ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Patrick Faigenbaum - Galerie Nathalie Obadia - Rue Du Bourg-Tibourg - June 10th - July 25th <p align="justify">The Galerie Nathalie Obadia is pleased to present &ldquo;Kolkata/Calcutta&rdquo;, the second solo exhibition of Patrick Faigenbaum in its gallery in Paris after &ldquo;Santurlussurgiu&rdquo; in October 2008.</p> <p align="justify"><br />In 2013 the artist won the prestigious Henri Cartier-Bresson Award, which enabled him to carry out a project on the city of Calcutta, the capital of Bengal and the British Indian Empire, during six trips. &ldquo;<em>It was a question of avoiding the image of the eternal or picturesque India, though without focusing on an equally caricatured image of modernization&rdquo;</em>, explains Patrick Faigenbaum, who made his first trip to India in 1995, before the country&rsquo;s economic explosion.</p> <p align="justify"><br />A set of fifteen new photographs will be presented at the Galerie Nathalie Obadia in an exhibition that will dialogue with the large show dedicated to his work at the Fondation Cartier-Bresson from 13 May to 26 July 2015. Portraits, group shots and scenes of daily life are included in this subjective representation of the Calcutta that Faigenbaum experienced and interiorized, with particular emphasis on still lifes. &ldquo;<em>A still life is a model of landscape, and the landscape is a still life on the grand scale</em>*&rdquo;, comments the historian and art critic Jean-Fran&ccedil;ois Chevrier in the book that accompanies the exhibition at the Fondation Henri Cartier-Bresson. &ldquo;T<em>heir documentary content relates purely to the fruits chosen but they offer a metaphoric image of the rural areas that surround the agglomeration</em>&rdquo;.</p> <p align="justify"><br />Patrick Faigenbaum&rsquo;s acquaintance with many artists, musicians and filmmakers known to the public contributed greatly to the outcome of his project. &ldquo;<em>The base for my work was the house-cum-studio and district where an artist called Shreyasi Chatterjee lives</em>&rdquo;, he explains. He observed certain rituals of Bengali daily life without ever abandoning his status as a privileged witness with a Western background.<br />Like Shreyasi Chatterjee&rsquo;s works of embroidery, &ldquo;<em>the choice of Calcutta allowed me to explore its layers of history and to show how they relate to one another as though in a mosaic or weaving</em>&rdquo;.</p> <p align="justify"><br />Trained as a painter, Patrick Faigenbaum took his first photographs during the 1970s. He has since focused particularly on portraiture, which has become his speciality and allowed him to make a series of black-and-white portraits of important aristocratic families in Italy in the early 1980s. When he takes up other types of project, he tackles places unknown to him, offering a fixed and intimate look on a city and its identity, as seen in his works on Bremen, Barcelona, Prague, Santulussurgiu and Calcutta.</p> <p align="justify"><br />His exhibition &ldquo;Kolkata/Calcutta&rdquo; at the Fondation Cartier-Bresson will be presented at the Aperture Foundation from 18 September to 29 October 2015.</p> <p align="justify"><br />*<em> Kolkata/Calcutta</em>, by Jean-Fran&ccedil;ois Chevrier, Lars M&uuml;ller Publishers, Zurich, 2015</p> <p align="justify"><br />-------------------------------</p> <p align="justify"><strong>Patrick Faigenbaum was born in Paris in 1954 where he lives and works.</strong></p> <p align="justify"><br />Patrick Faigenbaum has had important solo exhibitions at the Mus&eacute;e des Beaux-Arts de Chambery (Patrick Faigenbaum, 2014), the Acad&eacute;mie de France, Villa Medici in Rome (Patrick Faigenbaum, 2013 / Vies Parall&egrave;les, 1987), at the Point du Jour &agrave; Cherbourg-Octeville (Noir et blanc, 1973-2008, 2011), at the Mus&eacute;e des Beaux-Arts de Grenoble (Patrick Faigenbaum. Oeuvres 1973-2008, 2008), at the Centro de Arte Moderna Jos&eacute; de Azeredo Perdigao &ndash; Funda&ccedil;ao Calouste Gulbenkian in Lisbon (Patrick Faigenbaum, 2007), at the Mus&eacute;e du Louvre in Paris (Louvre and Chauss&eacute;e d&rsquo;Antin, 2005), at the Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris (Patrick Faigenbaum, Naples 1989-1991, 1991 / Patrick Faigenbaum, 1984), and at the Art Institute of Chicago (Roman Portraits, 1988).</p> <p><br />His works are included in many public and private collections, amongst which the Metropolitan Museum of Art (New York), the Centre Pompidou &ndash; Mus&eacute;e National d&rsquo;Art Moderne (Paris), the MACBA (Barcelona) and the Point du Jour (Cherbourg).</p> <hr /> <div align="justify">La Galerie Nathalie Obadia est heureuse de pr&eacute;senter &laquo; Kolkata/Calcutta &raquo;, la seconde exposition personnelle de Patrick Faigenbaum dans sa galerie &agrave; Paris apr&egrave;s &laquo; Santulussurgiu &raquo; en octobre 2008.<br /><br />L&rsquo;artiste a remport&eacute; en 2013 le prestigieux Prix Henri Cartier-Bresson qui lui a valu de r&eacute;aliser un projet sur la ville de Calcutta, &agrave; l&rsquo;occasion de six voyages successifs dans cette m&eacute;tropole du Bengale, ancienne capitale de l&rsquo;Empire britannique des Indes. &laquo;<em>Il s&rsquo;agit d&rsquo;&eacute;viter l&rsquo;image de l&rsquo;Inde &eacute;ternelle ou pittoresque, sans pour autant favoriser une id&eacute;e tout aussi caricaturale de la modernisation</em>&raquo;, explique Patrick Faigenbaum dont le premier voyage en Inde remonte &agrave; 1995, avant l&rsquo;explosion &eacute;conomique du pays.<br /><br />Un ensemble de quinze photographies in&eacute;dites sera pr&eacute;sent&eacute; &agrave; la Galerie Nathalie Obadia, en dialogue avec l&rsquo;importante exposition que lui consacre la Fondation Cartier-Bresson du 13 mai au 26 juillet 2015. Portraits, tableaux chorals et sc&egrave;nes de la vie quotidienne se c&ocirc;toient dans cette vision toute subjective d&rsquo;une Calcutta v&eacute;cue, int&eacute;rioris&eacute;e, faisant &eacute;galement la part belle aux natures mortes. &laquo;<em>Une nature morte est un mod&egrave;le de paysage, et le paysage une nature morte &eacute;largie</em>* &raquo;, commente l&rsquo;historien et critique d&rsquo;art Jean-Fran&ccedil;ois Chevrier dans le livre qui accompagne l&rsquo;exposition de la Fondation Cartier-Bresson. &laquo;<em>Leur teneur documentaire tient exclusivement au choix des fruits rassembl&eacute;s. Mais elles constituent une image m&eacute;taphorique du territoire rural qui englobe l&rsquo;agglom&eacute;ration</em>&raquo;.<br /><br />Les rencontres ont &eacute;t&eacute; &eacute;galement d&eacute;terminantes pour le photographe dont l&rsquo;objectif a crois&eacute; la route de nombreux artistes, musiciens et cin&eacute;astes de la sc&egrave;ne publique. &laquo;L<em>a base de mon travail est la maison-atelier et le quartier o&ugrave; vit une artiste nomm&eacute;e Shreyasi Chatterjee</em>&raquo;, explique-t-il. Patrick Faigenbaum assiste &agrave; certains rituels du quotidien bengali, sans jamais se d&eacute;partir de sa position de regardeur privil&eacute;gi&eacute;, aux attaches occidentales.<br /><br />A l&rsquo;instar des &oelig;uvres brod&eacute;es de Shreyasi Chatterjee, &laquo;<em>Le choix de Calcutta permet, dit-il, d&rsquo;explorer des couches historiques et de montrer comment elles se combinent dans une image en mosa&iuml;que ou en tissage</em>&raquo;.<br /><br />Form&eacute; &agrave; la peinture, Patrick Faigenbaum r&eacute;alise ses premi&egrave;res photographies au d&eacute;but des ann&eacute;es 70. D&egrave;s cette &eacute;poque, il s&rsquo;attache au genre du portrait, qui deviendra sa sp&eacute;cialit&eacute; et qui l&rsquo;am&egrave;nera &agrave; r&eacute;aliser au d&eacute;but des ann&eacute;es 80 une s&eacute;rie de portraits en noir et blanc des grandes familles aristocrates italiennes. Le portrait demeure le motif essentiel de son travail et lorsqu&rsquo;il s&rsquo;en &eacute;loigne, c&rsquo;est toujours avec une certaine intimit&eacute; qu&rsquo;il aborde les territoires encore inconnus de lui, portant un regard appuy&eacute; sur la ville et son identit&eacute; &agrave; l&rsquo;instar des projets r&eacute;alis&eacute;s &agrave; Br&ecirc;me, Barcelone, Prague, Santulussurgiu, Calcutta.<br /><br />L&rsquo;exposition &laquo;Kolkata/Calcutta&raquo; de Patrick Faigenbaum &agrave; la Fondation Cartier-Bresson sera pr&eacute;sent&eacute;e &agrave; la Fondation Aperture &agrave; New York du 18 septembre au 29 octobre 2015.<br /><br />*<em>Kolkata/Calcutta</em>, par Jean-Fran&ccedil;ois Chevrier, Lars M&uuml;ller Publishers, Zurich, 2015<br /><br />--------------------------<br /><br /><strong>Patrick Faigenbaum est n&eacute; &agrave; Paris en 1954 o&ugrave; il vit et travaille.</strong></div> <div align="justify"><br />Patrick Faigenbaum a b&eacute;n&eacute;fici&eacute; d&rsquo;importantes expositions personnelles au Mus&eacute;e des Beaux-Arts de Chambery (Patrick Faigenbaum, 2014), &agrave; l&rsquo;Acad&eacute;mie de France, Villa M&eacute;dicis &agrave; Rome (Patrick Faigenbaum, 2013 / Vies Parall&egrave;les, 1987), au Point du Jour &agrave; Cherbourg-Octeville (Noir et blanc, 1973-2008, 2011), au Mus&eacute;e des Beaux-Arts de Grenoble (Patrick Faigenbaum. Oeuvres 1973-2008, 2008), au Centro de Arte Moderna Jos&eacute; de Azeredo Perdigao &ndash; Funda&ccedil;ao Calouste Gulbenkian &agrave; Lisbonne (Patrick Faigen- baum, 2007), au Mus&eacute;e du Louvre &agrave; Paris (Louvre et Chauss&eacute;e d&rsquo;Antin, 2005), au Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris (Patrick Faigenbaum, Naples 1989-1991, 1991 / Pa- trick Faigenbaum, 1984), &agrave; l&rsquo;Art Institute of Chicago (Roman Portraits, 1988).</div> <p><br />Les oeuvres de Patrick Faigenbaum figurent dans de nombreuses collections publiques et priv&eacute;es, au premier rang desquelles celles du Metropolitan Museum of Art (New York), au Centre Pompidou - Mus&eacute;e National d&rsquo;Art Moderne (Paris), au MACBA (Barcelone) ou encore au Point du Jour (Cherbour</p> Fri, 22 May 2015 18:40:35 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Marko Velk - Galerie Odile Ouizeman - June 4th - July 25th <p style="text-align: justify;">Marko Velk draws in charcoal and dry pastel.</p> <p style="text-align: justify;">He distills an almost luminous whiteness that stands out against the dark background like a hazy evaporation.</p> <p style="text-align: justify;">The phantoms seem to be projected by the breath of the secret disquietude.</p> <p style="text-align: justify;">But who are they ?</p> <p style="text-align: justify;">They flutter, vibrate with their transparency, float in a space with no profoundness or gravity.</p> <p style="text-align: justify;">The preceding series revealed the energy of a compul&shy;sive trait.</p> <p style="text-align: justify;">Pressing on the whiteness of the paper, in the chaos of black lines drawn with passionate energy, Marko Velk allowed a phantasmagoria to come about.</p> <p style="text-align: justify;">Superposition of images, bursting bodies : that violent dramaturgy dismanteled bodies, scattered viscera, un&shy;veiled skeletons, displayed vanity.</p> <p style="text-align: justify;">The new chaplet of images is tinted with greater calm, a mysterious, almost pious silence that resounds with a certain gravity.</p> <p style="text-align: justify;">The deep black and charcoal material seem to pre-exist here in a &ldquo;nebulous absorption&rdquo; against which strange and ghostly figures stand out. A shrouding texture, downy and sensual, tends to muffle sounds and perceptions, leaving only strange, still pieces. The apparent quietude that lies in this new chapter echoes old series like <em>Sotto voce</em>, <em>What is left </em>and <em>What&rsquo;s missing</em>. It&rsquo;s the resonance and the reminiscence of their obscure and suave black&shy;ness.</p> <p style="text-align: justify;">Of the portrait of Innocent X painted by Velazquez and disfigured by Bacon, only arms, reposing on arm-rests of an arm-chair, are left.</p> <p style="text-align: justify;">Geometric forms float in an absolute whiteness around a girl with a monkey head ; two dressed male bodies, seen only up to the waist, wear enigmatically a ring of keys hanging on their belt ; a headless body, sitting in the void with an open stomach revealing the insides : a bust clad in the chasuble, with composedly crossed arms, wears a terrible mask similar to those used in archaic rites ; three little girls with long braids, are frozen in a round dance : COLLISION.</p> <p style="text-align: justify;">Black squares that house this procession could be velvet cases containing playing cards with chimeric figures.</p> <p style="text-align: justify;">Or, possibly, a tarot game in which each character with its attributes, functions and powers, evolves in a cosmos ready to vanish on a restless night.</p> <p style="text-align: justify;">Like an Alice in Wonderland who strolls among strange creatures, the onlooker is submerged in a world where the real is only a souvenir.</p> <p style="text-align: justify;">Thus, these figures, like emanations of some parallel re&shy;alities, tell us a story in which Art, myths, popular images and common imagination collide.</p> <p style="text-align: justify;">What remains to be seen is what they mean, which inev&shy;itably is the enigma of these drawings. All cards are in the onlookers hand ; it is up to him to imagine what laws it obeys.</p> <p style="text-align: justify;">And yet in a recent work drawn by Marko Velk, that a blinding light, pushed back by the hand of a fetus emerg&shy;ing from nothingness, explodes. An affirmation ? A sign ?</p> <p style="text-align: justify;">The COLLISION is unavoidable.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Marko Velk dessine au fusain et au pastel sec.</p> <p style="text-align: justify;">Il distille une blancheur &agrave; peine lumineuse qui se d&eacute;tache du fond sombre comme une &eacute;vaporation nuageuse. Des phantasmes semblent avoir &eacute;t&eacute; projet&eacute;s par le souffle d&rsquo;une secr&egrave;te inqui&eacute;tude. Mais quels sont-ils ?</p> <p style="text-align: justify;">Ils palpitent, vibrent de leur transparence, flottent dans un espace sans profondeur ni gravit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Les pr&eacute;c&eacute;dentes s&eacute;ries r&eacute;v&eacute;laient l&rsquo;&eacute;nergie d&rsquo;un trait compulsif.</p> <p style="text-align: justify;">En s&rsquo;appuyant sur le fond blanc du papier Marko Velk laissait advenir une fantasmagorie dans un chaos de lignes noires &agrave; l&rsquo;&eacute;nergie ardente.</p> <p style="text-align: justify;">Superpositions d&rsquo;images, &eacute;clatements des corps, cette dramaturgie violente d&eacute;mantelait les corps, &eacute;parpillait les visc&egrave;res, d&eacute;voilait les squelettes, affichait la vanit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Ce nouveau chapelet d&rsquo;images est teint&eacute; d&rsquo;un plus grand calme, d&rsquo;un silence myst&eacute;rieux, presque recueilli qui r&eacute;&shy;sonne d&rsquo;une certaine gravit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Le noir profond, la mati&egrave;re charbonneuse, semblent pr&eacute;exister dans une &laquo; n&eacute;buleuse d&rsquo;absorption &raquo; d&rsquo;o&ugrave; se d&eacute;tachent des figures &eacute;tranges et fantomatiques. Une texture enveloppante, duveteuse et sensuelle veut &eacute;touffer les sons, les perceptions, pour ne retenir que des morceaux &eacute;tranges et immobiles. L&rsquo;apparente qui&eacute;tude qui r&eacute;side dans ce nouveau chapitre r&eacute;pond &agrave; d&rsquo;anci&shy;ennes s&eacute;ries telles que <em>Sotto Voce</em>, <em>What is left </em>et <em>What&rsquo;s missing</em>, r&eacute;sonnance et r&eacute;miniscence de ce noir obscur et suave.</p> <p style="text-align: justify;">Du portrait d&rsquo;Innocent X peint par V&eacute;lazquez et d&eacute;figur&eacute; par Bacon, il ne reste que les bras pos&eacute;s sur les accou&shy;doirs du fauteuil.</p> <p style="text-align: justify;">Des formes g&eacute;om&eacute;triques flottent dans une blancheur absolue autour d&rsquo;une fillette &agrave; t&ecirc;te de singe ; deux corps d&rsquo;hommes en costume, dont on ne voit que les jambes, portent &eacute;nigmatiquement un trousseau de cl&eacute;s &agrave; la cein&shy;ture ; un corps sans t&ecirc;te assis dans le vide, &eacute;corch&eacute; au ventre, laisse entrevoir ses entrailles ; un buste, rev&ecirc;tu d&rsquo;une chasuble et dont les mains se croisent pos&eacute;ment, porte un masque effrayant semblable &agrave; ceux des rites archa&iuml;ques ; trois fillettes aux longues tresses se figent dans en ronde : COLLISION</p> <p style="text-align: justify;">Les carr&eacute;s noirs qui accueillent ce cort&egrave;ge pourraient &ecirc;tre les &eacute;crins de velours d&rsquo;un jeu de carte aux figures chim&eacute;riques.</p> <p style="text-align: justify;">Peut-&ecirc;tre un jeu de tarot dans lequel chaque person&shy;nage, affubl&eacute; de ses attributs, fonctions et pouvoirs, &eacute;volue dans un cosmos pr&ecirc;t &agrave; s&rsquo;&eacute;vanouir par une nuit intranquille.</p> <p style="text-align: justify;">A la fa&ccedil;on d&rsquo;une Alice au Pays des merveilles qui d&eacute;am&shy;bule parmi des cr&eacute;atures &eacute;tranges, le spectateur est ici immerg&eacute; dans un monde o&ugrave; le r&eacute;el n&rsquo;est que souvenir.</p> <p style="text-align: justify;">Ces figures, comme des &eacute;manations de r&eacute;alit&eacute;s par&shy;all&egrave;les, relatent ainsi une histoire o&ugrave; Art, mythes, images populaires et imaginaires communs s&rsquo;entrechoquent.</p> <p style="text-align: justify;">Il reste &agrave; savoir ce qu&rsquo;elles signifient, ce qui immanqua&shy;blement demeure l&rsquo;&eacute;nigme de ces dessins. Le specta&shy;teur a les cartes en main, &agrave; lui d&rsquo;imaginer &agrave; quelles lois elles ob&eacute;issent.</p> <p style="text-align: justify;">Pourtant, c&rsquo;est dans une oeuvre plus r&eacute;cente r&eacute;alis&eacute;e par Marko Velk qu&rsquo;une lumi&egrave;re aveuglante, repouss&eacute;e par la main d&rsquo;un foetus &eacute;mergeant du n&eacute;ant, &eacute;clate.</p> <p style="text-align: justify;">Affirmation, indice ?</p> <p style="text-align: justify;">La COLLISION est in&eacute;vitable&hellip;</p> Fri, 22 May 2015 18:37:10 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Gilles Caron - School Gallery - June 11th - July 25th <p style="text-align: justify;">Olivier Castaing est heureux de pr&eacute;senter au sein de sa galerie la premi&egrave;re exposition consacr&eacute;e &agrave; Gilles Caron, figure majeure de la photographie en France.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Cette exposition marque le d&eacute;but de la collaboration initi&eacute;e entre la Fondation Gilles Caron et la School Gallery &agrave; l&rsquo;occasion du lancement du premier num&eacute;ro des&nbsp;<em>Cahiers de la Fondation Gilles Caron</em>.</strong></p> <p style="text-align: justify;">La galerie pr&eacute;sentera &eacute;galement une s&eacute;lection de photographies &agrave; Londres en mai &agrave; l&rsquo;occasion</p> <p style="text-align: justify;">de la&nbsp;<strong>premi&egrave;re &eacute;dition de Photo London&nbsp;</strong>&agrave; Candlestar Somerset House (Booth E3).</p> <p style="text-align: justify;">Le sens premier de la Fondation est de donner &agrave; Gilles Caron la place qui lui revient dans l&rsquo;histoire du journalisme, de l&rsquo;art et de la photographie. La Fondation s&rsquo;engage &agrave; dynamiser au mieux l&rsquo;archivage, la divulgation et la valorisation de son &oelig;uvre.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Le Scrapbook&nbsp;</em>et plus largement le travail entrepris par la Fondation depuis sa cr&eacute;ation ont pour objectif de faire conna&icirc;tre au public le plus large, Gilles Caron &agrave; travers son &oelig;uvre, sa vie et son engagement.&nbsp;<strong>Les photos de Caron entrent aujourd&rsquo;hui dans les grandes collections d&rsquo;art, dans les mus&eacute;es, et certaines sont devenues&nbsp;synonymes&nbsp;de&nbsp;chef-d&rsquo;&oelig;uvre&nbsp;</strong>(Exposition&nbsp;&ldquo;Chefs-d&rsquo;&oelig;uvre&nbsp;?&rdquo;&nbsp;Centre Beaubourg-Metz 2011).</p> <p style="text-align: justify;"><strong>La d&eacute;couverte r&eacute;cente d&rsquo;un ensemble d&rsquo;Ektachromes tr&egrave;s peu diffus&eacute;s est &agrave; l&rsquo;origine du premier&nbsp;<em>Cahier de la Fondation Gilles Caron</em></strong>, en lien direct avec son activit&eacute; de recherche. Ces clich&eacute;s en couleur de Gilles Caron, connu avant tout pour son travail en noir et blanc, &eacute;clairent d&rsquo;un jour nouveau son rapport &agrave; la prise de vue.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Gilles Caron aurait eu 75 ans ... </strong><strong><br /> <strong>mais il ne lui aura fallu que 5 ans pour marquer &agrave; tout jamais </strong><br /> <strong>de son empreinte exceptionnelle </strong><br /> <strong>l&rsquo;histoire de la photographie</strong><br /> <strong>de la fin des ann&eacute;es 60.</strong></strong></p> <p style="text-align: justify;">Mai 68, guerre des 6 jours, guerre du Vietnam, du Biafra, &eacute;meutes de Londonderry ... ce jeune photographe est pr&eacute;sent sur tous les fronts ... <strong>et il laisse derri&egrave;re lui plus de 100 000 photographies </strong>...</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Se plonger dans les archives de Gilles Caron, c&rsquo;est comme feuilleter un livre d&rsquo;Histoire</strong>, <strong>tant elles renferment des portraits d&rsquo;hommes et femmes de l&eacute;gende </strong>... le G&eacute;n&eacute;ral de Gaulle, Mendes France, Sartres et Beauvoir, Cohn Bendit, Bob Kennedy, ... mais aussi stars de la musique ou du cin&eacute;ma : Louis Amstrong, James Brown, Jacques Brel ... Romy Schneider, Jeanne Moreau, Fran&ccedil;ois, Truffaut, Fawe Dunaway, Warren Betty, pour ne citer qu&rsquo;eux.</p> <p style="text-align: justify;">Gilles Caron &eacute;tait un portraitiste hors norme, sachant saisir des instants de gr&acirc;ce ou les personnalit&eacute;s intimes se d&eacute;voilent, comme ce portrait de Gainsbourg et Birkin sur le tournage de Slogan ...</p> <p style="text-align: justify;">Plus que toutes, les photos r&eacute;alis&eacute;es par Gilles Caron comme reporter de guerre impressionnent ... chaque photographie rec&egrave;le un sens inn&eacute; du cadrage, de la dramaturgie, du tempo ... il est l&agrave; ou il faut quand il faut r&eacute;v&eacute;lant une part de v&eacute;rit&eacute; de ces conflits v&eacute;cus de l&rsquo;int&eacute;rieur, sur les champs de bataille parmi les combattants dans le feu de l&rsquo;action ... une v&eacute;rit&eacute; crue, odorante, sonore ... chaque image constitue comme une r&eacute;alit&eacute; augment&eacute;e, des relents de boues et de sueurs des soldats du Vietnam &agrave; l&rsquo;odeur des corps calcin&eacute;s du Biafra ... tout est l&agrave; fix&eacute; sur la pellicule, ind&eacute;l&eacute;bile ... pour t&eacute;moigner de l&rsquo;engagement d&rsquo;un des plus grand photographe de notre temps.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Cette exposition est avant tout remarquable parce qu&rsquo;elle d&eacute;voile pour la premi&egrave;re fois une importante s&eacute;lection des tirages couleurs de Gilles Caron, des photographies in&eacute;dites regroup&eacute;es autour de 4 th&eacute;matiques.</strong> </p> Fri, 22 May 2015 18:29:39 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Phil Chang - Praz-Delavallade - Paris - May 30th - July 25th <p style="text-align: justify;">Praz-Delavallade is pleased to announce <em>Pictures, Chromogenic and Pigment, #2</em>, an exhibition of photographic monochromes and works on paper by Phil Chang. This will be the artist&rsquo;s first show with the gallery and his first solo exhibition in Europe. <br /> <br />Like the recent exhibitions of his artwork and the group show that he has organized, <em>Pictures, Chromogenic and Pigment, #2</em> continues Chang&rsquo;s interest in using forms of production and materiality that allow his photographic work to function only in the context of contemporary art. Chang&rsquo;s interest is in eschewing the plurality that is specific to photography in order to occupy a plurality specific to art itself, namely art&rsquo;s ability to function as decor, as an object of discussion, as an artifact, and as a commodity. This exhibition is the second iteration following an exhibition from 2014 at M+B and is the first to pair a series of purple monochromes with black works on paper. <br /> <br />The monochromes in the exhibition were made using a digital file that measures 14,400 pixels x 18,000 pixels and constitutes 777 MB of information. Each monochrome on view was printed in Los Angeles at the fine art photo lab and community darkroom, Contact, using an Oc&eacute; LightJet 430 to expose Kodak Endura Glossy photographic paper. The paper was developed and bleach-fixed using a Kreonite KMIV RA4 color processor. Each of the works were mounted on aluminum by Pro Image Service and framed under Optium Museum Acrylic by Atelier Tetragone. <br /> <br />The works on paper were made by applying inkjet printer ink onto inkjet paper using Quickie brand sponge mops in lieu of a computer and inkjet printer. Each work consists of bottled ink manufactured by Media Street that has been applied to glossy inkjet paper manufactured by Epson. Like the photographic monochromes, each of the works were mounted on aluminum and framed under Optium Museum Acrylic. <br /> <br />Phil Chang received his MFA from CalArts and his BA from the University of California, Irvine. Solo exhibitions include the California Museum of Photography at UCR ARTSblock; M+B, LAXART and Pepin Moore, Los Angeles. Chang&rsquo;s work has been included in group exhibitions at Marlborough Chelsea, Renwick Gallery, The Swiss Institute, Otis College of Art and Design, Control Room, and LACMA. His work has been written about in <em>Artforum</em>, <em>The New Yorker</em>, <em>The LA Times</em>, <em>nonsite.org</em> and has appeared in <em>Aperture</em>, <em>Blind Spot</em>, <em>C-Photo</em>, and <em>IMA</em>. Chang&rsquo;s publications include <em>Four Over One</em>, an artist&rsquo;s book published by the LACMA in association with Textfield, Inc. Chang&rsquo;s curatorial projects include <em>Soft Target</em>, a group exhibition that he co-organized in June 2014. He is currently visiting faculty in the Department of Art at UCLA and a lecturer at Otis College of Art and Design. Phil Chang lives and works in Los Angeles.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Praz-Delavallade est heureux de pr&eacute;senter <em>Pictures, Chromogenic and Pigment, #2</em>, une exposition de photographies monochromes et d&rsquo;oeuvres sur papier de Phil Chang, dans ce qui constitue la premi&egrave;re exposition de l&rsquo;artiste avec la galerie, ainsi que sa premi&egrave;re exposition personnelle en Europe. <br /> <br />A l&rsquo;image des expositions r&eacute;centes de son travail, ainsi que des expositions de groupe qu&rsquo;il a organis&eacute;es, <em>Pictures, Chromogenic and Pigment, #2</em> poursuit la r&eacute;flexion de Phil Chang sur une mat&eacute;rialit&eacute;, une forme de production qui permet &agrave; ses travaux photographiques de se mesurer au contexte de l&rsquo;art contemporain. Chang s&rsquo;interdit cette pluralit&eacute; qui est sp&eacute;cifique &agrave; la photographie pour s&rsquo;inscrire &agrave; l&rsquo;inverse dans une logique propre &agrave; l&rsquo;art, autrement dit : la capacit&eacute; de l&rsquo;art &agrave; fonctionner en tant que d&eacute;cor, sujet de discussion, art&eacute;fact ou bien de consommation. <br /> <br />Les monochromes proviennent d&rsquo;un fichier image de 777 Mo d&rsquo;une taille de 14 400 x 18 000 pixels. Ils ont &eacute;t&eacute; imprim&eacute;s &agrave; Los Angeles au laboratoire photo Contact. Le papier photographique (Kodak Endura Glossy) a &eacute;t&eacute; expos&eacute; sur une Oc&eacute; LightJet 430, avant d&rsquo;&ecirc;tre d&eacute;velopp&eacute; et fix&eacute; dans un appareil de traitement couleur Kreonite KMIV RA4. Chaque oeuvre a &eacute;t&eacute; mont&eacute;e sur aluminium par Pro Image Service et encadr&eacute;e sous une plaque d&rsquo;Optium Museum Acrylic par l&rsquo;Atelier Tetragone. <br /> <br />Pour les oeuvres sur papier, au lieu de se servir d&rsquo;un ordinateur et d&rsquo;une imprimante, Chang a appliqu&eacute; de l&rsquo;encre pour imprimante jet d&rsquo;encre sur du papier brillant (Epson) &agrave; l&rsquo;aide de balais-&eacute;ponge de la marque Quickie. L&rsquo;encre a &eacute;t&eacute; fabriqu&eacute;e par Media Street. Tout comme les monochromes, chaque oeuvre est mont&eacute;e sur aluminium et encadr&eacute;e sous Optium Museum Acrylic. <br /> <br /> <br />Phil Chang a obtenu son MFA &agrave; CalArts et son BA &agrave; l&rsquo;University of California, Irvine. Ses expositions personnelles se sont tenues au California Museum of Photography - UCR ARTSblock; M+B, LAXART ou Pepin Moore, Los Angeles. Phil Chang a &eacute;galement particip&eacute; &agrave; plusieurs expositions de groupe : Marlborough Chelsea, Renwick Gallery, Swiss Institute, Otis College of Art and Design, Control Room, et le LACMA. Son travail a fait l&rsquo;objet de nombreux articles dans <em>Artforum, The New Yorker, The LA Times, nonsite.org, Aperture, Blind Spot, C-Photo</em>, ou <em>IMA</em>. Chang a &eacute;galement publi&eacute; un livre d&rsquo;artiste <em>Four Over One</em>, publi&eacute; conjointement par le LACMA et Textfield, Inc. En tant que commissaire, Chang a notamment co-organis&eacute; <em>Soft Target</em>, une exposition de groupe qui a eu lieu au mois de juin 2014 chez M+B. Il est actuellement professeur invit&eacute; au Department of Art de l&rsquo;UCLA et ma&icirc;tre de conf&eacute;rences &agrave; l&rsquo;Otis College of Art and Design. Phil Chang vit et travaille &agrave; Los Angeles.</p> Fri, 22 May 2015 18:27:03 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Matt Bollinger - GALERIE ZURCHER - June 13th - July 25th <p style="text-align: justify;">La lumi&egrave;re est au coeur de l&rsquo;&oelig;uvre de Matt Bollinger que ce soit par le dessin, la pratique du collage ou la peinture. Le travail de dessin poss&egrave;de cette rare qualit&eacute; qu&rsquo;il parvient &agrave; donner la sensation de la couleur&nbsp;: une facult&eacute; qu&rsquo;on trouve par exemple chez Hockney, pour lequel le recours au dessin correspond &agrave; l&rsquo;exercice d&rsquo;une vision. Celle de Matt Bollinger sugg&egrave;re le plan s&eacute;quence du cin&eacute;ma, non par le mouvement mais par la profondeur de champ et le zoom. Auquel s&rsquo;ajoute le rendu des mati&egrave;res, jusque dans les moindre d&eacute;tails&nbsp;: l&rsquo;usure des si&egrave;ges d&rsquo;automobile, les reflets du paysage dans les r&eacute;troviseurs, la fum&eacute;e accumul&eacute;e derri&egrave;re les vitres d&rsquo;une voiture au point d&rsquo;effacer en partie le visage du conducteur&hellip; Matt Bollinger met ainsi au point, de la mani&egrave;re la plus minutieuse qui soit, de v&eacute;ritables dispositifs o&ugrave; la lumi&egrave;re tient un r&ocirc;le essentiel dans la construction de l&rsquo;espace, combinaison paradoxale d&rsquo;une abstraction radicale et d&rsquo;une forme d&rsquo;hyper-r&eacute;alisme. Le processus consiste &agrave; juxtaposer ou &agrave; superposer des feuilles de papier peintes et d&eacute;coup&eacute;es en les collant sur panneau ou sur toile, de sorte que les &eacute;l&eacute;ments de collage entrent en continuit&eacute; avec les parties peintes directement.</p> <p style="text-align: justify;">En v&eacute;ritable cin&eacute;aste, Bollinger imagine le scenario. Des gar&ccedil;ons et des filles &agrave; l&rsquo;&acirc;ge o&ugrave; tout semble encore permis, saisis dans diverses attitudes r&eacute;v&eacute;l&eacute;es par la lumi&egrave;re&nbsp;: l&rsquo;&eacute;blouissement des phares, le c&ocirc;ne lumineux des lampadaires, un reflet de lampe sur des chaussures, la d&eacute;coupe d&rsquo;une porte ou d&rsquo;une fen&ecirc;tre ouverte sur la nuit. D&rsquo;une zone urbaine p&eacute;riph&eacute;rique on retient l&rsquo;immensit&eacute; du ciel et des visages l&rsquo;interrogation du regard. Tous ces d&eacute;tails, parfois infimes et toujours intimes constituent des &eacute;l&eacute;ments cl&eacute;s de la m&eacute;moire. L&rsquo;artiste en use pour activer le d&eacute;veloppement d&rsquo;un espace mental o&ugrave;, comme dans les r&ecirc;ves, dominent les sentiments d&rsquo;inqui&eacute;tude et d&rsquo;&eacute;tranget&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Ils sont parfois tr&egrave;s pr&eacute;cis quand ils remontent &agrave; ses propres souvenirs, &agrave; Kansas City dans le Missouri, dans le garage de son p&egrave;re o&ugrave; la Camaro 1970 le fascine, capot ouvert comme un &eacute;corch&eacute; de m&eacute;tal. Cette Camaro qui fut l&rsquo;instrument d&rsquo;une trag&eacute;die personnelle que son p&egrave;re lui r&eacute;v&egrave;le&nbsp;: le r&eacute;cit de sa tentative de meurtre, un coup de couteau au c&oelig;ur qui aurait pu &ecirc;tre mortel. De ces circonstances tragiques Matt Bollinger tire tout un ensemble d&rsquo;&oelig;uvres&nbsp;: dessins, lavis d&rsquo;encre, collages et peintures qui repr&eacute;sentent une mani&egrave;re de &laquo;&nbsp;commentaire&nbsp;&raquo; du drame, jusqu&rsquo;au <em>fac simile</em> du proc&egrave;s-verbal &eacute;tabli par les policiers.</p> <p style="text-align: justify;">Un autre exemple est donn&eacute; par <em>The Ghost Bike</em> (2015), une peinture qui &eacute;voque les peintures &laquo;&nbsp;ex-voto&nbsp;&raquo; plac&eacute;es en bordure des routes en m&eacute;moire des cyclistes tu&eacute;s. Pour Matt Bollinger &laquo;&nbsp;la m&eacute;canique du moteur comme le squelette du v&eacute;lo sont autant de m&eacute;taphores du corps et finalement de mon corps &agrave; moi, quand c&rsquo;est mon propre v&eacute;lo qui a servi de mod&egrave;le.&nbsp;&raquo; Bernard Z&uuml;rcher</p> Fri, 22 May 2015 18:22:37 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Raqib Shaw - Galerie Thaddaeus Ropac - Paris - June 6th - July 25th Fri, 22 May 2015 18:16:46 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Mary A. Waters - Galerie Piece Unique - May 28th - September 25th <p style="text-align: justify;"><em>Born in 1957 in London. Works and lives in Galway (Ireland) and Utrecht (Netherlands). Mary A. Waters graduated at the Galway College of Art in 1981. She taught as professor of Art and Design at the secondary school of Galway until 1990 and her works have been exhibited in many museums or galleries and international art fairs. Her last solo show has been inaugurated in 2014 at Stedelijk Museum Kampen.</em></p> <p style="text-align: justify;">Mary A. Waters grew up in Ireland, where the access to the masterpieces of the museums and to the rich illustrated books of the libraries was very difficult. Fascinated by the art of the Italian Renaissance as well as the art of the Dutch and British Golden Age, she had to satisfy her curiosity with the reproductions, often in black and white, she could find on catalogues. This indirect contact with artworks deeply impressed her reflection, and the use of reproductions is at the core of her artistic approach.</p> <p style="text-align: justify;">The picture of a painting, the reproduction, not the original one, is for her the starting point to create an image. She acts as an image-hunter, on her canvases she reclaims characters from the most famous portraits of the History of Art that she combines with a contemporary touch: the free use of colors, loans from cinematographic techniques, monochrome backgrounds and the reflection of images are actually associable to post-modern practices.</p> <p style="text-align: justify;">According to the artist, the symbolic value of an original (economic and historic values) as well as the context in which we observe it, influence our sensing, whereas a reproduction allowing both the contact and the necessary distance, gives us the opportunity to experiment fully these masterpieces. For her third exhibition at Galerie Pi&egrave;ce Unique, Mary A. Waters goes deeper in her pictorial researches and through these skillfully elaborated images, the artist initiates us into feeling above all the timelessness and the power of Painting. </p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;<em>N&eacute;e en 1957 &agrave; Londres. Vit et travaille &agrave; Galway (Irlande) et Utrecht (Pays-Bas). </em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Mary A. Waters est diplom&eacute;e du Galway College of Art en 1981. Elle enseigne comme professeur d&rsquo;art et de design a l&rsquo;&eacute;cole secondaire de Galway jusqu&rsquo;en 1990 et ses oeuvres ont &eacute;t&eacute; expos&eacute;es dans nombre de mus&eacute;es ou galeries et foires internationales. Sa derni&egrave;re r&eacute;trospective a &eacute;t&eacute; inaugur&eacute;e en 2014 au Stedelijk Museum Kampen.</em></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;Mary A. Waters a grandi en Irlande, dans un contexte o&ugrave; l&rsquo;acc&egrave;s aux chefs-d&rsquo;oeuvre des mus&eacute;es et aux riches ouvrages illustr&eacute;s des biblioth&egrave;ques n&rsquo;&eacute;tait pas toujours &eacute;vident. Passionn&eacute;e par la peinture de la Renaissance italienne, du Si&egrave;cle d&rsquo;Or hollandais et anglais, Mary A. Waters a d&ucirc; satisfaire sa curiosit&eacute; en observant les reproductions, souvent en noir et blanc, qu&rsquo;elle trouvait dans les catalogues. Ce rapport indirect aux oeuvres a profond&eacute;ment marqu&eacute; sa r&eacute;flexion, et le principe de reproduction est aujourd&rsquo;hui au coeur de sa d&eacute;marche artistique.</p> <p style="text-align: justify;">La photographie d&rsquo;une peinture, la reproduction, non l&rsquo;original, sont, pour elle, le point de d&eacute;part pour cr&eacute;er une image. Elle agit comme un chasseur d&rsquo;images et reprend dans ses toiles des personnages issus des plus c&eacute;l&egrave;bres portraits de l&rsquo;histoire de l&rsquo;art qu&rsquo;elle associe &agrave; une facture contemporaine: l&rsquo;utilisation libre des couleurs, l&rsquo;emprunt des techniques cin&eacute;matographiques, les fonds monochromes et le reflet d&rsquo;images sont effectivement associables aux pratiques postmodernes.</p> <p style="text-align: justify;">Selon l&rsquo;artiste, la valeur symbolique d&rsquo;un original (valeur historique et &eacute;conomique), tout comme les conditions dans lesquelles on l&rsquo;observe, influencent souvent notre perception alors qu&rsquo;une reproduction, en permettant &agrave; la fois le contact et le d&eacute;tachement n&eacute;cessaires, nous donne l&rsquo;occasion de v&eacute;ritablement exp&eacute;rimenter ces chefs-d&rsquo;oeuvre. Pour sa troisi&egrave;me exposition &agrave; la Galerie Pi&egrave;ce Unique, Mary A. Waters approfondit ses recherches picturales et &agrave; travers ces images savamment &eacute;labor&eacute;es, nous initie &agrave; ressentir avant tout l&rsquo;intemporalit&eacute; et la puissance de la Peinture.</p> Fri, 22 May 2015 18:11:34 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Chung Chang-Sup - Galerie Perrotin - Turenne - June 4th - August 1st <p style="text-align: justify;">Galerie Perrotin, Paris, presents the first French exhibition by SouthKorean painter Chung Chang-Sup (Cheongju, 1927&ndash;Seoul, 2011), a major figure of his country&rsquo;s art scene. Made between 1985 and 2005, the pieces on show represent the artist&rsquo;s late maturity. Chung Chang-Sup worked in series, and the mixture of materials he affixed to his canvases in early works led some to compare him to art informel and matter painting. Most of his works were created with hanji paper, made in a lengthy process using mulberry fiber, one of the most traditional Korean materials.</p> <p style="text-align: justify;">Chung Chang-Sup graduated from the College of Fine Arts, Seoul National University, Korea in 1951. His first paintings, executed in oil, explored aspects of Western modernism, notably the question of form as it was conceived by the Cubists and of materiality, as in the many experiments of post-war art informel. But for all his interest in the West, the artist also helped forge a new Korean artistic identity, breaking free of Chinese and Japanese influence after the liberation of 1953. In the 1970s, Chung Chang-Sup founded the Dansaekhwa group with his contemporaries Lee Ufan, Chung Sang-Hwa, Ha Chong-Huyn, Park Seo-Bo, and Yun Hyong-Keun. Also known as &ldquo;the school of white,&rdquo; the group&rsquo;s &ldquo;meditative&rdquo; aesthetic is said to have been inspired by the restrained beauty and simple forms of the white porcelain made during the Joseon period (1392-1910), illustrating Korean Confucian ideas. Indeed, Chung Chang-Sup titled some of his youthful works White Porcelain.</p> <p style="text-align: justify;">Members of the Dansaekhwa group practised monochrome using a limited range of colours: white, black and beige, which is the colour of the hanji paper used by Chung Chang-Sup after 1975, and which gradually became his trademark. The Tak series from the 1980s - which opens the show and is named after the mulberry paper utilized by the artist - illustrates this point. Hanji provided the artist with a material integrated into the support; it could also be used to create delicate effects on the surface of the very dense application of the paper that covered the surface of the canvas by making imprints within its creases. In this way he could preserve the mobile trace of the gesture and the vibrant impact of the creative act on the surface of the work.</p> <p style="text-align: justify;">Begun in the 1990s, the Meditation series again transformed his work on the surface, by means of a controlled series of gestures that enabled him to &ldquo;open&rdquo; painting towards the &ldquo;pure&rdquo; monochrome space of the tableau, following the very rhythm of the meditative act.</p> <p style="text-align: justify;">With Chung Chang-Sup, it is the material and the way he alters the material that constitutes the work. The accumulation of the time of its creation keeps with with a principle of moderation rooted in Korean philosophy. The work is given its final form through a long process, akin to meditation, in which each degree of elevation or transformation is indicated.</p> <p style="text-align: justify;">In this series he reveals the pictorial space by edging his compositions with a particularly dense zone of material in relief. His treatment of the quadrangular, monochrome figures is, paradoxically, smoother, with the effect of hollowing out the space in the centre of the work. The border can be seen to represent the physical limits inherent to the materiality of the world that is traversed in the art of meditation, just as one traverses this initial plane to attain the pure space of painting.</p> <p style="text-align: justify;">The apparent simplicity of these compositions, sometimes said to be inspired by minimalism, also question the infinite depth of the painting, which is like an inner landscape. According to Yoon Jin-sup, &ldquo;His creations are placed within an ecological, cosmological and terrestrial perspective which is diametrically opposed to the formalist vision of Westerners.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">The artist continued working on his Meditation series up to his death in 2011. The canvases are almost always organized around a binary relation between the foreground and background, seen as an abyss withdrawn from the modulations of material, work of colour that announces its luminous sources ad infinitum. The Return series from the 1970s, bordering the white infinity of the painting with black ink, constitutes the genesis of the idea through which Chung Chang-Sup invites the beholder to contemplate emptiness, now the receptacle of our own meditations. Such a proposition joins those formulated for instance by Kazimir Malevich in 1915, by Yves Klein in the 1950s, or by Sam Francis in the early 1960s, who all invested monochrome pictorial space with spiritual but also cosmogonic values.</p> <p style="text-align: justify;">For Chung Chang-Sup the artwork had to be the result of a harmony with nature, with creation, a transformative and meditative experience whose duration was sometimes evoked by a grid of lines dividing the canvas into squares, acting as clearly defined temporal sequences. In a note dated 19 August 1992, Chang-Sup Chung wrote that &ldquo;my work begins only once pre-existing methods, forms and norms have been totally eliminated. Just as an artisan reveals himself through his work, I reveal a world (the making of a painting) from which all&nbsp; (intentional) painting is absent, while appreciating the spiritual freedom linked to the abandoning of all knowledge, intentions, and memories of intentions, memories of my childhood and forgotten details. My hope and desire is that I will discover another me (through these activities).&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">Chung Chang-Sup's artworks have been exhibited in particular in Korea, Japan, United States, Australia, China, Ta&iuml;wan, France&hellip; and are featured among others in the collections of the National Museum of Contemporary Art, Gwacheon, Korea ; Seoul Museum of Art, Seoul, Korea ; Busan Museum of Modern Art, Busan, Korea ; Daejeon Museum of Art, Daejeon, Korea ; Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul, Korea ; Royal Nepal Museum, Nepal ; Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokyo, Japan ; Mie Prefectural Art Museum, Mie, Japan ; Shimonoseki City Art Museum, Shimonoseki, Japan ; Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, Japan&hellip;</p> <p style="text-align: justify;">Chung Chang-Sup's work is currently on view in the exhibition "Dansaekhwa", collateral event of the 56th Biennale di Venezia, at Palazzo Contarini-Polignac, until August 15th, and on the occasion of the Year of Korea in France (2015-2016), a major exhibition dedicated to Korean artists - including Chung Chang-Sup, will take place at the Cernuschi Museum in Paris: "From Lee Ungno to Lee Ufan: Korean Artists in France" (16 October 2015 - January 2016).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">La Galerie Perrotin, Paris, pr&eacute;sente la premi&egrave;re exposition fran&ccedil;aise du peintre sud cor&eacute;en Chung Chang-Sup (Cheongju, 1927- S&eacute;oul, 2011). Les oeuvres expos&eacute;es ont &eacute;t&eacute; r&eacute;alis&eacute;es entre 1985 et 2005. Chung Chang-Sup travaillait en s&eacute;rie fixant sur la toile des m&eacute;langes de mat&eacute;riaux qui l&rsquo;apparent&egrave;rent initialement &agrave; l&rsquo;art informel et aux mati&eacute;rismes occidentaux. Il a r&eacute;alis&eacute; la plupart de ses toiles en utilisant le hanji. Ce papier cor&eacute;en r&eacute;alis&eacute; suivant un long processus de fabrication &agrave; partir de fibres de m&ucirc;riers &agrave; papier est un des mat&eacute;riaux les plus traditionnels de Cor&eacute;e.</p> <p style="text-align: justify;">Figure incontournable de la sc&egrave;ne contemporaine cor&eacute;enne, Chung Chang-Sup sort dipl&ocirc;m&eacute; du College of Fine Arts, Seoul National University, Cor&eacute;e en 1951. Ses premi&egrave;res peintures, &agrave; l&rsquo;huile, explorent une part du modernisme occidental ; la question de la forme telle que les cubistes l&rsquo;avaient envisag&eacute;e et celle de la mat&eacute;rialit&eacute; de la peinture que l&rsquo;art informel d&rsquo;apr&egrave;s-guerre exp&eacute;rimente abondamment. Son oeuvre toujours curieuse de l&rsquo;Occident concourra cependant &agrave; forger des caract&egrave;res identitaires cor&eacute;ens supplantant les empreintes laiss&eacute;es par la domination des cultures sino-japonaises apr&egrave;s la lib&eacute;ration en 1953.</p> <p style="text-align: justify;">Dans les ann&eacute;es 1970, Chung Chang-Sup co-fonde avec ses contemporains Lee Ufan, Chung Sang-Hwa, Ha Chong-Huyn, Park Seo-Bo, Yun Hyong-Keun, le groupe Dansaekhwa litt&eacute;ralement &laquo; l&rsquo;&eacute;cole du blanc &raquo;. On dit que l&rsquo;esth&eacute;tique de la porcelaine blanche de la p&eacute;riode Joseon (1392-1910), illustrant &agrave; sa mani&egrave;re la pens&eacute;e confuc&eacute;enne cor&eacute;enne, caract&eacute;ris&eacute;e par sa sobri&eacute;t&eacute; et la beaut&eacute; de ses formes simples, aurait inspir&eacute; l&rsquo;esth&eacute;tique dite &laquo; m&eacute;ditative &raquo; au mouvement. Chung Chang-Sup titre parfois certains tableaux de jeunesse White Porcelain.</p> <p style="text-align: justify;">Les membres de Dansaekhwa pratiquent le monochrome, utilisent une gamme chromatique restreinte de blancs, de noirs et de beiges qui est la couleur m&ecirc;me du Hanji utilis&eacute;e &agrave; partir de 1975 par Chung Chang-Sup et qui devient, d&rsquo;une certaine mani&egrave;re, sa signature. La s&eacute;rie Tak &ndash; du nom du murier &agrave; papier &ndash; travaill&eacute;e dans les ann&eacute;es 1980 et inaugurant l&rsquo;exposition, illustre ce caract&egrave;re. Le hanji ne lui sert pas seulement en tant que mat&eacute;riau int&eacute;gr&eacute; au support, il lui sert &agrave; former de d&eacute;licates alt&eacute;rations &agrave; la surface de ses applications particuli&egrave;rement denses qui recouvrent la toile en r&eacute;alisant des empreintes de ses froissures. Il pr&eacute;serve ainsi la trace mobile du geste et du travail qui d&eacute;livre, en surface, la charge vibratoire de l&rsquo;acte cr&eacute;ateur.</p> <p style="text-align: justify;">La s&eacute;rie M&eacute;ditation, inaugur&eacute;e dans les ann&eacute;es 1990, renouvelle son travail de la surface &agrave; travers un ensemble de gestes maitris&eacute;s qui lui permettent d&rsquo; &laquo; ouvrir &raquo; la peinture vers &laquo; l&rsquo;espace pur &raquo; et monochrome du tableau, suivant le rythme m&ecirc;me de l&rsquo;acte m&eacute;ditatif. La mati&egrave;re et ses alt&eacute;rations recherch&eacute;es forment le tableau chez Chung Chang-Sup. Elle s&eacute;dimente le temps de cr&eacute;ation en faveur du principe de mod&eacute;ration ancr&eacute; dans la philosophie cor&eacute;enne. Le tableau est amen&eacute; &agrave; sa forme ultime au terme d&rsquo;un long processus de travail qui s&rsquo;op&egrave;re comme une m&eacute;ditation, dont chaque degr&eacute; d&rsquo;&eacute;l&eacute;vation ou de transformation serait signal&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">&Agrave; travers cette s&eacute;rie, il r&eacute;v&egrave;le l&rsquo;espace pictural en bordant ses compositions d&rsquo;une zone de mati&egrave;re particuli&egrave;rement dense, en relief. Il r&eacute;serve paradoxalement un traitement plus lisse &agrave; des &laquo; figures &raquo; quadrangulaires, monochromes, creusant ainsi l&rsquo;espace au centre du tableau. Cette bordure correspondrait au seuil des limites physiques inh&eacute;rentes &agrave; la mat&eacute;rialit&eacute; du monde travers&eacute;e dans l&rsquo;art de la m&eacute;ditation comme on traverse ce premier plan pour acc&eacute;der &agrave; l&rsquo;espace pur de la peinture. La simplicit&eacute; apparente de ces compositions, que l&rsquo;on dit parfois inspir&eacute;es du minimalisme, questionne ainsi la profondeur infinie du tableau qui &eacute;quivaut au paysage int&eacute;rieur. Pour Yoon Jin-Sup ; &laquo; Ses cr&eacute;ations se situent dans une perspective &eacute;cologique, cosmologique et terrestre diam&eacute;tralement oppos&eacute;e &agrave; celle, formaliste, des Occidentaux &raquo;.</p> <p style="text-align: justify;">La s&eacute;rie M&eacute;ditation fut travaill&eacute;e par l&rsquo;artiste jusqu&rsquo;&agrave; son d&eacute;c&egrave;s en 2011. Elle comporte de nombreuses variations. Les toiles s&rsquo;organisent presque toujours suivant un rapport binaire entre le premier et l&rsquo;arri&egrave;re plan v&eacute;cu comme ab&icirc;me soustrayant aux modulations de mati&egrave;res, un travail de la couleur qui annonce &agrave; l&rsquo;infini, au loin, ses sources lumineuses. La s&eacute;rie Return, des ann&eacute;es 1970, bordant &agrave; l&rsquo;encre noire, l&rsquo;infini blanc du tableau, constitue la gen&egrave;se de sa pens&eacute;e &agrave; travers laquelle Chung Chang-Sup invite le regardeur &agrave; la contemplation du vide, r&eacute;ceptacle, d&eacute;sormais, de nos propres m&eacute;ditations. </p> <p style="text-align: justify;">Une telle proposition rejoint celles ant&eacute;rieures formul&eacute;es par exemple par Kasimir Malevitch en 1915, par Yves Klein au milieu des ann&eacute;es 1950, par Sam Francis au d&eacute;but des ann&eacute;es 1960, qui, tous trois et distinctement, avaient conf&eacute;r&eacute; &agrave; l&rsquo;espace pictural monochrome des valeurs spirituelles mais aussi cosmogoniques. L&rsquo;oeuvre d&rsquo;art chez Chung Chang-Sup doit &ecirc;tre le r&eacute;sultat d&rsquo;une osmose avec la nature, la cr&eacute;ation, cette exp&eacute;rience m&eacute;ditative transformatrice dont la dur&eacute;e est parfois restitu&eacute;e par un r&eacute;seau de lignes compartimentant la toile en carr&eacute;s, agissant comme des s&eacute;quences temporelles clairement d&eacute;finies.</p> <p style="text-align: justify;">Chung Chang-Sup &eacute;crit dans ses notes du 19 aout 1992 : &laquo; [&hellip;] mon travail d&eacute;marre seulement une fois que les m&eacute;thodes pr&eacute;existantes, les formes et les normes ont &eacute;t&eacute; totalement &eacute;limin&eacute;es. De la m&ecirc;me mani&egrave;re qu'un artisan se d&eacute;couvre &agrave; travers son travail, je d&eacute;couvre un monde (la r&eacute;alisation d'une peinture) o&ugrave; toute peinture (intentionnelle) est absente, tout en appr&eacute;ciant la libert&eacute; spirituelle li&eacute;e &agrave; l'abandon de toute connaissance, intentions, souvenirs de mon enfance et d&eacute;tails oubli&eacute;s. Mon espoir et mon d&eacute;sir sont de d&eacute;couvrir un autre moi (&agrave; travers ces activit&eacute;s). &raquo;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Les oeuvres de Chung Chang-Sup ont &eacute;t&eacute; montr&eacute;es en Cor&eacute;e du Sud, au Japon, aux Etats-Unis, en Australie, en Chine, &agrave; Ta&iuml;wan, en France&hellip; et figurent notamment dans les collections du National Museum of Contemporary Art, Korea, Gwacheon, Cor&eacute;e ; Seoul Museum of Art, Seoul, Cor&eacute;e ; Busan Museum of Modern Art, Busan, Cor&eacute;e ; Daejeon Museum of Art, Daejeon, Cor&eacute;e ; Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul, Cor&eacute;e ; Royal Nepal Museum, N&eacute;pal ; Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokyo, Japon ; Mie Prefectural Art Museum, Mie, Japon ;&nbsp; Shimonoseki City Art Museum, Shimonoseki, Japon ; Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, Japon&hellip; Son oeuvre est actuellement visible dans l&rsquo;exposition &laquo; Dansaekhwa &raquo; pr&eacute;sent&eacute;e au Palazzo Contarini-Polignac jusqu&rsquo;au 15 ao&ucirc;t 2015, dans le cadre de la 56</strong><strong>&egrave;me </strong><strong>Biennale de Venise. A l'occasion de l'Ann&eacute;e de la Cor&eacute;e en France (2015-2016), une importante exposition d&eacute;di&eacute;e aux artistes cor&eacute;ens - dont Chung Chang-Sup, aura lieu au mus&eacute;e Cernuschi &agrave; Paris: &laquo; De Lee Ungno &agrave; Lee Ufan: Les artistes cor&eacute;ens en France &raquo; (16 octobre 2015 - janvier 2016). </strong></p> <p style="text-align: justify;">Charlotte Walig&ograve;ra</p> <p style="text-align: justify;">1. Professeur &agrave; l&rsquo;universit&eacute; Honam, critique d&rsquo;art et commissaire de l&rsquo;exposition &laquo; Le Dansaekhwa, peinture monochrome cor&eacute;enne &raquo; en 2012 au National Museum of Contemporary Art, Gwacheon, en Cor&eacute;e du Sud.&nbsp;</p> Fri, 22 May 2015 18:03:17 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Paola Pivi - Galerie Perrotin - Turenne - June 4th - August 1st <p style="text-align: justify;">&nbsp;&ldquo;Yee-Haw,&rdquo; Paola Pivi&rsquo;s ninth exhibition at Galerie Perrotin in the last fifteen years, introduces a new series of photographs with animals.</p> <p style="text-align: justify;">Her diverse work, spanning performances to sculptures to large installations, is punctuated over the years by her photographic representations of animals in performative happenings; these are her most renowned images.</p> <p style="text-align: justify;">A long way from unicorns and other chimeras, the animals that appear in Paola Pivi&rsquo;s world are very real. Yet, set in their strange surroundings, they appear as a dream within reality, imbuing them with a mythological aura (ostriches or a donkey sailing on a small boat in the Mediterranean Sea, 84 goldfish swimming in bowls and flying in a passenger airplane in New Zealand, different white animals grazing in an Edenic land, alligators frolicking in whipped cream in Florida or polar bears covered in multicolored feathers posing during the inauguration of Galerie Perrotin in New York). These images cast a new oneiric light over the world, viewed now through the prism of fantasy, of a fabulous bestiary. They appear to reveal a dimension that is a part of everyday life, which has only by chance never occured before in front of someone&rsquo;s eyes.</p> <p style="text-align: justify;">For this exhibition, Pivi brought four horses to the Eiffel Tower. The animals seem to have found a new playground, an architectural landscape made to their measure. Once again, Pivi cleverly revisits and juxtaposes elements that are both familiar and archetypal into a fantastic iconography.</p> <p style="text-align: justify;">The creation of a new work on the Eiffel Tower, the most iconic landmark of Paris, is also very meaningful for Pivi, as a way for her to play with the entire city and its history.</p> <p style="text-align: justify;">Special thanks to the Soci&eacute;t&eacute; d&rsquo;Exploitation de la Tour Eiffel, to the famous horse trainer Mario Luraschi and Virginie Coup&eacute;rie-Eiffel, founder of the Longines Paris Eiffel Jumping, an equestrian competition, held at Champ de Mars on July 3, 4, 5, 2015. Virginie Coup&eacute;rie-Eiffel invited and co-commissioned Paola Pivi to make an artistic contribution to the Longines Paris Eiffel Jumping, which will be used for the poster of the event.</p> <p style="text-align: justify;">The photographs were shot by Hugo Glendinning</p> <p style="text-align: justify;">Paola Pivi has achieved worldwide recognition.</p> <p style="text-align: justify;">Her artworks are featured in some of the most prestigious international collections, such as the Guggenheim Museum in New York, Centre Pompidou in Paris, Castello di Rivoli in Turin, MAXXI - National Museum of XXI Century Arts, Roma...</p> <p style="text-align: justify;">She was co-awarded the Golden Lion for the best national pavilion (Italy) at Harald Szeemann&rsquo;s Venice Biennial in 1999. For this venue, Paola Pivi presented &ldquo;Untitled (airplane)&rdquo;, an inverted Fiat G-91 airplane resting on its cockpit. She showed again at the Venice Biennial in 2003, in Manifesta 5 in 2004 and in the Berlin Biennial in 2008.</p> <p style="text-align: justify;">In 2012, the artist was commissioned two original public artworks in New York City: &ldquo;How I roll&rdquo;, a project by Public Art Fund, a Piper Seneca airplane rotating on its wingtips, installed near Central Park at Doris C. Freedman Plaza, and &ldquo;Untitled (zebras)&rdquo;, a striking &amp; romantic image of zebras on a snow-covered mountaintop on the 25-by-75-foot High Line Billboard at West 18th Street.</p> <p style="text-align: justify;">She has also displayed public art in Rotterdam in 2010-2011 with Sculpture International Rotterdam.</p> <p style="text-align: justify;">She has exhibited in important Museums as the Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris (2000), Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (2001), MoMA PS1, New York (2003 &amp; 2007), MCA - Museum of Contemporary Art of Chicago (2005), CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Fran&shy;cisco (2005), Hayward Gallery, London (2005), Kunsthalle Ba&shy;sel (2007), Portikus, Frankfurt (2008), Palazzo Grassi,Venice (2008), Tate Modern, London (2009).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;"Yee-Haw", 9&egrave; exposition de Paola Pivi &agrave; la Galerie Perrotin depuis 15 ans, r&eacute;unit un nouvel ensemble de photographies d'animaux.</p> <p style="text-align: justify;">Artiste prot&eacute;iforme, Paola Pivi r&eacute;alise une oeuvre, aux confins de la performance, de la sculpture et de l'installation monumentale, ponctu&eacute;e de ses fameuses repr&eacute;sentations photographiques d'animaux lors de happenings performatifs.</p> <p style="text-align: justify;">Loin des licornes ou autres chim&egrave;res, les animaux traversant l'univers de Paola Pivi sont bien r&eacute;els. Ils apparaissent dans des univers insolites et incarnent alors l'irruption du r&ecirc;ve dans la r&eacute;alit&eacute;, leur conf&eacute;rant une aura quasi mythologique (des autruches ou un &acirc;ne navigant sur une barque en mer M&eacute;diterran&eacute;e, 84 poissons rouges survolant tout en nageant dans un avion la Nouvelle Z&eacute;lande, des animaux d'un blanc immacul&eacute; &eacute;voluant dans un pays &eacute;d&eacute;nique, des alligators s'&eacute;battant dans de la cr&egrave;me fouett&eacute;e en Floride... des ours recouverts de plumes prennent la pose lors de l'inauguration de la Galerie &agrave; New York). Ces images modifient de mani&egrave;re onirique notre perception du monde, &agrave; travers d&eacute;sormais le prisme fantasmagorique d'un bestiaire fabuleux. Elles r&eacute;v&egrave;lent une dimension autre faisant partie de notre quotidien, visible pour la premi&egrave;re fois.</p> <p style="text-align: justify;">Pour cette exposition, Paola Pivi a plac&eacute; quatre chevaux sur la Tour Eiffel. Les chevaux semblent avoir trouv&eacute; un nouveau terrain de jeu, un paysage architectur&eacute;, &agrave; leur mesure. L&agrave; encore, Paola Pivi d&eacute;tourne et juxtapose habilement des &eacute;l&eacute;ments &agrave; la fois familiers et embl&eacute;matiques et les m&eacute;tamorphose en une iconographie hallucinatoire.</p> <p style="text-align: justify;">Le caract&egrave;re embl&eacute;matique et incontournable de la Tour Eiffel permet &agrave; l'artiste de jouer de mani&egrave;re &eacute;loquente avec la ville et son histoire.</p> <p style="text-align: justify;">Remerciements &agrave; la Soci&eacute;t&eacute; d&rsquo;Exploitation de la Tour Eiffel, au c&eacute;l&egrave;bre dresseur Mario Luraschi et &agrave; Virginie Coup&eacute;rie-Eiffel, fondatrice du Longines Paris Eiffel Jumping, une comp&eacute;tition &eacute;questre, qui a lieu sur le champ de Mars les 3, 4 &amp; 5 juillet 2015. Virginie Coup&eacute;rie-Eiffel a propos&eacute; &agrave; Paola Pivi de participer artistiquement au Longines Paris Eiffel Jumping, en r&eacute;alisant la photographie du poster de l'&eacute;v&eacute;nement.</p> <p style="text-align: justify;">Les photographies ont &eacute;t&eacute; prises par Hugo Glendinning</p> <p style="text-align: justify;">Les oeuvres de Paola Pivi sont montr&eacute;es &agrave; travers le monde et figurent dans les plus prestigieuses collections internationales, comme le Guggenheim Museum, New York, le MNAM/Centre Pompidou, Paris, Castello di Rivoli, Turin, MAXXI - National Museum of XXI Century Arts, Rome...</p> <p style="text-align: justify;">Paola Pivi a &eacute;t&eacute; colaur&eacute;ate du lion d'or du meilleur pavillon (italien) &agrave; la Biennale de Venise en 1999 (commissaire Harald Szeemann). Elle y pr&eacute;sentait un avion Fiat G-91 renvers&eacute; sur son cockpit. Elle a &agrave; nouveau particip&eacute; &agrave; la Biennale de Venise en 2003, &agrave; Manifesta 5 en 2004 et &agrave; la Biennale de Berlin en 2008.</p> <p style="text-align: justify;">En 2012, elle a montr&eacute; &agrave; New York, dans le cadre du Public Art Fund Commission, &ldquo;How I roll&rdquo;, un avion Piper Seneca tournant sur ses ailes et install&eacute; pr&egrave;s de Central Park &agrave; Doris C. Freedman Plaza, ainsi que &ldquo;Untitled (zebras)&rdquo;, une saisissante et romantique sc&egrave;ne de deux z&egrave;bres sur des sommets enneig&eacute;s sur le panneau gigantesque de la High Line Art Billboard &agrave; hauteur de la West 18th Street.</p> <p style="text-align: justify;">Elle a aussi r&eacute;alis&eacute; une installation dans l'espace public &agrave; Rotterdam en 2010-2011 avec Sculpture International Rotterdam.</p> <p style="text-align: justify;">Elle a expos&eacute; dans les plus importants mus&eacute;es tels le Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris (2000), Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (2001), MoMA PS1, New York (2003 &amp; 2007), MCA - Museum of Contemporary Art of Chicago (2005), CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2005), Hayward Gallery, Londres (2005), Kunsthalle Basel (2007), Portikus, Frankfort (2008), Palazzo Grassi, Venise (2008), Tate Modern, Londres (2009).</p> Fri, 22 May 2015 17:57:43 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Nicola Tyson - Galerie Nathalie Obadia - June 10th - July 25th <p style="text-align: justify;">The Galerie Nathalie Obadia is very pleased to hold a new solo exhibition by Nicola Tyson. On this occasion the artist is presenting three paintings and a set of recent drawings, where we find the confrontation of her visual ambiguities.<br /><br />In <em>Self-portrait: Single Tear</em> 2015, the artist&rsquo;s perfectly round &lsquo;head&rsquo; floats independent of her vertically dangling strands of hair. Her open mouth has fingers where teeth should be. A single tear is getting ready to fall from one of her animated, empty eyes. <br /><br />The absurd has always been an important ingredient in Tyson&rsquo;s approach: humor veering into the satirical, and often the hysterical. In<em> Self-portrait: Weeping</em> 2015 the artist references Picasso&rsquo;s crying women, but here it is her own experience that she describes. Nevertheless, her nose seems to double as a penis, literally ejaculating into her face. Looking at Art History frequently feels that way for the female viewer but Tyson&rsquo;s surprised expression is also the steady gaze of self-assurance and artistic authority.<br /><br />In <em>Figure Waving </em>2015, a creature&mdash;part animal/part &lsquo;woman&rsquo;&mdash;coyly looks back at us, over it&rsquo;s shoulder, whilst waving a giant cartoon-like hand. Is this a greeting or a farewell? It&rsquo;s other arm, meanwhile, sprouts ribbons of green vegetation, that agitatedly whip around in the air. <br /><br />Does this trio of paintings depict grief, or relief? A bit of both probably. This is in fact the last group of paintings Tyson plans to make for now, as she is turning her attention to sculpture. Her long relationship with painting will be interrupted for a while.. <br /><br />Drawing, however, remains central to Tyson&rsquo;s practice and included in the show are a group of seven small square graphite drawings. Since the beginning of 2015 Tyson has been posting a drawing a day on social media&mdash;&nbsp; #NicolaTysonadrawingaday&mdash;and has garnered quite a following. It is a great opportunity for Tyson to share&mdash;and get instant feedback&mdash;on work that would rarely get seen otherwise. Older work is interspersed with works made especially&mdash;such as the group exhibited here&mdash;for the instagram format &mdash; nicola_tyson&nbsp;&nbsp; &mdash;which is square.<br /><br />------------------------------------<br /><br /><strong>Nicola Tyson was born in 1960 in London, England. She attended Chelsea School of Art, St. Martins School of Art and Central/St. Martins School of Art in London and currently lives and works in upstate New York.</strong><br /><br />Primarily known as a painter, Tyson has also worked with photography, film, performance and the written word. In 2011 she published in limited edition, in conjunction with Petzel Gallery, New York&nbsp; and Sadie Coles HQ, London, with design by Peter Miles, a collection of satirical letters to famous artists titled &ldquo;Dead Letters Men&rdquo;. Her unique archive of color photos documenting the London club scene of the late 1970&rsquo;s &mdash;&ldquo;Bowie Nights at Billy&rsquo;s Club&rdquo; &mdash;was the subject of shows, both in New York and London, in 2012 and 2013.<br /><br />Tyson&rsquo;s work is included in major collections such as Museum of Modern Art, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Whitney Museum of Art, New York; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; Walker Art Center, Minneapolis; Philadelphia Museum of Art, Philadelphia; Museum of Contemporary Art, Chicago; Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.; The Hirshhorn Museum &amp; Sculpture Garden, Washington D.C; and Tate Modern, London. She is represented by Petzel Gallery in New York and Sadie Coles HQ in London.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">La Galerie Nathalie Obadia est tr&egrave;s heureuse de pr&eacute;senter une nouvelle exposition personnelle de l&rsquo;artiste Nicola Tyson. A cette occasion, l&rsquo;artiste pr&eacute;sentera trois peintures et un ensemble de dessins r&eacute;cents, o&ugrave; l'on retrouve la confrontation de ses ambigu&iuml;t&eacute;s visuelles.<br /><br />Dans <em>Self-portrait: Single Tear</em> 2015, la &laquo;&nbsp;t&ecirc;te&nbsp;&raquo; parfaitement ronde de l&rsquo;artiste flotte sur la toile, sans lien avec ses cheveux raides tombant &agrave; la verticale. Dans sa bouche ouverte apparaissent des doigts &agrave; la place des dents. D&rsquo;un de ses yeux vides mais pleins de vie, une larme est sur le point de couler.<br /><br />L&rsquo;absurde a toujours &eacute;t&eacute; un ingr&eacute;dient important de l&rsquo;approche de Tyson&nbsp;: l&rsquo;humour vire &agrave; la satire et souvent &agrave; l&rsquo;hyst&eacute;rie. Dans <em>Self-portrait&nbsp;: Weeping </em>2015, l&rsquo;artiste fait r&eacute;f&eacute;rence &agrave; la &laquo;&nbsp;femme qui pleure&nbsp;&raquo; de Picasso, mais c&rsquo;est ici sa propre exp&eacute;rience qu&rsquo;elle d&eacute;crit. Son nez semble cependant doubler de taille, tel un p&eacute;nis &eacute;jaculant litt&eacute;ralement sur son visage. C&rsquo;est souvent ce que ressentent les spectatrices face &agrave; l&rsquo;histoire de l&rsquo;art, mais derri&egrave;re l&rsquo;expression &eacute;tonn&eacute;e de Tyson se cache aussi un regard ferme, plein d&rsquo;assurance et d&rsquo;autorit&eacute; artistique.<br /><br />Dans <em>Figure Waving</em> 2015, une cr&eacute;ature &ndash; mi animal, mi &laquo;&nbsp;femme&nbsp;&raquo; &ndash; nous regarde avec coquetterie par-dessus son &eacute;paule, tout en agitant une gigantesque main en carton. S&rsquo;agit-il d&rsquo;un bonjour ou d&rsquo;un adieu&nbsp;? Parall&egrave;lement, en lieu et place de son autre bras poussent des rubans de verdure qui fouettent l&rsquo;air environnant.<br /><br />Ce trio de peintures d&eacute;crit-il la douleur ou le soulagement&nbsp;? Un peu des deux, sans doute. C&rsquo;est en fait le dernier ensemble pictural que Tyson envisage de r&eacute;aliser pour le moment, car elle se concentre d&eacute;sormais sur la sculpture. Sa longue relation avec la peinture sera donc provisoirement en suspens.<br /><br />Le dessin demeure cependant au centre de sa pratique : l&rsquo;exposition pr&eacute;sente un groupe de sept petits dessins carr&eacute;s r&eacute;alis&eacute;s au crayon. Depuis le d&eacute;but de l&rsquo;ann&eacute;e 2015, Tyson poste chaque jour un dessin sur un r&eacute;seau social (#NicolaTysondrawingaday). Ses publications ont &eacute;t&eacute; particuli&egrave;rement suivies&nbsp;: c&rsquo;est pour elle une belle opportunit&eacute; de partager et d&rsquo;avoir un retour instantan&eacute; sur son travail qui serait beaucoup moins visible sans cela. Son &oelig;uvre ant&eacute;rieur est ponctu&eacute; de travaux sp&eacute;cialement con&ccedil;us pour le format carr&eacute; d&rsquo;Instagram (nicola_tyson) &ndash; comme le groupe de dessins expos&eacute;.<br /><br />------------------------------------<br /><strong><br />Nicola Tyson est n&eacute;e &agrave; Londres en 1960. Elle a suivi les cours de la Chelsea School of Art, de la St. Martins School of Art puis du Central St. Martins College of Art and Design. Elle vit et travaille aujourd&rsquo;hui dans le nord de l&rsquo;Etat de New-York.</strong><br /><br />Principalement connue comme peintre, Tyson a &eacute;galement utilis&eacute; dans son travail la photographie, le film, la performance et l&rsquo;&eacute;criture. En 2011, elle a publi&eacute; en collaboration avec les galeries Petzel (New York) et Sadie Coles HQ (Londres) une collection de lettres satiriques adress&eacute;es &agrave; des artistes connus&nbsp;: &laquo;&nbsp;Dead Letters Men&nbsp;&raquo; &ndash; une &eacute;dition limit&eacute;e dont la conception graphique est sign&eacute;e Peter Miles. Ses archives uniques de photos couleurs montrant les soir&eacute;es londoniennes de la fin des ann&eacute;es 1970 &ndash; &laquo;&nbsp;Bowie Nights at Billy&rsquo;s Club&nbsp;&raquo; &ndash; ont fourni le sujet de ses expositions de Londres et de New York en 2012 et 2013.<br /><br />L&rsquo;&oelig;uvre de Tyson figure au catalogue de collections majeures&nbsp;: Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne, Guggenheim et Whitney Museum of Art de New York&nbsp;; Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de San Francisco&nbsp;; Walker Art Center de Minneapolis&nbsp;; Mus&eacute;e des Beaux-Arts de Philadelphie&nbsp;; Mus&eacute;e d&rsquo;Art Contemporain de Chicago&nbsp;; galerie d&rsquo;art Corcoran et Hirshhorn Museum &amp; Sculpture Garden de Washington&nbsp;; et Tate Modern de Londres. Elle est repr&eacute;sent&eacute;e par les galeries Petzel &agrave; New York et Sadie Coles HQ &agrave; Londres.</p> Fri, 22 May 2015 17:47:18 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Enoc Perez - Galerie Nathalie Obadia - June 10th - July 25th Fri, 22 May 2015 17:45:33 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Katja Schenker - Galerie Mitterrand - May 29th - July 11th <p>*Vernissage de l'exposition de Katja Schenker "Temps Suspendu" &agrave; la Galerie Mitterrand en pr&eacute;sence de l'artiste.&nbsp; Performance "L&uuml;ften" &agrave; 19h30.</p> Fri, 22 May 2015 17:43:15 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Group Show - Galerie Marian Goodman - Paris - June 5th - July 31st <p style="text-align: justify;">Marian Goodman Gallery in Paris is pleased to present an exhibition entitled <br /> &laquo; Presque rien &raquo; (almost nothing) including a selection of works by Leonor Antunes, Christian Boltanski, Carol Bove, Nina Canell, Lygia Clark, Simon Fujiwara, Marine Hugonnier, Koo Jeong A, Seung-Taek LEE Fran&ccedil;ois Morellet, Gabriel Sierra, Rayyane Tabet, Niele Toroni, Richard Tuttle and Cerith Wyn Evans.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">La Galerie Marian Goodman a le plaisir de pr&eacute;senter une exposition intitul&eacute;e <br /> &laquo; Presque rien &raquo; incluant une s&eacute;lection d&rsquo;&oelig;uvres de Leonor Antunes, Christian Boltanski, Carol Bove, Nina Canell, Lygia Clark, Simon Fujiwara, Marine Hugonnier, Koo Jeong A, Seung-Taek Lee, Fran&ccedil;ois Morellet, Gabriel Sierra, Rayyane Tabet, Niele Toroni, Richard Tuttle et Cerith Wyn Evans.</p> Fri, 22 May 2015 17:24:48 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Pascaline Marre - Galerie BinĂ´me - June 12th - July 24th <p style="text-align: justify;">S'int&eacute;ressant &agrave; la question du n&eacute;gationnisme, Pascaline Marre a men&eacute; pendant dix ans, de la Turquie aux confins de l'Iran, des recherches photographiques sur les traces et la place du g&eacute;nocide arm&eacute;nien dans l'Histoire et l'inconscient&nbsp;collectif.</p> <p style="text-align: justify;">Dans le cadre du centenaire, plusieurs &eacute;v&eacute;nements donnent voix &agrave; ce travail : expositions personnelles Fant&ocirc;mes d'Anatolie au Centre du patrimoine Arm&eacute;nien &agrave; Valence (6 mars &gt; 24 mai) et Arm&eacute;ni&Eacute;e &agrave; la Galerie Bin&ocirc;me (12 juin &gt; 24 juillet)&nbsp;- exposition collective Le g&eacute;nocide arm&eacute;nien de l'Empire ottoman au M&eacute;morial de la Shoah &agrave; Paris (3 avril &gt; 27 septembre) - colloque international Le G&eacute;nocide des Arm&eacute;niens de l'Empire ottoman dans la Grande Guerre, Cent ans de recherche,&nbsp;Photographier apr&egrave;s (25 &gt; 28 mars) - projections du film Fant&ocirc;mes d'Anatolie de Pascaline Marre&nbsp;dans le&nbsp;parcours Hors les murs de la YIA (octobre 2014)&nbsp;et &agrave; Po&euml;t-Laval (12 &gt; 13&nbsp;juin) -&nbsp;parution du livre de photographies&nbsp;Fant&ocirc;mes&nbsp;d'Anatolie de Pascaline Marre chez Escourbiac (f&eacute;vrier 2015)&nbsp;- publication dans la&nbsp;revue&nbsp;T&eacute;moigner entre Histoire et m&eacute;moire (trimestrielle&nbsp;avril 2015).</p> Fri, 22 May 2015 17:15:00 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Marie-Antoinette Rouilly le Chevallier - Fondation Taylor - July 2nd - July 18th Fri, 22 May 2015 17:10:38 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Manuel Jumeau - Fondation Taylor - June 4th - June 27th Fri, 22 May 2015 17:09:20 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list