ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/par/Events/show en-us 40 Bruce Nauman - Gagosian - Paris - May 21st 6:00 PM - 8:00 PM Fri, 15 May 2015 07:26:55 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Patrick Saytour - Galerie Chez Valentin - May 21st 6:00 PM - 9:00 PM Fri, 15 May 2015 11:02:38 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Jocelyn Villemont - Galerie Chez Valentin - May 21st 6:00 PM - 8:00 PM Fri, 15 May 2015 11:03:00 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Vivien Roubaud - In Situ / Fabienne Leclerc - May 21st 6:00 PM - 8:00 PM <div id="communique" class="tab-pane active"> <div class="row-fluid"> <div class="span8"> <p style="text-align: justify;"><strong>Gallery In Situ is pleased to present Vivien Roubaud&rsquo;s first solo show.</strong><br /><strong>Born in 1986, he recently graduated from the Villa Arson (National School of Fine Arts at the Villa Arson), in Nice, France. He obtained the Emerige R&eacute;v&eacute;lation award in 2014.</strong><br />&nbsp;<br /><br /><em>Vivien Roubaud defines himself as a &laquo;general handyman&raquo; : he selects and collects products gone to wast and fixes, combines and hybrids them to obtain &laquo;non-productive&raquo; machines, which are still animated thanks to the technical protocols that enabled their creation. Disfunction is a creative force, technologies are deconstructed to become techne, media: pieces from refrigerators and air conditioners produce an ice sculpture; a divided printer marks the floor, deconstructs the layout, changes its repositories; a crazy electric wire, dancing in space, animates some neons ... Frantic works, which find their &laquo;balance in catastrophe&raquo;.</em> <br />Marielle Chabal</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>La galerie In Situ est heureuse de p&eacute;senter la premi&egrave;re exposition personnelle de Vivien Roubaud. N&eacute; en 1986, il est r&eacute;cemment dipl&ocirc;m&eacute; de la Villa Arson, Nice. Il obtient en 2014 le prix R&eacute;v&eacute;lations Emerige.</strong><br /><strong>&nbsp;</strong><br /><em>Vivien Roubaud se d&eacute;finit lui-m&ecirc;me comme un &laquo; bricoleur g&eacute;n&eacute;raliste &raquo; : il s&eacute;lectionne et pr&eacute;l&egrave;ve des produits mis au rebut, puis les r&eacute;pare, les combine, les hybride, de mani&egrave;re &agrave; obtenir des machines &laquo; a-productives &raquo;, mais qui pourtant s&rsquo;animent encore gr&acirc;ce aux protocoles techniques qui ont permis leur cr&eacute;ation. La dysfonction est ici force cr&eacute;ative, les technologies sont d&eacute;construites pour devenir </em>techn&egrave;, media<em> : des pi&egrave;ces issues de frigidaires et de climatiseurs produisent une sculpture de glace ; une imprimante d&eacute;membr&eacute;e trace sur le sol, d&eacute;construit la mise en page, change ses r&eacute;f&eacute;rentiels ; un fil &eacute;lectrique fou, dansant dans l&rsquo;espace, anime un tas de n&eacute;ons d&rsquo;enseignes &hellip; Des &oelig;uvres fr&eacute;n&eacute;tiques, qui trouvent leur &laquo; &eacute;quilibre dans la catastrophe &raquo;.</em><br />Marielle Chabal</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><br />En parall&egrave;le &agrave; cette exposition, Vivien Roubaud participera &agrave; la seconde &eacute;dition de S&egrave;vres Outdoors, &agrave; la cit&eacute; de la C&eacute;ramique.<br />Du 20 mai au 25 octobre 2015</p> </div> </div> </div> Fri, 15 May 2015 15:11:00 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Em'kal Eyongakpa - Kadist Art Foundation - May 21st 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">Em' kal Eyongakpa approaches the experienced, the unknown as well as collective histories, through a ritual use of repetitions and transformation. He works with photography, video, sculpture, text, sound and performance.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">His residence at Kadist draws from a sonic experience during one of his Paris visits, in May 2013:&nbsp;<br />"Walking pass a street in the neighborhood of Ch&acirc;teau Rouge, street vendors negotiating with their clients left me with a feeling of displacement and nostalgia &mdash; a sense of familiar sounds struggling in a Parisian architectural setting. The rhythmic currency, negotiation codes to product names, all perculiar to open markets public spaces across central and west Africa and the nuances inbetween."</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;&nbsp;Fumbua&nbsp;! carton &agrave; 10 euros, 
bobolo&nbsp;! 3 pour 2 euros,&nbsp;<br />Safou, 8 &agrave; 5 euros, ceintures, arachide frais....&nbsp;&raquo;</p> <p style="text-align: justify;">For his experiment,&nbsp;<em>negotiations, chapter I-i</em>, Em'kal Eyongakpa composes a fragmented narrative from sounds recorded in Paris and Douala, in selected informal market settings, transport routes with excerpts from natural soundscapes or spaces where the objects of these negotiations are extracted. 
In these spaces of negotiations, identities are in constant mutation as the ancient confronts set urban codes. The dynamics of these spaces usually tend to mirror "maximalist" urban variants of ethnic music; like Bikutsi in Cameroun, Congotronics in RDC or even Juju in Nigeria.</p> <p style="text-align: justify;">
In&nbsp;<em>negotiations I-i</em>, the artist plays with undertones of negotiations and creolization of these highly political spaces. He attempts a dialogue between the intense anthrophony of these spaces in and with a "white cube".</p> <p style="text-align: justify;">&laquo;&nbsp;How could one capture the beautiful essence or energies of these spaces of constant negotiations without over-altering the &laquo;&nbsp;maximalist&nbsp;&raquo; nature of the loud and seemingly chaotic environments.&nbsp;&raquo;</p> Fri, 24 Apr 2015 14:55:40 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Channa Horwitz - Air de Paris - May 23rd 6:00 PM - 8:00 PM Fri, 15 May 2015 08:06:49 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Nicolas Roggy - Triple V - May 23rd 6:00 PM - 8:00 PM Fri, 15 May 2015 15:30:55 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Lynda Benglis, Dan Flavin, Sol LeWitt, Bruce Nauman, Beatrice Gross - Kamel Mennour - May 26th 7:00 PM - 9:30 PM Fri, 15 May 2015 15:14:13 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Graham Collins - Bugada & Cargnel - May 28th 6:00 PM - 8:00 PM Fri, 15 May 2015 10:21:05 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Loi Carrez, Luc Lapraye - Galerie Gabrielle Maubrie - May 28th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span>Pour cette premi&egrave;re exposition personnelle, Luc Lapraye impose, non sans une dose d&rsquo;humour et une franche radicalit&eacute;, un geste iconoclaste qui court-circuite autant les diktats de la fonction sociale des &oelig;uvres, que leurs mises en circulation par le march&eacute; et ses collectionneurs. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span>Market&amp;History est un diptyque antith&eacute;tique, &agrave; la fois envers et revers du cheminement emprunt&eacute; par le champ de l&rsquo;art aujourd&rsquo;hui, positif et n&eacute;gatif d&rsquo;un art contemporain cherchant &agrave; s&rsquo;affranchir autant d&rsquo;une Histoire , qui l&rsquo;enferme dans le carcan d&rsquo;un acad&eacute;misme, que d&rsquo;un march&eacute; en r&eacute;gulant le sens, la trajectoire et bien &eacute;videmment, le co&ucirc;t. Un art qui serait par cons&eacute;quent toujours d&eacute;j&agrave; jug&eacute; d&rsquo;avance, dont la valeur d&eacute;pendrait du nombre de z&eacute;ros, de ses ex&eacute;g&egrave;tes, et de tous ceux qui contribuent, de pr&egrave;s ou de loin, &agrave; l&rsquo;&eacute;mergence d&rsquo;une &oelig;uvre. Car si l&rsquo;un a l&rsquo;id&eacute;e, l&rsquo;autre la r&eacute;alise, un autre encore en permet l&rsquo;exposition, puis la vente, quand le critique en produit le commentaire &eacute;clair&eacute;, le collectionneur la plus-value, l&rsquo;institution la cons&eacute;cration, le visiteur, la d&eacute;couverte stup&eacute;faite. Un r&eacute;seau d&rsquo;interf&eacute;rence qui fonctionne au final comme un syst&egrave;me clos, autocentr&eacute; sur lui-m&ecirc;me, autoglorifi&eacute; par ses acteurs et ses d&eacute;tracteurs. Pr&eacute;lude &agrave; ce qui organise le plan de l&rsquo;exposition &laquo; loi Carrez &raquo;, ce diptyque annonciateur se veut l&rsquo;expression d&rsquo;un mouvement global, politique et critique, sp&eacute;culatif et subversif, centrip&egrave;te et centrifuge.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span>Sous ce titre &eacute;nigmatique, l&rsquo;artiste nous invite &agrave; consid&eacute;rer les diff&eacute;rentes surfaces exploitables. &Agrave; l&rsquo;origine, il s&rsquo;agissait de fournir &agrave; l&rsquo;acqu&eacute;reur d&rsquo;un &laquo; lot &raquo;, une superficie dite &laquo; loi Carrez &raquo;, du nom du d&eacute;put&eacute; UMP Gilles Carrez. Cette loi visait &agrave; am&eacute;liorer la protection des acheteurs d&rsquo;un bien immobilier, en mentionnant la superficie privative, et en excluant de ses calculs les pi&egrave;ces dont la surface sous plafond &eacute;taient inf&eacute;rieures &agrave; 1m80. Elle se voulait par cons&eacute;quent l&rsquo;&eacute;talon d&rsquo;une surface au m&egrave;tre carr&eacute;, dont le prix se mesurerait selon un ratio valeur/ surface.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span>L&rsquo;indice du prix de vente et de location au m2 d&rsquo;un bien immobilier n&rsquo;est pas sans rapport avec l&rsquo;escalade du prix d&rsquo;une &oelig;uvre sur le march&eacute; de l&rsquo;art. En vendant ses toiles au m&egrave;tre carr&eacute;, selon une nomenclature s&eacute;rielle et un fonctionnement en diptyque, Luc Lapraye met en place une mesure incitative : il accompagne le mouvement de sp&eacute;culation de l&rsquo;entreprise manag&eacute;riale de l&rsquo;art, d&rsquo;une part ; il d&eacute;nonce habilement le traitement publicitaire de cette derni&egrave;re, d&rsquo;autre part. Telle est l&rsquo;id&eacute;e, &agrave; la fois simple et sarcastique, de cet artiste &eacute;mergeant, dont le style &eacute;pur&eacute; n&rsquo;est pas sans rappeler la tradition de l&rsquo;art minimaliste ou conceptuel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span>&Agrave; la fois pragmatique et programmatique, avec tout ce que cela comporte de saugrenu et d&rsquo;ing&eacute;nu, cette proposition transpose de mani&egrave;re formelle le coefficient qualitatif/quantitatif. Tandis que l&rsquo;on pourrait croire que le prix des &oelig;uvres au m&egrave;tre carr&eacute; gonfle en proportion de la taille du bien, l&rsquo;artiste, &agrave; l&rsquo;instar du march&eacute; immobilier, inverse le postulat : plus la surface est petite plus le ratio est &eacute;lev&eacute;. Cette dimension paradoxale renverse les poncifs, et trouve dans ses oxymorons sa pointe achev&eacute;e. Clair obscur. Douce violence. Illustre inconnu. En apparence contradictoire, le rapprochement de ces termes condense une dynamique du temps pr&eacute;sent, comme en t&eacute;moignait derni&egrave;rement l&rsquo;ouvrage The Age of Earthquakes co-&eacute;crit par le critique et curateur Hans Ulrich Obrist. Il est temps d&rsquo;inventer un nouveau glossaire, de laisser les associations diverses d&eacute;ployer des lexiques improbables, dissonants, provocants. Ainsi &laquo; smupid &raquo; devient la contraction de smart + stupid, &laquo; stuart &raquo;, celle de stupid + smart. On pourrait dire que chez Luc Lapraye, les choses prennent la forme de ce couplage ambigu qui trouve, pour clore le parcours, son aboutissement dans l&rsquo;&oelig;uvre appropriation, doublement citationnelle : Nu(e) descendant l&rsquo;escalier de Duchamp s&rsquo;accouplant avec Fontana, la forme la plus concr&egrave;te et allusive.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span><br /> Dans une facture neutre, m&eacute;canique, et un mode de fonctionnement fond&eacute; sur un ratio, l&rsquo;exposition &laquo; loi Carrez &raquo; de Luc Lapraye est un d&eacute;fi lanc&eacute; aux g&eacute;n&eacute;rations pass&eacute;es et &agrave; venir.</span></p> Fri, 15 May 2015 11:19:14 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list WINSHLUSS - Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois - May 28th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">The topic he is more and more interested in, he says, is love. We are not sure we heard properly, we were rather expecting &ldquo;death&rdquo;. He explains: the couple. Domestic life, the one that often starts at Ikea, for the middle class. And where it also ends sometimes, as shows this post-apocalyptic vision of a store from the Swedish chain swallowed by a fantasy jungle, the parking lot now a cemetery for cars. Vision of defeat, yet also of an indecisive renewal, with tender pastel colours, and a similar composition to <em>The Embarkation for Cythera</em> by Watteau, but as if it had been dealt with by a Chinese painter from the last century.</p> <p style="text-align: justify;">For his third solo show at Galerie Georges-Philippe &amp; Nathalie Vallois, Vincent Paronnaud, a.k.a. Winshluss, well known by comic book aficionados for a few cult publications and the prize for best comic book at Angoul&ecirc;me (<em>Pinocchio</em>, 2008), looks at the love-hate ambivalence. This duality is already embodied in a recurrent pattern from his work, which he likes to refer to: Robert Mitchum's two fists in the film <em>The Night of the Hunter</em> by Charles Laughton, one bearing the word &ldquo;Love&rdquo;, the other &ldquo;Hate&rdquo;. Winshluss usually only represents the &ldquo;Love&rdquo; fist in drawings or sculptures, separated from the body, like a mutilation. This time, he offers us both hands, which is probably worse, both 1:1 scale glued on a handrail, in a pale resin, like a 3D ghost, and installed at the height of the viewer's eyes. These cut fists find an echo in four paintings representing severed fingers surrounded by insects, perhaps the sign of a sexual frustration if we recall the Freudian use Bu&ntilde;uel made of hands in <em>An Andalusian Dog</em>&hellip; Small phalluses wandering around on their own, but still ready to punch. At times, the only thing left is the shape of the fingers, or the holes in which to squeeze them: like this rumpled beer can, Next, or the American fist also tattooed with &ldquo;Love&rdquo; and nicely entitled <em>Dans ta gueule mon amour</em>. Which shows that emptiness needs filling.</p> <p style="text-align: justify;">The materials and the manner in which he expresses this ambiguity recall the world of the Mexican <em>calaveras</em>, offerings in the shape of a skull often made out of sugar, a festive vision of the afterlife, and even a fertile one as the <em>calavera</em> is supposed to nourish the deceased. In Winshluss' works, it is not sugar but ceramic or porcelain, with the same flowers as the ones found in <em>calaveras</em>, but fallen at the feet of the object, forming a kind of crown from which springs the skull or the fist. Variations on the tattoo and &ldquo;glory&rdquo; aesthetics. Death, or indeed love, is the great common lot, the vanity. Winshluss sometimes talks about the mediocrity of life: even when we think we have succeeded, we actually have failed, in a way. Perhaps then, this consciousness of failure could be a superior degree of success&hellip; In any case, there is always resurrection, redemption, may it be crucified on a piece of wood from Ikea.</p> <p style="text-align: justify;">It is almost like the triumph of death, if we accept the double meaning of genitive, objective and subjective. Death triumphs, as in <em>The man who killed the sun</em>, cheering fake cinema poster, but it is also a triumph over death: after all, the artist (who has represented himself as a warrior) is stronger than the sun. Once fire has been stolen, he lights it under his diorama's characters from <em>The Luncheon on the Grass</em>, after Manet, which brings us back to the couple, except that it is a trio: Dosto&iuml;evski's <em>The Eternal Husband</em> read by Ren&eacute; Girard? We are not on the grass, but below it (we can see the roots, not the dandelions), and we are far past lunchtime: the presuppositions implied by Manet are unveiled (prostitution, money) and the woman on the painting, the only one in the exhibition, is armed. She has already sorted the two men's cases out. We would readily see in this (semi-)victory the feminist key to the Winshlussian macabre dances.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Eric Loret</strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Le sujet qui l'int&eacute;resse de plus en plus, dit-il, c'est l'amour. On n'est pas s&ucirc;r de ne pas avoir entendu &laquo;&nbsp;la mort&nbsp;&raquo;. Il pr&eacute;cise : le couple. La vie domestique, celle qui commence souvent chez Ikea pour les classes moyennes. Et y finit parfois, comme en t&eacute;moigne cette vision post-apocalyptique d'un magasin de la cha&icirc;ne su&eacute;doise englouti sous une jungle <em>fantasy</em>, le parking devenu cimeti&egrave;re de voitures. Vision de d&eacute;faite, certes, mais aussi de renaissance ind&eacute;cise, couleurs pastels tendres, composition semblable au <em>P&egrave;lerinage &agrave; l'&icirc;le de Cyth&egrave;re</em> de Watteau, mais qui aurait &eacute;t&eacute; trait&eacute;e par un peintre chinois du si&egrave;cle pr&eacute;c&eacute;dent.</p> <p style="text-align: justify;">Pour sa troisi&egrave;me exposition personnelle &agrave; la galerie Georges-Philippe et Nathalie Valois, Vincent Paronnaud alias Winshluss, bien connu des amateurs de BD pour une poign&eacute;e de livres cultes et un prix du meilleur album &agrave; Angoul&ecirc;me (<em>Pinocchio</em>, 2008), se penche sur l'ambivalence amour-haine. Cette dualit&eacute; s'incarne dans un motif d&eacute;j&agrave; ancien de son &oelig;uvre, qu'il aime citer : ce sont les deux poings de Robert Mitchum dans le film <em>la Nuit du chasseur</em> de Charles Laughton, portant l'un le mot &laquo;&nbsp;Love&nbsp;&raquo;, l'autre &laquo;&nbsp;Hate&nbsp;&raquo;. Winshluss choisit d'habitude de ne reproduire que le poing &laquo;&nbsp;Love&nbsp;&raquo;, en dessin ou en sculpture, s&eacute;par&eacute; du corps, comme une mutilation. Cette fois, il nous offre les deux mains, ce qui est peut-&ecirc;tre pire, coll&eacute;es sur leur rambarde &agrave; l'&eacute;chelle 1:1, en r&eacute;sine p&acirc;le comme un fant&ocirc;me 3D, install&eacute;es &agrave; hauteur de regard du visiteur. Ces poings coup&eacute;s ont ailleurs pour &eacute;cho quatre peintures repr&eacute;sentant des doigts castr&eacute;s entour&eacute;s d'insectes, peut-&ecirc;tre le signe d'une frustration sexuelle si l'on se rappelle l'usage freudien que faisait Bu&ntilde;uel des mains dans <em>Un chien andalou</em>&hellip; Petits phallus qui se prom&egrave;nent tout seuls, mais encore pr&ecirc;ts &agrave; frapper. Parfois il ne reste plus que la forme des doigts, plus que les trous o&ugrave; les glisser : ainsi de la canette de bi&egrave;re froiss&eacute;e <em>Next</em>, ou du poing am&eacute;ricain marqu&eacute; lui aussi &laquo;&nbsp;Amour&nbsp;&raquo; et qui s'intitule joliment <em>Dans ta gueule mon amour</em>. Comme quoi le vide appelle le plein.</p> <p style="text-align: justify;">Les mat&eacute;riaux et la mani&egrave;re choisis pour exprimer cette ambigu&iuml;t&eacute; renvoient &agrave; l'univers des &laquo;&nbsp;calaveras&nbsp;&raquo; mexicaines, offrandes en forme de cr&acirc;ne humain dont il existe des versions en sucre, vision festive de l'au-del&agrave;, voire fertile puisque la calavera est suppos&eacute;e nourrir le d&eacute;funt. Chez Winshluss, ce sera non pas du sucre mais de la c&eacute;ramique ou de la porcelaine, avec les m&ecirc;mes fleurs que sur les calaveras, mais tomb&eacute;es aux pieds de l'objet, formant une sorte de couronne d'o&ugrave; jaillit le cr&acirc;ne ou le poing. Variations sur l'esth&eacute;tique du tatouage et de la &laquo;&nbsp;gloire&nbsp;&raquo;. La mort, ou l'amour donc, c'est le grand lot commun, la vanit&eacute;. Winshluss parle parfois de m&eacute;diocrit&eacute; de la vie : m&ecirc;me quand on croit avoir r&eacute;ussi, on a d'une certaine fa&ccedil;on rat&eacute;. Mais peut-&ecirc;tre alors cette conscience du ratage est-elle un degr&eacute; sup&eacute;rieur de r&eacute;ussite&hellip; De toutes fa&ccedil;ons, il y a toujours r&eacute;surrection, r&eacute;demption, f&ucirc;t-ce crucifi&eacute; sur un bout de bois Ikea.</p> <p style="text-align: justify;">C'est un peu le triomphe de la mort, &agrave; condition d'accepter le double sens du g&eacute;nitif, objectif et subjectif. La mort triomphe, comme dans <em>The man who killed the sun</em>, r&eacute;jouissante fausse affiche de cin&eacute;, mais c'est aussi un triomphe sur la mort : apr&egrave;s tout, l'artiste (qui s'est repr&eacute;sent&eacute; en warrior) est plus vif que le soleil. Une fois le feu vol&eacute;, il le met au cul des personnages du diorama le <em>D&eacute;jeuner sous l'herbe</em> d'apr&egrave;s Manet, ce qui nous ram&egrave;ne au couple, sauf que c'est un trio : <em>L'Eternel mari</em> de Dosto&iuml;evski relu par Ren&eacute; Girard ? On n'est plus sur l'herbe mais sous l'herbe (on voit les racines, pas les pissenlits), et on est surtout apr&egrave;s le d&eacute;jeuner : les pr&eacute;suppos&eacute;s du tableau de Manet sont mis &agrave; jour (prostitution, argent) et la femme du tableau, qui est la seule de cette exposition, est arm&eacute;e. Elle a m&ecirc;me d&eacute;j&agrave; r&eacute;gl&eacute; leur compte aux deux hommes. On verrait volontiers, dans cette (demi-)victoire, la cl&eacute; f&eacute;ministe des danses macabres winshlussiennes.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>&Eacute;ric Loret</strong></p> Fri, 15 May 2015 11:41:57 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Aurore Bagarry - Galerie Sit Down - May 28th 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">Depuis 3 ans, Aurore Bagarry travaille &agrave; la chambre 4x5 inch sur un inventaire des principaux glaciers du massif du Mont Blanc en France, en Italie et en Suisse.</p> <p style="text-align: justify;">A travers ce travail, cette jeune photographe s&rsquo;interroge non seulement sur le regard que nous portons sur les glaciers aujourd&rsquo;hui face &agrave; un ph&eacute;nom&egrave;ne climatique qui nous &eacute;chappe mais aussi sur la photographie comme d&eacute;marche de trace, de documentation d&rsquo;un paysage en transition. Quel regard poser sur la montagne aujourd&rsquo;hui, monument naturel remani&eacute; par&nbsp; l&rsquo;homme ? Quel sera l&rsquo;avenir des glaciers qui semblent fondre inexorablement et quels seront les</p> <p style="text-align: justify;">impacts de cette disparition sur le paysage ?</p> <p style="text-align: justify;">En 2013, ce projet a re&ccedil;u, pour sa r&eacute;alisation, le soutien du Centre National des Arts Plastiques, Fond d'aide &agrave; la photographie documentaire contemporaine et celui de la Mairie de Saint-Gervais-Les-Bains (Haute Savoie).</p> <p style="text-align: justify;">Le livre <em>Glaciers </em>&eacute;dit&eacute; avec le soutien du <strong>C</strong>lub <strong>A</strong>lpin <strong>S</strong>uisse <em>par les </em><strong>&Eacute;ditions h'Artpon </strong>accompagne cette premi&egrave;re exposition personnelle Avant d&rsquo;&ecirc;tre admir&eacute;e au XIXe si&egrave;cle, puis domestiqu&eacute;e et consomm&eacute;e au XXe si&egrave;cle, la montagne est source d&rsquo;appr&eacute;hension. Ainsi jusqu&rsquo;au XVIIIe si&egrave;cle, les <em>&ldquo;glaci&egrave;res&ldquo; </em>de la <em>&ldquo;Montagne Maudite&ldquo;</em>, l&rsquo;actuel Mont-Blanc, ne sont gu&egrave;re visit&eacute;es.</p> <p style="text-align: justify;">C&rsquo;est &agrave; un inventaire photographique de ces fameux glaciers que proc&egrave;de Aurore Bagarry et c&rsquo;est par une carte de ces flots gel&eacute;s que s&rsquo;ouvre son voyage. Le recours &agrave; la chambre photographique accompagne son exploration contemporaine. L&rsquo;infinie qualit&eacute; de d&eacute;tails et la totale maitrise technique des rendus de lumi&egrave;re et de couleur renvoie aux approches documentaires les plus exigeantes. Le style en est adopt&eacute; mais les choix de points de vue, de lumi&egrave;re et de cadrage troublent l&rsquo;impression de &ldquo;d&eacute;j&agrave; vu&ldquo;. </p> <p style="text-align: justify;">Ces glaciers ne ressemblent ni &agrave; ceux, actuels, issus de la conqu&ecirc;te sportive ni &agrave; ceux enregistr&eacute;s par les glaciologues contemporains ni encore aux images &rdquo; noir et blanc &rdquo; des glaciers d&rsquo;albumine, de collodion ou de g&eacute;latine qui ont pali avec le temps. La vision est revitalis&eacute;e ici, via la couleur, dans la rencontre extr&ecirc;me et sensible entre une jeune femme photographe et des sites qui, s&rsquo;ils ne sont plus consid&eacute;r&eacute;s comme maudits, n&rsquo;en restent pas moins fascinants.</p> <p style="text-align: justify;"><strong><em>Luce Lebart</em></strong></p> <p style="text-align: justify;"><em>Historienne de la photographie, Directrice des collections de la Soci&eacute;t&eacute; Fran&ccedil;aise de Photographie</em></p> <p style="text-align: justify;">---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------</p> <p style="text-align: justify;">Dans <em>Ascension</em><em>1</em>, l'&eacute;crivain suisse de langue allemande Ludwig Hohl (1904-1980) nous pr&eacute;vient : &ldquo;Les bons alpinistes sont presque toujours des &ecirc;tres laconiques.&ldquo; Tout dans son r&eacute;cit renvoie au rapport n&eacute;cessairement minimaliste que l'homme doit entretenir avec la montagne. Les deux h&eacute;ros du r&eacute;cit, partant &agrave; l'assaut d'un glacier, affrontant h&eacute;ro&iuml;quement et de mani&egrave;re tragique la duret&eacute; du milieu, incarnent &agrave; la perfection cette parabole quasi-nietzsch&eacute;enne : &ldquo;Celui qui gravit les plus hautes montagnes, celui-l&agrave; se rit de toutes les trag&eacute;dies qu'elles soient r&eacute;elles ou jou&eacute;es.&ldquo; 2 Le travail d'Aurore Bagarry s'inscrit tout &agrave; fait dans cette filiation qui fait de la repr&eacute;sentation de la montagne la mati&egrave;re d'une logique du retrait et de l'<em>&eacute;poch&egrave;</em>. L'<em>&eacute;poch&egrave; </em>comme la suspension du sens, comme la mise &agrave; distance d'une raison humaine qui ne peut rivaliser avec la puissance grandiose de l'&eacute;l&eacute;ment naturel.</p> <p style="text-align: justify;">En s'attachant &agrave; inventorier les glaciers de la vall&eacute;e du Mont-Blanc en France, en Italie et en Suisse, les photographiant entre juin et septembre, apr&egrave;s la fonte des neiges, Aurore Bagarry enregistre avec un objectivisme chirurgical le glacier comme pr&eacute;sence, mais aussi comme trace.</p> <p style="text-align: justify;">On pense &eacute;videmment ici &agrave; certains grands peintres romantiques, mais surtout au travail de photographes comme L&eacute;on Gimpel ou Walker Evans et Bernd/Hilla Becher pour la distance documentaire. Car il semble aujourd'hui difficile de travailler avec l'imaginaire du romantisme et son pathos du sublime : la rationalit&eacute; scientifique et ses multiples outils de mesures climatologiques ont eu raison de la m&eacute;taphysique des sommets.</p> <p style="text-align: justify;">C'est pr&eacute;cis&eacute;ment au sein de ce mouvement de d&eacute;sacralisation que s'inscrivent les photographies d'Aurore Bagarry. L'id&eacute;e de la trace, de ce qui survit &agrave; l'inexorable fonte des neiges, pose la question du statut de sa fixation sur le support photographique. Les multiples variations de formes des glaciers peuvent-elles encore se donner &agrave; voir par le photographe ? Ne sommes-nous pas confront&eacute;s &agrave; l&rsquo;irr&eacute;m&eacute;diable encodage du singulier par l'impressionnant maillage de donn&eacute;es de l'appareil technique ? C'est de cette tension que se nourrit ce projet d'Aurore Bagarry, ici en dialogue avec ce qu'une certaine m&eacute;ditation m&eacute;lancolique quant au devenir du monde moderne peut r&eacute;ellement signifier.</p> <p style="text-align: justify;"><strong><em>Vincent Chanson</em></strong></p> <p style="text-align: justify;"><em>Doctorant en philosophie</em></p> <p style="text-align: justify;">1 Ludwig Hohl, <em>Ascension</em>, trad.fr. Luc de Goustine, Paris, Attila, 2007.</p> <p style="text-align: justify;">2 Friedrich Nietzsche, <em>Ainsi Parlait Zarathoustra</em>, trad.fr. G.A. Goldschmidt, Paris, Le Livre de Poche, 1972, p.56.</p> Fri, 15 May 2015 14:42:53 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Celia Hempton - Galerie Sultana - May 28th 6:00 PM - 8:00 PM Fri, 15 May 2015 14:45:06 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Group Show - Galerie Suzanne Tarasiève - May 28th 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">A proposal by Romain Bernini &ndash; with the students of the organization STARTE (Student organization of Master 2 professionnel &laquo; Sciences et Techniques de l&rsquo;Exposition &raquo; &ndash; Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;<strong>Une proposition de Romain Bernini - avec les &eacute;tudiants de l&rsquo;association STartE</strong></p> <p style="text-align: justify;">L&rsquo;espace de la fronti&egrave;re n&rsquo;est pas seulement un entre-deux spatial (espace de transition) ou sociologique (m&eacute;tissage, communitas, marginalit&eacute;) mais bien un op&eacute;rateur n&eacute;gociable et n&eacute;goci&eacute;. La liminalit&eacute; fait de la fronti&egrave;re un espace o&ugrave; se construit la relation entre plusieurs parties, et o&ugrave; se red&eacute;finissent les parties en pr&eacute;sence. A consid&eacute;rer ses diff&eacute;rentes acceptions, la fronti&egrave;re renvoie aussi bien &agrave; des formes d&rsquo;a-territorialit&eacute; o&ugrave; elle questionne la formation d&rsquo;identit&eacute;s issues du mouvement, qu&rsquo;&agrave; un r&eacute;seau socio-technique reliant des objets, des acteurs, des lieux et des r&eacute;glementations ou encore &agrave; un sch&eacute;ma des rituels qui organisent le changement de statut social au sein de soci&eacute;t&eacute;s dites primitives.</p> <p style="text-align: justify;">Dans cet espace multiple donc, le corps r&eacute;agit, se conduit voire se comporte diff&eacute;remment &laquo;mais sait-on pr&eacute;cis&eacute;ment o&ugrave; il se brise, o&ugrave; il se courbe, o&ugrave; il se d&eacute;connecte et o&ugrave; il se rassemble &raquo; ? En reprenant cette question extraite d&rsquo;<em>Esp&egrave;ces d&rsquo;espaces </em>de Georges Perec, l&rsquo;exposition cherche &agrave; interroger la relation entre le corps et la fronti&egrave;re. Quelles sont les caract&eacute;ristiques de ce type d&rsquo;espace ? Comment le corps y &eacute;volue-t-il ? Dans quelle mesure se sent-il d&eacute;finitivement pr&eacute;sent au monde ?</p> <p style="text-align: justify;">Autant de questions que la rencontre des oeuvres pr&eacute;sent&eacute;es au sein de l&rsquo;exposition pose sans n&eacute;cessairement y r&eacute;pondre. Il s&rsquo;agit de r&eacute;v&eacute;ler un ensemble de notions qui traversent les r&eacute;flexions autour de la fronti&egrave;re : la mutation, la migration, l&rsquo;errance, les mythes, avec en point de mire l&rsquo;inqui&eacute;tude de voir le corps basculer d&rsquo;un c&ocirc;t&eacute; ou de l&rsquo;autre de la fronti&egrave;re, qu&rsquo;elle soit physique ou spirituelle.</p> <p style="text-align: justify;">Parcouru de courts dialogues &eacute;clairant ces m&ecirc;mes notions, l&rsquo;espace d&rsquo;exposition devient un terrain de r&eacute;flexion et d&rsquo;exp&eacute;rimentation via et autour des oeuvres. Il est l&rsquo;occasion de pr&eacute;senter une attitude curatoriale &agrave; plusieurs voix construite au fur et &agrave; mesure du choix des artistes. Le dialogue reste ouvert, il ne s&rsquo;agit pas de circonscrire d&eacute;finitivement le cadre de l&rsquo;exposition. Le visiteur a la possibilit&eacute; d&rsquo;organiser ses propres id&eacute;es, ses propres liaisons, comme un entre-deux encore vierge, &agrave; la mani&egrave;re du diagramme pr&eacute;sent&eacute; au sein de l&rsquo;exposition, retra&ccedil;ant le fil de pens&eacute;e des commissaires.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Sur l&rsquo;aimable invitation de Suzanne Tarasieve, l&rsquo;association STartE investira le LOFT 19.</strong></p> <p style="text-align: justify;">* Extrait du feuillet mobile intitul&eacute; &ldquo;Pri&egrave;re d&rsquo;ins&eacute;rer&rdquo;, <em>Esp&egrave;ces d&rsquo;espaces </em>de Georges Perec, Galil&eacute;e, 1974.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Association STartE</strong></p> <p style="text-align: justify;">STartE, fond&eacute;e en f&eacute;vrier 2008, est l&rsquo;association des &eacute;tudiants du Master 2 professionnel &laquo; Sciences et Techniques de l&rsquo;Exposition &raquo; de l&rsquo;Universit&eacute; Paris 1 Panth&eacute;on-Sorbonne sous la direction de Fran&ccedil;oise Docquiert.</p> <p style="text-align: justify;">STartE favorise la mise en r&eacute;seau et l&rsquo;&eacute;change entre les &eacute;tudiants en art issus de diff&eacute;rentes formations et les professionnels, en valorisant et en accompagnant des projets collaboratifs.</p> <p style="text-align: justify;">Au regard de la pertinence de ces projets, les initiatives de STartE ont &eacute;t&eacute; soutenues par l&rsquo;Universit&eacute; de Paris 1, d&eacute;partement Arts Plastiques et Sciences de l&rsquo;Art, la Mairie du 15&egrave;me, le Fonds de Solidarit&eacute; et de D&eacute;veloppement des Initiatives Etudiantes, le Crous ainsi que Monsieur Philippe Barth&eacute;lemy.</p> Fri, 15 May 2015 14:54:10 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Claude Nori - Polka Galerie - May 28th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">&laquo; L&rsquo;aventure d&rsquo;un photographe &raquo; est le titre d&rsquo;une nouvelle d&rsquo;Italo Calvino. Son h&eacute;ros est un photographe qui vit avec une femme qu&rsquo;il aime et ne cesse de photographier obsessionnellement car a-t-il d&eacute;cid&eacute; &laquo; la photographie n&rsquo;a de sens que si elle &eacute;puise toutes les images possibles &raquo;.</p> <p style="text-align: justify;"><br />Cette nouvelle, Claude Nori, artiste fran&ccedil;ais d&rsquo;origine italienne, l&rsquo;a adapt&eacute; en film dans les ann&eacute;es quatre-vingt en in�fluen&ccedil;ant tr&egrave;s certainement sa pratique photographique. Adolescent &agrave; Toulouse, sa timidit&eacute; l&rsquo;emp&ecirc;che d&rsquo;aborder les filles. La r&eacute;v&eacute;lation se produit avec la d&eacute;couverte de l&rsquo;appareil photographique et l&rsquo;invention du&nbsp;<em>flirt photographique</em>&nbsp;gr&acirc;ce auquel il capte en de rencontres &eacute;ph&eacute;m&egrave;res, visages et sourires de jeunes filles ne demandant qu&rsquo; &agrave; &ecirc;tre regard&eacute;es et fr&ocirc;l&eacute;es pour un moment d&rsquo;&eacute;ternit&eacute;.</p> <p style="text-align: justify;">Jouant du reportage et de la fiction, ses images, fruits d&rsquo;une esth&eacute;tique m&ecirc;lant dilettantisme et sens inn&eacute; de la g&eacute;om&eacute;trie, relatent des petites histoires aux parfums baln&eacute;aires dont les baisers et les tubes d&rsquo;un &eacute;t&eacute; doux et parfois cruel sont une marque ind&eacute;l&eacute;bile.</p> <p style="text-align: justify;">En couleur ou en noir et blanc, de livres en livres, Claude Nori poursuit sa qu&ecirc;te photobiographique en se r&eacute;f&eacute;rant sans cesse au cin&eacute;ma italien, aux actrices sensuelles qui ont fait sa gloire, aux amants c&eacute;l&egrave;bres de V&eacute;rone, ville natale de ses parents qui le hantent depuis son enfance. Cette nostalgie cr&eacute;ative s&rsquo;&eacute;panouit de Stromboli au Lido de Rimini en passant par Toulouse et Biarritz o&ugrave; il vit d&eacute;sormais avec Isabelle qui ne cesse de l&rsquo;inspirer pour de nouveaux voyages.</p> <p style="text-align: justify;">La galerie Polka est heureuse d&rsquo;annoncer la repr&eacute;sentation du travail de Claude Nori qui occupe une place tout &agrave; fait unique dans l&rsquo;histoire de la photographie fran&ccedil;aise en tant que photographe et cr&eacute;ateur des &eacute;ditions Contrejour qu&rsquo;il fonda &agrave; Paris en 1975. L&rsquo;exposition sera pr&eacute;sent&eacute;e du 28 mai au 1er ao&ucirc;t avec interruption du 23 juin au 04 juillet inclus.</p> <p style="text-align: justify;">28 MAI - 1 AO&Ucirc;T 2015 (INTERRUPTION DU 23 JUIN AU 4 JUILLET)</p> Fri, 01 May 2015 19:10:21 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list Babak Alebrahim Dehkordi, Peyman Barabadi - Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois - May 29th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><em>Persian precipice</em></p> <p style="text-align: justify;">&laquo;Abrakan&raquo; is a slippery terrain. First we need to take some precautions if we don&rsquo;t want to be sucked in these great maelstroms whirling towards the deep end of the paintings. We also need to be careful not to get caught in the grand narrative launched by the <strong>Peybak</strong> duet in this series. The title and subtitle seem to come straight from a never-ending Gothic fantasy with suspension points warning us that we are far from reaching the end. &laquo;<em>Somewhere, on the Abrakanian lands, beyond the sky, chaos comes after creation&hellip;</em>&raquo;. The tone is eloquent and audacious: we rarely read such hectic and grandiloquent catchphrases in the art world. We hear them on the television, on TV shows. &laquo;Geeks&raquo; also like these introductions often found in the video role games they play. Which already says this about Peybak&rsquo;s work: it must be very addictive.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Babak Alebrahim Dehkordi</strong> and <strong>Peyman Barabadi</strong> are two young Iranian artists(both 30 years old), who graduated from an art school in Tehran (where they met in a painting course in 2000), almost unknown in Europe (although their work is currently exhibited in Rheims, in the cellars of the Pommery estate). When we ask who feeds into their work, who is their artistic source, they answer that they have been &laquo;<em>influenced by Iranian poets, by stories</em>&raquo; and add that they do not possess &laquo;<em>any reference</em>&raquo;. Likewise, let us refrain from this temptation, to bring into the picture our own cultural baggage, from which we would take out, for this occasion, the colourful crowds of James Ensor, the picturesque humanity of J&eacute;r&ocirc;me Bosch, or even Claudio Parmiggiani and his crypt marked with red hand prints, which could even push us all the way to Edgar Allan Poe and his &laquo;<em>Descent into the Maelstr&ouml;m</em>&raquo;. And in fact it&rsquo;s too late, we are there, we are going right there.</p> <p style="text-align: justify;">The paintings presented at Galerie Vallois are a stepping stone towards the erection of &laquo;Abrakan&raquo;, an imaginary world in the shape, for the moment, of a boiling pot where a swarm of flexible and shapeless silhouettes mill about and slowly cook. This melting pot seems to possess a false bottom: we catch a glimpse, in some of the paintings, of a blue sky, at least an opening, onto what? That, we will discover later as the &laquo;Abrakan&raquo; project is due to grow. The premises have already been set down, not through paintings, but in animated films which were projected in an exhibition space. Tiny creatures were swarming on several screens and today, they show themselves on canvases, on metal plaques, or even on boxes of matches, just as agitated and excitable. What are they? A legitimate question as the two artists take the risk of hanging their work to make it look like a census, or more trivial, a &laquo;who&rsquo;s who&raquo; organisation chart. Hung one by one, the members of Abrakan saturate the walls of the exhibition space. What&rsquo;s more, the Peybak duet rejoices in the fact that &laquo;<em>there is not one similar to another. You cannot find two that are exactly the same, they say.</em>&raquo;</p> <p style="text-align: justify;">But in the paintings, we have to admit that this crowd of creatures forms a whole, a body. They are all clustered in a compact and moving swarm, pulled in luminous swirls. Their work process actually starts with the choice of colour. No strict monochromes, each painting is, nonetheless, limited to a restrictive palette, reddening, dark, blueish, ochre, greenish. These tones are those of the start, or the end, of the day. Once again, within the stories told by the artists, these paintings depict the creation of a world. No need to ponder on the biological appearance of their characters (their sperm look). Rather, we should insist on what is starting to take shape within these forms on the paintings. &laquo;Abrakan&raquo;, of course, but beyond it, it is an image of painting itself, the painting being made. The effervescent homunculi swarming on the paintings are, from far away, nothing else than brush strokes covering the painting, working to animate it, to fill it, to ignite it. &laquo;Abrakan&raquo; then becomes the terreplein of painting, between &laquo;creation&raquo; and &laquo;chaos&raquo;. &laquo;Abrakan&raquo;, in the end, is a precipice and a pictorial precipitate.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Judica&euml;l Lavrador</strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><em>Pr&eacute;cipice persan</em></p> <p style="text-align: justify;">C&rsquo;est un terrain glissant, &laquo;&nbsp;Abrakan&nbsp;&raquo;. Ce qu&rsquo;il faudrait d&rsquo;abord, c&rsquo;est assurer ses arri&egrave;res pour ne pas &ecirc;tre aspir&eacute; tout de suite par ces grands maelstr&ouml;ms qui tourbillonnent vers le fond des tableaux. Et puis veiller &agrave; ne pas &ecirc;tre trop vite happ&eacute; par le grand r&eacute;cit que le duo <strong>Peybak</strong> lance avec cette s&eacute;rie. Le titre et le sous-titre se donnent des airs de <em>gothic fantasy</em> interminable avec les points de suspension qui pr&eacute;viennent bien qu&rsquo;on n&rsquo;est pas pr&egrave;s d&rsquo;en voir le bout. &laquo;&nbsp;<em>Quelque part, sur les terres abrakiennes, par-del&agrave; le ciel, le chaos vient apr&egrave;s la cr&eacute;ation&hellip;</em>&nbsp;&raquo;. Le ton est &eacute;loquent et audacieux : on ne lit plus dans l&rsquo;art de formules aussi tr&eacute;pidantes et un rien grandiloquentes. On en entend &agrave; la t&eacute;l&eacute;, au g&eacute;n&eacute;rique de quelques s&eacute;ries. Ces amorces font aussi le bonheur des geeks quand ils se lancent dans un jeu de r&ocirc;le sur leur console. Ce qui dit d&eacute;j&agrave; ceci sur le travail de <strong>Peybak</strong> : qu&rsquo;il a tout l&rsquo;air addictif.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Babak Alebrahim Dehkordi</strong> et <strong>Peyman Barabadi</strong> sont deux jeunes artistes iraniens (ils ont trente ans), dipl&ocirc;m&eacute;s d&rsquo;une &eacute;cole d&rsquo;art de T&eacute;h&eacute;ran (o&ugrave; ils se sont rencontr&eacute;s dans les cours de peinture en 2000), quasiment inconnus en Europe (ils exposent toutefois en ce moment &agrave; Reims, dans les caves du domaine Pommery). Quand on leur demande qui nourrit leur travail, &agrave; quelle source artistique ils s&rsquo;abreuvent, ils r&eacute;pondent qu&rsquo;ils ont &eacute;t&eacute; &laquo;&nbsp;<em>influenc&eacute;s par des po&egrave;tes iraniens, par des histoires</em>&nbsp;&raquo;, et ajoutent qu&rsquo;ils n&rsquo;ont &laquo;&nbsp;<em>aucune r&eacute;f&eacute;rence</em>&nbsp;&raquo;. Au passage, on r&eacute;fr&eacute;nera donc cette autre tentation, celle d&rsquo;y aller de notre bagage culturel d&rsquo;o&ugrave; on sortirait, pour l&rsquo;occasion, les foules bigarr&eacute;es de James Ensor, l&rsquo;humanit&eacute; pittoresque de J&eacute;r&ocirc;me Bosch, voire Claudio Parmiggiani et sa crypte marqu&eacute;e d&rsquo;empreinte de mains rouges, laquelle nous inciterait &agrave; pousser jusqu&rsquo;&agrave; Edgar Allan Poe et sa &laquo;&nbsp;Descente dans le Maelstr&ouml;m&nbsp;&raquo;. D&rsquo;ailleurs, c&rsquo;est trop tard, on y est, on y va.</p> <p style="text-align: justify;">Les toiles pr&eacute;sent&eacute;es &agrave; la galerie Vallois sont une premi&egrave;re pierre pos&eacute;e &agrave; l&rsquo;&eacute;dification d&rsquo;Abrakan, un monde imaginaire en forme pour l&rsquo;heure de marmite bouillonnante o&ugrave; cro&ucirc;lent et cuisent une nu&eacute;e de silhouettes souples et difformes. Le creuset semble avoir un double-fond : on entr&rsquo;aper&ccedil;oit dans certaines toiles un pan de ciel bleu, un d&eacute;bouch&eacute; en tout cas et on verra vers quoi plus tard puisque le projet &laquo;&nbsp;Abrakan&nbsp;&raquo; est appel&eacute; &agrave; s&rsquo;&eacute;toffer. Les pr&eacute;mices en ont &eacute;t&eacute; jet&eacute;es, non pas dans des peintures, mais dans des films d&rsquo;animation qui firent l&rsquo;objet de projection dans l&rsquo;espace d&rsquo;exposition. Des cr&eacute;atures minuscules grouillaient sur plusieurs &eacute;crans et se montrent aujourd&rsquo;hui encore, sur toiles, sur plaques de m&eacute;tal voire sur des bo&icirc;tes d&rsquo;allumettes, tout aussi agit&eacute;es et intenables. Qui sont-elles ? La question se pose puisque les deux artistes se risquent parfois &agrave; un accrochage en forme de recensement, ou plus trivialement, de trombinoscope. Affich&eacute;s un par un, les membres d&rsquo;Abrakan saturent alors les murs de l&rsquo;espace d&rsquo;exposition. En outre, le duo <strong>Peybak</strong> se r&eacute;jouit qu&rsquo;&laquo;&nbsp;<em>aucune n&rsquo;est tout &agrave; fait semblable &agrave; une autre. Vous ne pouvez pas, dit-il, en trouver deux qui soient exactement les m&ecirc;mes</em>&nbsp;&raquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Mais, dans les peintures, force est de reconna&icirc;tre que cette foule de cr&eacute;atures fait corps, un seul corps. Toutes s&rsquo;agglom&egrave;rent dans une nu&eacute;e compacte et mouvante, entra&icirc;n&eacute;e dans des tourbillons lumineux. Le processus de travail commence d&rsquo;ailleurs par le choix de la couleur. Sans &ecirc;tre strictement monochromes, les toiles se tiennent chacune dans une palette restreinte, rougeoyante, fuligineuse, bleut&eacute;e, ocre ou verd&acirc;tre. Ces tonalit&eacute;s sont celles de la fin ou du d&eacute;but du jour. Encore une fois, dans l&rsquo;histoire que se racontent les artistes, ces toiles d&eacute;peignent l&rsquo;invention d&rsquo;un monde. Nul besoin de s&rsquo;attarder sur l&rsquo;allure biologique (on veut dire spermatozo&iuml;dale) de leurs personnages. En revanche, on peut insister sur ce qui est en train de prendre forme dans ces toiles. &laquo;&nbsp;Abrakan&nbsp;&raquo;, certes, mais au-del&agrave;, c&rsquo;est une image de la peinture elle-m&ecirc;me, en train de se faire. Les homoncules effervescents qui grouillent sur les toiles ne sont, de loin, rien d&rsquo;autre que des touches de pinceaux couvrant le plan du tableau, travaillant &agrave; l&rsquo;animer, &agrave; le remplir, &agrave; l&rsquo;enflammer. &laquo;&nbsp;Abrakan&nbsp;&raquo; devient d&egrave;s lors le terre-plein de la peinture, entre &laquo;&nbsp;cr&eacute;ation&nbsp;&raquo; et &laquo;&nbsp;chaos&nbsp;&raquo;. &laquo;&nbsp;Abrakan&nbsp;&raquo; est, au fond, un pr&eacute;cipice et un pr&eacute;cipit&eacute; pictural.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Judica&euml;l Lavrador</strong></p> Fri, 15 May 2015 11:45:24 +0000 http://www.artslant.com/par/Events/list http://www.artslant.com/par/Events/list