ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Group Show - Galerie Métanöia - August 31st, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p>Whether inspired by depictions of religious traditions, verdant mazes or Japanese gardens, each artist is invited to introduce us to his personal vision of the Garden of heaven.</p> <p>Group show from the <strong>31st of August to the 7th of September</strong> with Brigitte <strong>PRUVOST</strong>  - Mimouni <strong>HASSAN</strong>  - Ira <strong>VICARI</strong> - Michel <strong>VRAY</strong> - Karen <strong>FINKELSTEIN</strong> - Jean-Silvain <strong>LAPOUGE</strong> - <strong>JEAONG-AE</strong> Ju - Alain <strong>MICHEL</strong> - Josiane <strong>CHEVALIER</strong> - Sylvain <strong>BAUDOIN</strong> - Gayatri <strong>SHANTARAM</strong> - Isabelle <strong>LABAT</strong> -  Florence <strong>VERRIER</strong></p> Sat, 01 Sep 2012 04:14:22 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Kiyoshi Nakagami - Galerie Richard - September 1st, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Galerie Richard presents Kiyoshi Nakagami’s first solo exhibitions both in New York and Paris entitled <i>Epiphany</i>. This is also Nakagami’s debut solo show in the United States.</p> <p style="text-align: justify;">Born in Kanagawa in 1949, Kiyoshi Nakagami was presented in a group exhibition titled “Nihonga Painting, Six Provocative Artists” in Yokohama Museum of Art in 2006. “Nihonga Painting” indicates Japanese painting (“Nihon” means “Japan”) in opposition to Western painting. Nakagami achieved this recognition by the authenticity of his art and the fact that his art is rooted in the culture of his country. He is a solitary painter that arouses respect in Japan.</p> <p style="text-align: justify;"><i>“As a painter, there is nothing more difficult to represent than light. The ones who can do that are the greatest painters, greatest artists.” - Kiyoshi Nakagami</i></p> <p style="text-align: justify;">The subject of Nakagami’s paintings is light. The audience is drawn to focus on the dispersion of the light within the space. Irrespective of where the light source is, light radiates into the space above the source differently from below it. The superior space seems to contain no matter and it seems even, empty and infinite. The light spreads through a series of perfectly sumptuous grades. Below the focal point of light, the light must cross an undefined, vaporous matter. His ability to beautifully reproduce the diffusion of light in a painting is unrivalled.</p> <p style="text-align: justify;">Exhibiting in Paris allowed Nakagami to spend time watching the old masters of light in Western painting. He is not impressed withhis contemporary peers,except James Turrell,who he assists during his installations in Japan.</p> <p style="text-align: justify;">The paintings of Kiyoshi Nagakami invite the audience to look at a meditative space. The drift into contemplation is facilitated by the absence of any prominent painting material on the canvas. The spectator’s gaze falls on a space of indefinite depth of field. This effect is equally strong on a small format painting as it is on a large diptych. If the most part of the audience is struck by a Genesis theme, the artist allows the observer to revel in his own imagination. Nakagami titles the exhibition <i>Epiphany</i>, specifying that he is “referencing the way James Joyce used it, but not the Christian day.”</p> <p style="text-align: justify;">Because he considers that human being does not rule the Nature, he allows natural processes to develop in his paintings. These perfectly detailed paintings are made without the use of a paintbrush. <i>“Kiyoshi does not like corporal movements to be transferred to the painting and consequently reproduce its harshness and forceful passion-like those of the expressionists for example…instead of constantly trying to look at the painting from a neutral standpoint; he takes a step back and allows its birth.”</i> Nakagami does not imitate nature; he simply creates natural phenomena on the canvas that are identical to it. He does not reproduce clouds but rather, physically speaking, creates them.</p> <p style="text-align: justify;">Kiyoshi Nakagami’s work is part of the collections of The National Museum of Modern Art in Tokyo.He exhibited his paintings at a retrospective exhibition at the Museum of Modern Art in Kamakura in 2008. Galerie Richard represented Kiyoshi Nakagami in Europe since 2003.</p> Sun, 15 Jul 2012 13:28:19 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Paul DeMuro, Dan Hays, Michel Huelin, Leslie Thornton - GALERIE ZURCHER - September 1st, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <div class="crayon article-texte-750 clearfix"> <p style="text-align: justify;">L’aphorisme bien connu d’Aristote "la nature a horreur du vide" a la vie dure alors qu’il repose sur une idée fausse. Descartes imaginait un monde peuplé de tourbillons de matière et Pascal, dans ses <i>Expériences nouvelles touchant le vide</i> mit en évidence "la pression de l’air". Il fallut attendre Rutherford en 1911 pour comprendre que la matière elle-même est composée de vide à 99,999…%, chose inconcevable sinon en termes d’échelle. L’infiniment petit des atomes comme l’infiniment grand de l’univers galactique reposait ainsi sur un paradoxe : le caractère immatériel de la matière. Ce modèle ne pouvait qu’affecter les modes de représentation de la nature longtemps gouverné par celui de "la fenêtre ouverte sur le monde", la <i>veduta</i> des peintres depuis la Renaissance italienne et aujourd’hui l’écran des ordinateurs puis ceux des téléphones portables connectés aux réseaux et aux sites internet. L’exposition <i> <strong>Techno Nature</strong> </i> privilégie ainsi plusieurs « points de vue » de la toile à l’écran proposés par <strong>Dan Hays, Michel Huelin, Leslie Thornton</strong>, et <strong>Paul DeMuro</strong>.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Dan Hays</strong> construit son tableau à partir d’un choix d’images basse définition prélevées sur internet – avec des références plus ou moins explicites à l’histoire de la peinture de paysage – en élaborant un mode de représentation visuelle basé sur un paradoxe associant l’immatérialité du pixel à la dimension physique de la touche picturale. Son œuvre souligne la dépendance toujours plus étroite de notre regard incapable de regarder la nature en face sinon par l’intermédiaire des écrans <i>hi tech</i> qui envahissent toujours un peu plus notre quotidien. Ecrans « fugitifs » engendrés par le trafic <i>webcam</i>, ces images « intelligentes » induisent la mise en abîme d’une représentation abstraite de la nature.</p> <p style="text-align: justify;">La série des <i>Binoculars</i> de <strong>Leslie Thornton</strong> conduit également à l’abstraction. Dans l’œuvre de Thornton nature et technologie interfèrent. Deux champs circulaires apparaissent côte à côte sur l’écran d’un moniteur. Dans celui de gauche des animaux exotiques ou familiers ont été filmés dans leur cadre habituel tandis que dans celui de droite leur image a subi un traitement expérimental de manière à former un pattern centripète comme le ferait un kaléidoscope. Les deux champs circulaires qui forment cette lunette virtuelle sont intimement liés de sorte qu’un mouvement perpétuel effectue le passage de l’un à l’autre. L’effet est saisissant car le spectateur assiste à une « atomisation » du sujet transformé soudain en un pur système sémantique.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Michel Huelin </strong> joue également sur le concept de « transformation » en créant l’image d’une nature ayant subi de nombreuses hybridations et mutations, parfois « contre-nature ». Après des créations digitales aboutissant à des images lambda-print et video, il a repris la peinture en associant le tracé manuel au pinceau à la matière hautement technologique des résines alkydes. En découvrant ce monde sans échelle, l’œil du spectateur plonge dans un écosystème régi par l’indétermination entre les dimensions macro et microscopiques, comme par l’indéfinition entre le « naturel » et l’ « objectif ».</p> <p style="text-align: justify;">Les peintures de<strong> Paul DeMuro </strong> constituent une application logicielle basée sur le principe d’inversion de l’image photographique. Par un usage intuitif de la couleur mise en relief dans la pratique d’une peinture en épaisseur quasiment sculpturale, DeMuro cherche à mettre « la relation humaine » en connexion avec la machine. Pour lui, « le jour n’est pas si lointain où un programme informatique sera capable de reproduire ces messages les plus intimes – <i>posts, pics, tweets,</i> etc – qui définissent notre identité sous la forme d’un algorithme dont la répétition à l’infini nous fera exister bien après que nous ayons disparu corps et bien. » <i>Bernard Zürcher</i></p> <hr class="spip" /> <p style="text-align: justify;"><strong>Dan Hays</strong> (né en 1966, vit à Londres). Diplômé du Goldsmith’s College (1990) et de la Kingston University (2012) de Londres, il remporte le John Moores Prize en 1997. Expositions (sélection) : 2012 <i>Viewfinder</i>, Carter Presents, Londres (en cours) ; <i>Untitled Repetition</i>, curated by Fieldgate, Angus Hughes Gallery, Londres ; <i>Ha Ha - What Does This Represent ?</i> Standpoint Gallery, Londres ; <i>Techno Nature</i>, Zürcher Studio, New York, NY - 2011 <i>Screen as Landscape</i>*, Stanley Picker Gallery, Kingston University, Londres ; <i>Like Paint</i>, with Peter Klare, LoBe, Berlin – 2009 <i>Failing Light</i>*, Zürcher Studio, New York, NY – 2008 <i>End Game — British Contemporary Art from the Chaney Family Collection</i>, Museum of Fine Arts, Houston – 2007 <i>In Monet’s Garden – The Lure of Giverny</i>, Columbus Museum of Art, Ohio, USA ; Musée Marmottan, Paris ; <i>Across the Water</i>*, The Nunnery, Londres. Il est représenté par la galerie Zürcher, Paris-New York.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Michel Huelin</strong> (né en 1962, vit à Genève). Après des études de sciences naturelles, il sort diplômé de l’Ecole Supérieure des Arts Visuels de Genève (1988). Expositions (sélection) : 2012 <i>Techno Nature</i>, Zürcher Studio, New York, NY ; Art Los Angeles Contemporary, Los Angeles – 2011 <i>Alkyd &amp; Pixels</i>*, Blancpain art contemporain, Genève – 2010 <i>Alkyd &amp; Pixels</i>*, Galerie Zürcher, Paris – 2009 <i>Phytotron</i>*, Fabian &amp; Claude Walter Galerie Zürich ; <i>Uncontrolled Growth II</i>*, Zürcher Studio, New York ; <i>Nature en Kit</i>, MUDAC, Lausanne – 2008 <i>Floating Device</i>*, Museum of Contemporary Art, Cleveland ; <i>Uncontrolled Growth</i>*, Zürcher Studio, New York, NY. Il est représenté par la galerie Zürcher, Paris-New York.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Leslie Thornton</strong> (née en 1951, vit à New York, NY). Expositions récentes (sélection) : 2012 <i>Radical Symmetry</i>*, Elisabeth de Brabant Gallery, Shanghai, China ; Momenta Art, "Video 2012", New York, NY ; <i>Techno Nature</i>, Zürcher Studio, New York, NY - 2011 <i>Leslie Thornton</i>*, Winkleman Gallery, New York, NY ; <i>Radical Light Program</i>, MOMA, New York, NY ; Moscow Museum of Modern Art, Russie ; Tate Modern, London - 2010 <i>Decalogue : Films You Can Count on Two Hands</i>*, Winkleman Gallery, New York, NY. Les films, les vidéos et les installations de Leslie Thornton ont été exposés dans le monde entier, notamment à New York (Museum of Modern Art, Biennale du Whitney Museum, New York Film Festival) et en France (Centre George Pompidou, Paris ; CAPC, Bordeaux), mais aussi au Rotterdam International Film Festival, à la Pacific Film Archives de Berkeley et aux festivals de Oberhausen, Graz, Mannheim, Berlin, Austin, Toronto, Tokyo et Séoul, entre autres. En France, son oeuvre figure notamment dans les collections du Jeu de Paume et du Centre Pompidou. Elle est représentée par la Winkelman Gallery à New York.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Paul DeMuro</strong> (né en 1981, vit à Brooklyn, NY). Il est diplômé de la Temple University de Philadelphie (2007) et de la Rutgers University, NJ (2010). Il a obtenu en 2012 le Purchase Prize de l’American Academy of Arts and Letters. Expositions (sélection) : 2012 (à venir) Zürcher Studio*, New York, NY ; <i>Techno Nature</i>, Zürcher Studio, New York, NY ; <i>Broken Window Plane</i>, Tracy Williams ltd, New York, NY ; Rutgers MFA Open Studios, Mason Gross*, New Brunswick, NJ ; <i>Mythografia</i>, Bull and Ram, New York, NY – 2011 <i>Bleach</i> (with Alex da Corte), Jolie Laide, Philadelphia, PA ; <i>In Between the Sheets</i>, Harlem Workspace Gallery, New York, NY ; <i>Exprist</i>, Columbia University, New York, NY – 2010 <i>De-Nature</i>, Jolie Laide, Philadelphia, PA ; <i>Off The Map</i>, White Box, New York, NY. Il est représenté par la galerie Zürcher, Paris-New York.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p></p> </div> Sun, 19 Aug 2012 03:22:38 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Sôfûkai - Association Culturelle Franco-Japonaise de Tenri - September 5th, 2012 5:30 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Sôfûkai est un regroupement d’artistes utilisant l’arrangement floral contemporain comme moyen d’expression commun. Il ne s’agit pas seulement ici d’une représentation libre et personnelle, mais d’un véritable dialogue qui s’instaure entre les fleurs d’un côté, et la personne de l’autre. Pour cela, nous comprenons qu’il est nécessaire que les êtres humains développent une sensibilité et un contrôle intérieur rendant possible un tel échange. Dans cette démarche artistique se trouve la poursuite d’une « voie », dans le sens où elle implique une ouverture de soi et de son coeur.</p> <p style="text-align: justify;">C’est de ce processus que va découler la création d’un art, celui de l’arrangement floral contemporain Sôfûkai.</p> Wed, 18 Jul 2012 23:54:45 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Centre Pompidou - September 5th, 2012 11:00 AM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">En regroupant les projets architecturaux des nouveaux bâtiments dédiés à six Fonds régionaux d'art contemporain (FRAC), il s'agit de porter à la connaissance des visiteurs la diversité du débat architectural contemporain. Marquer la singularité institutionnelle des FRAC, c'est également identifier des positions – des doctrines chacune singulière – qui qualifient les enjeux d'aujourd'hui. <b>Exposer ces bâtiments, c'est rendre compte de leur créativité formelle et matérielle et retracer les phases de conception depuis les premières esquisses jusqu'au temps du chantier ; entendre les paroles des architectes comme le témoignage des futurs usagers ; se projeter dans la « fabrique » de l'architecture contemporaine. </b><br /> <br /> Les FRAC ont été créés en 1982 par le ministère de la Culture et de la Communication en partenariat avec les Conseils régionaux. Leur fondation témoigne d'une créativité institutionnelle et de la volonté de démocratiser et décentraliser l'art contemporain. Trente ans après leur création, ils se définissent par les multiples relations qu'ils établissent pour mieux rendre l'art accessible aux publics : entre les artistes, les amateurs, les élèves et étudiants, les enseignants et les chercheurs, ces institutions décrivent un territoire, celui de la création artistique contemporaine et de sa diffusion. Aussi, quand un FRAC devient un lieu, l'enjeu culturel originel et utopique génère-t-il des architectures expérimentales. Comment incarner dans la ville des institutions qui développent des collections d'art contemporain, les conservent, les transmettent, les exportent, en font le socle de programmes d'expositions, de soutiens à la création, de sensibilisation, de formation, en bref quelles architectures pour des collections en permanent mouvement ? Ce sont les enjeux de six concours d'architecture singuliers qui marquent l'actualité architecturale de ces dernières années en France.<br /> <br /> Six régions, en Aquitaine, en Bretagne, en région Centre, en Franche-Comté, dans le Nord-Pas de Calais et en Provence-Alpes- Côte d'Azur, se sont engagées, avec le soutien du ministère de la Culture et de la Communication et d'autres collectivités territoriales, dans le projet d'un FRAC dit de « nouvelle génération ».<br /> <br /> Contemporains des chantiers majeurs de la décentralisation artistique que sont le Centre Pompidou-Metz et le Louvre Lens pour ne citer qu'eux, les projets des six nouveaux FRAC sont les fruits de concours d'architecture dont les lauréats sont des architectes confirmés sur la scène internationale. Aussi, trouve-t-on à Bordeaux l'équipe danoise BIG associée à FREAKS, à Rennes l'agence Odile Decq Benoît Cornette, à Besançon et à Marseille l'architecte japonais Kengo Kuma, à Dunkerque Anne Lacaton et Jean Philippe Vassal et à Orléans, l'équipe Jakob + Mac Farlane. Alors que la plupart de ces bâtiments sont en cours d'achèvement, le Centre Pompidou ouvre les portes de ces chantiers manifestes.</p> Thu, 23 Aug 2012 12:44:39 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Claude Nori - Maison Européenne de la Photographie - September 5th, 2012 11:00 AM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial">Claude Nori occupe une place tout à fait unique dans l’histoire de la photographie française avec son oeuvre de photographe qu’il pratique depuis 1968 mais aussi grâce aux éditions Contrejour qu’il fonda en 1975 afin de publier son premier livre.</span><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial"><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial"></span></span></p> <p style="text-align: justify;">Les éditions Contrejour permirent à une génération entière d’auteurs contemporains de s’exprimer pour la première fois à travers le support du livre qui constituait, avec les expositions, l’espace créatif original de la nouvelle photographie française.</p> <p style="text-align: justify;">Il remit en lumière les humanistes et quelques-uns des plus grands photographes français ou étrangers alors dans l’oubli (Doisneau, Sieff, Ronis, Plossu, Boubat, Ghirri, Le Querrec, Petersen, Giacomelli, Salgado...) fonda les revues les Cahiers de la Photographie et Caméra International, ouvrit une galerie, édita plus de 150 ouvrages, qui font encore référence aujourd’hui, se trouvant ainsi au coeur du grand chambardement qui conduisit la photographie à son âge d’or.</p> <p style="text-align: justify;">Conjointement, il n’a jamais cessé d’exercer son activité d’auteurphotographe par une succession de livres autour de ses sujets de prédilection : l’Italie, l’adolescence, la poésie balnéaire, une certaine recherche épiphanique du bonheur et de l’amour avec lesquels il a creusé le sillon de la « photobiographie ».</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition met en parallèle pour la première fois l’aventure éditoriale de Contrejour sur près de vingt ans autour de ses livres majeurs et l’oeuvre personnelle de Claude Nori et restitue l’ambiance particulière de cette époque de fraîcheur et de découverte à laquelle participèrent de nombreux critiques, historiens ou écrivains, qui furent surtout des compagnons de route et des amis.</p> <p style="text-align: justify;">L’exposition « Claude Nori, éditeur et photographe » est coproduite par la MEP et les Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles.</p> Sat, 01 Sep 2012 06:29:31 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Choi - Maison Européenne de la Photographie - September 5th, 2012 11:00 AM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial">Le public de la Maison Européenne de la Photographie avait découvert sa série tourmentée « Autoportraits en enfer », exposée en 2005. Plasticien inspiré, Choi doit sa célébrité à une longue et féconde expérience de tireur au service d’une pléiade de photographes contemporains nommés Newton, Goldin, Tosani, Moulène, Bannier, Rheims, Orlan, Dine, d’Orgeval ou Poitevin, parmi beaucoup d’autres.</span><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial"><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial"></span></span></p> <p style="text-align: justify;">Choi Chung Chun (mais on dit « Choi ») est né à Hong Kong en 1949 et a commencé son apprentissage en assistant son oncle photographe. L’adolescent qui rêvait de devenir peintre arrive à Paris en 1965 pour s’inscrire à l’école des Beaux-arts. Il a tout juste seize ans. Il en a dix-neuf quand il commence à travailler dans un laboratoire où il se perfectionne en tirage jusqu’à devenir un spécialiste du grand format. Après de longs passages en plusieurs entreprises, Choi décide en 2011 de s’installer en toute indépendance dans un des vastes locaux du complexe industriel CAP18, dans le 18e arrondissement, sous la simple enseigne d’Atelier Choi.</p> <p style="text-align: justify;">Réputé rare et brillant, Choi y reçoit ses clients photographes avec lesquels il entretient une relation de travail amicale et singulière, propice à la réalisation de tirages argentiques en noir ou en couleur, exécutés par un homme seul dans le gigantisme des formats et le volume d’expositions entières. Semblable aux grands artisans qui dans les pages de l’histoire de l’art servent le génie, Choi ne se repose d’un travail que par le commencement d’un nouveau projet.</p> <p style="text-align: justify;">Ces semaines de sept jours lui laissent pourtant le temps de produire une oeuvre d’artiste et sa dernière production située à la convergence de la photographie et de la peinture s’expose à la MEP en vingt-cinq épreuves géantes des figures étranges, visages émergeant de limbes infernales ou célestes, réalisées chacune en plusieurs heures de pose en chambre noire, composant avec le froissement aléatoire du papier de riz, le recours prémédité aux opacités de pigments, pour inventer le détournement de l’immémorial sténopé.</p> <p>Hervé Le Goff</p> Sat, 01 Sep 2012 06:35:15 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Cédric Delsaux - Maison Européenne de la Photographie - September 5th, 2012 11:00 AM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial">Cédric Delsaux est un photographe autodidacte français, né en 1974. Depuis 10 ans, il parcourt la frontière de plus en plus ténue entre la fiction et la réalité.</span><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial"><span style="font-family: arial; font-size: small;" size="2" face="arial"></span></span></p> <p style="text-align: justify;">Dans sa précédente série « Nous resterons sur Terre », il explorait notre modernité post-industrielle à travers ses lieux symptomatiques, à la fois beaux et laids, banals et fous et en proposait une mythologie toute personnelle.</p> <p style="text-align: justify;">Sa dernière série « Dark Lens », objet de la présente exposition, tente à nouveau de troubler nos repères habituels en postulant cette fois que l’imaginaire a tout envahi. Les personnages de la célèbre saga <em>Star Wars</em> côtoient en effet les lieux les plus communs de la banlieue de Paris, de Lille ou de Dubai.</p> <p style="text-align: justify;">« Dans ce travail autour de <em>La guerre des étoiles</em>, j’ai cherché à donner de l’importance à des lieux considérés comme des non-lieux par le regard collectif. Le réel n’existe plus. Il n’y a plus que la perception que nous en avons. »</p> <p style="text-align: justify;">Cette série, défendue par George Lucas, a connu un retentissement international.</p> <p>Cédric Delsaux vit et travaille à Paris.</p> Sat, 01 Sep 2012 06:38:29 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Galerie Art&Events - September 6th, 2012 6:00 PM - 10:00 PM <p><img src="http://dbprng00ikc2j.cloudfront.net/userimages/34000/1ggx/20120801001931-pr.jpg" /></p> Wed, 01 Aug 2012 00:20:02 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Axel Pahlavi - Galerie Eva Hober - September 6th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">« Above the road near a laurel wood, I wrapped her up in gathered veils, and I felt a little her immense body. Dawn and the child fell down at the edge of the wood. » Arthur Rimbaud</p> <p style="text-align: justify;">You enter Axel Pahlavi ‘s art the same way you would “enter the Church”; by accepting that a force that is impossible to name will guide you into a narrative, and take you by the hand to tell you a story of painting. For the artist, all creation is a matter of transformation, but also a matter of relation to the other, to the one who is willing to watch. Let us watch then…</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition is like a journey into a thought that is gradually embodied, and from painting to painting, you have to follow the restrained strength of the staged gestures: from the strangeness of a bandaged hand with a forming drop of blood, to the simplicity of a modest hand gently concealing genitals left in the shadow, a choreography of smoothness is implemented. The painter takes up the themes of the female clown, and echoes a former painting (Love Stronger than Death, 2010); but here the red nose has fallen off, and the face covered in white is raised, open, turned towards something other than itself, and standing on something that is beyond melancholy. Standing close by, the body of the woman is still there, naked, and in a position of eternal waiting. The vertical canvas soars up towards a peak that could be a sky. The painting’s only backdrop is a big creased drape, and its<br />bareness, that is also fullness, moves deeply.</p> <p style="text-align: justify;">« Talitha Koum », « young woman, get up and walk! », such are the healing words of Christ. This imperative title coming from both Aramaic and the dawn of time could then be a call for life’s perpetual movement. This young woman is the Virgin Mary, a woman who is still a child, and whom Pahlavi depicts in a large format Annunciation, and in keeping with the best western painting tradition. But unlike Fran Angelico or Botticelli’s paintings, Mary is alone in the picture, modestly depicted in the lower left part of the painting. Archangel Gabriel is embodied in a great light that takes up almost all the space and conjures up abstract painting, not unlike the perceptive depth of a painting by Rothko: emptiness becomes a presence. The artist seems to be willing to hug this small body that will, however, never break; this embodiment of the infinite beauty of the world, wrapped up in her delicate veil.</p> <p style="text-align: justify;">Then it is Christ’s turn to come on, a crying Christ supporting the body of a staggering person. It is the body of the artist himself, a figure of sin, a monster, a devastated clown in jeans and sneakers, whose dancer body finally gives in to the laws of gravitation, an entirely unconscious body, subjected to the other body, the one that still has the strength to support it, and to prevent it from crashing to the ground. What Pahlavi paints here in this strange self-portrait is the encounter between human freedom and divine freedom, within the communion of two bodies. At last, « I.N.R.I », Christ is on the cross, his hands nailed to it, in a landscape of deep shades of blue; the resurrection is still to come.</p> <p style="text-align: justify;">Thus, after the Crucifixion, Axel Pahlavi paints the sweetest revelation, that of the love of childhood that now walks through a happy constellation, just before the summer dawn humbly sets and lets the birds start their singing.</p> <p><br />Léa Bismuth, art critic</p> <p style="text-align: justify;"><b><i> </i></b></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><b><i> </i></b></p> <p style="text-align: justify;"><b><i>« En haut de la route, près d’un bois de lauriers, je l’ai entourée avec ses voiles amassés, et j’ai senti un peu son immense corps. L’aube et l’enfant tombèrent au bas du bois. » </i>Arthur Rimbaud</b></p> <p style="text-align: justify;">On entre dans l’œuvre d’Axel Pahlavi comme on « entre en religion », en acceptant qu’une force que nous ne pouvons pas nommer nous guide dans un récit, nous prenne par la main pour nous raconter une histoire de peinture. Pour l’artiste, toute création est affaire de transformation, mais aussi de relation à l’autre, à celui qui accepte de regarder. Alors, regardons...</p> <p style="text-align: justify;">L’exposition se présente comme un voyage dans une pensée qui s’incarne progressivement, et il faut suivre, de tableaux en tableaux, la force contenue des gestes mis en scène : de l’étrangeté d’une main pansée à la goutte de sang qui perle, à la simplicité d’une main pudique cachant légèrement un sexe laissé dans l’ombre, c’est une chorégraphie de la douceur qui se met en place. Faisant écho à un tableau précédent — <i>L’Amour plus fort que la mort, </i>2010 — le peintre reprend la thématique de la femme clown ; mais, ici, le nez rouge est tombé et le visage barbouillé de blanc s’est relevé, ouvert, vers quelque chose d’autre que lui-même, sur un au-delà de la mélancolie. Tout près, le corps de la femme est encore là, nu, debout, en position d’attente éternelle. La toile, verticale, s’élance vers un sommet qui pourrait être un ciel. Avec pour seul décor un grand drapé froissé, elle bouleverse par son dépouillement, qui est à la fois plénitude.</p> <p style="text-align: justify;">« Talitha Koum », « Jeune fille, lève toi et marche ! », telle est la parole guérisseuse du Christ. Ce titre à l’impératif venu de l’araméen et du fond des temps, serait alors une exhortation au mouvement perpétuel de la vie. Cette jeune fille c’est justement la Vierge, femme encore enfant que Pahlavi représente dans une Annonciation de très grand format, dans la plus grande tradition de la peinture occidentale. Mais, à la différence de Fra Angelico ou de Botticelli, Marie, modestement représentée dans la partie inférieure gauche, est seule dans l’image. L’archange Gabriel s’incarne en une immense lumière qui envahit presque tout l’espace et évoque la peinture abstraite, pourquoi pas la profondeur perceptive d’un Rothko : le vide devient présence. L’artiste semble vouloir serrer dans ses bras ce petit corps qui ne peut pourtant pas se briser, cette incarnation de l’infinie beauté du monde, fragilement enveloppée dans son voile.</p> <p style="text-align: justify;">Puis, c’est au tour du Christ d’entrer en scène, le Christ en larmes supportant le corps d’un être chancelant, celui de l’artiste lui-même, figure du péché et du monstre, clown dévasté en jean et baskets, au corps de danseur laissant son poids se rendre enfin aux lois de la gravitation, entièrement évanoui et soumis à l’autre, celui qui a encore la force de le soutenir, de l’empêcher de s’écraser sur le sol. Ce que peint ici Pahlavi dans cet étrange autoportrait, c’est la rencontre de la liberté humaine et de la liberté divine, dans la communion de deux corps. Enfin, « I.N.R.I », le Christ est sur la Croix, les mains clouées, dans un paysage chargé de bleus profonds ; la résurrection est à venir.</p> <p style="text-align: justify;">Ainsi, après la Crucifixion, Axel Pahlavi peint la plus douce révélation, celle de l’amour de l’enfance qui marche désormais, au centre d’une constellation heureuse, juste avant que l’aube d’été ne se lève humblement et fasse entendre le chant des oiseaux.</p> <p style="text-align: justify;">Léa Bismuth, critique d’art</p> Fri, 31 Aug 2012 20:17:49 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Allyson Mellberg - Galerie L.J. - September 6th, 2012 6:30 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: xx-small;" color="#000000" size="1" face="Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif"><span style="font-size: small;">After the great success of her first exhibition in Paris in 2011, Allyson Melberg returns with her androgynous and deformed characters who speak for her of the organic world. If nature, with all its stitching elements (nettles, sea urchins, coral), is still the main source of her inspiration (and source of materials, as she manufactures her pigments herself with natural ingredients), her recent motherhood has also been a new inspiration in some of her drawings.</span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: xx-small;" color="#000000" size="1" face="Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif"><span style="font-size: small;">This is a body of almost thirty new drawings that Allyson has produced over this summer, with home-made ingredients (walnut, egg tempera, natural pigments) on recycled paper. We're also showing her wood and porcelain sculptures for the first time.</span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: xx-small;" color="#000000" size="1" face="Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif"><span style="font-size: small;"></span></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: xx-small;" color="#000000" size="1" face="Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif"><span style="font-size: small;">La <a href="http://galerielj.com/apropos.php" target="_blank">GALERIE L.J</a>. [Adeline Jeudy &amp; Claude Lemarié] a le plaisir d'accueillir la 2e exposition personnelle de l'artiste américaine <a href="http://galerielj.com/presse/dossier_mellberg.pdf" target="_blank">ALLYSON MELLBERG</a>, pour inaugurer son programme de la rentrée. </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: xx-small;" color="#000000" size="1" face="Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif"><span style="font-size: small;">Après le grand succès de sa 1ère exposition à Paris en 2011, Allyson Melberg (née en 1977) revient avec ses personnages déformés et androgynes au visage d'icône byzantine, qui parlent pour l'artiste du monde végétal et organique qui lui est cher. Si la nature, avec tout ce qu'elle a de piquant (orties, oursins, corail), constitue toujours sa principale source d'inspiration (et de matière première, puisqu'elle fabrique ses pigments elle-même avec des ingrédients naturels et qu'elle est une végétalienne engagée), sa récente maternité se retrouve également dans certains de ses dessins sous sa forme nourricière. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"> C'est une trentaine de nouveaux dessins que nous livre Allyson Mellberg, réalisés au cours de cet été 2012, à base d'ingrédients "maison" (brou de noix, tempera d'oeuf, pigments naturels) sur papier recyclé.</span> <br /> <strong><br /></strong></span></p> Sat, 22 Feb 2014 15:55:59 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Pierre Alechinsky - Galerie Lelong - Paris - September 6th, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Si, pour sa précédente exposition, Pierre Alechinsky s’était donné pour contrainte la forme ronde du châssis, le tondo, cette fois-ci c’est le noir de l’encre de Chine qui a donné le tempo. Jouant sur le contre-jour et songeant à la sorte de contre-nuit qu’est toute peinture gagnée sur le néant, ce sont des tableaux à contre-courant qui sont venus au fil du pinceau, la couleur venant la plupart du temps comme un friselis aux contours de la toile.</p> Mon, 23 Jul 2012 13:45:27 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Dominique Gauthier - Galerie Les Filles du Calvaire - September 6th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">La galerie a le plaisir de présenter la prochaine exposition de Dominique Gauthier qui s’articulera autour de deux volets, de deux temps d’expositions qui permettront de découvrir les nouvelles séries de l’artiste. En parallèle à cette double présentation, une monographie sur les dix dernières années de créations de Dominique Gauthier paraîtra en août 2012 suite à l’exposition à la Villa Tamaris à la Seyne-sur-Mer.</p> <p style="text-align: justify;">Je ne peux pas être un peintre abstrait, je ne veux pas être un peintre figuratif. Je me situe à la frontière de la figuration, à moins que la figuration ne soit à la frontière d’autre chose1.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">Les ensembles</p> <p style="text-align: justify;">Dominique Gauthier fait partie de ces peintres qui travaillent par ensembles, terme qu’il préfère à celui de séries, même si les premiers contiennent les secondes, le tout formant une véritable constellation picturale où se mêlent techniques diverses et formats variés. Ces ensembles sont apparus dès le début de sa pratique, à l’aube des années 1980, et n’ont jamais cessé de se développer. Ils ont même eu tendance à proliférer dans les vingt années qui ont suivi, en fonction du déploiement du travail. On pourrait qualifier ces différentes proliférations de séries, sans se contredire avec ce qui précède. En effet, avec le temps et l’expérience, ces différentes séries ont nourri ces ensembles, de manière à les rendre de plus en plus riches, conséquents et nuancés. Au fil des ans, ces ensembles ou ces cycles se sont constitués à partir de forces centrifuges, de telle sorte qu’actuellement, c’est à dire depuis environ dix ans, leur nombre s’est stabilisé et tourne autour de cinq. Le travail s’est-il pour autant limité? Non, il se serait plutôt approfondi, se nourrissant des pratiques antérieures comme pour mieux en dégager quelques lignes de force essentielles, sans pour autant renoncer à diverses recherches picturales et formelles.</p> <p style="text-align: justify;">Des titres</p> <p style="text-align: justify;">Qui plus est, ses ensembles sont tous nommés. Leurs titres sont de facto indissociables de leur pratique, puisqu’ils les définissent et les catégorisent, posant là les premières ébauches d’un inventaire. Ils constituent en quelque sorte des bornes dans le parcours du peintre. Pour lui, les titres signifient qu’à un moment donné, le travail s’est penché sur une question précise. C’est pour enregistrer quelque chose de l’ordre du temps. Le titre de l’ensemble vient signifier presque un calendrier, une espèce d’inscription dans l’expérience2. *…+</p> <p style="text-align: justify;">1 Toutes les citations sont extraites de deux entretiens réalisés avec Dominique Gauthier, le premier à l’occasion de sa double exposition au Musée d’art moderne de Céret (le 21 février 2011) et le second à l’occasion de celle à la Villa Tamaris à La Seyne-sur-Mer (le 18 février 2012)</p> <p style="text-align: justify;">2 Sur cet passionnant sujet de la dénomination des oeuvres dans l’histoire de l’art du XIXe siècle à nos jours, se référer à La Fabrique du titre. Nommer les oeuvres d’art, sous la direction de Marianne Jakobi, Pierre-Marc de Biasi et Ségolène Le Men, Paris, CNRS Editions, 2012, 460 p.</p> <p style="text-align: justify;">Si on insiste sur cet aspect, c’est qu’il semble important à la compréhension du travail dans sa globalité, car la pratique de Dominique Gauthier est généreuse dans sa production, riche dans sa diversité stylistique et inscrite volontairement par l’artiste dans sa temporalité personnelle: Les titres constituent une façon de nommer un moment, une époque, une période, une intention, une vision finalement. Ils sont de l’ordre de la nomination, ce sont des noms propres. Le peintre les considère même comme une catégorie de présences d’un immense récit qui n’est pas accompli, Il vient intervenir comme des figures, des personnages actifs d’un grand projet d’écriture plastique, d’écriture picturale. Il insiste et revient sur leur notion d’extériorité: Effectivement ils sont de l’ordre de l’extériorité par rapport à l’engagement pratique et pictural, par rapport à ce que l’on voit. *…</p> <p style="text-align: justify;">La nuance est judicieuse, car tout ce qui précède semblerait vouloir signifier que le travail de Dominique Gauthier est difficile d’accès, ce qui n’est absolument pas le cas. Selon les cycles abordés, sa pratique picturale peut aller du minimalisme tiré au compas au baroque échevelé, de l’abstraction rigoureuse aux frontières de la figuration, Selon les cycles, il travaille tant le noir et blanc que la couleur, utilise les grands comme les petits formats, et il peut tout aussi bien épuiser des démarches quasi sérielles que laisser le travail évoluer par accident, certes maîtrisé en partie. *…</p> <p style="text-align: justify;">Constamment en équilibre entre ces différentes polarités (j’alterne des périodes squelettiques à des périodes polychromes très exubérantes), sa peinture semble vouloir laisser s’épaissir le mystère à chaque fois que l’on désire s’en approcher de plus près, pour en comprendre les relations auxquelles nous invite son auteur. Les pistes qu’il nous lance, les indices qu’il nous distille, les clés qu’il nous donne, ne font qu’entrouvrir des portes qui, à peine entrebâillées, amplifient nos interrogations. Elles nous entraînent dans d’autres arcanes de sa peinture et nous invitent à en découvrir les subtilités ou les mises en cause, comme le révèle le titre d’un cinquième ensemble, de moins en moins marginal et combien révélateur des ramifications de l’oeuvre: les Réponses à la réponse</p> <p style="text-align: justify;">Car la peinture de Dominique Gauthier est tout sauf superficielle, parce que les dérives sont contrôlées et les contraintes débridées. Le geste peut être aussi précis et contrôlé que les hasards bienvenus et appréciés, être aussi rapide que ceux-là sont lents. *…</p> <p></p> Wed, 18 Jul 2012 14:42:20 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Børre Sæthre - Galerie Loevenbruck - September 6th, 2012 6:00 PM - 10:00 PM <p style="text-align: justify;">Les installations monumentales du plasticien norvégien Børre Sæthre engendrent des atmosphères où l’ambiance technologique des panoramas futuristes dévoile ses effets pervers sur les désirs primaires de notre inconscient collectif. L’artiste emprunte les formes du quotidien et les stylise pour bâtir des univers aux résonances aussi envoûtantes qu’inaccessibles. On peut les regarder avec l’oeil de l’architecte, de l’artiste, de l’écrivain, du savant ou du cinéaste, aucun de ces angles de vue ne saurait apporter une conclusion définitive. C’est peut-être là que réside l’essence du projet de Sæthre : le dernier chapitre de notre rêverie cosmique reste à écrire.</p> <p style="text-align: justify;">Børre Sæthre a présenté récemment l’installation Sans titre (Wardenclyffe Tower) au Mudam - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg. Dans la salle entièrement obscure, la lumière stroboscopique émise par un mur de led, associée à une double bande sonore, animait de vibrations à la fois tangibles et métaphoriques un ensemble solennel d’objets fantastiques : un dôme géodésique à facettes en miroir bronze et un bas-relief en chrome de cent mètres carrés. Un moulage d’étoile mourante en cire naturelle, suspendu à une corde de gibet au-dessus d’une petite estrade, ponctuait cette scénographie mystérieuse où s’insérait une courte vidéo montrant un adolescent qui projette des éclairs dans sa chambre.</p> <p style="text-align: justify;">Pour son exposition à la galerie Loevenbruck, dont le titre est Untitled (The Buran Program), l’artiste a choisi de regrouper plusieurs oeuvres inédites autour du thème du projet Bourane.</p> <p style="text-align: justify;">The Buran Program (Buran [Bourane] signifiant « tempête de neige » en russe) est le nom de code d’un projet de vaisseau spatial réutilisable, lancé par l’Union soviétique en 1974, en riposte aux navettes orbitales de la NASA. Ce projet très ambitieux, le plus vaste et le plus cher dans toute l’histoire de la conquête spatiale soviétique, a pris fin officiellement en 1993. Le programme s’est soldé par une seule et unique mission d’une navette Bourane, qui a accompli en 1988 un vol sur orbite non habité.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">Børre Sæthre est né en 1967 à Oslo, Norvège. Il vit et travaille à New York et Oslo. Après des études à l’École nationale des beaux-arts d’Oslo (1992-1998), il a obtenu une résidence d’artiste à l’ISCP de New York en 2000, avant d’effectuer une autre résidence au Künstlerhaus Bethanien de Berlin en 2001.</p> <p style="text-align: justify;">Parmi les expositions personnelles de Børre Sæthre dans des institutions prestigieuses, on peut citer : My Private Sky, Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst, Oslo, 2001 ; For Someone Who Nearly Died But Survived, Bergen Kunsthal, Bergen, 2007 ; I’ve Been Guilty of Hanging Around, Participant Inc, New York, 2006 ; Greetings to Futures Past, MoMA PS1, Long Island, 2008 ; Trooper Play, Nordnorsk Kunstmuseum, Tromsø, 2011 ; Untitled (Wardenclyffe Tower), Mudam-Musée d’art moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg, 2012.</p> <p style="text-align: justify;">Børre Sæthre présentera une nouvelle installation monumentale au Tri Postal de Lille dans le cadre de la saison Fantastic 2012 (6 octobre 2012-13 janvier 2013).</p> <p style="text-align: justify;">___________________________</p> <p style="text-align: justify;">The Norwegian artist Børre Sæthre utilizes large-scale installations to create atmospheres that shift between the technological ambiences of futuristic panoramas and the influence of their synthetic perversities on the primordial desires of our collective subconscious. Abstracting pre-fabricated and quotidian forms, the artist constructs environments that hum with a din that is at once mesmerizing and yet out of reach. One could view these installations through the lens of an architect, an artist, a writer, a scientist, a filmmaker, and yet the conclusions one would draw from these vantage points would be inconclusive and it is perhaps here that we find the core to Sæthre’s program: the conclusions of our collective star gazing have yet to be written.</p> <p style="text-align: justify;">In a recent exhibition, Untitled (Wardenclyffe Tower) at Mudam - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg, Sæthre cloaked the museum hall in a blackness that was punctuated (strobe-like) with patterned light fields and a two-part soundtrack that physically vibrated and metaphorically animated a solemn ensemble of preternatural objects: a bronzemirrored geodesic dome, a 100 square meter chrome relief. An organic cast of a dying star made from beeswax and strung from a noose-like rope over a shallow podium offset this brooding narrative alongside a short film in which a boy hurls lightning bolts (or Force Lightning) inside his teenage bedroom.</p> <p style="text-align: justify;">For the artist’s exhibition at Loevenbruck gallery he will show a series of new works, and the project is titled Untitled (The Buran Program).</p> <p style="text-align: justify;">The Buran [Russian: Буран, IPA: [bʊˈran], Snowstorm or Blizzard] Program was a Soviet and later Russian reusable spacecraft project that began in 1974 and was formally suspended in 1993. It was a response to the United States’ NASA Space Shuttle program. The project was the largest and the most expensive in the history of Soviet space exploration. The Buran Program completed one unmanned orbital spaceflight in 1988 before its cancellation in 1993.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">Børre Sæthre was born in Oslo, Norway, in 1967. He lives and works in New York and Oslo.</p> <p style="text-align: justify;">After completing his training at the Oslo Academy of Fine Art (1992-1998), Børre Sæthre was awarded a residency on the prestigious International Studio &amp; Curatorial Program, New York, in 2000, followed by another at the Künstlerhaus Bethanien, Berlin, in 2001.</p> <p style="text-align: justify;">His main solo shows to date have been: My Private Sky, 2001, Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst, Oslo; For Someone Who Nearly Died But Survived, 2007, Bergen Kunsthall, Bergen; I’ve been guilty of hanging around, 2006, Participant Inc, New York; Greetings to Futures Past, 2008, MoMA PS1, Long Island; Trooper Play, 2011, Nordnorsk Kunstmuseum, Tromsø and Untitled (Wardenclyffe Tower), 2012, Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean.</p> <p style="text-align: justify;">Børre Sæthre will be presenting a new monumental installation in Fantastic 2012, an exhibition<br />at the Tri Postal, Lille, from 6 October 2012 to 13 January 2013.</p> Wed, 01 Aug 2012 00:44:12 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Achraf Touloub, Germain Hamel - Galerie Martine et Thibault de La Châtre - September 6th, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">La galerie présente en cette rentrée les travaux de Germain Hamel et Achraf Touloub. Deux jeunes artistes aux intentions communes, développées au travers de pratiques différentes.</p> <p style="text-align: justify;">La relation qu'ils entretiennent avec l'image procède d’une exigence double : produire des réflexions sur le médium (peinture, dessin et vidéo) en même temps que des propositions picturales. Peindre, dessiner, tout en intégrant la dimension réflexive de ces pratiques.
Il s’agit de développer une proposition qui opère sur tous les plans, à la fois comme image et comme objet. Cette proposition tend à rejouer dans son contexte propre, des problématiques intemporelles. Pour cela, elle se définit au-delà des styles, des mouvements, des techniques, des séquences historiques spécifiques.</p> <p style="text-align: justify;">Pour Germain Hamel, la peinture produit son réajustement par ses propres moyens; elle se saisit comme image, capable de se mouvoir dans l’espace et de se l’approprier, sans débordement ni artifice. L’image n’est alors plus figée par le plan mais crée un écart vis-à-vis d’elle-même, ce qui lui permet d’exister de côté, de face, de trois quarts. Cette image ne peut être saisie en une fois, elle induit une expérience dans le temps et dans l’espace; dans le réel. </p> <p style="text-align: justify;">Dans ses dessins et vidéos,  Achraf Touloub développe sa vision du paradigme traditionnel et de ses possibles mise en image dans un contexte immédiat et globalisé. Le paradoxe qui accompagne cette idée —, et ceci sans réaction ni surenchère face aux esthétiques et tendances actuelles - lui permet de dépasser l'uniformisation des modes de représentation. Il aborde ces questions afin d'élaborer de nouvelles cosmologies. Le trait interroge la matière et le sujet remet en question le principe de représentation.</p> <p style="text-align: justify;">Ces travaux se veulent l'expression d'un consensus entre les différentes dimensions qui construisent l'image aujourd'hui. Identifier les multiples territoires du sens, c'est les lier par le médium pour mieux les dépasser.</p> Sat, 01 Sep 2012 05:14:14 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Camille Henrot - Kamel Mennour - September 6th, 2012 7:00 PM - 9:30 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Kamel Mennour is pleased to present Camille Henrot’s second solo exhibition at the </span><span style="font-size: small;">gallery.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bouquets carrying the names of books, an ideal library as an artificial garden… what lies </span><span style="font-size: small;">behind such an incongruous juxtaposition? This space through which we walk, as though in </span><span style="font-size: small;">a library, radically problematizes the relationship of books to flowers through its thorny </span><span style="font-size: small;">title: ‘Is it possible to be a revolutionary and love flowers?’ With the third part of this </span><span style="font-size: small;">equation, we get to the heart of the work. Camille Henrot cites Marcel Liebman’s </span><span style="font-size: small;">account of one of Lenin’s colleagues saying, “You start by loving flowers and soon you </span><span style="font-size: small;">want to live like a landowner, who, stretched out lazily in a hammock, in the midst of his </span><span style="font-size: small;">magnificent garden, reads French novels and is waited on by obsequious footmen.”<sup>1</sup></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="text-align: justify; font-size: small;">The </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">love of flowers would appear to be a slippery slope towards the practice of </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">something no less counter-revolutionary: literature. Just as the freshness of flowers </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">revives the colour of a dead body, literature soothes our troubles. Must we, in fact, </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">choose between revolution and consolation?</span><span style="text-align: justify;"> </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">Translating her books into flowers in a single gesture, Camille Henrot perpetuates, in her </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">own way, the Japanese art of the bouquet, where the arrangement of flowers is </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">supposed to reflect the state of mind of the person who creates it. From April 2011 </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">to April 2013, Camille Henrot decided to make nothing but ikebana based on her </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">personal library, thereby giving her books a purely material existence, a return to their </span><span style="text-align: justify; font-size: small;">primal element: the vegetal.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Her practice of ikebana is linked to the idea of ‘art as autotransformation,’ as imagined by </span><span style="font-size: small;">John Cage in a book (How to Improve the World (You Will Only Make Matters Worse)) </span><span style="font-size: small;">which is here embodied in a single organic endigia planted on a kenzan, the traditional </span><span style="font-size: small;">tool used in Japanese ikebana, which oddly echoes one of Cage’s recurring </span><span style="font-size: small;">preoccupations cited by the artist: “days spent searching for non-synthetic food.” </span><span style="font-size: small;">Like a book, the ikebana concentrates in one object the entirety of a thought, brings </span><span style="font-size: small;">together disparate fragments, and reconciles opposites in a whole of global dimensions. </span><span style="font-size: small;">If, as Jean-Christophe Bailly wrote in Le propre du langage, the library is a polyphony, the </span><span style="font-size: small;">environment of ikebana becomes a cosmogony where heterogeneous thoughts form a </span><span style="font-size: small;">harmonious whole based on the principle of the bouquet itself – an assemblage of </span><span style="font-size: small;">uprooted elements, cut off from their context and brought together in synthetic unity. </span><span style="font-size: small;">Whether they play on taxonomy, their ‘palimpsestic’ power, the vulgarisation of the </span><span style="font-size: small;">language of flowers or the history of their origins, the mysterious forces that come </span><span style="font-size: small;">together to create the bouquet practice an ultra-lucid language. In reinterpreting the </span><span style="font-size: small;">ancestral art of the bouquet, Camille Henrot literally sweeps away the rigid hierarchy </span><span style="font-size: small;">between the sensory and the intellectual arts, situating the practice in both cyclical time </span><span style="font-size: small;">(natural time) and historical time (revolutionary time). “In my view, the thoughts </span><span style="font-size: small;">produced by literature, philosophy or anthropology form an integral part of daily life; in </span><span style="font-size: small;">a way, they are also ‘decorative objects,’ displayed here to create a stimulating and </span><span style="font-size: small;">calming environment,” she explains. In this sense, she perpetuates her perspective by </span><span style="font-size: small;">placing herself in an ahistorical vision of time and by reintegrating rationality into all </span><span style="font-size: small;">human behaviour. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In this literature transcribed into flowers, spirit and substance give birth to one another. </span><span style="font-size: small;">Just as values are embodied in natural things, supposedly innocuous flowers take on the </span><span style="font-size: small;">aura of powerful and destructive weapons in the hands of the artist. Camille Henrot </span><span style="font-size: small;">puts in place a lapidary language whose phrasing liberates. Now we understand why </span><span style="font-size: small;">revolutions appropriate the names of flowers: the Carnation Revolution in Portugal, the </span><span style="font-size: small;">Hundred Flowers Campaign in China, the Rose Revolution in Georgia, that of the Tulip in </span><span style="font-size: small;">Kirgizstan, Saffron in Burma, and Jasmine in Tunisia. In reality, these ikebana lead us to the </span><span style="font-size: small;">heart of a principal of resistance violently opposed to all forms of power and authority: </span><span style="font-size: small;">the pleasure principal.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Camille Moulonguet, July 2012</span><br /><span style="font-size: small;">_</span><br /><span style="font-size: small;">1</span><br /><span style="font-size: small;">Marcel Liebman, extract from Leninism under Lenin, the Conquest of Power, 1973 </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Kamel Mennour est heureux de présenter la seconde exposition personnelle de Camille </span><span style="font-size: small;">Henrot à la galerie.</span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Des bouquets aux noms de livres, une bibliothèque idéale comme un jardin artificiel… que </span><span style="font-size: small;">justifie ce rapprochement incongru ? Cet espace, dans lequel on déambule comme on le </span><span style="font-size: small;">ferait dans une bibliothèque, problématise radicalement le rapport du livre aux fleurs par </span><span style="font-size: small;">son titre piquant : « Est-il possible d’être révolutionnaire et d’aimer les fleurs ? » Avec ce </span><span style="font-size: small;">troisième terme de l’équation, on entre dans le vif de l’œuvre. Camille Henrot cite Marcel </span><span style="font-size: small;">Liebman qui rapporte les propos d’un collaborateur de Lénine : « On commence par aimer </span><span style="font-size: small;">les fleurs et bientôt l’envie vous prend de vivre comme un propriétaire foncier, </span><span style="font-size: small;">paresseusement étendu dans un hamac et qui au milieu de son magnifique jardin lit des </span><span style="font-size: small;">romans français et se fait servir par des valets obséquieux. »1</span><br /><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L’amour des fleurs serait un </span><span style="font-size: small;">terrain glissant vers une pratique non moins antirévolutionnaire, celle de la littérature. Et </span><span style="font-size: small;">comme la fraîcheur des fleurs ravive les couleurs d’un cadavre, la littérature panse nos </span><span style="font-size: small;">peines. Entre révolution et consolation, faut-il choisir ? </span><span style="font-size: small;">Camille Henrot, en traduisant d’un trait ses livres en fleurs, perpétue singulièrement la </span><span style="font-size: small;">pratique japonaise du bouquet dont l’assemblage des fleurs doit refléter l’état d’esprit de </span><span style="font-size: small;">celui qui le réalise. D’avril 2011 à avril 2013, Camille Henrot a décidé de faire </span><span style="font-size: small;">exclusivement des ikebana de sa bibliothèque et rendre ainsi à ses livres une existence </span><span style="font-size: small;">purement matérielle, un retour à leur élément primitif, le végétal. </span><span style="font-size: small;">Sa pratique de l'ikebana rejoint l'idée de « l'art comme autotransformation » telle que l'a </span><span style="font-size: small;">imaginé John Cage (Comment rendre le monde meilleur (on ne fait qu’aggraver les choses)), </span><span style="font-size: small;">un livre qui ici s'incarne dans une unique endigia biologique plantée sur un kenzan, l'outil </span><span style="font-size: small;">traditionnel de l'ikebana japonais qui fait singulièrement écho à l’une des préoccupations </span><span style="font-size: small;">récurrentes de Cage citée par l'artiste : « jours passés à chercher des aliments non </span><span style="font-size: small;">synthétiques ».</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ainsi l’ikebana, comme le livre, concentre en un objet l'ensemble d'une pensée, rassemble </span><span style="font-size: small;">des fragments disparates, réconcilie les opposés en un tout dont la dimension est globale. </span><span style="font-size: small;">Si comme l'écrit Jean-Christophe Bailly, dans Le propre du langage, la bibliothèque est une </span><span style="font-size: small;">polyphonie, l'environnement d'ikebana devient une cosmogonie où des pensées </span><span style="font-size: small;">hétérogènes forment un tout harmonieux, sur le principe du bouquet lui-même, assemblage </span><span style="font-size: small;">d'éléments déracinés, coupés de leurs contextes et réunis en un tout synthétique. Qu'elles </span><span style="font-size: small;">jouent sur la taxinomie, leur pouvoir « palimpsestique », la vulgarisation du langage des fleurs </span><span style="font-size: small;">ou l'histoire de leurs origines, les forces mystérieuses qui agissent en vue de la réalisation du </span><span style="font-size: small;">bouquet tracent un langage ultralucide. En reprenant cet art du bouquet ancestral Camille </span><span style="font-size: small;">Henrot balaie littéralement la hiérarchie rigide entre les arts sensoriels et les arts </span><span style="font-size: small;">intellectuels, ce qui s'inscrit dans le temps cyclique (celui de la nature) et dans le temps </span><span style="font-size: small;">historique (celui de la révolution). « A mon sens les pensées produites par la littérature, la </span><span style="font-size: small;">philosophie ou l’anthropologie font partie intégrante du quotidien, elles sont aussi d’une </span><span style="font-size: small;">certaine manière « des objets décoratifs », étant entendu ici qu’elles créent un </span><span style="font-size: small;">environnement stimulant et apaisant », explique-t-elle. En ce sens, elle perpétue sa </span><span style="font-size: small;">perspective de travail en se plaçant dans une vision anhistorique du temps et en </span><span style="font-size: small;">réintégrant la rationalité dans l'ensemble des comportements humains.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dans cette littérature transcrite en fleurs l’esprit et la matière s’engendrent l’un l’autre. Et </span><span style="font-size: small;">comme les valeurs s’incarnent dans les choses naturelles, les fleurs réputées inoffensives </span><span style="font-size: small;">prennent l’aura d’une arme puissante et dévastatrice dans les mains de l’artiste. Camille </span><span style="font-size: small;">Henrot met en place un langage lapidaire dont le phrasé est libérateur. On comprend alors </span><span style="font-size: small;">pourquoi les révolutions s’approprient des noms de fleurs, la révolution portugaise des </span><span style="font-size: small;">œillets, la campagne des cent fleurs en Chine, la révolution des roses en Géorgie, des </span><span style="font-size: small;">tulipes au Kirghizistan, de safran en Birmanie, de jasmin en Tunisie. En réalité, avec ces ikebana </span><span style="font-size: small;">on entre au cœur d'un principe de résistance violemment opposé à toute forme de </span><span style="font-size: small;">pouvoir et d'autorité : le principe du plaisir. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Camille Moulonguet, juillet 2012 </span><br /><span style="font-size: small;">_</span><br /><span style="font-size: small;">1 </span><br /><span style="font-size: small;">Marcel Liebman, Extrait de Le léninisme sous Lénine, la conquête du pouvoir, 1973.</span></p> Thu, 06 Sep 2012 08:14:11 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list