ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/ew/Events/show en-us 40 Friedrich Meckseper - LEVY - June 7th - July 8th <p style="text-align: justify;">LEVY Galerie is delighted to present the artist Friedrich Meckseper (*1936) in a show of paintings created between 2000 and 2015. <br /><br /> Precisely depicted objects of everyday life unfold in minimalistic arrangement in the works of the painter, drawer and etcher evoking a mysterious presence: Geometrical bodies, anvils, border stones, tools, geards, coil springs, chimneys, clocks or labyrinths are relieved of their proper function and placed in oddly isolated, room- and timeless compositions. <br /><br /> The surreal dispositions and spatial landscapes recount the traces of man&rsquo;s measurement of and passage through the world as well as its technical progress; being visual expressions of likewise utopia and nostalgia. Mecksepers technical fascination is rooted in his early career as a locomotive construction engineer that also encouraged him to launch a self-constructed steamboat and cross the Alps numerous times in a gas balloon in the 1970s and 1980s. <br /><br /> Having evolved a distinct aesthetic oscillating between Surrealism, Magical and Fantastic Realism Friedrich Meckseper occupies an important stance in German post-war art next to artists as Konrad Klapheck. In the course of the rediscovery of (fine-)mechanical painting, originating in the 1970s, exhibitions are going to be realized i.a. at the St&auml;del Museum in Frankfurt in the near future. <br /><br /> In conjunction with the exhibition a catalogue is publiziced at Kerber Publishers including a text by Belinda Grace Gardner. For further information and image requests please contact the gallery.</p> Wed, 24 Aug 2016 19:10:27 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Friedrich Einhoff - LEVY - September 13th - October 26th Wed, 24 Aug 2016 19:08:16 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list - Kunstnernes Hus - October 12th - October 22nd Wed, 24 Aug 2016 19:06:25 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list - Kunstnernes Hus - September 10th - October 9th Wed, 24 Aug 2016 19:03:40 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Simone Forti - Kunstmuseum Bonn - September 11th - October 23rd <p style="text-align: justify;">Choreographin, T&auml;nzerin, bildende K&uuml;nstlerin, Schriftstellerin: Simone Forti (*1935) gilt als eine der vielseitigsten K&uuml;nstlerinnen des amerikanischen Postmodern Dance. Als Mitbegr&uuml;nderin des legend&auml;ren Judson Church Dance Theater, das in den 1960er Jahren in New York &uuml;ber die Spartengrenzen hinweg radikal neue und offene Arbeitsweisen erprobte, suchte Forti konsequent ihren Weg zwischen und mit verschiedenen k&uuml;nstlerischen Ausdrucksformen. Ihr Werk, das neben performativen auch zahlreiche bildnerische Arbeiten &ndash; insbesondere Zeichnungen und Skulpturen &ndash; umfasst, wurde in den letzten Jahren von wichtigen Museen neu entdeckt.</p> <p style="text-align: justify;">Von Beginn ihrer Karriere an stand jedoch auch die Musik und der Gesang im Zentrum ihres Schaffens und eine Vielzahl von Arbeiten entsprang der intensiven Zusammenarbeit mit Musikern und Komponisten wie La Monte Young, Charlemagne Palestine oder Peter van Riper.</p> <p style="text-align: justify;">Die Ausstellung im Rahmen des Beethovenfestes versammelt Werke Fortis, in denen Musik und Klang eine zentrale Rolle einnehmen. Gezeigt werden Objekte, Videos, Tonaufnahmen, Fotoprojektionen, installativ-musikalische Apparaturen und Zeichnungen, ebenso wie Live-Performances, die von Studierenden der Hochschule f&uuml;r Musik und Tanz K&ouml;ln erarbeitet und vorgestellt werden. Fortis Arbeiten beschr&auml;nken sich nicht darauf, Klang in Bewegung zu &uuml;berf&uuml;hren. Vielmehr mischt, ordnet und verschr&auml;nkt sie Klang und Bewegung in einer Weise, dass auch die eigene Wahrnehmung ─ das Sich-Beobachten in der Betrachtung ─ zum Gegenstand der Rezeption wird.</p> <p style="text-align: justify;">Eine Ausstellung in Kooperation mit dem Beethovenfest Bonn und The Box Los Angeles.</p> Wed, 24 Aug 2016 18:56:43 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Taocheng Wang, Dan Walwin, Aimée Zito Lema - Kunstmuseum Bonn - June 30th - September 25th <p style="text-align: justify;">The Dorothea von Stetten Art Award, whose concept was revised in 2014, will take place for the 17th time this summer and will focus on the young art scene of the Netherlands. Seven Dutch art experts nominated seven artists who presented their work to a jury consisting of Adela Babanova (participant in the Dorothea von Stetten Art Award 2014), Michelle Cotton (Director, Bonner Kunstverein), G&uuml;nter Friedrichs (Collector, Bonn), Marcus L&uuml;tkemeyer (Curator, Kunsthalle M&uuml;nster and Schloss Ringenberg) and Timotheus Vermeulen (Professor for Cultural Studies, University of Nijmegen).</p> <p style="text-align: justify;">The jury selected the following three finalists who will present their work in a group exhibition taking place at Kunstmuseum Bonn from 30 June to 25 September 2016: Aim&eacute;e Zito Lema, Dan Walwin and Taocheng Wang. The winner of the award endowed with &euro; 10,000 will be announced on the evening of the exhibition opening. We&rsquo;re very much looking forward to hosting this exhibition which will also be accompanied by a catalogue.</p> <hr /> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;">Der neukonzipierte Dorothea von Stetten-Kunstpreis findet im Sommer 2016 zum 17. Mal statt und wirft einen Blick auf die junge Kunstszene der Niederlande. Von durchweg niederl&auml;ndischen Kunstexperten wurden sieben K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler nominiert, die ihr Werk der Jury, bestehend aus Adela Babanova (K&uuml;nstlerin des Dorothea von Stetten-Kunstpreises 2014), Michelle Cotton (Direktorin, Bonner Kunstverein), G&uuml;nter Friedrichs (Bonner Sammler), Marcus L&uuml;tkemeyer (Kurator, Kunsthalle M&uuml;nster und Schloss Ringenberg) und Timotheus Vermeulen (Professor Kulturtheorie, Universit&auml;t Nijmegen) pr&auml;sentierten.</p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;">Die drei Finalistinnen und Finalisten, die aus der Jurysitzung hervorgingen, sind Aim&eacute;e Zito Lema, Dan Walwin und Taocheng Wang. Ihre durchweg raumgreifenden Arbeiten&nbsp;sind nun&nbsp;in der Gruppenausstellung im Kunstmuseum Bonn&nbsp;zu sehen.</p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><strong>Aim&eacute;e Zito Lema</strong> widmet sich in ihren Video-, Foto- und Performance-Arbeiten dem Thema der individuellen und kollektiven Bewegung des menschlichen K&ouml;rpers. <strong>Dan Walwin</strong> l&auml;dt in seiner Raum- und Video-Installation zu einer Materialstudie ein und <strong>Taocheng Wang</strong> er&ouml;ffnet einen Massage-Salon im Ausstellungsraum, den sie durch Massage-Performances aktiviert und den Besucher integriert.</p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;">Am Tag der Er&ouml;ffnung wurde <strong>TAOCHENG WANG</strong> als Gewinnerin&nbsp;des Dorothea von Stetten-Preises&nbsp;verk&uuml;ndet. Sie wird&nbsp;von der Jury f&uuml;r Ihre Arbeit "Massage near me"&nbsp;mit dem 10.000 &euro; dotierten Preis honoriert.</p> Wed, 24 Aug 2016 18:54:07 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Peter Wechsler - Kunsthaus Zürich - November 11th - January 22nd, 2017 <p style="text-align: justify;">Peter Wechsler (b. 1951) grew up in Zurich and now lives in Vienna. He is one of a generation of non-figurative artists who, since the 1990s, have been opening up new and contemplative fields of expression for the medium of drawing as system and sensory experience, following on from minimal and conceptual art. Such artists address a fundamental question: how can the systematic deployment of the draughtsman&rsquo;s means create spaces and structures that engage and challenge the viewer&rsquo;s sensory perception? The exhibition reconstructs the cycle of impressive large-format pencil drawings (1994 &ndash; 2008) using ten key works. The Kunsthaus is also the first art museum to present a selection of recent, unframed ink brush drawings.</p> <div id="c28955" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Supported by the UNIQA Fine Art Insurance as well as the Erna and Curt Burgauer Foundation and the Austrian Cultural Forum Bern</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Peter Wechsler (geb. 1951) ist in Z&uuml;rich aufgewachsen und lebt heute in Wien. Er geh&ouml;rt zu einer Generation von nichtfigurativen K&uuml;nstlern, die der Zeichnung als System und sinnlichem Ereignis in der Nachfolge der Minimal Art und Konzeptkunst seit den 1990er-Jahren neue, kontemplative Ausdrucksbereiche erschlossen haben. Dabei geht es um die prinzipielle Frage: Wie k&ouml;nnen durch einen systematischen Einsatz zeichnerischer Mittel konkrete R&auml;ume und Strukturen geschaffen werden, welche die sinnliche Wahrnehmung des Betrachters aktivieren und herausfordern? In der Ausstellung &laquo;Kleinteilig w&auml;chst die Welt zusammen&raquo; wird der Zyklus der eindrucksvollen grossformatigen Bleistiftzeichnungen (1994 &ndash; 2008) anhand von zehn kapitalen Arbeiten rekonstruiert. Als erstes Kunstmuseum zeigt das Kunsthaus dar&uuml;ber hinaus eine Auswahl von ungerahmten Tuschpinselzeichnungen aus j&uuml;ngster Zeit.</p> <div id="c28954" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Unterst&uuml;tzt durch die UNIQA Kunstversicherung Schweiz, die Stiftung Erna und Curt Burgauer und das &Ouml;sterreichische Kulturforum Bern</p> </div> </div> Wed, 24 Aug 2016 18:49:39 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Alberto Giacometti - Kunsthaus Zürich - October 28th - January 15th, 2017 <p style="text-align: justify;">Fifty years on from the death of Alberto Giacometti (1901&ndash;1966), the major temporary exhibition &lsquo;Alberto Giacometti &ndash; Beyond Bronze. Masterworks in Plaster and Other Materials&rsquo; illuminates the fundamental aspects of this world-famous Swiss artist&rsquo;s oeuvre and technique. At the heart of the presentation are 75 precious original plasters from the artist&rsquo;s estate, which came to the Kunsthaus in 2006 as the result of a gift by Bruno and Odette Giacometti to the Alberto Giacometti Foundation. They have been examined by restorers from the Kunsthaus and prepared for this exhibition as part of a multi-year research project.</p> <p style="text-align: justify;">For Alberto Giacometti, plaster was of great importance as a material &ndash; far more than just an intermediate stage between clay model and bronze cast. It allowed him to paint or rework his objects in a wide variety of ways. Indeed, a significant number of his sculptures exist only in a plaster version.</p> <p style="text-align: justify;">Through numerous masterpieces from every stage of his career, the exhibition focuses on Giacometti&rsquo;s artistic approach to the material nature of his chosen media, affording an insight into the creative process of one of the century&rsquo;s greatest artists. While the precious and fragile plasters are the centre of the display, the presentation also includes many works in other materials, such as marble, wood and bronze.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition complements the holdings of the Kunsthaus with important loans from other collections, notably the non-public Fondation Alberto et Annette Giacometti in Paris, which are being shown for the first time on this scale in Switzerland.</p> <div id="c19413" class="contentElement image version0" style="text-align: justify;"> <div class="csc-textpic csc-textpic-left csc-textpic-above"> <div class="csc-textpic-imagewrap"><dl class="csc-textpic-image csc-textpic-lastcol caption-bottom"><dt class="caption-bottom" style="width: 134px;"><a href="https://www.credit-suisse.com/ch/en/about-us/sponsorship.html" target="_blank"><img src="http://www.kunsthaus.ch/index.php?eID=tx_nawsecuredl&amp;u=0&amp;file=fileadmin/templates/kunsthaus/bilder/logos_sponsoren/cs_sp_cmyk_pakzhe_40mm.jpg&amp;t=1472154330&amp;hash=e013a17c1becb788565d66bd1a52243a" alt="" width="134" height="45" border="0" /></a></dt></dl></div> </div> </div> <div id="c26899" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Supported by Credit Suisse, partner of the Kunsthaus Z&uuml;rich and&nbsp;Ars Rhenia, foundation for the trans-regional promotion of art and culture</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">50 Jahre nach dem Tod Alberto Giacomettis (1901 &ndash;1966) beleuchtet die grosse Sonderausstellung &laquo;Alberto Giacometti - Material und Vision. Die Meisterwerke in Gips, Stein, Ton und Bronze&raquo; die grundlegenden Aspekte des Schaffens und die Arbeitsprozesse des weltbekannten Schweizers. Ausgangspunkt sind 75 kostbare Originalgipse aus dem Nachlass des K&uuml;nstlers, die 2006 als Schenkung von Bruno und Odette Giacometti an die Alberto Giacometti-Stiftung im Kunsthaus gelangten. In einem mehrj&auml;hrigen Forschungsprojekt wurden sie von den Restauratoren des Kunsthauses untersucht und f&uuml;r diese Ausstellung vorbereitet.</p> <p style="text-align: justify;">Als Material hatte Gips f&uuml;r Alberto Giacometti eine grosse Bedeutung, war weit mehr als eine blosse Zwischenstufe zwischen Tonmodell und Bronzeguss. Gips erlaubte es dem K&uuml;nstler, seine Objekte auf vielf&auml;ltige Weise zu bemalen oder zu bearbeiten. Und nicht wenige Skulpturen existieren nur in einer Gipsversion. Anhand zahlreicher Meisterwerke aus allen Werkphasen stellt die Ausstellung den k&uuml;nstlerischen Umgang Giacomettis mit der Materialit&auml;t seiner Werkstoffe in den Mittelpunkt und gew&auml;hrt Einblicke in den sch&ouml;pferischen Prozess eines Jahrhundertk&uuml;nstlers.</p> <p style="text-align: justify;">Die kostbaren und fragilen Gipse stehen dabei im Fokus. Einbezogen werden aber auch viele Werke aus anderen Materialien wie Marmor, Holz und Bronze.</p> <p style="text-align: justify;">Die Ausstellung erweitert den Bestand im Kunsthaus um bedeutende Leihgaben aus anderen</p> <p style="text-align: justify;">Sammlungen, vor allem aus der nicht &ouml;ffentlichen Fondation Alberto et Annette Giacometti in Paris, die erstmals in dieser F&uuml;lle in der Schweiz zu sehen sind.</p> <div id="c19408" class="contentElement image version0" style="text-align: justify;"> <div class="csc-textpic csc-textpic-left csc-textpic-above"> <div class="csc-textpic-imagewrap"><dl class="csc-textpic-image csc-textpic-lastcol caption-bottom"><dt class="caption-bottom" style="width: 124px;"><a href="https://www.credit-suisse.com/ch/de/about-us/sponsorship.html" target="_blank"><img src="http://www.kunsthaus.ch/index.php?eID=tx_nawsecuredl&amp;u=0&amp;file=fileadmin/templates/kunsthaus/bilder/logos_sponsoren/cs_sp_cmyk_pakzhd_40mm.jpg&amp;t=1472154399&amp;hash=78d7a1074f31d53c6d060ca0545e0c83" alt="" width="124" height="45" border="0" /></a></dt></dl></div> </div> </div> <div id="c26898" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Mit Unterst&uuml;tzung der Credit Suisse, Partner des Kunsthaus Z&uuml;rich und Ars Rhenia, Stiftung zur &uuml;berregionalen F&ouml;rderung von Kunst und Kultur</p> </div> </div> Wed, 24 Aug 2016 18:47:56 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Max Ernst, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Vincent Van Gogh, Nicolas de Staël, Thomas Struth - Kunsthaus Zürich - September 23rd - December 11th <p style="text-align: justify;">The theme of this year&rsquo;s &lsquo;Picture Ballot&rsquo; is architecture as a subject for art. It looks at the classic city view, which documents the appearance of a place but can also evolve into an object of memory and longing for the observer; and reveals how the construction of pictured architecture and mapped-out city designs becomes a playground for utopias and visions. Over the centuries, artists have moved between these twin poles of naturalistic representation and pure fantasy to present various aspects of the architectural image, sometimes blurring the distinction between reality and vision. A prime example is Max Ernst, whose Surrealist work &lsquo;La ville enti&egrave;re&rsquo; from 1935/36 forms the centrepiece of the exhibition curated by Manuela Reissmann. Evoking an architecture redolent of cultures long departed, Ernst depicts in this lifeless city a vision of the future, exuding a sense of gloom even as it is illuminated by a vast celestial body. Among the more than 20 magnificent paintings, small veduti, monumental photographs and minimalist sculptures are works by Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Vincent van Gogh, Nicolas de Sta&euml;l, Thomas Struth and many others.</p> <div id="c30481" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Supported by Albers &amp; Co. AG</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Die diesj&auml;hrige Ausgabe der &laquo;Bilderwahl!&raquo; beleuchtet die Architektur als Thema in der Kunst. Zum einen wird der Blick auf die klassische Stadtvedute gerichtet, die Zeugnis ablegt vom Aussehen eines Ortes, aber auch zum Erinnerungs- und Sehnsuchtsbild des Betrachters heranwachsen kann. Zum anderen zeigt die Ausstellung, wie die Konstruktion bildlicher Architektur und gezeichneter Stadtentw&uuml;rfe zum Spielfeld f&uuml;r Utopien und Visionen wird. Zwischen diesen beiden Polen &ndash; dem naturgetreuen Abbild und der reinen Fantasie &ndash; haben K&uuml;nstler in den vergangenen Jahrhunderten verschiedene Facetten des Architekturbildes dargestellt. Nicht immer l&auml;sst sich dabei eindeutig definieren, was Realit&auml;t ist und was Vision, wie am Beispiel von Max Ernst sichtbar wird, dessen surrealistisches Bild &laquo;La ville enti&egrave;re&raquo; von 1935/36 im Zentrum der von Manuela Reissmann kuratierten Ausstellung steht. Im R&uuml;ckgriff auf eine an vergangene Kulturen erinnernde Architektur zeichnet Ernst in der Darstellung dieser leblosen Stadt eine Zukunftsvision, die eine d&uuml;stere Stimmung erzeugt und zugleich von einem riesigen Gestirn erhellt wird. Unter den &uuml;ber 20 pr&auml;chtigen Gem&auml;lden, kleinen Veduten, monumentalen Fotografien und minimalistischen Skulpturen sind Werke von Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Vincent van Gogh, Nicolas de Sta&euml;l, Thomas Struth u.v.a.m.</p> <div id="c30475" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Unterst&uuml;tzt von Albers &amp; Co. AG</p> </div> </div> Wed, 24 Aug 2016 18:45:00 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Hans Jakob Oeri - Kunsthaus Zürich - August 12th - October 23rd <p style="text-align: justify;">&lsquo;Hans Jakob Oeri &ndash; A Swiss Artist in Paris, Moscow, Zurich&rsquo; at the Kunsthaus Z&uuml;rich is the first exhibition to feature this long underappreciated and forgotten artist and draughtsman. During his lifetime (1782 &ndash; 1868), Hans Jakob Oeri&rsquo;s art was respected and admired not just in his home city of Zurich (he was an active member of the Z&uuml;rcher K&uuml;nstlergesellschaft from 1807), but also in France, Germany and Russia. His works were sought after by collectors and to this day are regarded as some of the finest and most innovative examples of Swiss art from the first half of the 19th century. In Paris in 1806 Oeri completed &lsquo;Chloe&rsquo;, his masterpiece in the French neo-classical style, based on an Idyll by Salomon Gessner. Around 1807, the year of his return to Switzerland, he painted &lsquo;The Studio in Paris&rsquo;. Despite the uneasy confinement of the space and the bitter poverty in evidence, Oeri managed to produce an evocative image of family and friendship in which the dignity of art triumphs over privation, enforced competition and rank. This important artist can be rediscovered in a catalogue accompanying the cabinet exhibition.</p> <div id="c31101" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Supported by the A-Charity Foundation, the Dr. Georg und Josi Guggenheim-Stiftung and another foundation</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Das Kunsthaus Z&uuml;rich zeigt mit &laquo;Hans Jakob Oeri &ndash; Ein Schweizer K&uuml;nstler in Paris, Moskau, Z&uuml;rich&raquo; die erste Ausstellung dieses lange Zeit untersch&auml;tzten und vergessenen Malers und Zeichners. Zu seinen Lebzeiten (1782 &ndash;1868) jedoch genoss Hans Jakob Oeris Schaffen nicht nur in seiner Heimatstadt Z&uuml;rich (er war ab 1807 ein aktives Mitglied der Z&uuml;rcher K&uuml;nstlergesellschaft), sondern auch in Frankreich, Deutschland und Russland Ansehen und Wertsch&auml;tzung. Seine Werke waren bei Sammlern begehrt und z&auml;hlen noch heute zu den qualit&auml;tsvollsten und innovativsten der Schweizer Kunst in der ersten H&auml;lfte des 19. Jahrhunderts. 1806 vollendete Oeri in Paris &laquo;Chloe&raquo;, sein Meisterst&uuml;ck im Stil des franz&ouml;sischen Klassizismus, nach einer Idylle von Salomon Gessner. Zur Zeit seiner R&uuml;ckkehr in die Schweiz malte er um 1807 &laquo;Das Pariser Atelier&raquo;. Trotz beklemmender Enge und bitterer Armut gelang Oeri ein beziehungsreiches Familien- und Freundschaftsbild, in dem die W&uuml;rde der Kunst &uuml;ber Not, Konkurrenzdruck und Rangordnungen triumphiert. Der bedeutende K&uuml;nstler kann wiederentdeckt werden in einem Sammlungskatalog, der die Ausstellung begleitet.</p> <div id="c31107" class="contentElement text version0"> <p style="text-align: justify;">Dank Unterst&uuml;tzung der A-Charity Foundation und der Dr. Georg und Josi Guggenheim-Stiftung sowie einer weiteren Stiftung</p> </div> </div> Wed, 24 Aug 2016 18:41:44 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Francis Picabia - Kunsthaus Zürich - June 3rd - September 25th <p style="text-align: justify;">This ground-breaking exhibition is part of events to mark the 100th anniversary of the Dada movement, which came into being in Zurich. The retrospective explores the historical sweep of Picabia&rsquo;s (1879 &ndash;1953) provocative career &ndash; from his early successes as an Impressionist painter and his essential contribution to Dada, via his controversial pin-up girls and through to his abstract works created after the Second World War. Picabia remains a hotly debated figure among the great artists of the 20th century, owing to his distinctive eclecticism and persistent, deliberate contradictions. Throughout his life, he reflected on the operation of style, subverted categorizations and set his face against systems of value judgment that distinguished high art from kitsch and conservatism from radicalism, and this in a self-critical manner and with acerbic humour. For all the demystification of painting that underpinned his Dada activities, Picabia continued to paint frenetically until his death while at the same time constantly reinventing the technique. While the works from Picabia&rsquo;s Dada years are well known, his oeuvre as a whole and his propensity for working in a wide variety of painting styles still await more in-depth examination.</p> <p style="text-align: justify;">Taken as a whole this comprehensive exhibition, which opens the Festspiele Z&uuml;rich 2016, shows the extent to which Picabia&rsquo;s work questions the principles of the modern. It comprises some 200 works, including around 150 paintings, complemented by a meticulously compiled selection of works on paper, avant-garde magazines for which he wrote or which he published himself, and examples of his film and theatre production.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition is a collaboration with the Museum of Modern Art, New York, where it will be on display from November 2016.</p> <p style="text-align: justify;">On the occasion of the Festpiele Z&uuml;rich<br />Supported by the Ernst G&ouml;hner Foundation and the Truus and Gerrit van Riemsdijk Foundation</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Anlass f&uuml;r diese wegweisende Ausstellung ist das 100-j&auml;hrige Jubil&auml;um der in Z&uuml;rich entstandenen Dada-Bewegung. Die Retrospektive erkundet den geschichtlichen Bogen von Picabias (1879&ndash;1953) provokativer Karriere &ndash; von seinen fr&uuml;hen Erfolgen als impressionistischer Maler und seinem essenziellen Beitrag zu Dada &uuml;ber die umstrittenen Pin-up-Girls bis zu den nach dem Zweiten Weltkrieg entstandenen Abstraktionen. Unter den grossen K&uuml;nstlern des 20. Jahrhunderts bleibt Picabia aufgrund seines ausgepr&auml;gten Eklektizismus und der hartn&auml;ckigen, bewussten Widerspr&uuml;chlichkeiten eine heftig diskutierte Gestalt. Zeit seines Lebens reflektierte er &uuml;ber die Funktionsweise von Stil, unterwanderte Kategorisierungen und widersetzte sich wertenden Unterscheidungsmechanismen zwischen hoher Kunst und Kitsch oder Konservatismus und Radikalismus &ndash; und dies oft selbstkritisch und mit beissendem Humor! Obschon er die Malerei in seinen dadaistischen Aktivit&auml;ten entzaubert hatte, malte Picabia bis zu seinem Tod exzessiv weiter, gleichzeitig kritisierte er diese Technik heftig. W&auml;hrend die Werke aus Picabias Dada-Jahren sehr bekannt sind, bed&uuml;rfen sein Gesamtwerk und seine ausgepr&auml;gte Neigung, in einer Vielfalt von Malstilen zu arbeiten, noch einer eingehenderen Untersuchung.</p> <p style="text-align: justify;">Insgesamt zeigt diese umfassende Ausstellung, mit der 2016 die Festspiele Z&uuml;rich er&ouml;ffnet werden, wie sehr Picabias Werk die Grunds&auml;tze der Moderne in Frage stellt. Es werden rund 200 Werke gezeigt, darunter etwa 150 Gem&auml;lde, erg&auml;nzt durch eine sorgf&auml;ltig zusammengestellte Auswahl von Arbeiten auf Papier, Avantgarde-Zeitschriften, f&uuml;r die er Beitr&auml;ge geliefert oder die er selbst herausgegeben hatte, und Beispiele seiner Film- und Theaterarbeiten. </p> <p style="text-align: justify;">Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit dem Museum of Modern Art, New York, wo sie ab November 2016 auch zu sehen sein wird.</p> <p style="text-align: justify;">Im Rahmen der Festspiele Z&uuml;rich<br />Unterst&uuml;tzt durch die Ernst G&ouml;hner Stiftung und die Truus und Gerrit van Riemsdijk Stiftung</p> Wed, 24 Aug 2016 18:39:26 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Nathalie Du Pasquier - Kunsthalle Wien Museumsquartier - July 15th - November 13th <p style="text-align: justify;">Self-taught artist and designer Nathalie Du Pasquier was born in Bordeaux, France, in 1957. She lives in Milan. Between 1975 and 1977, she traveled extensively&mdash;in particular in Africa&mdash;and her experiences during that time informed her later work. Between 1981 and 1986, Du Pasquier worked as a designer. She was a founding member of Memphis, the influential post-modernist design and architecture collective created under the leadership of Ettore Sottsass. During this period she designed vibrant and graphic surface patterns for numerous textiles, carpets, and plastic laminates, as well as objects and furniture. Her design was influenced by the African textile patterns as well as Wiener Werkst&auml;tte, Arts and Crafts, and William Morris. Since 1987, Du Pasquier has dedicated herself to painting, though she occasionally still does design work. Most of her paintings are still lifes however the recent works don&rsquo;t depict a group of things but instead portray a relationship between forms. In general her work is concerned with arrangements circulating between existing things, paintings and three-dimensional objects. In this sense it does not have to do with decorating objects. In recent years younger generations have shown a lot of interest in her work thanks to the internet.</p> <p style="text-align: justify;">The show at Kunsthalle Wien will be the first comprehensive exhibition in an international institution and will present a journey through her work (from the time of Memphis design to her later preoccupation with painting and sculpture).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Die K&uuml;nstlerin und Designerin Nathalie Du Pasquier ist Autodidaktin, blickt aber auf eine lange Karriere als Produktgestalterin zur&uuml;ck. Sie war Gr&uuml;ndungsmitglied von Memphis, einem einflussreichen postmodernen Design- und Architekturkollektiv unter der Leitung von Ettore Sottsass. W&auml;hrend dieser Zeit entwarf sie grafische Oberfl&auml;chenstrukturen f&uuml;r zahlreiche Textilien und Teppiche sowie Objekte und M&ouml;bel. Ihr Design ist von afrikanischen Textilmustern, den Wiener Werkst&auml;tten und dem britischen Arts and Crafts Movement beeinflusst. Seit 1987 widmet sich Du Pasquier der Malerei, obwohl sie gelegentlich noch als Designerin arbeitet. Die meisten ihrer Bilder schildern die Beziehung zwischen Formen, Objekten und R&auml;umen. Die Ausstellung stellt aktuelle Gem&auml;lde und Entw&uuml;rfe aus der Memphis-Zeit in einen Dialog. Es ist die erste umfassende Ausstellung Du Pasquiers in einer internationalen Institution.</p> Wed, 24 Aug 2016 18:34:02 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Group Show - Kunsthalle Wien Museumsquartier - June 25th - October 16th <p style="text-align: justify;">In the 1950s and 60s, concrete was regarded as the epitome of modernism. An individual architectural style based on concrete established itself, so-called brutalism (originating from the French word for exposed concrete: b&eacute;ton brut). Brutalist architecture not only distinguishes itself through an expressive application of concrete but through a distinct social element; brutalist architecture stands for social housing, municipal educational establishments, cultural centers, and universities. Aiming to change society, brutalist architecture virtually gave shape to utopia. Today, many of the buildings built at the time are threatened with demolition; they are considered to have failed their purpose. In light of a modernism stained by dystopia, contemporary art once again carve out its original ideas, its euphoria, but also its failure. Not out of a nostalgic longing but for the sake of remembering that architecture was once more than enclosed space, and concrete was not merely a building material but was historically and ideologically charged.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">In den 1950er und 1960er Jahren galt Beton als Inbegriff der Moderne. Sogar ein eigener, auf das Material Beton bezogener Baustil etablierte sich, der so genannte Brutalismus (benannt nach dem franz&ouml;sischen Wort f&uuml;r Sichtbeton: b&eacute;ton brut). Brutalistische Architektur zeichnet sich nicht nur durch eine expressive Verwendung von Beton aus, sondern auch durch eine deutliche soziale Komponente. Sie steht f&uuml;r sozialen Wohnungsbau, f&uuml;r kommunale Bildungseinrichtungen, f&uuml;r Kulturzentren, f&uuml;r Universit&auml;ten. Diese Architektur zielte explizit auf eine Ver&auml;nderung der Gesellschaft ab; sie ist gewisserma&szlig;en Form gewordene Utopie. Heute sind viele Geb&auml;ude der damaligen Zeit vom Abriss bedroht und ihre Zielsetzung gilt als gescheitert. Angesichts dieser dystopisch verf&auml;rbten Moderne arbeitet die bildende Kunst noch einmal ihre urspr&uuml;nglichen Ideen heraus, ihre Euphorie, aber auch ihr Scheitern. Nicht aus nostalgischer Sehnsucht heraus, sondern als Erinnerung daran, dass Architektur einmal mehr war als nur umbauter Raum und Beton nicht nur ein Baustoff ist, sondern ein historisch wie ideologisch aufgeladenes Material.</p> Wed, 24 Aug 2016 18:31:58 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Margit Busch, Andrej Polukord - Kunsthalle Wien Karlsplatz - November 16th - January 8th, 2017 <h3 class="main-col-headline" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Margit Busch and Andrej Polukord receive Kunsthalle Wien Prize 2016</span></h3> <div style="text-align: justify;"> <p><span style="font-size: small;">The <em>Kunsthalle Wien Prize </em>is a joint project of the University of Applied Arts Vienna, the Academy of Fine Arts Vienna and the Kunsthalle Wien.</span></p> <p><span style="font-size: small;">It was established in 2002 in co-operation with the University of Applied Arts Vienna. In 2015, it has been presented for the first time to one graduate of each of Vienna&rsquo;s art academies.</span></p> <p><span style="font-size: small;">The prize includes an exhibition in Kunsthalle Wien Karlsplatz as well as prize money in the amount of 3,000 euros for each artist. In 2016 the prize money is made available by HS art service austria and Deco Trend GmbH.</span></p> <p><span style="font-size: small;">To accompany the exhibition, two catalogues containing interviews with the artists and texts written by jury members and installation views will be published by Sternberg Press Berlin.</span></p> <p><span style="font-size: small;">The jury in 2016 consisted of: Nicolaus Schafhausen and Lucas Gehrmann (Kunsthalle Wien), who participated in both selection processes, as well as Rector Gerald Bast and Roland Sch&ouml;ny as external jury member for the University of Applied Arts Vienna and Professors Mona Hahn, Erwin Bohatsch and Lorenz &ldquo;eSeL&rdquo; Seidler as external jury member for the Academy of Fine Arts Vienna.</span></p> <p><span style="font-size: small;"><strong>Curator</strong>: Lucas Gehrmann</span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Opening and Award Ceremony</strong>: Tue November 15, 2016, 7 pm</span></p> </div> <div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Margit Busch</strong> (*1964 in Germany, lives in Vienna) receives the Prize for her f&uuml;r ihr diploma project <em>Welcome to</em> <em>Transciency</em> at the University of Applied Arts Vienna (Prof. Virgil Widrich, Department of Art &amp; Science).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Andrej Polukord</strong> (*1990 in Vilnius, lives in Vienna and Vilnius) studied at the Academy of Fine Arts Vienna with Prof. Gunter Damisch, Department of Graphic arts and printing techniques.</span></p> <hr /> <h3 class="main-col-headline" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Margit Busch und Andrej Polukord erhalten Preis der Kunsthalle Wien 2016</span></h3> <div style="text-align: justify;"> <p><span style="font-size: small;">Ein Projekt der Kunsthalle Wien in Kooperation mit der Universit&auml;t f&uuml;r angewandte Kunst Wien und der Akademie der bildenden K&uuml;nste Wien.</span></p> <p><span style="font-size: small;">Zum zweiten Mal wird heuer der Preis der Kunsthalle Wien in Kooperation mit der Universit&auml;t f&uuml;r angewandte Kunst Wien und der Akademie der bildenden K&uuml;nste Wien vergeben. Der Preis beinhaltet eine Ausstellung in der Kunsthalle Wien Karlsplatz sowie zwei Kataloge mit Texten der Herausgeber und der Jurymitglieder, mit K&uuml;nstlergespr&auml;chen sowie einem Abbildungsteil im Verlag Sternberg Press Berlin. Die Preisgelder von je EUR 3.000 werden 2016 von HS art service austria und Deco Trend GmbH zur Verf&uuml;gung gestellt.</span></p> <p><span style="font-size: small;"><strong>Kurator</strong>: Lucas Gehrmann</span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Er&ouml;ffnung und Preisverleihung</strong>: Di 15. November 2016, 19 Uhr</span></p> </div> <h3 class="main-col-headline" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Preistr&auml;ger/innen</span></h3> <div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Margit Busch</strong> (*1964 in D, lebt in Wien) erh&auml;lt den Preis f&uuml;r ihr Diplomprojekt <em>Welcome to</em> <em>Transciency</em> an der Universit&auml;t f&uuml;r angewandte Kunst (Prof. Virgil Widrich, Abteilung Art &amp; Science). Die K&uuml;nstlerin begr&uuml;ndet in ihrer Diplomarbeit die k&uuml;nstlerisch-naturphilosophische Forschungsrichtung <em>Transciency</em> &ndash; eine Disziplin, die sich mit Perspektiven, Forschungsmethoden und Repr&auml;sentationen befasst, die durch und &uuml;ber die Wissenschaft hinweg operieren. Dabei entwirft sie simultan &bdquo;g&uuml;ltige&ldquo; Zukunfts- und Vergangenheitsnarrative, unterwandert etablierte wie auch pseudo-wissenschaftliche Darstellungsformen und verkn&uuml;pft futuristische Szenarien sowie gesellschaftsrelevante reale Wissenschaftserkenntnisse innerhalb einer retro-&auml;sthetischen Laborsituation.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Andrej Polukord</strong> (*1990 in Vilnius, lebt in Wien und Vilnius) studierte an der Akademie bei Prof. Gunter Damisch, Fachbereich Grafik und druckgrafische Techniken. Der K&uuml;nstler agiert (performt, videografiert, interveniert) vorzugsweise in Stadt- und Landschaftsr&auml;umen, mit und ohne Publikum, und untergr&auml;bt in jedem Fall dessen Erwartungshaltungen. Ganz in diesem Sinn lieferte er auch keine als &bdquo;Werk&ldquo; ausgef&uuml;hrte und betitelte Diplomarbeit, sondern ein Portfolio mit zahlreichen Foto- und Videodokumentationen, begleitet von eigenen Texten. So ist auch mit Spannung zu erwarten, was der K&uuml;nstler im Herbst in der Kunsthalle Wien zeigen oder auff&uuml;hren wird.</span></p> <h3 class="main-col-headline" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jury</span></h3> <div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jury der Universit&auml;t f&uuml;r angewandte Kunst Wien 2016: Gerald Bast (Rektor Universit&auml;t f&uuml;r angewandte Kunst Wien), Nicolaus Schafhausen (Direktor Kunsthalle Wien), Lucas Gehrmann (Kurator Kunsthalle Wien) und Roland Sch&ouml;ny (Kurator, Autor; externes Jurymitglied).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jury der Akademie der bildenden K&uuml;nste Wien 2016: Mona Hahn, Erwin Bohatsch (Professor/innen Akademie der bildenden K&uuml;nste Wien), Nicolaus Schafhausen, Lucas Gehrmann und Lorenz &bdquo;eSeL&ldquo; Seidler (Kurator, K&uuml;nstler und Kommunikator; externes Jurymitglied)</span></p> </div> </div> </div> Wed, 24 Aug 2016 18:26:30 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Ron Terada - Kunsthalle Wien Karlsplatz - June 25th - October 16th <p style="text-align: justify;">The work of Ron Terada acts as a satellite for the exhibition <em><a href="http://www.kunsthallewien.at/en/exhibitions/beton" target="_blank">B&eacute;ton</a></em> in public space: a billboard positioned next to Kunsthalle Wien Karlsplatz presenting the text <em>Concrete Language</em>, which questions the function of language as an objective semiotic system.</p> <p style="text-align: justify;">Ron Terada&rsquo;s artistic work deals with questions of authorship and appropriation, language and its contextual meaning. Especially encounters with texts in public spaces, the conventions they follow and the resulting interpretations, interest the Canadian artist, who explores the semiotics of everyday life in many different ways. Terada&rsquo;s photo works and installations in urban environments specifically question the function of language as an objective semiotic system. By adopting the aesthetics of advertising surfaces, neon writing, and billboards only to show them at places with little commercial potential, he presents viewers with a new perspective. The artist plays with the signal effect of certain words or the appellative function of signs, which he takes to the point of absurdity or invests with new meaning by placing them in an unusual context. &ldquo;See Other Side of Sign&rdquo; is the instruction on a sign set up at a derelict site in front of a backdrop of prefabricated concrete components.</p> <hr /> <div> <p style="text-align: justify;">Als Satellit der Ausstellung <em><a href="http://www.kunsthallewien.at/de/ausstellungen/beton" target="_blank">Beton</a></em> im &ouml;ffentlichen Raum fungiert die Arbeit von Ron Terada: Ein Billboard, das neben der Kunsthalle Wien am Karlsplatz positioniert ist und mit dem Text <em>Concrete Language</em> versehen, auf die Semiotik im Alltag verweist &ndash; und Klartext einfordert.</p> <p style="text-align: justify;">Ron Teradas k&uuml;nstlerisches Werk kreist um Fragen von Autorschaft und Aneignung, Sprache und deren kontextabh&auml;ngige Bedeutung. Die Begegnung mit Texten im &ouml;ffentlichen Raum, die Konventionen, denen sie folgen und ihre daraus resultierende Lesbarkeit interessieren den kanadischen K&uuml;nstler, der auf vielf&auml;ltige Weise die Semiotik des Alltags erforscht. Teradas Fotoarbeiten und Installationen im urbanen Feld stellen insbesondere die Funktion von Sprache als objektivem Zeichensystem in Frage. Indem sie die &Auml;sthetik von Werbefl&auml;chen, Neonschriften und Plakataufstellern adaptieren, diese aber an Orten pr&auml;sentieren, die wenig kommerzielles Werbepotenzial versprechen, bringen sie die Betrachter/innen auf neue Gedanken. Sie spielen mit der Signalwirkung bestimmter W&ouml;rter oder der appellativen Funktion von Hinweisschildern, die sie ad absurdum f&uuml;hren oder aber durch den ungewohnten Kontext einer neuen Bedeutung zuf&uuml;hren. &bdquo;See Other Side of Sign&ldquo; hei&szlig;t es auf der einen Seite, des am Karlsplatz platzierten Billboards.</p> </div> Wed, 24 Aug 2016 18:22:52 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list Andrea Büttner - Kunsthalle Wien Karlsplatz - June 8th - September 18th <p style="text-align: justify;">Andrea B&uuml;ttner (*1972 Stuttgart, based in London and Frankfurt/Main) engages diverse formulations of media with non-verbal articulations of people. These approaches originate from tensions between inner and outer life, social and cultural contexts.</p> <p style="text-align: justify;">The gestures and attitudes conveyed by body language is one of her main interests, which, translated into visual signs, are readable over time and remain comprehensible, such as gestures of bending, veiling or stretching hands. For example, B&uuml;ttner reduces the figure of Ernst Barlach&rsquo;s sculpture <em>Verh&uuml;llte Bettlerin </em>into the old-fashioned artistic medium of a woodcut. Despite these steps of abstraction and historical distance, the content remains clear.</p> <p style="text-align: justify;">A new &ldquo;gesture&rdquo; practiced by many is evidenced in the manual touching of a touchscreen. In her <em>iPhone etchings </em>B&uuml;ttner turns contact tracks recorded by the device and therefore invisible for the user into large-format color prints that are reminiscent of &ldquo;gestural&rdquo; paintings or drawings.</p> <p style="text-align: justify;">In <em>Stereoscopic slideshow from the White House collection (mosses and field trips)</em>, you can see two people in different poses &ndash; leaning over, crawling on the ground &ndash; who search among the meadow beneath them. The potential of falling down and gravitational pull, expressed in this scenario, serves Andrea B&uuml;ttner in principle as a means of the subversion and overcoming of boundaries of form, stability and authority. </p> <p style="text-align: justify;">In the Kunsthalle Wien Karlsplatz Andrea B&uuml;ttner created a scenic situation which reverses common notions such as the inside and outside, the perceptible and hidden.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Andrea B&uuml;ttner besch&auml;ftigt sich in technisch-medial vielf&auml;ltigen Formulierungen mit nonverbalen Artikulationen des Menschen, die einem (Spannungs-)Verh&auml;ltnis zwischen Innenleben und &auml;u&szlig;eren, sozialen und kulturellen Kontexten entspringen. Eines ihrer Hauptinteressen gilt k&ouml;rpersprachlichen Gesten und Haltungen, die, in Bild-Zeichen &uuml;bersetzt, weit &uuml;ber den Zeitpunkt ihres Entstehens hinaus les- und verstehbar bleiben, wie z.B. Gestiken des sich Beugens, Verh&uuml;llens oder H&auml;nde Ausstreckens. So reduziert B&uuml;ttner etwa Ernst Barlachs Figur der <em>Verh&uuml;llten Bettlerin </em>aus dem Jahr 1919 &uuml;ber das pr&auml;modernistische Medium des Holzschnitts auf deren prim&auml;re Ausdruckstr&auml;ger. Trotz der damit erfolgten mehrfachen &bdquo;Abstraktion&ldquo; und der Historizit&auml;t des Vor-Bilds bleibt deren Inhalt verst&auml;ndlich.</p> <p style="text-align: justify;">Eine neue, massenhaft angewandte &bdquo;Geste&ldquo; ist die des manuellen Ber&uuml;hrens von Touchscreens. In ihren <em>iPhone etchings </em>verwandelt B&uuml;ttner die vom Ger&auml;t aufgezeichneten, f&uuml;r die User unsichtbar bleibenden Ber&uuml;hrungsspuren in gro&szlig;formatige Farb-Prints, die an informelle bzw. &bdquo;gestische&ldquo; Malerei oder Zeichnung erinnern.</p> <p style="text-align: justify;">In ihrer <em>Stereoscopic slide show from the Whitehouse collection (mosses and field trips) </em>hinwiederum sind Personen zu sehen, die sich in unterschiedlichen Posen &ndash; sich beugend, am Boden kriechend &ndash; forschend mit dem unter ihnen befindlichen Wiesengrund befassen. Dabei kommt auch ein Potenzial des Fallens und Laufenlassens zum Ausdruck, das Andrea B&uuml;ttner prinzipiell als ein Mittel der &Uuml;berwindung und Unterwanderung von Grenzen der Form, der Stabilit&auml;t und Autorit&auml;t dient.</p> <p style="text-align: justify;">In der Kunsthalle Wien Karlsplatz hat Andrea B&uuml;ttner auch inszenatorisch eine Situation geschaffen, in der g&auml;ngige Vorstellungen von Innen und Au&szlig;en, vom Wahrnehmbaren und Verborgenen umgekehrt werden.</p> Wed, 24 Aug 2016 18:20:55 +0000 http://www.artslant.com/ew/Events/list http://www.artslant.com/ew/Events/list