ArtSlant - Openings & events en-us 40 A Kassen, Alexander Tovborg, Dan Graham, Elmgreen & Dragset, José Dávila - Galleri Nicolai Wallner - August 24th 5:00 PM - 8:00 PM Sun, 21 Aug 2016 15:12:57 +0000 - Art Forum Ute Barth - August 25th 5:00 PM - 8:00 PM Sun, 07 Aug 2016 15:15:45 +0000 Anna Hyrkkänen, Tiina Pyykkinen, Minna Suoniemi - Forum Box - Space for Art - August 25th 11:00 AM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><strong>Night of the Arts will be celebrated in Forum Box on Thursday 25th of August!</strong></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>The gallery will be open</strong> the whole day from <strong>11 a.m. until 8 p.m.!</strong></p> <p style="text-align: justify;">Our evening is kicked off with a jazz trio <strong>Hartikainen-Patama-Luukkonen </strong>grooving from 5.30 p.m. onwards.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>At approx 6.40-7pm the free Helsinki Art walk tour will stop by Forum Box. </strong> The guide will be Ava Grayson and the tour is in English.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Route of the tour: START: MUU gallery (L&ouml;nnrotinkatu 33) at 6 p.m.</strong> The tour continues to Project Room (L&ouml;nnrotinkatu 35), Pirkko-Liisa Topelius gallery (Hietalahdenranta 17) and finally onto Forum Box (Ruoholahdenranta 3 A). You are welcome to join the Walk!</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">The exhibiting artists<strong> Anna Hyrkk&auml;nen</strong>, <strong>Tiina Pyykkinen</strong> and <strong>Minna Suoniemi </strong>(Mediabox video space) will be at Forum Box from 5-8pm to talk to you about their works.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">You are warmly welcome! Some snacks will be served.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><strong>Torstaina 25.8. vietet&auml;&auml;n Taiteiden y&ouml;t&auml; Forum Boxissa!</strong></p> <p style="text-align: justify;">Taiteiden y&ouml;n&auml; Boxissa on monipuolinen kattaus kiinnostavaa ohjelmaa! <strong> Galleria on auki klo 11-20</strong>, Taiteiden y&ouml;n ohjelma alkaa klo 17.30 jazz-improvisaatiob&auml;ndin keikalla, ja noin klo 19 Forum Boxiin saapuu MUU:n ilmainen Art Walk -galleriakierros. Elokuun taiteilijat Anna Hyrkk&auml;nen sek&auml; Tiina Pyykkinen ja Mediaboxin Minna Suoniemi ovat paikalla koko illan kertomassa teoksistaan. L&auml;mpim&auml;sti tervetuloa! Luvassa my&ouml;s pient&auml; tarjoilua.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Illan ohjelma:</strong></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Klo 17.30-18.30</strong> v&auml;lill&auml; Forum Boxissa esiintyy jazz-improvisaatiosettej&auml; soittava trio<strong> Hartikainen-Patama-Luukkonen</strong>:</p> <p style="text-align: justify;">Hartikainen-Patama-Luukkonen&nbsp; -Trio tutkii musiikissaan improvisatorisen tarinankerronnan mahdollisuuksia. Melkoisen ep&auml;sovinnaisesta instrumentaatiosta muodostuva soundimaailma on yll&auml;tt&auml;v&auml; ja kiinnostava, ja taitavien instrumentalistien k&auml;siss&auml; improvisaatio saavuttaa aivan uuden tason. Rohkeiden vastavirran muusikoiden yhteisten musiikillisten intressien sek&auml; vuosia jatkuneen improvisaation opiskelun ansiosta ensemblen sis&auml;inen kuuntelu onkin kamarimuusikillisen herkk&auml;&auml; ja reagointi salamannopeaa.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">HELI HARTIKAINEN on helsinkil&auml;istynyt kuopiolainen saksofonisti, klarinetisti, improvisoija, s&auml;velt&auml;j&auml; ja esiintyv&auml; muusikko, jonka erityisosaamisalueisiin kuuluu genrerajaton vapaa improvisaatio.</p> <p style="text-align: justify;">PANU LUUKKONEN on kiinnostunut vapaasta improvisaatiosta, äänisuunnittelusta, elektroakustisesta musiikista sekä poikkitaiteellisuudesta. Luukkosen mielest&auml; taiteella pitää tehdä politiikkaa ja pyrkiä aina tekemään maailmasta parempi paikka.</p> <p style="text-align: justify;">MIKKO PATAMA on helsinkil&auml;isl&auml;ht&ouml;inen monitoimimuusikko, joka on kotonaan monien eri tyylilajien parissa tango nuevosta hip hopiin ja elektronisesta musiikista kokeelliseen improvisaatioon. Oman orkesterinsa Kuuston lis&auml;ksi h&auml;n vaikuttaa lukuisissa yhtyeiss&auml; ja produktioissa pianistina, kosketinsoittajana, s&auml;velt&auml;j&auml;n&auml;, sovittajana ja yhtyeenjohtajana.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Klo 18.40-19</strong> v&auml;lill&auml; Boxiin saapuu MUU:n ilmainen Art walk -galleriakierros, oppaana Ava Grayson, kierroksen kieli englanti.</p> <p style="text-align: justify;">Kierros starttaa klo 18 MUU-galleriasta (L&ouml;nnrotinkatu 33) klo 18, reitti: MUU L&ouml;nnrotinkatu - Project Room (L&ouml;nnrotinkatu 35) - Pirkko-Liisa Topelius (Hietalahdenranta 17) - Forum Box (Ruoholahdenranta 3). Kierros on t&auml;ysin ilmainen, tervetuloa mukaan!</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Illan aikana:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Elokuun taiteilijat Anna Hyrkk&auml;nen ja Tiina Pyykkinen sek&auml; Mediaboxin Minna Suoniemi ovat paikalla&nbsp; kertomassa teoksistaan.</p> Sun, 31 Jul 2016 19:16:38 +0000 - Fukuoka Asian Art Museum (FAAM) - August 25th 10:00 AM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">What do we know about the Philippines? It is the country that became one of the bloodiest battlefields in World War II. This is also a place where Ferdinand Magellan, a worldly-known Portuguese explorer died in the course of his journey around the world. The country is also known as having the largest Catholic population in Asia. This exhibition explores unknown history and culture of the Philippines, and the reality of people living there as if traveling through times.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> Tue, 19 Jul 2016 10:42:03 +0000 Alejandra Seeber, José Dávila, Francisco Sierra, Bosco Sodi - Häusler Contemporary Zürich - August 25th 5:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">On the occasion of the Zurich galleries&rsquo; season opening, H&auml;usler Contemoprary Z&uuml;rich traces the call of Latin American art that figures among the international art scene&rsquo;s major discoveries of the past few years. By combining gallery artist Alejandra Seeber with guest artists Jose D&aacute;v ila, Francisco Sierra, and Bosco Sodi we show four independent and innovative positions who unite opposed concepts in their works and who all account for the 20th century&rsquo;s art history.</p> <p style="text-align: justify;">Ever since the art world started to widen its focus beyond Europe and North America, Latin America has become an important destination for art lovers and collectors of contemporary art. This scene&rsquo;s attraction and innovative energy has just been discovered and is also witnessed by art fairs such as Zona Maco in Mexico City that rose to a status of international relevance within short. However, &laquo;Latin American art&raquo; is no longer located on the South American continent only, rather its representatives have joined the American and European art history and its events.</p> <p style="text-align: justify;">Starting from Alejandra Seeber (*1968, Buenos Aires, AR, lives in New York, US) who has been with our gallery for many years now, our show unifies four artists with Latin American origins, thus providing a sample of the variety that expects us from that direction. Seeber&rsquo;s expressive and dynamic paintings enter into dialogue with pictures by Francisco Sierra (*1977, Santiago de Chile, lives in Cotterd, CH) that tend to fantastic hyperrealism. These two painterly positions meet with the interplay of forces of Jose D&aacute;vila&rsquo;s (*1974, Guadalajara, MX, lives in Guadalajara) minimal sculptures and works on paper and with the process-orientated picture objects by Bosco Sodi (*1970, Mexiko City, MX, lives a.o. in New York, US). All four artists show individual approaches, but they all examine in their particular way &laquo;tilting moments&raquo; between different categories and concepts.</p> <p style="text-align: justify;">The term can first be understood literally with regard to a certain type of objects that Jose D&aacute;vila creates since 2014: sculpturally erected glass panels and slabs are detained from falling and held in a precarious balance by ratchet straps. D&aacute;vila&rsquo;s oeuvre that also contains paper cuts and works on paper is mainly rooted in an intense investigation of 20th century art&rsquo;s formal language and ideologies, always exploring the boundaries between homage, appropriation and critique. On the other hand, Alejandra Seeber explores in her works the diverse possibilities of painting in between figuration and abstraction &ndash; the two major poles of avant-garde painting. Her ambivalent pictorial language cannot be deciphered on a linear path, since in her colorful shining paintings, out of nonrepresentational elements, narrative references suddenly emerge. There are allusions to subjects that dissolve instantly into expressive chromaticity and painterly dynamics that are ever surprising anew. </p> <p style="text-align: justify;">In Francisco Sierra&rsquo;s paintings, first and over all the motives lead viewers onto a tightrope walk between hyperrealism and fantasy, high and low. In his imagery, everyday objects take turns with comic-like creatures and abstract three-dimensional forms, always claiming some&nbsp; correspondence to reality due to the illusionist painting technique in which they are depicted. In certain works the artist furthermore changes between a representational way of painting and a liberated brushstroke style that visualizes the technique as an independent element of the composition.</p> <p style="text-align: justify;">Bosco Sodi finally focuses on material qualities and on the interplay between artistic settings and chance with his seemingly organic picture objects. He &laquo;paints&raquo; his canvasses with a mixture of pigments, natural fibers and glue. The subsequent, uncontrolled drying process creates structures that &ndash; depending on the color of the objects &ndash; remind of lava soil, sponges or other phenomena of nature. Sodi&rsquo;s artistic approach finds references in the informel art movement but also in process&nbsp; art and color-field painting from which he derives his independent and innovative language.</p> <p style="text-align: justify;">With these four different &laquo;Latin American artists&raquo;, our exhibition thus points to an art market that is yet to be discovered in full. At the same time it refers to the dynamic exchange that unfolds within our globalized art world and to the productive variety that results from this situation.</p> <p style="text-align: justify;">Deborah Keller, H&auml;usler Contemporary</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">H&auml;usler Contemporary Z&uuml;rich sp&uuml;rt zum Saisonstart der Z&uuml;rcher Galerien dem Ruf der lateinamerikanischen Kunst nach, die in den letzten Jahren zur Entdeckung der internationalen Szene avancierte. Mit der Programmk&uuml;nstlerin Alejandra Seeber und den Gastk&uuml;nstlern Jose D&aacute;vila, Francisco Sierra und Bosco Sodi vereinen wir tempor&auml;r vier eigenst&auml;ndige, innovative Kunstschaffende, die teils gegens&auml;tzliche Konzepte in ihrem Werk einen und der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts Rechnung tragen.</p> <p style="text-align: justify;">Seit die Kunstwelt begonnen hat, ihren Blick &uuml;ber Europa und Nordamerika hinaus zu lenken, ist auch Lateinamerika zunehmend zu einem wichtigen Ziel f&uuml;r Kunstkenner und Sammler zeitgen&ouml;ssischer Kunst geworden. Von der lange Zeit unentdeckten Anziehungs- und Innovationskraft der dortigen Szene zeugen auch Messen wie die Zona Maco in Mexico City, die innert K&uuml;rze internationale Bedeutung erlangt hat. Zugleich ist &laquo;lateinamerikanische Kunst&raquo; l&auml;ngst nicht mehr nur auf dem s&uuml;damerikanischen Kontinent angesiedelt, sondern ihre Vertreter haben sich in die amerikanische und europ&auml;ische Kunstgeschichte und deren Geschehen eingereiht.</p> <p style="text-align: justify;">Ausgehend von Alejandra Seeber (*1968, Buenos Aires, AR, lebt in New York, US), langj&auml;hrige K&uuml;nstlerin unseres Galerieprogramms, bietet unsere Schau mit insgesamt vier Kunstschaffenden lateinamerikanischen Ursprungs eine Kostprobe von der Vielfalt, die uns aus dieser Richtung erwartet. Die expressiv dynamische Malerei von Seeber tritt in Dialog mit den zu fantastischem&nbsp; Hyperrealismus neigenden Gem&auml;lden von Francisco Sierra (*1977, Santiago de Chile, lebt in Cotterd, CH). Diesen malerischen Positionen wird das Kr&auml;ftespiel der minimalistischen Skulpturen und Arbeiten auf Papier von Jose D&aacute;vila (*1974, Guadalajara, MX, lebt in Guadalajara) und die prozessorientierten Bildobjekte von Bosco Sodi (*1970, Mexiko City, MX, lebt u.a. in New York, US) gegen&uuml;bergestellt. So unterschiedlich der Ansatz dieser vier Kunstschaffenden auch ist, alle arbeiten auf ihre Weise am &laquo;Kippmoment&raquo; zwischen verschiedenen Kategorien und Konzepten. </p> <p style="text-align: justify;">Bei Jose D&aacute;vila ist das einerseits w&ouml;rtlich gemeint in Bezug auf einen bestimmten Typus von Objekten, die seit 2014 entstehen: Skulptural aufgerichtete Glasscheiben und Steinplatten werden durch Zurrgurten in ein prek&auml;res Gleichgewicht gebracht und am Fallen gehindert. D&aacute;vilas OEuvre, das auch Papierschnitte und Zeichnung umfasst, entspringt zudem der intensiven Auseinandersetzung mit Formensprachen und Ideologien der Kunst des 20. Jahrhunderts und bewegt sich hier stets zwischen Hommage, Appropriation und Kritik.</p> <p style="text-align: justify;">Alejandra Seeber hingegen lotet in ihren Gem&auml;lden die malerischen M&ouml;glichkeiten zwischen Figuration und Abstraktion aus &ndash; den zwei grossen Polen der Avantgardemalerei. Seebers ambivalente Bildsprache ist nicht linear zu entschl&uuml;sseln, denn in ihren bunt leuchtenden Bildern kristallisieren sich aus gegenstandslosen Elementen unvermittelt&nbsp; narrative Referenzen heraus. Sujets werden angedeutet und l&ouml;sen sich sogleich wieder auf in expressive Farbigkeit und malerische Dynamik, die stets aufs Neue &uuml;berrascht.</p> <p style="text-align: justify;">Bei der Malerei von Francisco Sierra sind es zun&auml;chst vor allem die Motive, die uns auf eine Gratwanderung zwischen Hyperrealismus und Fantastik, High und Low f&uuml;hren. Alltagsgegenst&auml;nde wechseln sich in seiner Bildwelt mit comicartigen Wesen und abstrakt plastischen Formen ab und behaupten durch ihre illusionistische Malweise stets einen Realit&auml;tsbezug. In einzelnen Bildern changiert der K&uuml;nstler zudem zwischen der abbildenden Malerei und einem freieren Pinselduktus, in dem die Technik als eigenst&auml;ndiges Bildelement sichtbar wird.</p> <p style="text-align: justify;">Bosco Sodi schliesslich fokussiert in seinen organisch anmutenden Bildobjekten auf Materialeigenschaften und auf das Zusammenspiel von k&uuml;nstlerischer Setzung und Zufall. Seine Leinw&auml;nde werden mit einem Gemisch aus Pigmenten, nat&uuml;rlichen Fasern und Leim &laquo;bemalt&raquo; und gerinnen im Trocknungsprozess zu Strukturen, die &ndash; je nach Farbgebung &ndash; an Lava-Erde, an Schw&auml;mme oder andere Erscheinungen der Natur erinnern. Sodis k&uuml;nstlerischer Ansatz findet Referenzen im Informel aber auch in der Prozesskunst und der Farbfeldmalerei und generiert daraus eine innovative, eigenst&auml;ndige Sprache.</p> <p style="text-align: justify;">Mit den vier unterschiedlichen &laquo;lateinamerikanischen&raquo; Kunstschaffenden verweist unsere Ausstellung so einerseits auf einen Kunstmarkt, den es in Zukunft noch st&auml;rker zu entdecken gilt. Gleichzeitig wird der dynamische Austausch unserer globalisierten Kunstwelt angesprochen und die daraus entstehende, produktive Vielfalt angedeutet.</p> <p style="text-align: justify;">Deborah Keller, H&auml;usler Contemporary&nbsp;</p> Sun, 21 Aug 2016 15:40:00 +0000 - Helsinki Contemporary - August 25th 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span class="_4n-j fsl"><span class="text_exposed_show">On the Night of the Arts the gallery is open 11&ndash;9 PM.<br /> Sturm by Aki Rissanen: showtime on the hour at 6, 7 and 8 PM.<br /> <br /> The Night of the Arts on Thursday, 25 August brings jazz musician Aki Rissanen and his solo project Sturm to Helsinki Contemporary. Rissanen&rsquo;s performance is an unconventional combination of noise, ambient, minimalism, maximalism, avant-garde, jazz and improvisation with both electric and acoustic instruments. Inspired by the exhibition Guilty Pleasure, Rissanen paints visual music that communicates with the artworks on display.<br /> <br /> Pianist Aki Rissanen (b. 1980) has been quickly rising among the few top names of the instrument in Finnish Jazz. Although originally classically trained, he has always had a heart for improvised music. Read more about the artist at <a href="" rel="nofollow nofollow" target="_blank"></a>.<br /> <br /> Among the performance, dig into a selection of exciting, beautiful contemporary art books, that can be purchased for affordable prices.<br /> <br /> Welcome!</span></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Taiteiden y&ouml;n&auml; galleria on avoinna klo 11&ndash;21.<br /> Sturm by Aki Rissanen: showtime tasatunnein klo 18, 19 ja 20.<br /> <br /> Taiteiden y&ouml;n&auml; 25.8. jazzmuusikko Aki Rissasen sooloprojekti Sturm ottaa haltuun Helsinki Contemporaryn. Esityksess&auml; Rissanen yhdistelee ennakkoluulottomasti noisea, ambienttia, minimalismia, maksimalismia, avant-gardea, jazzia sek&auml; improvisointia s&auml;hk&ouml;isill&auml; ja akustisilla soittimilla. Rissanen maalaa Guilty Pleasure -n&auml;yttelyn innoittamana visuaalista musiikkia, joka kommunikoi omilla keinoillaan taideteosten kanssa. <br /> <br /> Pianisti ja kosketinsoittaja Aki Rissanen (s.1980) on maamme eturivin jazzmuusikko ja improvisoija, joka tunnetaan sooloprojektiensa lis&auml;ksi lukuisten huippukokoonpanojen kuten Verneri Pohjola Quartetin, Mikko Hassinen Elektro GT:n ja Lauri Porra Flyoverin luottomiehen&auml;. Viime aikoina h&auml;n on saavuttanut merkitt&auml;v&auml;&auml; kansainv&auml;list&auml; huomiota omalla triollaan. Tyylillisesti monipuolinen Rissanen on jazzyhtyeiden rinnalla s&auml;velt&auml;nyt musiikkia my&ouml;s mm. Kristian Smedsin ohjaamaan Mr. Vertigo -n&auml;ytelm&auml;&auml;n Kansallisteatterissa yhdess&auml; Verneri Pohjolan ja Joonas Riipan kanssa sek&auml; Tuula Leinosen ja Antti Per&auml;nteen animaatioelokuvaan Amorandom.<br /> <br /> Lue lis&auml;&auml; Aki Rissasesta osoitteessa <a href=";h=YAQFrXWR9&amp;enc=AZPK2-olnwL5yaA7CqqOd4f9UayQm00GO9-y59m1MawvNs2-jBvmoRcpGbWZlghq2dc&amp;s=1" rel="nofollow nofollow" target="_blank"></a>.<br /> <br /> Musiikin lis&auml;ksi kokoamme galleriaan valikoiman j&auml;nnitt&auml;vi&auml;, kauniita nykytaidekirjal&ouml;yt&ouml;j&auml;, jotka voit ostaa omaksesi pienell&auml; rahalla.<br /> <br /> Tervetuloa!</p> <p><span class="_4n-j fsl"><span class="text_exposed_show">On the Night of the Arts the gallery is open 11&ndash;9 PM.<br /> Sturm by Aki Rissanen: showtime on the hour at 6, 7 and 8 PM.<br /> <br /> The Night of the Arts on Thursday, 25 August brings jazz musician Aki Rissanen and his solo project Sturm to Helsinki Contemporary. Rissanen&rsquo;s performance is an unconventional combination of noise, ambient, minimalism, maximalism, avant-garde, jazz and improvisation with both electric and acoustic instruments. Inspired by the exhibition Guilty Pleasure, Rissanen paints visual music that communicates with the artworks on display.<br /> <br /> Pianist Aki Rissanen (b. 1980) has been quickly rising among the few top names of the instrument in Finnish Jazz. Although originally classically trained, he has always had a heart for improvised music. Read more about the artist at <a href="" rel="nofollow nofollow" target="_blank"></a>.<br /> <br /> Among the performance, dig into a selection of exciting, beautiful contemporary art books, that can be purchased for affordable prices.<br /> <br /> Welcome!</span></span></p> Sun, 21 Aug 2016 15:58:52 +0000 - Moscow Museum of Modern Art [17 Ermolaevsky] - August 25th 12:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Московский музей современного искусства представляет персональную выставку художника Валерия Чтака&nbsp;&mdash; &laquo;В&nbsp;моем случае ни&nbsp;в&nbsp;коем случае&raquo;. Она состоит из&nbsp;нескольких тематических разделов, которые определяют авторскую идентичность. Среди них субкультурный кластер, музыкальная студия, мастерская и&nbsp;так далее. Экспозиция разместится на&nbsp;четырех этажах Московского музея современного искусства в&nbsp;Ермолаевском переулке и&nbsp;объединит произведения различных жанров и&nbsp;техник, большинство из&nbsp;которых будет сделано непосредственно в&nbsp;музейных залах.</p> <p style="text-align: justify;">Выставка &laquo;В&nbsp;моем случае ни&nbsp;в&nbsp;коем случае&raquo;&nbsp;&mdash; это тотальная инсталляция. Каждый ее&nbsp;элемент, обладая композиционной и&nbsp;содержательной завершенностью, принадлежит единой символической системе&nbsp;&mdash; коллекции остроумных фраз, афоризмов, широко растиражированных символов и&nbsp;проявлений массовой культуры, числовых и&nbsp;текстовых ребусов, заимствований и&nbsp;цитат из&nbsp;музыки, литературы, визуального искусства и&nbsp;философии, которую художник с&nbsp;увлечением &laquo;собирает&raquo; на&nbsp;протяжении всего своего творческого пути.</p> <p style="text-align: justify;">Чтак использует разнообразные способы обращения к&nbsp;зрителю: в&nbsp;залах разместятся пространственные фрески и&nbsp;муралес (небольшого формата холсты и&nbsp;куски картона), графические серии, плакаты и&nbsp;футболки, будто принесенные с&nbsp;концерта хейви металл группы, деки от&nbsp;роликовых досок и&nbsp;&laquo;картинки&raquo; на&nbsp;стенах. И&nbsp;эта вариативность выразительных средств&nbsp;&mdash; не&nbsp;только демонстрация крутости автора, но&nbsp;и&nbsp;рассуждение о&nbsp;природе художественного творчества, связанное с&nbsp;поиском новых языковых возможностей искусства и&nbsp;ответа на&nbsp;вопрос &laquo;Что значит быть художником сегодня?&raquo;. Или, точнее, &laquo;Что сегодня значит быть ох*ительным современным художником?&raquo;.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Биографическая справка</strong></p> <p style="text-align: justify;">Валерий Чтак (р.1981, Москва)&nbsp;&mdash; российский художник. С&nbsp;1998 года посещал Школу современного искусства Авдея Тер-Оганьяна и&nbsp;с&nbsp;2000 по&nbsp;2005&nbsp;гг. состоял в&nbsp;группе &laquo;Радек&raquo;&nbsp;&mdash; сообществе художников, музыкантов и&nbsp;культурных активистов, возникшем на&nbsp;базе школы Тер-Оганьяна. С&nbsp;2002 года Чтак регулярно участвует в&nbsp;групповых выставках в&nbsp;России и&nbsp;за&nbsp;границей, реализует персональные проекты. Он&nbsp;является номинантом Государственной премии в&nbsp;области современного искусства &laquo;Инновация&raquo; в&nbsp;номинации &laquo;Новая генерация&raquo; (проект &laquo;Только правда&raquo;, 2011). Работы художника находятся в&nbsp;коллекциях Московского музея современного искусства, Государственной Третьяковской галереи, Фонда Владимира Смирнова и&nbsp;Константина Сорокина, также в&nbsp;частных коллекциях Пьера Броше, Андрея Третьякова, Самира Сабе Д&rsquo;Акра и&nbsp;других.</p> <p style="text-align: justify;">Алексей Масляев (р.1985, МО)&nbsp;&mdash; куратор, культуролог, заведующий сектором по&nbsp;научно-методической работе образовательного отдела Московского музея современного искусства (ММОМА). Среди его кураторских проектов: junk (ММОМА, Москва, 2010), &laquo;Поддерживающие действия&raquo; (Artplay, Москва, 2010), &laquo;Я&nbsp;всегда знал, что мы&nbsp;встретимся&raquo; (Arthouse Squat Forum, Москва, 2011), &laquo;Позволь мне быть частью нарратива&raquo; (галерея Paperworks, Москва, 2012), &laquo;Завтра воды не&nbsp;будет&raquo; (ММОМА, Москва, 2013; УФ&nbsp;ГЦСИ, Екатеринбург, 2014), &laquo;История требует продолжения&raquo; (выставочный зал Союза художников Республики Дагестан, Махачкала, 2013), &laquo;Дагестан. Не&nbsp;на&nbsp;продажу&raquo; (галерея artSumer, Стамбул, 2014), &laquo;Образы музея&raquo; (MMOMA, Москва, 2014-15). Номинант Государственной премии в&nbsp;области современного искусства &laquo;Инновация&raquo; в&nbsp;номинациях &laquo;Кураторский проект&raquo; (выставка &laquo;Завтра воды не&nbsp;будет&raquo;) и&nbsp;&laquo;Региональный проект&raquo; (выставка &laquo;История требует продолжения&raquo;); номинант премии Сергея Курехина в&nbsp;области современного искусства в&nbsp;номинации &laquo;Лучший кураторский проект&raquo; (выставка &laquo;Завтра воды не&nbsp;будет&raquo;).</p> Sun, 07 Aug 2016 14:03:39 +0000 Takaya Miou - The Honolulu Museum of Art - August 25th 10:00 AM - 4:30 PM <p style="text-align: justify;">Manga&mdash;Japanese graphic novels or comics&mdash;play a vital role in contemporary Japanese culture. Not only do they enjoy immense popularity (annual sales within Japan have risen to more than $2 billion); internationally, they have become the centerpiece of the Japanese government's &ldquo;Cool Japan Initiative,&rdquo; a campaign to promote its status as a cultural superpower. Manga&rsquo;s popularity partly arises from the medium&rsquo;s historical connection with Japanese woodblock prints and paintings (ukiyo-e), which were produced in Japan throughout the Edo period (1615&ndash;1868). The term manga, in fact, was coined by the renowned ukiyo-e artist Katsushika Hokusai (1760&ndash;1849).</p> <p style="text-align: justify;">The Honolulu Museum of Art&rsquo;s exhibition series on contemporary Japanese <em>manga,</em> begun last year with <a href="" target="_blank"><em>Modern Love: 20th-Century Japanese Erotic Art</em></a> (November 20, 2014&ndash;March 15, 2015), now continues with<em> Visions of Gothic Angels: Japanese Manga by Takaya Miou.</em> Takaya&rsquo;s artwork explores themes of femininity and female identity through fantastic imagery originating from a wide variety of artistic traditions: Italian Renaissance portraits of Christian martyrs, the intricate Art Nouveau style of British illustrator Aubrey Beardsley (1872&ndash;1898), the surreal puppets of German sculptor Hans Bellmer (1902&ndash;1975), and the whimsical street fashion of Harajuku district in Tokyo.</p> <p style="text-align: justify;">In addition to an overview of the artist&rsquo;s 25-year career, <em>Visions of Gothic Angels: Japanese Manga by Takaya Miou</em> focuses upon two anthologies, <em>The Madness of Heaven</em> (<em>Tengoku kyō</em>, 2001) and <em>Map of Sacred Pain</em> (<em>Seishō-zu</em>, 2001). Illustrations and short stories from these publications will be presented in a variety of formats: original drawings, printed books (<em>tankobon</em>), large-scale wall graphics, and digital works that visitors can read from cover to cover on iPads installed in the gallery.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Visions of Gothic Angels: Japanese Manga by Takaya Miou</em> is curated by Stephen Salel, the Robert F. Lange Foundation Assistant Curator of Japanese Art.</p> Tue, 24 May 2016 09:26:36 +0000 Beni Bischof - Galerie Nicola von Senger - August 26th 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">Es muss Ende der 1990er Jahre gewesen sein, als ich mit meiner Tochter Walt&nbsp; Disneys 1942 entstandenen Film Bambi wieder sah. Seit einigen Jahren war ich&nbsp; Galerist und mein Auge war ziemlich&nbsp; gesch&auml;rft f&uuml;r Visuelles. Schon die ersten&nbsp; Sekunden elektrisierten mich: Das Rauschen des Bl&auml;tterwaldes, die verschiedenen&nbsp; Gr&uuml;n - , Braun - , Rot und Gelbt&ouml;ne, welche in voller Harmonie ineinander s pielten.&nbsp; Die schneebedeckten B&auml;ume in wiegenden Landschaften, d ie sich f&uuml;r die Geschich te&nbsp; sanft &ouml;ffneten. Wow, so was Gro&szlig;artiges und Sch&ouml;nes, so liebevoll G ezeichnetes,&nbsp; das muss ein K&uuml;nstler aufgreifen und verarbeiten.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Nat&uuml;rlich habe ich Bambi als Kind gesehen und viele Eindr&uuml;cke durch den Film&nbsp; unbewusst ins Leben m itgenommen.&nbsp; Doch die k&uuml;nstlerische Sch&ouml;nheit habe ich erst&nbsp; als Erwachsener erkannt.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Der Tod von Bambis Mutter&nbsp; war&nbsp; die erschreckende Erkenntnis dass alles , auch das&nbsp; eigene Leben ein Ende haben wird.&nbsp; Das hat mich tief ersch&uuml;ttert. Der Lebenslauf&nbsp; eines junge n Rehkitzes , welcher mit seiner Geburt beginnt und mit der Geburt&nbsp; seine s Nachwuchses endet, ist die Geschichte des ewigen Leb enskreises, wunderbar&nbsp; erz&auml;hlt,&nbsp; liebevoll und meisterhaft gezeichnet.&nbsp; Bambi ist l&auml;ngst zum&nbsp; kultur&uuml;bergreifenden Symbol geworden:&nbsp; Geburt, Leben, Tod, Wiedergeburt, der&nbsp; endlose Kreis des Lebens. Bambi wurde zum Synonym und moralischer Wegbereiter&nbsp; f&uuml;r das Gute und Reine im Menschen. Eine erstrebenswerte Vorbildfunktion f&uuml;r&nbsp; Generationen, unabh&auml;ngig von Kultur und Religion.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Der Name, da s&nbsp; Label Bambi wurde&nbsp; immer wieder zweckentfremdet: Der j&auml;hrlich&nbsp; vergebene deutsche&nbsp; Medien - und Ferns ehpreis tr&auml;gt den Namen Bambi.&nbsp; Als Pokal f&uuml;r&nbsp; die Leistungen erh&auml;lt der Sieger ein goldeneres Rehkitz. Abertausende&nbsp; Kinderkrippen, Babyl&auml;den oder Hotels trage n den Namen Bambi.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">In den 1970er Jahren wurde das Bild des unschuldigen Rehkitzes ziemlich&nbsp; ramponiert. Russ Meyer, der f&uuml;r grossbusige Sexplotation - Filme zur Kultfigur&nbsp; wurde,&nbsp; war einer der ersten, der Bambi als Symbol des unschuldigen und guten&nbsp; Wesens al s Projektionsfl&auml;che brauchte. Wenig sp&auml;ter dann die Punk - Gruppe Sex&nbsp; Pistols, mit ihrem Manager Malcolm McLaren, der im Film "The Great Rock and Roll&nbsp; Swindle" subversiv die Frage stellte: "Who killed Bambi?" Jahrelang hatte ich&nbsp; ein Poster &uuml;ber meinem Bett h &auml;ngen, mit einer barbusigen, stacheligen Punkerin&nbsp; vor einem erlegten Rehkitz, dar&uuml;ber stand in rotziger Schrift: "Who killed&nbsp; Bambi?&ldquo;</p> <p style="text-align: justify;">Dass Beni Bischof sich f&uuml;r diese Ausstellung Bambi als Ausgangslage f&uuml;r seine&nbsp; Reflektion dieser ikonographischen Figur nim mt, l&auml;sst mein Herz um einen halben&nbsp; Takt schneller schlagen und ich freue mich sehr, meine Begeisterung mit Ihnen&nbsp; teilen zu k&ouml;nnen.</p> Sun, 21 Aug 2016 15:00:02 +0000 Group Show - ARNDT Singapore - August 27th 12:00 PM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;">WASAK! Reloaded&nbsp; is a group exhibition exploring the Filipino contemporary art landscape and is accompanied by a major hard copy publication WASAK! Filipino Art Today published by European publisher DISTANZ Verlag. The show is a continuation of the well-received group exhibition presented in Berlin in 2015, and will travel to Gazelli Art House in London in 2017.</p> <p style="text-align: justify;">The underlying motivation of WASAK! and its accompanying publication is to shed light on the fascinating contemporary art currently being produced in the Philippines. By offering an overview of Filipino contemporary art, WASAK!&nbsp; aims to provide an emblematic contextual compendium. Uniting a selection of leading protagonists across generational lines, genres, and media, the exhibition presents snapshots of current artistic practices from the Philippines.</p> <p style="text-align: justify;">The 17 participating artists have witnessed the social and political upheaval of Philippines&rsquo; recent history. Most of these artists spent their maturation grappling with local events that have transpired such as: natural disasters like earthquakes and floods; political unrest in the form of coup d&rsquo;&eacute;tat and calls to presidential impeachments; political ineptitude in the form of corruption and briberies; and longstanding bouts with poverty and urban overpopulation. This selection of artists have nurtured, or at least, directed their ideas into the reality that is Manila, the nation&rsquo;s capital, from where most of the country&rsquo;s bizarre undulations spring.</p> <p style="text-align: justify;">Although much of the artists&acute; work is inspired by their own localities, these artists continue to seek their place among the rest of the world. Through the jumble and mess of their own ground zero&mdash;which is a country of broken histories, a nation of lush influences, and a people constantly having to live despite of something&mdash;their art continued to become, individually, more diverse and yet collectively, as a single exploded view. &lsquo;Wasak&rsquo; is a Filipino word that means &ldquo;in ruins.&rdquo; When used in the vernacular, it means &ldquo;wrecked,&rdquo; or as a more encouraging interjection&mdash;it can also mean &ldquo;going for broke.&rdquo; It is a term that signals a hazard.</p> <p style="text-align: justify;">In this field of scattered landscapes, of broken narratives and loose continuity, what then could be ascribed as Philippine Art? The artists represented in WASAK! have come from the different potholes this gap has created, which explains the varying degrees how their work tries to explain not only a locality, but their own place in art history.</p> <p style="text-align: justify;">The 17 artists covered in WASAK! provide us with an opportunity to experience the different directions they have wandered into&mdash;a chance to view a small course of history that is finding its way into the arts.</p> <p style="text-align: justify;"><em style="text-align: justify;">New location within Gillman Barracks: 47 Malan Road #01-25</em></p> Sun, 31 Jul 2016 18:43:37 +0000 Leiko Ikemura - Nevada Museum of Art - August 27th 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;">In April 2013, a patron and staff group from the Nevada Museum of Art visited A27 Atelier Haus in Berlin, Germany. After spending a week visiting the city&rsquo;s cutting-edge contemporary galleries, museums, and alternative spaces, entering Leiko Ikemura&rsquo;s lofty, light-filled, minimalist space was an entirely different experience&mdash;like stepping into a temple dedicated to art. In her spacious studio, large scale-paintings punctuated the walls, and ceramic and bronze sculptures were elevated on low pedestals.</p> <p style="text-align: justify;">Swiss architect Philipp von Matt designed this combination studio and residence for his wife, Japanese-born artist Ikemura. This exhibition presents a selection of paintings and sculptures by this accomplished and well-established artist, with a special focus on work that addresses aspects of the natural world: landscape and the female figures and animal creatures that inhabit it. Ikemura&rsquo;s works describe conditions of loneliness, longing, and existential searching. Solitary doll-like female figures recline, dreaming with closed eyes, while a sculptural figure covers her face with her hands, a gesture of both grief and transcendence of earthly reality. Other figures sit pensively, seeming to morph into features of the landscape they inhabit, becoming indivisible from the natural world. Oval</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;ceramics in the form of human faces, displayed low on the ground, feature holes for their mouths, alluding to breathing and thereby existence. These works are informed by the artist&rsquo;s experiences as an expatriate, her personal relationships, and the historically significant things that have occurred in her lifetime, such as the Fukushima Daiichi nuclear disaster of 2011.</p> <p style="text-align: justify;">Born in Tsu, Japan, Ikemura left her native land at age twenty-one to escape &ldquo;the strictness of Japanese tradition.&rdquo; Beginning in the late 1970s, she pursued language studies in Spain, and attended the Academy of Fine Arts in Seville. She moved to Switzerland in the 1980s, living in Lucerne and Zurich, where she began to exhibit her work in group exhibitions. Ikemura&rsquo;s first major solo exhibition was held in Bonn in 1983, launching her career in Germany. Before long she moved to Germany permanently, settling in Cologne in 1984. By 1992, she was offered a teaching post at the Berlin University of Fine Arts, where she taught painting from 1992 to 2015.</p> <p style="text-align: justify;">Her work is documented in numerous catalogues and books, and is included in internationally prominent public collections, such as the Mus&eacute;e National d&rsquo;Art Moderne, Centre George Pompidou, Paris, France; The Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland; the&nbsp;Kunstmuseum Linz, Lentos, Museum of Modern Art Linz, Austria; the National Museum of Modern Art, Tokyo, Japan; and the National Museum of Contemporary Art, Osaka, Japan, among others. Ikemura&rsquo;s work has been shown in numerous exhibitions throughout Europe and Asia, however this is her first solo exhibition in the United States.</p> Sat, 02 Jul 2016 08:11:49 +0000 Marcin Maciejowski - Galerie Thaddaeus Ropac - Salzburg Villa Kast - August 29th 6:00 PM - 8:00 PM <div> <p style="text-align: justify;"><strong>Opening: Monday, 29th of August, 6pm</strong></p> <p style="text-align: justify;">The artist will be present.</p> <p style="text-align: justify;">Galerie Thaddaeus Ropac presents its third solo exhibition by Polish artist Marcin Maciejowski &ndash; his first exhibition in the Salzburg premises.</p> <p style="text-align: justify;">Maciejowski is a brilliant observer of modern life. He converts apparently unremarkable everyday scenes, photographs forgotten in archives and historical publications, into realistic paintings. <em>Fleeting</em> photographic pictorial worlds are <em>decelerated </em>through the analogue process of painting. In his typical virtuosic act of simplification and reduction, he combines a sometimes brash, comic-strip effect with a smooth, meticulous style, pastose in places, almost reminiscent of the Old Masters. In the early 16th century, the writer Baldassare Castiglione (1478-1529) established the term <em>sprezzatura</em> to describe the ability to carry out arduous tasks without apparent effort. Art historian Werner Busch once used the term in a lecture he gave in Berlin, to characterise the courtly ease of Rembrandt's late work. It is precisely this ease, this elegance, that represents the ideal to which Maciejowski aspires.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition title <em>Dimmed Colours</em>, says the artist, refers both to the palette he uses in these new works, and to his view of the current scenarios in international politics. Typically laconic, in this new series he mixes political slogans heard on the radio as he works, with motifs taken from his daily life or from the field of the <em>art world</em>; political statements often sound to him like the platitudes of an art critic. Here, the interplay of political rhetoric and artistic practice and their interpenetration is the leitmotiv. Minor personal concerns are mixed with fundamental political themes.</p> <p style="text-align: justify;">In Maciejowski's works, everyday scenes from the Cracow art scene are juxtaposed with art-historical icons which he tries to reproduce in painting, viewing them with admiration. "Maciejowski approached this new reality [of the cultural and political system changes since 1989 in Poland] with his trademark lack of pretension. He became an observer of contemporary life in both its banal and its official capacities, foregoing a close inspection of the world in favour of presenting its image, which he collects without feeling any urgent compulsion to compile them into a whole and comprehend them. [...] [The artist&rsquo;s] individuality and originality emerge in the selection process. After all, 'we only see what we&rsquo;re looking at', as John Berger once wrote." (Marek Swica)</p> <p style="text-align: justify;">Marcin Maciejowski was born in Babice near Cracow in 1974. From 1994 to 1996 he studied Architecture at the Polytechnic University and from 1996 to 2001 Graphic Arts at the Academy of Fine Arts in Cracow. Together with Rafal Bujnowski, Marek Firek, Wilhelm Sasnal and Josef Tomczyk, he founded the <em>Grupa Ladnie</em> (Pretty Group), which denied the myth of the artist as a creative genius, and questioned the power of art to change society.</p> <p style="text-align: justify;">Since the beginning of the 2000s Maciejowski's work has been exhibited internationally, and is represented in distinguished public collections such as that of the Belvedere/Vienna, Gallery for Contemporary Art Bunkier Sztuki/Cracow, Schauwerk/Sindelfingen, Astrup Fearnley Museum of Modern Art/Oslo, Centre Georges Pompidou/Paris, Whitney Museum of American Art/New York, San Francisco Museum of Modern Art, Thyssen-Bornemisza Collection and Los Angeles County Museum (LACMA).</p> <p style="text-align: justify;">The National Museum in Cracow held a comprehensive solo exhibition of Maciejowkski's work from March until May 2010. This was followed by solo exhibitions in July/August 2010 in the Ostdeutschen Galerie/Regensburg and February - June 2013 in the BALTIC Centre for Contemporary Art/Gateshead.</p> <p style="text-align: justify;">Marcin Maciejowkski lives and works in Cracow.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><strong>Er&ouml;ffnung: Montag 29. August um 18Uhr</strong></p> <p style="text-align: justify;">Der K&uuml;nstler wird anwesend sein.&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">Die Galerie Thaddaeus Ropac zeigt ihre dritte Einzelausstellung des polnischen K&uuml;nstlers Marcin Maciejowski. Es ist die erste Ausstellung Maciejowskis in den Salzburger Galerier&auml;umen.</p> <p style="text-align: justify;">Maciejowski ist ein gro&szlig;artiger Beobachter des modernen Lebens. Er transferiert auf den ersten Blick unscheinbare Alltagszenen, vergessene Bilder aus Archiven und historischen Publikationen in realistische Gem&auml;lde. <em>Fl&uuml;chtige</em> fotografische Bildwelten werden durch den analogen Prozess des Malens <em>verlangsamt</em>. In einem virtuosen Akt einer f&uuml;r Maciejowski typischen Vereinfachung und Schematisierung verbindet der K&uuml;nstler eine zuweilen comicartige Plakativit&auml;t mit einem weichkantigen, stellenweise pastosen, diffizilen Duktus, der geradezu altmeisterlich anmutet. Der Schriftsteller Baldassare Castiglione (1478-1529) etablierte im fr&uuml;hen 16. Jahrhundert den Begriff der <em>Sprezzatura</em>, mit dem er die F&auml;higkeit beschrieb, anstrengende Taten m&uuml;helos erscheinen zu lassen. Der Kunsthistoriker Werner Busch verwendete diesen Begriff einmal in einer Berliner Vorlesung, um die h&ouml;fische Leichtigkeit in Rembrandts Sp&auml;twerk zu charakterisieren. Diese Leichtigkeit, diese Eleganz ist es, die f&uuml;r Maciejowski ein erstrebenswertes Ideal darstellt.</p> <p style="text-align: justify;">Der Titel der Ausstellung <em>Dimmed Colours</em> bezieht sich, so der K&uuml;nstler, auf die in den neuen Werken zur Verwendung kommende Farbpalette, aber ebenso auf Maciejowskis Sicht auf die aktuellen Szenarien internationaler Politik. In seiner f&uuml;r ihn so typischen lakonischen Art vermengt er in dieser neuen Serie politische Slogans, die er w&auml;hrend des Arbeitens im Radio wahrnimmt mit Motiven, die er seinem Alltag oder der Sph&auml;re der <em>Kunstwelt</em> entnimmt. Politische Statements klingen f&uuml;r Maciejowski zuweilen wie Phrasen eines Kunstkritikers. Das Spiel von politischer Rhetorik und k&uuml;nstlerischer Praxis und ihre gegenseitige Durchdringung ist Leitmotiv dieser Serie. Kleine private Angelegenheiten werden mit fundamentalen politischen Themen vermischt.</p> <p style="text-align: justify;">In Maciejowskis Werken treffen allt&auml;glich Szenen aus der Krakauer K&uuml;nstlerszene auf kunsthistorische Ikonen, die Maciejowski mit bewunderndem Blick malerisch nachzuvollziehen versucht. &ldquo;Maciejowski approached this new reality [of the cultural and political system changes since 1989 in Poland] with his trademark lack of pretension. He became an observer of contemporary life in both its banal and its official capacities, foregoing a close inspection of the world in favour of presenting its image, which he collects without feeling any urgent compulsion to compile them into a whole and comprehend them. [...] [The artist&rsquo;s] individuality and originality emerge in the selection process. After all, &lsquo;we only see what we&rsquo;re looking at&rsquo;, as John Berger once wrote.&rdquo; (Marek Swica)</p> <p style="text-align: justify;">Marcin Maciejowski wurde 1974 in Babice bei Krakau geboren, studierte in den Jahren 1994 bis 1996 Architektur an der Polytechnischen Hochschule von Krakau und von 1996 bis 2001 Grafik an der dortigen Kunstakademie. Gemeinsam mit Rafal Bujnowski, Marek Firek, Wilhelm Sasnal und Josef Tomczyk gr&uuml;ndete er die <em>Grupa Ladnie</em> (Pretty Group). Sie negierte den Mythos des K&uuml;nstlers als genialen Sch&ouml;pfer und stellte die gesellschaftsver&auml;ndernde Kraft von Kunst in Frage.</p> <p style="text-align: justify;">Seit Anfang der 2000er Jahre wird Maciejowskis Werk international ausgestellt und befindet sich in bedeutenden &ouml;ffentlichen Sammlungen wie etwa in der Sammlung des Belvedere Wien, in der Gallery for Contemporary Art Bunkier Sztuki Krakow, im Schauwerk Sindelfingen, im Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst Oslo, im Centre Georges Pompidou Paris, im Whitney Museum of American Art New York, im San Francisco Museum of Modern Art, der Sammlung Thyssen-Bornemisza und im Los Angeles County Museum (LACMA).</p> <p style="text-align: justify;">Das National Museum Krakow zeigte von M&auml;rz bis Mai 2010 eine umfassende Einzelausstellung mit Marcin Maciejowski. Es folgten Solo-Schauen im Juli und August 2010 in der Ostdeutschen Galerie&nbsp;Regensburg sowie von Februar bis Juni 2013 im BALTIC Centre for Contemporary Art in Gateshead.</p> <p style="text-align: justify;">Marcin Maciejowkski lebt und arbeitet in Krakau.</p> </div> Wed, 17 Aug 2016 09:46:10 +0000 Robert Mapplethorpe - Galerie Thaddaeus Ropac - Salzburg Villa Kast - August 29th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Galerie Thaddaeus Ropac presents the exhibition <em>Objects</em>, with unique pieces by Robert Mapplethorpe from his early years as young artist, ranging from collages to his first Polaroids.</p> <p style="text-align: justify;">From 1963 to 1969, Mapplethorpe attended the Pratt Institute in Brooklyn, where he studied painting and sculpture, and majored in graphic art. During these formative years he produced numerous three-dimensional objects, drawings and collages using all kinds of mixed media. It was not until 1971, when he borrowed a Polaroid camera, that he introduced photography into his collages, along with cut-outs from books and magazine clippings. Back then everyone was taking Polaroid pictures. It was a very accessible medium for middle-class America. Mapplethorpe enjoyed using the instantaneity of the Polaroid camera, with which he elaborated a creative language to record the present moment, to play with the small picture frame or to embody a seductive sexuality. Only after 1975, when Sam Wagstaff &ndash; then curator of photography and collector of photographic works, as well as Mapplethorpe's mentor and lover &ndash; gave him a Hasselblad 500 camera, did Mapplethorpe begin to immerse himself in photography.</p> <p style="text-align: justify;">These formative years, from around 1968 to 1972, proved a decisive phase for Mapplethorpe, during which he moved rapidly from subject to subject and experienced abundant inspiration, which was later to develop into the core of his best-known photographic work for the next two decades.</p> <p style="text-align: justify;">In his early period he gravitated towards religious imagery, derived from his traditional Catholic upbringing. He was drawn by symbolic geometric motifs and made many collages and arrangements evoking a trilogy similar to those in Christian iconography but going beyond the bounds of traditional religious representation. He explored darker subjects such as black magic and Tantra Art, and redesigned Tarot cards, replacing the imagery with male figures taken from men's pornographic magazines.</p> <p style="text-align: justify;">Also included in the exhibition is the unique small format printed in 1986, of Mapplethorpe's famous fascinating self-portrait dated 1983, representing him as a youth with bony nubs of satyr&rsquo;s horns jutting from his curly hair. Mapplethorpe chose this as the cover of an exquisite French-English edition of Rimbaud's poems <em>A Season in Hell</em>, illustrated with photographs by Mapplethorpe.</p> <p style="text-align: justify;">These objects are infused with tenderness, delicacy and instantaneity. They are rarities of his artistic depiction and can be read like visual poems. As essential part of his &oelig;uvre, they are part of the recent acquisition by the J. Paul Getty Museum and the Los Angeles Country Museum (LACMA) from the Estate of the Robert Mapplethorpe Foundation.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Die Galerie Thaddaeus Ropac pr&auml;sentiert die Ausstellung <em>Objects</em> mit Unikaten von Robert Mapplethorpe aus seinen fr&uuml;hen Jahren als junger K&uuml;nstler, die von Collagen bis hin zu seinen ersten Polaroids reichen.</p> <p style="text-align: justify;">Von 1963 bis 1969 besuchte Robert Mapplethorpe das Pratt Institute in Brooklyn, wo er Malerei und Bildhauerei mit dem Schwerpunkt Grafik studierte. W&auml;hrend dieser pr&auml;genden Jahre schuf er zahlreiche dreidimensionale Objekte, Zeichnungen und Collagen unter Verwendung unterschiedlicher Medien. Erst 1971, als er sich eine Polaroid-Kamera auslieh, begann er fotografische Aufnahmen sowie Ausschnitte aus B&uuml;chern und Magazinen in seine Collagen einflie&szlig;en zu lassen. Damals waren Polaroid-Bilder weit verbreitet, denn es handelte sich um ein problemlos zug&auml;ngliches Medium. Mapplethorpe nutzte die Spontaneit&auml;t der Polaroid-Kamera zu seinen Zwecken und entwickelte eine k&uuml;nstlerisch-spielerische Sprache mit dem kleinformatigen Bildausschnitt, um den aktuellen Augenblick festzuhalten oder um eine verf&uuml;hrerische Sexualit&auml;t zu vermitteln. Erst nach 1975, als Sam Wagstaff &ndash; damals Kurator f&uuml;r Fotografie und Sammler fotografischer Werke sowie Mapplethorpes Mentor und Liebhaber &ndash; ihm eine Hasselblad 500 Kamera gab, begann Mapplethorpe sich vollst&auml;ndig in das Medium Fotografie zu vertiefen.</p> <p style="text-align: justify;">Diese pr&auml;genden Jahre von etwa 1968 bis 1972 waren eine sehr entscheidende Phase f&uuml;r Mapplethorpe, in der er sich schnell von einem Thema zum n&auml;chsten bewegte und einen Inspirationsreichtum erfuhr, der sich sp&auml;ter zum Herzst&uuml;ck seiner ber&uuml;hmtesten fotografischen Werke der n&auml;chsten zwei Jahrzehnte entwickeln sollte.</p> <p style="text-align: justify;">In seinen k&uuml;nstlerischen Anf&auml;ngen tendierte er &ndash; unter dem Einfluss seiner traditionellen katholischen Erziehung &ndash; zu Darstellungen mit religi&ouml;sem Hintergrund. Symbolische geometrische Motive inspirierten ihn und er schuf zahlreiche Collagen und Arrangements, die wie aus der christlichen Bildtradition bekannt, eine kompositorische Dreiteilung aufnehmen aber &uuml;ber die Grenzen traditioneller religi&ouml;ser Darstellungen hinausgingen. Er besch&auml;ftigte sich auch mit dunkleren Themen, schwarzer Magie, Tantra Art und er entwarf Tarotkarten, deren Abbildungen er durch M&auml;nnerfiguren aus pornografischen M&auml;nnermagazinen ersetzte.</p> <p style="text-align: justify;">Zu den Ausstellungsst&uuml;cken z&auml;hlt auch der 1986 angefertigte, kleinformatige Originlabzug von Mapplethorpes ber&uuml;hmtem und faszinierendem Selbstportrait aus dem Jahr 1983, das ihn als jungen Mann mit Satyr-H&ouml;rnern zeigt, die als kn&ouml;cherne Ausw&uuml;chse aus seiner Lockenpracht hervorragen. Mapplethorpe w&auml;hlte dieses Werk als Titelbild f&uuml;r eine erlesene, franz&ouml;sisch-englischsprachige Ausgabe von Rimbauds dichterischem Werk <em>A Season in Hell</em>, das mit Fotografien von Mapplethorpe illustriert ist.</p> <p style="text-align: justify;">Die Exponate vermitteln Z&auml;rtlichkeit, Feingef&uuml;hl und Spontaneit&auml;t. Sie sind wahrhaftige&nbsp; &nbsp;Rarit&auml;ten seiner kreativen Darstellungen und lassen sich wie visuelle Gedichte lesen. Sie sind wesentlicher Bestandteil seines k&uuml;nstlerischen Schaffens und z&auml;hlen zu den Werken, die das J. Paul Getty Museum und das Los Angeles County Museum of Art (LACMA) k&uuml;rzlich aus dem Nachlass der Robert Mapplethorpe Foundation erworben haben.</p> Wed, 17 Aug 2016 09:48:08 +0000 Erwin Wurm - Galerie Thaddaeus Ropac - Salzburg Villa Kast - August 29th 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Galerie Thaddaeus Ropac Salzburg takes pleasure in announcing the exhibition <em>Zwielicht </em>[Twilight], with new works by Erwin Wurm, in the <em>Project Room</em> of the Villa Kast. The artist has designed a fictive house with seating furniture and other home furnishings that are distorted and physically disfigured.</p> <p style="text-align: justify;">The sheer ordinariness of the objects is a basic element of Erwin Wurm's &oelig;uvre. They range from gherkins and sausages, through cars, to houses of all shapes and sizes. This serves to gain the viewer's trust, since the objects are ostensibly "familiar".</p> <p style="text-align: justify;">The colour-range of the sculptures &ndash; presented in the Project Room on two floors, as in a small house &ndash; is limited to black, white and beige/grey; their form is reminiscent of well-known 1960s designs. This reference is counteracted partly by the intransigent materiality of bronze, polyester or acrylic moulding, and partly by the surreal contraction which makes the objects appear as though viewed through a narrowing lens. Some of the sculptures show traces of the artist's body &ndash; as for instance, while the models for the later casts were still soft, he sat astride them (<em>Horse</em>) or stood up on them (<em>Stand</em>).</p> <p style="text-align: justify;">The titles of the sculptures are partly descriptive of the kind of physical impact inflicted by the artist on the model, which started out as true to life, and partly references to romantic experiences of nature or solitary experiences of the romanticised life of an artist &ndash; as for example the lamp sculpture <em>Twilight</em>. The title <em>Attic Brain Rain</em> refers to the well-known painting by Carl Spitzweg, <em>The Poor Poet</em> (1839), which shows the poet lying in his bed in an attic, with an umbrella shielding him from the rain coming in through the leaky roof.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Attic Brain Rain</em> and <em>Toilet</em> stem from the same idea as the artist's <em>Narrow House</em>: a life-size model of his parents' house, but reduced to a width of 1.5 metres. It is particularly significant that the forms Wurm has borrowed are those of vintage furniture and objects. These can be placed in a historical social setting, lending the work an outstanding presence which may evoke emotions and associations in the viewer.</p> <p style="text-align: justify;">The everyday objects are detached from their primary function &ndash; the artist renders them without purpose, their appearance being that of having become "de-formed". The totally distorted living ambience has the effect of a psychedelic stimulus on the viewer's imagination.</p> <p style="text-align: justify;">At the end of November 2016, Erwin Wurm is to open a four-month exhibition in the &nbsp;Bangkok Art and Culture Centre (BACC). In 2017 he will design the Austrian pavilion at the 57th Venice Biennale, as well as being represented in many solo exhibitions in distinguished institutions including the National Gallery/Prague, Kunsthaus/Graz, Lehmbruck Museum/Duisburg and K&uuml;ppersm&uuml;hle Museum of Modern Art/Duisburg. His work is prominently displayed in important museum collections in Australia, Asia, Europe and North and South America.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Die Galerie Thaddaeus Ropac Salzburg freut sich, im <em>Project Room</em> der Villa Kast die Ausstellung <em>Zwielicht </em>mit neuen Werken von Erwin Wurm anzuk&uuml;ndigen. Der K&uuml;nstler gestaltet ein fiktives Wohnhaus mit Sitzm&ouml;beln und Einrichtungsgegenst&auml;nden, die deformiert und materiell entfremdet sind.</p> <p style="text-align: justify;">Die Profanit&auml;t der Objekte in Erwin Wurms &OElig;uvre ist elementarer Grundbestandteil seines k&uuml;nstlerischen Schaffens. Die Spannbreite reicht hierbei von Gurken und W&uuml;rsten &uuml;ber Autos bis zu H&auml;usern unterschiedlichster Formgebung. Dies schafft prim&auml;r Vertrauen beim Betrachter, denn die Gegenst&auml;nde sind vermeintlich &bdquo;bekannt&ldquo;.</p> <p style="text-align: justify;">Die im Project Room auf zwei Etagen wie in einem kleinen Haus pr&auml;sentierten Skulpturen erscheinen farblich in einer reduzierten Palette von Schwarz, Wei&szlig; oder Beige-Grau und erinnern formal an das Design bekannter M&ouml;bel aus den 1960er Jahren. Dieser Verweis wird teils durch die unnachgiebige Materialit&auml;t von Bronze, Polyester oder Acrylguss, teils durch die surreal verengte Form gebrochen, als betrachte man die Objekte durch eine entsprechende Linse. Einige der Skulpturen weisen die Spur des K&ouml;rpers des K&uuml;nstlers auf, der auf dem ehemals weichen Modell f&uuml;r die sp&auml;ter gegossene Skulptur beispielsweise rittlings gesessen (<em>Horse</em>) oder aufrecht gestanden (<em>Stand</em>) hat.</p> <p style="text-align: justify;">Die Titel der Skulpturen sind teilweise beschreibend f&uuml;r die Form der physischen Einwirkung, die der K&uuml;nstler auf das zun&auml;chst an die Realit&auml;t angelehnte, erstellte Modell vornahm &ndash; teilweise verweisen sie auf romantische Naturerlebnisse oder solit&auml;re Erlebnisse des romantisierten K&uuml;nstlerlebens, sowie die Lampenskulptur <em>Twilight</em> (Zwielicht). Der Titel f&uuml;r das Werk <em>Attic Brain Rain</em> ist ein Verweis auf das bekannte Gem&auml;lde von Carl Spitzweg, <em>Der arme Poet</em>, von 1839. Der Dichter liegt auf diesem Bild in seinem Bett in einer Mansarde mit einem Regenschirm als Schutz vor dem durch das l&ouml;chrige Dach eindringenden Regen.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Attic Brain Rain</em> und <em>Toilet</em> entstammen derselben Idee wie das sogenannte <em>Narrow House</em> des K&uuml;nstlers, das er seinem Elternhaus nachempfunden in originaler Gr&ouml;&szlig;e, jedoch auf 1,50 m reduzierte Breite nachgebaut hat. Von besonderer Bedeutung ist, dass es sich bei den formalen Anleihen um Vintagem&ouml;bel und -gegenst&auml;nde handelt. Durch diese historische und soziale Verortbarkeit erh&auml;lt das Werk eine au&szlig;erordentliche Pr&auml;senz, die Assoziationen und Gef&uuml;hle beim Betrachter auszul&ouml;sen vermag.</p> <p style="text-align: justify;">Die Objekte des Alltags werden ihrer prim&auml;ren Funktion entbunden &ndash; der K&uuml;nstler entzieht ihnen ihren Sinn. Was sichtbar wird, ist ein &bdquo;Aus-der-Form-Geraten&ldquo;. Der komplett verfremdete Wohnzusammenhang wirkt wie ein psychedelischer Anreiz auf die Fantasie des Betrachters.</p> <p style="text-align: justify;">Ende November diesen Jahres er&ouml;ffnet Erwin Wurm eine viermonatige Einzelausstellung im Bangkok Art and Culture Centre (BACC). Im kommenden Jahr 2017 wird Erwin Wurm den &ouml;sterreichischen Pavillon auf der 57. Venedig-Biennale gestalten und dar&uuml;ber hinaus durch zahlreiche Einzelausstellungen in renommierten Institutionen wie etwa der Nationalgalerie Prag, dem Kunsthaus Graz, dem Lehmbruck Museum Duisburg und dem Museum f&uuml;r Moderne Kunst K&uuml;ppersm&uuml;hle Duisburg geehrt. Seine Werke sind weltweit in bedeutenden Museumssammlungen prominent vertreten, sowohl in Australien, als auch in Asien, Europa und Nord-und S&uuml;damerika.</p> <p><strong>&nbsp;</strong></p> Wed, 17 Aug 2016 09:49:53 +0000 Kim Kulim - Arario Gallery (Seoul) - August 30th 6:00 PM - 8:00 PM Wed, 10 Aug 2016 17:27:33 +0000 Raakel Kuukka - Forum Box - Space for Art - September 1st 5:00 PM - 7:00 PM <p style="text-align: justify;">This exhibition features photographs and a video work from the series Garden of the Night. The first images are from 2009 and the latest ones from the summer of 2015. I have photographed the plants, flowers, trees and the house itself at my childhood home. The place, the person, the presence, the atmosphere lit by flash and the visual reflections are real. The fact that this post-war house, the garden and the yard is also my childhood home is real. For me, the fact that I and my family were war-evacuees, still holds a lot of meaning; home and homelessness, loneliness, love, longing and the momentariness of life are all concepts that have been on my mind while making this collection of works. </p> <p style="text-align: justify;">It is surprising how the nocturnal garden and items on the yard look like when illuminated and brought forward from the darkness and blackness. My photographs feature among others philadelphus, aquilegia, lily, pelargonium, goldenglow, bergenia and the apple tree. The Night Garden video is a description of an illuminated, deserted house and its garden that has blossomed in the midst of the darkness. The apple trees bear heavy fruit, bats are flying around, the pelargoniums glow with redness and an eerie sound plays above it all.</p> <p style="text-align: justify;">Raakel Kuukka</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">This collection of works is a continuation the series of works by Raakel Kuukka which deal with relatives and family themes. </p> <p style="text-align: justify;">Raakel Kuukka has worked as a photography artist since the 1980s. From 2003 she has also worked with video. Kuukka has photographed her family and loved ones, the changing points in one's life and the fracturing and building of identity. History is also a strong, persisting topic in her work. Kuukka has worked as a free artist and as a teacher of photography in numerous schools and institutions. She has also exhibited her work regularly in Finland and abroad. Kuukka has published two photography books: "<em>Mother's Book</em>" (1998) and "<em>Letters to a Daughter</em>" (2011). Kuukka lives in Helsinki and works both in Helsinki and Muhniemi in Kouvola.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">N&auml;yttelyss&auml; on esill&auml; valokuvia ja video sarjasta <em>Y&ouml;n puutarha</em>. Ensimm&auml;iset kuvat ovat vuodelta 2009 ja viimeisimm&auml;t kes&auml;lt&auml; 2015. Olen valokuvannut loppukes&auml;n &ouml;in&auml; lapsuuskotini pihamaalla ja puutarhassa kasveja, kukkia, puita ja kotitaloa. Paikka, ihminen, l&auml;sn&auml;olo, salamalla valaistut tunnelmat ja kuvalliset heijastumat ovat todellisia. Todellista on my&ouml;s se, ett&auml; t&auml;m&auml; sodan j&auml;lkeen rakennettu talo, puutarha ja pihamaa on lapsuuskotini. Lapsuusperheeni evakkoudella on edelleen merkityst&auml;; koti ja kodittomuus, yksin&auml;isyys, rakkaus ja kaipaus ja el&auml;m&auml;n hetkellisyys ovat k&auml;sitteit&auml;, jotka ovat py&ouml;rineet mieless&auml;ni t&auml;t&auml; teoskokonaisuutta tehdess&auml;ni. </p> <p style="text-align: justify;">On yll&auml;tyksellist&auml; millaiselta &ouml;inen puutarha ja pihalle siirretyt esineet n&auml;ytt&auml;v&auml;t valaistuina ja esiin nostettuina pimeydest&auml; ja mustuudesta. Kuvissani esiintyv&auml;t mm. jasmike, akileija, lilja, pelargonia, kultapallo, vuorenkilpi ja omenapuu. Y&ouml;n puutarha-video on kuvaus valaistusta autiosta talosta ja puutarhasta, joka pimeyden keskell&auml; on puhjennut kukkaansa. Omenapuut kantavat raskasta hedelm&auml;&auml;, lepakot lentelev&auml;t, pelargoniat hehkuvat punaisina ja kaiken yll&auml; soi aavemainen &auml;&auml;nimaailma.</p> <p style="text-align: justify;">Raakel Kuukka</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">N&auml;yttelykokonaisuus on jatkoa Raakel Kuukan sukua ja perhett&auml; k&auml;sitteleviin teossarjoihin. </p> <p style="text-align: justify;">Kuukka on toiminut valokuvataiteilijana 1980-luvun alusta l&auml;htien.Vuodesta 2003 alkaen h&auml;n on tehnyt my&ouml;s videoteoksia. Kuukka on kuvannut l&auml;heisi&auml;&auml;n, el&auml;m&auml;n muutoskohtia, identiteetin murrosta ja rakentumista. My&ouml;s historia on vahvasti l&auml;sn&auml; Kuukan ty&ouml;skentelyss&auml;. Kuukka on toiminut vapaana taiteilijana sek&auml; valokuvauksen tuntiopettajana lukuisissa oppilaitoksissa. H&auml;n on esitt&auml;nyt teoksiaan s&auml;&auml;nn&ouml;llisesti sek&auml; kotimaassa ett&auml; ulkomailla. Kuukka on julkaissut kaksi valokuvakirjaa: "<em>&Auml;idin kirja/ Mother's Book</em>", (1998) ja "<em>Kirjeit&auml; tytt&auml;relle/ Letters to a Daughter</em>", (2011). Kuukka asuu ja ty&ouml;skentelee sek&auml; Helsingiss&auml; ett&auml; Muhniemell&auml; Kouvolassa.</p> Wed, 17 Aug 2016 09:10:35 +0000