ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/ew/Events/show en-us 40 Ayami Aoyama - Grounds For Sculpture - May 1st - September 8th <div> <p style="text-align: justify;">Featuring recent works by this NJ based artist, <em>Ayami Aoyama: Silence</em>, also includes new works that are being exhibited for the first time at Grounds For Sculpture.&nbsp; A master of stone carving, Ayami Aoyama hand-carves stone using a variety of saws, chisels, grinders and other tools.&nbsp; Traditionally grounded in painting, Aoyama started working with stone during her time as a student at the Art Students League in New York (since her studio is outdoors, she still paints in the winter).&nbsp;</p> <p style="margin-left: 0.5in; text-align: justify;"><em>&ldquo;I always had the urge to travel, to seek something.&nbsp; When I found stone carving and could see that as a journey to seek shapes, colors and textures, I no longer needed to travel anywhere.&nbsp; Stone contains life within.&rdquo;</em>&nbsp; -&nbsp; Ayami Aoyama</p> <p style="text-align: justify;">Frequent themes in her work include connecting to the spiritual world and embracing the materials.&nbsp; While some artists begin working on a new sculpture with a pre-determined idea of the final result, Aoyama allows the materials to guide her hand organically into creating new shapes. &nbsp;&nbsp;</p> </div> Sat, 25 Jun 2016 14:52:30 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Henry Ramirez - Grounds For Sculpture - February 27th - January 8th, 2017 <p style="text-align: justify;">Artist Paul Henry Ramirez is developing a site-specific installation in Grounds For Sculpture&rsquo;s West Gallery.</p> <p style="text-align: justify;">This installation will treat the entire West Gallery as a blank canvas.&nbsp; Through a combination of direct paint pours on the wall, canvas wall installations, sound, and colorful window film, Ramirez will transform the West Gallery into a whimsical fantasy of color and energy, playing with and against the architecture of the space.&nbsp; When a visitor steps inside the gallery they are stepping inside a sculptural environment, where the viewer experiences the piece on multiple sensory levels.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><em>&ldquo;The dialogue between painting and architecture animate the space in playful motion and&nbsp;dynamic dimension.&nbsp;&ldquo;</em>&nbsp; &nbsp;<em>-Paul Henry Ramirez</em></p> <p style="text-align: justify;">The exhibition is made possible in part through an award from <a style="color: #000000; text-decoration: none;" href="https://www.bankofamerica.com/" target="_blank"><strong>Bank of America</strong></a>.</p> Sat, 25 Jun 2016 14:51:01 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list - Grounds For Sculpture - November 10th, 2015 - May 31st <p style="text-align: justify;">This exhibition is the result of a collaboration between Grounds For Sculpture and Enable, Inc., a non-profit agency devoted to supporting individuals with physical and developmental disabilities throughout Central New Jersey. Consumers served by Enable have a range of needs, including a disability that can cause difficulties with communication, self-care, mobility or the ability to live independently. For more information, please visit <a href="http://www.enablenj.org/" target="_blank">http://www.enablenj.org/</a></p> <p style="text-align: justify;">For several years, Grounds For Sculpture has offered a series of hands-on art workshops specifically designed to meet the abilities of Enable&rsquo;s consumers. The artistic process allows for the participants to express themselves in a non-verbal way, as encourages these participants to become more expressive of their emotions overall.&nbsp; The work on view was created in the spring of 2015.</p> Sat, 25 Jun 2016 14:49:59 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list - Green Hill Center - July 7th - July 13th <p style="text-align: justify;">GreenHill is excited to announce <em>7Squared</em>, July 7-July 13, 2016.<em> 7Squared</em> will be an inclusive community exhibition inviting NC artists of all ages and stages to submit an original piece of artwork measuring exactly 7in x 7in.</p> Sat, 25 Jun 2016 14:47:11 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Group Show - Green Hill Center - June 3rd - June 30th <p style="text-align: justify;"><em>Influence</em> is a collaboration between GreenHill and Art Alliance Greensboro.The Shop at GreenHill will have works by 12 Art Alliance instructors in the mediums of sculpture, ceramics and 2D. Free and Open to the public.</p> Sat, 25 Jun 2016 14:43:30 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list - Green Hill Center - June 25th 5:30 PM - 7:00 PM <p style="text-align: justify;">Join us in The Gallery for a discussion on&nbsp;street art from the personal perspective of our panel of community art leaders. Panelists will speak about the history of the practice and how contemporary public spaces are formed and enlivened. Free and open to the public.<br /> <br /> <strong>Panelists:&nbsp;</strong><br /> Edie Carpenter, <em>Director of Curatorial &amp; Artistic Programs, GreenHill</em><br /> Katie Lank, <em>Executive Director, Center for Visual Artists</em><br /> Gab Smith,<em> Executive Director, CAM Raleigh</em><br /> Emily Stamey, <em>Curator of Exhibitions, Weatherspoon Art Museum</em><br /> <br /> <em>Presented by No Blank Walls in association with GreenHill</em></p> Sat, 25 Jun 2016 14:37:30 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list James Rogers, Keith Bowler - GRÖLLE pass:projects - July 23rd - August 28th <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY">F&uuml;r James Rogers ist der Punkt in seiner Perfektion und Einfachheit die ideale Form und die Basis einer Werkserie, die er bereits in den sp&auml;ten Sechzigerjahren begonnen hat. Seit dieser Zeit hat sich der Maler, der seit einigen Jahren in Wuppertal lebt und arbeitet, der Minimal Art verschrieben und ist deren Prinzipien bis heute treu geblieben. Unter dem Titel &bdquo;Spot Light &ndash; Surface &amp; Space&ldquo; zeigt James Rogers zusammen mit dem Lichtk&uuml;nstler Keith Bowler ab Juli 2016 einige seiner Ideen und Arbeiten in der Galerie GR&Ouml;LLE pass:projects in Wuppertal.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY"><strong>Der Punkt, das Konzept und das Raster</strong><br /> Was in James Rogers&rsquo; Werk auf den ersten Blick erscheinen mag, wie eine willk&uuml;rlich mit farbigen Punkten bedeckte Fl&auml;che, zieht den Betrachter sofort in seinen Bann. Hinter den Farbfolgen der Punkte gilt es ein System zu entschl&uuml;sseln und durch die oft friesartige Anmutung von Rogers&rsquo; Arbeiten setzt sich der Rezipient sofort in Bewegung, geistig wie k&ouml;rperlich. Der Punkt hat nur eine Kante, betont Rogers, er wird einzig definiert durch seine Gr&ouml;&szlig;e und seine Farbe, hinzu kommt der Abstand zwischen den einzelnen Elementen als architektonische Dimension. Damit bekennt sich der Maler ganz deutlich zur Minimal Art, die er w&auml;hrend seines Studiums kennen gelernt und an deren Entwicklung in Europa er ma&szlig;geblich beteiligt war.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY">Bereits vor seinem Kunststudium an der St. Martin&rsquo;s School of Art in London und an der University of Leicester hatte er als Typograph in der Londoner Werbeagentur B.B.D.O. gearbeitet. Der Bedeutung subtil gesetzter Zeichen und Details wie Abstand, Gr&ouml;&szlig;e und dem Verh&auml;ltnis einzelner Elemente zueinander war sich James Rogers also mehr als bewusst, als er im Jahr 1968 mit einer ersten Leinwandarbeit den Grundstein zu seinem vielteiligen Punkte-Zyklus legte, den er bis heute fortsetzt. Damals war er bereits als Dozent an der Wimbledon School of Art t&auml;tig, wo er einige Jahre sp&auml;ter auch Keith Bowler unterrichten sollte, sowie Tony Cragg.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY">Dass Rogers sich heute nicht mehr im Besitz dieses allerersten Bildes befindet, st&ouml;rt ihn nicht. Ganz im Gegenteil: ein n&uuml;chterner, unsentimentaler k&uuml;nstlerischer Ansatz ist nur eine der vielen Eigenschaften, die Rogers&rsquo; Werk so deutlich der Minimal Art zuordnen. Hat der K&uuml;nstler erst einmal ein Konzept formuliert, das alle Details seiner jeweiligen Arbeit beschreibt, dann kann er zu jeder Zeit an verschiedenen Stellen in sein System einsteigen und ein weiteres perfektes Exemplar der Serie malen &ndash; oder eine Variation davon.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY"><strong>Codierte Oberfl&auml;chen</strong><br /> 1968 war das Jahr, in dem ein anderer Minimalist jenseits des Atlantiks ebenfalls eine konzeptuelle Arbeit mit einer Eins markierte: Sol LeWitt fertigte in New York sein erstes Wall Drawing an und begann damit einen Werkzyklus, der schlie&szlig;lich aus mehr als tausend Arbeiten bestehen sollte. Auch wenn sowohl James Rogers als auch Sol LeWitt den Raum thematisieren und beide gerne direkt auf der Wand arbeiten, so ist Rogers&rsquo; Herangehensweise noch einmal eine ganz andere. Wo Sol LeWitt sich mit tragenden und lastenden Fl&auml;chen auseinandersetzt und mittels Farbfeldern eine Art Dreidimensionalit&auml;t erschafft, ist Rogers&rsquo; Ansatz eher der der Sprache.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY">F&uuml;r den Typographen und Maler James Rogers hatte das Raster Ende der Sechzigerjahre die Bildkomposition l&auml;ngst abgel&ouml;st. In einer Zeit, in der der Lochkartencomputer den Fortschritt in vielerlei Hinsicht bef&ouml;rderte, man damit Flugbahnen zum Mond und die k&uuml;hnsten architektonischen Konstruktionen berechnen konnte, lie&szlig; sich mittels ausgestanzter L&ouml;cher jegliche Art von Information transportieren, codieren und transcodieren. Und so, wie man durch das blo&szlig;e Anschauen eines Lochkartenbandes nie das Geheimnis hinter der Verteilung der ausgestanzten L&ouml;cher erschlie&szlig;en kann, so wird man auch James Rogers Arbeiten nie ganz decodieren k&ouml;nnen. Dennoch lassen sie sich als eine abstrahierte Form von Sprache und Schrift begreifen. Durch den rhythmischen Verlauf der Punkte ziehen Rogers&rsquo; querformatige Leinw&auml;nde und Wandbilder den Betrachter so sehr in ihren Bann, dass man ihnen automatisch durch den Raum folgt. Die vier Meter breite Wandarbeit, die der Maler unter dem Titel &bdquo;Coded Surface&ldquo; eigens f&uuml;r die Ausstellung in der Galerie GR&Ouml;LLE pass:projects anfertigt, wird ein eindr&uuml;ckliches Beispiel f&uuml;r James Rogers&rsquo; Konzept abgeben.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY">&nbsp;<strong>Minimal Art in Amerika und Europa</strong><br /> Gerne wird behauptet, dass die Minimal Art mit ihrem Streben nach Vereinfachung und Direktheit und dem Ziel, daraus M&ouml;glichkeiten der &auml;sthetischen Komplexit&auml;t zu entwickeln, eine amerikanische Erfindung sei. Jedoch herrschte auch unter europ&auml;ischen K&uuml;nstlern nach den Wirren des Zweiten Weltkriegs eine Sehnsucht nach Klarheit, Rationalit&auml;t und Abstraktion. Im Rheinland propagierte die ZERO-Gruppe um Heinz Mack, Otto Piene und G&uuml;nther Uecker mit einer Vereinfachung der Formensprache und dem Eliminieren der Bildkomposition eine selbst-referentielle Kunst, die sich auf nichts beziehen sollte, das au&szlig;erhalb ihrer selbst lag. Sie experimentierten mit monochromen Rasterbildern und ausgestanzten Schablonen und im Zuge der Wiederentdeckung der Russischen Konstruktivisten und Suprematisten pr&auml;sentierte das Museum Morsbroich in Leverkusen bereits 1962 Kasimir Malewitsch und kurz darauf die ZERO-Gruppe. Die Ideen der Amerikanischen Minimal Art fielen also durchaus auf fruchtbaren Boden, als Konrad Fischer in D&uuml;sseldorf 1967 seine Galerie mit einer Ausstellung von Carl Andre er&ouml;ffnete und wenig sp&auml;ter im brutalistischen Geb&auml;ude der Kunsthalle D&uuml;sseldorf Werke von Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt, Richard Long, Frank Stella und anderen gezeigt wurden. In London konzentriert sich seit dieser Zeit die Lisson Gallery auf den Minimalismus. Sol LeWitt stellte dort von Anfang an aus und so lernte er schlie&szlig;lich auch James Rogers kennen, der von 1982 bis 1987 stellvertretender Leiter der Galerie war.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY"><strong>James Rogers und Sol LeWitt</strong><br /> Zu LeWitts Konzept geh&ouml;rte es unter anderem, dass er seine Wall Drawings durch einen so genannten &bdquo;draughtsman&ldquo; anfertigen lie&szlig;, der sich zwar einerseits genau an den dem Werk zugrundeliegenden Plan halten, andererseits aber auch sein eigenes Wissen und K&ouml;nnen als K&uuml;nstler mit in das jeweilige Wandbild einflie&szlig;en lassen sollte. In James Rogers muss er wohl mehr als den idealen &bdquo;draughtsman&ldquo; gefunden haben, denn bei allen Unterschieden der k&uuml;nstlerischen Herangehensweise, sind sich beide in ihrem Perfektionismus und in den Fragen des Seriellen, des Tempor&auml;ren, der Reproduzierbarkeit, im Umgang mit der Wand und dem Raum durchaus verwandt, bis hin zu der Tatsache, dass es beiden gelingt, durch die Strenge und Klarheit ihres Werks den Betrachter intellektuell und emotional in Bewegung zu versetzen.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY"><strong>Keith Bowler: Licht und Architektur</strong><br /> Dieses geistige Mittun des Betrachters l&auml;sst sich durchaus auf die Idee von Marcel Duchamps aus dem Jahr 1957 beziehen, die besagt, dass der kreative Akt im Lauf der Zeit vom K&uuml;nstler zum Rezipienten &uuml;bergegangen sei. Ein Gem&auml;lde vom Erfinder des Readymades Duchamps ist auch der Ausgangspunkt zweier Gruppenausstellungen in Leeds und London, die Keith Bowler k&uuml;rzlich kuratiert hat und an denen sowohl er als auch Rogers beteiligt waren. Somit ist es bei GR&Ouml;LLE pass:projects nicht das erste Mal, dass die beiden Britischen K&uuml;nstler gemeinsam ihre Arbeiten zeigen. Auch die Stadt Wuppertal ist dem in London lebenden Bowler nicht fremd. Schon 2005 leitete er im Rahmen der minimalistischen und zugleich sehr atmosph&auml;rischen Lichtinstallation &bdquo;Zwanzig Ellen&ldquo; einen Laserstrahl durch den gesamten Weyerbusch-Turm, bis das gr&uuml;ne Licht sich in der Dunkelheit des Waldes verlor. Das Motiv des auf den ersten Blick Einfachen, das beim Betrachter jedoch sofort das Bed&uuml;rfnis weckt, hinter das Geheimnis der Arbeit zu kommen, findet sich im Werk von James Rogers, aber auch in den Installationen und Fotografien von Keith Bowler. Wie ist beispielsweise das Bild entstanden, das einen riesigen, dreieinhalb Meter langen, schwarzen Streifen zeigt und das ebenfalls bei GR&Ouml;LLE pass:projects zu sehen sein wird? Die Geschichte dazu f&uuml;hrt uns an das s&uuml;dliche Ufer der Themse, an die South Banks, wo Keith Bowler im Jahr 2006 seine Installation &bdquo;Skylight&ldquo; schuf.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY"><strong>Skylight &ndash; Die Lichtinstallation als Kamera und Dunkelkammer</strong><br /> Nach seinem Studium an der Wimbledon School of Art bei James Rogers in den Siebzigerjahren hatte Bowler zun&auml;chst skulptural gearbeitet, um seine Objekte dann, ganz im Sinne der Landart, in den Stadtraum hinein zu erweitern. Das Licht in seiner reinen Immaterialit&auml;t spielt bei Bowler seit den Neunzigerjahren eine Rolle, so wie auch die Architektur ein entscheidender Ausgangspunkt seiner Projekte wurde. &bdquo;Skylight&ldquo; ist der Name einer Installation, die im Heizraum einer leerstehenden Lagerhalle an der Themse entstand. Das Licht, das einzig durch ein kleines Loch in die Dunkelheit des Heizraumes drang, intensivierte Bowler, indem er einen sich verj&uuml;ngenden Stahlschaft anfertigen lie&szlig;. Auf diese Weise bildete sich in der Mitte des Raumes ein geheimnisvoll strahlender Lichtball, der mal vom Sonnenlicht gespeist wurde und mal vom Mondlicht und von den tausendfach reflektierten Lichtern Londons. Einerseits schuf Bowler einen mysteri&ouml;sen Ort, der die Besucher durch seine geheimnisvolle Atmosph&auml;re in eine weihevolle Stimmung versetzte &ndash; weit entfernt von der urspr&uuml;nglichen Nutzung des unterirdischen Raums. Andererseits bannte Bowler das eingefangene Licht als eine Art Fotogramm auf Papier, das er direkt vor Ort entwickelte. Das erste Bild, das er so erzeugte, war ein gro&szlig;er schwarzer Punk, eher ein Blob, der in seiner Materialit&auml;t und Masse und wegen seiner ungew&ouml;hnlichen Entstehungsgeschichte eine ganz merkw&uuml;rdige Pr&auml;senz ausstrahlte. Mit Hilfe des einen Kunstwerks hatte Keith Bowler ein weiteres geschaffen, die Lichtinstallation hatte als Kamera und Dunkelkammer zugleich gedient. F&uuml;r das imposante, schwarze, dreieinhalb Meter lange Band, das im Rahmen der Ausstellung &bdquo;Spot Light &ndash; Surface &amp; Space&ldquo; zu sehen sein wird, hat der K&uuml;nstler eine ganze Fotopapier-Bahn unter der Licht&ouml;ffnung entlang gezogen. Seit einiger Zeit widmet sich Bowler nun jedoch wieder kleineren Ma&szlig;st&auml;ben. Er baut beleuchtete Objekte, die durchaus Architekturmodelle f&uuml;r weitere Installationen sein k&ouml;nnten, und kehrt damit zu seinem Ursprung als Bildhauer zur&uuml;ck. Mit einigen Exemplaren aus der ganz aktuellen Serie &bdquo;Short Suite&ldquo; wird Bowler ebenfalls in der Galerie Gr&ouml;lle vertreten sein.</p> <p style="text-align: justify;" align="JUSTIFY">F&uuml;r zwei K&uuml;nstler, in deren Werk der Bezug zum Raum, zur Bewegung, zum Licht und zu der Zeit von so gro&szlig;er Bedeutung ist, wird der Galerieraum von GR&Ouml;LLE pass:projects der ideale Ort f&uuml;r ein Zusammentreffen sein. Analog zu den schwarzen und bunten Streifen und Punkten setzt sich vor den Fenstern der Galerie das Ger&uuml;st der Schwebebahn als riesiges Raster bis weit in die Ferne fort. Die Schwebebahn selbst rauscht in ihrem ganz eigenen Rhythmus &uuml;ber der Galerie hinweg und folgt dem glitzernden Verlauf der Wupper. Als traditionelle Metropole der Bandweberei und des lochkartengesteuerten Webstuhls, bei dem das Raster als Informationssystem sowie das Serielle, Fortlaufende eine so gro&szlig;e Rolle spielen, wird Wuppertal der Kunst von James Rogers und Keith Bowler im Juli einen gro&szlig;artigen Empfang bereiten.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Julia Zinnbauer</em></p> Sat, 25 Jun 2016 14:30:17 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Gary Stephan, Dan Devening - GRÖLLE pass:projects - June 4th - July 17th <p style="text-align: justify;">For many years, Gary Stephan has buoyed his extensive painting practice by producing medium-sized works on paper; the series now numbers over 200. Working daily to coax out some new way to distill form and perception through abstraction, Stephan uses the medium to charge his thinking and exercise his extensive practice. The results are surprisingly casual; the work is deft of touch and always evocative. The phenomenology of these effects comes in part from how the parts of each work are simultaneously solid and porous; the physicality of form is fugitive, shifting opacities and densities. Stephan&rsquo;s devices work to disarm our understanding of how a thing moves across and from front to back. Our eyes seek and track. Paint makes that happen. Gary Stephan&rsquo;s hand does that and it does it over and over again.</p> <p style="text-align: justify;">For his current solo show at Susan Inglett Gallery in New York, Susan writes that &ldquo;On first approach Gary Stephan&rsquo;s paintings present as a strictly formal affair. A quick read reveals modernist compositions constructed from a circumscribed collection of shapes, palette, and strokes. That the components are familiar and the pieces appear to fall into place is part of the seduction. Stephan is not interested in the neutral reception of his work, but engaging the viewer as co-conspirator or co-constructor in a new reality.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">GARY STEPHAN (b. 1942, Brooklyn, NY) studied at the Pratt Institute in New York and received his MFA from the San Francisco Art Institute. He has been showing his work since the late 1960s in the United States and Europe. His recent solo shows include projects at Susan Inglett Gallery, New York City; Phillip Slein Gallery, St. Louis, Mo.; devening projects + editions, Chicago; and Galerie Kienzle and Gmeiner, Berlin. Selected recent group exhibitions include How To Be Unique at Kienzle Art Foundation, Berlin; and Nice Weather at Skarsted Gallery, (curated by David Salle), Reinventing Abstraction at Cheim &amp; Read and Season Review at Edward Thorp Gallery, all New York City. His work is included in the collections of The Guggenheim Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art and The Museum of Modern Art as well as museums nationwide. He is a recipient of awards from the National Endowment of the Arts, Guggenheim Foundation, the American Academy of Arts and Letters and most recently a Joan Mitchell Foundation Award. Stephan teaches in the MFA program at School of Visual Arts in New York City.</p> <p style="text-align: justify;">Dan Devening&rsquo;s richly varied work is defined by a strong sense of visuality; optical sensations activated by particular surface, color and spatial nuance drive his practice. The production and interaction of these formal elements become the means by which he addresses how presentation and audience create an integral and inter-dependent relationship. Each piece offers subtle enticements that bring the viewing experience forward to pull the gaze closer: chromatic pairings, overlaps, loosely tacked parts, tape, hanging threads, enlarged patterns, abrupt brush marks activate the composition and act as the ground work for deeper concerns. Framing the parameters of an image becomes a way to stage a narrative fiction. Theater and the mechanics of story telling are integral and continue to provide a structure for ways in which artworks attract, deflect and trigger desire. Some parts of an image are covered; others partially exposed. Like the narrative trajectory of a play, the slow unveiling of discreet parts, lead to a fuller and more complete story.</p> <p style="text-align: justify;">In his 2014 essay for Kiosk at the Tarble Arts Center in Charleston, Illinois, William Conger wrote that &ldquo;Dan Devening is devoted to modernist high art abstraction. He cares about beauty and he makes artworks that achieve it through a deep commitment to materials and composition. He is a painter-collagist-bricoleur: the astonishing variety of his collage elements lifted from everyday ephemera, constitute the means of his expressive art. However, this eclectic range of materi&shy;als and their art-making potentials never steer Devening to the world of daily popular culture with its fascination for shocking coarseness, violence and irony. Instead, Devening aims for the rarer shock of aes&shy;thetic clarity and its transcendent expression of beauty. He achieves this with deceptive ease: a few cutout discs, clear color, a quickly made line or two and a pinch of tape to hold it all together. Rightness trumps fragility.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">DAN DEVENING (b. 1958, Ft. Walton Beach, Florida) is an artist, curator and educator living in Chicago. He&rsquo;s currently an Adjunct Professor of painting at the School of the Art Institute of Chicago. Since the mid-1980s, his paintings and works on paper have been featured nationally and internationally. In the United States, his work has been featured at Autumn Space, Roy Boyd Gallery, Chicago Cultural Center, Terra Museum of American Art, ebersmoore gallery, Threewalls and Julius Caesar in Chicago; Kinkead Contemporary in Los Angeles and Launch F18 and Printed Matter, Inc. in NY among many others. Recent projects include exhibitions in Germany at the Kunsterverein Recklinghausen, Museum Kurhaus in Kleve, galerie oqbo and Scotty Enterprises in Berlin, dok25a in Dusseldorf and Renate Schroeder Gallery in Cologne. Other international group exhibitions include shows at Art Metropole in Toronto; De Appel in Amsterdam; Secession in Vienna and Galerie des Multiples in Paris.</p> <p style="text-align: justify;">His recent curatorial projects include Seers, Signs at 57W57Arts in New York City; Gravity Matters and Shadowy Folds at dok25a in Dusseldorf; Where There Is, recent drawings from Chicago at galerie oqbo in Berlin; and Slow Frequency at Or Gallery, Vancouver. Devening is also the director of devening projects + editions, a gallery project in Chicago featuring exhibitions and site-specific installations by emerging and established international artists.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Seit vielen Jahren erweitert Gary Stephan seine umfassende Malpraxis, indem er regelm&auml;&szlig;ig Arbeiten in mittlerem Format auf Papier anfertigt. Heute besteht diese Serie aus mehr als zweihundert Werken. Jeden Tag arbeitet er daran, durch Abstraktion neue Formen und Wahrnehmungsm&ouml;glichkeiten zu schaffen. Stephan verwendet diese mittlere Gr&ouml;&szlig;e, um sein Denken aufzuladen und um seine umfangreichen &Uuml;bungen nachzugehen. Die Ergebnisse sind erstaunlich informell , die Arbeiten sind flink im Auftrag und immer sinntr&auml;chtig. Dieses Erscheinungsbild&nbsp; resultiert teilweise daraus, dass die Elemente eines jeden Werks gleichzeitig fest und por&ouml;s wirken; der physische Zustand der Formen ist fl&uuml;chtig, Deckkraft und Dichte wechseln. Mit diesen Methoden will Stephan unser Verst&auml;ndnis davon au&szlig;er Kraft setzen, wie sich ein Gegenstand hin und her bewegt bzw. von vorne nach hinten. Unsere Augen suchen und verfolgen. Es ist die Farbe, die das erm&ouml;glicht und es geschieht durch die Hand Gary Stephans&rsquo;, immer und immer wieder.</p> <p style="text-align: justify;">&Uuml;ber seine derzeitige Einzelausstellung in der Susan Inglett Gallery in New York schreibt die Galeristin Inglett: &bdquo;In der ersten Ann&auml;herung zeigen sich Gary Stephans Gem&auml;lde als eine streng formale Angelegenheit. Ein kurzer Blick enth&uuml;llt modernistische Kompositionen, konstruiert aus einer begrenzten Sammlung von Formen, Farben und Pinselstrichen. Dass die Komponenten bekannt sind und die Einzelteile scheinbar zusammen einen Sinn ergeben, geh&ouml;rt zu der Verf&uuml;hrung dazu. Stephan interessiert sich nicht f&uuml;r eine neutrale Wahrnehmung seiner Arbeit, jedoch daf&uuml;r, den Betrachter als Mit-Verschw&ouml;rer oder Mit-Sch&ouml;pfer einer neuen Realit&auml;t einzunehmen.&ldquo;</p> <p style="text-align: justify;">GARY STEPHAN (*1942 in Brooklyn, New York)<em><br /> Gary Stephan</em> studierte am Pratt Institute in New York und legte seinen Master of Fine Arts am San Francisco Art Institute ab. Seit den 1960erjahren zeigt er seine Arbeiten in den Vereinigten Staaten und in Europa. Seine letzen Einzelausstellungen fanden in der Susan Inglett Gallery in New York City statt, in der der Phillip Slein Gallery, St. Louis, Mo., bei devening projects + editions, Chicago und in der Galerie Kienzle und Gmeiner, Berlin. In Gruppenausstellungen waren die Arbeiten von Gary Stephan zuletzt u.a. hier zu sehen: &bdquo;How to be unike&ldquo; in der Kienzle Art Foundation, Berlin, &bdquo;and Nice Weather&ldquo; in der Skarsted Gallery, (kuratiert von David Salle), &bdquo;Reinventing Abstraction&ldquo; bei Cheim &amp; Read und bei der Season Review der Edward Thorp Gallery, alle in New York City.<br /> Werke von Gary Stephan sind Teil der Sammlungen des Guggenheim Museum of Art, des Metropolitan Museum of Art und des Museum of Modern Art sowie von Museen in ganz Nord Amerika.<br /> Er ist Preistr&auml;ger des National Endowment of the Arts, der Guggenheim Foundation, der American Academy of Arts and Letters und erhielt gerade k&uuml;rzlich erst den Joan Mitchell Foundation Award. Stephan lehrt im MFA-Programm in der School of Visual Arts in New York City.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Dan Devenings</em> vielf&auml;ltiges Werk definiert sich durch einen starken Sinn f&uuml;r das Visuelle. Optische Sinneswahrnehmungen, die durch ungew&ouml;hnliche Oberfl&auml;chen, Farben und r&auml;umliche Nuancierungen hervorgerufen werden, bilden die Grundz&uuml;ge seiner Arbeit.<br /> Die Produktion und Interaktion dieser formalen Elemente erzeugen die Mittel, mit denen er es erreicht, dass die Pr&auml;sentation und das Publikum in ein ganzheitliches Verh&auml;ltnis in gegenseitiger Abh&auml;ngigkeit treten.<br /> Jedes St&uuml;ck bietet subtile Verlockungen, die sowohl die Seherfahrung f&ouml;rdern als auch den Blick konzentrieren: chromatische Gruppierungen, &Uuml;berlappungen, lose aneinander gef&uuml;gte Elemente, Klebeband, (herunter)h&auml;ngende F&auml;den, vergr&ouml;&szlig;erte Muster, mit abrupten Pinselstrichen gemalte Zeichen &ndash; all das belebt die Komposition und dient als Grundlage f&uuml;r Dan Devenings tiefere Anliegen. Die Parameter eines Bildes festzulegen biete eine M&ouml;glichkeit, eine erz&auml;hlerische Fiktion aufzuf&uuml;hren.<br /> Das Theater und die Mechanismen des Geschichtenerz&auml;hlens sind allumfassend und bieten die M&ouml;glichkeit einer Struktur, innerhalb derer die verschiedenen Kunstwerke Sehns&uuml;chte wecken, umleiten und auf sich selber richten. Einige Teile eines Bildes sind bedeckt, andere teilweise offengelegt. Wie der Handlungsverlauf in einem Theaterst&uuml;ck f&uuml;hrt das langsame Enth&uuml;llen diskreter Partien zu einer opulenteren und vollst&auml;ndigeren Geschichste.<br /> In seinem Essay, das William Conger im Jahr 2014 f&uuml;r die Zeitschrift &bdquo;Kiosk&ldquo; des Tarble Arts Center in Charleston, Illinois, verfasst hat, schreibt er, dass Dan Devening sich der modernistischen Abstraktion verschrieben hat. &bdquo;Sch&ouml;nheit ist ihm ein Anliegen und er erreicht sie durch durch eine ernsthafte Auseinandersetzung mit den Materialien un der Bildkomposition. Er ist ein Maler, Collageur und Bastler: die erstaunliche Vielfalt in den Elementen seiner Collagen, die er aus der allt&auml;glichen Verg&auml;nglichkeit herauszieht, bilden die Grundlage seiner ausdrucksstarken Kunst.<br /> Jedoch f&uuml;hrt diese elektrisierende Bandbreite der Materialien und ihr Kunstsch&ouml;pfungs-Potential Devening nie in die Welt der Popkultur mit ihrer Faszination f&uuml;r schockierende Grobheit, Gewalt und Ironie. Stattdessen strebt Devening nach dem viel selteneren Schock der &auml;sthetischen Klarheit und ihrem transzendenten und vergeistigten Ausdruck von Sch&ouml;nheit<br /> Er erreicht dieses Ziel mit tr&uuml;gerischer Leichtigkeit, ein paar ausgeschnittene Scheiben, klare Farben, ein oder zwei eilig gezogene Linien oder ein bisschen Klebeband, das alles zusammenh&auml;lt. Genauigkeit &uuml;bertrumpft Zartheit.&ldquo;</p> <p style="text-align: justify;">DAN DEVENING (*1958, Ft. Walton Beach, Florida)<br /> Dan Devening lebt als K&uuml;nstler, Kurator und Lehrer 
in Chicago.<br /> Zurzeit unterrichtet er als Professor an der School of the Art Institute of Chicago.</p> <p style="text-align: justify;">Seit Mitte der 1980er Jahr wurden seine Gem&auml;lde und Arbeiten auf Papier national und international ausgestellt. 
In den Vereinigten Staaten, zeigte er seine Arbeiten im Herbst Raum, Roy Boyd Gallery, Chicago Cultural Center, Terra Museum of American Art, Ebersmoore Galerie, Threewalls und bei Julius Caesar in Chicago; Kinkead Moderne in Los Angeles, F18 und Printed Matter, Inc. in New York und in vollen vielen anderen Galerien und Institutionen.</p> <p style="text-align: justify;">Aktuelle Projekte:<br /> Ausstellungen in Deutschland im Kunsterverein Recklinghausen ,<br /> Museum Kurhaus in Kleve, Galerie oqbo, Berlin, Scotty Enterprises in Berlin,<br /> dok25a, D&uuml;sseldorf und Renate Schroeder Galerie in K&ouml;ln.<br /> Weitere internationale Gruppenausstellungen sind Ausstellungen im Art Metropole in Toronto;<br /> De Appel in Amsterdam, der Secession in Wien und in der Galerie des Multiples, Paris.</p> Sat, 25 Jun 2016 14:27:14 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Nalini Malani - ICA (The Institute of Contemporary Art - Boston) - June 29th - October 16th <div class="field field-name-body field-type-text-with-summary field-label-hidden"> <div class="field-items"> <div class="field-item even"> <p>A work of spellbinding beauty,<em>In Search of Vanished Blood</em>&nbsp;is a seminal installation by one of India&rsquo;s leading&nbsp;artists.</p> <p class="small">#NaliniMalani</p> <p style="text-align: justify;">Nalini Malani (b. 1946, Karachi) is India&rsquo;s foremost video and installation artist and a committed activist for women&rsquo;s rights. Currently living and working in Mumbai, Malani came to India as a refugee during the 1947 partition of India and Pakistan, an experience that deeply informs her work. This exhibition centers on Malani&rsquo;s signature multimedia installation,&nbsp;<em>In Search of Vanished Blood&nbsp;</em>(2012), the title of which comes from a poem by the revolutionary Pakistani poet Faiz Ahmed Faiz. The installation&nbsp;is inspired by&nbsp;East German writer and critic Christa Wolf&rsquo;s 1984 novel&nbsp;<em>Cassandra</em>, about a struggling female artist and visionary. Combining imagery from Eastern and Western cultures, with sound, projected image, and light,&nbsp;<em>In Search of Vanished Blood</em>&nbsp;is an enthralling, immersive experience. The work comprises six 11-minute video projections streamed around the room through five clear Mylar cylinders, hand-painted with a variety of cultural and historical iconography, which hang in the center of the room. As the Mylar cylinders rotate, the colorful and layered imagery is projected onto the walls, creating a magical environment reminiscent of lantern slide presentations and other proto-cinema experiments in the 18th and 19th centuries. The presentation of Malani&rsquo;s immersive video installation will be accompanied by a selection of related works on paper.</p> </div> </div> </div> <div class="field field-name-field-notes field-type-text-long field-label-hidden"> <div class="field-items"> <div class="field-item even"> <p class="small" style="text-align: justify;">Organized by Eva Respini, Barbara Lee Chief Curator, with Jessica Hong, Curatorial Assistant.</p> <p class="small" style="text-align: justify;">Support for<em>&nbsp;Nalini Malani: In Search of Vanished Blood&nbsp;</em>is generously provided by Vivien and Alan Hassenfeld, Jodi and Hal Hess, and Barbara Lee.</p> <p class="small" style="text-align: justify;">Produced by&nbsp;dOCUMENTA&nbsp;(13) in collaboration with the Burger Collection.</p> </div> </div> </div> Fri, 24 Jun 2016 08:14:57 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Chris Larson - Walker Art Center - June 9th - January 8th, 2017 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For the past two decades, Minnesota-based artist Chris Larson has developed a multimedia practice rooted in sculpture. His work incorporates film, video, photography, and performance as well as drawing and painting. Often he integrates these elements into sculptural installations that reference architecture&mdash;from iconic buildings by architects such as Marcel Breuer to ordinary rural cabins to imaginary, sometimes illogical structures&mdash;while building a unique narrative structure. With&nbsp;<em>Land Speed Record</em>, his latest video installation, Larson focuses instead on the objects (and memories) left behind when their context and architectural enclosure has&nbsp;disappeared.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Titled after a live album by punk band H&uuml;sker D&uuml;, who rose to cult status in the 1980s, Larson&rsquo;s project explores a group of objects that occupied his studio (a repurposed industrial warehouse space) for two years. These items originated from the childhood home of Grant Hart, H&uuml;sker D&uuml;&rsquo;s drummer and co-songwriter, which caught fire and partially burned down in 2011. The smoke-blackened contents&mdash;furniture, appliances, antiques and collectibles, auto parts, rock-and-roll ephemera, art supplies, clothing, master tapes, musical instruments&mdash;had to be quickly cleared from the house to avoid repossession. Larson, a friend and collaborator of Hart&rsquo;s, volunteered for them to be stored in his studio&nbsp;space.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Hart periodically visited the artist&rsquo;s studio to go through and arrange the objects. Larson writes: &ldquo;At first glance, the charred pile is overwhelming in its massive aggregation, but upon closer inspection, certain rules for organization begin to emerge&hellip;. I started to think about what these objects became when removed from their domestic function and relocated to the limbo of my studio, a space dedicated to my own formal and artistic experimentations. I began to look at the grotesque wreckage of several of Grant&rsquo;s kits of percussive instruments, drums, cymbals, and sticks which once moved at ferocious speed, now reduced to stasis. There are also Studebaker parts (a fascination of Grant&rsquo;s), speedometers, hoods, doors, engines, axels, tires, and wheels designed to quickly propel these automobiles over the landscape, now dismembered, covered in blackened dust, silent and still. It is the juxtaposition of this potential speed and current stasis that interested me, and made me think about how these objects would look through the lens of a camera moving slowly over the&nbsp;pile.&rdquo;</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">To attain this perspective, Larson devised a motorized track onto which he attached a camera that could capture a slow, methodical pan across the 85-foot-long accumulation of salvaged materials. The film is projected in the gallery space alongside Larson&rsquo;s black-and-white 16mm film footage of close-up vignettes of the objects, forming an installation at once reverential and haunting, an elegy for a moment in musical time and a celebration of a creative force that has formed an important part of the Twin Cities&rsquo; cultural&nbsp;history.</span></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <h1 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Limited-Edition Vinyl&nbsp;LP</span></h1> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Accompanying the exhibition is&nbsp;<em>Chris Larson: Land Speed Record</em>, a limited-edition, clear vinyl LP containing the drum track played by Yousif Del Valle and recorded in Minneapolis at 7th St Entry on April 14, 2016. The album, published by the Walker, serves as the catalogue for the exhibition and includes liner notes by Walker exhibition curator Siri Engberg, Walker artistic director Fionn Meade, independent curator (and part of the curatorial team for Documenta 14) Dieter Roelstraete, and Rev. Russell Rathbun, a writer and founding preacher at the St. Paul&ndash;based church House of&nbsp;Mercy.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A separate, deluxe edition of the LP additionally features a color photograph, signed and numbered by the artist, of the accumulation of salvaged objects that are the subject of his&nbsp;film.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Available later this summer in the Walker Shop, the LP will be released after August 15, the 35th anniversary of H&uuml;sker D&uuml;&rsquo;s album&nbsp;<em>Land Speed Record</em>.</span></p> Fri, 24 Jun 2016 08:05:37 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Jumana Emil Abboud - BALTIC Centre For Contemporary Art - May 6th - October 2nd <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jumana Emil Abboud (born Shefa-'Amr, Galilee, 1971) works with drawing, installation, video and performance, exploring personal and collective memory, loss, longing and belonging. Inspired by the cultural landscape of her home, Abboud draws on the traditions of Palestinian folklore and myth-making by collecting stories and fairy tales. Investigating these story telling practices and oral histories, the artist provides new interpretations for the tales she has discovered.</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">This exhibition brings together a body of recent work, including the series of drawings&nbsp;<em>The Ballad of the Lady Who Lives Behind Trees</em>&nbsp;2005-14 and the film&nbsp;<em>I Feel Nothing</em>&nbsp;2013, alongside a new video installation. Abboud's delicate drawings depict monsters and magical beings with the landscapes and sites they inhabit including grottos, wells and trees. Presented as a constellation, we are encouraged to weave these elements together and create our own narratives.&nbsp;<em>I Feel Nothing</em>&nbsp;is a video-poem inspired by a Palestinian folktale&nbsp;<em>The Handless Maiden</em>&nbsp;and Titian&rsquo;s painting&nbsp;<em>Noli me Tangere</em>&nbsp;c. 1514. Filmed at the Museum of Classical Archaeology, Cambridge, the Freud Museum, London and locations throughout Palestine, the work explores notions of touch and territories of the body.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Abboud&rsquo;s three-channel video installation&nbsp;<em>Hide Your Water from the Sun</em>&nbsp;2016, traces a 1920 study by physician and researcher Dr. Tawfiq Canaan into Palestinian customs and folklore. Canaan analyses &lsquo;haunted locations&rsquo; that are primarily attributed to water sources and inhabited by various demons. Abboud, with cinematographer Issa Freij, has visited these locations, documenting the sites where the original wells and springs have long since disappeared. The exhibition is accompanied by an audio guide with Abboud reading passages from Canaan&rsquo;s study.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The artist wishes to acknowledge the support of the British Council, Delfina Foundation, Rana Sadik and Samer Younis</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A second chapter of the video installation&nbsp;<em>Hide Your Water from the Sun</em>&nbsp;will be presented in the exhibition&nbsp;<a href="http://kunstraum.org.uk/" target="_blank">Jumana Emil Abboud:&nbsp;<em>Haunted Springs and Water Demons in Palestine</em></a>&nbsp;at Kunstraum, London, 14 May &ndash; 23 July 2016.</span></p> Fri, 24 Jun 2016 08:00:08 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Group Show - Fondazione Prada - Ca' Corner Della Regina - March 28th - August 21st <p style="text-align: justify;">&ldquo;L&rsquo;image vol&eacute;e&rdquo; (The stolen image) is a group show curated by artist Thomas Demand, open to the public from 18 March to 21 August 2016. Within an exhibition architecture designed by sculptor Manfred Pernice, the show occupies both levels of the Nord gallery at Fondazione Prada in Milan.</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;L&rsquo;image vol&eacute;e,&rdquo; includes more than 90 works produced by over 60 artists from 1820 through the present day. Demand&rsquo;s idea for the exhibition is to explore the way we all rely on pre-existing models, and how artists have always referred to existing imagery to make their own. Questioning the boundaries between originality, conceptual inventiveness and the culture of the copy, the project focuses on theft, authorship, annexation and the creative potential of such pursuits.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition presents three possible investigations: the physical appropriation of the object or its absence; theft as related to the image per se rather than the concrete object itself; and the act of stealing through the making of an image. The exhibition has been conceived as an eccentric, unconventional exploration of such topics through empirical inquiry. Rather than an encyclopedic analysis, it offers visitors an unorthodox insight into a voyage of artistic discovery and research.</p> <p style="text-align: justify;">The first section of the exhibition displays photographs, paintings and films in which the stolen or missing object becomes the scene or evidence of a crime. Included in this section are works that directly echo criminal ideas, such as Maurizio Cattelan&rsquo;s framed theft report for an immaterial artwork he claimed as robbed &ndash; Senza titolo (1991) -, or<em>Stolen Rug</em>&nbsp;(1969), a Persian carpet that Richard Artschwager commissioned to be stolen for the exhibition &ldquo;Art by Telephone&rdquo; in Chicago. Other works evoke the absence resulting from an act of theft, like the canvas by Adolph von Menzel,&nbsp;<em>Friedrich der Grosse auf Reisen</em>(1854), which had the portrayed faces incised from it.</p> <p style="text-align: justify;">Other pieces are based on the alteration of preexisting artworks, for example,&nbsp;<em>Richter-Modell (interconti)</em>&nbsp;(1987), a painting by Gerhard Richter that was transformed into a coffee table by Martin Kippenberger and Pierre Bismuth&rsquo;s&nbsp;<em>Unfolded Origami&nbsp;</em>(2016), who made new work out of original posters by Daniel Buren. All these works explore the notion of authors&rsquo; control over their own creations.</p> <p style="text-align: justify;">The second part of the exhibition analyzes the logic behind appropriation within the creative process. This section begins with the concept of counterfeiting and falsification, exemplified by the hand-reproduced banknote by forger G&uuml;nter Hopfinger. The exhibition moves on to explore practices that are close to Appropriation Art, such as Sturtevant&rsquo;s&nbsp;<em>Duchamp Man Ray Portrait</em>&nbsp;(1966), who reclaims a photographic portrait of Marcel Duchamp realized by Man Ray, substituting both the author and the subject of the photograph with herself. Other artists drive the logic of counterfeiting to its limit, including taking possession of another artist&rsquo;s identity. Other artworks are &lsquo;improvements&rsquo; or modifications of preexisting images, for example the d&eacute;figurations by Asger Jorn, or collages such as those by Wangechi Mutu, realized from medical illustrations and anatomical drawings. Artists such as Haris Epaminonda, Alice Lex-Nerlinger and John Stezaker, meanwhile, encompass postcards, photograms or archival images into their works. Along with these, Erin Shirreff and Rudolf Stingel create their paintings or videos using a photographic reproduction of an artwork from the past as their starting point.</p> <p style="text-align: justify;">This section continues with a group of works in which the artists borrow elements from another medium or language, or decontextualize the images themselves. Thomas Ruff, in&nbsp;<em>jpeg ib01</em>&nbsp;(2006) alters an image sourced from the web; Anri Sala explores the potential of film to reveal hidden temporal dynamics in&nbsp;<em>Agassi</em>&nbsp;(2006); Guillaume Paris, in the video&nbsp;<em>Fountain</em>&nbsp;(1994), presents a loop of brief sequences from the animated film&nbsp;<em>Pinocchio&nbsp;</em>(1940). The ground floor of the Nord gallery also includes sculptural work by Henrik Olesen, and new works by Sara Cwynar, Mathew Hale, Oliver Laric and Elad Lassry.</p> <p style="text-align: justify;">The third part of the show is installed in the lower level of the Nord gallery, marking the first time this area has been used as an exhibition space. This final, subversive part of &ldquo;L&rsquo;image vol&eacute;e&rdquo; deals with the production of images which, by their very nature, reveal hidden aspects on a private or public level. John Baldessari, in his installation<em>Blue Line (Holbein)</em>&nbsp;(1988), inserts a hidden camera that produces stolen images of visitors inside an adjoining space, calling into question the role of the spectator.</p> <p style="text-align: justify;">Sophie Calle, in the series&nbsp;<em>The Hotel</em>&nbsp;(1981), aims to combine the artistic and private realms in her research, revealing intimate details of strangers&rsquo; lives. Another cluster of works develop considerations on public or openly political issues. Christopher Williams in&nbsp;<em>SOURCE&hellip;</em>(1981) reveals unofficial perspectives on institutional communication, by selecting four archive photographs of John Fitzgerald Kennedy that portray the American President from behind, and therefore considered inappropriate for public circulation at the time.</p> <p style="text-align: justify;">In the photographs&nbsp;<em>Americas II, Bahamas Internet Cable System (BICS-1)</em>&nbsp;and&nbsp;<em>Globenet</em>&nbsp;(2015), Trevor Paglen exposes the material infrastructure of mass surveillance, documenting the transoceanic system of undersea cables transmitting sensitive data.</p> <p style="text-align: justify;">The final part of the exhibition presents a show within the show curated by a prominent contemporary industrial designer, featuring spy tools used by the GDR and the Soviet Union on their citizens: technological instruments capable of breaking down the barriers of the private sphere, selected for the prophetic beauty of their rational design as related to contemporary computers and smartphones.</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;L&rsquo;image vol&eacute;e&rdquo; is accompanied by an illustrated book published by Fondazione Prada with newly commissioned short stories by Ian McEwan and Ali Smith, essays by Russell Ferguson, Christy Lange and Jonathan Griffin, and contributions by Rainer Erlinger and Daniel McClean.</p> Fri, 24 Jun 2016 07:54:48 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Louise Bourgeois - Guggenheim Museum Bilbao - March 18th - September 4th <div class="slider__track"> <div class="text-block"> <div class="text-block__content"> <p style="text-align: justify;">&ldquo;Space does not exist; it is just a metaphor for the structure of our existence.&rdquo; Louise Bourgeois</p> <p style="text-align: justify;">Louise Bourgeois (1911&ndash;2010) is one of the most influential artists of the twentieth century. Working with a wide range of materials and forms, she created a body of work that extended over seven decades.</p> <p style="text-align: justify;">Over her long career as an artist, Louise Bourgeois developed concepts and formal inventions that later became key positions in contemporary art; these included the use of environmental installation and theatrical formats, and the engagement with psychoanalytic and feminist themes. Both her distinctive sculptural forms and her outstanding drawings and graphic works are second to none. Among the most innovative and sophisticated sculptural works in her extensive oeuvre are the&nbsp;<em>Cells</em>, a series of architectural spaces that deal with a range of emotions. Created over a span of two decades, the&nbsp;<em>Cells</em>&nbsp;present individual microcosms; each is an enclosure that separates the internal from the external world. In these unique spaces, the artist arranged found objects, clothes, furniture, and sculptures to create emotionally charged, theatrical sets.</p> <p style="text-align: justify;">Including the five precursor works to the Cells that first emerged in 1986 with&nbsp;<em>Articulated Lair</em>, Louise Bourgeois created approximately 60&nbsp;<em>Cells</em>&nbsp;over the course of her career. This exhibition is the largest overview of this body of work to date.&nbsp;</p> </div> </div> </div> Fri, 24 Jun 2016 07:27:18 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Tom Mueske, Laura Shipp, Kirk Stoller, Ryan Thayer - The Contemporary Austin - Jones Center - June 21st, 2007 - June 21st, 2008 Wed, 22 Jun 2016 15:35:23 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Dorit Margreiter - Charim Galerie - June 1st - July 31st <p style="text-align: justify;">High on a rocky promontory, set against the background of the ruddy mesas of Monument Valley, a rider turns his horse. He marks a legendary spot. The site has a special place in the canon of Hollywood&rsquo;s repertoire of images. It is from here that John Wayne looked out over the magnificent panorama of the Colorado Plateau in &lsquo;The Searchers&rsquo;; it was here that John Ford&mdash;the most Brechtian of filmmakers (Straub/Huillet)&mdash;set his camera and panned over the Mittens and Merrick Butte. He shot nine films in Monument Valley and the spectacular lookout point bears his name: John Ford&rsquo;s Point.</p> <p style="text-align: justify;">The borderlands between Utah and Arizona belong to the Navajo Nation Reservation and members of this, the second largest Indian community in the USA, were actors and extras in Ford&rsquo;s westerns in the 1950s and still work as photo models for tourists.</p> <p style="text-align: justify;">Dorit Margreiter opens her show with the wide open spaces of the prairie and the shot that has become a myth. The film, in a 16mm format, shows the rider and horse in movement, in a long shot and close up against the background landscape. The clatter of the analogue projector brings an avant-garde film feeling to the Cinemascope Western genre.</p> <p style="text-align: justify;">Magreiter has called her show &lsquo;Neue R&auml;ume&rsquo;. Taken literally, the title might apply to the newly-renovated gallery but might just as easily be taken as a daring metaphor for a new start or a scenographic code.</p> <p style="text-align: justify;">With her all-new works (2015/16)&mdash;film (installation), photographs, sculptures and exposures on paper&mdash;Margreiter has blazed an exciting trail through the gallery. She stages, orders, layers and stretches her subjects all across its spaces. The concern here is with the transfer zones between everyday life and exhibition space, the production of images and the consequences that the various forms of production and reproduction have on our perception.</p> <p style="text-align: justify;">There has not been a solo show by the artist in Vienna for a long time. For her first appearance at the Charim Galerie, Dorit Margreiter works with the linkages, connections and referential webs of content of the individual works between and to each other &ndash; over and above her usual confident handling of architecture, installation and display.</p> <p style="text-align: justify;">The lead piece is &lsquo;Transfer (Monument Valley)&rsquo;, the film at the beginning of the exhibition. At its side is a purely digital work from the &lsquo;Experimental Noise&rsquo; series. The pigment prints show &lsquo;interference&rsquo; filters used to impart credible age to the polished world of digital imaging using imperfections such as scratches, dust or chemical smears. These are commentaries on modern image processing that appeal to our yearning for materiality, handcrafted objects and analogue techniques.</p> <p style="text-align: justify;">&lsquo;Experimental Noise&rsquo; returns in the last room, this time in a dialogue with a freefloating mobile suspended from the ceiling. Dorit Margreiter has been working with kinetic sculptures since 2011. However, they have little to do with Alexander Calder&rsquo;s playful arabesques. Letters that call to mind the functionality and simple clarity of auhaus typography form words. The semantic content of the aluminium templates, painted in various shades of grey, (each letter in a different colour) disappears behind the reduction of an abstract sign. Hung low so that it is somehow &lsquo;in the way&rsquo;, the object becomes a surface for projections of various spatial categories which go beyond pure determiners of location. The kind that Belgian word/image virtuoso Broodthaers for whom the space only comes into being when it is named and the kind that is most interesting for Dorit Margreiter: the permeable, flexible and mobile pictorial space in which the viewer plays a critical role as part of the image.</p> <p style="text-align: justify;">Margreiter makes her space&ndash;time procedures clear with a series of wall works, exposures with titles such as &lsquo;cin&eacute;ma (Light Drawing)&rsquo;. The cut-outs of the &lsquo;cin&eacute;ma&rsquo; alphabet are arranged on light-sensitive blue paper and exposed to the sun for a few months. The images are &lsquo;finished&rsquo; when the artist stops the yellowing of this quasi photographic process by removing it from the light source. Abstractions reminiscent of L&aacute;szl&oacute; Moholy Nagy&rsquo;s have been created.</p> <p style="text-align: justify;"><br />Along with cross-references to constructivist photo objects, Margreiter occasionally dips into the movie prop box with relish, laying out Western film requisites such as snaffles, reins and spurs. In this way she points out how the time and place of an event or process mutually influence each other.</p> <p style="text-align: justify;"><br />In the main room of the gallery Dorit Margreiter tells a story of production and destruction, of original and reproduction, using the Ennis Brown house in Los Angeles which was built by Frank Lloyd Wright in 1923/24 from prefabricated concrete blocks. The relief ornaments of the &lsquo;textile block system&rsquo; replicate motifs that are to be found in the ruins of the Maya city of Uxmal, Mexico. The house, a legendary film location&mdash;Ridley Scott shot material for &lsquo;Blade Runner&rsquo; there in 1982&mdash;was destroyed by an earthquake and became a ruin. Restoration was not completed on one of the &lsquo;100<br />most endangered sites&rsquo; in the world until 2007.</p> <p style="text-align: justify;">Margreiter&rsquo;s black and white photograph show parts of the ornamental frieze on the facade as they lain there for years, in the rubble. In a stage-like setting she confronts the photograph with a life-size bronze cast of a wall fragment. If one is reminded of Joseph Kosuth&rsquo;s &lsquo;One and Three Chairs&rsquo; from 1965, one of the canonical works of conceptual art that interrogates the various manifestations of a single object, this is because Dorit Margreiter is also concerned with &lsquo;using an area of discourse in order to describe another&rsquo; &ndash; two alternative reproductions, the shift from two to three dimensions using different mediums.</p> <p style="text-align: justify;">Finally, Dorit Margreiter completes her multi-layered exhibition in which various narratives interweave and link spatially with a minimalist room installation that carries the element of process within it &ndash; in front of the widows that open onto Dorotheergasse, tins, cylinders (or rollers) are arranged on a sheet of Yves Klein blue paper. By the end of the presentation the summer sun will have produced a wonderful in situ exposure. (Brigitte Huck)</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Auf dem Felsenvorsprung wendet ein Reiter sein Pferd. Vor den rotgl&uuml;henden Tafelbergen des Monument Valley markiert er einen legend&auml;ren Ort. Die Stelle nimmt einen kanonischen Platz im Bildrepertoire Hollywoods ein. Von hier aus &uuml;berblickt John Wayne in &sbquo;The Searchers&rsquo; (1956) das gro&szlig;artige Panorama auf dem Colorado Plateau, hier platziert John Ford, der &sbquo;brechtischten aller Filmemacher&rsquo; (Straub/Huillet) seine Kamera, und schwenkt &uuml;ber die Mittens und Merrick Butt. Neun Filme hat er im Monument Valley gedreht, der spektakul&auml;re Aussichtspunkt tr&auml;gt seinen Namen, John Ford&rsquo;s Point.</p> <p style="text-align: justify;">Das Grenzgebiet zwischen Utah und Arizona geh&ouml;rt zur Navajo Nation Reservation und Stammesangeh&ouml;rige der zweitgr&ouml;&szlig;ten indianischen Gemeinschaft der USA - in den 1950ern Schauspieler und Komparsen in Fords Western &ndash; jobben heute als Fotomotiv f&uuml;r Touristen.</p> <p style="text-align: justify;">Mit dem weiten, leeren Raum der Pr&auml;rie und einer zum Mythos erhobenen Einstellung er&ouml;ffnet Dorit Margreiter ihre Ausstellung.</p> <p style="text-align: justify;">Der Film im 16 mm Format zeigt Reiter und Pferd in Bewegung, in einer Totale, und im Close Up vor der Landschaft. Das Rattern des analogen Projektors bringt Avantgardefilm Feeling ins Cinemascope des Western Genres.</p> <p style="text-align: justify;">Neue R&auml;ume&rsquo; nennt Margreiter ihre Show. Der Titel mag, nimmt man ihn buchst&auml;blich, die neu renovierte Galerie meinen, k&ouml;nnte dar&uuml;berhinaus jedoch ebenso als k&uuml;hne Aufbruchsmetapher oder szenographischer Code dienen. Mit ihren &ndash; durchgehend - neuen Arbeiten (2015/16) &ndash; Film(Installation), Fotografie, Skulptur und Belichtungen auf Papier - legt Margreiter einen aufregenden Parcours durch die Galerie. Sie inszeniert, reiht, schichtet und verspannt ihr Thema quer &uuml;ber die R&auml;ume. Um die Transferzonen zwischen Alltagswelt und Ausstellungsraum geht es, um die Produktion von Bildern, und um die Folgen, die verschiedene Formate von Produktion und Reproduktion f&uuml;r unsere Wahrnehmung haben.</p> <p style="text-align: justify;">Schon lange hat es keine Einzelausstellung der K&uuml;nstlerin in Wien gegeben. F&uuml;r ihre ersten Auftritt in der Charim Galerie arbeitet Dorit Margreiter &ndash; &uuml;ber den gewohnt souver&auml;nen Umgang mit Architektur, Installation und Display hinaus - mit Verkn&uuml;pfungen, Zusammenh&auml;ngen und den inhaltlichen Bezugsgeflechten einzelner Werke unter- und zueinander.</p> <p style="text-align: justify;">Aufmacher ist &sbquo;Transfer(Monument Valley)&rsquo;, der Film am Beginn der Ausstellung. Ihm steht ein rein digitales Werk aus der Serie 'Experimental Noise' zur Seite. Die Pigmentprints zeigen St&ouml;rfilter, die verwendet werden, um die glatte Welt des digital imaging glaubw&uuml;rdig mit Alter zu versehen, mit Imperfektionen wie Kratzer, Staub oder Chemieschlieren. Es sind Kommentare zur modernen Bildbearbeitung, die unser Fernweh nach Materialit&auml;t, Handwerk und das Analoge ansprechen.</p> <p style="text-align: justify;">Im letzten Ausstellungsraum kehrt &sbquo;Experimental Noise&rsquo; wieder, diesmal im Dialog mit einem frei schwebenden Mobile, das von der Decke h&auml;ngt. Seit 2011 arbeitet Dorit Margreiter an dem Genre der kinetischen Plastik, das allerdings wenig mit den spielerischen Arabesken Alexander Calders zu tun hat. Buchstaben, die an die funktionale und schlichte Klarheit der Bauhaus-Typographen erinnern, ergeben W&ouml;rter.</p> <p style="text-align: justify;">Zun&auml;chst Vornamen von Frauen, als private und berufliche Referenzen, dann, wie im vorliegenden Fall, das Wort &sbquo;cin&eacute;ma&rsquo;. Der semantische Gehalt der in Graut&ouml;nen lackierten Aluminium Schablonen (jeder Buchstabe hat eine Farbe) verschwindet hinter ihrer Reduktion auf ein abstraktes Zeichen. Tief geh&auml;ngt, soda&szlig; es irgendwie &sbquo;im Weg&rsquo; ist, wird das Objekt zur Projektionsfl&auml;che verschiedener r&auml;umlicher Kategorien, die &uuml;ber eine reine Ortsangabe hinausgehen. Die Sorte des belgischen Wort/Bild Virtuosen Marcel Broodthaers&rsquo;, f&uuml;r den der Raum erst entsteht, wenn man ihn benennt, und die Sorte, die Dorit Margreiter vor allem interessiert: der durchl&auml;ssige, bewegliche und mobile Bildraum, in dem der Betrachter als Teil des Bildes eine wichtige Rolle spielt. </p> <p style="text-align: justify;">Mit einer Serie von Wandarbeiten, Belichtungen, die Titel wie &sbquo;cin&eacute;ma (Light Drawing)&rsquo; tragen, macht Margreiter ihr Raum-Zeit Verfahren deutlich. Auf lichtempfindlichem, blauen Buntpapier werden die Schablonen des &sbquo;cin&eacute;ma&rsquo; Alphabets arrangiert und &uuml;ber mehrere Monate hinweg der Sonne ausgesetzt. Die Bilder sind &sbquo;fertig&rsquo;, wenn die K&uuml;nstlerin den quasi fotografischen Vergilbungsprozess durch Lichtentzug stoppt. Abstraktionen sind entstanden, die an Kompositionen von L&aacute;szl&oacute; Moholy Nagy erinnern. Neben den Querverweisen auf konstruktivistische Fotoplastiken greift Margreiter gelegentlich auch einmal vergn&uuml;gt in die Kiste der Movie Props, und legt Western-Filmrequisiten wie Trense, Z&uuml;gel und Sporen aus. So zeigt sie auf, wie sich Zeit und Ort eines Ereignisses bzw. Vorgangs gegenseitig bedingen. Im Hauptraum der Galerie erz&auml;hlt Dorit Margreiter die Geschichte von Produktion und Destruktion, von Original und Reproduktion : sie erz&auml;hlt sie anhand der Geschichte des Ennis Brown Hauses in Los Angeles, das Frank Lloyd Wright 1923/24 aus vorgegossenen Betonbl&ouml;cken errichtet. Die Reliefornamente des &sbquo;textile block system&rsquo; zitieren Motive, wie sie in der Ruinenstadt Uxmal der Maya zu finden sind. Die legend&auml;re Filmlocation (1982 etwa dreht Ridley Scott dort &sbquo;Blade Runner&rsquo;) wurde von einem Erdbeben zerst&ouml;rt und verfiel zur Ruine, erst 2007 war die Restaurierung eines der &sbquo;100 Most Endangered Sites&rsquo; der Welt abgeschlossen.</p> <p style="text-align: justify;">Margreiters Schwarz Wei&szlig; Fotografie zeigt St&uuml;cke von den Ornamentleisten der Fassade, wie sie jahrelang im Schutt lagen. In einem b&uuml;hnenhaften Setting stellt sie der Fotografie den 1:1 Bronzeabgu&szlig; des Mauerfragments gegen&uuml;ber. Denkt man an Joseph Kosuths &sbquo;One and Three Chairs&rsquo;, 1965, einem kanonischen Werk der Konzeptkunst, das die verschiedenen Erscheinungsformen eines Gegenstands hinterfragt, so geht es auch Dorit Margreiter darum, &sbquo;einen Diskursbereich zu verwenden, um einen anderen zu beschreiben&rsquo;. Zwei Varianten des Reproduzierens, die Verschiebung vom Zwei- zum Dreidimensionalen, das Verwenden verschiedener Medien.</p> <p style="text-align: justify;">Schlie&szlig;lich beendet Dorit Margreiter ihre vielschichtige Ausstellung, in der sich unterschiedliche Erz&auml;hlungen verflechten und r&auml;umlich verbinden, mit einer minimalistischen Rauminstallation, die das Element des Prozessualen in sich tr&auml;gt : vor den Fenstern zur Dorotheergasse sind Dosen, Zylinder bzw. Walzen auf einem Blatt des Yves-Klein-blauen Buntpapiers angeordnet. Bis zum Ende der Pr&auml;sentation im Juli wird die Sommersonne eine wunderbare In Situ Belichtung erzeugt haben. (Brigitte Huck) &nbsp;</p> Tue, 21 Jun 2016 17:21:14 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Pilar Albarracin - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga - June 18th - September 18th <p style="text-align: justify;"><strong>The Centro de Arte Contempor&aacute;neo of M&aacute;laga is pleased to present this exhibition by Pilar Albarrac&iacute;n. Curated by Fernando Franc&eacute;s, <em>Ritos de fiesta y sangre</em> features a representative selection of the artist&rsquo;s work produced over the last decade and a half. The 10 pieces on display include sculptures, installations, embroideries, photographs and videos. The artist invites spectators to explore different stereotypes of Spanish culture, but from a different perspective. Using irony and references to festivals and folklore, Albarrac&iacute;n examines these typical images that are known all over the world to critique the way in which certain clich&eacute;s persist in the collective imaginary. With its powerful underlying image of decontextualised, highly symbolic elements, her work leaves no spectator indifferent. The artist lives and works in Seville and Madrid.</strong></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;<strong> <br /></strong></p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;I reflect my ideas in my work; there&rsquo;s a belief that as an artist you can&rsquo;t get things wrong, but I feel free. A lot of spontaneity has been lost,&rdquo; explains Pilar Albarrac&iacute;n (Seville, 1968) when she describes her work. In <em>Ritos de fiesta y sangre</em>, the artist takes a look back at some of the works she has produced in the last 15 years. Andalusian stereotypes and clich&eacute;s are examined from a different perspective that fluctuates between criticism and irony. Pilar Albarrac&iacute;n&rsquo;s work addresses themes such as social inequalities, female identity and violence. Using elements that are conceptually simple yet have a strong emotional undercurrent, she provokes different sensations in spectators, none of whom can remain indifferent to the situations that confront them in the gallery.</p> <p style="text-align: justify;">As Fernando Franc&eacute;s, director of CAC M&aacute;laga, points out, &ldquo;Pilar Albarrac&iacute;n borrows these stereotypes from the past and reinvents them in the present, but with a warning: a cultural legacy taken to its extreme can have unexpected results. Festivals also contain an element of tragedy, tradition also bears traces of modern existence. Neither one action nor the other is exclusive. It is in the age-old rites that live on today that the capacity to create exists, like acts that are inherited, that are constantly repeated, that form part of the cultural legacy that endures in contemporary societies.&nbsp; [...] In this axiom there is a tension that is resolved conceptually through the image and that plays a predominant role. Meanwhile, the impact of what is projected through it transcends what it represents. The artist selects symbols of popular culture and adopts a specific stance towards them, questioning the authenticity bestowed on them by the passage of time. Suddenly, what was originally the excuse or pretext for defining certain identifying traits crumbles before the spectator&rsquo;s eyes, having been manipulated by the artist. And it does so violently, as if the stage curtain had fallen abruptly.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">As a multidisciplinary artist, she uses video, photography, installation, performance, sculpture, drawing and embroidery to present her vision of the issues that concern her. Meanwhile, she captures the spectator&rsquo;s attention and provokes different emotions through her use of colour, especially shades of red. In the Sevillian artist&rsquo;s hands, the stereotypes and image of the Andalusian vernacular adopt a different position. Stripped of their festive aesthetic, they become a vehicle for denouncing the unequal distribution of roles in society, on the grounds of gender or for other reasons, as in the case of ethnic minorities. The artist offers a social and cultural critique in which both humour and tragedy in equal parts serve to underscore her denunciation. Throughout her career, she has skilfully reinterpreted the codes that form the basis of her work, invariably tinged by her ironic vision of reality. Pilar Albarrac&iacute;n exploits the power of traditional images, transforming their elements to turn them into contemporary symbols, as we see in the installation<em> El Toro</em> (2015).</p> <p style="text-align: justify;">In <em>Asner&iacute;a</em> (2010), it is the animal&rsquo;s underlying symbolism that provides the context for the installation. Various attributes are associated with donkeys, but they have always been identified as clumsy and lacking in intelligence. The artist recreates a scene in which a donkey, perched on a heap of books, is engrossed in the act of reading. Thus, Pilar Albarrac&iacute;n ridicules the excessive vanity found in certain art circles by likening the donkey to the art expert. Animals are present in another of her installations (<em>Pavos Reales</em>, 2010) where their purpose is to emphasise changing roles in contemporary society. Using birds&mdash;in this case, peafowl&mdash;the artist visualises the reversal of the male and female genders by stripping the peacock of his colourful feathers, his most identifying trait, and placing them on the peahen. Lastly, the animal world and the relationship that is established between humankind and nature, but from the subjugation of the beast to human action, is exposed in the documentary <em>Padre Padrone</em> (2010).</p> <p style="text-align: justify;">Embroidery as an almost exclusively female artistic practice is present in several of Pilar Albarrac&iacute;n&rsquo;s works. In the series <em>Para&iacute;sos Artificiales</em> (2001) and <em>Guapa</em> (2015), this technique is used deliberately to bestow greater importance on an artistic skill traditionally associated with the female universe but which is denied&mdash;unfairly, in the artist&rsquo;s opinion&mdash;the status of a fine art.</p> <p style="text-align: justify;">The irony she employs in her works is occasionally combined with anger, another of the emotions that is portrayed in her work through allusions to elements of times past that live on today. In juxtaposing these contradictory feelings, the artist levels criticism at popular culture and the censorship that still persists in certain circles (<em>Prohibido el cante</em>, 2001-2013).</p> <p style="text-align: justify;">Pilar Albarrac&iacute;n (Seville, 1968) graduated with a degree in Fine Arts from the University of Seville in 1993. One of the most controversial contemporary artists on the national scene, she has attracted great international acclaim. She first exhibited her art in 1997, in Madrid and Seville, the cities where she still lives and works today. Since then, her work has been featured in major group and individual exhibitions at galleries and museums around the world, including the Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris, the Hamburger Bahnhof in Berlin, PSI at the MoMA in New York, the Modern Sanat M&uuml;zesi in Istanbul, the National Centre for Contemporary Arts in Moscow, and the contemporary art museum Kiasma in Helsinki. She has also participated in several biennials, such as those of Venice, Busan (Korea), Moscow and Seville.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><strong>El Centro de Arte Contempor&aacute;neo de M&aacute;laga </strong><strong>presenta la exposici&oacute;n de Pilar Albarrac&iacute;n. <em>Ritos de fiesta y sangre</em>, comisariada por Fernando Franc&eacute;s, consiste en una selecci&oacute;n representativa de su trabajo realizado durante los &uacute;ltimos 15 a&ntilde;os. En la decena de obras que forman parte de la exposici&oacute;n se podr&aacute;n ver esculturas, instalaciones, bordados, fotograf&iacute;as y v&iacute;deos. La artista invita al espectador a que se adentre en los estereotipos de la cultura espa&ntilde;ola, pero desde una perspectiva diferente. Con iron&iacute;a y haciendo referencia a la fiesta y el folclore, Albarrac&iacute;n interpreta t&oacute;picos mundialmente conocidos para hacer una cr&iacute;tica sobre c&oacute;mo ciertos clich&eacute;s perviven en el imaginario colectivo. Su trabajo no deja indiferente al espectador, ya que se encuentra ante situaciones con un poder de la imagen latente y en el que subyacen elementos descontextualizados con una fuerte carga simb&oacute;lica. Actualmente, vive y trabaja entre Sevilla y Madrid.</strong></p> <p>&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;Mis ideas las reflejo en mi obra; existe la creencia de que como artista no te puedes equivocar, pero yo me siento libre. La espontaneidad se ha perdido mucho&rdquo;, aclara Pilar Albarrac&iacute;n (Sevilla, 1968) cuando explica su trabajo. En <em>Ritos de fiesta y sangre</em>, la artista lleva a cabo un recorrido por sus trabajos realizados en los &uacute;ltimos 15 a&ntilde;os. Los estereotipos y clich&eacute;s andaluces son interpretados desde una perspectiva distinta, que se mueve entre la cr&iacute;tica y la iron&iacute;a. Pilar Albarrac&iacute;n aborda en su obra temas como las desigualdades sociales, la identidad femenina o la violencia. Recurre a elementos conceptualmente sencillos, pero con una fuerte carga emocional, provocando diferentes sensaciones en el espectador, que no permanece indiferente ante lo que contempla en la sala expositiva.</p> <p style="text-align: justify;">Para Fernando Franc&eacute;s, director del CAC M&aacute;laga: &ldquo;Pilar Albarrac&iacute;n recoge estos estereotipos del pasado y los reinterpreta en el presente, pero con una advertencia: una herencia cultural llevada al l&iacute;mite encuentra desenlaces inesperados. En la fiesta tambi&eacute;n hay drama, en lo tradicional tambi&eacute;n se encuentra vestigios modernos de existencia. Ni una acci&oacute;n ni la otra son excluyentes. En los ritos mantenidos durante siglos de existencia reside la capacidad de crear, como actos que se heredan, que se repiten continuamente, que forman parte de la herencia cultural que perviven en las sociedades actuales. &nbsp;[...] En este axioma existe una tensi&oacute;n que se resuelve de forma conceptual, a trav&eacute;s de la imagen, que tiene un papel preponderante y lo que se proyecta a trav&eacute;s de ella tiene un alcance&nbsp; m&aacute;s all&aacute; de lo que representa. La artista escoge entre los s&iacute;mbolos de la cultura popular y se posiciona ante ellos, cuestionando la autenticidad que le otorga el paso del tiempo. De repente, aquello que ha sido excusa o pretexto para definir unas se&ntilde;as de identidad se desmorona ante los ojos del espectador, una vez que ha sido manipulado por la artista. Y, adem&aacute;s, lo hace de una manera violenta, como si bajara el tel&oacute;n del teatro de golpe&rdquo;.</p> <p style="text-align: justify;">La artista multidisciplinar trabaja con los v&iacute;deos, fotograf&iacute;as, instalaciones, <em>performances</em>, esculturas, dibujos y bordados para exponer su visi&oacute;n sobre asuntos que le preocupan. El uso del color, sobre todo la gama de los rojos, persigue captar la atenci&oacute;n del espectador de la sala y provocar diferentes emociones. En la artista sevillana, los estereotipos y la imagen del vern&aacute;culo andaluz adoptan una posici&oacute;n diferente a la festiva, para convertirse en una forma de denunciar el reparto desigual de roles en la sociedad, bien sea por motivos de g&eacute;nero o por otras razones, como las minor&iacute;as &eacute;tnicas. La artista ejerce una cr&iacute;tica social y cultural en las que se sirve del humor y la tragedia a partes iguales para hacer efectiva su denuncia. A lo largo de su trayectoria ha sabido reinterpretar los diferentes c&oacute;digos a partir de los cuales realiza su trabajo, siempre con una visi&oacute;n sarc&aacute;stica de la realidad. Pilar Albarrac&iacute;n recurre al poder de las im&aacute;genes tradicionales, transformando elementos que la convierten en s&iacute;mbolos actuales, como en la instalaci&oacute;n <em>El Toro</em> (2015).</p> <p style="text-align: justify;">En <em>Asner&iacute;as</em> (2010) la artista emplea la carga simb&oacute;lica del animal para esta instalaci&oacute;n. Al asno se le atribuyen diferentes caracter&iacute;sticas, aunque siempre se le ha identificado con un animal torpe y de escasas cualidades intelectuales. La artista recrea una escena en la que un asno, sobre una monta&ntilde;a de libros, lee atentamente un ejemplar. De esta manera, Pilar Albarrac&iacute;n ridiculiza el exceso de vanidad que son caracter&iacute;sticos de ciertos ambientes art&iacute;sticos, equiparando al burro con el experto en arte. En otra de sus instalaciones, el animal tambi&eacute;n es empleado para enfatizar en el cambio de roles de la sociedad actual (<em>Pavos Reales</em>, 2010). A trav&eacute;s de un ave, en este caso, el pavo real, la artista visualiza la inversi&oacute;n de los g&eacute;neros masculinos y femeninos, despojando al macho de las vistosas plumas, el elemento que m&aacute;s lo identifica, y vistiendo con ellas a la hembra. Por &uacute;ltimo, el mundo animal y la relaci&oacute;n que se establece entre el hombre y la naturaleza, pero desde la sumisi&oacute;n de la bestia a la acci&oacute;n humana, se visualiza en el documental <em>Padre Padrone</em> (2010).</p> <p style="text-align: justify;">El bordado como pr&aacute;ctica art&iacute;stica casi en exclusiva femenina est&aacute; presente en varios trabajos de Pilar Albarrac&iacute;n. En la serie <em>Para&iacute;sos Artificiales</em> (2001) o en <em>Guapa</em> (2015) recurre a esta t&eacute;cnica con la intenci&oacute;n de otorgarle una mayor importancia a una t&eacute;cnica art&iacute;stica ancestral ligada al universo femenino, pero, a juicio de la artista, excluida injustamente de las Bellas Artes.</p> <p style="text-align: justify;">La iron&iacute;a que emplea en sus trabajos a veces se contrapone a la rabia, otras de las emociones que queda retratada en su obra aludiendo a tiempos pasados, pero con continuidad en el presente. Al recurrir a estos sentimientos encontrados, la artista hace una cr&iacute;tica de la cultura popular y la censura, que a&uacute;n pervive en ciertos ambientes (<em>Prohibido el cante</em>, 2001-2013).</p> <p style="text-align: justify;">Pilar Albarrac&iacute;n (Sevilla, 1968) obtuvo en 1993 la Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Es una de las artistas contempor&aacute;neas m&aacute;s controvertidas del panorama nacional y con un gran reconocimiento internacional. En 1997 expuso por primera vez en Madrid y Sevilla, ciudades en las que actualmente vive y trabaja. A partir de entonces, su trabajo se ha podido ver en importantes exposiciones, tanto colectivas como individuales, en galer&iacute;as y museos de todo el mundo, como el Mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la Ville de Paris; el Hamburger Bahnhof de Berl&iacute;n; el PS1 del MoMA en Nueva York; el Istambul Modern Sanat M&uuml;zesi de Estambul; el National Center for Contemporary Arts de Mosc&uacute; o el Museo Kiasma de Helsinki. Tambi&eacute;n ha participado en las bienales de Venecia, Busan (Corea), Mosc&uacute;, Sevilla, entre otras. </p> Tue, 21 Jun 2016 17:13:21 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list