ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Théodore Strawinsky - Fondation Taylor - September 3rd 5:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">N&eacute; en 1907 &agrave; Saint-P&eacute;tersbourg, le fils a&icirc;n&eacute; du grand compositeur Igor Strawinsky et de Catherine Nossenko, Th&eacute;odore Strawinsky, va baigner durant toute sa jeunesse dans un univers culturel et artistique cosmopolite et f&eacute;cond.</p> <p style="text-align: justify;">Disparu en 1989, le peintre Th&eacute;odore Strawinsky a laiss&eacute; un &oelig;uvre consid&eacute;rable qui se d&eacute;cline en peintures de chevalet, dessins, gravures, illustrations, d&eacute;cors pour le th&eacute;&acirc;tre et r&eacute;alisations monumentales.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;exposition &agrave; la Fondation Taylor pr&eacute;sente des &oelig;uvres plus particuli&egrave;rement li&eacute;es &agrave; la "p&eacute;riode fran&ccedil;aise" de Th&eacute;odore Strawinsky, &eacute;claire sa longue et prolifique carri&egrave;re et donne un aper&ccedil;u de ses multiples talents. Elle permet de suivre pas &agrave; pas la vie de l&rsquo;artiste, au gr&eacute; des p&eacute;r&eacute;grinations familiales. Ensuite &eacute;tabli en Suisse, le peintre a gard&eacute; en France de profonds liens affectifs et y a s&eacute;journ&eacute; chaque ann&eacute;e jusqu'&agrave; son d&eacute;c&egrave;s.</p> <p style="text-align: justify;">Paysages et natures mortes constituent tout au long de sa vie les sujets privil&eacute;gi&eacute;s de la production de Th&eacute;odore Strawinsky. Ces repr&eacute;sentations permettent donc de saisir l&rsquo;&eacute;volution de son style.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Des paysages croqu&eacute;s en Haute-Savoie ou dans la Haute-Garonne sont l&rsquo;occasion d&rsquo;aborder la pratique de l&rsquo;artiste qui n&rsquo;est pas un peintre de plein air : sur place, il r&eacute;alise de nombreux croquis &agrave; la mine de plomb ou au fusain, puis fixe les couleurs &agrave; l&rsquo;aquarelle ou au pastel; dans un deuxi&egrave;me temps, il reprend ses compositions en atelier, &agrave; l&rsquo;huile sur toile. Si la palette des ann&eacute;es 1930 et 1940 est plut&ocirc;t sombre et terne, les paysages plus tardifs, r&eacute;alis&eacute;s dans le sud de la France montrent un retour &agrave; la couleur et l&rsquo;adoption de tons vifs et chauds. L&rsquo;&eacute;quilibre des volumes clairement d&eacute;finis par la lumi&egrave;re est une constante durant toute sa carri&egrave;re.</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;illustration est &eacute;voqu&eacute;e au travers des planches de <em>Cirque</em> et de <em>Noces et autres histoires</em> de Charles-Ferdinand Ramuz, ainsi que des <em>Fourberies de Scapin</em>. Le th&eacute;&acirc;tre est soulign&eacute; par les costumes et d&eacute;cors de <em>Noces</em>, <em>Petrouchka</em> ou <em>Oedipus Rex</em>. Ces disciplines occupent r&eacute;guli&egrave;rement l&rsquo;artiste durant pr&egrave;s de vingt ans.</p> Wed, 29 Jul 2015 17:13:26 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Franck Landron - Galerie Binôme - September 3rd 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">La Galerie Bin&ocirc;me pr&eacute;sente &agrave; la rentr&eacute;e de septembre 2015 l'exposition OUT TIME de Franck Landron, en dialogue avec l'exposition EX TIME &agrave; la Maison de la photographie Robert Doisneau&nbsp;&agrave; Gentilly et la parution du livre de photographies du m&ecirc;me titre aux Editions Contrejour. Quasiment in&eacute;dite, l'oeuvre photographique de Franck Landron est pourtant colossale. Commenc&eacute;e en 1971 sur les&nbsp;bancs du Coll&egrave;ge Saint-Martin de France &agrave; Pontoise, elle est depuis constitu&eacute;e d'un flux ininterrompu. Le fonds est actuellement &eacute;valu&eacute; &agrave; plus de 300 000 images, ce qui donne une moyenne de dix-huit photographies par jour.&nbsp;Essentiellement li&eacute;e &agrave; l'autobiographie, son oeuvre est en constant d&eacute;veloppement et g&eacute;n&egrave;re des lectures multiples, &agrave; l'image du personnage : photographe compulsif, Franck Landron est aussi r&eacute;alisateur, producteur de films, acteur et collectionneur de livres... de photographies, sans doute plus de 3000 livres accumul&eacute;s &agrave; ce jour.&nbsp;Les deux expositions d&eacute;voilent la premi&egrave;re p&eacute;riode, des ann&eacute;es soixante-dix au d&eacute;but des ann&eacute;es quatre-vingt dix, selon des approches diff&eacute;rentes. Celle de la Galerie Bin&ocirc;me s'&eacute;loigne&nbsp;de la chronologie au profit d'une mise en espace jouant sur les formes et la grammaire de l'auteur. L&acirc;chant le fil de la narration du journal intime privil&eacute;gi&eacute;&nbsp;dans EX TIME, OUT TIME proc&egrave;de &agrave; l'int&eacute;rieur du corpus, pi&egrave;ce par pi&egrave;ce. Un pr&eacute;l&egrave;vement guid&eacute; par l'&eacute;vidence photographique.</p> <p style="text-align: justify;">Exposition r&eacute;alis&eacute;e en collaboration avec l'<a href="http://www.agencerevelateur.fr/" target="_blank">agence r&eacute;v&eacute;lateur. &nbsp;</a><br />Le travail d'autoportrait de Franck Landron est &eacute;galement montr&eacute; dans l'expositon Selfie au <a title="Brandts museaum, Galerie Bin&ocirc;me" href="http://brandts.dk/en/" target="_blank">Brandts Museaum</a> au Danemark du 24 avril au 25 octobre 2015.<br />En 2016, l'exposition EX TIME de Franck Landron sera remont&eacute;e &agrave; la<a title="Galerie Le Ch&acirc;teau d'eau, Galerie Bin&ocirc;me" href="http://www.galeriechateaudeau.org/web/" target="_blank"> Galerie Le Ch&acirc;teau d'Eau </a>&agrave; Toulouse.</p> Sat, 25 Jul 2015 07:00:29 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Edouard Wolton - Galerie Les Filles du Calvaire - September 3rd 6:00 PM - 9:00 PM <table width="800" border="0" cellspacing="0" cellpadding="0"> <tbody> <tr> <td style="text-align: justify;" valign="top" width="15">&nbsp;</td> <td style="text-align: justify;" valign="top" width="800">&nbsp;</td> </tr> </tbody> </table> <p style="text-align: justify;">*1st&nbsp; opening on Thursday 3rd September - 6 PM &gt; 9 PM&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">*2nd&nbsp; opening on Saturday 10th October - 3 PM &gt; 8 PM</p> <p style="text-align: justify;">For his first solo exhibition in a gallery, this young graduate (2010) from National School of Fine Arts of Paris presents a two parts scenography with works combining mathematics, geometry and the Natural. Through a study of minerals, luminous phenomena or geometrical theories, the artist establishes a link between different elements extracted from nature in order to incorporate them in a coherent and rationalised thought of the representation.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Agartha</em>, the title of the first exhibition, originates in the theory that the Earth is hollow and contains an ordered system with its own sun. This term refers to an unreachable space where the complete knowledge would lie. This artistic hypothesis is equally connected with scientific theories than&nbsp; poetic approaches or sci-fi novels, like <em>Journey to the Center of the Earth </em>by Jules Verne. This name, Agartha, of a legendary underground realm, allows to establish a link between landscape, rock, minerals and different mathematical theories in order to create a complete rationalisation of elements. The hollow moutain, the earth&rsquo;s crust, the imagination and the symbols form an autonomous and total world.</p> <p style="text-align: justify;">The title of the second exhibition, Photom&eacute;t&eacute;ores, refers to optical phenomena, resulting from a modification of the solar or the terrestrial light. The most frequent manifestations of it, like rainbows, shooting stars or twilights, impregnate our day-to-day lives.</p> <p style="text-align: justify;">Therefore, these processes, long fantasized, create an immaterial link between our atmosphere and the cosmos. Similar to luminous vortexes, his works associate sources of celestial and organic lights (coral, fireflies...) in order to recreate the best the order of the Natural.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo; The first contact with Edouard Wolton&rsquo;s work is a vertigo. Between a strong aesthetic identity and heterogeneous patterns, between plastic delight and strict conceptual approach, between tribute to rationality and mystical detour, the oxymoronic art of this young painter defies inherent contradictions in the question of representation and plays with them. Claiming the necessary connection of these oppositions, his creation sails into troubled waters, but this river populated by hiatuses is unique. Like other young artists of his generation, Edouard Wolton chose painting in order to report a universe whose the contemplation never ceases to produce new interrogations.</p> <p style="text-align: justify;">For all that, his plastic production is inseparable from the sum of studies and research which superintend the creation of his silent landscapes. From Platonic esthetical considerations to Euclidean geometry, the genesis of human ability for abstraction constitutes a playing field evoked and interrogated by his figurative painting. This figuration echoes landscape painting, tradition to which Edouard Wolton devoted a large part of his research, investigating both on historical field (documents, lectures) and practical field (realisation of &laquo; in the style of &raquo; paintings, reactivation of classic techniques in his own paintings, borrowings).</p> <p style="text-align: justify;">Approaching the nature, Edouard Wolton projects us towards a mental representation, elaborate in the secrecy of the workshop, using patterns like compiled elements in order to set up an ideal construction.</p> <p style="text-align: justify;">If this construction is mostly composed of a pictural production, Edouard Wolton&rsquo;s work displays a dense search field that draws on art history the roots of a new reflexion on perception. &raquo;</p> <p style="text-align: justify;">Extract from Guillaume Benoit&rsquo;s text, 2015</p> <p style="text-align: justify;">To be published in Edouard Wolton&rsquo;s catalogue, presented at the opening of the second part of his exhibition, on 10th October Published by the gallery with the help of (Plastic Arts National Center) and their grant to support the first catalogue.</p> <p style="text-align: justify;">1 The first part is exhibited on the ground floor in September, and the second part on the second floor in October, following two complementary but different proposals in the choice of exhibited works.</p> <p style="text-align: justify;">This exhibition is presented at the same time as Paola de Pietri&rsquo;s exhibition</p> <hr /> <p><strong><em>Agartha</em></strong> 3 au 26 septembre</p> <p><strong><em>Photom&eacute;t&eacute;ores</em></strong> 10 au 24 octobre</p> <p>1st&nbsp; opening on Thursday 3rd September - 6 PM &gt; 9 PM&nbsp;</p> <p>2nd&nbsp; opening on Saturday 10th October - 3 PM &gt; 8 PM</p> <p style="text-align: justify;">Edouard Wolton est dipl&ocirc;m&eacute; de l'Ecole Nationale Sup&eacute;rieure des Beaux-arts de Paris depuis 2010. Pour sa premi&egrave;re exposition personnelle au sein d&rsquo;une galerie, ce jeune artiste pr&eacute;sente une sc&eacute;nographie en deux volets(1) en proposant des &oelig;uvres o&ugrave; se m&ecirc;lent les math&eacute;matiques, la g&eacute;om&eacute;trie et le Naturel. A travers une &eacute;tude des min&eacute;raux, des ph&eacute;nom&egrave;nes lumineux ou bien encore des th&eacute;ories g&eacute;om&eacute;triques, l'artiste tisse un lien entre diff&eacute;rents &eacute;l&eacute;ments extraits de la nature pour les inscrire dans une pens&eacute;e coh&eacute;rente et rationalis&eacute;e de la repr&eacute;sentation.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Agartha</em>, titre de la premi&egrave;re exposition, rel&egrave;ve de la th&eacute;orie selon laquelle la terre serait creuse et renfermerait un syst&egrave;me ordonn&eacute; avec un soleil propre. Ce terme renvoie donc &agrave; un espace inaccessible o&ugrave; r&eacute;siderait la connaissance totale. Cette hypoth&egrave;se artistique est mise autant en relation avec des th&eacute;ories scientifiques que des approches po&eacute;tiques ou des romans de science-fiction, comme le Voyage au centre de la terre de Jules Verne. Ce nom Agartha, celui d&rsquo;un royaume souterrain l&eacute;gendaire, permet de tisser un lien entre le paysage, la roche, les min&eacute;raux et les diff&eacute;rentes th&eacute;ories math&eacute;matiques dans la perspective de cr&eacute;er une rationalisation compl&egrave;te des &eacute;l&eacute;ments. La montagne creuse, la croute terrestre, l&rsquo;imaginaire et les symboles forment un monde autonome et total...</p> <p style="text-align: justify;">Le titre de la seconde exposition, <em>Photom&eacute;t&eacute;ores</em>, d&eacute;signe elle des ph&eacute;nom&egrave;nes optiques r&eacute;sultant d&rsquo;une modification de la lumi&egrave;re solaire ou terrestre. Les manifestions les plus fr&eacute;quentes, comme les arcs-en-ciel, les &eacute;toiles filantes ou encore les cr&eacute;puscules, impr&egrave;gnent notre quotidien. Ainsi ces processus, longtemps fantasm&eacute;s, cr&eacute;ent un lien immat&eacute;riel entre notre atmosph&egrave;re et le cosmos. Semblables &agrave; des vortex lumineux, ses &oelig;uvres associent sources de lumi&egrave;res c&eacute;lestes et organiques (corail, lucioles, etc.) pour retranscrire au mieux l&rsquo;ordre du Naturel.</p> <p style="text-align: justify;">&laquo; Le premier contact avec l&rsquo;&oelig;uvre d&rsquo;&Eacute;douard Wolton est un vertige. Entre identit&eacute; esth&eacute;tique forte et motifs h&eacute;t&eacute;roclites, entre d&eacute;lice plastique et d&eacute;marche conceptuelle rigoureuse, entre hommage &agrave; la rationalit&eacute; et d&eacute;rive mystique, l&rsquo;art oxymore de ce jeune peintre joue et se joue des contradictions inh&eacute;rentes &agrave; la question de la repr&eacute;sentation. Revendiquant la relation n&eacute;cessaire de toutes ces oppositions, sa cr&eacute;ation navigue en eaux troubles, mais cette rivi&egrave;re peupl&eacute;e de hiatus est bien seule et unique. &Agrave; l&rsquo;instar de nombreux jeunes artistes de sa g&eacute;n&eacute;ration, &Eacute;douard Wolton a fait le choix de la peinture pour rendre compte d&rsquo;un univers dont la contemplation ne cesse de produire de nouvelles interrogations. Pour autant, sa production plastique est ins&eacute;parable de la somme d&rsquo;&eacute;tudes et de recherches qui pr&eacute;sident &agrave; la cr&eacute;ation de ses paysages silencieux. Des consid&eacute;rations esth&eacute;tiques platoniciennes &agrave; la g&eacute;om&eacute;trie euclidienne, la gen&egrave;se de la capacit&eacute; humaine d&rsquo;abstraction constitue un terrain de jeu &eacute;voqu&eacute; et interrog&eacute; par sa peinture de la figuration. Une figuration qui fait &eacute;cho &agrave; la peinture de paysage, tradition &agrave; laquelle &Eacute;douard Wolton a consacr&eacute; une grande partie de ses recherches, menant conjointement son enqu&ecirc;te sur le terrain historique (documents, conf&eacute;rences) et pratique (r&eacute;alisations de tableaux &laquo; &agrave; la mani&egrave;re de &raquo;, r&eacute;activation des techniques classiques dans ses propres tableaux, emprunts). En s&rsquo;approchant ainsi de la nature, &Eacute;douard Wolton nous projette vers une repr&eacute;sentation mentale, &eacute;labor&eacute;e dans le secret de l&rsquo;atelier, usant de motifs comme autant d&rsquo;items compil&eacute;s pour mettre en place une construction id&eacute;ale. Si elle se compose principalement d&rsquo;une production picturale, l&rsquo;&oelig;uvre d&rsquo;&Eacute;douard Wolton d&eacute;ploie donc un champ de recherche dense qui puise dans l&rsquo;histoire de l&rsquo;art les racines d&rsquo;une r&eacute;flexion nouvelle sur la perception. &raquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Extrait du texte de Guillaume Benoit, 2015</p> <p style="text-align: justify;">A para&icirc;tre dans le catalogue d'Edouard Wolton, qui sera pr&eacute;sent&eacute; lors du vernissage le 10 octobre du deuxi&egrave;me volet de son exposition.</p> <p style="text-align: justify;">Publication &eacute;dit&eacute;e par la galerie avec le soutien du CNAP pour l&rsquo;aide au premier catalogue.</p> <p style="text-align: justify;">_____________</p> <p style="text-align: justify;">(1)Le premier volet occupe le RDC de la galerie en septembre et le deuxi&egrave;me le premier &eacute;tage en octobre, selon deux propositions compl&eacute;mentaires mais diff&eacute;renci&eacute;es dans le choix des &oelig;uvres expos&eacute;es.</p> <p style="text-align: justify;">Cette exposition est pr&eacute;sent&eacute;e en m&ecirc;me temps que celle de Paola de Pietri dont les &oelig;uvres seront &agrave; l&rsquo;inverse pr&eacute;sent&eacute;es d&rsquo;abord au premier &eacute;tage puis au RDC.</p> Wed, 15 Jul 2015 11:23:33 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Paola De Pietri - Galerie Les Filles du Calvaire - September 3rd 6:00 PM - 9:00 PM <div id="text"> <p style="text-align: justify;">*1st&nbsp; opening on Thursday 3rd September - 6 PM &gt; 9 PM&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">*2nd&nbsp; opening on Saturday 10th October - 3 PM &gt; 8 PM</p> <p style="text-align: justify;">Paola de Pietri is a major figure in Italian photography. Apart from her recent collaborations to&nbsp; Fotografia Europea de Reggio Emilia and to big exhibitions of Linea di Confine, for which she realized several territorial commissions, Paola de Pietri has participated these past decades to plenty of exhibitions under the aegis of the most important Italian and European institutions dedicated to photography and contemporary art. She has been awarded the prestigious Albert Renger-Patzch Prize in 2009 for her series <em>To Face</em>, and has benefited from several monograpraphic exhibitions, one of whom in MAXXI in Roma. Lately in France, she has been exhibited in the Photographic Center of Ile-de-France (CPIF) in Pontault-Combault and in Mus&eacute;e de l&rsquo;Image in Epinal.</p> <p style="text-align: justify;">In parallel with her last series, <em>Istanbul New Stories </em>- which addresses the transformations in Istanbul suburbs - and <em>To Face </em>- revealing the stigmata of the First World War on the Italian Alps&rsquo; landscapes - Paola de Pietri again focused on a landscape she often worked on, and which is very familiar to her: the P&ocirc; Plain, around Reggio Emilia. For this unseen series, Questa Pianure (2004/2014/2015...), she roamed through this wide plain of her childhood, where she still lives and which is still an agricultural territory, even though it has suffered drastic transformations these past fifty years - between agrarian restructuring and intensive suburban development.</p> <p style="text-align: justify;">To make this &laquo; flat country &raquo; (<em>Questa Pianura</em>) visible, she took portraits of what is still living there: old farms remains and a few lone trees, that she chose to document through big images with elegant shades of grey. This wide landscape, where the horizon in endless, seems haunted by the mannkind history and by a bygone era, told through these abandoned architectures.</p> <p style="text-align: justify;">In contrapposto, in order to emphasize the ephemeral compared to the eternal: a few color images of the fallow nature punctuate her work. &laquo; It is the P&ocirc; Plain. I know this landscape since forever and its changes are closely linked to the economic development of the post-war period. Two series of photographs are intertwined in this project: the first in black and white and large format represents trees and now inhabited farms, most of them in ruins. </p> <p style="text-align: justify;">Their arrangment in space is not aleatory, it reveals their past agricultural, economic and social functions, which existed only forty years ago. To these &laquo; totemic &raquo; images of trees and houses are juxtaposed smaller format color images of shores, herbs, cultures, birds, wild flowers, etc., where the perception of the plain is linked to a sensorial, vital, disordered, atmospheric dimension and to the annual nature&rsquo;s cycle.</p> <p style="text-align: justify;">From now on I perceive these landscapes as the fragment of a speech whom it is not possible to find the meaning of, even if the disappearing, the loss and the ruin are obvious. Trees deprived of their function are again developing following their natural anchoring and not in a utilitarian perspective anymore. &raquo; </p> <hr /> <p>&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">*1st&nbsp; vernissage le jeudi 3 septembre de 18h &agrave; 21h</p> <p style="text-align: justify;">2nd&nbsp; vernissage le samedi 10 octorbe de 15h &agrave; 20h</p> <p style="text-align: justify;">Paola de Pietri est une figure majeure dans le panorama de la photographie italienne. Outre ses r&eacute;centes collaborations a Fotografia Europea de Reggio Emillia et aux grandes expositions de Linea di Confine pour lesquelles elle a r&eacute;alis&eacute; plusieurs commandes territoriales, Paola de Pietri a particip&eacute; ces deux derni&egrave;res d&eacute;cennies &agrave; de nombreuses expositions sous l'&eacute;gide des principales institutions italiennes et europ&eacute;ennes d&eacute;di&eacute;es &agrave; la photographie et &agrave; l'art contemporain . Pour sa s&eacute;rie <em>To face</em>, elle a re&ccedil;u le prestigieux prix Albert Renger-Patzsch en 2009 et b&eacute;n&eacute;fici&eacute; de plusieurs expositions monographiques dont une au MAXXI de Rome. En France, elle a r&eacute;cemment expos&eacute; au CPIF de Pontault-Combault et au Mus&eacute;e de l&rsquo;Image &agrave; Epinal.</p> <p style="text-align: justify;">Parall&egrave;lement &agrave; ses derni&egrave;res s&eacute;ries Istanbul <em>New Stories</em>, qui s&rsquo;attache &agrave; t&eacute;moigner des transformations subies par les faubourgs d&rsquo;Istanbul, et <em>To Face</em> r&eacute;v&eacute;lant les stigmates de la Premi&egrave;re Guerre mondiale sur le paysage des Alpes italiennes, Paola de Pietri s&rsquo;est &agrave; nouveau pench&eacute;e sur un paysage sur lequel elle a souvent travaill&eacute; et qui lui est tr&egrave;s familier : la plaine du P&ocirc;, autour de Reggio Emilia. Pour cette s&eacute;rie in&eacute;dite, <em>Questa Pianura</em> (2014 &ndash;2015), elle a arpent&eacute; cette vaste plaine, celle de son enfance, o&ugrave; elle vit toujours et qui reste un territoire agricole m&ecirc;me s&rsquo;il a subi des transformations drastiques ces cinquantes derni&egrave;res ann&eacute;es &ndash; entre restructuration agraire et d&eacute;veloppement p&eacute;riurbain intensif.</p> <p style="text-align: justify;">Pour donner &agrave; voir ce &ldquo;plat pays&rdquo; (Questa Pianura) elle a portraitur&eacute; ce qui le peuple encore : les vestiges d&rsquo;anciennes fermes et quelques arbres solitaires qu&rsquo;elle a choisi de documenter par de grandes images aux &eacute;l&eacute;gantes nuances de gris. Ce vaste paysage &agrave; l&rsquo;horizon infini semble ainsi hant&eacute; par l&rsquo;histoire des hommes et d&rsquo;un temps r&eacute;volu qui nous sont cont&eacute;s au travers de ces architectures d&eacute;laiss&eacute;es. En contrapposto, pour mieux marquer l&rsquo;&eacute;ph&eacute;m&egrave;re face au p&eacute;renne : quelques images couleurs de la nature en friche ou en champs viennent rythmer le corps du travail.</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;C'est la plaine du fleuve P&ocirc;. Ce paysage, je le connais depuis toujours et les changements qu&rsquo;il a subi sont &eacute;troitement li&eacute;s au d&eacute;veloppement &eacute;conomique d'apr&egrave;s-guerre.</p> <p style="text-align: justify;">Dans ce projet se m&ecirc;lent et se croisent, deux s&eacute;ries de photographies :</p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;une en grand format noir et blanc repr&eacute;sente des arbres et des fermes d&eacute;sormais inhabit&eacute;es et pour la plupart en ruine. Leur agencement dans l&rsquo;espace n&rsquo;est pas al&eacute;atoire, il r&eacute;v&egrave;le leurs anciennes fonctions agricoles, &eacute;conomiques et sociales qui existaient il y a encore une quarantaine d&rsquo;ann&eacute;es.</p> <p style="text-align: justify;">A ces images tot&eacute;miques d&rsquo;arbres et de maisons sont juxtapos&eacute;es des images couleurs de plus petit format : de rivages, d'herbes, de cultures, d&rsquo;oiseaux, de fleurs sauvages etc. o&ugrave; la perception de la plaine est li&eacute;e &agrave; une dimension sensorielle, vitale, d&eacute;sordonn&eacute;e, atmosph&eacute;rique et au cycle de la nature.</p> <p style="text-align: justify;">Je per&ccedil;ois d&eacute;sormais ces paysages comme les fragments d&rsquo;un discours dont il n&rsquo;est plus possible de retrouver le sens, m&ecirc;me si la disparition, la perte et la ruine sont &eacute;videntes. Les arbres, priv&eacute;s de leur fonction, se d&eacute;veloppent non plus dans une perspective utilitaire mais de nouveau selon leur ancrage naturel et originel.&rdquo;</p> </div> Wed, 15 Jul 2015 11:36:23 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Edouard Wolton - Galerie Les Filles du Calvaire - September 3rd 6:00 PM - 9:00 PM <p>For his first solo exhibition in a gallery, this young graduate (2010) from National School of Fine Arts of Paris presents a two parts scenography with works combining mathematics, geometry and the Natural. Through a study of minerals, luminous phenomena or geometrical theories, the artist establishes a link between different elements extracted from nature in order to incorporate them in a coherent and rationalised thought of the representation.</p> <p><em>Agartha</em>, the title of the exhibition, originates in the theory that the Earth is hollow and contains an ordered system with its own sun. This term refers to an unreachable space where the complete knowledge would lie. This artistic hypothesis is equally connected with scientific theories than poetic approaches or sci-fi novels, like&nbsp;<em>Journey to the Center of the Earth</em>&nbsp;by Jules Verne. This name,&nbsp;<em>Agartha</em>, of a legendary underground realm, allows to establish a link between landscape, rock, minerals and different mathematical theories in order to create a complete rationalisation of elements. The hollow moutain, the earth&rsquo;s crust, the imagination and the symbols form an autonomous and total world.</p> <p>&nbsp;</p> Fri, 17 Jul 2015 08:43:02 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Anna Zoria, Céleste Castelot, Claudio Coltorti, Patrick Guidot, Rodolphe Levilain, Tom Masson, MYMO, SANKS - Galerie Vanessa Quang - September 3rd 5:00 PM - 9:00 PM <p>YOUNGSTER</p> <p>GROUP SHOW</p> <p><em>Guest curator: Nicolas Blamoutier</em></p> <p><em>&nbsp;</em></p> <p>FROM THURSDAY SEPTEMBER 3, 2015 TO SUNDAY SEPTEMBER 27, 2015 INCLUDED</p> <p>Opening on Thursday September 3, from 5 pm to 9 pm</p> <p>&nbsp;</p> <p>_________________________________________________________________</p> <p>&nbsp;</p> <p><em>Exhibited artists: </em></p> <p><em>C&eacute;leste Castelot, Claudio Coltorti, Patrick Guidot, Rodolphe Levilain, Tom Masson, MYMO, SANKS et Anna Zoria</em></p> <p><em>&nbsp;</em></p> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> <p>The exhibition &laquo;&nbsp;Youngster&nbsp;&raquo; gives an insolent forum to creativity of artists and designers who are under thirty years old and come from the whole world.</p> <p>&laquo; Youngster&nbsp;&raquo; is a call of youth to regress to childhood.</p> <p>&nbsp;</p> <p>Thus, for the third consecutive year, Vanessa Quang Gallery gives <em>carte blanche</em> to playful and colorful imagination, real or fantasized, of a multidisciplinary collective whose bold proposals are slightly off-the-wall.</p> <p><em>In partnership with: ARTYMET et Grolsch.<br /></em></p> <p><em>&nbsp;</em></p> <p>Around the exhibition:</p> <p>&lsquo;Sunday at the Gallery&rsquo; in partnership with CPGA. Sunday 27th September -- From 12:00 to 6:00 pm, guided tour of the exhibition by the curator.</p> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> <p>Press Contact</p> <p>Madeleine Filippi &ndash; <a href="mailto:madeleine@galerie-quang.com" rel="nofollow">madeleine@galerie-quang.com</a></p> <p><em>&nbsp;</em></p> <p>&nbsp;</p> Sat, 18 Jul 2015 13:37:03 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Esther Stocker - Galerie Alberta Pane - September 5th 4:00 PM - 9:00 PM <p>Alberta Pane gallery is delighted to present the third exhibition of the work of Italo-Austrian artist Esther Stocker at the gallery. The exhibition will associate an original site specific installation with new paintings and sculptures by the artist.</p> <p>&nbsp;</p> <p>We are proud as well to announce the recent release of the last artist's catalogue, including several texts written by authors such as Monika Machnicki, Gunther Oberhollenzer and Karine Tissot, of whom we propose an extract about the latest installation by Esther Stocker at the Kunsthalle Palazzo in Liestal, Switzerland.</p> <p>&nbsp;</p> <p>[&hellip;]</p> <p>&nbsp;</p> <p>&ldquo;I&rsquo;ve been fascinated for some time by the imprecision of exactitude: for me rules and confusion are akin. They even form a single thing at times,&rdquo; Esther Stocker explains.</p> <p>&nbsp;</p> <p>If we consider the evolution of her output chronologically, the &ldquo;thing&rdquo; she is speaking of first took shape in her work in painting. [&hellip;] In Stocker&rsquo;s work, there is nothing to connect with one kind of spiritualism or other, as was the case in the painting of Mondrian or Malevich, precursors in the use of the grid motif. Line in Stocker&rsquo;s art is straight, black or white&mdash;in contrast with the background&mdash;more or less massive, and unvarying. Whether horizontal or vertical, it plunges from one edge of the support to the other. Crossing a few lines of the same sort, more or less broad, it divides the field of the painting into uniform sections of flat unmodulated paint. That is the underlying grid in all of Stocker&rsquo;s works. And it is difficult to overestimate the leading role the grid has played in painting and in the painting of this young woman in particular, namely, of drawing attention&mdash;with a certain vigor&mdash;to the fact that we find ourselves in front of an artificial object with its own characteristics that place it apart from the world of objects. [&hellip;] In Stocker&rsquo;s work, it is technically the result of a meticulous application of scotch tape&mdash;again, scotch tape, though used this time to protect the canvas and not to draw a line, as in the case of her three-dimensional installations&mdash;in a sensitive balance that combines the force of the line with a minimum of gestures, concise, thought out, and enlisted to create a powerful visual impact.</p> <p>&nbsp;</p> <p>In its deployment, the grid allows the Austrian artist to explode genres. Indeed, how would it be possible to restrictively place her pictures in the register of painting or her installations in that of sculpture? She who calls herself a painter above all has in fact managed to literally quit the frame of the painting and physically enter into a dialogue with all kinds of buildings. [&hellip;] For some time now three-dimensional space has become an inescapable component of her pieces, in which the presence of a form or sign can prove to be as important and powerful as the absence of form. More complex than meets the eye, her two-color devices can truly colonize the architecture of the venues in which they are shown. In certain situations, the artist interrupts the lines, amplifies them and deconstructs the geometrical forms that are set up on the walls, as well as the floors and ceilings. Viewers then find themselves immersed, at the center of optical illusions in three dimensions whose only function, as the example in Liestal has already made clear, is to reveal the space. [&hellip;]</p> <p>&nbsp;</p> <p>Stocker readily talks about &ldquo;visual noise.&rdquo; This noise is produced, for example, by the intrusion of the diagonal line as a new dynamic that disrupts the known orthogonality of the grid. More recently, in her sculptural pieces, in which the grid seems to have been crumpled by some giant, the &ldquo;noise&rdquo; is that which follows in the imagination from the gesture applied to the painted surface in the hollow of the hand&hellip; or which is read, as a result, in the musical score of the distorted lines. [&hellip;]</p> <p>&nbsp;</p> <p>Whatever changes are made to the basic grid, they render Stocker&rsquo;s pieces imperfect, like systems without logic. Those pieces are not always the result of something that is added, but also of something that is taken away. They often come across then like missing families that have apparently disappeared in succeeding layers. For example, one counts three superimposed layers of white squares in the grid decorating the Tonspur passage of Vienna&rsquo;s Museumquartier &nbsp;before any trace of the black orthogonal lines eventually makes its way through. Fascinated by blanks which constitute gaps, openings or silences, the artist spoke about the long-term installation she recently did in Metz for the Mazelle parking garage opposite the Pompidou Center and explained that &ldquo;the weft demonstrates that a structure is always something other than the sum of its parts. The <em>illusory</em> character of the motif should awaken the viewer&rsquo;s curiosity.&rdquo; [&hellip;]</p> <p>&nbsp;</p> <p>In the year 1997, the artist set up a kind of alphabet. And from that initial alphabet there emerges not only a veritable vocabulary but a form of literature. This is all the more obvious in the space when the geometrical system becomes less rigid and other parameters have to be taken into account, like light or the viewer&rsquo;s movements around the venue. Dictated by a more or less sustained pace, those movements indeed allow one to verify that a spatial geometry cannot be as strict as on a canvas since with movement, it is being endlessly distorted, superimposed, endlessly disappearing and springing back to life&hellip; in favor of a variable imagery.</p> <p>&nbsp;</p> <p align="right">Karine Tissot</p> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> <p><strong>&nbsp;</strong></p> <p><strong>With the support of</strong> Forum Culturel Autrichien</p> Tue, 07 Jul 2015 13:49:24 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Tarik Kiswanson - Galerie Almine Rech - September 5th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">In Tarik Kiswanson&rsquo;s works, the&nbsp;<em>body</em>&nbsp;is never a full mass or a material reliant on itself. On the contrary, it is a structure, in the proper sense of the term, primarily ephemeral and immaterial, where the space in between plays a major dynamic role.</p> <p style="text-align: justify;">These metal surfaces, carefully crafted by the artist, impose on the viewer a presence that is both ungraspable and threatening due to their hard edges and angles, their slender tips, and their multiple reflections.</p> <p style="text-align: justify;">The oxidized soldering stains take on a pictorial dimension as they splatter all the colors of the spectrum here and there, across the shiny, highly-polished surfaces. Reduced to its frame lines, to its bare bones, a dysfunctional and skeletal furnishing is deliberately stripped of its function as a showcase or as a storage. The artist places it on the floor or hangs it on a wall, sometimes close to some fascinating blind masks (or the negative forms left of their components) hung on the wall like reliefs, and reminiscent of Naum Gabo and Anton Pevsner&rsquo;s experiments in African art.</p> <p style="text-align: justify;">Another remarkable aspect, these paradoxical objects are highly responsive to their spatial environment and also to their observer&rsquo;s proximity. Subtly balanced, they put into play the fascinating elasticity of metal as they vibrate with the contact of a hand or with the displacement of air. Over and beyond their constant historical and cultural resonance, forged in their author&rsquo;s dual Scandinavian and Arab roots, these works seem to stir our need as spectators weary of packaged and spluttering virtual images to react physically to the work.</p> <p style="text-align: justify;">Matthieu Poirier</p> <p style="text-align: justify;">____________________________</p> <p style="text-align: justify;">Tarik Kiswanson, a Swedish artist of Palestinian origin, born and raised in Sweden, presents a &ldquo;cosmology&rdquo; of new works.</p> <p style="text-align: justify;">Oscillating between East and West, the artist&rsquo;s work is based on principles of superposition of different cultural horizons and aesthetic contingencies. He also displaces the limit between art and design, and uses biographical elements to create what he calls &ldquo;ambiguous objects.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">Objects made of glass give rhythm to the gallery&rsquo;s space as symbols of extreme fragility while furtively displaying the question of filiation. Unstable and elegant, these glass pieces blown by the artist himself are totems showing his assimilation to manual process.</p> <p style="text-align: justify;">Some of the works rise up as characters within the gallery and spread out across the gallery&rsquo;s three rooms. A recurrent pattern in the artist&rsquo;s work, of brass or steel welded &ldquo;sharp&rdquo; sculptures, incarnates a multitude of silhouettes with anthropomorphic proportions. Part cages and part skeleton, these figures appear both rigid and flexible. Their obvious aggressiveness contrasts with the physical precariousness of their composition &ndash; this ambivalence underlines their vulnerability.</p> <p style="text-align: justify;">The body becomes materialized by its evident absence and though the works are motionless, they have a kinetic potential which can be perceived as metaphors of the instability of our society and of its modes of representation. Fluttering artworks are generated by the public&rsquo;s movement within the gallery while the various shapes&nbsp;accentuate the exhibition space, forming numerous similarities.</p> <p style="text-align: justify;">On the gallery&rsquo;s walls, metallic sculptures emerge from a formal hybridization between masks of European knights and metal nigabs worn by women in the Arabic peninsula until the early 19th Century. The spot welding left visible on these masks &ndash; the artist&rsquo;s real signature &ndash; magnify the gulf between those two entangled references while displaying the soldered stratum. Alloy flagstaffs are converted into post-minimalistic sculptures deprived of any practical purpose. Similarly, fencelike structures prevent the visitors from strolling around, finding within the exhibition a new dimension of sophistication, and of added value.</p> <p style="text-align: justify;">Ami Barak</p> <p style="text-align: justify;">____________________________</p> <p style="text-align: justify;">Born in 1986 at Halmstad, Sweden Tarik Kiswansonlives and works in Paris. He holds a DNSAP with commendation of the jury from &Eacute;cole Nationale Sup&eacute;rieure des Beaux-Arts (ENSBA), Paris (2014) and a BFA from Central Saint Martins College of Art and<br />Design, University of the Arts London (2011).</p> <p style="text-align: justify;">Since 2013, he has exhibited in several group exhibitions, most notably&nbsp;<em>Les mains libres</em>, L&rsquo;espace 251 Nord, Li&egrave;ge, Belgium (2015);&nbsp;<em>Compositions</em>, Metropolitan Art Society, Beirut, Lebanon (2015); the 60th edition of Salon de Montrouge, Montrouge, France (2015);&nbsp;<em>Ciel d&rsquo;Ether</em>, Brownstone Foundation, Paris (2014); and&nbsp;<em>Achievement</em>, Belv&eacute;d&egrave;re of the Palais des Beaux-Arts, Paris (2013). Recent solo exhibitions include&nbsp;<em>No Man is an Island</em>, Galerie 9, Lille, France (2015);&nbsp;<em>Embrayeur</em>, ENSBA, Paris (2014); and&nbsp;<em>Gently Told, Somehow Believed</em>, Friche Belle de Mai, Marseille, France (2014).</p> <p style="text-align: justify;">He has been awarded the Prix des Amis des Beaux-Arts / Prix Agn&egrave;s b. (2014).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Chez Tarik Kiswanson, le&nbsp;<em>corps</em>&nbsp;de la sculpture pose question en ce qu&rsquo;il ne consiste jamais en un volume plein, en une mati&egrave;re ferm&eacute;e sur elle-m&ecirc;me. Il s&rsquo;agit au contraire d&rsquo;une structure, au sens strict du terme, ici principalement a&eacute;rienne et immat&eacute;rielle, au sein de laquelle le vide, m&eacute;nag&eacute; entre les interstices, joue un r&ocirc;le dynamique majeur.</p> <p style="text-align: justify;">Les surfaces m&eacute;talliques de chaque oeuvre, d&eacute;coup&eacute;es et polies par l&rsquo;artiste, imposent au regardeur une pr&eacute;sence ambigu&euml; : celle, &agrave; la fois incertaine et mena&ccedil;ante, de leurs contours volontiers coupants, de leurs angles ac&eacute;r&eacute;s, de leurs pointes effil&eacute;es et de leurs reflets multiples.<br />Les traces d&rsquo;oxydation, produites sous l&rsquo;action de la soudure, prennent ici une dimension d&rsquo;ordre pictural en ce qu&rsquo;elles maculent, de toutes les couleurs du spectre, ces surfaces miroitantes. Ramen&eacute; &agrave; ses lignes de forces, &agrave; ses ar&ecirc;tes, un mobilier squelettique se voit ainsi sciemment priv&eacute; de son r&ocirc;le attendu de pr&eacute;sentation ou de stockage. Tant&ocirc;t pos&eacute; sur le sol ou accot&eacute; au mur, celui-ci c&ocirc;toie parfois des masques &ndash; voire les formes n&eacute;gatives de ceux-ci &ndash; qui, fix&eacute;s au mur tel des haut-reliefs, &eacute;voquent ainsi les exp&eacute;rimentations constructivistes de Naum Gabo et Anton Pevsner sur l&rsquo;art africain.</p> <p style="text-align: justify;">Autre qualit&eacute; notable de ces objets paradoxaux : ils sont pens&eacute;s pour &ecirc;tre r&eacute;actifs &agrave; leur environnement, tant sur un plan spatial qu&rsquo;humain. Sensibles &agrave; la proximit&eacute; de leur observateur, ils mettent en jeu la surprenante &eacute;lasticit&eacute; du m&eacute;tal. Relevant d&rsquo;un &eacute;quilibre subtil, c&rsquo;est-&agrave;-dire indiscernable au premier regard, ils vibrent au moindre contact de la main, au moindre d&eacute;placement d&rsquo;air. Porteurs d&rsquo;une constante r&eacute;sonance historique et culturelle, qui traduit la double origine, scandinave et arabe, de leur auteur, ces r&eacute;alisations d&eacute;montrent la n&eacute;cessit&eacute; d&rsquo;une r&eacute;sonance physique &ndash; r&eacute;elle &ndash; des oeuvres &agrave; la pr&eacute;sence d&rsquo;un spectateur l&eacute;gitimement lass&eacute; de l&rsquo;image-emballage ou du virtuel hoquetant.</p> <p style="text-align: justify;">Matthieu Poirier</p> <p style="text-align: justify;">____________________________</p> <p style="text-align: justify;">Tarik Kiswanson, artiste su&eacute;dois d&rsquo;origine palestinienne, n&eacute; et elev&eacute; en Su&egrave;de, pr&eacute;sente &agrave; la galerie Almine Rech une &laquo; cosmologie &raquo; de nouvelles cr&eacute;ations.</p> <p style="text-align: justify;">Oscillant entre Orient et Occident, l&rsquo;oeuvre de l&rsquo;artiste se fonde sur des principes de superposition de diff&eacute;rents horizons culturels et contingences esth&eacute;tiques. Il d&eacute;place aussi la limite entre art et design et s&rsquo;appuie sur des donn&eacute;es biographiques pour cr&eacute;er ce qu&rsquo;il appelle des &laquo; objets ambigus &raquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Des oeuvres en verre rythment l&rsquo;espace de la galerie comme autant d&rsquo;embl&egrave;mes d&rsquo;une fragilit&eacute; extr&ecirc;me et affichent subrepticement la question de la filiation. Instables et &eacute;l&eacute;gants, ces derniers souffl&eacute;s par l&rsquo;artiste sont, comme le pr&eacute;cise Tarik, des &laquo; totems &raquo; qui montrent son assimilation des processus artisanaux.</p> <p style="text-align: justify;">D&lsquo;autres oeuvres s&rsquo;&eacute;rigent tels des personnages sur la sc&egrave;ne de l&rsquo;exposition et se d&eacute;ploient dans les trois salles de la galerie. Motifs r&eacute;currents dans le travail de l&rsquo;artiste, ces sculptures &laquo;tranchantes&raquo;, en laiton ou en acier soud&eacute;, sont autant de silhouettes aux proportions anthropomorphiques. Entre cages et squelettes, ces figures sont &agrave; la fois rigides et flexibles. Leur agressivit&eacute; apparente tranche avec la pr&eacute;carit&eacute; physique de leur composition : cette ambivalence souligne ainsi leur vuln&eacute;rabilit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Le corps se mat&eacute;rialise par son absence manifeste, les oeuvres bien qu&rsquo;immobiles ont un potentiel cin&eacute;tique et peuvent &ecirc;tre interpr&eacute;t&eacute;es comme des m&eacute;taphores de l&rsquo;instabilit&eacute; de notre soci&eacute;t&eacute; et de ses modes de repr&eacute;sentations. Les &laquo; tremblements &raquo; sont insuffl&eacute;s par le d&eacute;placement du public au sein de la galerie et les formes ponctuent l&rsquo;espace d&rsquo;exposition comme autant de multiples similitudes.</p> <p style="text-align: justify;">Sur les murs de la galerie, des sculptures m&eacute;talliques sont le r&eacute;sultat d&rsquo;une hybridation formelle entre les masques de chevaliers europ&eacute;ens et les niqabs m&eacute;talliques port&eacute;s par&nbsp;les femmes dans la p&eacute;ninsule arabique jusqu&rsquo;au d&eacute;but du XIX&egrave;me si&egrave;cle. Les points de soudure, laiss&eacute;s visibles sur ces masques, v&eacute;ritable signature de l&rsquo;artiste, r&eacute;v&egrave;lent les t&eacute;lescopages imagin&eacute;s entre ces deux r&eacute;f&eacute;rences superpos&eacute;es, tout en exhibant les strates de leur fabrication. Tandis que des porte-hampes de drapeaux sont convertis en sculptures post-minimalistes d&eacute;pourvues de finalit&eacute; pratique, il en est de m&ecirc;me avec ces grillages rendant impossible les fl&acirc;neries des visiteurs, qui retrouvent dans l&rsquo;exposition, une dimension autrement sophistiqu&eacute;e, &agrave; la valeur ajout&eacute;e.</p> <p style="text-align: justify;"><br />Ami Barak</p> <p style="text-align: justify;">____________________________</p> <p style="text-align: justify;">N&eacute; en 1986, &agrave; Halmsatd, en Su&egrave;de, Tarik Kiswanson vit et travaille &agrave; Paris. Apr&egrave;s l&rsquo;obtention en 2011 d&rsquo;un B.A. au Central Saint Martins College of Art and Design, Universit&eacute; de Londres, il int&egrave;gre l&rsquo;E.N.S.B.A. de Paris ou il obtient un D.N.S.A.P. avec les f&eacute;licitations du jury en 2014. Depuis 2013, il participe &agrave; des expositions collectives telles que&nbsp;<em>Les mains libres</em>&nbsp;&agrave; l&rsquo;espace</p> <p style="text-align: justify;">251 Nord &agrave; Li&egrave;ge en 2015,&nbsp;<em>Compositions</em>&nbsp;au Metropolitain Art Society &agrave; Beyrouth,&nbsp;<em>Ciel d&rsquo;Ether</em>&agrave; la fondation Browstone &agrave; Paris en 2015 et &agrave; la 60&egrave;me &eacute;dition du Salon de Montrouge en 2015 et&nbsp;<em>Achievement</em>&nbsp;au Belv&eacute;d&egrave;re du Palais des Beaux-Arts de Paris en&nbsp;2014. Son travail a &eacute;galement fait l&rsquo;objet d&rsquo;expositions personneIles telle que&nbsp;<em>No Man is an Island</em>&nbsp;&agrave; la Galerie 9 de Lille en 2015 ;&nbsp;<em>Embrayeur</em>&nbsp;&agrave; l&rsquo;E.N.S.B.A. de Paris en 2014 ou encore<em>Gently told, Somehow Believed</em>&nbsp;&agrave; La Friche Belle de Mai &agrave; Marseille en 2014. Il a &eacute;t&eacute; Laur&eacute;at du Prix des Amis des Beaux-Arts / Prix Agn&egrave;s b. en 2014.</p> <p>&nbsp;</p> Mon, 31 Aug 2015 06:22:26 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list - Galerie Chez Valentin - September 5th 6:00 PM - 8:00 PM <p>*une exposition de groupe de la galerie 1900-2000</p> Wed, 29 Jul 2015 17:37:05 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Brian Kokoska - Galerie Chez Valentin - September 5th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">For his first exhibition at Valentin gallery, <em>Poison IV</em>, Brian Kokoska offers an installation that unfolds like a monochromatic total environment, home to a set of new paintings and sculptures. Initially limited to the plane of a painting, and then gradually extended to the exhibition space, the coloured tonality chosen for each series of paintings&mdash;in this case a swampy pale green and a ultimate-black&mdash;spreads its colour over the walls, carpet and ceiling, but also through sculptures and assemblages created from found items. All of the elements that make up this environment are merged and homogenised by an all-over chromatic, plunging the viewer into a layout whose spatial informations&mdash;depths, perspectives, scales, thickness, volume&mdash;are diminished and altered.</p> <p style="text-align: justify;">On the same principle as his previous projects, <em>Poison IV</em> treats the exhibition space like a three-dimensional image in which the viewer circulates more visually than physically. These spaces can by turns evoke the simplified and schematic codes of 3D modelling, TV scenery, or the reassuring symbolism of a child's bedroom, as well as the psychological conditioning strategies of rooms used for testing or detention. This tangle of references defines a fluctuating emotional context, stimulating childhood memories or perceptional constraints, revealing a space that is simultaneously magical or traumatic, warm and/or chilly. These antagonisms cancel each other out to give the feeling of a space that is impersonal, fuzzy and relatively abstract.</p> <p style="text-align: justify;">The figures that populate (haunt) this environment proceed from the same type of composition strategy, the artist using a repertoire that is just as reduced and schematic: spontaneous gestures, primary shapes, monochrome backgrounds and a deliberately limited lexicon. Tears, flowers, numbers, spiderwebs and crescent moons for example are so many motifs equivalent to eyes, mouths and bodies that attempt to form a &ldquo;persona&rdquo;. The unity of any identity representation or meaningful interpretation is de-coordinated by the proliferation of possible combinations between contradictory, fragmented signs, motifs and emotional registers. Derived from an effect of interlocked screens, these figures ceaselessly switch between divergent iconographic codifications&mdash;male, female, animal, vegetable, when mobilising and combining registers of abstraction, caricature, cartoons, diagrams or psychograms in a morphing structure.</p> <p style="text-align: justify;">With the aim simultaneously stimulating and arresting viewers' projective automatisms, like their natural tendency to anthropomorphise shapes or translate them into emotions or gender attributes, Brian Kokoska's painting draws its efficiency from its ability to imitate the breakdown of the identification process, to dismantle the attributes of the personality while at the same time redistributing them.</p> <p style="text-align: justify;">The human figure is treated as a schematic &ldquo;serial object&rdquo;. If contemporary societies produce identity standards fit for measurement and statistics, by facing/defacing the figure as a set of edgeless, shapeless signs that cannot be harmonised nor formally or symbolically, Brian Kokoska's figures evoke a state of simultaneous destruction and metamorphosis. It is a kind of sensitivity that the artist conceives as &ldquo;post-human&rdquo; ( that is also &ldquo;pre-mirror&rdquo; state), one that shows us our own poisoned reflection.</p> <p style="text-align: justify;">Brian Kokoska (b. 1988, Vancouver, Canada) graduated from the Emily Carr University of Art and Design. His work has been shown in numerous solo or two-person exhibitions in USA, Canada, Italy, Belgium, Mexico, including Preteen Gallery, Mexico City, East Hampton Shed, NY, Ohmydays, Singapore, American Medium, NY, Brand New Gallery, Milan, Johannes Vogt Gallery, New York, and a futur show at Smart Objects, Los Angeles. &ldquo;Poison IV,&rdquo; at Valentin, is his first show in France. Brian Kokoska lives and work in New York, USA</p> <p style="text-align: justify;">Text by Clara Guislain</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Pour sa premi&egrave;re exposition &agrave; la galerie Valentin, Poison IV, Brian Kokoska propose une installation qui se d&eacute;ploie comme un environnement total, monochromatique, accueillant un ensemble de nouvelles peintures et de sculptures. Au d&eacute;part limit&eacute; au plan du tableau, puis progressivement &eacute;tendue &agrave; l'espace d'exposition, la tonalit&eacute; color&eacute;e choisie pour chaque s&eacute;rie de peintures, ici un vert p&acirc;le mar&eacute;cageux et un noir &ldquo;ultimate&rdquo;, est d&eacute;clin&eacute;e sur les murs, les moquettes, le plafond, mais aussi &agrave; travers des sculptures et des assemblages r&eacute;alis&eacute;s &agrave; partir d'objets trouv&eacute;s. Tous les &eacute;l&eacute;ments qui composent cet environnement sont ainsi fusionn&eacute;s et homog&eacute;n&eacute;is&eacute;s par un all over chromatique, plongeant le spectateur dans un dispositif dont les informations spatiales - profondeurs, perspectives, &eacute;chelles, &eacute;paisseur, volum&eacute;trie - sont r&eacute;duites et alt&eacute;r&eacute;es.</p> <p style="text-align: justify;">Sur le m&ecirc;me principe que ses pr&eacute;c&eacute;dents projets, Poison IV traite ainsi l'espace d'exposition comme une image tridimensionnelle &agrave; l'int&eacute;rieur de laquelle le spectateur &eacute;volue moins physiquement que visuellement. Ces espaces peuvent ainsi tour &agrave; tour &eacute;voquer les codes simplifi&eacute;s et sch&eacute;matiques de la mod&eacute;lisation 3D ou du d&eacute;cor t&eacute;l&eacute;visuel, de la symbolique s&eacute;curisante de la chambre d'enfant, ainsi que les strat&eacute;gies de conditionnement psychologiques des salles de test ou de r&eacute;tention. Cette enchev&ecirc;trement r&eacute;f&eacute;rentiel d&eacute;finit un cadre &eacute;motionnel fluctuant, stimulant m&eacute;moire infantile et contrainte perceptive, r&eacute;v&eacute;lant de mani&egrave;re simultan&eacute;e un espace f&eacute;&eacute;rique ou traumatique, chaleureux et/ou gla&ccedil;ant. Ces antagonismes s'annulant pour donner la sensation d'un espace&nbsp;impersonnel&nbsp;, cotonneux et relativement abstrait.</p> <p style="text-align: justify;">Les figures qui peuplent (hantent) cet environnement proc&egrave;dent du m&ecirc;me type de strat&eacute;gie de composition, l'artiste utilisant un r&eacute;pertoire &eacute;galement r&eacute;duit et sch&eacute;matique&nbsp;: gestes rapides, formes primaires, fonds monochromes, lexique volontairement limit&eacute;. Larmes, fleurs, chiffres, toiles d'araign&eacute;es, croissants de lunes par exemples sont autant de motifs &eacute;quivalents aux yeux, bouches, corps qui tentent de constituer une &laquo;&nbsp;persona&nbsp;&raquo;. L'unit&eacute; d'une figuration identitaire ou d'une lecture signifiante est d&eacute;-coordonn&eacute;e par la prolif&eacute;ration des combinaisons possibles entre les signes, les motifs et les registres &eacute;motionnels fragment&eacute;s et contradictoires. Proc&eacute;dant par un effet d'&eacute;crans embo&icirc;t&eacute;s, ces figures basculent sans cesse entre des codifications iconographiques divergentes, masculin, f&eacute;minin, animal, v&eacute;g&eacute;tal, mobilisant et amalgamant aussi dans une synth&egrave;se flucutante les registres de l'abstraction, de la caricature, du cartoon, du diagramme ou du psychogramme.</p> <p style="text-align: justify;">Visant &agrave; stimuler tout en les tenant en &eacute;chec les automatismes projectifs du spectateur, comme sa tendance naturelle &agrave; anthropomorphiser des formes ou &agrave; les traduire en &eacute;motions ou en attributs de genre, la peinture de Brian Kokoska tire ainsi son efficience de sa capacit&eacute; &agrave; imiter la d&eacute;faillance du processus d'identification, &agrave; destructurer tout en les redistribuant les attributs de la personnalit&eacute;. Chez Kokoska, la figure humaine est en-visag&eacute;e (et d&eacute;-fac&eacute;e) comme un &laquo;&nbsp;objet s&eacute;riel&nbsp;&raquo; et sch&eacute;matique. Si nos soci&eacute;t&eacute;s contemporaines produisent des standards identitaires, aptes &agrave; la mesure et aux statistiques, en traitant la figure comme un ensemble de signes, sans bords ni contours et dont l'ad&eacute;quation ne peut pas se r&eacute;aliser, les figures de Brian Kokoska &eacute;voquent un &eacute;tat simultan&eacute; de destruction et de m&eacute;tamorphose. Un type de sensibilit&eacute; que l'artiste con&ccedil;oit comme &laquo;&nbsp;post-humaine&nbsp;&raquo;, qui viendrait nous d&eacute;signer notre propre reflet intoxiqu&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Brian Kokoska (b. 1988, Vancouver, Canada) est dipl&ocirc;m&eacute; de la Emily Carr University of Art and Design. Son travail a fait l'objet de plusieurs expositions personnelles ou collectives aux Etats-Unis, au Canada, au Mexique, en Italie, en Belgique, en Grande-Bretagne, ou encore &agrave; Singapour, chez Preteen Gallery, Mexico City, Arcadia Missa, Londres, Still House Group, Brooklyn, East Hampton Shed, NY, Ohmydays, Singapour, American Medium, NY, Brand New Gallery, Milan, Johannes Vogt Gallery, New York, et une exposition &agrave; venir chez Smart Objects, &agrave; Los Angeles. &ldquo;Poison IV,&rdquo;pr&eacute;sent&eacute;e &agrave; la galerie Valentin, est sa premi&egrave;re exposition en France. Brian Kokoska vit et travaille &agrave; New York, USA.</p> <p style="text-align: justify;">Texte de Clara Guislain</p> Wed, 29 Jul 2015 17:37:11 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Youcef Korichi - Galerie Eva Hober - September 5th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><em>Traverser le miroir</em> - M&eacute;riam Korichi</p> <p style="text-align: justify;">Les figures s&rsquo;isolent, regardent de plus en plus vers l&rsquo;int&eacute;rieur, regard qui creuse, cr&eacute;e l&rsquo;espace de la peinture. Les figures se d&eacute;tournent, offrant d&rsquo;abord un pur profil, et bient&ocirc;t un trois quart profil d&eacute;rob&eacute;, yeux fixes, r&eacute;solument tourn&eacute;s vers le centre, dedans. La ligne de fuite de leur regard&nbsp; forme un angle obtus avec la ligne du n&ocirc;tre, nous laissant contempler du dehors un &eacute;tat autarcique, une situation de concentration et de confrontation extr&ecirc;mes dans une spatialit&eacute; close sur elle-m&egrave;me : l&rsquo;enclos de la monade sans &laquo; fen&eacute;tres par lesquelles quelque chose y puisse entrer ou sortir &raquo;, comme le d&eacute;crit Leibniz. Les espaces cr&eacute;&eacute;s par la peinture de Youcef Korichi sont sans porte ou fen&eacute;tre.</p> <p style="text-align: justify;">Le vide s&rsquo;est fait a l&rsquo;int&eacute;rieur. Tout accident anecdotique est chass&eacute;, et s&rsquo;impose l&rsquo;impassibilit&eacute; qui vient du vide. La peinture a sculpt&eacute; des espaces int&eacute;rieurs, opaques, qui se creusent par le centre, par le dedans, par le dessous. Espaces clos prot&eacute;geant bien leurs propri&eacute;t&eacute;s par des toiles cir&eacute;es &agrave; la pr&eacute;sence imposante ou a la pr&eacute;sence m&eacute;t&eacute;orique, &agrave; la couleur sp&eacute;cifique, qui s&rsquo;impose selon&nbsp; l&rsquo;espace cr&eacute;&eacute; par le fond &eacute;pais et imp&eacute;n&eacute;trable, bleu azur, blanc laiteux, toiles cir&eacute;es aux surfaces r&eacute;fl&eacute;chissantes : la lumi&egrave;re est renvoy&eacute;e, qui ne traversera pas la chose. La chose reste intacte, inviol&eacute;e, boutonn&eacute;e, son contenu n&rsquo;est pas r&eacute;v&eacute;l&eacute;, demeure la, &eacute;pais et opaque, substantiel. Le contenu ne peut pas apparaitre sous peine de devenir apparences, reflets appauvris, tr&egrave;s &eacute;loign&eacute;s de la v&eacute;rit&eacute; des choses. On ne peut voir ce que les choses sont en elles-m&eacute;m&eacute;s. l\/lais si l&rsquo;on ne peut voir l&rsquo;en-soi, peut-&egrave;tre peut-on le saisir. C&rsquo;est la motivation propre de la peinture, ce qu&rsquo;elle est seule &agrave; r&eacute;ussir, son privil&egrave;ge. Cette intention paradoxale de la peinture, se d&eacute;tourner des images et de la repr&eacute;sentation, pour donner acc&egrave;s aux choses m&eacute;m&eacute;s, est celle qui anime Youcef Korichi. Il se fait g&eacute;om&egrave;tre pour augmenter, creuser, spatialiser la peinture. ll se fait m&eacute;taphysicien pour abandonner les simulacres et chercher le lieu propre de l&rsquo;&acirc;me, nu, sans pathos. Sas de passage. Regarder la peinture de Youcef Korichi, c&rsquo;est traverser le miroir. Plonger dans l&rsquo;enclos de la pens&eacute;e brute, sans l&rsquo;autor&eacute;flexion narcissique de la conscience, et ses illusions. Sentir l&rsquo;immanence en tension de l&rsquo;esprit en prise avec son effort propre. C&rsquo;est une force centrifuge qui &eacute;largit la perception des tableaux dans un hors champ dynamique, en extension.</p> <p style="text-align: justify;">Envergure de la force humaine. &Ccedil;a prend prise, &ccedil;a tire, &ccedil;a tient debout. &Eacute;quilibre qui nait de la tension et de la prise. D&eacute;termination de la volont&eacute; humaine sous la conscience vell&eacute;itaire. Le plan d&rsquo;existence s&rsquo;&eacute;largit en cons&eacute;quence, en cons&eacute;quence de la tension qui se joue avec l&rsquo;alt&eacute;rit&eacute;,&nbsp; l&rsquo;app&eacute;tit et la d&eacute;termination qu&rsquo;elle engendre. Une alt&eacute;rit&eacute; qui offre de la r&eacute;sistance et qui s&rsquo;accumule en plis. Ne pas se laisser tirer au point de perdre l&rsquo;&eacute;quilibre, ne pas se laisser ensevelir par les plis du temps. Demeurer dans l&rsquo;espace. Occuper de l&rsquo;espace. Vivre spatialis&eacute;. Sentir le principe ascendant et centrifuge qui cr&eacute;e l&rsquo;espace et chasse le temps. Des lors, la chair humaine est pour le peintre le champ de bataille, le lieu d&rsquo;un travail transgressif, quelque chose dont la connaissance et le traitement sont risqu&eacute;s, mais qui constituent pr&eacute;cis&eacute;ment l&rsquo;enjeu d&rsquo;un tel humanisme brut. Youcef Korichi met ici la chaire &agrave; nu, se d&eacute;tachant sur un fond dense, &eacute;pais, affront&eacute;e a une quasi absence d&rsquo;atmosph&egrave;re - puret&eacute; radicale du contexte. Compos&eacute;e par touches et frottements, la chair contraste avec les autres mati&egrave;res aux inerties diff&eacute;rentes, lisses, inertes, lourdes - steak sur du bleu. La chair est effervescente. Chimie &agrave; vif et en suspens. Le visage expose ses tissus ; ils sont per&ccedil;us dans leur fragilit&eacute; fondamentale, vou&eacute;s a l&rsquo;in&eacute;luctable d&eacute;composition, chair putr&eacute;fiable, violac&eacute;e mais ici conserv&eacute;e dans l&rsquo;air rar&eacute;fi&eacute;, tendue inexorablement, les yeux secs ouverts sur l&rsquo;effort. Pas froid aux yeux.</p> Wed, 22 Jul 2015 17:43:58 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Mira Dancy - galerie hussenot - September 5th 6:00 PM - 8:00 PM Wed, 15 Jul 2015 10:57:38 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Simon Boudvin, Eugène Dodeigne, Philippe Gronon, Isabelle Lartault, Takesada Matsutani, Claude Rutault, Fred Sandback, Michel Verjux - Galerie Jean Brolly - September 5th 2:00 PM - 8:30 PM <p>L&rsquo;&oelig;uvre de Michel Verjux &laquo; Mati&egrave;re noire et lumi&egrave;re blanche &raquo; a &eacute;t&eacute; le point de d&eacute;part de cette exposition collective qui interroge la sculpture et ses d&eacute;veloppements &laquo; &agrave; la limite du possible, au seuil du rien &raquo; selon la formule de Ren&eacute; Denizot.</p> Tue, 21 Jul 2015 16:09:34 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Diego Bianchi - Galerie Jocelyn Wolff - September 5th 5:00 PM - 7:00 PM Mon, 31 Aug 2015 17:14:46 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Alain Séchas - Galerie Laurent Godin - September 5th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">My Favorite Things<br /><br />En faisant ressurgir en peinture ses grands &eacute;chalas &agrave; t&ecirc;te de chats, Alain S&eacute;chas est-il en train d'&eacute;crire un chapitre de sa vie d'artiste ? (I will not make anymore abstract art ?) Il se pourrait que les tableaux qu'il expose aujourd'hui &eacute;clairent r&eacute;trospectivement ce tournant pictural amorc&eacute; il y a quelques ann&eacute;es, mais on peut croire aussi qu'ils sont autre chose et plus que cela: un manifeste personnel. Voici donc une s&eacute;rie de variations autour du couple comme figure et situation; couples en promenade ou (souvent) &agrave; la plage et qui pourraient &agrave; eux-seuls fonder un nouveau genre. S&eacute;chas peint des couples comme d'autres des animaux, des natures mortes ou des paysages. Il construit le tableau avec leurs silhouettes qui semblent prendre la mesure de la toile, mais il peut aussi arriver qu'il leur trace en vitesse un cerne apr&egrave;s s'&ecirc;tre engag&eacute; dans une harmonie de jaune et de bleu et les augmente d'un chien parfaitement dessin&eacute; pour leur donner une coh&eacute;sion et une certaine tenue (Chien vert et jaune d'or).<br /><br />Parce qu'elles r&eacute;pondent &agrave; l'id&eacute;e que chacun de nous peut se faire du tableau - celui-ci comme objet et vision commune de l'art - ces sc&egrave;nes de genre ont - malgr&eacute; leur tendance dominante au malaise ou &agrave; l'embarras - quelque chose de r&eacute;confortant. L'argument est r&eacute;duit &agrave; tr&egrave;s peu, l'humour mordant contenu dans une seule situation de base: le vivre ensemble, et les formats laissent peu de place aux envol&eacute;es lyriques. Il en r&eacute;sulte des situations &eacute;tranges o&ugrave; des taches rageuses figurent des serviettes d&eacute;cha&icirc;n&eacute;es par le vent, o&ugrave; un long trait noir vient tracer une d&eacute;marcation improbable entre sable, corps et mer (Serviette jaune), o&ugrave; des ombres de chats rouges se retrouvent emp&ecirc;tr&eacute;s dans des serpentins blancs qui tracent une sorte de mare sanglante (Rouges).<br /><br />Dans ces oeuvres faussement apais&eacute;es, S&eacute;chas s'invente une nouvelle fa&ccedil;on de retenir le coup, de manifester sa conscience aigu&euml; des limites de l'expression artistique et de son clivage entre artiste et citoyen. Deux volont&eacute;s semblent se disputer le pouvoir et l'orientation de l'oeuvre: le choix de l'impuissance comme moteur de la cr&eacute;ation (le c&ocirc;t&eacute; Nauman) ou la promesse de beaut&eacute; pour tous (le c&ocirc;t&eacute; Koons). D'un c&ocirc;t&eacute;, Promenade &agrave; Bruges o&ugrave; le ciel du Nord fournit l'argument d'une n&eacute;antisation des figures, ou Couple ocre et bleu (l'expression comme effacement, ou l'inverse); de l'autre, Bou&eacute;e rouge qui &eacute;voque un Buffet &agrave; la poursuite du Greco. Ainsi, l'adresse au peuple de promeneurs et de baigneurs que nous sommes est constamment travers&eacute;e d'intensit&eacute;s pures, de lignes abstraites qui peuvent figurer aussi bien un bord de serviette qu'un bras ou n'importe quoi d'autre. Chaque tableau se renforce de sa pr&eacute;sence au sein d'une s&eacute;rie, avec ce que cela suppose de monotonie, mais avec aussi ses d&eacute;couvertes et ses saisissements comme devant cette natte orange qui semble ramasser en elle tout un drame existentiel.<br /><br />S&eacute;chas brouille la distinction entre peinture m&eacute;taphysique (ces figures bloqu&eacute;es entre interrogation et exclamation, ces roues de v&eacute;lo qui, pos&eacute;es sur le sable, y fixent un regard et &eacute;bauchent un visage) et instantan&eacute;s (Chemin bleu, Moto rouge). A moins que la plage omnipr&eacute;sente ne signe ici la fin de la m&eacute;taphysique et le retour malencontreux &agrave; la gr&eacute;cit&eacute;. Dans cet entrechoc de l'id&eacute;al et du contingent, la force comique de la chronique sociale (encore pr&eacute;sente dans les peintures bleues sur papier) s'estompe au profit d'une recherche &eacute;perdue du sentiment oc&eacute;anique.<br /><br />Patrick Javault</p> Wed, 15 Jul 2015 11:08:27 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Lee Jin Woo - GALERIE MARIA LUND La Galerie Danoise - September 5th 5:00 PM - 8:00 PM <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>When listening, one can hear the silence, the snow falling and the slow floating of clouds. It is a question of availability. If one takes the time to look, to look again, to let go, far, inside a work by Lee Jin Woo, the silence of an enlarged space, of an extended time can also be heard&hellip; </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>N E C E S S I T Y </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">These works are born from an essential need: the artist&rsquo;s desire to merge with the matter, with nature, in the &ldquo;Being&rdquo;; to disappear. To succeed, he works to a point where it becomes a way of living; his work is a form of meditation, a way to let himself be absorbed in order for something to maybe emerge. Far from concepts and programs: working for the artist equals searching.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">In a brilliant essay to be published, Philippe Filliot writes about Lee Jin Woo<em>: &ldquo;Action and contemplation, gentleness and violence, effort and grace, raw matter and spiritual life, all these opposites coincide in the alchemic crucible of his &ldquo;grand oeuvre.&rdquo; </em></p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>D O U B T </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">In 2011, the artist was going through a period of intense doubt as he was struggling with a monumental painting where a crowd of figures proliferated. He remembered that, at the beginning of the eighties, soon after he moved to Paris, in a period of material and artistic distress, his only food - small white beans - had sprouted in a bowl&hellip; To see nature continue its own course when he was himself in a state of despair triggered new inspiration. Lee Jin Woo then &ldquo;buried&rdquo; the crowd in his painting &ndash; and his doubt with it - under a silent and obscure mass of black charcoal. In parallel, he sowed grass seeds on a big canvas covered with Hanji. A splendid lawn grew and that work represented the living and luminous counterpoint to the static wall of charcoal. The ensemble - walls of doubt, symbolic staircase motifs, salvific grass patches - were the components of the major exhibition that <em>Wall </em>(2012) became.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>T O W A R D S C A L M </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">In 2014, <em>By the wind the light </em>&ndash; the artist&rsquo;s fourth exhibition at the Galerie Maria Lund - suggested the imminent arrival of a renewal. It is now manifest: Lee Jin Woo&rsquo;s work has reached a state of fullness. His creations - between painting and relief - vibrate with luminosity; thinness and delicacy meet rough matters and manners. The viewer is free to receive the gift of effort and time that the artist offers him, free to follow, to let himself be absorbed as well in this quest for a bigger dimension inscribed in the strata of matter. Thus the spectator is carried along inside, without ever being able to completely apprehend the space given to him. <em>Noli me tangere&hellip; </em>but you can follow me.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">Spontaneously, we call these works &ldquo;landscapes&rdquo;. Contemplation landscapes, made of organic matters (Hanji paper, charcoal, pigments, ink) that have re-become nature and turned into vectors of transcendence.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>BEING ONESELF </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">In Korea, during the post-war years emerged a &ldquo;school&rdquo; of Korean contemporary artists, <em>Dansaekhwa </em>(&ldquo;School of white&rdquo;) or the <em>Korean Monochrome Movement. </em>These artists tried to set up a bridge between the country&rsquo;s cultural history and Western contemporary movements. Lee Jin-Woo belongs to the next generation. Like the <em>Dansaekhwa </em>artists, he felt the need to reconnect with Korean culture after the country&rsquo;s dramatic decades. However, if his work shows formal similarities with this movement (tri-dimensionality and the use of Hanji paper), Lee Jin Woo neither claims anything political nor carries concept. His work is personal; that one of person who left in order to look for and find a way to breathe. It is his breathing that his works carry.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>BACKGROUND </strong></p> <p style="text-align: justify;">Lee Jin Woo (born in 1959) regularly exhibits in Korea, China and Europe. <strong><em>Towards calm (vers le calme) </em></strong>will be his fifth solo show at the Galerie Maria Lund after those in 2007, 2009, 2012 and 2014. In 2006, the Galerie Manes in Prague welcomed a big exhibition of his work. Recently, the artist has been a visiting professor at the <em>Sichuan Fine Art Institute </em>in China to share his views on contemporary art. As this year celebrates Korea in France, the artist has been selected to participate in the exhibition <em>Seoul-Paris-Seoul </em>at the Cernuschi museum in Paris.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">** Hanji : means &laquo; Korean paper&raquo;. An ivory-toned, thin, opaque and resistant traditional paper, made from mulberry fibers.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;<strong>OPENING : </strong></p> <p style="text-align: justify;">Saturday, September 5th, from 5 to 8 pm with the artist present</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;<strong>LATE NIGHT : </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">Saturday September 12th until 9.30 pm</p> <p style="text-align: justify;">Thursday October 22nd until 10 pm (for the Parisian galleries nocturne/night showing)</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;<strong>A SUNDAY AT THE GALLERY </strong>:</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>Sunday, September 27</strong><strong>th </strong><strong>from 12 to 6 pm </strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong>The Mairie de Paris and the Comit&eacute; des galeries d&rsquo;art are</strong>exceptionally opening Parisian galleries in order to vote for the &ldquo;public grand prize&rdquo; for the best exhibition presented.</p> <hr /> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">&nbsp;<strong>En pr&ecirc;tant l&rsquo;oreille on peut entendre le silence, la neige qui tombe et le lent flottement des nuages. Tout est question de disponibilit&eacute;. Si l&rsquo;on prend le temps de regarder, de regarder encore, de se laisser aller, loin, &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur d&rsquo;une une oeuvre de Lee Jin Woo, on peut &eacute;galement entendre le silence d&rsquo;un espace &eacute;largi, d&rsquo;un temps plus vaste... </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>N E C E S S I T E </strong>Ces oeuvres naissent d&rsquo;un besoin essentiel : Le d&eacute;sir de l&rsquo;artiste de se fondre dans la mati&egrave;re, dans la nature, dans &laquo; l&rsquo;Etre &raquo; ; de dispara&icirc;tre. Pour y parvenir il travaille au point que cela devienne un mode de vie ; son labeur est une forme de m&eacute;ditation, une fa&ccedil;on de se laisser absorber afin que quelque chose &eacute;mane, peut-&ecirc;tre. Loin les concepts et les programmes : travailler &eacute;quivaut pour l&rsquo;artiste &agrave; chercher. Dans un texte magistral &agrave; para&icirc;tre*, Philippe Filliot &eacute;crit &agrave; propos de lui: <em>L&rsquo;action et la contemplation, la douceur et la violence, l&rsquo;effort et la gr&acirc;ce, la mati&egrave;re brute et la vie spirituelle, tous ces contraires co&iuml;ncident dans le creuset alchimique de son &laquo; grand oeuvre &raquo;</em>.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>D O U T E </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">En 2011, l&rsquo;artiste traversait une p&eacute;riode de doute intense tandis qu&rsquo;il luttait avec un tableau monumental o&ugrave; prolif&eacute;rait une foule de figures. Il s&rsquo;est souvenu qu&rsquo;au d&eacute;but des ann&eacute;es 80, peu apr&egrave;s son installation &agrave; Paris, alors qu&rsquo;il se trouvait dans une d&eacute;tresse mat&eacute;rielle et artistique, sa seule nourriture - des petits haricots blancs &ndash; avait germ&eacute; dans un bol... Voir la nature poursuivre son propre ordre du jour quand lui-m&ecirc;me &eacute;tait en proie au d&eacute;sespoir avait servi de d&eacute;clencheur et il avait retrouv&eacute; l&rsquo;inspiration. Lee Jin Woo a donc enterr&eacute; la foule de son tableau &ndash; et le doute avec - sous la masse silencieuse et obscure du charbon noir. Parall&egrave;lement il a sem&eacute; des graines sur une grande toile recouverte de Hanji. Une pelouse splendide a pouss&eacute; et cette oeuvre est devenue le contrepoint vivant et lumineux du mur immobile de charbon. L&rsquo;ensemble &ndash; murs de doute, symboliques motifs d&rsquo;escaliers, &eacute;tendues d&rsquo;herbe salvatrices &ndash; a compos&eacute; l&rsquo;exposition majeure qu&rsquo;a &eacute;t&eacute; <em>Mur </em>(2012). <strong>V E R S L E C A L M E </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">En 2014 <em>La lumi&egrave;re par le vent </em>- quatri&egrave;me exposition de l&rsquo;artiste &agrave; la Galerie Maria Lund - sugg&eacute;rait l&rsquo;arriv&eacute;e imminente d&rsquo;un renouveau. Celui-ci est &agrave; pr&eacute;sent manifeste : L&rsquo;oeuvre de Lee Jin-Woo est parvenue &agrave; une forme de pl&eacute;nitude. Ses oeuvres - entre peinture et relief - vibrent de luminosit&eacute; ; la finesse et la d&eacute;licatesse y rencontrent les mati&egrave;res et les mani&egrave;res les plus brutes. Le regardeur est libre de recevoir le don d&rsquo;effort et de temps que l&rsquo;artiste lui offre, libre de suivre, de se laisser absorber &agrave; son tour dans cette qu&ecirc;te d&rsquo;une dimension plus grande inscrite dans les strates de mati&egrave;re. Ainsi le spectateur est entrain&eacute; &agrave; l&rsquo;int&eacute;rieur, sans jamais pouvoir appr&eacute;hender totalement l&rsquo;espace qui s&rsquo;offre &agrave; lui. <em>Noli me tangere</em>&hellip; mais vous pouvez me suivre.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;">Spontan&eacute;ment, nous appellerons ces oeuvres &laquo; paysages &raquo;. Paysages de contemplation, paysages faits de mati&egrave;res organiques (papier Hanji, charbon de bois, pigments, encre) redevenues nature et mu&eacute;es en v&eacute;hicule de transcendance.</p> <p class="Default" style="text-align: justify;"><strong>ETRE SOI-MEME </strong></p> <p class="Default" style="text-align: justify;">L&rsquo;apr&egrave;s-guerre a vu na&icirc;tre en Cor&eacute;e une &laquo; &eacute;cole &raquo; d&rsquo;artistes contemporains cor&eacute;ens, <em>Dansaekhwa </em>(&laquo; L&rsquo;&eacute;cole du blanc &raquo;) ou le <em>Mouvement monochrome cor&eacute;en</em>. Ces artistes ont cherch&eacute; &agrave; &eacute;tablir une passerelle entre l&rsquo;histoire culturelle du pays et les mouvements contemporains occidentaux. Lee Jin-Woo appartient &agrave; la g&eacute;n&eacute;ration suivante. Comme les artistes de <em>Dansaekhwa, </em>il a ressenti le besoin de renouer avec la culture cor&eacute;enne apr&egrave;s des d&eacute;cennies dramatiques pour le pays. Cependant, si son oeuvre pr&eacute;sente des similitudes formelles avec ce mouvement (tridimensionnalit&eacute; et l&rsquo;emploi du papier Hanji), Lee Jin-Woo ne revendique rien de politique ni ne porte de concept. Son travail est &eacute;minemment personnel; il est celui d&rsquo;une personne partie pour pouvoir chercher et trouver une fa&ccedil;on de respirer. C&rsquo;est sa respiration qui est propos&eacute;e dans ses oeuvres.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>PARCOURS </strong>Lee Jin Woo (n&eacute; en 1959) expose r&eacute;guli&egrave;rement en Cor&eacute;e, en Chine et en Europe. <strong><em>Vers le calme </em></strong>sera sa cinqui&egrave;me exposition personnelle &agrave; la Galerie Maria Lund apr&egrave;s celles de 2007, 2009, 2012 et 2014. En 2006, la Galerie Manes &agrave; Prague a accueilli une grande exposition de son oeuvre. R&eacute;cemment, l&rsquo;artiste a &eacute;t&eacute; professeur invit&eacute; au <em>Sichuan Fine Art Institute </em>en Chine pour faire part de sa vision de l&rsquo;art contemporain. A l&rsquo;occasion de l&rsquo;ann&eacute;e de la Cor&eacute;e en France l&rsquo;artiste a &eacute;t&eacute; s&eacute;lectionn&eacute; pour participer &agrave; l&rsquo;exposition <em>S&eacute;oul-Paris-S&eacute;oul </em>au <em>Mus&eacute;e Cernuschi </em>&agrave; Paris.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> Sat, 25 Jul 2015 07:40:44 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list