ArtSlant - Recently added en-us 40 Michelangelo - Phoenix Art Museum - January 17th, 2016 - March 27th, 2016 <p style="text-align: justify;">Twenty-six rare drawings from the renowned collection of the Casa Buonarroti in Florence, Italy, comprise one of the most important Michelangelo exhibitions in America in nearly three decades.&nbsp;The Casa Buonarroti, once owned by the artist, is the world&rsquo;s largest repository for Michelangelo&rsquo;s drawings, architectural studies, and memoirs.</p> <p style="text-align: justify;">The images in&nbsp;<em>Sacred and Profane</em>&nbsp;are memorable figurative studies and architectural drawings by the hand of Michelangelo. Included is one of Michelangelo&rsquo;s most admired and complete drawings, the large&nbsp;<em>Madonna and Child</em>. Additional images include preparatory drawings for later paintings. The&nbsp;<em>Head of the Madonna</em>&nbsp;is a study for his painting&nbsp;<em>Doni Tondo</em>, and the sublime sketch of the&nbsp;<em>Head of Leda</em>&nbsp;was made for&nbsp;<em>Leda and the Swan,&nbsp;</em>a painting now lost and known today only through copies.</p> <p style="text-align: justify;">A renowned sculptor and painter in his own time, Michelangelo&rsquo;s legacy as an architect was no less monumental. Highlighted in the exhibition are several of his innovative architectural plans. Among them are drawings for the<em>Fa&ccedil;ade of San Lorenzo in Florence</em>, and his innovative&nbsp;<em>Plan for the Church of San Giovanni dei Fiorentini in Rome</em>. These works help demonstrate Michelangelo&rsquo;s lasting influence on architecture, and scholar Adriano Marinazzo considers these designs to be &ldquo;among the most fascinating architectural projects of the entire Renaissance.&rdquo; &nbsp;&nbsp;&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">This exhibition is an exceptional opportunity for the Phoenix community and the state of Arizona, as Michelangelo&rsquo;s works rarely travel outside of Italy.&nbsp;<em>Sacred and Profane</em>&nbsp;exhibited in 2013 at The Muscarelle Museum of Art and the Museum of Fine Arts Boston.&nbsp;</p> Mon, 30 Nov 2015 10:30:12 +0000 Ansel Adams, Edward Weston, Josef Sudek, Jo Ann Callis, Jan Groover - Phoenix Art Museum - December 5th - May 15th, 2016 <p style="text-align: justify;">This exhibition will draw on the rich resources at the Center for Creative Photography to explore photography&rsquo;s contribution to the still life genre, including work by Ansel Adams, Edward Weston, Josef Sudek, Jo Ann Callis and Jan Groover.</p> Mon, 30 Nov 2015 10:27:12 +0000 - Phoenix Art Museum - November 28th - April 17th, 2016 <p style="text-align: justify;">Showcasing intricate carvings in gemstone, shell, coral and crystal that measure just one to three inches each, this exhibition features more than 170 European cameo carvings from the 18th&nbsp;and 19th&nbsp;centuries. Nearly every piece was carved out of a single stone or shell and made creative use of the natural layers of color present in the materials. Some utilize not only two layers of color but multiple layers, a mark of truly skilled artists. Among the many subjects represented in the collection are detailed designs of biblical and mythological scenes, images of gods, goddesses and philosophers, as well as historical portraits.&nbsp;In the world of cameo collecting, it is rare to see a single collection contain such wonderful examples of artistry and design.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Cameo carving began as far back as the late Paleolithic era and continued until the Hellenistic Greeks took it up and brought it to an entirely new level. Alexander the Great was actually responsible for commissioning the first cameo portrait. Back then, the pieces of gemstone were carved by manipulating various types of drills against the stones, not actually using the points of the drills, but using them to rub powders into the stone to wear away at each layer. Over the centuries, cameos have enjoyed much recognition in the fashionable circles of many different civilizations. In Ancient Rome they were used as seals, sigils, jewlery, talismans, and emblems of an individual's faith or personal identity. Often they were placed on helmets, breastplates, sword handles, and armor fastenings. Some were even given as sacrificial offerings to temples. Julius Caesar was known for his love of cameos and collected at least six cabinets of engraved gems and cameos to dedicate to the temple of Venus.&nbsp;During the Middle Ages, cameos fell out of style and lost favor. Yet with the Renaissance and the renewed interest in ancient Greco-Roman arts, cameos were reborn with better tools and techniques. In this time, cameos were regarded as a high art form and considered a sign of high intellect.</p> <p style="text-align: justify;">In the 18th and 19th centuries, when these particular cameos were created, cameos had what could only be called their "Romantic period." During this time, the quality of carving excelled, and soon they became popular subjects for necklaces, bracelets, earrings, and diadems, and often were simply collected for private gem cabinets. Many schools for gemcarving existed in Rome and Florence making cameos the popular choice for souvenirs when travelers toured Italy. Even Napoleon was delighted with cameos and actually collected many pieces for himself. His love for the art lead him to found a school in Paris to teach cameo carving. He even covered his coronation crown, the Couronne de Sacre, with them and wore it on his wedding day. Other well-known cameo collectors of this time included Elizabeth I of England, Madame de Pompadour of France, Catharine the Great of Russia, Empress Josephine of France, and Empress Maria Fyodorovna of Russia.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">While the art has had its ups and downs throughout history, it still continues today with communities of skilled cameo artists in Germany, Italy, Japan, Panama, Russia, Turkey, and the United States.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Though little is known about who created these particular cameos, it is clear that after they were gathered together, the collection was sold to Phoenix Art Museum Trustee and famed jewelry designer, Pierre Touraine, in 1944. After a brief public exhibition in Glendale, California in 1954, the cameos remained in the Touraine&rsquo;s private collection until they were donated to Phoenix Art Museum in 1983. This exhibition will mark the first time these cameos will be shown in Phoenix and only the second recorded instance of them ever being shown to the public. While the individual artists remain unidentified, each cameo in this collection offers a unique window to the past for all who take the opportunity to see them.</p> <p style="text-align: justify;">Organized by Phoenix Art Museum.</p> Mon, 30 Nov 2015 10:22:22 +0000 Liliane Tomasko - Phoenix Art Museum - November 21st - February 14th, 2016 <p style="text-align: justify;">The artist's paintings are veiled in darkness--evocative and emotionally charged. Over the last decade the underlying drawings beneath the layers of thick paint have evolved into her "inside out" paintings. A reversal of process, the colorful textiles are strewn, stacked and composed--undulating and transforming from abstraction to mountain vistas. From darkness into light, the viewer is transported to another time and space within these intimate, quiet and edgy interior settings.</p> <p style="text-align: justify;">Exhibition and Catalogue organized by Phoenix Art Museum.</p> Mon, 30 Nov 2015 10:21:39 +0000 Gianfranco Ferre - Phoenix Art Museum - November 4th - March 6th, 2016 <p class="p1" style="text-align: justify;">For master designer Gianfranco Ferr&eacute;, drawing was both the expression of freedom, rigor, creativity and method, and a working tool, the point of departure for his most innovative creations. This fall, Phoenix Art Museum will present&nbsp;<em>Gianfranco Ferr&eacute; Designs</em>, a unique companion installation to&nbsp;<a href="" target="_blank"><em>The&nbsp;</em><em>White Shirt According to Me. Gianfranco Ferr&eacute;</em></a>, in the Museum&rsquo;s Ellman Fashion Design Gallery. Featuring more than 80 sketches by Ferr&eacute;, the drawings include both illustrative and technical examples of Ferr&eacute;&rsquo;s unique, vibrant style, along with the completed translations of Ferr&eacute;&rsquo;s initial conception to the three dimensional garment.&nbsp;</p> <p class="p1" style="text-align: justify;">&ldquo;This installation offers visitors a rare opportunity to truly explore a designer&rsquo;s creative process, to understand the path a garment travels from imagination and conception, to the technical elements, and finally the finished product,&rdquo; explains Dennita Sewell, Curator of Fashion Design, who organized and curated this exhibition. &ldquo;It&rsquo;s a rare opportunity, especially for a designer of Ferr&eacute;&rsquo;s skill, artistry and vision.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;"><em>Gianfranco Ferr&eacute; Designs</em>&nbsp;was organized by the Gianfranco Ferr&eacute; Foundation in Milan and Phoenix Art Museum.</p> <p class="p1" style="text-align: justify;">Tell your friends you've seen the work of a design master via social media with #Ferreinphx!</p> Mon, 30 Nov 2015 10:21:31 +0000 Gianfranco Ferre - Phoenix Art Museum - November 4th - March 6th, 2016 <p style="text-align: justify;">Known as the &ldquo;architect of fashion&rdquo; and the purveyor of &ldquo;power dressing,&rdquo; Italian fashion designer Gianfranco Ferr&eacute; never ceased to view the white shirt as the archetypal expression of his approach to design and style.</p> <p style="text-align: justify;">Repeatedly reconstructed and redefined in a ceaseless quest for new cultural and formal interpretations, Ferr&eacute;&rsquo;s white shirt was simultaneously a magnificent obsession, a creative diversion, a symbol of ideal beauty and a personal means of communicating the infinite possibilities of fashion and design. A constant presence and major theme throughout Ferr&eacute;&rsquo;s 30-year career, the white shirt became the designer&rsquo;s &ldquo;hallmark of style&rdquo; and a &ldquo;lexicon of contemporary elegance.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;">A graduate of Milan Polytechnic Institute in architecture, Ferr&eacute; began his own label in 1978 by launching a woman&rsquo;s pr&ecirc;t-&agrave;-porter collection and later a men&rsquo;s clothing, a wide range of accessories and his own Alta Moda line in Rome. From 1989-1997, Gianfranco Ferr&eacute; was appointed Artistic Director of Christian Dior. Known for his classic but powerful clothes constructed in the highest quality materials, Ferr&eacute;&rsquo;s designs represent the elegance and cache of &ldquo;made in Italy.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;"><em>The White Shirt According to Me. Gianfranco Ferr&eacute;&nbsp;</em>includes a selection of 27 of Ferr&eacute;&rsquo;s most significant white shirts created over the course of his career (1982-2006). Sketches, technical designs, photographs and videos from the archives of the Gianfranco Ferr&eacute; Foundation will offer visitors the chance to go beyond the confines of fashion and examine the methods, techniques and precision Ferr&eacute; applied to each of his designs.</p> <p style="text-align: justify;">This exhibition is designed, produced and curated by the Gianfranco Ferr&eacute; Foundation and by the Prato Textile Museum Foundation.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Share your love for this simple garment via social media with #WhiteShirtPhx!&nbsp;No photography is permitted in this exhibition.</p> Mon, 30 Nov 2015 10:13:36 +0000 Angelita Surmon - Waterstone Gallery - December 20th 11:00 AM - 12:00 PM <p style="text-align: justify;">Thoughts on the Reed Canyon Suite</p> <p style="text-align: justify;">I like to dance on the line between representation and abstraction, and the natural world is my best teacher. Walking the Canyon, observing seasonal changes expands my relationship with this place, as well as my vocabulary of color, line, light and form.</p> <p style="text-align: justify;">I enjoy close scrutiny of nature&rsquo;s random calligraphy in tangled nests of branches and thickets; the inner workings and structure of the landscape. Instead of finding calm by the ocean or in the desert, I feel most at home when encircled by tangled undergrowth, and the flickering light of tall trees. It provides the opportunity to meditate on branches and grasses making beautiful calligraphy, and I discover unexpected relationships of color and light.</p> <h5>Preview Reception: December 2nd, 6-8 pm&nbsp;<br />First Thursday Reception, December 3rd, 6-8pm<br />Artist's Talk, December 20th, 11am</h5> Sun, 29 Nov 2015 16:31:48 +0000 Angelita Surmon - Waterstone Gallery - December 1st - January 3rd, 2016 <p style="text-align: justify;">Thoughts on the Reed Canyon Suite</p> <p style="text-align: justify;">I like to dance on the line between representation and abstraction, and the natural world is my best teacher. Walking the Canyon, observing seasonal changes expands my relationship with this place, as well as my vocabulary of color, line, light and form.</p> <p style="text-align: justify;">I enjoy close scrutiny of nature&rsquo;s random calligraphy in tangled nests of branches and thickets; the inner workings and structure of the landscape. Instead of finding calm by the ocean or in the desert, I feel most at home when encircled by tangled undergrowth, and the flickering light of tall trees. It provides the opportunity to meditate on branches and grasses making beautiful calligraphy, and I discover unexpected relationships of color and light.</p> <h5>Preview Reception: December 2nd, 6-8 pm&nbsp;<br />First Thursday Reception, December 3rd, 6-8pm<br />Artist's Talk, December 20th, 11am</h5> Sun, 29 Nov 2015 16:30:11 +0000 Majd Abdel Hamid, Maysoon Al Ali, Mona Al-Beiti, Balqis Al Rashid, Matt Copson, Sholto Dobie, Matthew Peers - Sharjah Art Foundation - October 31st - January 16th, 2016 <p style="text-align: justify;">Join us for the opening of the March Project 2015 exhibition featuring site-specific works developed by seven young artists during this educational residency programme. In its second edition, the exhibition will include performances, video works and installations on view at SAF Art Spaces, Calligraphy Square and the Arts Area. &nbsp;Participants in this programme include&nbsp;Majd Abdel Hamid, Maysoon Al Ali, Mona Al-Beiti,&nbsp;Balqis Al Rashid, Matt Copson, Sholto Dobie and Matthew Peers, who were selected from various countries including Palestine, Saudi Arabia, United Arab Emirates and the United Kingdom.</p> <p style="text-align: justify;">March Project is an educational residency programme for young artists, providing them with opportunities to research, realise and present site-specific works through a series of professional seminars, site visits, talks and mentorship by art practitioners. Mentors for March Project 2015 were Tarek Al-Ghossein, Lara Khalidi, Derek Ogbourne and Alaa Younis.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition will open at 6:00 pm on October 31, the opening tour will start at SAF Art Spaces and end there with <em>Mina</em>, a performance by Sholto Dobie in collaboration with musician Joel Wycherly at 7:45 pm.</p> <hr /> <p style="text-align: right;">شاركونا في افتتاح "مشروع مارس" 2015، والذي يعرض أعمالاً لمواقع محددة تم تطويرها من قبل سبعة فنانين شباب خلال برنامج الإقامة التعليمي. سيتضمن المعرض في دورته الثانية عروض أداء، وأعمال الفيديو، وأعمال تركيبية، تعرض في المباني الفنية لمؤسسة الشارقة للفنون، وساحة الخط العربي، ومنطقة الفنون. يشارك في هذا البرنامج مجد عبد الحميد، ميسون آل علي، منى البيتي، بلقيس الراشد، مات كوبسون، شولتو دوبي، وماثيو بيرز، والذين تم اختيارهم من مختلف الدول بما فيها فلسطين، المملكة العربية السعودية، الإمارات العربية المتحدة، والمملكة المتحدة.</p> <p style="text-align: right;">ويعد مشروع مارس بمثابة برنامج إقامة تعليمي للفنانين الشباب، والذي يوفر لهم فرصاً للبحث، ولإنتاج أعمالٍ خاصة بموقع محدد من خلال سلسلة من الندوات المهنية والزيارات الميدانية، والحوارات والإرشاد من قبل ممارسي الفن. أشرف على معرض مارس 2015 كلاً من طارق الغصين، لارا خالدي، ديريك أوغبورن وآلاء يونس.</p> <p style="text-align: right;">سيتم افتتاح المعرض يوم السبت 31 أكتوبر، الساعة 6:00 مساءً. وسيتم بدء مراسم الافتتاح في المباني الفنية لمؤسسة الشارقة للفنون والتي ستنتهي بعرض أداء يقدمه الفنان شولتو دوبي بالتعاون مع الموسيقي جويل وايشيرلي، وسيقام عرض الأداء "مينا" في الساعة 7:45 مساءً.</p> <div class="col-right">&nbsp;</div> Sun, 29 Nov 2015 16:24:20 +0000 - Natasha Akhmerova’s Barbarian Art Gallery - December 1st - January 15th, 2016 Sun, 29 Nov 2015 16:13:44 +0000 - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - December 16th - March 13th, 2016 <p style="text-align: justify;">The Polytechnic Museum, Moscow Museum of&nbsp;Modern Art and the State Literature Museum present 200 Keystrokes per Minute&nbsp;&mdash; an&nbsp;exhibition entirely devoted to&nbsp;the typewriter as&nbsp;an&nbsp;object and the main 20th-century tool for creating a&nbsp;literary text.</p> <p style="text-align: justify;">200 Keystrokes per Minute is&nbsp;a&nbsp;multimedia project based on&nbsp;a&nbsp;research that looked into the role of&nbsp;the typewriter in&nbsp;Russian literature and in&nbsp;the Russian history of&nbsp;the 20th century in&nbsp;general. Anna Narinskaya&rsquo;s project brings the results of&nbsp;this research together with contemporary art, offering the viewer an&nbsp;opportunity to&nbsp;see the typewriter as&nbsp;it&nbsp;was seen by&nbsp;its contemporaries and such as&nbsp;it&nbsp;appears to&nbsp;contemporary artists. Archival materials are reinserted into our time, allowing the typewriter to&nbsp;interact with the viewer as&nbsp;much as&nbsp;the viewer interacts with the typewriter.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition features typewriters from the collection of&nbsp;Polytechnic museum, typewritten manuscripts from the State Literature Museum, and artworks from the collection of&nbsp;Moscow Museum of&nbsp;Modern Art. Visitors will be&nbsp;able to&nbsp;see works from over 20&nbsp;museums and private collections, including typewriters that once belonged to&nbsp;Lev Tolstoy, Boris Pasternak, Aleksandr Solzhenitsyn and other famous Russian writers. These will be&nbsp;complemented by&nbsp;video and audio installations made specifically for the show by&nbsp;Boris Khlebnikov, Haim Sokol, Alexei Aigi among others.</p> <p style="text-align: justify;">Next to&nbsp;them are the exhibits provided by&nbsp;Memorial International Society&nbsp;&mdash; the evidence of&nbsp;the Soviet State&rsquo;s systematic persecution of&nbsp;independent artists. These samizdat artefacts include a&nbsp;typewritten manuscript of&nbsp;One Day in&nbsp;the Life of&nbsp;Ivan Denisovich, a&nbsp;page of&nbsp;poetry from Sintaksis [Syntax] magazine with a&nbsp;note saying it&nbsp;was obtained during a&nbsp;house-check, Anna Akhmatova&rsquo;s Requiem typed by&nbsp;Natalya Gorbanevskaya, and typewriters that once belonged to&nbsp;Nadezhda Mandelstam and Feliks Svetov who was arrested in&nbsp;the early years of&nbsp;perestroika.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition consists of&nbsp;several parts, each offering a&nbsp;particular perspective on&nbsp;the typewriter: an&nbsp;object of&nbsp;design, a&nbsp;tool for writers, a&nbsp;literary character, an&nbsp;art object or&nbsp;an&nbsp;object that contemporary artists study in&nbsp;their work. Typewritten manuscripts are discussed as&nbsp;a&nbsp;simple medium, a&nbsp;cult phenomenon, an&nbsp;object of&nbsp;persecution or&nbsp;artworks. Thus presented to&nbsp;the viewer will be&nbsp;all the main aspects of&nbsp;story of&nbsp;the typewriter in&nbsp;the 20th century Russia&nbsp;&mdash; interconnected with the stories of&nbsp;writers, political history and the history of&nbsp;contemporary art.</p> <p style="text-align: justify;">MMOMA&rsquo;s special project One Within the Other, which will accompany this show, continues the story started in&nbsp;200 Keystrokes per Minute with a&nbsp;meditation on&nbsp;technology in&nbsp;art and takes the viewer back into the modern world wired by&nbsp;digital media. The shows will be&nbsp;accompanied by&nbsp;a&nbsp;common extensive education program, which will include lectures and round tables, and a&nbsp;catalogue.</p> <p style="text-align: justify;">The organizers would like to&nbsp;thank Memorial International Society, The State Tretyakov Gallery, Russian State Library, Aleksandr Solzhenitsyn House of&nbsp;Russia in&nbsp;Emigration, The State Memorial and Natural Preserve &laquo;Museum-estate of&nbsp;Leo Tolstoy &laquo;Yasnaya Polyana&raquo;, The State L.&nbsp;N. Tolstoy Museum, Saint Petersburg State Literature Museum &laquo;XX&nbsp;Century&raquo;, Mikhail Bulgakov Museum, Sakharov Center, Mayakovsky State Museum, The Gorky Institute of&nbsp;World Literature, Holocaust Memorial Synagogue in&nbsp;Moscow, The Museum of&nbsp;Anna Akhmatova at&nbsp;The Fountain House, Literature Museum of&nbsp;the Institute of&nbsp;Russian Literature, Russian Academy of&nbsp;Sciences, Nabokov Museum of&nbsp;Saint Petersburg State University, Fedin State Museumin Saratov, Leonid Andreyev Museum in&nbsp;Orel, The State M.&nbsp;A. Sholokhov Museum-Reserve, Moscow Literature Center&nbsp;&mdash; Paustovsky Museum and XL&nbsp;Gallery.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition 200 Keystrokes per Minute continues a&nbsp;series of&nbsp;special projects by&nbsp;MMOMA and Samsung. Visitors will be&nbsp;able to&nbsp;create a&nbsp;unique emotional map, based on&nbsp;their impressions about the exhibition through the application The Art of&nbsp;Feeling.</p> <p style="text-align: justify;">Exhibition Partner<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <p style="text-align: justify;">Official partner<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /><strong>Author and curator:</strong> Anna Narinskaya<br /> <strong>Exhibition Design:</strong> Kirill Ass, Nadya Korbut<br /> <strong>Graphic design:</strong> Igor Gurovich</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Московский музей современного искусства представляет произведения из&nbsp;коллекции Центра искусств (CA2M) и&nbsp;Фонда ARCO, Мадрид. Более тридцати участников в&nbsp;главном здании Музея на&nbsp;Петровке 25&nbsp;с помощью световых инсталляций, масштабных объектов, современной живописи, графики, фотографии и&nbsp;видео покажут разнообразие художественной сцены своего региона, образуя, тем самым, единый проект под названием "Другая часть нового мира".</p> <p style="text-align: justify;">Интерес Испании к&nbsp;искусству Латинской Америки не&nbsp;случаен: на&nbsp;протяжении многих веков Испания была колониальным центром для стран Иберо-американского мира, с&nbsp;которыми бывшая метрополия разделяет общий язык и&nbsp;культурную близость, а&nbsp;сегодня видит себя мостом между Европой и&nbsp;Латинской Америкой. В&nbsp;эпоху глобализации отношения между европейским мегаполисом, переживающим экономические трудности и&nbsp;отстаивающим свое положение культурной столицы, и&nbsp;регионом Латинской Америки в&nbsp;период экономического подъема и&nbsp;культурного оживления имеют больше нюансов, чем в&nbsp;старые времена. Экономические и&nbsp;геополитические интересы, новые амбиции и&nbsp;поиск самоутверждения, характерные для этих стран, предполагают многоуровневые связи и&nbsp;взаимозависимость, которые в&nbsp;то&nbsp;же время отражают реальность и&nbsp;глобальные изменения, происходящие в&nbsp;сегодняшнем мире независимо от&nbsp;региона. Идея выставки &laquo;Другая часть нового мира&raquo;&nbsp;&mdash; показать противоречия и&nbsp;разрывы, сопровождающие переход к&nbsp;современности, пережившей потерю социалистической утопии и&nbsp;разочарование в&nbsp;возможности &laquo;идеального капитализма&raquo;, увиденные глазами современных художников из&nbsp;Испании, Латинской Америки и&nbsp;отчасти Западной Европыи США. В&nbsp;фокусе представленных на&nbsp;выставке работ&nbsp;&mdash; социальная реальность стран испано-язычного мира и&nbsp;ее&nbsp;эмоциональное преломление, способное многое сказать и&nbsp;о&nbsp;современном мире в&nbsp;целом.</p> <p style="text-align: justify;">Коллекция фонда ярмарки современного искусства АРКО была основана в&nbsp;1987&nbsp;году, через пять лет после создания ярмарки в&nbsp;Мадриде. Появившаяся на&nbsp;волне демократических преобразований после долгих лет диктатуры Франко, она стремилась продемонстрировать открытость Испании миру, утвердить страну на&nbsp;международной карте современного искусства и&nbsp;показать пример создания коллекций частным лицам и&nbsp;местным институциям. Сегодня произведения из&nbsp;Фонда АРКО хранятся в&nbsp;Центре искусств СА2М региона Мадрид, который находится в&nbsp;пригороде испанской столицы Мостолес и&nbsp;имеет собственную коллекцию, насчитывающую более 1500 произведений художников из&nbsp;разных стран. С&nbsp;момента своего открытия в&nbsp;2008&nbsp;году, Центр искусств CA2M организовал ряд выставок и&nbsp;государственных программ, уделяя особое внимание критическому взгляду на&nbsp;политические и&nbsp;экономические отношения в&nbsp;постколониальном мире, отношения визуальных искусств и&nbsp;массовой культуры и&nbsp;важность появления перформанса и&nbsp;перформативности в&nbsp;искусстве с&nbsp;1990х гг.</p> <p style="text-align: justify;">Проект в&nbsp;ММОМА будет сопровождать каталог, программа дискуссий и&nbsp;&laquo;круглых столов&raquo;, построенная вокруг двух ключевых тем:<br /> &mdash;&nbsp;переплетение частных и&nbsp;государственных интересов в&nbsp;создании коллекции современного искусства на&nbsp;примере коллекции АРКО;<br /> &mdash;&nbsp;современное искусство Латинской Америки, его своеобразие и&nbsp;место на&nbsp;карте современного искусства в&nbsp;Испании и&nbsp;мире</p> <p style="text-align: justify;">Выставка продолжает серию совместных проектов ММОМА и компании Samsung, которая началась в декабре 2014 года. В июне 2015 года было представлено специальное мобильное приложение &laquo;Art of Feeling&raquo; (&laquo;Искусство чувствовать&raquo;) &mdash; новый способ постичь искусство с помощью современных технологий. Приложение анализирует эмоции, которые точнее всего описывают впечатления от увиденных произведений искусства. Посетители смогут создать свою эмоциональную карту, оценив каждую работу, представленную в экспозиции. Это позволит открыть новые грани произведений художников из стран Латинской Америки, Западной Европы и США. К интерактивному проекту был подключен Протей Темен, ставший первым художником для приложения в России и за рубежом. Таким образом, посетители выставки примут участие в исследовании феномена синестезии, возникающего в музейном пространстве.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Участники проекта:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Игнаси Абалли, Эдуардо Абароа, Халил Алтиндере, Пилар Альбаррасин, Франсис Алюс, Александер Апостоль, Ибон Аранберри, Хуан Араухо, Артур Баррио, Иньяки Бонильяс, Фернандо Брайс, Адриана Бустос, Карлос Гарайкоа, Мариана Кастильо Дебалль, Эухенио Диттборн, Гектор Замора, Лос Карпинтерос, Йоахим Кестер, Гильермо Куитка, Габриэль Кури, Тонико Лемос Ауад, Рохелио Лопес Куэнка, Кристина Лукас, Тереза Марголис, Ана Мендьета, Эрноут Мик, Антони Мунтадас, Оскар Муньос, Риване Нойншвандер, Эдриан Пайпер, Эль Перро, Вильфредо Прието, Ракс Медиа Коллектив, Фернандо Санчес Кастильо, Аллан Секула, Мелани Смит, Сантьяго Сьерра, Тунга, Томас Хиршхорн.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>О&nbsp;кураторах</strong></p> <p style="text-align: justify;"><em>Ферран Баренблит</em> (р. в&nbsp;1968&nbsp;в Буэнос-Айресе)&nbsp;&mdash; директор CA2M Centro de Arte Dos de&nbsp;Mayo, коллекция которая состоит из&nbsp;собственных пополнений, а&nbsp;также коллекции Фонда Арко. Центр CA2M инициирует интенсивную программу проектов по&nbsp;современному искусству, в&nbsp;том числе выставок, научно-исследовательских инициатив, академических проектов, публикаций, а также включает в&nbsp;себя широкий спектр других видов деятельности. С&nbsp;момента основания в&nbsp;2008 году в&nbsp;CA2M прошли персональные выставки Джереми Деллера, Raqs Media Collective, Карлоса Гарайкоа, Терезы Марголлес, Вильфредо Прието и&nbsp;Грегора Шнайдера. Кроме того, групповые выставки, &laquo;Sonic Youth etc.: Sensational Fix&raquo;; Pop Politics; PUNK; Critical Fetishes; and PER&nbsp;/ FORM: How to&nbsp;do&nbsp;things with [out] words. С 2002-2008&nbsp;гг. Ферран Баренблит был директором Музея современного искусства Санта-Моника(Centred&rsquo;Art Sant aM&ograve;nica) в&nbsp;Барселоне. В&nbsp;2008 году входил в&nbsp;кураторскую группу 7-й Биеннале SiteSantaFe. Ферран проводил семинары, обучающие профессии куратора ичитал лекции во&nbsp;многих музеях. С&nbsp;2003 по&nbsp;2010&nbsp;г. был приглашенным профессором впрограмме &laquo;Куратор современного искусства&raquo; в&nbsp;Королевском колледже искусств вЛондоне. Также работал в&nbsp;Фонде Хуана Миро (Барселона) и&nbsp;Новом музее современного искусства (Нью-Йорк).</p> <p style="text-align: justify;"><em>Елена Яичникова</em> (Москва)&nbsp;&mdash; независимый куратор и&nbsp;историк искусства. Ее&nbsp;кураторские проекты включают &laquo;Личные истории&raquo; (Музей современного искусства &laquo;Гараж&raquo;, Москва, 2014), &laquo;Дневник наблюдений&raquo; (галерея ArtRe:flex, Санкт-Петербург, 2013), &laquo;Двойная перспектива: Современное искусство из&nbsp;Японии&raquo; (ММОМА, Москва, 2012), Generation P (фестиваль Russenko, Париж, Франция, 2012), OnceUpon A&nbsp;Present (Галерея SC, Загреб, Хорватия, 2011), Respublica (ММОМА, Москва, 2010), специальный проект 3&nbsp;Московской биеннале &laquo;40&nbsp;жизней одного пространства&raquo; (фабрика &laquo;Красный Октябрь&raquo;, 2009) и&nbsp;проект из&nbsp;шести выставок и&nbsp;дискуссий Colocation/ LivingTogether (галерея LaBox, Бурж, Франция, 2008-2009).</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Официальный партнёр:</strong><br /> <img src="" alt="" /></p> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> Sun, 29 Nov 2015 16:08:40 +0000 Maria Agureeva, Kirill Garshin, Evgeny Granilshchikov, Evgeniya Machneva, Dmitry Morozov, Dmitry Okruzhnov, Rostan Tavasiev, Yan Tamkovich, Maria Sharova - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - December 16th - March 13th, 2016 <p style="text-align: justify;">Moscow Museum of&nbsp;Modern Art presents the exhibition titled &laquo;<em>One Within The Other. Art of&nbsp;New and Old Media in&nbsp;the Age of&nbsp;High-speed Internet</em>&raquo;. Halls of&nbsp;the second floor of&nbsp;the MMOMA venue at&nbsp;Petrovka street will contain eight art projects, made of&nbsp;different materials and media, from painting to&nbsp;electronic means of&nbsp;communication, in&nbsp;2012&ndash;2015. As&nbsp;part of&nbsp;the long-term strategy of&nbsp;stocking of&nbsp;museum&rsquo;s funds, these selected works and artworks, created especially for the exhibition, will be&nbsp;recommended for acquisition into the MMOMA collection.</p> <p style="text-align: justify;">Authors of&nbsp;the works are Maria Agureeva, Kirill Garshin, Evgeny Granilshchikov, Evgeniya Machneva, Dmitry Morozov (::vtol::), Dmitry Okruzhnov and Maria Sharova, Rostan Tavasiev, Yan Tamkovich. They belong to&nbsp;the young generation in&nbsp;the Russian contemporary art. Born in&nbsp;the USSR, they remember the world without cell phones, Wikipedia and social networks. In&nbsp;the mid-2000s, they witnessed widespread dissemination of&nbsp;digital technologies and, first of&nbsp;all, of&nbsp;high-speed internet, the main hybrid communication tool of&nbsp;the present epoch, which significantly changed the traditional forms of&nbsp;behavior and communication, attitude to&nbsp;knowledge and attention, perception of&nbsp;space and time.</p> <p style="text-align: justify;">Perhaps, this unique experience largely determined the artists&rsquo; interest in&nbsp;genealogy, mixing and interpenetration of&nbsp;different media, coloring the author&rsquo;s poetics in&nbsp;a&nbsp;special way. Such recursive attitude to&nbsp;materials and technologies was reminiscent of&nbsp;the celebrated quote from Canadian philosopher Marshall McLuhan (1911&ndash;1980), which wrote that &laquo;the content of&nbsp;any medium is&nbsp;always another medium&raquo;. This aphorism became the starting point for the exhibition in&nbsp;MMOMA.</p> <p style="text-align: justify;">All presented projects, in&nbsp;their own way, demonstrate nesting of&nbsp;visual technologies, when one medium can be&nbsp;noticed within the other, the old one within the new one and vice versa, like endless reflections in&nbsp;the opposite mirrors. Family photos or&nbsp;digital pictures, borrowed from the internet, are reproduced on&nbsp;canvases. Art projects create accounts and communicate on&nbsp;Facebook. Machine parts become patterns on&nbsp;hand-woven tapestries. Interfaces of&nbsp;various electronic devices can be&nbsp;seen in&nbsp;the cell phone video. The project by&nbsp;one artist becomes a&nbsp;material for the other artist&rsquo;s installation. An&nbsp;ancient sacred sculpture can be&nbsp;observed in&nbsp;the form of&nbsp;a&nbsp;robot, while the living flesh can be&nbsp;seen in&nbsp;the polished colored plastic.</p> <p style="text-align: justify;">Each art project will be&nbsp;accompanied with different documents and artifacts, which shed light on&nbsp;the process of&nbsp;its creation, its exhibition history&nbsp;or, on&nbsp;the contrary, are devoted to&nbsp;the subsequent comprehension of&nbsp;the project by&nbsp;the artist himself. It&nbsp;is&nbsp;essential that many laboratory exhibits will be&nbsp;shown for the first time. They will help viewers immerse themselves in&nbsp;the mental creative space of&nbsp;the exhibition partakers, providing the clue to&nbsp;their plan, and will focus on&nbsp;the phenomenon of&nbsp;intermediality, i.e. migration of&nbsp;ideas and images, human anxieties and dreams, from one material carrier to&nbsp;the other.</p> <p style="text-align: justify;">The One Within The Other project, in&nbsp;a&nbsp;certain sense, continues the discussion, given by&nbsp;the 200 Keystrokes per Minute exhibition, which will be&nbsp;devoted to&nbsp;the role of&nbsp;the typewriter in&nbsp;Russian culture of&nbsp;the past century and will be&nbsp;opened simultaneously on&nbsp;the first floor of&nbsp;the museum venue at&nbsp;Petrovka street. Transferring the conversation in&nbsp;the plane of&nbsp;artistic and theoretical reflections on&nbsp;technology in&nbsp;art, the exhibition on&nbsp;the second floor will take the viewer into the modern context of&nbsp;supremacy of&nbsp;digital media.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Official partner<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Политехнический музей, Московский музей современного искусства и&nbsp;Литературный музей представляют выставку &laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo;, посвященную печатной машинке&nbsp;&mdash; как объекту и&nbsp;как главному техническому инструменту создания литературного текста в&nbsp;XX&nbsp;веке. <br /> <br />Мультимедийный проект &laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo; представляет собой культурологическое исследование, задачей которого является попытка определить значение печатной машинки для русской литературы и&nbsp;искусства в&nbsp;частности и&nbsp;для истории России прошлого столетия в&nbsp;целом. В&nbsp;соответствии с&nbsp;концепцией, предложенной автором идеи и&nbsp;куратором Анной Наринской, выставка впервые в&nbsp;России объединяет архивные изыскания и&nbsp;современное искусство, приглашая зрителя рассмотреть культурный феномен пишущей машинки как с&nbsp;точки зрения современников машинописи, так и&nbsp;глазами современных художников. Архивные материалы соотносятся с&nbsp;нашим временем, в&nbsp;результате не&nbsp;только зритель взаимодействует с&nbsp;пишущей машинкой, но&nbsp;и&nbsp;пишущая машинка взаимодействует со&nbsp;зрителем.</p> <p style="text-align: justify;">В&nbsp;состав выставки вошли печатные машинки из&nbsp;коллекции Политехнического музея, подлинная машинопись из&nbsp;Литературного музея и&nbsp;художественные произведения из&nbsp;фондов Московского музея современного искусства. Также зрителю будут представлены экспонаты из&nbsp;более чем 20&nbsp;государственных и&nbsp;частных собраний, среди которых машинки Л.&nbsp;Н.&nbsp;Толстого, Б.&nbsp;Л. Пастернака, А.&nbsp;И.&nbsp;Солженицына и&nbsp;других классиков русской литературы. Помимо этого будут показаны специально созданные для проекта аудио- и&nbsp;видеоинсталляции современных авторов&nbsp;&mdash; Бориса Хлебникова, Хаима Сокола, Алексея Айги и&nbsp;других.</p> <p style="text-align: justify;">Рядом&nbsp;&mdash; экспонаты, предоставленные Международным Мемориалом, материальные свидетельства многолетней борьбы советского государства с&nbsp;независимым творчеством&nbsp;&mdash; классические произведения самиздата. Среди них перепечатанный на&nbsp;машинке &laquo;Один день Ивана Денисовича&raquo;, стихи из&nbsp;журнала &laquo;Синтаксис&raquo; с&nbsp;пометкой &laquo;изъято при обыске&raquo;, записанный Натальей Горбаневской &laquo;Реквием&raquo; Ахматовой, пишущие машинки Надежды Мандельштам и&nbsp;Феликса Светова, арестованного на&nbsp;заре перестройки.</p> <p style="text-align: justify;">Экспозиция разделена на&nbsp;тематические блоки: машинка рассматривается как предмет дизайна, инструмент создания литературных и&nbsp;художественных произведений, литературный персонаж, художественный объект и&nbsp;объект концептуального осмысления в&nbsp;произведениях современного искусства. В&nbsp;свою очередь, машинопись представлена как простой носитель информации, объект культа, преследований и&nbsp;художественное средство. Такой подход позволяет продемонстрировать важнейшие аспекты бытования печатной машинки в&nbsp;России двадцатого века во&nbsp;взаимосвязи с&nbsp;творчеством писателей, политической ситуацией и&nbsp;развитием современного искусства.</p> <p style="text-align: justify;">К&nbsp;выставке приурочен специальный проект MMOMA &laquo;Одно внутри другого&raquo;, который в&nbsp;некотором смысле продолжает тему, открытую в&nbsp;&laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo;, переводя ее&nbsp;в&nbsp;плоскость художественно-теоретических размышлений о&nbsp;технологии в&nbsp;искусстве, и&nbsp;переносит зрителя в&nbsp;современный контекст господства цифровых медиа. В&nbsp;рамках проектов будет организована единая масштабная образовательная программа, лекции, круглые столы и&nbsp;мастер-классы, а&nbsp;также будет издан каталог.</p> <p style="text-align: justify;">Организаторы выставки выражают благодарность за&nbsp;подготовку и&nbsp;осуществление проекта Международному обществу &laquo;Мемориал&raquo;, Государственной Третьяковской галерее, Российской государственной библиотеке, Дому русского зарубежья&nbsp;им. Александра Солженицына, Государственному мемориальному и&nbsp;природному заповеднику &laquo;Музей-усадьба Л.&nbsp;Н. Толстого &laquo;Ясная Поляна&raquo;, Государственному музею Л.&nbsp;Н.&nbsp;Толстого, Санкт-Петербургскому государственному литературному музею &laquo;ХХ&nbsp;век&raquo;, Государственному музею&nbsp;им. М.&nbsp;А.&nbsp;Булгакова, Сахаровскому центру, Государственному музею В.&nbsp;В.&nbsp;Маяковского, Музею А.&nbsp;М. Горького Института мировой литературы&nbsp;им. А.&nbsp;М.&nbsp;Горького РАН, Российскому еврейскому мемориалу на&nbsp;Поклонной горе, Музею Анны Ахматовой в&nbsp;Фонтанном доме в&nbsp;Санкт-Петербурге, Литературному музею Института русской литературы, РАН, Музею В.&nbsp;В. Набокова Санкт-Петербургского государственного университета, Государственному музею К.&nbsp;А.&nbsp;Федина в&nbsp;Саратове, Дому-музею Леонида Андреева в&nbsp;Орле, Государственному музею-заповеднику им. М.&nbsp;А.&nbsp;Шолохова, Московскому литературному музею-центру К.&nbsp;Г. Паустовского, Галерее XL.</p> <p style="text-align: justify;">Выставка &laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo; продолжает серию совместных проектов ММОМА и&nbsp;компании Samsung. Посетители Музея смогут создать уникальную эмоциональную карту, основываясь на&nbsp;своих впечатлениях о&nbsp;выставке благодаря приложению The Art of&nbsp;Feeling.</p> <p style="text-align: justify;">Партнер выставки<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <p style="text-align: justify;">Официальный партнер MMOMA<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <p>&nbsp;</p> Sun, 29 Nov 2015 16:07:00 +0000 Edward Bekkerman - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - October 28th - November 29th <p style="text-align: justify;">Moscow Museum of&nbsp;Modern Art together with the ABA Gallery presents the <em>Beyond Dreams</em> solo exhibition by&nbsp;Edward Bekkerman, a Russian-born American artist. The exhibition will show artworks of&nbsp;the author for the last 30&nbsp;years in&nbsp;the 3d&nbsp;floor at&nbsp;25&nbsp;Petrovka Street.</p> <p style="text-align: justify;">Edward Bekkerman, a&nbsp;son of&nbsp;celebrated sculptor Igor Bekkerman, was born in&nbsp;1958 in&nbsp;Russia. In&nbsp;the mid 1970s his family emigrated to&nbsp;the USA. Thus, his personal artistic experience was formed in&nbsp;the context of&nbsp;two sociocultural worlds, which had very little contact with each other at&nbsp;that period. Bekkerman decided to&nbsp;become a&nbsp;dancer in&nbsp;his teens. He&nbsp;entered the School of&nbsp;the Bolshoi Theatre (Moscow) and later continued his education in&nbsp;the Juilliard School (New York City). An&nbsp;injury prevented him from having a&nbsp;distinguished career in&nbsp;the ballet. He&nbsp;had to&nbsp;leave the choreography and started painting. He&nbsp;spent 4&nbsp;years in&nbsp;the Art Students League of&nbsp;New York and acquired sufficient experience to&nbsp;create his own creative style. A&nbsp;keen understanding of&nbsp;choreography and sculpture was visible in&nbsp;his artworks. His compositions were musical and full of&nbsp;plastic energy, partly due to&nbsp;the use of&nbsp;the thick, almost careless stroke, as&nbsp;if&nbsp;made with a&nbsp;palette knife rather than with a&nbsp;brush.</p> <p style="text-align: justify;">The Beyond Dreams exhibition contains artworks by&nbsp;Edward Bekkerman, created during the last decades, starting with the grotesque the Faces and Heads (1992-1999) and Guardian Angels series (1993-2012), abstract canvases from series the Spirits and the Dreams (2007-2015) and the last paintings from the Victory series (2015). Due to&nbsp;the author&rsquo;s inclination to&nbsp;generalization and abstraction, his artworks invariably depict metaphorical images of&nbsp;the world. The Guardian Angels resemble earth warriors rather than immaterial gods. The Faces and Heads are transformed into the series of&nbsp;the master&rsquo;s self-portraits. Images from the Dreams and the Spirits series seem to&nbsp;be&nbsp;products of&nbsp;the artist&rsquo;s subconscious. The artist masterfully conveys vague symbols, taken from the imagination, emphasizing them with his expressive style. While working over the Dreams series, Bekkerman gradually abandoned the bright, saturated palette, inherent in&nbsp;his earlier works and turned to&nbsp;the original figurative and abstract manner, where fascinating patterns formed the space of&nbsp;the composition.</p> <p style="text-align: justify;">His creative searches resulted in&nbsp;the artworks of&nbsp;the Victory series. The artist transformed real shabby shooting targets into artifacts by&nbsp;means of&nbsp;their natural inclusion in&nbsp;the painting, where they became the core of&nbsp;the artwork. However, abstract images, supplementing ready objects, were full of&nbsp;symbolic and visual meanings that led the viewer into the depth of&nbsp;the complex interlacing of&nbsp;mythological associations.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>About the artist:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Edward Bekkerman (b.&nbsp;1958) graduated from the Art Students League of&nbsp;New York.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Московский музей современного искусства совместно с&nbsp;галереей ABA представляет персональную выставку американского художника российского происхождения Эдварда Беккермана &laquo;За&nbsp;пределами снов&raquo;, объединившую на&nbsp;третьем этаже Петровки 25&nbsp;работы автора за&nbsp;последние 30&nbsp;лет.</p> <p style="text-align: justify;">Эдвард Беккерман, сын известного скульптора Игоря Беккермана, родился в&nbsp;1958 году в&nbsp;России, но&nbsp;уже в&nbsp;середине 1970-х годов с&nbsp;семьей эмигрировал в&nbsp;США. Таким образом, его личный художественный опыт с&nbsp;самого начала формировался в&nbsp;контексте двух социокультурных миров, на&nbsp;тот момент крайне мало соприкасавшихся. Решив еще в&nbsp;подростковом возрасте стать танцовщиком, Беккерман поступил в&nbsp;школу Большого театра (Москва), а&nbsp;после переезда продолжил обучение в&nbsp;Джуллиарде (Нью-Йорк). Сделать блестящую карьеру в&nbsp;балете помешала травма, которая заставила его оставить танцы и&nbsp;заняться рисованием. Четыре года проведенных в&nbsp;Студенческой Художественной Лиге помогли приобрести достаточный опыт для создания собственного творческого стиля. Тонкое понимание хореографии и&nbsp;скульптуры просматриваются в&nbsp;работах художника. Его композиции музыкальны&nbsp;&mdash; и&nbsp;в&nbsp;то&nbsp;же время полны пластической энергии, отчасти из-за использования густого, почти небрежного мазка, нанесенного будто&nbsp;бы мастихином, а&nbsp;не&nbsp;кистью.</p> <p style="text-align: justify;">На&nbsp;выставке &laquo;За&nbsp;пределами снов&raquo; представлены работы Эдварда Беккермана, созданные за&nbsp;последние несколько десятилетий, начиная с&nbsp;гротескных серий &laquo;Лица и&nbsp;Головы&raquo; (1992-1999) и&nbsp;&laquo;Ангелы-хранители&raquo; (1993-2012), гипнотизирующих абстрактных полотен из&nbsp;серий &laquo;Духи и&nbsp;Cны&raquo; (2007-2015) и&nbsp;до&nbsp;самых последних картин из&nbsp;цикла &laquo;Победа&raquo; (2015). Из-за явного тяготение автора к&nbsp;обобщению и&nbsp;абстракции, его<br /> произведения неизменно изображают метафорические образы окружающего мира: &laquo;Ангелы-хранители&raquo; больше напоминают земных воинов, чем бестелесных небожителей; &laquo;Лица и&nbsp;Головы&raquo; сами собой превращаются в&nbsp;серию автопортретов мастера; образы из&nbsp;серий &laquo;Сны и&nbsp;Духи&raquo; будто<br /> бы&nbsp;становятся порождением подсознания художника. Автор мастерски передает выхваченные из&nbsp;воображения расплывчатые символы, подчеркивая их&nbsp;экспрессивной манерой исполнения. Работая над серией &laquo;Сны&raquo;, Беккерман постепенно отказался от&nbsp;яркой, насыщенной палитры, присущей более ранним произведениям, и&nbsp;обратился к&nbsp;оригинальной образно-абстрактной манере, где завораживающие узоры формируют пространство композиции.</p> <p style="text-align: justify;">Итогом творческих поисков мастера стали произведения из&nbsp;серии &laquo;Победы&raquo;. Художник превращает реальные, потрёпанные в&nbsp;тире мишени, в&nbsp;артефакт путем естественного включения их&nbsp;в&nbsp;картину, где они становятся центром работы автора. Вместе с&nbsp;тем, абстрактные изображения, которыми художник &laquo;дополнил&raquo; готовые объекты, насыщены символическими и&nbsp;визуальными смыслами, уводящими зрителя в&nbsp;глубину сложных переплетений мифологических ассоциаций.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>О&nbsp;художнике:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Эдвард Беккерман (р.&nbsp;1958) получил художественное образование в&nbsp;Студенческой Художественной Лиге (Art Students League), в&nbsp;Нью-Йорке.</p> Sun, 29 Nov 2015 16:03:09 +0000 German Titov - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - October 29th - November 29th <p style="text-align: justify;">Moscow Museum of&nbsp;Modern Art presents an&nbsp;exhibition by&nbsp;German Titov. It&nbsp;will occupy the Ballroom of&nbsp;the main venue at&nbsp;25&nbsp;Petrovka Street. Travelling over the abandoned places in&nbsp;the Russian province and northern Estonia, studying a&nbsp;furniture catalogue, reading classics and watching a&nbsp;mysterious substance are materials to&nbsp;restore the author&rsquo;s image, to&nbsp;complete a&nbsp;secret puzzle. The meaning of&nbsp;German Titov&rsquo;s project is&nbsp;meditation on&nbsp;the nature of&nbsp;the reality and its subjective picture.</p> <p style="text-align: justify;">The installation is&nbsp;based on&nbsp;three stories. The first story is&nbsp;the ending of&nbsp;the Astronaut&rsquo;s Wife, a&nbsp;1999 American film. A&nbsp;wife tried to&nbsp;kill her husband, a&nbsp;NASA astronaut, who had changed in&nbsp;a&nbsp;sinister way after returning from his space-walking mission. But her plan failed. And when her husband was dying, the transparent substance, which possessed him, entered the wife&rsquo;s body. The second story is&nbsp;related to&nbsp;the Soviet illustrated furniture catalogue of&nbsp;the 1970s. Each double page contains a&nbsp;color picture and a&nbsp;furniture set diagram, which doesn&rsquo;t correspond to&nbsp;the picture. And finally, the third story is&nbsp;associated with the author and his wife. During their air travel, they both were busy reading. The books were Selling Water by&nbsp;the River by&nbsp;Jiyu Kennett, a&nbsp;Zen master, and The Magic Mountain by&nbsp;Thomas Mann. German Titov wanted to&nbsp;mark a&nbsp;line in&nbsp;the book, which wrote that the vision of&nbsp;a&nbsp;normal person was as&nbsp;different from the true vision as&nbsp;the vision with cataracts was different from the normal vision. As&nbsp;he&nbsp;had nothing to&nbsp;mark with, he&nbsp;asked a&nbsp;flight attendant and she brought him a&nbsp;clutch pencil. The artist noticed that his wife changed her countenance. It&nbsp;turned out that when the flight attendant fulfilled his desire, his wife was reading that Hans Castorp, the character of&nbsp;the novel, got a&nbsp;clutch pencil from his friend.</p> <p style="text-align: justify;">All these stories have related elements, which can lead to&nbsp;understanding the general picture, or&nbsp;can lead to&nbsp;a&nbsp;dead end. Thus, the work of&nbsp;the artist is&nbsp;like the practice of&nbsp;a&nbsp;detective, who draws up&nbsp;versions of&nbsp;the crime by&nbsp;linking various clues. The difference is&nbsp;that German Titov does not seek to&nbsp;create a&nbsp;single credible version, a&nbsp;single picture and even to&nbsp;solve riddles. On&nbsp;the contrary, he&nbsp;does not develop the obvious universum, but the invisible multiverse, where freedom of&nbsp;interpretations is&nbsp;not limited. The uncertainty of&nbsp;the ultimate meaning is&nbsp;an&nbsp;intrigue, an&nbsp;aesthetic passion of&nbsp;the artwork.</p> <p style="text-align: justify;">German Titov&rsquo;s installation occupies a&nbsp;square shaped room of&nbsp;the museum. The elements, located on&nbsp;the opposite walls, form clear couples, and their set is&nbsp;securely united by&nbsp;a&nbsp;central object, a&nbsp;white cube, which follows the shape of&nbsp;the room. This cube with an&nbsp;amusement device inside, located at&nbsp;the intersection of&nbsp;the expositional axes, operates as&nbsp;a&nbsp;generator of&nbsp;uncertainty of&nbsp;the personal vision-knowledge. It&nbsp;is&nbsp;a&nbsp;semantic key to&nbsp;German Titov&rsquo;s project.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Московский музей современного искусства представляет выставку-инсталляцию Германа Титова, экспонирующуюся в 10-м зале главного здания Музея на улице Петровка, 25. Путешествия по заброшенным местам российской провинции и северной Эстонии, изучение мебельного каталога, чтение классики и наблюдение за таинственной субстанцией &mdash; все это материал для восстановления авторского образа, сборки странного паззла. Медитация о природе реальности и ее субъективной картине &mdash; так можно определить смысл проекта Германа Титова.</p> <p style="text-align: justify;"><br />В основе инсталляции Германа Титова три сюжета. Первый &ndash; концовка американского фильма 1999 года &laquo;Жена астронавта&raquo;, где доведенная до ручки жена избавляется от мужа, который после возвращения из околоземного пространства переменился самым зловещим образом. Однако ее план избавления терпит крах: в момент смерти мужа прозрачная сущность, внедрившаяся в него во время космического полета, входит через зрачки в тело жены. Второй сюжет связан с иллюстрированным каталогом советской мебели. Каждый из его разворотов содержит цветную картинку и схематическое изображение гарнитура, не совпадающее с картинкой. То, что выглядит очевидной ошибкой, на деле объясняется неочевидной логикой соединения схемы и картинки: первая располагается на обороте с последней, а не рядом с ней. И, наконец, третья история связана непосредственно с автором инсталляции и его женой. Во время одного из авиаперелетов оба они погружены в чтение &ndash; соответственно &ndash; книги дзэнской монахини Дзию Кеннетт &laquo;Водой торгуя у реки&raquo; и &laquo;Волшебной горы&raquo; Томаса Манна. В какой-то момент автор хочет отметить в книге место, содержащее сентенцию о том, что зрение обычного человека настолько же отличается от истинного зрения, насколько зрение больного катарактой &ndash; от нормального. Отметить нечем, и он обращается к стюардессе, а та приносит ему цанговый карандаш. Подчеркнув фразу, автор поворачивается к жене, и замечает, как та переменилось в лице. Оказывается, что в момент, когда стюардесса исполнила желание автора, его жена как раз читала о том, как Ганс Касторп просит и получает от Пшибыслава Хиппе цанговый карандаш.</p> <p style="text-align: justify;"><br />При всей разнородности этих сюжетов трудно отделаться от чувства, что они как-то друг с другом связаны. Правда, непонятно как, ясно лишь, что не общей темой и не каузально. Можно лишь сказать, что в них опознаются родственные элементы, соотнесение которых между собой намечает определенную сумму смысловых перспектив, каждая из которых может вывести к прояснению общей картины. А может и увести в тупик. В этом смысле создание инсталляции уподобляется практике детектива, выстаивающего версии преступления через интуитивное связывание между собой имеющейся суммы улик. Версии рождаются в ментальном пространстве, улики же присутствуют в физическом. При этом вторые предшествуют первым, выступают причиной их возникновения. Роднит работу инсталлятора и детектива разнопространственность улик и версий, в то время, как порядок их каузальности - противополагает. Отталкиваясь от изначального набора улик, инсталлятор, в отличие от детектива, инспирирует симпатичный ему, произвольный спектр версий, после чего подкрепляет его необходимыми физическими артефактами. Иными словами, подбрасывает нужные улики по ходу дела. Тут нет никакого криминала: Герман Титов не стремится к созданию единственной правдоподобной версии, единой картины и даже к разгадыванию загадок &laquo;натурного&raquo; материала. И конструирует он не очевидный универсум, а по большей части невидимый мультиверсум, в котором свобода интерпретаций вообще не лимитирована - в этом-то как раз интрига, весь эстетическая драйв.</p> <p style="text-align: justify;">Техника &laquo;подбрасывания улик&raquo;, она же практика шизоаналитического порождения смыслов, непосредственно восходит к опыту московского концептуализма в версии Андрея Монастырского. Как и Монастырский, Титов имеет косвенное отношение к визуальному искусству. Он балансирует на последней грани визуального, отчего траектория его движения может быть описана равно и как топографическое перемещение, и как психический трип. Улики видимого здесь - физические явления или события &ndash; лишь триггеры символизации, переводящие формы в мыслеформы. И вопрос состоит именно в том, чтобы эти триггеры правильно настроить. Инсталлирование, собственно, и есть такая настройка: перевод мыслеформ в пространственное измерение, установка потенциальных связей между формами через определенное их расположение (инсталляцию). Балансирование автора инсталляции на границе между видимым и мыслимым подразумевает некую симметричность их полей в отношении к тому, что мы выше назвали его траекторией, каковая, в свою очередь, выступает центральной осью их симметрии. И в этом смысле то обстоятельство, что Музей современного искусства отвел под работу Германа Титова квадратное в плане пространство, кажется настоящей удачей.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Расположенные на противоположных стенах элементы образуют ясные пары, а все их совокупность надежно запечатывается центральным объектом &ndash; белым кубом, своей формой повторяющим форму зала. Так фронтальная стена с тремя нишами отведена под видео. Левое - с вышеописанной финальной сценой из &laquo;Жены астронавта&raquo;. Оно вводит тему зловещей эктоплазмы, перебрасывающейся из мужского в женское тело, тем самым намечая два потенциальных контекста &ndash; эротический и эзотерический. Правое &ndash; с женой автора с тремя черными шариками в небе, застывшую среди цветущего поля &ndash; номинально эти контексты поддерживает: белая эфирная сущность в левом видео отвечает черным воздушным формам в правом, а жена астронавта оборачивается женой автора инсталляции. В свою очередь центральное видео со снятым сверху видом пенного водопада, чередующимся с крупным планом зарослей зелени - то есть с мотивами из обоих соседних видео-частей &ndash; выглядит своего рода семантическим переключателем между ними. И все вместе они образуют уравновешенный триптих, выступающий оппозицией по отношению к входной стене, - и пространственно (трем видео, углубленным в ниши фронтальной стены, соответствуют три ниши во входной) и смыслово (вход внутрь, в зал &ndash; выход вовне, в видеопейзажи). Боковые стены препарированы аналогичным образом. Справа - блок ночных фотоснимков с так называемыми &laquo;орбами&raquo; (то ли энергетическими сущностями, то ли дефектами съемки); слева изображения из вышеупомянутого каталога советской мебели. Эта экспозиционная линия, подхватывая эзотерический сюжет видеотриптиха, сообщает ему двусмысленность, возможность свести всё к оптическим или логическим погрешностям. И, наконец, центральный белый куб с аттракционом внутри, расположенный на пересечении экспозиционных осей, в принципе функционирует как генератор неопределенности персонального зрения-знания. Скорее всего, он-то и служит ключом к инсталляции Германа Титова.</p> Sun, 29 Nov 2015 16:00:54 +0000 Mikala Dwyer - MCA - Museum of Contemporary Art, Sydney - December 10th - February 21st, 2016 <div id="moz-reader-content" style="display: block;"> <div id="readability-page-1" class="page"> <div class="col-md-6"> <p style="text-align: justify;">Sydney artist Mikala Dwyer has had a long association with the MCA. Her work was included in the inaugural Primavera show in 1992, the museum presented a major solo exhibition in 2000, and last year she returned to guest curate <em>Primavera 2014: Young Australian artists.</em></p> <p style="text-align: justify;">For more than three decades, in her own work, Dwyer has explored the mysterious and alchemical nature of objects. Her sculptures and installations reveal an experimental approach to materials that is influenced by art povera, dada and constructivism. She is interested in the occult and in the ability of objects to express ideas of uncertainty and instability.</p> </div> <div class="col-md-6"> <p style="text-align: justify;">Recently acquired for the MCA Collection, Dwyer&rsquo;s empty and drooping <em>Square Cloud Compound</em> (2010), is made of large swathes of coloured fabric sewed into cubes that create a type of floating soft architectural form. The patch-worked construction is held down by tersely pulled stockings attached to the floor and to painted poles with lights and trinkets that function like totem poles. <em>Square Cloud Compound</em> is presented alongside a new wall painting produced especially for the museum and the MCA Collection.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Mikala Dwyer: MCA Collection</em> is curated by Senior Curator Natasha Bullock.</p> </div> </div> </div> Sun, 29 Nov 2015 15:55:09 +0000 Timothy Cook, Raelene Kerinauia, Maria Josette Orsto, Eddie Puruntatameri, Nina Puruntatameri, Cornelia Tipuamantumeri, Giovanni Tipungwuti, Bede Tungutalum, Pedro Wonaeamirri - MCA - Museum of Contemporary Art, Sydney - December 10th - February 21st, 2016 <div class="row content_block"> <div class="col-md-12 copy-block"> <p style="text-align: justify;">This exhibition presents the dynamic work of nine contemporary artists from the Tiwi Islands. Part of the Northern Territory, the Tiwi Islands are located approximately 100 km north of Darwin at the junction of the Arafura and Timor seas. <em>Being Tiwi</em> includes prints, paintings and installation, showcasing work by artists from across generations and from all three major art centres. Their experimental work continues to realise in different forms the Tiwi traditions of life and culture.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Being Tiwi</em> includes the first prints produced at Tiwi Design, several new acquisitions and a newly commissioned work by each artist. Artists include Timothy Cook, Raelene Kerinauia, Maria Josette Orsto, Eddie Puruntatameri, Nina Puruntatameri, Cornelia Tipuamantumeri, Giovanni Tipungwuti, Bede Tungutalum and Pedro Wonaeamirri.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Being Tiwi</em> is curated by Senior Curator, Natasha Bullock and Curator Aboriginal &amp; Torres Strait Islander Programs, Keith Munro.</p> </div> </div> Sun, 29 Nov 2015 15:53:30 +0000