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The Leipzig M useum of Fine Arts Leipzig will proudly present the first comprehensive ret rospective on the painted oeuvre of Sighard Gille (*1941 Eilenburg) in autu mn 2016. It will show around seventy paintings extending from the late 1960 s to the present day. The complete catalogue raisonné\; of his painti ngs will be published on the occasion of the exhibition.

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The exhibition will focus on Gille&rsq uo\;s artistic output during the GDR period\, in which the artist portrayed everyday life in a socialist society with the attitude of a sensitive yet ironic commentator. Gille quickly set himself apart from many of his older and younger colleagues in Leipzig by his refusal to select a heroic\, glori fying narrative\, turning his attention instead to the significant irreleva ncies and public displays of intimacy which the ideological overload otherw ise stripped from its subjects. This tendency is clearly apparent in what i s perhaps his most famous work from this period\, &lsquo\;The Brigade Celeb ration&rsquo\; of 1977\, which prompted an outcry from the powers that be\, and also in his most important commissioned piece\, the large-format ceili ng painting\, &lsquo\;The Song of Life&rsquo\;\, for the Gewandhaus in Leip zig. The exhibition will also provide clear insight into Gille&rsquo\;s wor k after the reunification of Germany\, when the artist was appointed Profes sor at the Academy of Fine Arts\, and as a teacher also contributes signifi cantly to the development of contemporary art in Leipzig. Gille&rsquo\;s oe uvre during this period is dominated by private topics\, portraits\, nudes and ironic reflections on everyday situations. Artistic musings on the poli tical and social transformation also feature heavily in this phase. Eros co mes to the forefront of his work as a driving force behind human intercours e. Moreover\, the artist has opened up to a sensitive form of outdoor paint ing in recent years\, turning to the landscape as a place to ponder the hum an condition.

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His ar tistic experiments with photography and various printing techniques aside\, the focus of Sighard Gille&rsquo\;s work has always been on a style of pai nting based on precise observation and studies of nature. His brilliant app lication of paint and his exuberant compositions reveal Gille to be a maste r of illustrative painting. Applying expressive articulation and gentle iro ny\, the painter questions art on its relationship with life. After all\, w hatever the societal form and political constellation may be\, Gille&rsquo\ ;s overarching topic remains focused on individuals and their inherent huma nity.

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Edited by Ina Gille\, the catalogue and its introduction by Uwe M. Schneede will provide insight into how Gille influenced painting in Leipzig\, and will hence beco me an important foundation for future research into post-1945 art in Leipzi g.

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Das Museum der bildenden Kü\;nste Leipzig zeigt im Herbst 2016 die erste umfassende Retrospektive des malerischen Werkes v on Sighard Gille (*1941 Eilenburg). Prä\;sentiert werden etwa 80 Gem&au ml\;lde von den spä\;ten 1960er Jahren bis in die Gegenwart\, darunter auch das selten gezeigte Modell fü\;r die Ausmalung der Decke des Leipz iger Gewandhauses.

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T rotz verschiedener kü\;nstlerischer Experimente bildet die Malerei auf Basis von prä\;ziser Beobachtung das zentrale Arbeitsgebiet Sighard Gil les\, der bei Bernhard Heisig studiert und lange Zeit an der Leipziger Hoch schule fü\;r Grafik und Buchkunst unterrichtet hat. Gilles fulminanter Farbauftrag und die ü\;berbordenden Kompositionen zeigen ihn als einen Meister des Malerischen. In expressiver Artikulation und leichter Ironie be fragt der Maler die Kunst ü\;ber ihre Beziehung zum Leben. Denn ü\; ber alle Gesellschaftsformen und politischen Konstellationen hinweg bleibt Gilles groß\;es Thema der Mensch und das Menschliche.

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Die Ausstellung beginnt mit Gilles S chaffen in der DDR\, als der Kü\;nstler in der Haltung eines einfü\ ;hlsamen\, aber auch ironischen Kommentators alltä\;gliche Situationen des Lebens im Sozialismus festhielt. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt dann auf Gilles Malerei nach der Wende\, als der Kü\;nstler zum Profess or an die Hochschule fü\;r Graphik und Buchkunst berufen wird und auch als Lehrer Anteil an der Entwicklung der Leipziger Kunst der Gegenwart nimm t. In seinen Fokus rü\;cken neben Themen des Alltags und Portraits vers tä\;rkt auch Akte\, komplexe Weltbilder und die Landschaftsmalerei.

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Anlä\;sslich der Au sstellung erscheint ein Katalog beim E.A. Seemann Verlag mit dem vollst&aum l\;ndigen Werkverzeichnis seiner Gemä\;lde von Ina Gille\, einer Einf&u uml\;hrung von Uwe M. Schneede und einem Aufsatz von Fré\;dé\;r ic Buß\;mann. Die Ausstellung wird gefö\;rdert durch die Peter und Irene Ludwig Stiftung\, Aachen.

DTEND:20170122 DTSTAMP:20160827T020814 DTSTART:20161030 GEO:51.3429509;12.3757469 LOCATION:Museum der bildenden Künste Leipzig\,Katharinenstr. 10 \nLeipzig \, 04109 SEQUENCE:0 SUMMARY:Ruhelos\, Sighard Gille UID:426557 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20161030T180000 DTSTAMP:20160827T020814 DTSTART:20161030T100000 GEO:51.3429509;12.3757469 LOCATION:Museum der bildenden Künste Leipzig\,Katharinenstr. 10 \nLeipzig \, 04109 SEQUENCE:0 SUMMARY:Ruhelos\, Sighard Gille UID:426558 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Was Albert vo n Zahn an art historian\, artist or even both? This exhibition aims to addr ess this question in depth. Zahn\, born in Leipzig in 1836\, studied Painti ng at the Kö\;nigliche Akademie der bildenden Kü\;nste in Dresden f rom 1854 to 1858. After graduating he did not pursue the career of an artis t\, turning instead to the science of art. He studied Philosophy and Histor y at Leipzig University and was curator of the Leipziger Kunstverein and St ä\;dtisches Museum (present-day Museum der bildenden Kü\;nste Leipz ig) from 1860 to 1868. Following this he was appointed the first Director o f the Groß\;herzogliches Museum in Weimar and\, in 1870\, to the Direc torate General of the Kö\;nigliche Sammlungen in Dresden. Albert von Za hn\, who numbered amongst the most promising art historians of the 19th cen tury\, joined other scholars in resolving the so-called Holbein Madonna dis pute &ndash\; a key marker in establishing Art History as a university subj ect in its own right. Had he not died in 1873 at the age of just 37\, his n ame would undoubtedly have been better known.

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In contrast\, the fact that Albert von Zahn was n ot only a scientist but also an artist has been completely forgotten. Thank s to the rediscovery of a collection of works in the Graphic Collection of the Museum der bildenden Kü\;nste Leipzig it is now possible to observe this parallel talent for the first time. The focal point of the exhibition will be upon drawings that he executed during his stay in Italy in 1866. Z ahn embarked upon a tour\, beginning in Rome\, which also took him to the m ountain village of Olevano\, where he stayed at the artists' refuge Casa Ba ldi. At this place\, that carries so much symbolism for German art of the 1 9th century\, Zahn executed sketches\, following in the path trodden by his great role models Joseph Anton Koch and Adrian Ludwig Richter. The result was detail studies and monumental landscapes which impressively documented Zahn's return to the world of the artist. These wholly unknown and high-qua lity drawings are displayed in the exhibition together with copies and trac ings of works of art &ndash\; such as the Holbein Madonna &ndash\;\, which Zahn produced for academic purposes.  \;

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Exhibition and accompanying catalogue have receive d the support of Hecker Werner Himmelreich Rechtsanwä\;lte and the Maxi milian Speck von Sternburg Foundation at the Museum der bildenden Kü\;n ste Leipzig.

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War Albert von Zahn Kunsthistoriker\, Kü\;nstler oder gar beides? Dies er Frage will die Kabinettausstellung auf den Grund gehen. Zahn\, 1836 in L eipzig geboren\, studierte von 1854 bis 1858 an der Kö\;niglichen Akade mie der bildenden Kü\;nste in Dresden Malerei. Doch nach Abschluss sein es Studiums schlug er nicht die Laufbahn eines Kü\;nstlers ein\, sonder n wechselte stattdessen zur Kunstwissenschaft. An der Universitä\;t Lei pzig studierte er Philosophie und Geschichtswissenschaften und war von 1860 bis 1868 Kustos des Leipziger Kunstvereins und des Stä\;dtischen Museu ms (dem heutigen Museum der bildenden Kü\;nste Leipzig). Im Anschluss w urde er zum ersten Direktor des Groß\;herzoglichen Museums in Weimar u nd 1870 zum Referenten der Generaldirektion der Kö\;niglichen Sammlunge n in Dresden ernannt. Albert von Zahn\, der zu den vielversprechendsten Kun sthistorikern des 19. Jahrhunderts zä\;hlte\, lö\;ste zusammen mit anderen Gelehrten den sogenannten Holbein-Madonnen-Streit aus &ndash\; ein Markstein in der Etablierung der Kunstgeschichte als ein eigenstä\;ndig es Universitä\;tsfach. Wä\;re er nicht 1873 mit nur 37 Jahren fr&uu ml\;h verstorben\, wü\;rde sein Name zweifellos bekannter sein. Dass Al bert von Zahn nicht nur Wissenschaftler sondern auch Kü\;nstler war\, i st hingegen vollkommen in Vergessenheit geraten. Dank der Wiederentdeckung eines Zeichnungskonvoluts in der Graphischen Sammlung des Museums der bilde nden Kü\;nste Leipzig ist es erstmals mö\;glich\, dieser Doppelbega bung nachzugehen. Im Zentrum der Ausstellung werden Zeichnungen stehen\, di e er wä\;hrend seines Italien-Aufenthaltes 1866 anfertigte. Zahn untern ahm von Rom aus eine Rundreise\, die ihn auch in das Gebirgsdorf Olevano f& uuml\;hrte\, wo er in der Kü\;nstlerherberge Casa Baldi wohnte. An dies em fü\;r die deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts so symbolträ\;chti gen Ort zeichnete Zahn nach der Natur und folgte dabei seinen groß\;en Vorbildern Joseph Anton Koch und Ludwig Richter. Es entstanden Detailstudi en und monumentale Landschaftsausblicke\, die Zahns Rü\;ckkehr ins K&uu ml\;nstlertum eindrucksvoll dokumentieren. Diese gä\;nzlich unbekannten und qualitä\;tvollen Zeichnungen werden in der Ausstellung zusammen mi t Kopien und Pausen nach Kunstwerken &ndash\; wie zum Beispiel der Holbein- Madonna &ndash\; gezeigt\, die Zahn fü\;r wissenschaftliche Zwecke anfe rtigte.

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Ausstellung und begleitender Katalog werden gefö\;rdert durch Hecker Werner Himmelr eich Rechtsanwä\;lte\, Leipzig\, und die Maximilian Speck von Sternburg Stiftung im Museum der bildenden Kü\;nste Leipzig.

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Mit &bdquo\;V om Tode. Zweiter Teil&ldquo\; (Opus XIII) knü\;pfte Klinger\, das Todes thema wieder aufnehmend\, an sein Opus XI an. 25 Jahre lang beschä\;fti gte er sich mit den Arbeiten dieser Folge. Ausgangspunkt ist die im &bdquo\ ;Vom Tode. Erster Teil&ldquo\; gewonnene Einsicht von der Notwendigkeit des Todes. In intensiver Beschä\;ftigung mit den Werken Arthur Schopenhaue rs und Friedrich Nietzsches sowie den Evolutionstheorien von Charles Darwin werden nun Aspekte des menschlichen Lebens unter dem Gesichtspunkt des Wer dens und Vergehens betrachtet.

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An seinen letzten Radierzyklen Opus XIV &bdquo\;Zelt&ldquo\; Tei l I und II arbeitet Max Klinger gut fü\;nf Jahre\, von 1911 bis 1916. A uf 46 Blä\;ttern erzä\;hlt Klinger eine fantastisch anmutende Gesch ichte ü\;ber ein Frauenschicksal. Neben der Protagonistin agieren unter anderem eine Gö\;ttin\, ein Zauberer\, eine Kö\;nigin\, Sklavenh&a uml\;ndler\, Bö\;sewichte und ein Ritter. Des Weiteren herrschen Wollus t\, Sinnlichkeit und Grausamkeit. Reale wie mä\;rchenhafte Elemente ver weben sich zu eigenwilligen Bildern. Klinger ä\;uß\;erte sich zum Zyklus mit folgenden Worten: &bdquo\;&hellip\; ich will ja auch nur ein M&a uml\;rchen erzä\;hlen\, und zwar ein richtiggehendes\, wo die Kö\;p fe so wenig sicher sitzen\, wie die Hemden\, mal rauf\, mal runter &hellip\ ;&ldquo\;

DTEND:20170108 DTSTAMP:20160827T020814 DTSTART:20160810 GEO:51.3429509;12.3757469 LOCATION:Museum der bildenden Künste Leipzig\,Katharinenstr. 10 \nLeipzig \, 04109 SEQUENCE:0 SUMMARY:Opus XIV - Zelt. Teil I und I\, Max Klinger UID:426554 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

An exhibition of the Evelyn Richter Archive of the Ostdeutsche Sparkassenstiftung at the Museum der bildenden Kü\;nste Leipzig  \;

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For the first time in a museum exhibition\, the three photographers Ursula Arnold (1929-2012)\, Arno Fischer (1927-2011 ) and Evelyn Richter (*1930) are being presented together\, with a represen tative selection of their extensive bodies of work displayed in relation to one another. Commonalities and differences become apparent\, together with the respectively specific approaches. In this exhibition three oeuvres and vitae of the leading exponents of socio-artistic photography can be discov ered\, each of whom chose their own path to escape the prevailing imagery o f the GDR.  \;

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W hilst Arno Fischer had an autodidactic approach to photography\, Ursula Arn old and Evelyn Richter both completed apprenticeships as photographers\, le arning the art of traditional photography in a studio. The two young photog raphers met in Leipzig in 1953. After completing their apprenticeships they went on to study at the Leipzig Academy of Visual Arts. They became bound by a deep friendship\, as well as interacting with their art. Arno Fischer and Evelyn Richter met in Leipzig in 1957. Fischer was enthusiastic about R ichter's work\, which he saw in the action fotografie exhibition. The two s tayed in contact\, following each other's work with mutual respect. Whilst Ursula Arnold took up a position as television camerawoman in Berlin in 195 7 and subsequently only took photographs in her spare time\, Evelyn Richter and Arno Fischer continued to work as freelance photographers in Leipzig a nd Berlin respectively. All three photographers look for and find their mot ifs in everyday life. Subjective pictures from and of their direct environm ent are created as a result. Rejecting the official motifs of the GDR\, the ir photographs contradicted the socialist world view that was promoted. The ir work instead posed questions and told the stories that lay behind the pi ctures.  \;

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The first major museum exhibition of the Evelyn Richter Archive\, established i n 2009\, aims to focus attention beyond the region on the still-neglected s ubject of photography in the GDR\, expanding the discussion at national lev el.  \;

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The cata logue accompanying the exhibition is published by Kettler Verlag Dortmund.  \;

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The exhibiti on is possible thanks to the Ostdeutsche Sparkassenstiftung in co-operation with Sparkasse Leipzig.

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Erstmals werden in einer Museumsausstellung die drei Fotografe n Ursula Arnold (1929&ndash\;2012)\, Arno Fischer (1927&ndash\;2011) und Ev elyn Richter (*1930) gemeinsam prä\;sentiert und ihre umfangreichen OEu vres in reprä\;sentativer Auswahl miteinander in Beziehung gesetzt. Gem einsamkeiten und auch Unterschiede sowie die jeweilige spezifische Sichtwei se werden deutlich. In der Ausstellung sind drei Lebenswerke und Lebensl&au ml\;ufe der wichtigsten Vertreter der sozial-kü\;nstlerisch engagierten Fotografie zu entdecken\, die jeweils einen eigenen Weg wä\;hlten\, um sich den herrschenden Bildvorstellungen der DDR zu entziehen.  \;

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Wä\;hrend Arno Fisch er als Autodidakt zur Fotografie gelangte\, haben Ursula Arnold und Evelyn Richter jeweils eine Lehre als Fotografin absolviert und die traditionelle Porträ\;tfotografie im Atelier erlernt. Die beiden jungen Fotografinnen lernten sich 1953 in Leipzig kennen. Sie studierten im Anschluss an ihre L ehre an der Leipziger Hochschule fü\;r Grafik und Buchkunst. Fortan ver band sie eine tiefe Freundschaft und sie pflegten den kü\;nstlerischen Austausch. Arno Fischer und Evelyn Richter begegneten sich 1957 in Leipzig. Fischer war von Richters Arbeiten\, die er in der Ausstellung &bdquo\;acti on fotografie&ldquo\; sah\, begeistert. Beide suchten kü\;nftig den Aus tausch und verfolgten ihre Arbeiten mit gegenseitigem Respekt. Wä\;hren d Ursula Arnold 1957 in Berlin eine Stelle am Fernsehen als Kamerafrau bega nn und nur noch privat fotografierte\, arbeiteten Evelyn Richter in Leipzig und Arno Fischer in Berlin als Fotografen im eigenen Auftrag weiter.   \;

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Alle drei Fotogra fen suchen und finden ihre Motive im Alltag. Subjektiv geprä\;gte Bilde r aus und von ihrer unmittelbar erlebten Umwelt entstehen. Die offizielle B ildsprache der DDR lehnen sie ab\, ihre Fotografien widersprechen dem propa gierten sozialistischen Weltbild. Vielmehr stellen ihre Werke Fragen und er zä\;hlen Geschichten\, die hinter den Bildern liegen. Die erste gro&szl ig\;e Museumsausstellung des 2009 gegrü\;ndeten Evelyn Richter Archivs soll ü\;berregional den Blick auf die immer noch vernachlä\;ssigte Aufarbeitung der Fotografie in der DDR lenken und die Diskussion national w eiter ö\;ffnen.  \;

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Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Kettler Verlag Dortmund. & nbsp\;

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Die Ausstellu ng wird ermö\;glicht durch die Ostdeutsche Sparkassenstiftung gemeinsam mit der Sparkasse Leipzig.

DTEND:20161003 DTSTAMP:20160827T020814 DTSTART:20160703 GEO:51.3429509;12.3757469 LOCATION:Museum der bildenden Künste Leipzig\,Katharinenstr. 10 \nLeipzig \, 04109 SEQUENCE:0 SUMMARY:Capturing Time\, Ursula Arnold\, Arno Fischer\, Evelyn Richter UID:426553 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Traditional c elebrations\, pilgrimages\, jubilees\, Catholic congresses\, congregational life and ecumenical practices form the backbone of this exhibition. Kirsch ner developed his own language of images in the GDR\, in which his artistic work focuses on human beings and their portraits.

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Die Ausstellung zeigt an einzelnen B eispielen kirchliches Leben in der DDR der 1980er Jahre. Traditionelle Feie rn\, Wallfahrten\, Jubilä\;en\, Katholikentreffen\, Gemeindeleben und g elebte Ö\;kumene bilden den inhaltlichen Schwerpunkt. Der 1944 im b&oum l\;hmischen Reichenberg (dem heutigen Liberec) geborene Fotograf Harald Kir schner\, der seit Mitte der 1960er Jahre in Leipzig lebt und arbeitet\, beo bachtet mit der Kleinbildkamera auf der Straß\;e den Alltag in seinen vielfä\;ltigen Facetten. Kirschner\, Vertreter der sozial engagierten k ü\;nstlerischen Fotografie\, hat in der DDR eine eigenstä\;ndige Bi ldsprache entwickelt. Die Darstellung des Menschen und das Porträ\;t st ehen im Zentrum seines kü\;nstlerischen Schaffens. In ü\;ber 70 Sch warzweiß\;fotografien beleuchtet &bdquo\;Credo &ndash\; Kirche in der DDR&ldquo\; das vielfä\;ltige religiö\;se Leben in einem atheistisc hen und religionsfeindlichen Umfeld. Die Fotografien Harald Kirschners erz& auml\;hlen von Verhalten und Verhä\;ltnissen des Einzelnen und zeigen d ie Kraft des Glaubens in der Gemeinschaft.

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Die Ausstellung ist ein Beitrag zum 100. Deutschen K atholikentag.

DTEND:20160828 DTSTAMP:20160827T020814 DTSTART:20160522 GEO:51.3429509;12.3757469 LOCATION:Museum der bildenden Künste Leipzig\,Katharinenstr. 10 \nLeipzig \, 04109 SEQUENCE:0 SUMMARY:Credo--Church in the GDR\, Harald Kirschner UID:426546 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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A ocupaç\;ã\;o na Varanda do Museu d e Arte Contemporâ\;nea\, em forma de work in progress\, que acontece d e 6 a 21 de agosto de 2016\, compartilha com o pú\;blico o programa " Baí\;a de Guanabara: á\;guas e vidas escondidas"\, que busca de senvolver processos artí\;sticos e pedagó\;gicos de irradia&cce dil\;ã\;o na cidade abordando questõ\;es ambientais. A exposi&c cedil\;ã\;o resultado deste processo será\; inaugurada no dia 0 2 de setembro\, ficando em cartaz até\; 23 de outubro.

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A varanda do MAC é\; tomada como processo abe rto para percursos de instalaç\;õ\;es e irradiaç\;õ \;es que remetem a processos de engajamentos e colaboraç\;õ\;es entre artistas\, pesquisadores ambientalistas e comunidades. Uma instala&c cedil\;ã\;o especial de Nelson Leirner\, "Terra à\; vista"\, e a obra de Adriana Varejã\;o\, "Mã\;e D´\;á\;gua' e o Panorama da Baí\;a de Guanabara\, assim como a trajetó\;ria de intervenç\;õ\;es na paisagem da Boa Viagem de Katie Scherpenbe rg\, servem de â\;ncoras para reunir nesta borda circular do MAC um co njunto de projetos experimentais entre artistas\, cientistas e comunidades e condiç\;õ\;es de vida escondidas e desconhecidas.

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Assumindo conceitual e simbolicamente como refer ê\;ncia e vocaç\;ã\;o intuitiva da arquitetura aberta da v aranda do MAC a experiê\;ncia ambivalente de mirante e sentinela\, ent re paisagem e meio ambiente\, entre arte e mundo\, vidas e saberes vis&iacu te\;veis e invisí\;veis. O museu encontra na janela aberta para a Ba& iacute\;a de Guanabara sua borda experimental para processos de irradia&cce dil\;õ\;es da arte para a vida. O nome de Niteró\;i como "&Aacu te\;guas Escondidas"\, no idioma tupi-guarani\, é\; apropriado como i nspiraç\;ã\;o conceitual que aponta para relaç\;õ\; es que ultrapassam o visí\;vel dentro de um ecossistema de vidas. "A Baí\;a de Guanabara\, bará\; = mar\, ou entã\;o guana (se io) bara (mar)\, mar do seio\, nã\;o é\; habitada apenas para s atisfazer as necessidades do reino humano\, mas de um universo de seres e b elezas que co-habitam a paisagem"\, explica Guilherme Vergara.

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Nesta proposta\, o anel da varanda inaugura um pe rcurso geográ\;fico de instalaç\;õ\;es que també\;m remetem ao conceito de irradiaç\;õ\;es com diferentes interfac es entre arte e ciê\;ncia\, obras e processos de colaboraç\;&oti lde\;es entre artistas e agentes de aç\;õ\;es coletivas e colab orativas em comunidades\; cientistas\, mergulhadores e pescadores\, que def inem tendê\;ncias experimentais de um museu laborató\;rio. Ressa lta-se a vocaç\;ã\;o arquitetô\;nica do MAC para o projeto arte e aç\;õ\;es ambientais\, onde tanto os artistas quanto o pró\;prio museu sã\;o agentes de conexõ\;es sociais e de saberes na produç\;ã\;o de redes ecoló\;gicas. Uma tercei ra margem de cruzamentos ou transbordamentos artí\;sticos e culturais invoca o princí\;pio feminino universal presente nas diferentes deus as ligadas à\;s á\;guas e oceanos\, de Iemanjá\; e Afrodi te (representada pelo coletivo Re-Afrodite do Chipre).

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Participam\, ainda\, desta exposiç\;ã\;o um c onjunto de colaboraç\;õ\;es internacionais\, tais como Nuno Sac ramento\, curador do Scotish Sculpture Workshop\, Aurelien Gamboni e Sandri ne Teixido (Franç\;a)\, o coletivo Re-Afrodite\, com Evanthia Tselika \, Chrystalleni Loizidou\, Athina Antoniadou\, da Universidade de Nic&oacut e\;sia\, Chipre.

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O programa MAC F&oac ute\;rum també\;m lanç\;ará\; importantes filmes especial mente desenvolvidos a partir de questõ\;es ambientais\, como Os Desca rtados (The Discarded)\, de Annie Costner. Ainda previsto como parte do Pro grama Baí\;a de Guanabara\, o lanç\;amento do filme de Celine C ousteau como parte do seminá\;rio internacional previsto para outubro . A visã\;o e vocaç\;ã\;o do MAC como museu laborat&oacut e\;rio para uma perspectiva de arte em aç\;ã\;o ambiental\, se realiza como plataforma para prá\;ticas artí\;sticas experiment ais e colaborativas\, reunidas neste programa como perspectivas de novas te ndê\;ncias conceituais de atravessamentos entre artistas-pesquisadores e coletivos em diferentes locais e condiç\;õ\;es adversas da B aí\;a de Guanabara.

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Art istas participantes com as suas respectivas obras

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Katie Van Scherpenberg &ndash\; V&ia cute\;deo e fotos registrando a trajetó\;ria das intervenç\;&ot ilde\;es conceituais da Katie Scherpenberg na paisagem da praia da Boa Viag em Ví\;deo (MENARA) com os registros das diferentes performances da a rtista\, incluindo Sal + 1 sobre areia realizadas na Praia de Boa Viagem.\n

Gabriela Bandeira e Rodrigo Fr eitas &ndash\; "Entorno" &ndash\; ví\;deo-instalaç\;&a tilde\;o a partir das imersõ\;es realizadas na colô\;nia de pesc adores Cí\;cero Queiroz\, na regiã\;o do Gradim\, em Sã\; o Gonç\;alo. As imagens sã\;o potencializadas com uma instala&c cedil\;ã\;o sonora. Na tela\, documentá\;rio com entrevistas co m quatro pescadores dessa comunidade no fundo da Baí\;a de Guanabara\ , onde há\; imagens do contexto destas entrevistas costurando e ilust rando os relatos dos pescadores.

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Nuno Sacramento &ndash\; "Mesa Baldio - Da arte crí\;tic a à\; arte do cuidado" &ndash\; projeto apoiado pelo British Council\ , iniciado em 2014 pelo Scottish Sculpture Workshop (Escó\;cia)\, em parceria com o Observató\;rio de Favelas\, MAC Niteró\;i e Macq uinho\, que se debruç\;a sobre questõ\;es do territó\;rio e do direito da cidade no Rio de Janeiro. O projeto é\; baseado numa sé\;rie de aç\;õ\;es coletivas lideradas por jovens habi tantes de favelas do Rio de Janeiro e de Niteró\;i. Na primeira a&cce dil\;ã\;o (Nova Holanda\, Maré\;) construiu-se uma mesa baseada na ideia de miolo. Com a ajuda de dois carpinteiros e de uma arquiteta\, o s jovens desenvolveram um processo de construç\;ã\;o e design i nspirado em uma rua da Maré\; (Rua Miolo)\, e que deu origem a um con junto de mesas. Na segunda aç\;ã\;o\, um conjunto de jovens do Morro do Palá\;cio (Niteró\;i) construí\;ram uma composte ira\, seguida de alguns canteiros onde produziram vegetais. Na terceira a&c cedil\;ã\;o\, os jovens fizeram pratos e tigelas de cera^micas. Final mente\, foram feitas bases\, cadeiras e canecas\, seguidas de uma refei&cce dil\;ã\;o banquete.

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Ign ê\;s Albuquerque e Priscila Grimberg &ndash\; A descoberta da "Casa Verde" do Sr. Hernandes no Bumba pela Inê\;s Albuquerque &eacut e\; o ponto de partida e inspiraç\;ã\;o desta colaboraç\; ã\;o que se desdobra em prá\;ticas de agenciamentos que ultrapa ssam categorias convencionais entre arte e vida\, artista e nã\;o art ista. A Casa Verde do Sr. Hernandes é\; també\;m uma escultura muito especial de reinvenç\;ã\;o esté\;tica e terapê \;utica ambiental do habitar. Pode-se à\; primeira vista aproximar es te caso com a obra-viva do artista Kurt Schwitters (1887-1948)\, Merzbau\, ou Casa Merz. As apropriaç\;õ\;es e reinvenç\;õ\;es do Hernandes també\;m estará\; sendo colocada em aproxima&cced il\;ã\;o e diferenç\;as com a obra de Nelson Leirner. Por&eacut e\;m o Sr. Hernandes nã\;o é\; um artista e toda essa guinada n a vida que transforma sua casa em uma grande assemblagem ou bricolage exist encial e afetiva é\; fruto de uma grande perda de sua companheira e e sposa. Por outro lado\, a Inê\;s assume també\;m um papel fundam ental como artista educadora e agente de processos de valorizaç\;&ati lde\;o e ressignificaç\;ã\;o social da vida e talentos de Sr. H ernandes. Trata-se\, aqui\, de uma trajetó\;ria de encontros e afetos mú\;tuos como um acontecimento com plena potencia de futuro. Ambos s ã\;o agentes e atuam em uma transborda da vida que se reinventa como arte e a arte que se reconfigura como lugar de transformaç\;õ\; es compartilhadas de sentidos de pertencimento e aç\;õ\;es ambi entais coletivas.

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Martha Nikl aus &ndash\; "Horizonte Negro / Diá\;rios de Bordos" &ndash\ ; uma obra-instalaç\;ã\;o diante da vista da Baí\;a de Gu anabara que se apresenta como manifesto com a participaç\;ã\;o dos velejadores da Marina da Gló\;ria. No dia 12 de julho de 2015\, e les realizaram a performance Horizonte Negro\, na Baia de Guanabara\, que t rouxe 26 embarcaç\;õ\;es\, com grandes bandeiras pretas em seus mastros\, criando uma coreografia ná\;utica\, que foi avistada da Pr aia do Flamengo e da Urca. Foi criada pela artista em solidariedade à \; luta dos velejadores contra a transformaç\;ã\;o da ú\; nica marina pú\;blica da cidade do Rio de Janeiro em um polo gastron& ocirc\;mico\, shopping\, á\;rea de eventos e estacionamento. A obra s e coloca em luto contra todos os problemas da cidade\, inclusive em rela&cc edil\;ã\;o ao meio-ambiente. Por outro lado\, uma ordem e escala alte rnativa de relaç\;õ\;es humanas se espalha como saí\;das para o coletivo\, para as micro-geografias de resistê\;ncias sociais\, poé\;ticas e ambientais. Os Diá\;rios de Bordo trazem um peque no testemunho de vidas escondidas de pessoas que transformam seus barcos em casas flutuantes como habitantes invisí\;veis da Marina da Gló \;ria e Baí\;a de Guanabara.

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Fernando Moraes &ndash\; "BiodiversidArte Marinha" toma da v ista das Ilhas das Cagarras diante da varanda para unir ciê\;ncia e ar te em suas componentes da histó\;ria\, biologia e oceanografia formam um amalgama iné\;dito com exemplares bioló\;gicos\, fotos\, v& iacute\;deos e iconografias raras do paí\;s que tem a maior costa atl â\;ntica do mundo e um povo miscigenado. O mundo submarino registrado pelas lentes dos cientistas-artistas resgata uma outra fronteira entre &aac ute\;guas e vidas escondidas como indagaç\;ã\;o també\;m entre o dentro e o fora do museu e da arte.

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Lia do Rio e Enrique Banfi &ndash\; "Vozes de Balei as &ndash\; Sé\;c. XVIII / Sé\;c. XXI" &ndash\; Reproduç\ ;ã\;o da pintura de Leandro Joaquim "Vista da Baia de Guanabara com B aleias\, sé\;c.XVIII" &ndash\; Instalaç\;ã\;o sonora com os sons emitidos pelas baleias para criar uma tensã\;o entre o aconte cimento relatado no quadro pintado no sé\;c. XVIII e a visã\;o atual.

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Coletivo Re Aphrodite< /strong> &ndash\; "Shrines / Habits - Santuá\;rios / Há\;bitos" &ndash\; Colcha de Milagres Cotidianos. Com a colaboraç\;ã\;o da Universidade de Nicosia.

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Artistas: Evanthia Tselika\, Chrystalleni Loizidou\, Athina Antoniadou Colaboradores : Rosa Couloute\, Stephanos Staphanides e a Federation of Filipino Organiza tions Cyprus (FFOC).

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Sé\;rie de intervenç\;õ\;es em espaç\;os pú\;blicos na forma de instalaç\;õ\;es fluidas de Santuá\;rios para a Deusa d a Á\;gua (Afrodite) no Chipre e no Rio de Janeiro. Elas sã\;o p ropostas ritualisticamente de tal maneira que sejam abertas para hist&oacut e\;rias\, questõ\;es e trocas com a participaç\;ã\;o do p ú\;blico.

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Re-Aphrodite é\ ; um grupo de mulheres independentes sem fins lucrativos\, baseado em Chipr e\, de pesquisadoras e agentes ativistas com foco nas questõ\;es de g ê\;nero\, desigualdade social e outras questõ\;es polí\;ti cas e sociais cipriotas atravé\;s de pesquisa e prá\;ticas educ ativas\, curatoriais e criativas. Começ\;aram esta iniciativa em 2010 com Chrystalleni Loizidou e Evanthia Tselika\, e\, desde entã\;o\, a tuam como coletivo.

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Aurelien Gamboni e Sandrine Teixido - "A Tale as A Tool" &ndash\; Uma f&aac ute\;bula como ferramenta

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Patroc&iacu te\;nio: Pro Helvetia

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Projeto site-sp ecific resultante de uma investigaç\;ã\;o de longo prazo\, base ada sobre o conto do Edgar Allan Poe\, A descida no rodamoinho (maelstr&oum l\;m). No contexto da exposiç\;ã\;o &ldquo\;Baí\;a de Gua nabara: Vidas e Á\;guas Escondidas&rdquo\;\, Gamboni e Teixido preten dem estabelecer ligaç\;õ\;es com a histó\;ria do ambiente da Baí\;a de Guanabara e com percepç\;õ\;es do lugar est abelecidas pela arquitetura do Oscar Niemeyer. A intervenç\;ã\; o tem a forma de uma parede de investigaç\;ã\;o\, incluindo arq uivos á\;udio e imagens\, que será\; completada no decorrer da exposiç\;ã\;o. Para isso\, serã\;o organizados encontros\ , ativaç\;õ\;es pú\;blicas\, entrevistas com a perspectiv a de pensar o equipamento necessá\;rio para construir novas rela&cced il\;õ\;es e preocupaç\;õ\;es compartilhadas.

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Adriana Varejã\;o &ndash\; Apoio 'Immensum'

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Uma instalaç\ ;ã\;o especial de obras da Adriana Varejã\;o\, incorporada ao c ircuito de transbordas entre artistas\, cientistas e aç\;õ\;es colaborativas ambientais. A obra Mã\;e D'á\;gua de Adriana Vare jã\;o traz a imagem de Iemanjá\; negra como se estivesse no fun do do mar. Ainda o Panorama da Baí\;a de Guanabara da artista pintado em um estilo de pintura chinesa remete mais uma vez à\;s bordas entr e paisagens dentro e fora do museu\, entre tempos e mú\;ltiplas tempo ralidades que compõ\;em a natureza &ldquo\;anacrô\;nica do conte mporâ\;neo&rdquo\;.

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Nels on Leirner &ndash\; 'Terra à\; Vista' &ndash\; instala&ccedi l\;ã\;o especial para a varanda

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A obra de Leirner será\; um ponto culminante de passagens entre gera ç\;õ\;es de artistas e as novas tendê\;ncias conceituais d e arte em aç\;õ\;es ambientais. Concebida especialmente para a vista da paisagem envolvendo a arquitetura e os visitantes em uma ú\; nica experiê\;ncia entre espectador e tripulante de uma arca de criatu ras que cruzam imaginá\;rios popular\, religiosos e zooló\;gico s. Os visitantes entram na obra como parte de uma famí\;lia que ultra passa a espé\;cie humana.

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DTEND:20161023 DTSTAMP:20160827T020814 DTSTART:20160902 GEO:-22.907919;-43.125908 LOCATION:Museu de Arte Contemporânea - Niterói\,Mirante de Boa Viagem s/n\, Rio de Janeiro \nNiterói\, Rio de Janeiro 24210-390 SEQUENCE:0 SUMMARY:Baía de Guanabara: Águas e Vidas Escondidas\, Nelson Leirner\, Adri ana Varejâo\, Aurélien Gamboni\, Sandrine Teixido\, Lia do Rio\, Enrique Ba nfi\, Martha Niklaus\, Fernando Moraes\, Ignês Albuquerque\, Priscila Grimb erg\, Nuno Sacramento\, Gabriela Bandeira\, Rodrigo Freitas\, Katie van Sch erpenberg UID:426544 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20160902T180000 DTSTAMP:20160827T020814 DTSTART:20160902T100000 GEO:-22.907919;-43.125908 LOCATION:Museu de Arte Contemporânea - Niterói\,Mirante de Boa Viagem s/n\, Rio de Janeiro \nNiterói\, Rio de Janeiro 24210-390 SEQUENCE:0 SUMMARY:Baía de Guanabara: Águas e Vidas Escondidas\, Ignês Albuquerque\, G abriela Bandeira\, Enrique Banfi\, Rodrigo Freitas\, Aurélien Gamboni\, Pri scila Grimberg\, Nelson Leirner\, Fernando Moraes\, Martha Niklaus\, Lia do Rio\, Nuno Sacramento\, Sandrine Teixido\, Katie van Scherpenberg\, Adrian a Varejâo UID:426545 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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The Museum of Modern Art\, New York\, and the Museo Reina Sofí\;a have organised what will be on e of the most comprehensive retrospectives devoted to Belgian artist Marcel Broodthaers (1924&ndash\;1976). His remarkable output in the 1960s and 197 0s established him as one of the most important artists on the internationa l scene\, and one of the most influential for numerous contemporary artists from that time to the present day. Following his initial work as a poet\, journalist and photographer\, in 1964 Marcel Broodthaers decided to become a visual artist\, and from that moment on a response to the basic questions in plastic arts can be discerned across his work as he questioned the idea of representation and the production of meaning through the use of existin g knowledge systems.

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Throughout his c areer\, from the early objects made from mussels and eggs to the subsequent fictitious museum\, the Musé\;e d&rsquo\;Art Moderne. Dé\; partement des Aigles\, or the retrospective Dé\;cor. A Conqu est by Marcel Broodthaers\, unveiled in 1975 in the Institute of Conte mporary Arts\, London\, Broodthaers always occupied a unique place in the a rt world. By way of a radical approach to traditional focuses on poetry\, f ilm\, books and exhibitions\, the artist found his own path for expressing his personal viewpoint in the burgeoning years of Pop Art and Conceptual Ar t\, as well as creating a whole structure centred on institutional critique .

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The exhibition\, which spans the mu ltiple sides of the artist via the selection of around 300 works representi ng his artistic practice\, will be joined by the publication of an extensiv e catalogue\, with both Spanish and English editions\, featuring texts by c urators and art historians such as Jean-Franç\;ois Chevrier\, Thierry de Duve and Benjamin H. D. Buchloh\, in addition to a selection of chapter s devoted to different parts of the Belgian artist&rsquo\;s work.

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Supported by:

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Exhibition&a cute\;s details

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Organized by: \;

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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sof ia\, Madrid and The Museum of Modern Art\, New York

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Curatorship: \;

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Manuel Borja-Villel\, Director of M useo Nacional Centro de Arte Reina Sofia\, Madrid and Christophe Cherix\, T he Robert Lehman Foundation Chief Curator of Drawings and Prints\, The Muse um of Modern Art\, New York

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\n< p>El Museum of Modern Art de Nueva York y el Museo Reina Sofí\;a han organizado la que será\; una de las retrospectivas má\;s comple tas dedicadas al artista belga Marcel Broodthaers (1924-1976). Su extraordi naria producció\;n artí\;stica durante las dé\;cadas de l os añ\;os sesenta y setenta del siglo XX\, lo situó\; como uno de los artistas má\;s importantes del panorama internacional\, ejerci endo desde ese momento hasta la actualidad una gran influencia en muchos ar tistas contemporá\;neos. Tras un trabajo inicial dedicado a la poes&i acute\;a\, la crí\;tica periodí\;stica y la fotografí\;a\ , Marcel Broodthaers decide en 1964 convertirse en artista visual. A partir de entonces\, se percibe en toda su obra una preocupació\;n por dar respuesta a las preguntas bá\;sicas de las artes plá\;sticas\, cuestioná\;ndose la idea de representació\;n y la producci&oacu te\;n de significado a travé\;s del uso de sistemas de conocimiento e xistentes.

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A lo largo de su carrera\, desde sus tempranos objetos f ormados por mejillones y huevos hasta su posterior museo ficticio\, el Musé\;e d&rsquo\;Art Moderne.Dé\;partement des Aigles\,o l a retrospectiva Dé\;cor. A Conquest by Marcel Broodthaers qu e inauguró\; en 1975 en el Institute of Contemporary Arts de Londres\ , Broodthaers mantuvo siempre una posició\;n ú\;nica dentro del mundo del arte. A travé\;s de un planteamiento radical de los enfoqu es tradicionales de la poesí\;a\, el cine\, los libros o la propia ex posició\;n\, el artista encontró\; su propia ví\;a para d esarrollar un trabajo con el que dar un personal punto de vista a los por a quellos añ\;os nacientes arte pop y conceptual\, así\; como a c rear toda una estructura centrada en la crí\;tica institucional.

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La exposició\;n\, que plantea un recorrido por las mú\;ltip les facetas de este artista mediante la selecció\;n de un conjunto de aproximadamente 300 obras representativas de su prá\;ctica art&iacut e\;stica\, estará\; acompañ\;ada por la publicació\;n de un extenso catá\;logo\, con ediciones en castellano e inglé\;s\ , con textos de los propios comisarios junto a historiadores del arte como Jean-Franç\;ois Chevrier\, Thierry de Duve y Benjamin H. D. Buchloh\, así\; como de una selecció\;n de capí\;tulos dedicados a diferentes apartados de la producció\;n del artista belga.

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C on la colaboració\;n de:

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Datos de la exposició\;n

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Organiza ció\;n: \;

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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofí\;a\, Madrid y The Museu m of Modern Art\, Nueva York

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Comisariado:  \;

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Manuel Borja-Villel\, Director del Museo Nacional Centro d e Arte Reina Sofí\;a\, Madrid\, y Christophe Cherix\, Comisario Jefe de Dibujos e Impresiones de The Robert Lehman Foundation\, The Museum of Mo dern Art\, Nueva York

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\n DTEND:20170109 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20161005 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:A Retrospective \, Marcel Broodthaers UID:426542 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20161005T210000 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20161005T100000 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:A Retrospective \, Marcel Broodthaers UID:426543 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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The retrospective by Basque artist Txomin Badiola (Bilbao\, 1957)\, housed in the Palacio de Vel&aacut e\;zquez\, will present a broad selection of his output &ndash\; photograph ic works\, drawings\, sculptures and multimedia installations &ndash\; span ning from the 1980s to the present day.

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Curated by the Museo&rsquo\;s Deputy Director of Art\, Joã\;o Fern andes\, the show will centre on the problem of form as both the particular way of understanding artistic creation and a process that assimilates its o wn transgression. To Badiola\, the art form is always a &ldquo\;bad form&rd quo\; which\, at the same time as it creates a vision\, denies recognition. The artist works against culture\, dismantling conditions of visibility an d invisibility. The museum device\, conceived from a curatorial process whi ch has involved seven other close artists\, gives shape to a kind of text-e xhibition that enables at once simultaneity and a certain linearity\, devel oping dialogue relations and references that cross through different works. Furthermore\, a chronological reading becomes complex by dint of structura l meta-comments and leaps in time that put forward possible developments or invoke forgotten origins. \;

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Aft er graduating from the Faculty of Fine Arts\, Bilbao\, Txomin Badiola worke d at the same school as a professor between 1982 and 1988. He has put toget her a catalogue raisonné\; of Jorge Oteiza&rsquo\;s work and curated his exhibitions at the Caja de Pensiones Foundation in Madrid and Barcelona \, and the Museo de Bellas Artes\, in Bilbao\, in 1988\, as well as the sho w Oteiza. Mito y Modernidad (Oteiza. Myth a nd Modernity)\, curated alongside Margit Rowell\, for the Guggenhein Museum in Bilbao and New York in 2004 and 2005\, and for the Museo Reina Sof&iacu te\;a in 2005.

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Awarded the Gure Artea Prize in 1986 and the ICARO Prize for outstanding young artist in 1987\, h is work has been the subject of solo and collective exhibitions\, most nota bly PRIMER PROFORMA 2010 BADIOLA EUBA PREGO 30 ejercicios 40 dí\; as 8 horas al dí\;a at Leó\;n&rsquo\;s MUSAC in 2010\; La Forme Qui Pense at the Museé\; d'Art Moderne de Saint-&Eacut e\;tienne\, France\, in 2007\, and Malas Formas 1990-2002 at MACBA \, Barcelona\, and the Museo de Bellas Artes\, Bilbao\, in 2002.

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Exposició\;n antoló\;gic a del artista vasco Txomin Badiola (Bilbao\, 1957) que presentará\; e n el Palacio de Velá\;zquez una amplia selecció\;n de su produc ció\;n &mdash\;obras fotográ\;ficas\, dibujos\, piezas escult&o acute\;ricas e instalaciones multimedia&mdash\; desde los añ\;os oche nta hasta la actualidad.

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Comisariada por Joã\;o Fernandes\, subdirector Artí\;stico del Museo\, esta muestra se centra en el problema de la forma en tanto modo particular de e ntender la creació\;n artí\;stica como un proceso que incorpora su propia transgresió\;n. Para Badiola\, la forma del arte es siempr e una &ldquo\;mala forma&rdquo\; que al tiempo que crea una visió\;n niega un reconocimiento. El artista trabaja contra la cultura desmontando l as condiciones de \; visibilidad e invisibilidad. El dispositivo museog rá\;fico\, concebido a partir de un proceso curatorial en el cual ha involucrado a otros siete artistas de su entorno má\;s inmediato\, se conforma en una suerte de texto-exposició\;n que permite tanto la si multaneidad como una cierta linealidad\, desarrollando relaciones de di&aac ute\;logo y referencias cruzadas entre las distintas obras. Asimismo\, la l ectura cronoló\;gica se complejiza mediante meta-comentarios estructu rales y saltos en el tiempo que avanzan posibles desarrollos o remiten a or í\;genes olvidados.

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Licenciado en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao\, Txomin Badiola ejerce como profe sor en la misma entre 1982 y 1988. Es autor de la catalogació\;n de l a obra de Jorge Oteiza y ha comisariado las exposiciones del mismo para la Fundació\;n Caja de Pensiones en Madrid y Barcelona\, y el Museo de B ellas Artes de Bilbao\, en 1988\, así\; como la muestra Oteiza. Mito y Modernidad\, comisariada junto con Margit R owell\, para el Museo Guggenhein en Bilbao y Nueva York en 2004 y 2005\, y para el Museo Reina Sofí\;a en 2005.

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Galardonado con el premio Gure Artea 1986 y el premio ICARO al artist a joven má\;s sobresaliente en 1987\, su obra ha sido objeto de muest ras individuales y colectivas entre las que caben destacar PRIMER PROFO RMA 2010 BADIOLA EUBA PREGO 30 ejercicios 40 dí\;as 8 horas al d&iacu te\;a en MUSAC\, Lé\;on\, en 2010\; La Forme Qui Pense en el Museé\; d'Art Moderne de Saint-É\;tienne\, Francia\, en 2 007\, y Malas Formas 1990-2002 en el MACBA\, Barcelona\, y el Muse o de Bellas Artes de Bilbao en 2002.

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DTEND:20170226 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160922 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:Another Family Plot \, Txomin Badiola UID:426540 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTEND:20160922T210000 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160922T100000 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:Another Family Plot \, Txomin Badiola UID:426541 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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Damiá\;n Ortega (Mexi co City\, 1967) started out as a newspaper cartoonist in the 1980s\, approa ching the political scene with acerbic wit. His artistic concerns shifted w hen he joined the Taller de los Viernes (Friday Workshop) in Tlalpan (activ e from 1987 to 1992)\, a self-styled school and the place where he would co me into contact with a creative community that was both diverse and an alte rnative to the dominant reactionary muralism in Mexico at the time. It was in this milieu that he realised his first sculptures\, continuing the ironic tone from his previous profession.

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Throughout his oeuvre\, Ortega&rsquo\;s interests have been sparke d by particular situations and everyday objects\, which he alters and trans forms to raise questions on broader notions\, for instance the economic\, s ocial and political discourses that articulate matter and the relationships it is encapsulated within. It is precisely matter on numerous levels\, fro m its composition and molecular behaviour to the discourses that shape it o r place it in the dynamics of property and hierarchy\, that is at the heart of his investigations.

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In this regar d\, architecture sits in a privileged place as the artist places emphasis o n its skin-like nature\, as a border that divides space and determines its perception. For instance\, the height of a building calls into question the laws of gravity\, whilst also describing a discursive framework &ndash\; t he language of diverse interests. Works like Materia y espí\;ritu (Matter and Spirit\, 2004)\, Piel (Skin\, 2007) and Pir& aacute\;mide invertida (Inverted Pyramid 2009&ndash\;2010) explore the twofold nature of architectural aspects\, the physical and the symbolic. W ith De la serie Torre Latino (From the Torre Latino Series\, 2007) he proceeds from a specific construction\, Augusto H. Á\;lvarez&rsqu o\;s Torre Latinoamé\;rica\, built between 1949 and 1956 and regarded as one of the most relevant exponents of modern architecture in Mexico. Or tega considers the singular nature of its foundations\, which possess an el asticity that is resistant to earthquakes in the area. In his piece he buri es them in a globe\, out of which a tower rises to underscore the building& rsquo\;s inherent resolve to endure and overcome adverse conditions.

\n< p style="text-align: justify\;">For his intervention in the Palacio de Cris tal\, Ortega revisits the Torre Latinoamé\;rica\, in this instance tu rning it into a pendulum and inverting and suspending it\, using a steel wi re\, from the highest dome in the Palacio. It is structured by printed skin \, thus setting up an interplay between its flexibility and ductility and t he solidity represented by the architectural structure. Its hollowed interi or houses a sand tank which\, like an hourglass\, and as the pendulum oscil lates\, releases grains of sand on the ground to draw unpredictable forms. This last aspect &ndash\; the movements and unexpected variations produced in matter &ndash\; are at the core of other pieces such as Tusks ( 2012) and Materia en reposo (Resting Matter\, 2004).

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Damiá\;n Ortega&rsquo\;s artistic career is extensive\, and he has been the subject of solo exhibitions in art centres and museums around the world\, for instance HangarBicocca in Milan (2015)\, the Museo Jumex in Mexico City (2014)\, the Museum of Contemporary Art\, L os Angeles (2005)\, Tate Modern in London (2005)\, the Kunsthalle in Basel (2004) and ICA\, Philadelphia (2002). He also participated in the 50th Venice Biennale (2003) and the 27th Sã\;o Paulo Bie nnial (2006) and\, in parallel\, he has carried out significant publishing work as co-editor and contributor for Casper Magazine\, between 19 98 and 1999\, and as the editor of the Alias project\, which disseminates t he work and thought of authors who are highly relevant to contemporary art and previously unpublished in the Spanish language.

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DTEND:20161002 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160505 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:The Rocket and the Abyss\, Damián Ortega UID:426539 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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A key figure in Mexican conceptual art\ , Ulises Carrió\;n (1941\, San André\;s Tuxtla\, Mexico &ndash\ ; 1989\, Amsterdam) was an artist\, editor\, curator\, and theorist of the post-1960s international artistic avant-garde.

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Due to his interest in new art forms and innovative trends\, he a ctively participated in most of the artistic disciplines of his time. He co founded the independent artists' run space In-Out Center in Amsterdam and f ounded the legendary bookshop-gallery Other Books and So (1975&ndash\;79)\, the first of its kind dedicated to artists&rsquo\; publications that\, in 1980\, would become Other Books and So Archive. The name &ldquo\;Other Book s&rdquo\; indicates the purpose of this bookshop-gallery: the presentation\ , production\, and distribution of publications that were no longer literar y texts nor about art\, but rather books that were art or\, as Carrió \;n himself called them\, &ldquo\;non books\, anti books\, pseudo books\, q uasi books\, concrete books\, visual books\, conceptual books\, structural books\, project books\, statement books\, instruction books&rdquo\; (Advert isement flyer\, 1975). The second part of the name "and So" refers to all k inds of publications\, such as magazines\, newspapers\, LPs\, postcards\, p osters\, musical scores\, multiples\, etc.

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Along with his artistic activities\, Ulises Carrió\;n developed a wide range of theoretical work\, highlighted by his 1975 manifesto &ldqu o\;The New Art of Making Books.&rdquo\; Though conceived with the goal of o pening new avenues for traditional writers\, it would have a great influenc e on young visual artists. It is fascinating to see that Ulises Carri&oacut e\;n&rsquo\;s theories are seemingly word-for-word precursors to more recen t art theories of the twenty-first-century digital world. By way of example \, we can cite his idea of plagiarism as the &ldquo\;starting point of the creative activity.&rdquo\; In a type of pamphlet he stated\, &ldquo\;Why is there plagiarism? Because&mdash\;There are too many books&mdash\;It takes so long to read or write a book&mdash\;Art is not private property&mdash\;T hey represent love for the author&mdash\;They give a book a second chance t o be read&mdash\;They make reading unnecessary&mdash\;They do not lend them selves to psychological interpretations&mdash\;They do not have utilitarian purposes&mdash\;They lack commercial value&mdash\;They are simple and abso lute&mdash\;They are beautiful&rdquo\; (Fandangos\, no. 1\, Maastr icht\, December 1973).

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Clues to his o euvre may also be found in artists&rsquo\; books such as Looking for Po etry (1973)\, films like The Death of the Art Dealer (1982)\, or the video TV-Tonight (1987). During his most creative artistic period\, his participation in the international mail art network gave birt h to\, among others\, the magazine Ephemera (1977&ndash\;78)\, ded icated to the daily receiving of works circulating throughout this network. For Ulises Carrió\;n\, mail art was a kind of guerilla strategy. Whe ther one uses the mail system as a support&mdash\;as one would use canvas\, paper\, or wood&mdash\;or as a means of distribution\, both &ldquo\;art&rd quo\; and &ldquo\;mail&rdquo\; coalesce to control the production and distr ibution of art (Mail Art and the Big Monster\, 1977).

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This retrospective focusing on Ulises Carri&oacut e\;n&rsquo\;s personal and groundbreaking approach seeks to illustrate all aspects of his artistic and intellectual work. The exhibition spans from hi s early career as a young\, successful writer in Mexico\, to his college ye ars as a postgraduate student exploring language and linguistics in France\ , Germany\, and Britain\, to his numerous activities in Amsterdam\, where C arrió\;n established himself in 1972 and lived until his untimely dea th at the age of forty-nine.

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The exhi bition is composed of nearly 350 pieces that include books\, magazines\, vi deos\, films\, sound pieces\, mail art\, public projects\, and performances \, along with Carrió\;n&rsquo\;s initiatives as curator\, editor\, di stributor\, lecturer\, archivist\, art theorist\, and writer. It is a signi ficant body of original work structured so as to place a spotlight on every facet of his production.

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Without los ing sight of the unclassifiable nature of his oeuvre\, this exhibition emph asizes Ulises Carrió\;n&rsquo\;s constant search for new cultural str ategies and the extent to which his projects were determined by two fundame ntal themes: structure and language\, representing artistic guidelines that \, influenced by a literary education\, are pervasive in his work even if h e always fought against it. This duality corresponds to the exhibition titl e "Dear reader. Don&rsquo\;t read"&mdash\;taken from his diptych of the sam e name&mdash\;which illustrates his ambiguous relation to literature\, a re curring theme in his work.

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Ulises Carrió\;n (1941\, San André\;s Tuxtla\, Mé\;xico - 1989\, Á\;msterdam\, Holanda)\, figura clave del arte conceptual me xicano\, fue artista\, editor\, comisario de exposiciones y teó\;rico de la vanguardia artí\;stica internacional posterior a la dé\; cada de los añ\;os sesenta del siglo xx.

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Su atenció\;n e interé\;s por las nuevas formas del a rte y las tendencias innovadoras le impulsaron a participar activamente en la mayor parte de los campos artí\;sticos de su tiempo. Fue cofundado r del espacio gestionado por artistas independientes In-Out Center en &Aacu te\;msterdam\, y fundador de la mí\;tica librerí\;a-galer&iacut e\;a Other Books And So (1975-1979)\, la primera de su gé\;nero dedic ada a publicaciones de artistas\, que en 1980 se transformó\; en el a rchivo Other Books And So. El nombre &ldquo\;Other Books&rdquo\; indica la finalidad de esta librerí\;a-galerí\;a: la presentació\;n \, producció\;n y distribució\;n de publicaciones que ya no era n textos literarios o relacionados con el arte\, sino libros que eran arte o\, tal como los denominaba Ulises Carrió\;n\, &ldquo\;nolibros\, ant ilibros\, pseudolibros\, cuasilibros\, libros concretos\, libros visuales\, libros conceptuales\, libros estructurales\, libros proyecto\, libros decl aració\;n\, libros instrucció\;n&rdquo\;(folleto\, 1975). La se gunda parte del nombre\, &ldquo\;and So&rdquo\;\, alude a todo tipo de publ icaciones\, como revistas\, perió\;dicos\, discos\, postales\, cartel es\, partituras\, publicaciones mú\;ltiples\, etc.

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Junto con sus actividades artí\;sticas\, Ulises C arrió\;n desarrolló\; una amplia labor teó\;rica en la qu e destaca su manifiesto El arte nuevo de hacer libros (1975) que\, aun siendo concebido con el objetivo de abrir nuevas ví\;as para los escritores tradicionales\, ejerció\; gran influencia en muchos j&oac ute\;venes artistas visuales. Resulta curioso observar que las teorí\ ;as de Ulises Carrió\;n son casi literalmente precursoras de otras te orí\;as del arte má\;s recientes en el mundo digital del siglo xxi. Podrí\;amos citar\, por ejemplo\, su concepció\;n del plag io como el &ldquo\;punto de partida de la actividad creativa&rdquo\;. En un a especie de panfleto declaró\;: &ldquo\;¿\;Por qué\; pla gios? Porque - Hay demasiados libros - Se tarda mucho en leer o escribir un libro - El arte no es propiedad privada - Denotan el amor que se profesa a l autor - Ofrecen una segunda oportunidad de leer un libro - Hacen innecesa ria la lectura - No se prestan a interpretaciones psicoló\;gicas - No tienen fines utilitarios - Carecen de valor comercial - Son sencillos y ab solutos - Son bonitos&rdquo\;(Fandangos\, nº\; 1\, Maastricht\ , diciembre de 1973).

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Tambié\;n encontramos las claves de su obra en trabajos como el libro de artista Tras la poesí\;a (1973)\, la pelí\;cula The Death of the Art Dealer (1982) o el ví\;deo TV-Tonight (1987). D e su participació\;n en la red de arte correo durante su perí\; odo má\;s creativo surgieron\, entre otros frutos\, la revista Ep hemera (1977-1978)\, dedicada a la recepció\;n diaria de las obr as que circulaban a travé\;s de esa red. Para Ulises Carrió\;n\ , el arte postal era una suerte de estrategia de guerrilla. Con independenc ia de que se use el sistema de correos como soporte &mdash\;igual que se us a el lienzo\, el papel o la madera&mdash\; o como medio de distribuci&oacut e\;n\, tanto &ldquo\;arte&rdquo\; como &ldquo\;correo&rdquo\; confluyen par a controlar la producció\;n y la distribució\;n de arte (El Arte Correo y el Gran Monstruo\, 1977).

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Esta retrospectiva\, centrada en el enfoque personal y pionero de Ulises Carrió\;n\, tiene como objetivo ilustrar todos los aspectos de su obra artí\;stica e intelectual: desde su trayectoria inicial como joven escritor de é\;xito en Mé\;xico\, sus añ\;os de un iversidad como alumno de posgrado en Francia\, Alemania e Inglaterra durant e los que estudió\; lenguaje y lingü\;í\;stica\; hasta sus numerosas actividades desarrolladas en Á\;msterdam\, donde Carri&oacu te\;n se estableció\; definitivamente en 1972 hasta su prematura muer te a los 49 añ\;os de edad.

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Se exponen alrededor de 350 piezas\, entre las que se incluyen libros\, revist as\, ví\;deos\, obras sonoras\, arte correo\, proyectos pú\;bli cos y performances\, así\; como sus iniciativas como comisario\, edit or\, distribuidor\, conferenciante\, archivero\, teó\;rico del arte y escritor. Un gran corpus de obras originales\, estructurado en base a cada aspecto de su producció\;n.

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Si n perder de vista el cará\;cter inclasificable de su obra\, esta mues tra pone de relieve su bú\;squeda permanente de nuevas estrategias cu lturales y hasta qué\; punto sus proyectos vienen determinados por do s aspectos fundamentales: la estructura y el lenguaje\, que constituyen las directrices de sus creaciones\, influidas por su formació\;n literar ia\, siempre presente en sus trabajos aunque en permanente conflicto. Esta dualidad se corresponde con el tí\;tulo de la exposició\;n\, Querido lector. No lea\, que alude al dí\;ptico de Ul ises Carrió\;n del mismo nombre\, e ilustra su ambigua relació\ ;n con la literatura\, el tema recurrente en su obra.

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DTEND:20161010 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160316 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:Dear reader. Don’t read \, Ulises Carrión UID:426538 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

The Palacio de Velá\;zqu ez welcomes the first monographic exhibition in Spain on Swiss artist R&eac ute\;my Zaugg (Courgenay\, 1943 &ndash\; Basel\, 2005). The exhibition&rsqu o\;s title The Question of Perception is in reference to the art ist&rsquo\;s concerns with exploring language and perception as a medium fo r activating the spectator. Zaugg&rsquo\;s fascination with the materialisa tion of language and its phenomenological implications\, his analyses of ar chitecture and urbanism\, and his practical-theoretical reflections around the presentation of the artwork are key to understanding the full extent of his work.

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The exhibition also shines a spotlight on the tautological nature of Zaugg&rsquo\;s oeuvre\, visible in his early work on Cé\;zanne\, or his investigations into perspecti ve developed in the 1970s\, for instance. The importance of the act of seei ng\, or not\, of witnessing or concealing\, of perceiving or going unnotice d advances a conceptual and physical experience\, bolstered by the use of c olour and typography\, and by repeated messages that flow unhampered in the here and now.

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Zaugg&rsquo\;s work ha s been on display in galleries and museums\, as well as a range of public s paces. His interest in the architectural and urban analysis of space\, part icularly exhibition space\, led to his habitual collaboration with the arch itects Herzog and de Meuron\, resulting in projects for the Campus of the U niversity of Dijon and the Urban Study of Basel\, both of which feature in the exhibition. He also wrote a number of texts\, deemed essential in museu m studies\, for instance Das Kunstmuseum\, das ich mir erträ\;ume. Oder der Ort des Werkes und des Menschen\, 1987 (The Art M useum of My Dreams. Or a Place for the Work and the Human Being).

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The exhibition also sheds some light on the de pth and intensity with which Ré\;my Zaugg studied the phenomenon of p erception\, integrated with more than one hundred works from relevant Europ ean museums and private collections. It sets out from Esquisses Percep tives d'un tableau  \;(1963&ndash\;1968)\, his annotations on Pau l Cezanne&rsquo\;s renowned painting La maison du pendu\, in whic h Zaugg replaces fragments of images with literal descriptions. The exhibit ion also presents a significant ensemble of works from the series Ein Blatt Papier\, Le Monde Voit\, About Death III\, < em> Fü\;r ein Bild and One Word One Support.

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Moreover\, it includes documents on his relatio nship with Herzog and de Meuron and two videos of actions\, one of which fe atures the artist filmed while he smokes a cigarette and watches a performa nce by Abramovich and Ulay.

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E l Palacio de Velá\;zquez acoge la primera exposició\;n monogr&a acute\;fica en Españ\;a del artista suizo Ré\;my Zaugg (Courgen ay\, 1943 &ndash\; Basilea\, 2005)\, cuyo tí\;tulo Cuestiones de percepció\;n hace referencia al interé\;s del artista por la exploració\;n del lenguaje y la percepció\;n como medio de a ctivació\;n del espectador. La fascinació\;n de Zaugg por la ma terializació\;n del lenguaje y sus implicaciones fenomenoló\;gi cas\, sus aná\;lisis sobre la arquitectura y el urbanismo\, así \; como sus reflexiones prá\;ctico-teó\;ricas en torno a la pre sentació\;n de la obra de arte son claves para entender su trabajo en toda su dimensió\;n.

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La exposi ció\;n presta tambié\;n atenció\;n al cará\;cter ta utoló\;gico de la obra de Zaugg\, visible\, por ejemplo\, en sus prim eros trabajos sobre Cé\;zanne o en sus investigaciones sobre la persp ectiva desarrolladas en los añ\;os setenta. La importancia del acto d e ver o no\, presenciar y ocultar\, percibir y pasar desapercibido propone una experiencia conceptual y fí\;sica\, reforzada por el uso del colo r y de la tipografí\;a\, así\; como por la repetició\;n d e mensajes que fluyen sin trabas en un aquí\; y un ahora.

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La obra de Zaugg se ha presentado en galer&iacut e\;as y museos\, pero tambié\;n en espacios pú\;blicos diversos . Interesado por el aná\;lisis arquitectó\;nico y urbaní\ ;stico del espacio\, especialmente del espacio expositivo\, ha colaborado e n numerosas ocasiones con los arquitectos Herzog y de Meuron. Fruto de esa colaboració\;n son los proyectos para el Campus de la Universidad de Dijon y el Plan Urbaní\;stico de Basilea\, que se presentan en la exp osició\;n. Es tambié\;n autor de algunos textos considerados es enciales en los estudios museoló\;gicos\; destaca entre ellos Das Kunstmuseum\, das ich mir erträ\;ume. Oder der Ort des Werkes und des Menschen\, 1987 (El museo de arte de mis sueñ\;os. O el lugar de la obra y del hombre).

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La m uestra arroja luz sobre la profundidad e intensidad con las que Ré\;m y Zaugg estudió\; el fenó\;meno de la percepció\;n y est& aacute\; integrada por má\;s de un centenar de obras procedentes de r elevantes museos y colecciones particulares europeas. Tiene su punto de par tida en sus \;Esquisses Perceptives d'un tableau \;(1963-1 968)\, \;hojas de anotaciones sobre el cé\;lebre cuadro de Paul C ezanne \;La maison du pendu\, en las que Zaugg sustituye los f ragmentos de imagen por descripciones literales. Ademá\;s\, \;la exposició\;n presenta un importante conjunto de obras de las series&n bsp\;Ein Blatt Papier\, Le Monde Voit\, About Death I II\, \;Fü\;r ein Bild \;y \;One Word One Support.

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Se incluye tambié \;n documentació\;n sobre su relació\;n con los arquitectos sui zos Herzog y de Meuron y dos ví\;deos de acciones\, uno de ellos\, la filmació\;n del artista fumando un cigarrillo mientras observa una p erformance de Abramovich y Ulay.

DTEND:20160828 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160331 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:The Question of Perception\, Rémy Zaugg UID:426537 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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The work of Erlea Maneros Z abala (Bilbao\, 1977) analyses the conditions and effects of image producti on\, addressing the contexts generated and the modes of distribution. The i ssues raised by her work can be found in the academisation of languages of abstraction\, the notion of authorship and the relationships established be tween handicrafts and mass production through the use of mechanical resourc es in production processes.

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This site -specific project for the Fisuras (Fissures) programme sees the artist proc eed from works belonging to the Museo&rsquo\;s Collection. Taking the name of the programme in its most &ldquo\;material&rdquo\; sense\, as a crevice\ , it connects exhibition rooms on two floors of the Sabatini Building: room 403\, on the 4th floor\, devoted to works from the Collection\, with Space 1\, on the 1st floor\, which contains temporary shows.

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A selection of ink drawings on paper is also presented f rom the series Exercises on abstraction (2007&nd ash\;2015)\, with some forming part of the Collection and others belonging to works produced between 2014 and 2015.

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Erlea Maneros Zabala&rsquo\;s studied at the Glasgow School of Art and CalArts in Los Angeles\, her current city of residence. Her work has been e xhibited in institutions that include Museo Experimental El Eco (Mexico Cit y)\, REDCAT (Los Angeles)\, Guggenheim Museum (Bilbao) and the Kadist Art F oundation (Paris).

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El trab ajo de Erlea Maneros Zabala (Bilbao\, 1977) analiza las condiciones de prod ucció\;n de las imá\;genes y sus efectos\, atendiendo alos contextos en los que se generan y los modos en que se distribuyen. Ent re las cuestiones abordadas en sus obras se sitú\;an la academizaci&o acute\;n de los lenguajes de la abstracció\;n\, la noció\;n de autorí\;a y las relaciones que se establecen entre artesaní\;a y fabricació\;n en serie a partir del uso de los medios mecá\;n icos en los procesos productivos.

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En este proyecto especí\;fico para el programa Fisuras\, la art ista toma como punto de partida obras de la Colecció\;n del Museo. En tendiendo el nombre del programa en su sentido má\;s &ldquo\;material &rdquo\;\, como una grieta\, conecta las salas de dos plantas del edificio Sabatini: la sala 403\, en la planta 4º\;\, dedicada a la exhibici&oacu te\;n de fondos\, con el Espacio 1\, en la planta 1º\;\, destinada a la s muestras de cará\;cter temporal.

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Tambié\;n se presenta una selecció\;n de dibujos en tinta s obre papelde la serie Exercises on abstraction (Eje rcicios de abstracció\;n\, 2007-2015). Algunos forman parte de los fo ndos del Museo y otros han sido realizados entre los añ\;os 2014 y 20 15.

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La formació\;n de Erlea Man eros Zabala está\; vinculada a las escuelas de arte de Glasgow y CalA rts en Los Á\;ngeles\, ciudad en la que reside actualmente. Su trabaj o ha sido expuesto en instituciones como el Museo Experimental El Eco (M&ea cute\;xico D.F.)\, REDCAT (Los Á\;ngeles)\, Museo Guggenheim (Bilbao) y Kadist Art Foundation (Parí\;s).

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DTEND:20160829 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160826 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:Solo Exhibition\, Erlea Maneros Zabala UID:426536 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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The exhibition Campo Ce rrado takes its name from the homonymous novel by Max Aub and looks to examine Spanish art in the complex and controversial 1940s\, a decade that has received little attention and one that exists in a critical and histor iographical vacuum\, despite its importance in structuring modern sensibili ty in Spain.

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In 1938\, at the height of the Civil War\, Eugenio d&rsquo\;Ors\, General Director of Fine Arts\, s elected works by Spanish artists linked to the art that preceded the confli ct\, including Zuloaga\, representing Spain&rsquo\;s fascist camp at the Ve nice Biennale. In 1951\, the writer and critic Rafael Santos Torroella and architect José\; Antonio Coderch designed the Spanish Pavilion for th e IX Milan Triennale\, thus setting up a dialogue between popular craftsman ship and contemporary design which included both Lorca&rsquo\;s poetry and the paintings of a young Guinovart. The comparison between the contents of Spain&rsquo\;s representations at both international events\, which could b ee seen as symbolic boundaries in this exhibition\, could also evoke a line ar evolution ranging from the most academic conservatism\, in line with the rigours of early fascism\, to the opening out of modernity\, in keeping wi th a political time that strived to put an end to the international isolati on of the France regime. Nevertheless\, the analysis of how much lies benea th\, not only in both exhibitions but also in the intervening time between the two\, reveals an infinitely more complex reality.

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In order to reconstruct that period\, the exhibition is di vided into the following sections\, which will combine wide-ranging views w ith case studies: 1939\; image and propaganda\; from the restoration of aca demic art to renewal: Eugenio d&rsquo\;Ors\; the country and the city: aspe cts of daily life in autarchic Spain\; exiles and expatriates\; the return of Miró\; and the rescue of avant-garde movements in history\; from t he Escuela de Altamira and Dau al Set\; architectural renovation\; the abst raction-figuration debate and the official appropriation of the modern.

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En abril de 1939\, con la ent rada en Madrid del ejé\;rcito sublevado al mando del general Franco\, comienza en Españ\;a una larga dictadura. En septiembre de 1939 se i nicia en Europa la Segunda Guerra Mundial\, que concluye en 1945 con la der rota de los paí\;ses del Eje\, polí\;ticamente afines a Franco. Sobre un paí\;s asolado y aislado internacionalmente desde 1945\, el ré\;gimen franquista impone una campañ\;a de (re)construcci&oa cute\;n nacional\, literal y metafó\;rica\, que afecta decisivamente a la cultura. Es un tiempo de contrastes en el que conviven\, no sin violen cia\, el deseo solemnizador y la pobreza\, la retó\;rica de un pasado glorioso y la dureza del presente\, las continuidades y las rupturas\, el afá\;n de supervivencia en el interior y el exilio en el exterior. Es ta situació\;n altera\, endurece y enturbia las relaciones entre el p oder y el arte\, y describe todos los matices posibles entre la eficacia (t anto coactiva como represiva) del poder oficial y la capacidad de resilienc ia de la cultura y de sus autores.

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In vocando el espí\;ritu crí\;tico de Campo cerrado (Ciud ad de Mé\;xico\, 1943)\, la novela de Max Aub centrada en los a&ntild e\;os previos a la Guerra Civil\, así\; como las connotaciones de su tí\;tulo\, esta exposició\;n revisa la posguerra españ\;o la a partir de un trabajo de investigació\;n que combina panorá \;micas generales con casos de estudio\, obras conocidas con otras rescatad as del olvido\, e incluye piezas de naturalezas muy diversas\, en ocasiones iné\;ditas para la historia del arte. El resultado cuestiona t&oacut e\;picos como la escasez e irrelevancia de la actividad cultural o art&iacu te\;stica durante la dé\;cada de los cuarenta y esboza una imagen de la é\;poca que se resiste a las esquematizaciones.

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La muestra propone un mapa con varios caminos posibles\ , que tienen en cuenta las cronologí\;as pero no se someten a la line alidad temporal. Al contrario\, el relato se articula en bloques temá \;ticos relacionados con aspectos clave de la é\;poca\, que funcionan como capí\;tulos autó\;nomos\, aunque entre ellos existan cone xiones y encadenamientos. Estos epí\;grafes son: Una nueva era\; Reto rnos y academias\; Campo y ciudad\; La irrupció\;n de lo irracional. El postismo\; Intervalo teatral\; Exilios\; Arquitecturas\; Primitivo\, m&a acute\;gico\, oscuro y Apropiació\;n oficial de lo moderno.

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DTEND:20160926 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160427 GEO:40.4085659;-3.6940401 LOCATION:Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\,Santa Isabel\, 52 \nMad rid\, 28012 SEQUENCE:0 SUMMARY:Campo Cerrado: Spanish Art 1939–1953 \, Group Show UID:426535 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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Em sua primeira individual no Rio\, o artista p lá\;stico paulista Cassio Michalany mostra\, a partir do dia 3 de ago sto na Mul.ti.plo Espaç\;o Arte\, uma nova vertente de trabalho\, na exposiç\;ã\;o O lugar do outro. Sã\;o pinturas-objeto &nd ash\; como batizado pelo artista &ndash\; que trazem\, para dentro de caixa s de madeira\, uma evoluç\;ã\;o de suas pinturas\, ampliando a percepç\;ã\;o de profundidade com a tridimensionalidade. S&atil de\;o nove pinturas-objetos recentes e algumas iné\;ditas\, em que el e reorganiza o espaç\;o da obra de arte\, com a distribuiç\;&at ilde\;o interna de finas peç\;as de madeira pintadas. &ldquo\;O traba lho é\; todo pensado desta forma: há\;\, digamos\, um &lsquo\;g abarito inicial&rsquo\; destes relevos internos\, bastante estudado e extre mamente construtivo. Entretanto\, há\; até\; quatro possibilida des de visualizaç\;ã\;o do interior de uma mesma caixa\, varian do de acordo com a montagem da exposiç\;ã\;o\, que possibilita &lsquo\;rodar&rsquo\; a obra\, obtendo uma nova composiç\;ã\;o& rdquo\;\, explica Michalany. A mostra també\;m terá\; quatro pi nturas em madeira de diversas fases de sua carreira &ndash\; todas\, assim como as pinturas-objetos\, sem tí\;tulo.

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Todas as caixas partem de uma organizaç\;ã\;o espacia l bastante criteriosa e singular &ndash\; a origem é\; sempre com uma peç\;a alinhada em um dos cantos. A partir daí\; toda a compos iç\;ã\;o se desenvolve\, seguindo coordenadas imaginá\;ri as que se complementam. &ldquo\;O enfrentamento direto com a maté\;ri a\, madeira e tinta dispensa categorias gerais e conceitos anteriores que a prisionam o trabalho. O resultado sã\;o pinturas tridimensionais que constroem espaç\;os indeterminados\, mas que nã\;o possuem nada de aleató\;rio\, e que nã\;o cessam de se mover e se transform ar&rdquo\;\, descreve o curador de arte Cauê\; Alves em um texto sobre as pinturas-objeto de Cassio Michalany.

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Exí\;mio colorista\, Michalany sempre trabalha com tons mais s&oa cute\;brios. Azuis\, vermelhos e verdes sempre bem escuros\, cores terrosas \, ocres. &ldquo\;Mas nunca é\; uma cor simples\, fá\;cil. Prin cipalmente porque quero sempre promover a permutaç\;ã\;o entre elas\, uma cor deve interagir com a outra&rdquo\;\, diz. No caso das pintur as-objeto\, os tons fechados tê\;m ainda outra dinâ\;mica. &ldquo \;Nã\;o sã\;o cores que saltam aos olhos\, sã\;o mais pro fundas. Isso faz com que o observador tenha outro tipo de atenç\;&ati lde\;o\, os tons mais baixos precisam dessa profundidade&rdquo\;\, diz.&nbs p\;

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A permutaç\;ã\;o na o bra de Cassio Michalany serviu de metá\;fora para que o historiador d a arte Rodrigo Naves comparasse essa interaç\;ã\;o ao meio soci al: &ldquo\;Sua pintura procura encontrar cores e relaç\;õ\;es de cores que correspondam à\; sociabilidade contemporâ\;nea. H&a acute\; em suas telas a tentativa de reverter a serializaç\;ã\; o que comanda o dia-a-dia\, um mundo impessoal e delimitado&rdquo\;\, diz. Para Naves\, pode-se considerar sua obra &ldquo\;em â\;mbito mais ampl o\, que supõ\;e o reconhecimento do lugar do outro e a considera&cced il\;ã\;o de que a posiç\;ã\;o que ocupamos no mundo s&oac ute\; pode ser compreendida se sã\;o supostas també\;m as outra s posiç\;õ\;es&rdquo\;. Como suas pinturas-objeto\, com seus qu atro possí\;veis pontos de vista e inú\;meras interpretaç \;õ\;es.

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DTEND:20160915 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160803 GEO:-22.9829395;-43.2262573 LOCATION:Mul.ti.plo Espaço Arte\,Rua Dias Ferreira 417/206 Leblon\nRio de J aneiro\, 22431-050 SEQUENCE:0 SUMMARY:o lugar do outro\, Cassio Michalany UID:426534 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:
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A parceria entre a Mul.ti.plo Espaç\;o Ar te e a A2\, galeria localizada no Vale das Videiras\, em Petró\;polis \, continua rendendo bons frutos. A galeria carioca de Maria Cristina Magal hã\;es Pinto e Stella Silva Ramos inaugura\, dia 9 de julho\, sua ter ceira exposiç\;ã\;o na Serra\, com importantes obras de seu ace rvo. A iniciativa de montar exposiç\;õ\;es com artistas brasile iros e estrangeiros na Galeria A2 segue o conceito das só\;cias de n& atilde\;o se restringirem à\;s paredes de sua pró\;pria galeria . E de levar peç\;as de qualidade a um pú\;blico amante da arte sem que ele precise vir ao Rio.

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Dest a vez\, a coletiva terá\; obras de dois dos mais importantes artistas contemporâ\;neos europeus\, os portugueses Pedro Cabrita Reis e Jos&e acute\; Pedro Croft. De Cabrita Reis\, a instalaç\;ã\;o Dayligh t sobre verde é\; uma paisagem\, feita de luz sobre fundo verde\, med indo 3\,5m x 2m. Já\; de Croft serã\;o trê\;s gravuras em metal.

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A exposiç\;ã\;o ta mbé\;m terá\; oito gravuras recentí\;ssimas de Waltercio Caldas\, realizadas in loco nas oficinas da renomada editora catalã\; Polí\;grafa\, no ano passado\; gravuras de Cé\;lia Euvaldo\; e fotografias de Isidora Gajic. &ldquo\;É\; uma mostra com vá\;r ios suportes\, bem dinâ\;mica. Será\; um interessante apanhado d a atual arte contemporâ\;nea&rdquo\;\, diz Maneco Muller\, consultor d a Mul.ti.plo.

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A galeria A2 foi aberta há\; pouco mais de um ano pelo fotó\;grafo Alexandre Salgado e o advogado André\; Faoro\, com o foco voltado para a arte contempor& acirc\;nea. E tem muito em comum com a Mul.ti.plo. &ldquo\;As duas galerias tê\;m a coragem e a ousadia de buscar alternativas novas e compartilh am da ideia de mostrar boa arte a preç\;os acessí\;veis\, sempr e com extrema qualidade&rdquo\;\, finaliza Maneco.

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\n DTEND:20160911 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160710 GEO:-22.9829395;-43.2262573 LOCATION:Mul.ti.plo Espaço Arte\,Rua Dias Ferreira 417/206 Leblon\nRio de J aneiro\, 22431-050 SEQUENCE:0 SUMMARY:Mul.ti.plo + A2 UID:426533 END:VEVENT BEGIN:VEVENT DESCRIPTION:

Exhibition in the exhibition & ndash\; Popup7 at the Műcsarnok

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In th e finissage week of the show the artist studio apartment will become a temp orary exhibition space with one-day pop-up shows of artists.

DTEND:20160909T200000 DTSTAMP:20160827T020815 DTSTART:20160909T170000 GEO:47.514232;19.0779703 LOCATION:Műcsarnok\,Dózsa György út 37. (Hősök tere) \nBudapest\, 1146 SEQUENCE:0 SUMMARY:Popup exhibition of Pista Horror and Károly Elekes\, Pista Horror\, Károly Elekes UID:426532 END:VEVENT END:VCALENDAR