ArtSlant - Recently added en-us 40 Angelita Surmon - Waterstone Gallery - December 20th 11:00 AM - 12:00 PM <p style="text-align: justify;">Thoughts on the Reed Canyon Suite</p> <p style="text-align: justify;">I like to dance on the line between representation and abstraction, and the natural world is my best teacher. Walking the Canyon, observing seasonal changes expands my relationship with this place, as well as my vocabulary of color, line, light and form.</p> <p style="text-align: justify;">I enjoy close scrutiny of nature&rsquo;s random calligraphy in tangled nests of branches and thickets; the inner workings and structure of the landscape. Instead of finding calm by the ocean or in the desert, I feel most at home when encircled by tangled undergrowth, and the flickering light of tall trees. It provides the opportunity to meditate on branches and grasses making beautiful calligraphy, and I discover unexpected relationships of color and light.</p> <h5>Preview Reception: December 2nd, 6-8 pm&nbsp;<br />First Thursday Reception, December 3rd, 6-8pm<br />Artist's Talk, December 20th, 11am</h5> Sun, 29 Nov 2015 16:31:48 +0000 Angelita Surmon - Waterstone Gallery - December 1st - January 3rd, 2016 <p style="text-align: justify;">Thoughts on the Reed Canyon Suite</p> <p style="text-align: justify;">I like to dance on the line between representation and abstraction, and the natural world is my best teacher. Walking the Canyon, observing seasonal changes expands my relationship with this place, as well as my vocabulary of color, line, light and form.</p> <p style="text-align: justify;">I enjoy close scrutiny of nature&rsquo;s random calligraphy in tangled nests of branches and thickets; the inner workings and structure of the landscape. Instead of finding calm by the ocean or in the desert, I feel most at home when encircled by tangled undergrowth, and the flickering light of tall trees. It provides the opportunity to meditate on branches and grasses making beautiful calligraphy, and I discover unexpected relationships of color and light.</p> <h5>Preview Reception: December 2nd, 6-8 pm&nbsp;<br />First Thursday Reception, December 3rd, 6-8pm<br />Artist's Talk, December 20th, 11am</h5> Sun, 29 Nov 2015 16:30:11 +0000 Majd Abdel Hamid, Maysoon Al Ali, Mona Al-Beiti, Balqis Al Rashid, Matt Copson, Sholto Dobie, Matthew Peers - Sharjah Art Foundation - October 31st - January 16th, 2016 <p style="text-align: justify;">Join us for the opening of the March Project 2015 exhibition featuring site-specific works developed by seven young artists during this educational residency programme. In its second edition, the exhibition will include performances, video works and installations on view at SAF Art Spaces, Calligraphy Square and the Arts Area. &nbsp;Participants in this programme include&nbsp;Majd Abdel Hamid, Maysoon Al Ali, Mona Al-Beiti,&nbsp;Balqis Al Rashid, Matt Copson, Sholto Dobie and Matthew Peers, who were selected from various countries including Palestine, Saudi Arabia, United Arab Emirates and the United Kingdom.</p> <p style="text-align: justify;">March Project is an educational residency programme for young artists, providing them with opportunities to research, realise and present site-specific works through a series of professional seminars, site visits, talks and mentorship by art practitioners. Mentors for March Project 2015 were Tarek Al-Ghossein, Lara Khalidi, Derek Ogbourne and Alaa Younis.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition will open at 6:00 pm on October 31, the opening tour will start at SAF Art Spaces and end there with <em>Mina</em>, a performance by Sholto Dobie in collaboration with musician Joel Wycherly at 7:45 pm.</p> <hr /> <p style="text-align: right;">شاركونا في افتتاح "مشروع مارس" 2015، والذي يعرض أعمالاً لمواقع محددة تم تطويرها من قبل سبعة فنانين شباب خلال برنامج الإقامة التعليمي. سيتضمن المعرض في دورته الثانية عروض أداء، وأعمال الفيديو، وأعمال تركيبية، تعرض في المباني الفنية لمؤسسة الشارقة للفنون، وساحة الخط العربي، ومنطقة الفنون. يشارك في هذا البرنامج مجد عبد الحميد، ميسون آل علي، منى البيتي، بلقيس الراشد، مات كوبسون، شولتو دوبي، وماثيو بيرز، والذين تم اختيارهم من مختلف الدول بما فيها فلسطين، المملكة العربية السعودية، الإمارات العربية المتحدة، والمملكة المتحدة.</p> <p style="text-align: right;">ويعد مشروع مارس بمثابة برنامج إقامة تعليمي للفنانين الشباب، والذي يوفر لهم فرصاً للبحث، ولإنتاج أعمالٍ خاصة بموقع محدد من خلال سلسلة من الندوات المهنية والزيارات الميدانية، والحوارات والإرشاد من قبل ممارسي الفن. أشرف على معرض مارس 2015 كلاً من طارق الغصين، لارا خالدي، ديريك أوغبورن وآلاء يونس.</p> <p style="text-align: right;">سيتم افتتاح المعرض يوم السبت 31 أكتوبر، الساعة 6:00 مساءً. وسيتم بدء مراسم الافتتاح في المباني الفنية لمؤسسة الشارقة للفنون والتي ستنتهي بعرض أداء يقدمه الفنان شولتو دوبي بالتعاون مع الموسيقي جويل وايشيرلي، وسيقام عرض الأداء "مينا" في الساعة 7:45 مساءً.</p> <div class="col-right">&nbsp;</div> Sun, 29 Nov 2015 16:24:20 +0000 - Natasha Akhmerova’s Barbarian Art Gallery - December 1st - January 15th, 2016 Sun, 29 Nov 2015 16:13:44 +0000 - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - December 16th - March 13th, 2016 <p style="text-align: justify;">The Polytechnic Museum, Moscow Museum of&nbsp;Modern Art and the State Literature Museum present 200 Keystrokes per Minute&nbsp;&mdash; an&nbsp;exhibition entirely devoted to&nbsp;the typewriter as&nbsp;an&nbsp;object and the main 20th-century tool for creating a&nbsp;literary text.</p> <p style="text-align: justify;">200 Keystrokes per Minute is&nbsp;a&nbsp;multimedia project based on&nbsp;a&nbsp;research that looked into the role of&nbsp;the typewriter in&nbsp;Russian literature and in&nbsp;the Russian history of&nbsp;the 20th century in&nbsp;general. Anna Narinskaya&rsquo;s project brings the results of&nbsp;this research together with contemporary art, offering the viewer an&nbsp;opportunity to&nbsp;see the typewriter as&nbsp;it&nbsp;was seen by&nbsp;its contemporaries and such as&nbsp;it&nbsp;appears to&nbsp;contemporary artists. Archival materials are reinserted into our time, allowing the typewriter to&nbsp;interact with the viewer as&nbsp;much as&nbsp;the viewer interacts with the typewriter.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition features typewriters from the collection of&nbsp;Polytechnic museum, typewritten manuscripts from the State Literature Museum, and artworks from the collection of&nbsp;Moscow Museum of&nbsp;Modern Art. Visitors will be&nbsp;able to&nbsp;see works from over 20&nbsp;museums and private collections, including typewriters that once belonged to&nbsp;Lev Tolstoy, Boris Pasternak, Aleksandr Solzhenitsyn and other famous Russian writers. These will be&nbsp;complemented by&nbsp;video and audio installations made specifically for the show by&nbsp;Boris Khlebnikov, Haim Sokol, Alexei Aigi among others.</p> <p style="text-align: justify;">Next to&nbsp;them are the exhibits provided by&nbsp;Memorial International Society&nbsp;&mdash; the evidence of&nbsp;the Soviet State&rsquo;s systematic persecution of&nbsp;independent artists. These samizdat artefacts include a&nbsp;typewritten manuscript of&nbsp;One Day in&nbsp;the Life of&nbsp;Ivan Denisovich, a&nbsp;page of&nbsp;poetry from Sintaksis [Syntax] magazine with a&nbsp;note saying it&nbsp;was obtained during a&nbsp;house-check, Anna Akhmatova&rsquo;s Requiem typed by&nbsp;Natalya Gorbanevskaya, and typewriters that once belonged to&nbsp;Nadezhda Mandelstam and Feliks Svetov who was arrested in&nbsp;the early years of&nbsp;perestroika.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition consists of&nbsp;several parts, each offering a&nbsp;particular perspective on&nbsp;the typewriter: an&nbsp;object of&nbsp;design, a&nbsp;tool for writers, a&nbsp;literary character, an&nbsp;art object or&nbsp;an&nbsp;object that contemporary artists study in&nbsp;their work. Typewritten manuscripts are discussed as&nbsp;a&nbsp;simple medium, a&nbsp;cult phenomenon, an&nbsp;object of&nbsp;persecution or&nbsp;artworks. Thus presented to&nbsp;the viewer will be&nbsp;all the main aspects of&nbsp;story of&nbsp;the typewriter in&nbsp;the 20th century Russia&nbsp;&mdash; interconnected with the stories of&nbsp;writers, political history and the history of&nbsp;contemporary art.</p> <p style="text-align: justify;">MMOMA&rsquo;s special project One Within the Other, which will accompany this show, continues the story started in&nbsp;200 Keystrokes per Minute with a&nbsp;meditation on&nbsp;technology in&nbsp;art and takes the viewer back into the modern world wired by&nbsp;digital media. The shows will be&nbsp;accompanied by&nbsp;a&nbsp;common extensive education program, which will include lectures and round tables, and a&nbsp;catalogue.</p> <p style="text-align: justify;">The organizers would like to&nbsp;thank Memorial International Society, The State Tretyakov Gallery, Russian State Library, Aleksandr Solzhenitsyn House of&nbsp;Russia in&nbsp;Emigration, The State Memorial and Natural Preserve &laquo;Museum-estate of&nbsp;Leo Tolstoy &laquo;Yasnaya Polyana&raquo;, The State L.&nbsp;N. Tolstoy Museum, Saint Petersburg State Literature Museum &laquo;XX&nbsp;Century&raquo;, Mikhail Bulgakov Museum, Sakharov Center, Mayakovsky State Museum, The Gorky Institute of&nbsp;World Literature, Holocaust Memorial Synagogue in&nbsp;Moscow, The Museum of&nbsp;Anna Akhmatova at&nbsp;The Fountain House, Literature Museum of&nbsp;the Institute of&nbsp;Russian Literature, Russian Academy of&nbsp;Sciences, Nabokov Museum of&nbsp;Saint Petersburg State University, Fedin State Museumin Saratov, Leonid Andreyev Museum in&nbsp;Orel, The State M.&nbsp;A. Sholokhov Museum-Reserve, Moscow Literature Center&nbsp;&mdash; Paustovsky Museum and XL&nbsp;Gallery.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition 200 Keystrokes per Minute continues a&nbsp;series of&nbsp;special projects by&nbsp;MMOMA and Samsung. Visitors will be&nbsp;able to&nbsp;create a&nbsp;unique emotional map, based on&nbsp;their impressions about the exhibition through the application The Art of&nbsp;Feeling.</p> <p style="text-align: justify;">Exhibition Partner<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <p style="text-align: justify;">Official partner<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /><strong>Author and curator:</strong> Anna Narinskaya<br /> <strong>Exhibition Design:</strong> Kirill Ass, Nadya Korbut<br /> <strong>Graphic design:</strong> Igor Gurovich</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Московский музей современного искусства представляет произведения из&nbsp;коллекции Центра искусств (CA2M) и&nbsp;Фонда ARCO, Мадрид. Более тридцати участников в&nbsp;главном здании Музея на&nbsp;Петровке 25&nbsp;с помощью световых инсталляций, масштабных объектов, современной живописи, графики, фотографии и&nbsp;видео покажут разнообразие художественной сцены своего региона, образуя, тем самым, единый проект под названием "Другая часть нового мира".</p> <p style="text-align: justify;">Интерес Испании к&nbsp;искусству Латинской Америки не&nbsp;случаен: на&nbsp;протяжении многих веков Испания была колониальным центром для стран Иберо-американского мира, с&nbsp;которыми бывшая метрополия разделяет общий язык и&nbsp;культурную близость, а&nbsp;сегодня видит себя мостом между Европой и&nbsp;Латинской Америкой. В&nbsp;эпоху глобализации отношения между европейским мегаполисом, переживающим экономические трудности и&nbsp;отстаивающим свое положение культурной столицы, и&nbsp;регионом Латинской Америки в&nbsp;период экономического подъема и&nbsp;культурного оживления имеют больше нюансов, чем в&nbsp;старые времена. Экономические и&nbsp;геополитические интересы, новые амбиции и&nbsp;поиск самоутверждения, характерные для этих стран, предполагают многоуровневые связи и&nbsp;взаимозависимость, которые в&nbsp;то&nbsp;же время отражают реальность и&nbsp;глобальные изменения, происходящие в&nbsp;сегодняшнем мире независимо от&nbsp;региона. Идея выставки &laquo;Другая часть нового мира&raquo;&nbsp;&mdash; показать противоречия и&nbsp;разрывы, сопровождающие переход к&nbsp;современности, пережившей потерю социалистической утопии и&nbsp;разочарование в&nbsp;возможности &laquo;идеального капитализма&raquo;, увиденные глазами современных художников из&nbsp;Испании, Латинской Америки и&nbsp;отчасти Западной Европыи США. В&nbsp;фокусе представленных на&nbsp;выставке работ&nbsp;&mdash; социальная реальность стран испано-язычного мира и&nbsp;ее&nbsp;эмоциональное преломление, способное многое сказать и&nbsp;о&nbsp;современном мире в&nbsp;целом.</p> <p style="text-align: justify;">Коллекция фонда ярмарки современного искусства АРКО была основана в&nbsp;1987&nbsp;году, через пять лет после создания ярмарки в&nbsp;Мадриде. Появившаяся на&nbsp;волне демократических преобразований после долгих лет диктатуры Франко, она стремилась продемонстрировать открытость Испании миру, утвердить страну на&nbsp;международной карте современного искусства и&nbsp;показать пример создания коллекций частным лицам и&nbsp;местным институциям. Сегодня произведения из&nbsp;Фонда АРКО хранятся в&nbsp;Центре искусств СА2М региона Мадрид, который находится в&nbsp;пригороде испанской столицы Мостолес и&nbsp;имеет собственную коллекцию, насчитывающую более 1500 произведений художников из&nbsp;разных стран. С&nbsp;момента своего открытия в&nbsp;2008&nbsp;году, Центр искусств CA2M организовал ряд выставок и&nbsp;государственных программ, уделяя особое внимание критическому взгляду на&nbsp;политические и&nbsp;экономические отношения в&nbsp;постколониальном мире, отношения визуальных искусств и&nbsp;массовой культуры и&nbsp;важность появления перформанса и&nbsp;перформативности в&nbsp;искусстве с&nbsp;1990х гг.</p> <p style="text-align: justify;">Проект в&nbsp;ММОМА будет сопровождать каталог, программа дискуссий и&nbsp;&laquo;круглых столов&raquo;, построенная вокруг двух ключевых тем:<br /> &mdash;&nbsp;переплетение частных и&nbsp;государственных интересов в&nbsp;создании коллекции современного искусства на&nbsp;примере коллекции АРКО;<br /> &mdash;&nbsp;современное искусство Латинской Америки, его своеобразие и&nbsp;место на&nbsp;карте современного искусства в&nbsp;Испании и&nbsp;мире</p> <p style="text-align: justify;">Выставка продолжает серию совместных проектов ММОМА и компании Samsung, которая началась в декабре 2014 года. В июне 2015 года было представлено специальное мобильное приложение &laquo;Art of Feeling&raquo; (&laquo;Искусство чувствовать&raquo;) &mdash; новый способ постичь искусство с помощью современных технологий. Приложение анализирует эмоции, которые точнее всего описывают впечатления от увиденных произведений искусства. Посетители смогут создать свою эмоциональную карту, оценив каждую работу, представленную в экспозиции. Это позволит открыть новые грани произведений художников из стран Латинской Америки, Западной Европы и США. К интерактивному проекту был подключен Протей Темен, ставший первым художником для приложения в России и за рубежом. Таким образом, посетители выставки примут участие в исследовании феномена синестезии, возникающего в музейном пространстве.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Участники проекта:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Игнаси Абалли, Эдуардо Абароа, Халил Алтиндере, Пилар Альбаррасин, Франсис Алюс, Александер Апостоль, Ибон Аранберри, Хуан Араухо, Артур Баррио, Иньяки Бонильяс, Фернандо Брайс, Адриана Бустос, Карлос Гарайкоа, Мариана Кастильо Дебалль, Эухенио Диттборн, Гектор Замора, Лос Карпинтерос, Йоахим Кестер, Гильермо Куитка, Габриэль Кури, Тонико Лемос Ауад, Рохелио Лопес Куэнка, Кристина Лукас, Тереза Марголис, Ана Мендьета, Эрноут Мик, Антони Мунтадас, Оскар Муньос, Риване Нойншвандер, Эдриан Пайпер, Эль Перро, Вильфредо Прието, Ракс Медиа Коллектив, Фернандо Санчес Кастильо, Аллан Секула, Мелани Смит, Сантьяго Сьерра, Тунга, Томас Хиршхорн.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>О&nbsp;кураторах</strong></p> <p style="text-align: justify;"><em>Ферран Баренблит</em> (р. в&nbsp;1968&nbsp;в Буэнос-Айресе)&nbsp;&mdash; директор CA2M Centro de Arte Dos de&nbsp;Mayo, коллекция которая состоит из&nbsp;собственных пополнений, а&nbsp;также коллекции Фонда Арко. Центр CA2M инициирует интенсивную программу проектов по&nbsp;современному искусству, в&nbsp;том числе выставок, научно-исследовательских инициатив, академических проектов, публикаций, а также включает в&nbsp;себя широкий спектр других видов деятельности. С&nbsp;момента основания в&nbsp;2008 году в&nbsp;CA2M прошли персональные выставки Джереми Деллера, Raqs Media Collective, Карлоса Гарайкоа, Терезы Марголлес, Вильфредо Прието и&nbsp;Грегора Шнайдера. Кроме того, групповые выставки, &laquo;Sonic Youth etc.: Sensational Fix&raquo;; Pop Politics; PUNK; Critical Fetishes; and PER&nbsp;/ FORM: How to&nbsp;do&nbsp;things with [out] words. С 2002-2008&nbsp;гг. Ферран Баренблит был директором Музея современного искусства Санта-Моника(Centred&rsquo;Art Sant aM&ograve;nica) в&nbsp;Барселоне. В&nbsp;2008 году входил в&nbsp;кураторскую группу 7-й Биеннале SiteSantaFe. Ферран проводил семинары, обучающие профессии куратора ичитал лекции во&nbsp;многих музеях. С&nbsp;2003 по&nbsp;2010&nbsp;г. был приглашенным профессором впрограмме &laquo;Куратор современного искусства&raquo; в&nbsp;Королевском колледже искусств вЛондоне. Также работал в&nbsp;Фонде Хуана Миро (Барселона) и&nbsp;Новом музее современного искусства (Нью-Йорк).</p> <p style="text-align: justify;"><em>Елена Яичникова</em> (Москва)&nbsp;&mdash; независимый куратор и&nbsp;историк искусства. Ее&nbsp;кураторские проекты включают &laquo;Личные истории&raquo; (Музей современного искусства &laquo;Гараж&raquo;, Москва, 2014), &laquo;Дневник наблюдений&raquo; (галерея ArtRe:flex, Санкт-Петербург, 2013), &laquo;Двойная перспектива: Современное искусство из&nbsp;Японии&raquo; (ММОМА, Москва, 2012), Generation P (фестиваль Russenko, Париж, Франция, 2012), OnceUpon A&nbsp;Present (Галерея SC, Загреб, Хорватия, 2011), Respublica (ММОМА, Москва, 2010), специальный проект 3&nbsp;Московской биеннале &laquo;40&nbsp;жизней одного пространства&raquo; (фабрика &laquo;Красный Октябрь&raquo;, 2009) и&nbsp;проект из&nbsp;шести выставок и&nbsp;дискуссий Colocation/ LivingTogether (галерея LaBox, Бурж, Франция, 2008-2009).</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Официальный партнёр:</strong><br /> <img src="" alt="" /></p> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> Sun, 29 Nov 2015 16:08:40 +0000 Maria Agureeva, Kirill Garshin, Evgeny Granilshchikov, Evgeniya Machneva, Dmitry Morozov, Dmitry Okruzhnov, Rostan Tavasiev, Yan Tamkovich, Maria Sharova - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - December 16th - March 13th, 2016 <p style="text-align: justify;">Moscow Museum of&nbsp;Modern Art presents the exhibition titled &laquo;<em>One Within The Other. Art of&nbsp;New and Old Media in&nbsp;the Age of&nbsp;High-speed Internet</em>&raquo;. Halls of&nbsp;the second floor of&nbsp;the MMOMA venue at&nbsp;Petrovka street will contain eight art projects, made of&nbsp;different materials and media, from painting to&nbsp;electronic means of&nbsp;communication, in&nbsp;2012&ndash;2015. As&nbsp;part of&nbsp;the long-term strategy of&nbsp;stocking of&nbsp;museum&rsquo;s funds, these selected works and artworks, created especially for the exhibition, will be&nbsp;recommended for acquisition into the MMOMA collection.</p> <p style="text-align: justify;">Authors of&nbsp;the works are Maria Agureeva, Kirill Garshin, Evgeny Granilshchikov, Evgeniya Machneva, Dmitry Morozov (::vtol::), Dmitry Okruzhnov and Maria Sharova, Rostan Tavasiev, Yan Tamkovich. They belong to&nbsp;the young generation in&nbsp;the Russian contemporary art. Born in&nbsp;the USSR, they remember the world without cell phones, Wikipedia and social networks. In&nbsp;the mid-2000s, they witnessed widespread dissemination of&nbsp;digital technologies and, first of&nbsp;all, of&nbsp;high-speed internet, the main hybrid communication tool of&nbsp;the present epoch, which significantly changed the traditional forms of&nbsp;behavior and communication, attitude to&nbsp;knowledge and attention, perception of&nbsp;space and time.</p> <p style="text-align: justify;">Perhaps, this unique experience largely determined the artists&rsquo; interest in&nbsp;genealogy, mixing and interpenetration of&nbsp;different media, coloring the author&rsquo;s poetics in&nbsp;a&nbsp;special way. Such recursive attitude to&nbsp;materials and technologies was reminiscent of&nbsp;the celebrated quote from Canadian philosopher Marshall McLuhan (1911&ndash;1980), which wrote that &laquo;the content of&nbsp;any medium is&nbsp;always another medium&raquo;. This aphorism became the starting point for the exhibition in&nbsp;MMOMA.</p> <p style="text-align: justify;">All presented projects, in&nbsp;their own way, demonstrate nesting of&nbsp;visual technologies, when one medium can be&nbsp;noticed within the other, the old one within the new one and vice versa, like endless reflections in&nbsp;the opposite mirrors. Family photos or&nbsp;digital pictures, borrowed from the internet, are reproduced on&nbsp;canvases. Art projects create accounts and communicate on&nbsp;Facebook. Machine parts become patterns on&nbsp;hand-woven tapestries. Interfaces of&nbsp;various electronic devices can be&nbsp;seen in&nbsp;the cell phone video. The project by&nbsp;one artist becomes a&nbsp;material for the other artist&rsquo;s installation. An&nbsp;ancient sacred sculpture can be&nbsp;observed in&nbsp;the form of&nbsp;a&nbsp;robot, while the living flesh can be&nbsp;seen in&nbsp;the polished colored plastic.</p> <p style="text-align: justify;">Each art project will be&nbsp;accompanied with different documents and artifacts, which shed light on&nbsp;the process of&nbsp;its creation, its exhibition history&nbsp;or, on&nbsp;the contrary, are devoted to&nbsp;the subsequent comprehension of&nbsp;the project by&nbsp;the artist himself. It&nbsp;is&nbsp;essential that many laboratory exhibits will be&nbsp;shown for the first time. They will help viewers immerse themselves in&nbsp;the mental creative space of&nbsp;the exhibition partakers, providing the clue to&nbsp;their plan, and will focus on&nbsp;the phenomenon of&nbsp;intermediality, i.e. migration of&nbsp;ideas and images, human anxieties and dreams, from one material carrier to&nbsp;the other.</p> <p style="text-align: justify;">The One Within The Other project, in&nbsp;a&nbsp;certain sense, continues the discussion, given by&nbsp;the 200 Keystrokes per Minute exhibition, which will be&nbsp;devoted to&nbsp;the role of&nbsp;the typewriter in&nbsp;Russian culture of&nbsp;the past century and will be&nbsp;opened simultaneously on&nbsp;the first floor of&nbsp;the museum venue at&nbsp;Petrovka street. Transferring the conversation in&nbsp;the plane of&nbsp;artistic and theoretical reflections on&nbsp;technology in&nbsp;art, the exhibition on&nbsp;the second floor will take the viewer into the modern context of&nbsp;supremacy of&nbsp;digital media.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Official partner<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Политехнический музей, Московский музей современного искусства и&nbsp;Литературный музей представляют выставку &laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo;, посвященную печатной машинке&nbsp;&mdash; как объекту и&nbsp;как главному техническому инструменту создания литературного текста в&nbsp;XX&nbsp;веке. <br /> <br />Мультимедийный проект &laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo; представляет собой культурологическое исследование, задачей которого является попытка определить значение печатной машинки для русской литературы и&nbsp;искусства в&nbsp;частности и&nbsp;для истории России прошлого столетия в&nbsp;целом. В&nbsp;соответствии с&nbsp;концепцией, предложенной автором идеи и&nbsp;куратором Анной Наринской, выставка впервые в&nbsp;России объединяет архивные изыскания и&nbsp;современное искусство, приглашая зрителя рассмотреть культурный феномен пишущей машинки как с&nbsp;точки зрения современников машинописи, так и&nbsp;глазами современных художников. Архивные материалы соотносятся с&nbsp;нашим временем, в&nbsp;результате не&nbsp;только зритель взаимодействует с&nbsp;пишущей машинкой, но&nbsp;и&nbsp;пишущая машинка взаимодействует со&nbsp;зрителем.</p> <p style="text-align: justify;">В&nbsp;состав выставки вошли печатные машинки из&nbsp;коллекции Политехнического музея, подлинная машинопись из&nbsp;Литературного музея и&nbsp;художественные произведения из&nbsp;фондов Московского музея современного искусства. Также зрителю будут представлены экспонаты из&nbsp;более чем 20&nbsp;государственных и&nbsp;частных собраний, среди которых машинки Л.&nbsp;Н.&nbsp;Толстого, Б.&nbsp;Л. Пастернака, А.&nbsp;И.&nbsp;Солженицына и&nbsp;других классиков русской литературы. Помимо этого будут показаны специально созданные для проекта аудио- и&nbsp;видеоинсталляции современных авторов&nbsp;&mdash; Бориса Хлебникова, Хаима Сокола, Алексея Айги и&nbsp;других.</p> <p style="text-align: justify;">Рядом&nbsp;&mdash; экспонаты, предоставленные Международным Мемориалом, материальные свидетельства многолетней борьбы советского государства с&nbsp;независимым творчеством&nbsp;&mdash; классические произведения самиздата. Среди них перепечатанный на&nbsp;машинке &laquo;Один день Ивана Денисовича&raquo;, стихи из&nbsp;журнала &laquo;Синтаксис&raquo; с&nbsp;пометкой &laquo;изъято при обыске&raquo;, записанный Натальей Горбаневской &laquo;Реквием&raquo; Ахматовой, пишущие машинки Надежды Мандельштам и&nbsp;Феликса Светова, арестованного на&nbsp;заре перестройки.</p> <p style="text-align: justify;">Экспозиция разделена на&nbsp;тематические блоки: машинка рассматривается как предмет дизайна, инструмент создания литературных и&nbsp;художественных произведений, литературный персонаж, художественный объект и&nbsp;объект концептуального осмысления в&nbsp;произведениях современного искусства. В&nbsp;свою очередь, машинопись представлена как простой носитель информации, объект культа, преследований и&nbsp;художественное средство. Такой подход позволяет продемонстрировать важнейшие аспекты бытования печатной машинки в&nbsp;России двадцатого века во&nbsp;взаимосвязи с&nbsp;творчеством писателей, политической ситуацией и&nbsp;развитием современного искусства.</p> <p style="text-align: justify;">К&nbsp;выставке приурочен специальный проект MMOMA &laquo;Одно внутри другого&raquo;, который в&nbsp;некотором смысле продолжает тему, открытую в&nbsp;&laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo;, переводя ее&nbsp;в&nbsp;плоскость художественно-теоретических размышлений о&nbsp;технологии в&nbsp;искусстве, и&nbsp;переносит зрителя в&nbsp;современный контекст господства цифровых медиа. В&nbsp;рамках проектов будет организована единая масштабная образовательная программа, лекции, круглые столы и&nbsp;мастер-классы, а&nbsp;также будет издан каталог.</p> <p style="text-align: justify;">Организаторы выставки выражают благодарность за&nbsp;подготовку и&nbsp;осуществление проекта Международному обществу &laquo;Мемориал&raquo;, Государственной Третьяковской галерее, Российской государственной библиотеке, Дому русского зарубежья&nbsp;им. Александра Солженицына, Государственному мемориальному и&nbsp;природному заповеднику &laquo;Музей-усадьба Л.&nbsp;Н. Толстого &laquo;Ясная Поляна&raquo;, Государственному музею Л.&nbsp;Н.&nbsp;Толстого, Санкт-Петербургскому государственному литературному музею &laquo;ХХ&nbsp;век&raquo;, Государственному музею&nbsp;им. М.&nbsp;А.&nbsp;Булгакова, Сахаровскому центру, Государственному музею В.&nbsp;В.&nbsp;Маяковского, Музею А.&nbsp;М. Горького Института мировой литературы&nbsp;им. А.&nbsp;М.&nbsp;Горького РАН, Российскому еврейскому мемориалу на&nbsp;Поклонной горе, Музею Анны Ахматовой в&nbsp;Фонтанном доме в&nbsp;Санкт-Петербурге, Литературному музею Института русской литературы, РАН, Музею В.&nbsp;В. Набокова Санкт-Петербургского государственного университета, Государственному музею К.&nbsp;А.&nbsp;Федина в&nbsp;Саратове, Дому-музею Леонида Андреева в&nbsp;Орле, Государственному музею-заповеднику им. М.&nbsp;А.&nbsp;Шолохова, Московскому литературному музею-центру К.&nbsp;Г. Паустовского, Галерее XL.</p> <p style="text-align: justify;">Выставка &laquo;200 ударов в&nbsp;минуту&raquo; продолжает серию совместных проектов ММОМА и&nbsp;компании Samsung. Посетители Музея смогут создать уникальную эмоциональную карту, основываясь на&nbsp;своих впечатлениях о&nbsp;выставке благодаря приложению The Art of&nbsp;Feeling.</p> <p style="text-align: justify;">Партнер выставки<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <p style="text-align: justify;">Официальный партнер MMOMA<br /><img style="margin-top: 5px;" src="" alt="" /></p> <p>&nbsp;</p> Sun, 29 Nov 2015 16:07:00 +0000 Edward Bekkerman - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - October 28th - November 29th <p style="text-align: justify;">Moscow Museum of&nbsp;Modern Art together with the ABA Gallery presents the <em>Beyond Dreams</em> solo exhibition by&nbsp;Edward Bekkerman, a Russian-born American artist. The exhibition will show artworks of&nbsp;the author for the last 30&nbsp;years in&nbsp;the 3d&nbsp;floor at&nbsp;25&nbsp;Petrovka Street.</p> <p style="text-align: justify;">Edward Bekkerman, a&nbsp;son of&nbsp;celebrated sculptor Igor Bekkerman, was born in&nbsp;1958 in&nbsp;Russia. In&nbsp;the mid 1970s his family emigrated to&nbsp;the USA. Thus, his personal artistic experience was formed in&nbsp;the context of&nbsp;two sociocultural worlds, which had very little contact with each other at&nbsp;that period. Bekkerman decided to&nbsp;become a&nbsp;dancer in&nbsp;his teens. He&nbsp;entered the School of&nbsp;the Bolshoi Theatre (Moscow) and later continued his education in&nbsp;the Juilliard School (New York City). An&nbsp;injury prevented him from having a&nbsp;distinguished career in&nbsp;the ballet. He&nbsp;had to&nbsp;leave the choreography and started painting. He&nbsp;spent 4&nbsp;years in&nbsp;the Art Students League of&nbsp;New York and acquired sufficient experience to&nbsp;create his own creative style. A&nbsp;keen understanding of&nbsp;choreography and sculpture was visible in&nbsp;his artworks. His compositions were musical and full of&nbsp;plastic energy, partly due to&nbsp;the use of&nbsp;the thick, almost careless stroke, as&nbsp;if&nbsp;made with a&nbsp;palette knife rather than with a&nbsp;brush.</p> <p style="text-align: justify;">The Beyond Dreams exhibition contains artworks by&nbsp;Edward Bekkerman, created during the last decades, starting with the grotesque the Faces and Heads (1992-1999) and Guardian Angels series (1993-2012), abstract canvases from series the Spirits and the Dreams (2007-2015) and the last paintings from the Victory series (2015). Due to&nbsp;the author&rsquo;s inclination to&nbsp;generalization and abstraction, his artworks invariably depict metaphorical images of&nbsp;the world. The Guardian Angels resemble earth warriors rather than immaterial gods. The Faces and Heads are transformed into the series of&nbsp;the master&rsquo;s self-portraits. Images from the Dreams and the Spirits series seem to&nbsp;be&nbsp;products of&nbsp;the artist&rsquo;s subconscious. The artist masterfully conveys vague symbols, taken from the imagination, emphasizing them with his expressive style. While working over the Dreams series, Bekkerman gradually abandoned the bright, saturated palette, inherent in&nbsp;his earlier works and turned to&nbsp;the original figurative and abstract manner, where fascinating patterns formed the space of&nbsp;the composition.</p> <p style="text-align: justify;">His creative searches resulted in&nbsp;the artworks of&nbsp;the Victory series. The artist transformed real shabby shooting targets into artifacts by&nbsp;means of&nbsp;their natural inclusion in&nbsp;the painting, where they became the core of&nbsp;the artwork. However, abstract images, supplementing ready objects, were full of&nbsp;symbolic and visual meanings that led the viewer into the depth of&nbsp;the complex interlacing of&nbsp;mythological associations.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>About the artist:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Edward Bekkerman (b.&nbsp;1958) graduated from the Art Students League of&nbsp;New York.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Московский музей современного искусства совместно с&nbsp;галереей ABA представляет персональную выставку американского художника российского происхождения Эдварда Беккермана &laquo;За&nbsp;пределами снов&raquo;, объединившую на&nbsp;третьем этаже Петровки 25&nbsp;работы автора за&nbsp;последние 30&nbsp;лет.</p> <p style="text-align: justify;">Эдвард Беккерман, сын известного скульптора Игоря Беккермана, родился в&nbsp;1958 году в&nbsp;России, но&nbsp;уже в&nbsp;середине 1970-х годов с&nbsp;семьей эмигрировал в&nbsp;США. Таким образом, его личный художественный опыт с&nbsp;самого начала формировался в&nbsp;контексте двух социокультурных миров, на&nbsp;тот момент крайне мало соприкасавшихся. Решив еще в&nbsp;подростковом возрасте стать танцовщиком, Беккерман поступил в&nbsp;школу Большого театра (Москва), а&nbsp;после переезда продолжил обучение в&nbsp;Джуллиарде (Нью-Йорк). Сделать блестящую карьеру в&nbsp;балете помешала травма, которая заставила его оставить танцы и&nbsp;заняться рисованием. Четыре года проведенных в&nbsp;Студенческой Художественной Лиге помогли приобрести достаточный опыт для создания собственного творческого стиля. Тонкое понимание хореографии и&nbsp;скульптуры просматриваются в&nbsp;работах художника. Его композиции музыкальны&nbsp;&mdash; и&nbsp;в&nbsp;то&nbsp;же время полны пластической энергии, отчасти из-за использования густого, почти небрежного мазка, нанесенного будто&nbsp;бы мастихином, а&nbsp;не&nbsp;кистью.</p> <p style="text-align: justify;">На&nbsp;выставке &laquo;За&nbsp;пределами снов&raquo; представлены работы Эдварда Беккермана, созданные за&nbsp;последние несколько десятилетий, начиная с&nbsp;гротескных серий &laquo;Лица и&nbsp;Головы&raquo; (1992-1999) и&nbsp;&laquo;Ангелы-хранители&raquo; (1993-2012), гипнотизирующих абстрактных полотен из&nbsp;серий &laquo;Духи и&nbsp;Cны&raquo; (2007-2015) и&nbsp;до&nbsp;самых последних картин из&nbsp;цикла &laquo;Победа&raquo; (2015). Из-за явного тяготение автора к&nbsp;обобщению и&nbsp;абстракции, его<br /> произведения неизменно изображают метафорические образы окружающего мира: &laquo;Ангелы-хранители&raquo; больше напоминают земных воинов, чем бестелесных небожителей; &laquo;Лица и&nbsp;Головы&raquo; сами собой превращаются в&nbsp;серию автопортретов мастера; образы из&nbsp;серий &laquo;Сны и&nbsp;Духи&raquo; будто<br /> бы&nbsp;становятся порождением подсознания художника. Автор мастерски передает выхваченные из&nbsp;воображения расплывчатые символы, подчеркивая их&nbsp;экспрессивной манерой исполнения. Работая над серией &laquo;Сны&raquo;, Беккерман постепенно отказался от&nbsp;яркой, насыщенной палитры, присущей более ранним произведениям, и&nbsp;обратился к&nbsp;оригинальной образно-абстрактной манере, где завораживающие узоры формируют пространство композиции.</p> <p style="text-align: justify;">Итогом творческих поисков мастера стали произведения из&nbsp;серии &laquo;Победы&raquo;. Художник превращает реальные, потрёпанные в&nbsp;тире мишени, в&nbsp;артефакт путем естественного включения их&nbsp;в&nbsp;картину, где они становятся центром работы автора. Вместе с&nbsp;тем, абстрактные изображения, которыми художник &laquo;дополнил&raquo; готовые объекты, насыщены символическими и&nbsp;визуальными смыслами, уводящими зрителя в&nbsp;глубину сложных переплетений мифологических ассоциаций.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>О&nbsp;художнике:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Эдвард Беккерман (р.&nbsp;1958) получил художественное образование в&nbsp;Студенческой Художественной Лиге (Art Students League), в&nbsp;Нью-Йорке.</p> Sun, 29 Nov 2015 16:03:09 +0000 German Titov - Moscow Museum of Modern Art [25 Petrovka] - October 29th - November 29th <p style="text-align: justify;">Moscow Museum of&nbsp;Modern Art presents an&nbsp;exhibition by&nbsp;German Titov. It&nbsp;will occupy the Ballroom of&nbsp;the main venue at&nbsp;25&nbsp;Petrovka Street. Travelling over the abandoned places in&nbsp;the Russian province and northern Estonia, studying a&nbsp;furniture catalogue, reading classics and watching a&nbsp;mysterious substance are materials to&nbsp;restore the author&rsquo;s image, to&nbsp;complete a&nbsp;secret puzzle. The meaning of&nbsp;German Titov&rsquo;s project is&nbsp;meditation on&nbsp;the nature of&nbsp;the reality and its subjective picture.</p> <p style="text-align: justify;">The installation is&nbsp;based on&nbsp;three stories. The first story is&nbsp;the ending of&nbsp;the Astronaut&rsquo;s Wife, a&nbsp;1999 American film. A&nbsp;wife tried to&nbsp;kill her husband, a&nbsp;NASA astronaut, who had changed in&nbsp;a&nbsp;sinister way after returning from his space-walking mission. But her plan failed. And when her husband was dying, the transparent substance, which possessed him, entered the wife&rsquo;s body. The second story is&nbsp;related to&nbsp;the Soviet illustrated furniture catalogue of&nbsp;the 1970s. Each double page contains a&nbsp;color picture and a&nbsp;furniture set diagram, which doesn&rsquo;t correspond to&nbsp;the picture. And finally, the third story is&nbsp;associated with the author and his wife. During their air travel, they both were busy reading. The books were Selling Water by&nbsp;the River by&nbsp;Jiyu Kennett, a&nbsp;Zen master, and The Magic Mountain by&nbsp;Thomas Mann. German Titov wanted to&nbsp;mark a&nbsp;line in&nbsp;the book, which wrote that the vision of&nbsp;a&nbsp;normal person was as&nbsp;different from the true vision as&nbsp;the vision with cataracts was different from the normal vision. As&nbsp;he&nbsp;had nothing to&nbsp;mark with, he&nbsp;asked a&nbsp;flight attendant and she brought him a&nbsp;clutch pencil. The artist noticed that his wife changed her countenance. It&nbsp;turned out that when the flight attendant fulfilled his desire, his wife was reading that Hans Castorp, the character of&nbsp;the novel, got a&nbsp;clutch pencil from his friend.</p> <p style="text-align: justify;">All these stories have related elements, which can lead to&nbsp;understanding the general picture, or&nbsp;can lead to&nbsp;a&nbsp;dead end. Thus, the work of&nbsp;the artist is&nbsp;like the practice of&nbsp;a&nbsp;detective, who draws up&nbsp;versions of&nbsp;the crime by&nbsp;linking various clues. The difference is&nbsp;that German Titov does not seek to&nbsp;create a&nbsp;single credible version, a&nbsp;single picture and even to&nbsp;solve riddles. On&nbsp;the contrary, he&nbsp;does not develop the obvious universum, but the invisible multiverse, where freedom of&nbsp;interpretations is&nbsp;not limited. The uncertainty of&nbsp;the ultimate meaning is&nbsp;an&nbsp;intrigue, an&nbsp;aesthetic passion of&nbsp;the artwork.</p> <p style="text-align: justify;">German Titov&rsquo;s installation occupies a&nbsp;square shaped room of&nbsp;the museum. The elements, located on&nbsp;the opposite walls, form clear couples, and their set is&nbsp;securely united by&nbsp;a&nbsp;central object, a&nbsp;white cube, which follows the shape of&nbsp;the room. This cube with an&nbsp;amusement device inside, located at&nbsp;the intersection of&nbsp;the expositional axes, operates as&nbsp;a&nbsp;generator of&nbsp;uncertainty of&nbsp;the personal vision-knowledge. It&nbsp;is&nbsp;a&nbsp;semantic key to&nbsp;German Titov&rsquo;s project.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Московский музей современного искусства представляет выставку-инсталляцию Германа Титова, экспонирующуюся в 10-м зале главного здания Музея на улице Петровка, 25. Путешествия по заброшенным местам российской провинции и северной Эстонии, изучение мебельного каталога, чтение классики и наблюдение за таинственной субстанцией &mdash; все это материал для восстановления авторского образа, сборки странного паззла. Медитация о природе реальности и ее субъективной картине &mdash; так можно определить смысл проекта Германа Титова.</p> <p style="text-align: justify;"><br />В основе инсталляции Германа Титова три сюжета. Первый &ndash; концовка американского фильма 1999 года &laquo;Жена астронавта&raquo;, где доведенная до ручки жена избавляется от мужа, который после возвращения из околоземного пространства переменился самым зловещим образом. Однако ее план избавления терпит крах: в момент смерти мужа прозрачная сущность, внедрившаяся в него во время космического полета, входит через зрачки в тело жены. Второй сюжет связан с иллюстрированным каталогом советской мебели. Каждый из его разворотов содержит цветную картинку и схематическое изображение гарнитура, не совпадающее с картинкой. То, что выглядит очевидной ошибкой, на деле объясняется неочевидной логикой соединения схемы и картинки: первая располагается на обороте с последней, а не рядом с ней. И, наконец, третья история связана непосредственно с автором инсталляции и его женой. Во время одного из авиаперелетов оба они погружены в чтение &ndash; соответственно &ndash; книги дзэнской монахини Дзию Кеннетт &laquo;Водой торгуя у реки&raquo; и &laquo;Волшебной горы&raquo; Томаса Манна. В какой-то момент автор хочет отметить в книге место, содержащее сентенцию о том, что зрение обычного человека настолько же отличается от истинного зрения, насколько зрение больного катарактой &ndash; от нормального. Отметить нечем, и он обращается к стюардессе, а та приносит ему цанговый карандаш. Подчеркнув фразу, автор поворачивается к жене, и замечает, как та переменилось в лице. Оказывается, что в момент, когда стюардесса исполнила желание автора, его жена как раз читала о том, как Ганс Касторп просит и получает от Пшибыслава Хиппе цанговый карандаш.</p> <p style="text-align: justify;"><br />При всей разнородности этих сюжетов трудно отделаться от чувства, что они как-то друг с другом связаны. Правда, непонятно как, ясно лишь, что не общей темой и не каузально. Можно лишь сказать, что в них опознаются родственные элементы, соотнесение которых между собой намечает определенную сумму смысловых перспектив, каждая из которых может вывести к прояснению общей картины. А может и увести в тупик. В этом смысле создание инсталляции уподобляется практике детектива, выстаивающего версии преступления через интуитивное связывание между собой имеющейся суммы улик. Версии рождаются в ментальном пространстве, улики же присутствуют в физическом. При этом вторые предшествуют первым, выступают причиной их возникновения. Роднит работу инсталлятора и детектива разнопространственность улик и версий, в то время, как порядок их каузальности - противополагает. Отталкиваясь от изначального набора улик, инсталлятор, в отличие от детектива, инспирирует симпатичный ему, произвольный спектр версий, после чего подкрепляет его необходимыми физическими артефактами. Иными словами, подбрасывает нужные улики по ходу дела. Тут нет никакого криминала: Герман Титов не стремится к созданию единственной правдоподобной версии, единой картины и даже к разгадыванию загадок &laquo;натурного&raquo; материала. И конструирует он не очевидный универсум, а по большей части невидимый мультиверсум, в котором свобода интерпретаций вообще не лимитирована - в этом-то как раз интрига, весь эстетическая драйв.</p> <p style="text-align: justify;">Техника &laquo;подбрасывания улик&raquo;, она же практика шизоаналитического порождения смыслов, непосредственно восходит к опыту московского концептуализма в версии Андрея Монастырского. Как и Монастырский, Титов имеет косвенное отношение к визуальному искусству. Он балансирует на последней грани визуального, отчего траектория его движения может быть описана равно и как топографическое перемещение, и как психический трип. Улики видимого здесь - физические явления или события &ndash; лишь триггеры символизации, переводящие формы в мыслеформы. И вопрос состоит именно в том, чтобы эти триггеры правильно настроить. Инсталлирование, собственно, и есть такая настройка: перевод мыслеформ в пространственное измерение, установка потенциальных связей между формами через определенное их расположение (инсталляцию). Балансирование автора инсталляции на границе между видимым и мыслимым подразумевает некую симметричность их полей в отношении к тому, что мы выше назвали его траекторией, каковая, в свою очередь, выступает центральной осью их симметрии. И в этом смысле то обстоятельство, что Музей современного искусства отвел под работу Германа Титова квадратное в плане пространство, кажется настоящей удачей.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Расположенные на противоположных стенах элементы образуют ясные пары, а все их совокупность надежно запечатывается центральным объектом &ndash; белым кубом, своей формой повторяющим форму зала. Так фронтальная стена с тремя нишами отведена под видео. Левое - с вышеописанной финальной сценой из &laquo;Жены астронавта&raquo;. Оно вводит тему зловещей эктоплазмы, перебрасывающейся из мужского в женское тело, тем самым намечая два потенциальных контекста &ndash; эротический и эзотерический. Правое &ndash; с женой автора с тремя черными шариками в небе, застывшую среди цветущего поля &ndash; номинально эти контексты поддерживает: белая эфирная сущность в левом видео отвечает черным воздушным формам в правом, а жена астронавта оборачивается женой автора инсталляции. В свою очередь центральное видео со снятым сверху видом пенного водопада, чередующимся с крупным планом зарослей зелени - то есть с мотивами из обоих соседних видео-частей &ndash; выглядит своего рода семантическим переключателем между ними. И все вместе они образуют уравновешенный триптих, выступающий оппозицией по отношению к входной стене, - и пространственно (трем видео, углубленным в ниши фронтальной стены, соответствуют три ниши во входной) и смыслово (вход внутрь, в зал &ndash; выход вовне, в видеопейзажи). Боковые стены препарированы аналогичным образом. Справа - блок ночных фотоснимков с так называемыми &laquo;орбами&raquo; (то ли энергетическими сущностями, то ли дефектами съемки); слева изображения из вышеупомянутого каталога советской мебели. Эта экспозиционная линия, подхватывая эзотерический сюжет видеотриптиха, сообщает ему двусмысленность, возможность свести всё к оптическим или логическим погрешностям. И, наконец, центральный белый куб с аттракционом внутри, расположенный на пересечении экспозиционных осей, в принципе функционирует как генератор неопределенности персонального зрения-знания. Скорее всего, он-то и служит ключом к инсталляции Германа Титова.</p> Sun, 29 Nov 2015 16:00:54 +0000 Mikala Dwyer - MCA - Museum of Contemporary Art, Sydney - December 10th - February 21st, 2016 <div id="moz-reader-content" style="display: block;"> <div id="readability-page-1" class="page"> <div class="col-md-6"> <p style="text-align: justify;">Sydney artist Mikala Dwyer has had a long association with the MCA. Her work was included in the inaugural Primavera show in 1992, the museum presented a major solo exhibition in 2000, and last year she returned to guest curate <em>Primavera 2014: Young Australian artists.</em></p> <p style="text-align: justify;">For more than three decades, in her own work, Dwyer has explored the mysterious and alchemical nature of objects. Her sculptures and installations reveal an experimental approach to materials that is influenced by art povera, dada and constructivism. She is interested in the occult and in the ability of objects to express ideas of uncertainty and instability.</p> </div> <div class="col-md-6"> <p style="text-align: justify;">Recently acquired for the MCA Collection, Dwyer&rsquo;s empty and drooping <em>Square Cloud Compound</em> (2010), is made of large swathes of coloured fabric sewed into cubes that create a type of floating soft architectural form. The patch-worked construction is held down by tersely pulled stockings attached to the floor and to painted poles with lights and trinkets that function like totem poles. <em>Square Cloud Compound</em> is presented alongside a new wall painting produced especially for the museum and the MCA Collection.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Mikala Dwyer: MCA Collection</em> is curated by Senior Curator Natasha Bullock.</p> </div> </div> </div> Sun, 29 Nov 2015 15:55:09 +0000 Timothy Cook, Raelene Kerinauia, Maria Josette Orsto, Eddie Puruntatameri, Nina Puruntatameri, Cornelia Tipuamantumeri, Giovanni Tipungwuti, Bede Tungutalum, Pedro Wonaeamirri - MCA - Museum of Contemporary Art, Sydney - December 10th - February 21st, 2016 <div class="row content_block"> <div class="col-md-12 copy-block"> <p style="text-align: justify;">This exhibition presents the dynamic work of nine contemporary artists from the Tiwi Islands. Part of the Northern Territory, the Tiwi Islands are located approximately 100 km north of Darwin at the junction of the Arafura and Timor seas. <em>Being Tiwi</em> includes prints, paintings and installation, showcasing work by artists from across generations and from all three major art centres. Their experimental work continues to realise in different forms the Tiwi traditions of life and culture.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Being Tiwi</em> includes the first prints produced at Tiwi Design, several new acquisitions and a newly commissioned work by each artist. Artists include Timothy Cook, Raelene Kerinauia, Maria Josette Orsto, Eddie Puruntatameri, Nina Puruntatameri, Cornelia Tipuamantumeri, Giovanni Tipungwuti, Bede Tungutalum and Pedro Wonaeamirri.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Being Tiwi</em> is curated by Senior Curator, Natasha Bullock and Curator Aboriginal &amp; Torres Strait Islander Programs, Keith Munro.</p> </div> </div> Sun, 29 Nov 2015 15:53:30 +0000 Grayson Perry - MCA - Museum of Contemporary Art, Sydney - December 10th - May 1st, 2016 <p style="text-align: justify;">The Museum of Contemporary Art Australia is pleased to present the first major survey exhibition in the Southern hemisphere by internationally renowned artist and Turner Prize recipient, Grayson Perry, as part of the Sydney International Art Series.</p> <p style="text-align: justify;">Grayson Perry is one of the best known British artists of his generation, acclaimed for his ceramics, sculptures, drawings, prints and tapestries. With a keen eye for detail and a love of the popular and vernacular, Perry infuses his artworks with a sly humour and reflection on society past and present.</p> <p style="text-align: justify;">The artist&rsquo;s highly decorated pots in particular reveal a panoply of imagery ranging from the highly personal to the political, their subjects including his own family, the art world, Biblical stories, the royal family, and images of warfare and sexual fantasy.</p> <p style="text-align: justify;">Perry&rsquo;s transvestism and feminine alter ego 'Claire&rsquo; emerges through his practice as a recurring visual motif. A contemporary of the YBA (Young British Artists) generation, he has forged a distinctive career that sits apart from the cooler theoretical approach of some of his peers, favouring a more flamboyant, accessible aesthetic that blurs the division of high art and popular culture.</p> <p style="text-align: justify;">Curated by MCA Chief Curator Rachel Kent.</p> <p style="text-align: justify;">The Sydney International Art Series brings the world&rsquo;s most outstanding exhibitions exclusively to Sydney, Australia. Created by the NSW Government&rsquo;s tourism and major events agency, Destination NSW, the Sydney International Art Series is a signature event on the NSW Events Calendar.</p> <h4 style="text-align: justify;">About the artist</h4> <p style="text-align: justify;">Perry held his first solo exhibition in Britain in 1984 and has exhibited his works internationally since the early 1990s.</p> <p style="text-align: justify;">He was awarded the prestigious Turner Prize in 2003 and in 2011 combined his own works with historical artefacts from the British Museum collection in the record-breaking exhibition <em>Grayson Perry: The Tomb of the Unknown Craftsman</em>. He has made numerous television appearances, hosting his own Channel 4 series <em>In the Best Possible Taste &ndash; Grayson Perry</em> in 2012, then <em>Grayson Perry: Who Are You?</em> in late 2014, along with his solo exhibition on the theme of portraiture and British identity at the National Portrait Gallery, London. In 2013 he delivered The Reith Lectures, BBC Radio 4&rsquo;s annual flagship talk series by leading international thinkers, to widespread critical acclaim.</p> <p style="text-align: justify;">Follow Grayson Perry on Twitter <a title="@alan_measles" href="">@alan_measles</a></p> <h4 style="text-align: justify;">WIN</h4> <p style="text-align: justify;"><em>Book your tickets online before 30 Nov using the code VIPNIGHT and go into the draw to win <strong>2 VIP invitations to our opening night of Grayson Perry</strong> on 9 Dec.</em></p> Sun, 29 Nov 2015 15:51:20 +0000 Genti Korini - Martin Asbæk Gallery - December 11th - January 16th, 2016 Sun, 29 Nov 2015 15:41:25 +0000 Group Show - Galleri Christoffer Egelund - December 3rd - January 23rd, 2016 <p style="text-align: justify;">As is tradition, Galleri Christoffer Egelund proudly presents the annual group show XMAS'15, where the well-established artists of the gallery will show their newest work alongside five specially invited artists. This is a thrilling opportunity to experience the development of the artists and to see where they are heading at the threshold of 2015.<br /> <br /> Diversity is the overall concept of the show. XMAS'15 illuminates the broad array of media and style that is the ever changing face of contemporary art. The gallery space will be filled with such different artworks as meticiulously photorealistic painting, porcelain sculpture, drawing and abstraction to more conceptual pieces.</p> Sun, 29 Nov 2015 15:39:26 +0000 Lee Myungmi - Daegu Art Museum - September 22nd - February 9th, 2016 <p style="text-align: justify;">Artist LEE Myungmi has explored the genre of &lsquo;paintings&rsquo; for over four decades, applying familiar themes and various working methods to her works, and endlessly changing and expanding her own art world. She took part as a founding member of Daegu Contemporary Art Festival (1974), a turning point in the Korean contemporary art history in the mid-1970s, hinting at her focus on differentiated and experimental works different from the existing art circles. She puts banal objects including cups, chairs, flower pots and airplanes, lyrics of popular songs or daily used words and expressions on a canvas. She has shared familiar stories easily reachable by viewers throughout her works. Familiar themes are born in simple forms, adding magnificent and strong primary colors, exuding the vibrant and powerful energy on a screen. Such objects as patchworks, stiches, figures and stickers are brought onto a canvas, thus upgrading intriguing and experiential elements. &nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">In the exhibition titled <em>Tell Me</em> at Daegu Art Museum, about 130 representative artworks of the artist: paintings and cloth-based pictures showing color-field abstract of the 1970s, works combining everyday objects and letters, <em>Men and Women series</em> showing a new type of feminism, and her recent works where lyrics of popular songs were borrowed, and sculptures and installations based on the motif from painting works. This exhibition is to touch upon the artist LEE Myungmi and significant and context of her works in the Korean contemporary art history, while broadly understanding her 40-year art history. It will be significant in that a female artist is being spotlighted whose artistic path has been distinctive from the current flow of the art world with the renaissance of monochromes mostly created by male artists in the 1970s. I hope that spectators of this exhibition could pay attention to the artist&rsquo;s unyielding passion for art as well as her attitude to seek for a new art world, while enjoying her creative work like having fun with a play throughout her seasoned career. <em>LEE Myungmi, Tell Me</em> is introduced by Daegu Art Museum that will exhibit humorous, yet not so casual artworks, and those that imbue the depth of her life as an artist to send heart-warming messages and vibrant energy.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">イ・ミョンミ(1950〜)は、制作を始めてから40年以上もの間、「絵画」というジャンルを追求し、元気でエネルギッシュな作風に独自の芸術世界を構築 してきた作家です。韓国弘益大学美術学部を卒業後、1970年代半ばからスタートした連作で注目を集め始めています。彼女の独歩的な姿勢は、韓国現代美術 史の転換期となる1974年に開催された大邱現代美術祭の発起人として参加するなど、既存の画壇とは全く異なる実験的な作品にあります。彼女は、モノク ローム絵画が主流だった1970年代の画壇で、構想と抽象の境界を行き来する形状と華やかな原色をは惜しみなく使った作品を発表し、独自の世界を歩んで来 ました。2000年代に入り、健康上の理由などで活動を休止した時期もありましたが、それを乗り越え、再び多数の展覧会に参加しながら、今日まで情熱的な 制作活動を続けています。<br /> &nbsp;<br />  イ・ミョンミは制作を始めた初期の頃からずっと日常的な素材を単純な形に変えて表現し、派手で強烈な色を組み合わせて明るく、力強い力を発散するような 画面を演出します。コップや椅子、植木鉢、飛行機や動物など、身の回りにあるような素材をキャンバスに表現しながら、見る側に簡単に感じ取れるような身近 な話題で画面いっぱいに彼女の世界を繰り広げてくれます。<br />  作家イ・ミョンミの作品の特徴の一つは、形状と共に文字を結合させるという制作の方法です。作品の中でそれらが駆け引きの関係となり、イメージだけが存 在している時とは違う、見る側に新しい解釈の手がかりを与えてくれます。それはユーモアコードや禅問答の役割を果たしたりもして、イメージと文字との関係 のように絵を描くことに対する根本的な疑問を与えることもあります。彼女の最近の作品として、流行歌の歌詞あるいは日常語がよく使用され、作家が選んだ今 の時代を代表するような一般的感性を盛り込んだ流行歌の歌詞とイメージが結合した作品を通じて、作家自身の人生の経験から現れたメッセージなどを見る側に 興味深く伝えています。同時に、彼女の作品にはパッチワーク、ステッチ、フィギュア、シールなどのような素材をオブジェとしてキャンバスに直接貼ったりす るような作業も見られます。それは、作品をさらに遊戯的で実験的にする要素であるともいえるでしょう。<br /> &nbsp;<br />  大邱美術館「LEE Myungmi Tell me」展では、1970年代初期の作品や、布や紙を使用した絵画作品をはじめ、新たなフェミニズムを見せてくれる&lt;男と女&gt;のシリーズ、流行 歌の歌詞をモチーフにした新作、また、同じく新作として日常会話をモチーフにした立体の作品など、作家の130点余りに及ぶ代表作品を紹介しています。連 作&lt;遊び&gt;(1970-80年代)、&lt;そこに行くよ&gt;(1999)、&lt;馬に乗った女性&gt;(2002)、&lt;話し てください-Tell me&gt;(2011)などの作家の制作時代別の代表作だけでなく、大邱美術館の展示で初めて披露する新作&lt;天にまします&gt; (2015)、&lt;単なる風景&gt;(2015)、&lt;お座りなさい&gt;(2015)などは注目してご覧頂きたい作品です。特に4.8mの 高さの巨大な鉄の素材を使用した彫刻作品とイ・ミョンミ特有の華やかな色合いで装飾されたステンレスを使用した椅子の作品2点からなる&lt;お座りなさ い&gt;は、大規模な作品として、高い椅子がメタファ-(隠喩)となった人間の欲望を表現した作品です。<br /> &nbsp;<br />  大邱美術館「LEE Myungmi Tell me」展をご覧になる方には、長い歳月を制作活動に費やしながらも、依然として新しい芸術の世界を模索する作家の姿と鳴りやまぬ芸術に対する情熱に注目し て頂き、そしてユーモアスにも見えながら、決して軽々しくはない作品、作家の経験から生まれた人生の深みを感じとれる作品が投げ掛ける「話」に耳を傾けて みると明るく元気に満ちたパワーを頂くことができるのではないでしょうか。</p> Sun, 29 Nov 2015 10:22:48 +0000 Kim Jiwon - Daegu Art Museum - October 13th - February 9th, 2016 <p style="text-align: justify;">Daegu Art Museum will hold a solo exhibition of the works of Kim Jiwon, winner of the 15<sup>th</sup> LEE IN SUNGArt Prize, under the title <em>Wall of Painting</em>. Since the late 1980s, Kim Jiwon(B.1961) has continuously captured on his canvases certain objects in his surroundings and in the natural environment, through a process of persistent inquiry into the act of &ldquo;painting&rdquo; and into &ldquo;painting&rdquo; as the result.&nbsp; Dealing with everyday objects, as well as objects or spaces with specific meaning to the artist such as <em>Mendrami </em>(cock&rsquo;s comb), aircraft carriers and airports, Kim has unfolded a unique world of art that transcends the boundaries of traditional art, through an introspective scrutinizing of the essence of painting. Choosing a subject, the artist thoroughly observes and analyzes it so as to create his series of works. His &ldquo;painting&rdquo; does not stop at simple representation of what he has seen, but reveals the hidden and serves as a translation of the world, through an active process of narrowing or broadening his distance from the subject. Observing the appearance of the <em>Mendrami,</em> which goes into full bloom only to meet a wretched death, he contemplates on the life of humans as a mixture of joy, anger, sorrow and pleasure; and while painting walls of similar shapes he thinks about the uniformity and irrationality of the age we live in.</p> <p style="text-align: justify;">At this exhibition, viewers will take a look at the overall body of work by Kim Jiwon, including the <em>Mendrami</em> series, the <em>Takeoff</em> series, and the <em>Similar Wall, Same Wall</em> series, produced between 1998 and 2007, but newly shown in this exhibition as <em>Untitled</em>. Through the artist&rsquo;s works, spectators will be able to identify his inquiries and solutions with regard to painting over the past 30 years, and to experience the virtues unique to painting amidst the diverse genres of contemporary art.<br /> &nbsp;<br /> <strong>Accompanying Event</strong><br /> Artist talk with Kim Jiwon : Saturday, November 21, 2015, 3 pm.<br /> &nbsp;<br /> <strong>The LEE IN SUNG Art Prize&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; </strong><br /> The LEE IN SUNG Art Prize was first established in 1999 to pay tribute to artist Lee In Sung and his spirit of art. Lee In Sung (1912~1950), known as the &ldquo;genius artist from Daegu,&rdquo; made great achievements in the history of Korean modern art. Since 2014, the award has been re-organized in a new direction, and is hosted by the Daegu Museum of Art. From among the mixture of diverse genres in the recent trends of contemporary art, the new LEE IN SUNG Art Prize selects prominent artists engaged in creative and experimental works, mainly in the field of two-dimensional art, to support the area of painting, which is no longer the mainstream of today&rsquo;s art scene, and to promote balanced development in Korean contemporary art.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">大邱美術館は、第15回のイ・インソン美術賞を受賞した作家キム・ジウォンの個人展&lt;絵画の壁&gt;展を開催致します。<br /> &nbsp;キム・ジウォン(1961〜)は、1980年代末から「絵を描くこと」そして「絵画」に対する弛まぬ探索の過程を経て、周囲の対象と自然環境をキャンバ スに表現する作業を続けて来ました。彼は、日常的な事から、ケイトウの花や航空母艦、飛行場というような作家にとって特別な意味を持つ特定の対象物や空間 などをテーマにしながら、絵画の本質を追求する所謂、内面的省察を通して、伝統絵画の枠組みを脱した独創的な作品世界を繰り広げています。キム・ジウォン は、一つの対象をテーマに決めると、それについて徹底的に観察・分析し、連作として制作することによって、作家自身の「絵を描くこと」は単に見たものを再 現するにとどまらず、対象との距離を広げたり縮めたりする能動的な過程から隠蔽されていることをさらけ出し、絵画を通じて世の中を読み取ろうとします。こ こでは、満開となっては、凄絶に枯れていくケイトウの花の姿を通じて、喜怒哀楽が混ざりあった人間の人生にも似たイメージの模様の壁を描き、この時代の画 一性と不条理を共有します。<br />  今回の展示では、キム・ジウォンの代表作である連作&lt;ケイトウ&gt;をはじめ、連作&lt;離陸&gt;、そして1998年から2007年まで の連作&lt;似たような壁、同じ壁&gt;、2013年から再び制作された&lt;無題(Untitled)&gt;というタイトルの作品など、作家の 作品世界の全般を見ることができます。キム・ジウォンの作品を通して、彼が30年余りも悩み続いてきた絵画に対する作家自身の思いとその解決策を確認し、 様々なジャンルが混在した現代美術の中で絵画が持っている「美徳」を感じることができるはずです。<br /> &nbsp;<br /> &lt;イ・インソン美術賞&gt;<br /> 「大邱が生んだ天才画家」と呼ばれ、韓国の近代美術史に大きな業績を残した画伯イ・インソン(1912~1950)の作品世界と芸術精神を称えるために、 1999年に制定された「イ・インソン美術賞」は、2014年から大邱美術館に移管され、方向性が新たに改編されました。新たに生まれ変わった「イ・イン ソン美術賞」は、様々なジャンルが混在する現代美術の流れの中で、特に平面作品に注目し、独創的で実験的な作業を持続している中堅作家の中から選ばれま す。現代美術における非主流化されて行く絵画を積極的に後押しすることにより、韓国現代美術はバランスのとれた発展・展開を繰り広げて行くことでしょう。</p> Sun, 29 Nov 2015 10:20:45 +0000 - Daegu Art Museum - October 27th - February 14th, 2016 <p style="text-align: justify;">Daegu Art Museum presents the second edition of the <em>Animamix Biennale</em>, after successfully holding the first edition in 2013. The exhibition seeks to enhance the public&rsquo;s understanding of contemporary art, which expands and diversifies its genres and realms, particularly after the emergence of pop art, which attempted to incorporate animation and comics into art.<br /> &nbsp;<br /> <em>Animamix Biennale 2015-2016</em>focuses on contemporary art exchanges and communication in Asia. Participating artists from the countries of Korea, China, Japan, and Hong Kong present works that reflect their respective identities through unique themes, styles, and narratives. The exhibited works will allow the visitors to feel a sense of solidarity from the common region of Asia and to sympathize with the experiences and expressions of the artists but simultaneously to feel a cultural, socio-political, and historical sense of disjunction. The biennale presents the work of 21 artists active in the regions of Asia and their diverse perspectives on contemporary art, as well as the latest works of Asia&rsquo;s rising artists. <em>Animamix Biennale 2015-2016</em>, which encompasses a wide range of genres of contemporary art including painting, sculpture, installation, and media art under the common denominator of <em>Animamix</em>, is an artistic exploration of animation and comics, now established as fundamental components of art creation.<br /> &nbsp;<br /> Exhibited works include media art by Sun Xun demonstrating how historical events imprinted in the memories of the general Chinese public are dramatized through the media in the form of animation by utilizing diverse techniques including charcoal drawing, painting, and woodblock printing; media installation by Wu Junyoung featuring a lyrical video inspired by Chinese literature and ancient poems and created through allegorical painting incorporating traditional art techniques, and therefore representing the reality and aesthetics of China; and paintings by Mr., who, unlike reality, introduces himself as an otaku with Lolita Complex, leading visitors to an exotic yet familiar world through an exquisite combination of the unique Japanese culture and manga. Moreover, <em>Animamix Biennale 2015-2016</em>presents the latest works of Wu Junyoung and Mr., whose works will be introduced in Korea for the first time, together with Lee Hyeong-gu&rsquo;s latest series &ldquo;Animatus,&rdquo;anatomically exploring animation characters.<br /> &nbsp;<br /> In addition, works by young Korean artists featuring a combination of artistic aesthetics and comic brilliance; 70 futurist fantasy paintings and a gigantic balloon sculpture that seems to have just jumped out from one of the paintings by Aya Takano, one of the major artists of the Kaikai KiKi Studio led by Takashi Murakami, along with Mr.; and the public participatory work &ldquo;Tian Tian Xiang Shang&rdquo;by Danny Yung, pioneer of contemporary art in Hong Kong who was the first person in the nation to express his character creation into a work of art will be exhibited in UMI Hall and Gallery 1 on the first floor of the Museum.<br /> &nbsp;<br /> <em>Animamix Biennale 2015-2016,</em>like its previous edition, is organized in collaboration with major art museums of six Asian cities, and it is a valuable occasion for the role it plays in promoting international exchanges and actively supporting contemporary art of the respective countries, which could easily experience a decline, through regular communication and diverse collaborative efforts among host museums.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">ANIMAMIX BIENNALEは、「今の時代の美術を通して見た現代アニメや漫画の美学」に対する問題提起から始まります。ANIMAMIX的芸術の中では、現実と仮 想の世界が曖昧になり、その二つの世界が変わることを経験することができます。また、諧謔・風刺的で、既存する事実的な美学の見方をかえさせてくれたりも します。生きている想像力と芸術的思の衝突は、さらに強調され異質的な方法として表現されます。今回の「ANIMAMIX BIENNIAL 2015-2016」では、このようなアニマミック芸術が見直され、既存する現代の美術の限界と警戒が新しい解釈となって表現されています。<br />  大衆文化に分類されるAnimationとComicsの芸術的借用を試みたポップアート以降、「ANIMAMIX BIENNALE」を通じてこの時代の美術の無限なジャンル成と多元性をより深く理解することができるでしょう。<br />  <br />  今回の展示では、韓国国内作家を中心に展示された「ANIMAMIX BIENNALE 2013-2014」から、更に発展し、アジアを含めたビエンナーレに生まれ変わるために、アジア地域の今の時代の美術交流との疎通に 重点を置いています。韓国を始め、日本、中国、香港から参加した作家たちは、それぞれの特色あるアニマミック的なテーマ、イメージ、また技法を借用した自 分だけの独創的な作品世界を紹介します。私たちはアジアという「地理的連帯感」の中で生きていますが、その内側に潜在する文化的、政治的、歴史的多様性と 異質感は同時代の美術を通じて、それぞれ別の芸術的表現の素材に変貌されることがあります。このような差別化された作品表現の傾向は、テーマまたは技法的 な集合体を持って、新たな芸術の形として脈絡を共にします。そして、芸術の一つの分野を象徴的なアイデンティティとして表現することもあるのです。<br />  アニメや漫画の技法的、時間的な借用だけでなく、概念的導入を試みた芸術作品の傾向的形状をこのような新しい芸術の一つの流れとして見せています。<br />  時には、この時代の美術の挑戦的で冒険的な側面が、一つの完成された美術史的な動きに至らず、一時的な現象として位置付けられることが多いのですが、そ れにもかかわらず、ポップアート以来持続してきたアニマミック的な芸術は、現在に至るまでその流れを変えず、芸術の大衆文化の借用がもたらした低・高級芸 術の区別に関して、長い論争の中でも相変わらず一貫した形で存在してきました。今回の「ANIMAMIX BIENNALE 2015-2016」は、韓国国内だけでなく、アジアのアニマミック芸術を一挙に公開することにより、この時代の美術のアジア的な傾向 を把握し、この展覧会を通してアニマミック芸術が大衆と疎通することのできる現代美術の一つのジャンルとして位置付けられることでしょう。<br /> &nbsp;<br /> 参加作家:Mr.(日本)、Aya Takano(日本)、Sun Xun(中国)、Wu Junyong(中国)、Danny Yung(香港)、キム・ダヨン、キム・ミンス、ノ・ジュン、ベ・ユンファン、ビョン・デヨン、ビョン・ソンヨン、ユ・サム、イ・ビョンチャン、イ・グァ ンテク、イ・エスド、イ・ヒョング、ヤン・ジェヨン、ジョン・ビョンテク、ジョン・スンへ、チェ・ジェヨン、ホ・ウンギョン</p> Sun, 29 Nov 2015 10:18:48 +0000