Chicago | Los Angeles | Miami | New York | San Francisco | Santa Fe
Amsterdam | Berlin | Brussels | London | Paris | São Paulo | Toronto | China | India | Worldwide
 
New York
宋美龄的中华传统文人生活及与故宫文物的牵连

 

 宋美龄的中华传统文人生活及与故宫文物的牵连

   
 
在宋美龄生日时举办故宫展览似乎成为了每年的惯例。1978年,故宫展出了宋美龄创作的14幅山水画、12幅兰竹画、11幅花鸟画。当时的报道也是不吝奉承之辞:“蒋夫人的山水画构图虽不繁杂,但能给观者带来安定感。”
% U7 T8 H, X/ e- |' W& Y
2000年1月,在当地华人报纸《世界日报》的主办下,宋美龄在纽约布鲁克林举办了人生中最后一场“蒋夫人展览会”。据说,参观者达到了1.3万人。宋美龄本人也坐着轮椅出现在了现场,与来访者进行交谈。+ D( S& \( k4 ~

展览中,一幅描绘着绽放的睡莲花的水墨画受到了众人的瞩目。画名为《荷花花间君子》,上面留有她的终生伴侣—蒋介石的题字:“风清时觉香来远,坐对浑忘暑气侵。”
( f3 G3 D* y8 e% c* |
从这幅画中可以看出,夫妻二人在用心经营着一种中华传统的文人生活。画卷与诗句本身或许并未达到极高的境界,但两人在中华的历史当中,也许是扮演了“皇帝与皇后”的角色。

<ignore_js_op>
 
91岁的宋美龄在1990年前往美国,人们怀疑,这些行李中藏着故宫的文物。因为她喜爱文物,在她生日或过节时,台湾统治阶级送上各自收藏的高价书画与瓷器。6 i9 I2 Z9 m/ R1 G: P! c% w% j' i
对宋美龄与故宫的关系进行考察。说起最常去故宫、并发挥着巨大影响力的政治人物,就必然要谈到宋美龄。5 r4 M9 B* N& u* c
9 u/ z5 p9 z' @2 E8 {% X
说到宋美龄与故宫的关系,海峡两岸的人一定会提出这样的问题:“宋美龄是不是把故宫的文物带到美国去了?”

这一传闻有着广泛的基础。即使我否定说“虽然不易证明,但应该没有此事”,人们还是不愿相信。4 q9 M0 C1 M0 F, y5 Z

这种怀疑的缘由,便是“宋美龄的97箱”的故事。
- s. a' O1 L1 h9 M' i# z+ }
1990年9月21日,台湾迎来了历史性的一天。这天清晨,搭载着“永远的总统夫人”宋美龄的中华航空客机从松山机场飞往美国。当时,宋美龄已是91岁高龄。她的丈夫蒋介石已于15年前去世,儿子蒋经国也已故去。总统的位置由生于台湾的李登辉接任。
7 ~2 u; Y1 _: ?, h2 @
中华航空的人员证实,宋美龄当天乘机时共带了97个箱子。

行李中的大部分是宋美龄所钟爱的旗袍与日用品。可能是因为在美国难以买到,她还带上了益于美容的燕窝。另外,她喜爱的书画、木制家具也都在行李之中。这些物品都被运到了位于纽约长岛的宋美龄的娘家———宋氏财阀所拥有的一座高级住宅里。" b( Q6 [& |5 [  ~) [8 X$ Z3 ]5 G

人们怀疑,这些行李中藏着故宫的文物。
) }# n2 d9 |$ r6 M. e4 K* }
<ignore_js_op>
- _4 C4 k! K9 c7 N/ X. r

9 b, p2 K2 q' \% D' I
但是,故宫已多次发布官方声明,表示这并非事实。故宫的文物都被详细记载到了清单之中,若有缺失,马上就能发现。即使是在对宋美龄不抱好感的民进党时代,故宫也未发现清单上的物品丢失,所以宋美龄“盗窃文物”的说法并不成立。

并不是说宋美龄没有做出过“公私不分”的行为。当故宫文物还被保管在北沟仓库时,她就经常命令管理员开门让自己观赏文物。工作人员在触碰文物时都要戴手套,但宋美龄从来都不会这样做,而是直接用手拿起文物细细观赏。拍摄下这种情形的照片就留下来好几张。5 _; a4 ^! c7 _' G: V0 p1 Y7 z" V
6 v3 ?  v$ R( ~6 A
宋美龄如此喜爱文物,台湾的官员自然不会视而不见。在她生日或过节时,送上各自收藏的高价书画与瓷器,已经成为了当时台湾统治阶级的习惯。

在这些赠品之中,自然会包括各位高官从大陆运来的故宫级文物。对于他们来说,给宋美龄送礼就相当于给蒋介石送礼,能为自己加一道保险。蒋介石生平对美术品与金钱向来不感兴趣,而宋美龄对现实利益的大度,是因为她是大财阀的千金,拥有如此大的实力。如果宋美龄前往美国时的行李中真的藏有大量的高价美术品,那么它们中的大部分应该都是各位高官送给她的厚礼。, C3 V3 p" s$ d& W" A- ?: _
, M$ Y/ t4 n4 \/ K' o2 k

宋美龄十分喜爱美术,小时候曾接受过欧美老师的指导,在西洋画方面得到了启蒙。在日中战争时期,著名画家张大千曾向她传授国画技法。国民党政权撤退到台湾之后,宋美龄获得了频繁鉴赏故宫文物的机会,技艺不断提高,对绘画的热爱甚至达到了废寝忘食的地步。晚年,她经常在官邸举办作品展览会,居住在台湾的张大千等著名艺术家纷纷前来捧场。宋美龄擅长山水、兰竹、花卉画。观看她的作品就会发现,其功底已经达到了相当高的程度。

或许是出于政治上的考虑,1975、1977、1987年,宋美龄的绘画开始以“蒋夫人山水画”的名义对外发售。此外,台北故宫(以下简称故宫)也会不时举办宋美龄作品的展览会。/ d# @) n9 u/ j6 h
# V- o; H, g  K) r  i: \
例如1973年3月,为庆祝宋美龄的生日,故宫举办了“兰竹展”。“兰竹”是东方绘画的主题之一,描绘的是兰花与竹子。其中,兰花代表着与世无争的贤德之士,竹子在严冬的风雪中依然能保持绿色,象征着高风亮节的君子。宋美龄的生日是3月5日,展览从3月14日开始,一直持续到4月末。

当时的报道(《中国时报》3月19日)称,除了故宫珍藏的蒋夫人水墨兰竹画、兰画、竹画之外,文征明、石涛、钱谷、周天球、王谷祥、陈淳等23名古代画家的作品也一并被展出。3 H+ |$ Q5 K$ ]+ ~1 s
/ j+ z6 \- p" i$ n
文章在大肆赞扬了宋美龄的作品之后评价道:“她的作品即使是在过去的名家之间,也展现出了特别的风格。”这令人感觉有些滑稽。

1998年,孔家将蓝丁顿的府邸卖给了一家地产开发商。宅子里家具、物品的拍卖引起《今日美国》、《财经日报》、ABC电视台等媒体的关注。这是因为数以万计的在美华人纷纷涌来这里,在宅子里走走看看,悄声交谈,琢磨着是否要拍下些什么。贵重物品都已经被带走,除了一对19世纪的法国烛台、一个19世纪的英国座钟、三幅宋美龄自己的油画,其他的物品都没什么特别。宋美龄本人也并未在这次家族用品拍卖时露面。

1999年12月13日9时,拍卖开始。据书里记载,由于人实在太多,拍卖被迫在两个小时后暂时停止,但人群仍不断涌来,并发生骚动,当地警方不得不出动了近30名警察维持秩序。那些来得早的人们则在房子里转悠,坐在宋美龄的床上,抚摸她的衣橱,或者在她的照片前摆姿势拍照。然而,人潮并未抬高成交价格,大部分东西都按照原来的估价售出,唯一例外的是一张平淡无奇的床,估价300美元,卖出了8000美元,据说宋美龄曾在这张床上就寝。

格雷西街10号的最后时光

宋美龄在曼哈顿的公寓位于格雷西街10号,是纽约最雅致的建筑之一,为孔令侃生前购买的一处房产。孔令侃在世时,就曾经多次对小姨宋美龄表示:“将来您老人家一旦不习惯在城外居住,随时可以搬到这所公寓里来。”不过那时,住惯了瓦房和低层楼房的宋美龄,并没有马上住进人声喧嚣的曼哈顿高层住宅区,直到1995年,她的身体实在难以承受城外就医不便等诸多实际困难 ,才在孔令仪的多次劝说下,搬进了这所高层住宅。

《最后的皇后》详细描述了这套公寓的装饰情况,它俯瞰东河,共有18个房间,包括7间主人卧室和许多仆人间。房内装饰以红色为主色调,大量运用了锦缎,地上满铺地毯。宋美龄的卧室放置着她的画像,起居室里有着美丽的翡翠、象牙,精妙的油画以及中式橱柜。

据一位格雷西街10号的住客说,宋美龄有三只小型犬,一只约克夏,还有两只比雄犬,“和女主人一起,它们也逐渐变得衰老而蹒跚”,一位纽约的专栏作家这样写道。这位专栏作家也提到,邻居们逐渐对碗碟和北京 烤鸭发出的刺鼻气味有了抵触,而最后,越来越多的蟑螂终于引来邻居们的抱怨。“检查人员过来进行探测,看看别人家的壁橱总是非常有趣的,而看这样一位曾大权在握的女人的壁橱更是如此,比如,有一个壁橱装满了金条。”

2000年的1月,宋美龄应《世界日报》之邀到法拉盛参观书画展览。开幕当天,她穿着一件黑色的长外套,低跟船鞋,佩戴着钻石耳环和一枚硕大的钻石戒指。两千多人蜂拥而至,大多数都是为了来看宋美龄的画作。两个月后,宋美龄的画作在旧金山展出,获得很高评价。

; I' f, E2 K" y& l
+ k+ ~# C: c9 Y* |/ D












Posted by Yuan Chu Chen on 3/29




世界名画后鲜为人知的故事

 

世界名画后鲜为人知的故事
 


《蒙娜丽莎》

文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》令全球无数人着迷,至今仍有许多人揣测画中女子的身份。有研究学者认为,画中人是一个名叫Lisa Gherardini的富家女。女孩的爸爸和达·芬奇的爸爸是好朋友,达·芬奇很可能是受父亲之命绘制了这幅肖像。

<ignore_js_op>

《最后的晚餐》

在达·芬奇最初创作的《最后的晚餐》里,耶稣在桌子下的脚是可以看见的。但是1652年,建筑工人在修建一个通道的时候不小心把壁画下方挖掉了一块,这幅达芬奇的巨作才变成了今天这个样子。

<ignore_js_op>

《星夜》

梵高的代表作《星夜》描绘的是法国南部的一个小镇圣雷米的夜景。事实上,创作这幅作品的时候,梵高正在这个镇上的一座精神病院里接受治疗。

<ignore_js_op>

《戴珍珠耳环的少女》

关于维梅尔这幅著名肖像画的画中人究竟是谁,一直众说纷纭。有研究学者猜测,画中这位戴珍珠耳环的少女正是画家的女儿——玛利亚。

<ignore_js_op>


《美国哥特式》
当格兰特·伍德准备创作这幅作品时,他原本打算让他的母亲担任画中女性角色的模特,但是他又担心长时间的站立可能对母亲的健康不利。最后,他让妹妹装扮成母亲的样子,并以此为原型完成了画作。

<ignore_js_op>

《记忆的永恒》
据说,达利创作这幅作品的灵感来源于他看到阳光下融化的芝士片。

<ignore_js_op>

《秋韵:第30号》

抽象表现主义绘画大师杰克逊·波洛克以他独特的“滴画法”闻名于世。他喜欢把巨大的画布平铺于地面,然后把颜料一层层的滴在画布上。在创作这幅作品时,艺术家使用了许多非常规的工具,例如棒子、小刀和毛巾等把颜料滴溅在画布上。

<ignore_js_op>

《坎贝尔汤罐头》

1962年,安迪霍沃尔在创作这个系列时,他根据当时市面上能够买到的32种口味的坎贝尔汤罐头创作了这32幅丝网版画。然而,艺术家并没有留下任何说明,这些版画应该按照何种顺序摆放。于是,在今天的纽约现代艺术博物馆(MoMA),这32张作品是按照罐头口味的字母顺序来摆放的。

<ignore_js_op>

《夜游者》

曾有传言说,爱德华·霍普是以纽约格林威治村的一家餐馆为原型创作了这幅作品。不过很快,艺术家就出面澄清,作品的原型是一家通宵营业的咖啡馆,并非真正意义上的餐厅。

<ignore_js_op>

《创造亚当》

西斯廷教堂的屋顶壁画是美术史上最大的壁画之一,而《创造亚当》又是整个天顶画中最动人心弦的一幕。为了方便的在教堂天顶作画,米开朗基罗和他的助手专门发明了一种新的支架,让他们可以轻松的站立并且抬手就能够到天花板。
Posted by Yuan Chu Chen on 3/29




美国如何保护艺术品版权

 

美国如何保护艺术品版权

美国在艺术市场较为成熟的,艺术品著作权法已经深入到影视制作、媒体应用等诸多方面,并有较为完善的机构,如艺术家版权协会等,较好地帮 助艺术家维护自身著作权益,并对艺术品的授权使用加以监督,维护了文化产业的合法、合理发展,通过影视作品中的艺术品版权问题及近期较为热点的“谷歌艺术 计划”,可以看出美国对艺术品著作权的严格保护。随着社会文化的发展,艺术品图像的使用已经渗透到生活的方方面面,艺术品图像版权已经成为日益严峻的问题。在艺术品创造巨大商业价值的同时,艺术家在展览、出版、收藏、流转、使用等各个层面被侵权的事件却无法及时解决,这在一定程度上阻碍了文化产业的良性发展。

影视作品是艺术品版权“重地”。3D版《泰坦尼克号》亮相国内院线,该片导演詹姆斯·卡梅隆用高科技手段重新制作了1997年颇受赞誉的影片《泰坦尼克号》,如果细心观察,会发现3D版影片中,某场景里出现的名画已经由毕加索的《亚维农的少女》变成了德加的作品。这其中的原因,便是艺术品版权问题。在1997年的《泰坦尼克号》中,毕加索的名作《亚维农的少女》出现在镜头里。这幅作品现存于美国现代艺术博物馆(MoMA)中,据了解, MoMA拒绝了卡梅隆希望使用该作品的请求,而在《泰坦尼克号》上映之后,可以看到,卡梅隆还是将《亚维农的少女》的图像稍加修改,放在了自己的电影中。卡梅隆的举动引发了美国艺术家版权协会(以下简称版权协会)的抗议。该协会目前为超过5万名艺术家和他们的作品保护版权,毕加索的作品也在其中。在艺术家版权协会的强烈要求下,卡梅隆同意为使用《亚维农的少女》支付相应的版权费用。15年后,《泰坦尼克号》3D版重返银幕,由于3D版的《泰坦尼克号》是一部全新制作的影片,版权协会希望与卡梅隆重新签署使用毕加索作品的协议。遗憾的是,协议最终未能达成。版权协会主席希欧德尔·费德尔说,当他去看3D版《泰坦尼克号》时,他注意到,1997年版《泰坦尼克号》中毕加索的 《亚维农的少女》换成了德加的作品,而这幅作品目前版权属于公开性的,可以在影视作品中使用。

《泰坦尼克号》与艺术品的关联并不是个案。不难发现,在很多影视作品中的镜头中出现过知名艺术品,如《布偶大电影》中出现的亚历山大·考 尔德的动态雕塑、《龙纹身的女孩》中出现的查尔斯·罗卡的绘画,以及即将上映的《云图》中出现的保罗·克利的作品《恐惧的面具》,这些作品的使用都是经过 版权协会的授权许可方能实现的。而据费德尔透露,未经版权协会授权、擅自使用艺术品图像的影视公司也不在少数,一些财力雄厚的制片公司不在乎法律诉讼和罚 金,他们往往根据镜头需要随心所欲地选择艺术品,而丝毫不考虑版权问题。

拍摄于1996年,描写美国街头艺术家让-米歇尔·巴斯奎特的传记影片《巴斯奎特》,该片导演朱利安·施纳贝尔没有向版权协会或是巴斯奎特的 家人申请艺术品授权,而是仿照巴斯奎特的风格,将自己创作的“巴斯奎特式”作品放入电影中。这样的举动在美国同样是违反《著作权法》的,在当时的文艺界造 成了不小的争议,最终,巴斯奎特的家人与施纳贝尔达成和解,放弃了诉讼,才使施纳贝尔免于受到法律制裁。除了影视作品之外,在业界颇受关注的“谷歌艺术计划”也是艺术品版权问题的集中体现。2011年,美国谷歌公司推出“谷歌艺术计划”,该计划旨 在与世界各地博物馆合作,利用街景技术拍摄博物馆内部实景,并以超高解析技术拍摄馆内历史名画,供全球网民欣赏。据悉,截止到3月,“谷歌艺术计划”的在 线博物馆项目已涵盖了151家博物馆的3万余件作品。而由于涉嫌版权问题,其中21件作品已于近期下线。据目前美国现行的著作权相关法律规定,当一件艺术作品卖给私人收藏家或是博物馆之后,创作该作品的艺术家本人仍然拥有该作品的一切版权,并将持续到艺术家去世后70年为止。因此,以《泰坦尼克号》中使用的《亚维农的少女》为例,根据现行法律规定,即使MoMA拥有毕加索的经典作品《亚维农的少女》,其作品版权依然 归毕加索所有,毕加索于1973年去世,其家人继续持有该作品的版权,直到2043年为止。如果有人想在网站、宣传品、设计产品以及影视作品中使用有关这 幅画的图像,必须征得毕加索家人的同意,而不是只和收藏作品的博物馆达成协议就可以的。

有不少20世纪的知名艺术家作品并未出现在“谷歌艺术计划”中,原因就是其版权拥有者并未给予谷歌相应的授权。“谷歌试图把版权责任推给博物馆,这对艺术家来说是不公平的。”费德尔说。对“谷歌艺术计划”的质疑并不是个案,不久前,托莱多美术馆要求“谷歌艺术计划”撤下亨利·马蒂斯的作品《休息的舞者》及其他20幅艺术品,也是由于这些作品的版权并不属于美术馆,美术馆无权将其使用。托莱多美术馆负责人凯莉·加洛表示,从公共文化普及的角度,“谷歌艺术计划”是一项值得肯定的探索,美术馆也很希望这些大师名作能够被更多的人 欣赏,但从版权保护的法律角度来看,“谷歌艺术计划”的确需要尊重艺术家的著作权。“我们需要找到一个折中的解决方式,让更多的艺术品走向公众。”加洛 说。业内人士指出,“谷歌艺术计划”体现出艺术品公共化与版权私有化之间的矛盾。曾参与处理过多起著作权纠纷案例的律师雷蒙德·多德说:“并不是所 有艺术家都反对‘谷歌艺术计划’,有很多艺术家愿意授权给谷歌,将作品与公众分享。”专家分析,信息资源的公开化体现了社会文化的进步,知识本就是平等 的,优秀的文化艺术作品也应当让更多的人共享,但在共享资源的同时,应当以尊重、保护著作权为前提,这样才能实现文化领域合理合法的良性发展。

Posted by Yuan Chu Chen on 3/29








艺术创作与卖价高低毫无关系

 

德国优秀艺术家马库斯认为:

艺术创作与卖价高低毫无关系

 

马库斯·吕佩尔兹(Markus Lüpertz),1941年4月25日生于波希米亚的莱布瑞克,1948年举家迁往德国西部。他曾干过一年煤矿工人,后在杜塞尔多夫学院学习,1962年到柏林。

1970年获得艺术奖学金资助,使他有机会在佛罗伦萨学习生活一年。次年,赢得德国批评家协会奖。1974年,参加首届柏林双年展。1977年,他拒绝参加第六届卡塞尔文献展。但是在1981年,他改变了主意,参加了该年举办的第七届卡塞尔文献展,同年,完成了歌剧《文森特》的舞台设计。

   1984年,他游览了纽约,并发表《纽约日记:1984》。1994年,参加“德国艺术1964-1994”展。吕佩尔兹是70年代最活跃的德国艺术家之一,擅长绘画和雕塑,他的作品为欧美多家大博物馆收藏。他还是一个诗人,出版有好几本诗集。变化多端和强烈的视觉冲击力是其艺术的特征。

   吕佩尔兹的艺术不回避政治,不回避历史,他冷静、大胆地直面当时分裂的日耳曼民族和德意志国家不光彩的纳粹时期,他把纳粹的一些标志和象征移用于自己的作品里,创造了极为独特而令人震惊的画面,充满隐喻和象征。吕佩尔兹自己也说:“我的画里充塞了对于未来的秘密符号,我自己不懂,观众也不明白。”

   马库斯·吕佩尔兹曾经说“80%购买艺术品的人不过是投资商而已,他们转手就会将刚刚买到的艺术品买掉。就我个人经历而言,我还没遇到过一位真正的艺术收藏家,长期保存艺术品,将它们留给下一代。大多数人在购买艺术品2、3年后就会再卖出去。这不过是一种新的做生意的方式。对于艺术市场的火爆,我只在一旁冷静地观望,因为这与艺术创作本身完全没有关系。最伟大的画家并不一定是卖价最高的画家。”

 

Posted by Yuan Chu Chen on 3/29




艾未未获国际人权组织大奖

 

艾未未获国际人权组织大奖

  艾未未

  3月24日,总部设在英国的人权组织“国际特赦”宣布将“2015年良心大使奖”颁发给中国异议艺术家艾未未和美国民歌手琼·贝兹,“以表彰他们为人权奋斗发声的杰出贡献”。国际特赦组织秘书长萨利勒·谢蒂在声明中说;“艾未未通过他的艺术工作,提醒我们,个人表达自己的权利必须得到保护,不仅是为了社会,也是为了艺术和人性。”

  国际特赦组织还宣布,艾未未与贝兹两人的颁奖仪式将于5月21日在柏林举行。但由于特殊原因,现年57岁的艾未未可能无法到柏林领奖。

  曼德拉、昂山素季曾获奖

  良心大使奖(Ambassador of Conscience Award)是“国际特赦”组织设立的人权奖,每年颁布一次,奖给那些促进保护、促进人权和人类良知的人。2003年首次颁奖,此前的“良心大使奖”得主包括:巴基斯坦少女玛拉拉·优素福扎伊、南非人权领袖曼德拉和缅甸反对派领袖昂山素季等。

Posted by Yuan Chu Chen on 3/29




英国艺术家用眼睛画画

 

英国艺术家利用眼球追踪技术 实现用眼睛画画

据赫芬顿邮报报道,最近一位英国艺术家格雷厄姆•芬克,在伦敦Riflemaker画廊举办了一个用眼睛现场作画的展览,它看上去就像一场魔法表演,但实际上它是纯艺术与高科技碰撞的结果。在“用我的眼睛绘画”这场表演中,艺术家芬克直挺挺地坐着,眼睛盯着电脑屏幕作画。 

 英国艺术家利用眼球追踪技术 实现用眼睛画画英国艺术家利用眼球追踪技术 实现用眼睛画画

  眼睛盯着屏幕就能画画了?这也太神奇了,双手终于解放了。

  你一定很好奇到底怎么用眼睛画画,是这样的,芬克利用瑞典拓比科技公司的眼球追踪技术,成功地用眼球画出肖像画。这项技术需要把一对红外线光投向双眼,双眼的移动轨迹会随之通过摄影机记录下来。之后,通过计算机演算规则系统放慢樊克明眼睛的自然震动,把颤抖的线条变得平滑。

英国艺术家利用眼球追踪技术 实现用眼睛画画

  英国艺术家利用眼球追踪技术 实现用眼睛画画

英国艺术家利用眼球追踪技术 实现用眼睛画画

 

  英国艺术家利用眼球追踪技术 实现用眼睛画画

  计算机化的眼球追踪技术已经存在了几十年,它已经被运用到了生活的方方面面,从市场分析到为残疾人设置的用户界面系统应有尽有。拓比近期将与不少硬件和软件合作伙伴一起开发为计算机工作站、游戏机甚至是汽车工作的眼球追踪输入设备。

  不过用这样的方式画画,艺术家的眼睛真让人放心不下。“如果画家连续画3个小时,会不会眼睛抽搐?”也有网友认为让画家掌握这样一项技术有点残忍,@once:“以后手残党要变成眼残党了。

  粗糙又诡异的风格

  粗糙又诡异的风格

  粗糙又诡异的风格

  粗糙又诡异的风格

眼睛控制画画

  眼睛控制画画

  眼睛还好吗?

  眼睛还好吗?

  画完之后会不会变成孙悟空?

 

  画完之后会不会变成孙悟空?

 

Posted by Yuan Chu Chen on 3/29




美国艺术家入驻公司蔚然成风 或开创新创作模式

 

 

美国艺术家入驻公司蔚然成风 或开创新创作模式

 

  自古至今,如何生存都是艺术家需要面临的亘古不变的问题。在商业社会没有出现前,艺术家是通过教堂等社会性机构谋生。然而,随着商业社会的迅速发展,在过去的几年里,一种全新的艺术家驻场项目悄然而生,这次的驻场项目不同的是赞助方都是大公司。公司赞助艺术家并不陌生,在旧金山,软件公司欧特克邀请艺术家,在6个月的时间内在公司进行艺术创作,并未他们创作的全部费用买单。脸谱公司也发起了自己的艺术家入驻项目,艺术家在公司的墙上和建筑物上进行艺术创作,脸谱公司需要为这些艺术创作支付报酬。

  Threadless服装公司聘请了一位涂鸦艺术家,科勒公司则聘请了一位视觉艺术家用工业材料进行雕塑创作。霍尼韦尔公司目前正在准备自己的艺术家入驻项目,并正在谋求借鉴其他公司经验。

  很多艺术家对于目前的公司艺术家入驻项目以及资金感到十分惊喜,对于那些能为艺术家打开更多创作空间的事情都是好事。

  当然天下没有免费的午餐,公司对于艺术家入驻项目有所期待。公司方面希望艺术家的作品和创意能够激发员工工作灵感,增加办公司装饰性以及情调等等;而艺术家则希望通过与公司合作,在公司这种新环境中创作出一些伟大作品。

Posted by Yuan Chu Chen on 3/29




美国艺术场馆建设5年投入160亿美元,中国呢?

 

美国艺术场馆建设5年投入160亿美元,中国呢?

近年来,美国境内一大批艺术机构纷纷新建、扩建其场馆建筑,从博物馆、演艺中心到乡村艺术俱乐部,盲目跟风的现象不在少数,另外,野心勃勃的信托商、自私的建筑师、不切实际的财务预算也对新建、扩建场馆起到了推波助澜的作用。据芝加哥大学文化政策研究中心最近一项调研报告显示,在2004年至2008年期间,各类艺术机构用于艺术场馆建设的资金高达约160亿美元。该报告针对全美500多家艺术机构的700多个艺术场馆建设项目进行调查后发现,这些场馆建设项目的经费从400万美元到3亿美元不等,费用排名前三的地区是纽约、洛杉矶、芝加哥。芝加哥艺术学院的投资项目是此次调研中经费最高的项目。调研报告指出,该学院投资3亿美元新建展馆,每年需要为展馆支出400万美元的运营费,为扩大募款规模,还将耗费870万美元用于募款基金的筹办和运营。巨额的建设和运营成本使得工程进展一直不顺利。2009年3月,展馆配楼建设完工时,参与此项目的工作人员人数一度达到顶峰。然而,由于该学院的财政预算无法满足高额的支出,随后不得不推出停工放假、拖欠工资、两轮裁员等资金削减政策。芝加哥大学文化政策研究中心的一名研究员提到,出现此类问题是因为这些机构分不清楚“想要”和“需要”的区别。很多项目建设的必要性和可行性受到报告专家组质疑:是否真的需要建设这个场馆?能否支付得起巨额的建设费用?庞大的后续运营开支如何解决?长期担任艺术管理顾问、该报告的顾问之一的杜肯·韦伯一针见血地指出:“应停止启动那些不具备资金可持续性的项目。”

 

报告同时指出,建筑师对泛滥的艺术场馆项目也难辞其咎,因为他们可以从中获利。他们会说:“项目是为你而建。”但其实,项目是为他们自己而建。每一个建成的场馆,都会成为建筑师个人事业成就的见证,可以拍照入册宣传并写入个人简历。此外,研究报告根据成功经验提出建议,供艺术机构、政府机构和赞助方参考。那些运营成功的艺术场馆往往具备以下特征:艺术定位清晰明确、监管严格、建设费用有节制、建成后有收入进账。目前,由于前车之鉴和经济衰退等原因,盲目新建场馆的趋势得到初步遏制,很多艺术机构开始倾向于改造已有的旧建筑。

 

在中国,从上个世纪90年代中期地产商介入美 术馆建设开始,诸多地产商投入到创办美术馆的大潮中来,其中不乏泰达、万达等地产巨头。在某种程度上,民营美术馆是伴随着地产行业的兴盛而逐渐兴起,并在 近几年形成一个新兴词汇“艺术地产”。据不完全统计,中国的民营美术馆中,有近七成为地产商出资。一场民营美术馆运动正在兴起,富有的地产企业及地产商本人成为这场运动背后最大的推手。不过伴随着兴盛,地产介入美术馆运动也充满争议。一个不争的事实是,迄今为止,在中国三线城市建造大型美术馆和艺术主题公园,几乎没有成功的先例,这些项目多是昙花一现,而借艺术之名与当地政府置换土地资源、为开发的楼盘增高附加值,这些美术馆“圈地”的批评声不绝于耳。美术馆,到底是地产蛋糕上的精致樱桃,抑或只是地产商借用套利的工具?

关于“圈地”的指责,从地产介入美术馆开始便如影随形。而这一指责的根源,主要在于诸多美术馆建成后却经营不善。上世纪90年代中期,由地产商华侨城承建和代管的国家何香凝美术馆经批准兴建,这是地产介入艺术领域的开端。中国首家民营美术馆今日美术馆当年第一次的展览场地即是售楼处,在此基础上完善后才成了一个美术馆。1996 年地产商陈家刚将上河坝项目开发为“上河城”,同期开始建立上河美术馆,并在1998年10月经成都文化局批准正式成立。这也是中国首批由民营企业创办的 私立美术馆之一。上河美术馆举办了十几次具有学术质量的当代艺术展,收藏了王广义、方力钧等艺术家的作品,但公司后来经营失败被银行全盘托管。这一因运作 不良而引起的“失败”,至此成为“圈地”指责的最主要理据。今年才开馆的银川当代美术馆同样遭到了质疑。早在数年之前,美术馆立项之初就曾遭到外界乃至业内人士的汹涌质疑。耗资1.5亿元的银川当代美术馆,是预算17.6亿元的文化艺术项目“黄河艺汇”的组成部分之一,由宁夏民生房地产开发有限公司投资。

打造美术馆不是一次性投入那么简单,需要持续投入才能发挥美术馆的职能作用,目的是通过投资换取政府手中的土地资源和扶持政策,并借艺术之名为开发楼盘增高附加值。的确有部分地产商把美术馆作为和政府换取土地的事实存在,但在另一方面,也有很多地产商其实在持续投入。一个比较受到认可的成功案例是运营至今已经12年之久的北京今日美术馆。2003年,今典集团将北京国际美术双年展周边展之“二手现实”当代艺术展引进到旗下苹果小区售楼处开幕。此售楼处的造价仅为300万元,在当时的北京是最便宜的售楼处,但是却因将当代艺术展览引进到售楼处,几乎吸引了当时所有的地产媒 体的报道。苹果小区至此也成了如今著名的“今日美术馆”。并且,今日美术馆并不是在买楼营销后就停滞不前了。今典集团的一个重要策略是在当时立即布局了艺术品市场的各个环节,比如画廊、艺术家。所以到后期美术馆真正运营起来时,各方面资源都能够匹配得上。今日美术馆如今已经独立运作,且已经实现收支平衡。

与此同时,地产商自身投身艺术品市场,做收藏、做艺术品投资也让其建设的美术馆实现了另一种功能。私人收藏在中国已经发展到一定程度,私人拥有很好的东西,也有不少的收藏家。但是谁能够更有序地将这些藏品去进行整理、集中和展示,为公众社会服务,这是一 个很重要的事情。世界上有很多私人的收藏家将自己的藏品演变成美术馆,最后形成董事会管理机构,或者捐给国家。私人美术馆的落足点就是如何更好地为社会服务,成为社会的共同财富。如何解决运营费用问题,也是目前摆在大部分私人美术馆、民营美术馆面前的难题。一项来自《金融时报》的数据显示,一个日常运营40人、展场面积4000平米的美术馆,每年的运营成本在2000万人民币左右。如果要举办高质量的展览,附 加上运输、保险、展品进出口等费用,运营成本还会进一步拉升。而这些费用,从目前来说,大多依然由美术馆的拥有者自己解决。

去年9月上海喜马拉雅美术馆举办的“托尼·格拉克: 雕塑与绘画上海展”。因涉及作品的进口,据美术馆方面一位工作人员称,保证金就高达千万。如果外方想要从民营美术馆借作品,民营美术馆也需申报临时出口,押金最高可达作品价值的四成。对于资金面本来就紧张的美术馆来说,这会产生巨大的额外压力。一个通常的做法是定期依靠出租场地获取租金收益,以维持美术馆自身的运营。将场地出租给别人办展览,是目前美术馆最主要的获利方式。当然这也会因此引发一 些问题,比如一些过来租场地的展览质量往往参差不齐,这对于美术馆本身对外的形象、品牌建设可能会有一些负面的影响。”郭丽说。此外,收取门票也成为大多民营美术馆共同的选择。即便是在艺术品拍卖市场上大手笔的刘益谦,其在上海投资建设的龙美术馆也实行门票制 。同时,一些美术馆开创了寻求其他企业、品牌赞助的“造血”之路。早在两年之前,今日美术馆已有约30个赞助商,包括汽车、金融、奢侈品、洋酒和五星级酒店等,不一而足。而比利时藏家夫妇尤伦斯建立的北京尤伦斯当代艺术中心,2007年成立之初主要依靠尤伦斯基金会的拨款。不过,美术馆通过自身艺术商店的经营和场地出租,已几近实现“造血”功能。一项公开的数据显示,该艺术中心自主经营收入从2008年的210万元,上升到2013年前九个月的2200万元,基金会的拨款也 从2008年的8600万元下降到今年的约2100万元。美术馆方面曾表示,艺术商店的收入已经占到美术馆总收入的55%。

Posted by Yuan Chu Chen on 3/27




自然界令人激动稍纵即逝瞬息万变的震撼时刻

 

自然界令人激动稍纵即逝瞬息万变的震撼时刻
 
瞬息万变的世界总是无时无刻的在给我们惊喜,这些稍纵即逝的时刻令人激动,却难以抓住。国外网站500px为我们评选了21幅震撼的瞬间作品。这是一个我们见过却来不及记录下来的世界,但它那么美令人无法遗忘。


<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

Posted by Yuan Chu Chen on 3/25








艺术创作成为商品生产!

 

艺术创作成为商品生产!

艺术品是艺术家才华的自我展示,是一种对艺术坚忍不拔的执着追求,是一份热爱、一份责任。当然在今天一切以金钱为中心的社会里,如果艺术不能成为商品,不能换取货币,其创作者的命运就是十分悲惨的。荷兰画家凡·高,生前画作没有没有被商品化,死后名声大噪的凡·高画作价值连城。凡·高生前生活十分悲惨,经常吃不上饭,饿昏了过去,严重地摧残了他的身心健康,凡·高当过店员、教师、矿区传教士,受矿区贫困生活的触动,开始画工人和农村生活,如《吃马铃薯的人》、《向日葵》、《农民》、《囚徒放风》,深刻揭露了那个社会的罪恶,尽管他的艺术成就极其辉煌,却不能为社会所容,最后被逼成精神病自杀。仅是绘画艺术就遭到这样的厄运,更何况反映人民悲惨生活的其他艺术呢?

艺术作品作为社会生活现实的反映离不开社会生活的客观条件,同时受社会制度和历史环境的影响。因此,艺术的商品化问题,必然与社会制度和社会生活紧密地联系在一起,随着社会制度的变化而变化,随着社会生活的发展而发展。艺术商品化是历史发展过程中的一种社会现象,社会要严肃认真地考虑艺术作品的社会效果。社会存在决定社会意识,艺术作为反映客观事物的表现形式之一,当然源于物质,源于社会生活实践,只能是社会生活的更集中、更典型的反映。艺术的商品化也是如此。在原始社会、奴隶社会,在生产力极为落后,生活资料、生产资料的交换只是停留在以物换物的简单的状态中,商品生产几乎处于没有任何影响力的地位。在这种情况下,艺术基本上不存在商品化。艺术的创作基于对生活的朴素的客观的反映,是对生活的直观描摩的艺术表现,或记述人类的生活现实,或美化生活内容,或图腾崇拜,满足当时人类的审美享受和心理需求。并不属于商品的艺术,是与当时的经济发展水平相适应的,艺术创作者的创作是社会生活的需要,是自娱自乐的需要,是创作主体主观意志对社会现实的自然表达,是一种展示创作者的艺术才华的纯艺术的精神追求。表达当时人们的一种审美需要,一种社会生活的精神享受和自发的艺术需求。这时的艺术不是为金钱而是为了艺术而艺术,既使在封建社会里,社会生活商品交换已经有了一定程度的发展,艺术仍然没有商品化。

今天,美国知名艺术家杰夫·孔斯绝对称得上“高产”。他每年出品10幅画作外加10座雕塑。在过去4年间,他有6件作品登堂拍卖,成交价在1100万至2500万美元(约合713.3万至1621.3万元人民币)之间。可是按常理说,一位娴熟的艺术家可能1年也画不完1幅画,孔斯是怎样取得如此丰硕的成果的?有知情者透露,秘诀就藏在他的工作室中。2011年5月的一个午后,记者走进孔斯位于美国纽约的巨大的工作室,亲眼目睹了令人震惊的一幕:房间的一面墙被一大块油布满满覆盖,十多名年轻的助手围着它忙碌。有人一手拿“作品创意”一手握刷子,蹲在油布的一角上色;有人正把几种不同的颜料混合在一起,调出想要的颜色;还有人登上脚手架,舒展开油布靠近房顶的部分……整个工作室,就像是一个大作坊,助手们就像一台台机器,在“作坊主”孔斯的监督下制造产品。一个年轻人告诉我:“这里有明确的等级和分工。我们只是最低等的助手,上面还有数名助理经理,再上面是一名主管,最高的是一名总监。每个人都分配有不同的任务,彼此之间没有什么合作。”孔斯对自己的角色也毫不掩饰:“我雇了150个助手帮我干活,自己无须动手,只要将创意跟他们说清楚,让他们照办就行。”“我全身心地监管每件作品的出产过程,周一到周五都在工作室,尽量不外出旅游。因此买家不用顾虑,你看,这些画跟我自己亲手画的没什么两样。”“那在您众多的作品中,哪一部分是自己亲手做的?”记者问道。孔斯狡黠地笑了:“哪部分?……我想是签名吧。

在美国艺术家圈子中,像孔斯这样高调承认靠工作室创作的不多,但聘请助手协助创作已经成了圈中默许的“规则”。随着全球艺术品价格水涨船高,艺术家们面临着“多产多赚”和需求增多的双重刺激。正如美国加利福尼亚州一家画廊的老板马克穆尔所说:“他们必须作出选择,要么聘请助手,要么自己亲手慢慢做,但万一赶不上敏感而无常的市场要求,他们就可能被抛弃。”大多数艺术家都不愿意冒这个风险。纽约著名画廊“齐姆和赖特”的股东亚当西弗尔称,自己画廊中的“大师级”作品中每6幅就有1幅是助手操刀的。在美国纽约州布法罗市的一家艺术画廊中,已故3年多的画家索尔 勒维特的作品正在展出。画家生前的助手约翰霍根肯定地说:“一笔都不是他的,最多仅仅是有勒维特的构想在里面。画廊的人也明白这一点,但居然没有人皱一下眉头。”霍根说得没错,这些画的真正作者是一支16人的团队,其中5名是勒维特工作室的助手,还有11名是画廊雇用的画家和学生,他们一起完成了总面积约204平方米的“勒维特画作”。相似的“奇迹”也发生在画家安杰拉克鲁兹身上,她5年前得了中风,手已经不听使唤,但打着她旗号的色彩鲜艳的油画,依然源源不断地被运进画廊。她直言不讳:“我会视工作量雇三四个助手,还有一个工作室主管。我给他们指导,他们做我想做的一切。只要我能说,就等于我能画。”

意大利文艺复兴时期伟大的雕塑家、画家米开朗琪罗说过一句名言:“人用脑子作画,而非用手。”这句鼓励创意的话现在成了很多美国艺术家依靠助手批量生产艺术品的借口。“况且,米开朗琪罗自己也严重依赖工作室的那帮人。”耶鲁大学艺术部的主任罗伯特斯特尔告诉记者:“几个世纪以来,艺术家使用学徒协助创作已屡见不鲜。印象派崛起后,这种工作室生产方式曾一度受到鄙视。但20世纪中期,随着安迪沃霍尔引领的流行艺术成为潮流,工作室再度大行其道,精益求精被‘多做多赚’的思想所取代,艺术家们只像建筑师那样绘画图纸,却把添砖加瓦的活儿丢给了一群助手。”

一位艺术评论家在接受记者采访时,则对工作室现象进行了尖锐的批评:“创意的确比实施更重要,但如果只有创意,那就是一个破破烂烂的木头框子,毫无意义。”毋庸置疑,成名艺术家们的“放手”为刚毕业、尚为生活挣扎的艺术系学生提供了一些机遇。他们可以跟从知名艺术家学习、实践,或许还能积累一点小小的名气,以后跳出去自立门户。为雕塑家奇奇史密斯工作了9年的助手卡尔 富奇不无辛酸地说:“从学校得到一个艺术学位不能让你出名,你必须找途径养活自己。”助手的工作因人而异,有的人一周工作一两天,持续几个月,也有的人整年整年地做着全职工。他们的收入并不高,平均每小时20到25美元(约合130到162元人民币)。

住在美国纽约的画家亚历山大古尔利兹基雇用了几名印度助手。“我不参与实际作画。”他告诉记者。不过每次画作定稿,古尔利兹基会把助手的名字写在自己的后面,给他们开工资和分红利时也很大方。他最得力的助手乌丁将他当做偶像来崇拜:“先生是个伟大的画家,他的画很有市场,我很开心这样为他工作。”乌丁居住的印度古城斋浦尔有3000多名画家,他们都很担忧自己所擅长的传统印度画技法会逐渐消失。为古尔利兹基工作,让乌丁的技法有了用武之地。不过,很多优秀的助手自己成了艺术家后,却很少愿意雇用别人。曾为孔斯工作过一年的助手本韦纳称,即使画廊以多挣钱为诱饵,让他提供更多作品,他也不会聘请助手。“我认为,其他任何人画我的画都没我自己画得好。我对画作的设想无法用语言描述。人们看我的画时,我希望他们看到我实实在在的印记。”在孔斯工作室的日子是他的“黑暗记忆”。“助手的工作没有丝毫原创性,只有画别人设计好的东西。孔斯从不对我们的技术作辅导,他只希望我们为他赚钱。”

一名叫斯科菲尔德的画家也对记者说:“艺术创作是一件非常个人化的事情。我只为自己的需要创作,而不是为了满足他人。”即使面对市场的压力,“我也不能随波逐流”。靠助手创作的作品充斥艺术品市场,也引起了收藏家们的极大不满。美国知名的现代艺术品收藏者贝丝鲁丁说:“我知道,现在有的艺术家用助手。我可以理解因为作品复杂需要帮助,但我确实更珍视那些由画家亲手绘制的作品。”在另一位收藏家迈克尔霍特看来,大师笔下的小瑕疵正是他们的“鉴宝依据”。如果发现作品太“完美”,或许就是助手参与制作的,“我们会毫不犹豫地走开”。“有一次,一位画家请我和妻子吃饭,恰巧他的助手上前来询问,我们大失所望,从此再没买过他的画。”

在我国封建时代,大多数艺术品并不是商品,或为了使用价值,或为了传承当时社会生活的内容,或纯粹是社会生活现实触动了艺术家的灵感,激发起其不可遏制的创作热情,那是生活对艺术家的触动,迫使艺术家有一种创作的巨大冲动,同时也是艺术家的一种艺术追求、才华展示、人生价值实现,甚或是一种不得不为之的社会历史责任和使命。比如中国封建时代许多传世之作,在当时,作者并不是为了资本而作,有好多作品连作者的名字都没有。如《金瓶梅》的作者兰陵笑笑生,究竟作者真实姓名是谁,谁都不知道,他不可能是为了商品化而作。曹雪芹创作《红楼梦》时,穷困潦倒,生活极为贫苦,他的创作决不是为商品化而作,而是出于作家艺术家对艺术的热爱,对社会生活现实不得不反映的一种责任,起码是一种艺术才能,艺术创作欲望的天性的能动表现。这种不是为资本而创作,不是为了资本家实现剩余价值而创作的艺术,基本上并没有商品化的成分。与国外成名画家雇用他人创作的“流水线”做法不同,中国画家的做法更像是“复愈”。“无名时模仿别人,有名后临摹自己。”这是中国画家普遍存在的现象。他们的画一般分“应酬画”和“精品”,“应酬画”主要卖给画廊和一些倒画的人,其题材、风格基本一样,画家一次性画个几十、上百张很正常。“精品”则主要卖给美术馆、博物馆及收藏家,“应酬画”的水平和“精品”自然会相差很多,价格同样相差好几倍。另外,艺术品市场上中国画以尺论价的传统模式沿用至今,这也直接导致了中国画家的消极回应。有的画家快人快语:“怎么画都是一个价儿,能少画两笔是两笔。”画家没了坚持创作的积极性,他们中的绝大多数最终难以摆脱重归画匠的命运。当人和人之间除了赤裸裸的利益关系,除了冷酷无情的现金交易,就再也没有任何别的联系了,艺术产品当然不可能不成为商品,一切向来受人尊崇和令人敬畏的职业:医生、律师、教士、诗人和学者都变成了的商品化也就自然而然。艺术的商品化也就自然而然了。人们首先必须有衣、食、住、行等物质条件,然后才能从事艺术、科学、宗教等等活动。

意识的产生和发展归根结底是受物质生产的条件所支配和限制的。即使是艺术这种特殊形式的意识形态也不能有丝毫例外。而在一个高度发达的商品化的社会里,离开金钱,能不能活下去都是问题,更遑论艺术创造。因此,艺术商品化是必然的。今天在以金钱为核心的社会里,在艺术创造者的艺术创造仍然是一种职业、是一种谋生的手段时,艺术的商品化是不可避免的。尽管有的创作主体,抱定纯艺术的执着追求,乐意为艺术而献身,但如果没有物质条件的保证,其创作也要受到相当大的影响。例如莎士比亚、巴尔扎克、雨果、莫泊桑、贝多芬、莫扎特等,是具有非凡的艺术感悟能力和创造才能的艺术家。在艺术商品化的社会条件下,他们为了生存,经过刻苦努力攀上了艺术高峰,创造出人类共同喜爱的艺术珍品。艺术的商品化,在一定程度上也能促进一些艺术品的创作。而艺术创作成为商品生产是造成艺术堕落的一种表现。艺术应该传播先进文化,支持健康有益文化,努力改造落后文化,弘扬人间正气,塑造美好心灵,风成化习,果行有德,为人民奉献最好的精神食粮,努力以自己的作品丰富人民群众的精神生活,提高人民群众的精神世界。这才是艺术创造应遵循的精髓。

Posted by Yuan Chu Chen on 3/25




世上奖金最高摄影比赛评选出炉

 

世上奖金最高摄影比赛评选出炉 

   


由迪拜王子Sheikh Hamdan Bin Mohammed Bin Rashid Al Maktoum 推动的摄影大赛“哈姆丹国际摄影大赛”(HIPA),早前公布了第四届比赛结果,大会主题为"Life in Color“,今年共收到60,162幅参赛作品,来自166个国家,共30,878为参赛者,总冠军由来自印度的Anurag Kumar夺得,奖金多达USD 120,000。

组别︰Life in Colour
总冠军
摄影师︰Anurag Kumar (印度)
介绍︰摄于印度节庆Holi
<ignore_js_op>


第一名
摄影师︰Aruna Bhat (印度)
介绍︰摄于印度喜马拉雅山脉一座佛寺
<ignore_js_op>


第二名
摄影师︰Zhang Xiangli (中国)
介绍︰摄于中国江西省亚洲绶带
<ignore_js_op>


第三名
摄影师︰Zeki Yavuzak (土耳其)
介绍︰图为土耳其高中女生,她在帮忙晒干红辣椒、茄子等,以赚取外快
<ignore_js_op>


第四名
摄影师︰Mujeeb Kizhakkechalil (印度)
介绍︰尝试在触摸经幡的小和尚
<ignore_js_op>


第五名
摄影师︰Fabrizio Moglia (意大利)
介绍︰摄于俄罗斯偏远的堪察加半岛
<ignore_js_op>


组別︰Faces (Black and White)
第一名
摄影师︰Rudoi Vladimirovich (俄罗斯)
介绍︰女孩名为Stella-Maria,摄于影楼
<ignore_js_op>


第二名
摄影师︰Kenneth Geiger (美国)
介绍︰摄于缅甸,图中20岁的Ma Ngua是一名女兵,带着M-016步枪
<ignore_js_op>


第三名
摄影师︰张志雄 (中国香港)
介绍︰摄于青海黄南县吾屯寺佛节,三名青海妇女在庆典上一同喝酥油茶。
<ignore_js_op>


第四名
摄影师︰Ali Zohari (阿联酋)
介绍:一位越南老妇人
<ignore_js_op>


第五名
摄影师︰Xyza Dela Cruz Bacani (菲律宾)
介绍:摄于香港
<ignore_js_op>


组別︰General
第一名
摄影师︰Harish Chavda (英国)
介绍︰摄于英国田径奥运选拔赛
<ignore_js_op>


第二名
摄影师︰Ali Rajabi Shomali (伊朗)
介绍︰摄于曼哈顿第六大道
<ignore_js_op>


第三名
摄影师︰Antonius Andre Tjiu (印尼)
介绍︰摄于印尼的南婆罗洲,战斗中的动物
<ignore_js_op>


第四名
摄影师︰Yvon Andre Pierre Buchmann (法国)
介绍︰摄于法国小镇Bollwiller,时钟的停顿与飞驰的列车形成对比
<ignore_js_op>


第五名
摄影师︰Jaime Singlador (菲律宾)
介绍︰摄于菲律宾Visayas西部地区,当地人认为使用这些植物一起洗澡,有药用价值
<ignore_js_op>


组别︰Night Photography
第一名
摄影师︰Peng Li (中国)
介绍︰摄于湖南凤凰镇的特色建筑吊脚楼
<ignore_js_op>


第二名
摄影师︰Ho Sung Wee (马来西亚)
介绍︰摄于台湾金山的磺港渔火
<ignore_js_op>


第三名
摄影师︰Nguyễn Minh Tân (越南)
<ignore_js_op>


第四名
摄影师︰Alexandre Buisse (法国)
介绍︰摄于意大利奥斯塔山谷
<ignore_js_op>


第五名
摄影师︰Daniel Cheong (法国)
介绍:摄于迪拜码头
<ignore_js_op>
Posted by Yuan Chu Chen on 3/25




18岁少年之视觉革命

 

18岁少年之视觉革命

Kent MacDonald来自加拿大,今年18岁,还是一名学生,而他在摄影上所散发出来的锋芒直逼专业摄影师。Kent MacDonald目前正在拍摄365天摄影项目,虽然项目仍在进行中,但在网络中已受到很多关注。Kent的作品充满未来感与科技感,他擅长用星空作为元素创作一些天马行空的故事,梦幻的背景又为作品增添了一份浪漫。很难想象这些老练的作品出自一名18岁少年之手,也许在未来这位初生不怕虎的牛犊会为我们带来一场视觉革命。

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>

<ignore_js_op>



Posted by Yuan Chu Chen on 3/25




当代艺术界鲜为人知的做局和潜规则

 

当代艺术界不为人知的做局和潜规则

近年来,随着当代艺术市场的火热,考验也接踵而至。然而让人没想到的是,在拍卖市场泡沫破裂、尤伦斯抛售作品之后依然坚挺存在的当代艺术圈,承受的最大重拳竟然来自——海关。“当代艺术为了几个臭钱谄媚西方、愤世嫉俗!”“书画收藏圈的人被洗脑很深!”……这些激烈的、具有攻击性的言语竟然是在微博上公开发表出来的,这场由中国书画收藏圈和当代艺术圈的微博“掐架”成为这个夏天最热闹的艺术事件,并在近日达到高潮,共有近百位艺术家、艺术媒体、艺术批评家卷入了此次骂战中。虽然目前,这场对战随着微博上的热点向奥运转移而偃旗息鼓,但它所提出的问题却依然产生余韵,比如艺术市场“阴谋论”、对艺术价值的判断等,对观客认识当下中国艺术圈不失为一次生动的教材。

多家艺术品运输公司的负责人被海关“约谈”。这并非是孤立事件,因为艺术品运输公司是艺术家-艺术品经纪人-拍卖行-藏家链条之中的一环,势必牵一发而动全身。果然,很快媒体上便爆出消息,至少有五六个艺术品经纪人和藏家在境外购买的高价艺术品被海关查扣,有艺术品经纪人因艺术品逃税金额巨大被拘留,上海一大收藏家在接受海关调查后表示悉数补交税款……由于此次查税涉案作品多为当代艺术作品,使得中国当代艺术圈迅速成为网络热议的话题。5月中旬,微博主“独眼偷袭手的眼睛”发布的一条微博彻底将中国当代艺术圈推到了舆论的“风口浪尖”:“香港佳士得开始造势,把曾梵志当招牌,佳士得大概还不知道,自从海关约谈曾梵志之后,这个做局托市的行家再也不敢像往年那样到境外拍卖场上把自己的画直接运返来了……”这条微博将当代艺术界不为人知的“做局”、“潜规则”揭露了出来,引发了书画圈人士对当代艺术圈的大加讨伐。

为什么当代艺术会成为众矢之的?其实从当代艺术2006年开始火爆起来,便有不少人站出来揭当代艺术的老底。学者河清曾出版《艺术的阴谋》,指出“中国当代艺术”是为西方“当代艺术国际”而制造的专门出口产品。而评论家朱其也撰文揭示:中国当代艺术的火爆存在着艺术炒作集团的“天价做局”,艺术品价格被人为操纵,大部分天价作品的成交实际上是“虚假”交易。而海关事件,无疑成为这些论点的有力佐证。一时间书画收藏圈人士纷纷响应,他们口气一致,猛烈批判当代艺术圈“丑陋”、“谄媚”、“做局”等行为。版画家刘波说:“我看到中国当代艺术红火的都是大致同一类型——不是画呆逼的,就是画傻逼的,也有的画有病的,或者画二百五的。或者它真的画准了中国的一个时代?”随后书画收藏圈抛出的名堂越来越多,包括称当代艺术是苍蝇的“苍蝇论”,称当代艺术受外来资本操纵的“汉奸论”,用华人油画全盘取代当代艺术概念的“抢注域名论”等,从意识形态上来全部否定中国当代艺术,由此这场争论也进入混战状态。

而后当代艺术圈子也不甘示弱,对书画收藏界进行了强力反攻,直指传统书画界对当代生活的麻木。艺术投资者“kitty爱投资”讽刺书画界:“自己书画一堆假货,不管好自己,却来管我们当代艺术。就像年纪大的人,整天啰啰嗦嗦地管小年轻。有代沟有代沟,懂不懂?”而艺术家崔岫闻则表示:“鸡同鸭讲。既是鸡和鸭的关系,通道不同,语言也不同,讲得越多废话越多,问题也越多。”

在混乱的骂战中,一些带着冷静思考的声音显得尤为珍贵。网友“若—浮云”表示:隔行如隔山,对于非自己专业的领域,谦卑一些比妄下判断好,当下和传统,各自有各自的精彩,没必要互相排斥。收藏家“郑好HOW”则表示:“传统书画为老太太,当代艺术为妙女郎……女郎中是有过度隆胸整容的,但老太中也有大小便失禁的。” 到底两者的隔阂源于何处?记者就此事咨询了国家当代艺术研究中心专家委员会委员、深圳雕塑院院长孙振华。他认为双方的分歧一直存在,主要是因为他们各自对艺术的价值取向判断不一样,这次争论就是双方对艺术持不同观念下的交锋。“自从‘五四运动’以来,中国美术界就一直存在一个守成主义,还有一个激进主义。书画收藏界提倡艺术要恪守中国传统精神,一些外来的东西不要随意地跟随,而当代艺术圈则认为传统艺术存在的问题要革新,要学习西方,要专注当下。他们的争论一直没有停止过。”

艺术圈从来不缺针锋相对的讨论,有了微博这个地下大广场之后,讨论上升为骂仗,看来艺术圈的人都不是吃素的。这二者的矛盾恰好构成了百年来文艺的一个张力,只有既有传统又有当代的艺术才是百家齐鸣的好的文化现象。表面看起来双方胜负不相上下,但经受了“苍蝇论”、“汉奸论”、“抢注域名论”攻击的当代艺术界,从参战数量和论战质量上都稍逊一筹,成为最受伤的角色。到底当代艺术圈是不是真如传说中那么混乱?国家当代艺术研究中心专家委员会委员、《中国先锋艺术》一书的作者鲁虹跟众多当代艺术家交往深厚。他告诉本报记者,在当代艺术圈子,确实有少数人受西方影响较深,有一些不健康的倾向,还有少数当代艺术家忽视对传统的继承,这是要解决的。“但不能由于少数人的做法就抹黑整个当代艺术圈,这个圈子整体来说还是比较健康的,所以才会有这么多政府支持当代艺术双年展,因为它是适应时代发展的。”

但他认为传统艺术圈也不能全盘肯定。“如果只是复制传统不进行创新,那就是亵渎传统。只有创新没有传承,文化就会崩溃,只有传承没有创新,文化就会故步自封,走向衰弱。” 他表示,这两个艺术圈都有存在的理由,缺少任何一个部分都是不可以的,但两个圈子除了发扬成绩,也要解决出现的问题。经过了几个月的争吵,人们仿佛已忘记了事件的出发点:到底海关重拳对当代艺术产生了多大的影响?孙振华根据他的观察告诉记者,海关事件虽然反响很大,但它的影响毕竟有限:“因为大部分画家的创作都是老老实实的。违法违规的毕竟只是少数。”海关的影响是有限的,但论战的影响却是绵长的,现在远未结束。

 

Posted by Yuan Chu Chen on 3/24




世界近代艺术史84 陈源初著

 

 

 

 

 

Posted by Yuan Chu Chen on 3/22





Copyright © 2006-2013 by ArtSlant, Inc. All images and content remain the © of their rightful owners.