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Brussels

Albert Baronian

Exhibition Detail
Monocrime
Rue Isidore Verheyden 2
1050 Brussels
Belgium


April 4th - May 10th
Opening: 
April 3rd 6:00 PM - 9:00 PM
 
Untitled, Joshua SmithJoshua Smith, Untitled,
2014, acrylic on canvas, 114 x 54 cm
© Courtesy of Albert Baronian
> ARTISTS
> QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://albertbaronian.com/
NEIGHBORHOOD:  
Center - Uptown
EMAIL:  
info@albertbaronian.com
PHONE:  
+32 2 512 92 95
OPEN HOURS:  
Tuesday-Saturday 12.00-6.00pm
TAGS:  
sculpture, painting
> DESCRIPTION

Galerie Albert Baronian is pleased to present Monocrime, a group exhibition with Larry Bell, Alan Charlton, Paul Fägerskiöld, Marcia Hafif, Joseph Marioni, Olivier Mosset, Joshua Smith and Pieter Vermeersch.

In a widely read article on GalleristNY.com, the young painter Joshua Smith reviewed an exhibition of an elder Josh Smith, which consisted, in part, of a roomful of monochrome paintings. The younger artist argued in the piece, that every painter of monochromes has a unique purpose for engaging with the practice. This exhibition assembles artists from different generations and backgrounds, each of whom make use of the monochrome for diverse reasons. The title of our exhibition, Monocrime, playfully refers to a varying degree of “monochromeness” on view, and with the historic position of the monochrome as a symbol of, or site for oppositional or even radical practices and politics.

Of the most prominent and radical living painters; Olivier Mosset is a massive influence to generations of artists. From his earliest work with the Parisian B.M.P.T. group to his current work engulfing everything since (his iconic circles, monochromes, neo-geo works and more) his practice highlights the political dimension of abstraction and the reciprocal limits of what might be accomplished with it. Conceptual and comic, rigorous and casual, his practice is marked by an engaged indifference. The paintings shown here: the dichromatic diptych “Over Easy” (1987) and his “Untitled” (2005), 6 blue monochrome canvases using a rubber polymer paint typically used for industrial purposes. These works illustrate the artist’s blurring of the unique and the routine, challenging typical notions of authorship in the process.

For the past five years Joshua Smith’s practice has consisted exclusively of small monochrome canvases. Unassuming in appearance, his work has sought to privilege an “experience of looking”. For Monocrime, Smith debuts a new body of shaped canvases, introducing a new degree of abstraction to his works, and at scale that dramatizes the physicality of both the objects, as well as the viewers who see them. His new unique and linear forms seem to dance across the walls they hang on. The artist casually dismisses the common practice of dramatizing the labour of art-making saying instead that both artists and viewers should expect more from art; fearing the cynical dismissal of “something like profundity or let alone, say, joy”.

Joseph Marioni’s paintings aren’t vehicles for any ideological or theoretical stance. Instead they are actual, powerful paintings, emphasizing the artist’s use of colour and light. For him the monochrome is precisely a painting of a single colour. But such a minimal description might undermine the complexity of his process and the richness of his results. Throughout the process of applying separate waves of acrylic, the canvas is held upright so that the liquid pigment flows toward the bottom of the works in pools of beautiful paint. The many undercoats of vivid paint give the works a luminescence and presence that can simply only be experienced in person.

Alan Charlton is a painter for whom colour is of great significance. Initially using utilitarian, industrial colours that were mass-produced for manufacturing (reds, greens and others) he eventually arrived at his signature use of grey; a colour with few associations, and little emotional symbolism. Working in grey for several decades now; his work invites viewers to focus on the forms he employs (crosses, rectangles, triangles, squares, etc); emphasizing the work’s place on the wall. For Charlton it’s important that his work maintains a relationship to the space it exists in. His paintings change our relationship to our environments, by highlighting the area within and around the works and asking us to seriously consider the spaces we occupy.

Marcia Hafif was a key member (along with Marioni and Mosset) of an informal, New York-based group, which practiced what was later labelled “radical painting”. The artists led a critical and deconstructive debate concerning painting and its pictorial history. Hafif’s works rigorously explore numerous formats, mediums, and combinations of each. While some may feel that the monochrome is perhaps “insufficient”, in content, Hafif states it “is open and receptive and ‘empty’; it is non-specific and changing according to time, location, and viewer.” It is thus explicitly brimming with content. Shown here are two works from the 1990s, “French Painting: Jaurès” and “Glaze Painting: Indigo”. The first is from a series made during a stay in Lyon, a more subdued oil on linen square canvas. The other employs a brightly coloured glaze, consisting of varnish, turpentine and oil, applied over a white ground.

Pieter Vermeersch’s works stunningly return intangible images to literal forms. His shimmering colour-field paintings may appear classically non-representational, but are in fact based on ‘real’ images, often sourced from personal photographs of images without special reference. His work is an effort to break the illusory fabric of both photography and painting’s two-dimensional pictorial surface– as he mars these works’ surfaces to reveal the forms beneath the picture planes themselves. In these new works the artist almost physically attacks a meticulously constructed image; which had prior been a picture close to an ideal or perfection.

Larry Bell, a leading figure of the Light and Space Movement of the 1960s is most commonly known for his minimalist sculptures—transparent cubes that thrive on the interplay of shape, light, and environment. Although Bell had early success with Abstract Expressionist painting, a day-job at a frame shop led him to experiment with excess scraps of glass, thus beginning his fascination with the material’s interaction with light. Bell’s first series of cubes combined three-dimensional glass forms with transmitted light, creating illusions of perspective through angles, ellipses, and mirrors. His more recent and smaller cubes go beyond a re-reading of minimalism to explore our traditional relationship to contemporary art. They question the “White Cube” of the gallery space and the impossibility of ever grasping the “true” essence of art objects.

The young Swedish artist Paul Fägerskiöld, whose painting here falls between dense polychromatic pointillism and monochrome painting, is a maverick in this exhibition. Made by using a dripping and spitting technique with cans spray paint, his floating pools of colour are an earnest attempt to represent colour unto itself. As the viewer approaches the painting the image dissolves to reveal its constituent formal elements, in the vein of early 20th century pointillism. Fägerskiöld embraces this history of impressionism and of the later colour-field painting of the 1950s and 1960s which his work might call to mind. His primary concerns though lie more less within the mining of particular histories and more with a continued investigation of colour-theory, cognition and language.


La Galerie Albert Baronian a le plaisir de présenter Monocrime, une exposition de groupe des œuvres de Larry Bell, Alan Charlton, Paul Fägerskiöld, Marcia Hafif, Joseph Marioni, Olivier Mosset, Joshua Smith et Pieter Vermeersch.

Cette exposition réunit des artistes de différentes générations et aux différents parcours, chacun recourant au monochrome pour diverses raisons. L'intitulé de notre exposition, Monocrime, est un clin d’œil au degré variable de la « monochromie » présentée ici et à la position historique du monochrome comme symbole ou écrin pour des pratiques et des politiques oppositionnelles, voire radicales.

Ces cinq dernières années, la pratique de Joshua Smith a exclusivement consisté en petites toiles monochromes. En apparence sans prétention, son œuvre a cherché à privilégier une « expérience de vue ». Pour Monocrime, Smith entame un nouvel ensemble de toiles, introduisant un nouveau degré d'abstraction dans ses œuvres, et à une échelle qui dramatise la « physicalité » tant des objets que des spectateurs qui les voient. Ses nouvelles formes uniques et linéaires semblent danser sur les murs auxquels elles sont suspendues. L’artiste rejette informellement la pratique courante qui consiste à dramatiser le travail de création artistique en affirmant, au contraire, que tant les artistes que les spectateurs devraient attendre plus de l'art.

Des peintres vivants les plus éminents et radicaux, Olivier Mosset a une influence majeure sur des générations d'artistes. De ses premières œuvres avec le groupe parisien B.M.P.T. à son travail actuel en incluant toutes ses créations intermédiaires (ses cercles iconiques, ses monochromes, ses œuvres néo-géo et plus), sa pratique met en lumière la dimension politique de l’abstraction et les limites réciproques de ce qu’elle permet d’accomplir. Conceptuelle et comique, rigoureuse et informelle, sa pratique est marquée par une indifférence engagée. Les peintures exposées ici : le diptyque dichromatique « Over Easy » (1987) et son « Untitled » (2005), 6 toiles monochromes bleues utilisant une peinture polymère caoutchoutée généralement utilisée à des fins industrielles.

Les peintures de Joseph Marioni ne sont les véhicules d'aucune attitude idéologique ou théorique. Au contraire, il s’agit de peintures concrètes, puissantes, soulignant l’utilisation que fait l’artiste de la couleur et de la lumière. Pour lui, le monochrome est précisément la peinture d’une seule couleur. Mais une telle description minimale pourrait ébranler la complexité de son processus et la richesse de ses résultats. Tout au long du processus qui consiste à appliquer des couches distinctes d'acrylique, la toile est maintenue droite afin que le pigment liquide coule vers le bas des œuvres. Les nombreuses couches de peinture éclatante donnent aux œuvres une luminescence et une présence qui ne peut simplement être vécue qu’en personne.

Marcia Hafif fut un membre clé (avec Marioni et Mosset) d’un groupe new-yorkais informel qui pratiquait ce qui fut ensuite qualifié de « peinture radicale ». Les artistes menaient un débat critique et déconstructif concernant la peinture et son histoire picturale. Les œuvres de Hafif explorent rigoureusement de nombreux formats, supports et combinaisons de chacun. Si certains peuvent ressentir le monochrome comme peut-être « insuffisant » sur le plan du contenu, Hafif affirme qu’il « est ouvert, réceptif et “vide” ; il est non spécifique et variable selon le temps, l'endroit et le spectateur ». Il regorge donc explicitement de contenu. Deux œuvres des années 1990 sont présentées ici : « French Painting: Jaurès » et « Glaze Painting: Indigo ». La première est tirée d’une série réalisée pendant un séjour à Lyon, une huile plus modérée sur une toile carrée en lin. L’autre utilise un vernissage coloré avec éclat, consistant en vernis, térébenthine et huile, appliqué sur un revêtement blanc.

Alan Charlton est un peintre pour qui la couleur a une grande signification. En utilisant à l'origine des couleurs industrielles et utilitaires (rouges, verts et autres), il est finalement arrivé à sa marque de fabrique : le gris, une couleur aux associations réduites et au faible symbolisme émotionnel. Son œuvre invite les spectateurs à se concentrer sur les formes qu’il emploie (croix, rectangles, triangles, carrés, etc.) ; soulignant la place de l’œuvre sur le mur. Pour Charlton, il importe que son œuvre préserve une relation à l’espace dans lequel elle existe. Ses peintures changent notre relation à nos environnements en mettant en lumière l’espace des œuvres et de la place occupée par le spetateur.

Les œuvres de Pieter Vermeersch restituent de manière renversante des images intangibles en formes littérales. Ses peintures chatoyantes en champs de couleur peuvent paraître non représentationnelles sur le plan classique, mais sont, en fait, basées sur des images « réelles », souvent tirées de photographies ou d’images personnelles. Son œuvre est un effort pour briser la structure illusoire de la surface picturale bidimensionnelle tant de la photographie que de la peinture, dans la mesure où il trouble les surfaces de ses œuvres pour révéler les formes sous-jacentes aux plans d'image eux-mêmes. Dans ces nouvelles œuvres, l'artiste attaque presque physiquement une image méticuleusement construite, auparavant proche d’un idéal de perfection.

Larry Bell, une personnalité phare du « Light and Space Movement » des années 1960, est généralement connu pour ses sculptures minimalistes, en l'occurrence des cubes transparents qui naissent de l’interaction entre la forme, la lumière et l’environnement. Bien que Bell ait connu un succès précoce avec la peinture expressionniste abstraite, son emploi dans une boutique d’encadrement l’a amené à expérimenter l’utilisation de déchets de verre, ce qui a suscité sa fascination pour l’interaction du matériau avec la lumière. Les premières séries de cubes de Bell combinaient des formes de verre tridimensionnelles avec la lumière transmise, créant des illusions de perspective à travers des angles, des ellipses et des miroirs. Ses cubes plus récents et plus petits vont au-delà d’une relecture du minimalisme pour explorer notre relation traditionnelle à l’art contemporain. Ils mettent en question le « Cube Blanc » de l’espace de la galerie et l'impossibilité de saisir un jour la « vraie » essence des objets d’art.

Le jeune artiste suédois Paul Fägerskiöld, dont la peinture s'inscrit ici entre le pointillisme polychrome dense et la peinture monochrome, fait figure de contraste dans cette exposition. Réalisés en utilisant une technique d’égouttement et de pulvérisation de peinture, ses groupes flottants de couleur sont une tentative profonde de représenter la couleur en elle-même. À mesure que le spectateur approche la peinture, l’image se désagrège pour révéler ses éléments constituants formels, dans la veine du pointillisme du début du 20e siècle. Fägerskiöld embrasse l’histoire de l’impressionnisme et de la peinture des années 50 et 60 que son œuvre pourrait rappeler. Ses principales préoccupations sont l’examen continu de la théorie chromatique, de la cognition et du langage.


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