réservé aux hommes pleinement initiés, le second comporte des représentations et des motifs qui peuvent être vus de tous mais qui ne sont décodés que par les hommes et les femmes initiés, le troisième est du domaine public.</p> <p>Après des controverses parmi les Aborigènes, certains motifs interdits furent abandonnés et les oeuvres, destinées à être vues et vendues, placées à un degré inférieur de sacralisation.</p> <p>D’un point de vue symbolique, les peintures représentent des éléments des Rêves originels, qui s’enchaînent et se complètent en d’interminables chaînes d’événements. Egalement, selon la complexité du Rêve raconté, le recours aux symboles sera plus ou moins important. Ceux qui privilégient l’histoire, le lieu, multiplieront les références graphiques. D’autres seront plus simples dans leurs illustrations.<br />L’art Aborigène d’Australie est peut-être la dernière forme d’art actuelle n’ayant subi aucune influence du monde extérieur, ce qui, couplé avec son signification culturelle et historique, le rend encore plus unique.</p> <p>Texte par Jean-Christophe Haultecoeur (copyright)</p> <p></p> Mon, 27 Aug 2012 00:01:27 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Thomas Gleb - Musée d'art et d'histoire du judaïsme - June 24th, 2012 - October 7th, 2012 <p><strong>Yehouda Chaïm Kalman</strong>, dit <strong>Thomas Gleb</strong>, aurait eu cent ans en 2012. S’associant à l’initiative de sa famille, de ses amis, du musée <strong>Jean Lurçat</strong> et de la tapisserie contemporaine d’Angers et du centre de recherche Thomas Gleb, qui organise une série de manifestations à l’occasion du centenaire de la naissance de l’artiste, le Musée d’art et d’histoire du Judaïsme présente un choix d’œuvres graphiques autour du cycle des douze tribus d’Israël.<br /> <br /> <strong>Yehouda Chaïm Kalman</strong> est né en 1912 à Lodz, en Pologne, dans une famille de tisserands, métier qu’il exercera dès l’âge de quinze ans, tout en se passionnant pour la peinture. Il devient l’élève du peintre <strong>Jozef Mitler</strong>. En 1932, il vient à Paris et prend son nom d’artiste, <strong>Thomas Gleb</strong>. <br /> Lorsqu’éclate la seconde guerre mondiale, Gleb s’engage dans l’armée française, puis après la démobilisation en 1940, entre dans le groupe de résistance juive « Solidarité ». En 1944, il est arrêté par la Gestapo et déporté en Allemagne ; il parvient à s’échapper et se cache dans les Vosges jusqu’à la Libération. Sa famille restée en Pologne périra dans le ghetto de Lodz.<br /> <br /> En 1950, il retourne en Pologne et s’installe à Varsovie où il devient une des grandes figures de la scène artistique. <br /> En 1957, il décide de quitter le pays pour la France. La même année, il participe à l’exposition <em>Dessins des artistes juifs contemporain</em>s qui a lieu au Musée d’Art juif de Paris. C’est alors qu’il commence à se documenter sur les douze tribus d’Israël et entame, de 1958 à 1959, une série de peintures sur ce thème. Exposées en 1959, elles sont remarquées par <strong>Jean Cassou</strong>, fondateur du Musée national d’art moderne, qui y verra des cartons<a href="http://www.mahj.org/fr/3_expositions/expo-Hommage-a-Thomas-Gleb.php?niv=2&amp;ssniv=3#carton">*</a> pour des tapisseries et se mobilisera afin d’obtenir pour Gleb une bourse et un séjour au centre culturel de l’abbaye de Royaumont. C’est le début de l’œuvre tissée de l’artiste. L’État lui commande alors un carton de tapisserie sur le thème des douze tribus d’Israël. Il réalisera plusieurs cartons par tribu mais seuls quatre seront tissés :<em> Joseph ou la résistance du ro</em>c, <em>Lévi</em>,<em> Tribu Benjami</em>n et une autre version de<em> Benjamin</em> (tissée par l’atelier d’<strong>Yvette Cauquil Prince</strong>, atelier du Marais à Paris en 1967). L’artiste poursuivra le travail autour des douze tribus durant les années soixante et réalisera plusieurs œuvres sur papier dont un choix est présenté au MAHJ. <br /> Dès lors Gleb fréquente les ateliers de tissage des manufactures nationales où il rencontre le lissier <strong>Pierre Daquin</strong> avec lequel il engage une collaboration et une réflexion sur un nouveau langage pour la tapisserie (ce qui deviendra le mouvement international de la « Nouvelle tapisserie »). Dès 1966, Gleb entame un travail d’interprétation tissée de son œuvre avec l’atelier de l’école des Beaux-arts d’Angers, puis avec l’Atelier de Tapisseries d’Angers.<br /> Les liens se renouent avec cette ville, lorsqu’en 1987 une grande exposition monographique lui est consacrée au musée Jean Lurçat. Il s’y installe, deux ans plus tard, avec sa femme Maria, invités par la municipalité. Il y meurt en 1991. <br /> <br /> <a>*</a>Avant d’exécuter une tapisserie, l’artiste crée un carton, qui est l'ébauche en dimensions réelles de la future tapisserie. Ce support donne des indications précises aux liciers qui réalisent la tapisserie.</p> Fri, 06 Jul 2012 00:26:14 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Jean-Pierre Poisson - galerie MOUVANCES - September 24th, 2012 - October 8th, 2012 Wed, 05 Sep 2012 13:10:30 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Cindy Sherman - Gagosian - Paris - September 14th, 2012 - October 10th, 2012 <p style="text-align: justify;">Gagosian Gallery is pleased to present a series of recent landscape format photographs by Cindy Sherman. This is her first exhibition with the Paris gallery, following exhibitions in Los Angeles and Rome in previous years.</p> <p style="text-align: justify;">Working exclusively as her own model for more than thirty years, Sherman endlessly transforms herself to address the complexities of identity through photographs that she controls as author, director, and stylist. A consummate performer, she captures every possible manipulation of her face and body on camera, coaxing the most nuanced expressions from her supple features, and refining every structural detail, from fingernails to props. Revealing myriad assumed identities, from fraught adolescent to suburban housewife to Renaissance aristocrat to modern-day social doyenne, Sherman continues to explore the inexhaustible range of social guises and psychological spaces that women have claimed throughout history.</p> <p style="text-align: justify;">In Sherman’s latest photographs, recondite female figures stand against vast and inhospitable natural landscapes. Elaborately costumed, they appear at odds with the backdrops of desolate plains, barren trees, and otherworldly wintry terrains.  The dynamic between each woman and her alien setting varies; some hint at specific narratives, while in others she appears to have landed quite by chance. In <em>Untitled (#551)</em>, she wears a heavily beaded full-length gold and cobalt dress, accented with a high, regal collar. Her spare silk turban and bare face contrast with the sumptuousness of her attire. Her clear blue, ever-watchful regard and her hands lightly clasped in an expectant gesture beckon the viewer to cross into the mossy riverbed at her back. In <em>Untitled (#547)</em>, a phantasmal sorceress hovers at the edge of a stormy seascape. Clad in a long black gown and dramatically embellished bolero, she stares vacantly, her sagging, age-worn face framed by long, flowing silver locks. In <em>Untitled (#552)</em>, she wears a severe black frock, white gloves and matching ruffled lace collar. With her sharp russet bob and deep scowl, she looks like a disapproving governess or scolding maid from a bygone era.  In each image, the female figure looms larger than the surrounding natural world, in a reversal of the Romantic hierarchy.<br /> <br /> For this series, Sherman shot the background landscapes on the isles of Capri and Stromboli, in Iceland during the 2010 volcanic eruption, and on Shelter Island, New York. Later she manipulated them digitally to create lush and painterly effects, tweaking rocky seascapes and clouds of volcanic ash to recall Barbizon landscapes or Turner's ambrosial skies. Then she photographed herself in costume before a green screen in the studio, leaving her face free of makeup, and digitally manipulating it later. This series of photographs evolved from an editorial project for <em>Pop </em>magazine, using clothes from the Chanel archives. The garments range from 1920s <em>haute couture</em> designed by Coco herself to contemporary creations by Karl Lagerfeld; the sumptuous, elegant apparel, with its resplendent fabrics, feathers, ruffling, and beading creates a striking contrast with the bleak intensity of the surrounding landscape. These photographs draw explicit attention to the newly layered artifice of Sherman’s technique, while embracing popular conventions and processes in digital photography.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Cindy Sherman</strong> was born in 1954 in New Jersey. She lives and works in New York. Her work has been the subject of countless major international exhibitions including “Cindy Sherman: Retrospective,” the Museum of Contemporary Art, Chicago (1997, traveled to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Galerie Rudolfinum, Prague; Centro Cultural de Belém, Lisbon; Musée d'art Contemporain de Bordeaux; Museum of Contemporary Art, Sydney; and Art Gallery of Ontario, Toronto through 2000); “Cindy Sherman,” the Serpentine Gallery, London and the Scottish National Gallery of Modern Art (2003), and “Cindy Sherman: A Retrospective,” Jeu de Paume, Paris (2006, traveled to Kunsthaus Bregenz, Austria, Louisiana Museum for Moderne Kunst, Denmark, and Martin Gropius Bau, Berlin through 2007). A touring retrospective opened in February 2012 at the Museum of Modern Art, New York and is currently on view at the San Francisco Museum of Modern Art. It will travel to the Walker Art Center, Minneapolis and the Dallas Museum of Art through June 2013.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: center;">*****************</p> <p style="text-align: center;"></p> <p style="text-align: justify;">Gagosian Gallery est heureuse de présenter une série de photographies récentes de Cindy Sherman de format paysage. Il s'agit de sa première exposition dans la Galerie de Paris, à la suite de ses expositions organisées à Los Angeles et à Rome dans les années précédentes.</p> <p style="text-align: justify;">Travaillant exclusivement comme son propre modèle depuis plus de trente ans, Sherman se transforme sans cesse pour faire face aux complexités de l'identité à travers des photographies qu'elle contrôle à la fois en tant qu'auteur, metteur en scène et styliste. Artiste accomplie, elle saisit toute manipulation possible de son visage et de son corps avec son appareil photographique, captant les expressions les plus nuancées de ses traits souples, et affinant les moindres détails structurels depuis les ongles jusqu'aux accessoires. Révélant une multitude de fausses identités, de l'adolescente accablée à la femme au foyer de banlieue, à l'aristocrate de la Renaissance ou encore la doyenne sociale contemporaine, Sherman continue d'explorer la gamme inépuisable des apparences sociales et des profils psychologiques que les femmes ont revendiqués tout au long de l'histoire.</p> <p style="text-align: justify;">Dans les photographies les plus récentes de Sherman, d'obscures figures féminines se tiennent debout devant de vastes et inhospitaliers paysages naturels. Habillées de costumes sophistiqués, elles semblent en contradiction avec les décors de plaines désolées, d'arbres dénudés, et d'esplanades hivernales et mystiques. La dynamique entre chaque femme et son environnement étranger varie, faisant parfois allusion à des récits spécifiques, alors que dans d'autres, elle semble apparaître un peu par hasard. Dans <em>Untitled (# 551)</em>, elle porte une robe en or et cobalt perlé sur toute la longueur, rehaussés d'un haut col royal. Son turban de soie simple et son visage nu contrastent avec la somptuosité de ses vêtements. Son regard bleu clair, toujours aux aguets et ses mains légèrement serrées dans un geste d'espoir invitent le spectateur à franchir le lit de rivière couvert de mousse qui se trouve dans son dos. Dans <em>Untitled (# 547)</em>, une sorcière fantasmatique plane au bord d'un paysage marin orageux. Vêtue d'une longue robe noire considérablement embellie d'un boléro, elle regarde d'un air absent, son visage abimé par l'âge et encadré par ses longs cheveux blancs flottants. Dans <em>Untitled (# 552)</em>, elle porte une robe noire sévère, des gants blancs assortis à son col en dentelles et volants. Avec sa coupe au carré rousse et son air profondément renfrogné, elle ressemble à une gouvernante désapprobatrice ou à une domestique en colère d'antan. Dans chaque image, la figure féminine apparait plus grande que le monde naturel qui l'entoure, dans une inversion de la hiérarchie romantique.<br /> <br /> Dans cette série, elle a photographié les paysages sur les îles de Capri et Stromboli, en Islande lors de l'éruption volcanique de 2010, et à Shelter Island, New York. Ensuite, elle les a manipulés numériquement pour créer des effets picturaux luxuriants, en peaufinant les paysages marins rocailleux et les nuages de cendres volcaniques pour rappeler les paysages de Barbizon ou les cieux divins de Turner. Elle s'est ensuite photographiée elle-même en costume devant un écran vert dans son atelier, laissant son visage sans maquillage, et le manipulant, à la fin, numériquement. Cette série de photographies, issue d'un projet éditorial pour le magazine <em>Pop</em>, utilise des vêtements des archives Chanel. Les tenues vont de la haute couture des années 1920 conçue par Coco elle-même à la création contemporaine de Karl Lagerfeld; les vêtements somptueux et élégants, avec leurs tissus, leurs plumes, leurs volants et leurs broderies de perles resplendissantes, créent un contraste saisissant avec l'intensité maussade du paysage environnant. Ces photographies attirent clairement l'attention sur la nouvelle technique qu'utilise Sherman, superposant les artifices, tout en embrassant les convenances populaires et les processus de la photographie numérique.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Cindy Sherman</strong> est née en 1954 dans le New Jersey. Elle vit et travaille à New York. Son travail a fait l'objet d'innombrables grandes rétrospectives internationales, parmi lesquelles «Cindy Sherman: Rétrospective», au Musée d'Art Contemporain de Chicago (1997, puis au Musée d'Art Contemporain de Los Angeles, et à la Galerie Rudolfinum, Prague; Centro Cultural de Belém, Lisbonne; Musée d'art contemporain de Bordeaux ; Musée d'Art Contemporain, Sydney et Art Gallery of Ontario, Toronto jusqu'en 2000); «Cindy Sherman» à la Serpentine Gallery de Londres et au Scottish National Gallery of Modern Art (2003), et «Cindy Sherman: A Retrospective», Jeu de Paume, Paris (2006, puis au Kunsthaus Bregenz, en Autriche, au Louisiana Museum for Moderne Kunst, au Danemark, et au Martin-Gropius-Bau, Berlin jusqu'en 2007). Une rétrospective itinérante a ouvert ses portes en février 2012 au Museum of Modern Art, New York et est actuellement présentée au San Francisco Museum of Modern Art. Elle sera présentée ensuite au Walker Art Center, Minneapolis et au Dallas Museum of Art en Juin 2013.</p> Sat, 08 Sep 2012 11:21:22 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list