Meessen De Clercq

For his first solo exhibition in Europe, American artist Adam Henry chose to show paintings that question light, colour and the possibilities that they have to express themselves in pictorial space.

 A large painting awaits visitors on the first floor. Consisting of 16 rectangles measuring about 40 x 30 cm, it perfectly symbolizes the search for fragmentation and decomposition that runs through the artist's work. The colours are meticulously scattered using spray paint and evoke certain colours of the spectrum of light seen through a prism. The mathematical progression (a rectangle multiplied by 4 and then again by 4), repetition of colours, with the variety of angles allowing a dynamic perception of the painting. As we contemplate the history of art, we realize that painting is constantly accountable to light. One of the 20th century artists to take a very close interest in this was Laszlo Moholy-Nagy in the 1920s, who advocated an activation of space via dynamic-constructive energy systems. The idea of replacing static values with dynamic values is recurrent and can also be found earlier, in the work of the Russian Constructivists and the Italian Futurists and later among kinetic artists. "The first projects looking towards a system of dynamic-constructive system of forces can be only experimental demonstration devices for testing the connection between man, material forces and space". Laszlo Moholy-Nagy's description in a way applies to how the work of Adam Henry is perceived: this activated dynamic space using a specific technique and personal reference system; effects of diffusion, dispersion and disappearance are linked to geometric imperatives: overlaps, interlacing, splits, repetitions, superimpositions, etc. Some paintings create an illusion effect, but there is more to it than the optical trickery. Beyond the blur that the artist manages to create, we feel there is a desire to take us further.

At first glance, this painting is on the way to becoming a visual location, divorced from conventional reality, from the world of objects and then becomes an autonomous mathematical and philosophical space. A painting leading to travel, wanderings and inner journeys. But viewing this work should enable an odyssey of the mind. One could say, paraphrasing Gaston Bachelard, that the painting "through the strength of its alchemy, through its colour-imparting life, can create a whole world, if only it can find the dreamer to make it happen". These works are open, initially they appeal to the eye and then they dispense with the volatile, pure aesthetic pleasure in order to assume their autonomy and in a second phase become more complex, darker, more earthly.

You feel a thought in action lurking in the background, behind the colours, intersections, and feel the energy in movement behind the collisions and shifts. We perceive a life, a breath. And joy too.

 Voor zijn eerste persoonlijke tentoonstelling in Europa heeft de Amerikaanse kunstenaar Adam Henry  ervoor gekozen elf schilderijen te tonen die het licht bevragen, de kleur en de mogelijkheden die deze  hebben om zich uit te drukken in een picturale ruimte. Een groot schilderij verwelkomt de bezoeker op de  eerste verdieping. Samengesteld uit 16 rechthoeken van ongeveer 40 op 30 centimeter, symboliseren zij  perfect het onderzoek naar de fragmentatie en decompositie dat als een rode draad doorheen het werk  van de kunstenaar loopt. De kleuren zijn nauwgezet met een door kunstenaar zelf op punt gestelde  techniek verspreid en roepen de kleuren op van het lichtspectrum doorheen een prisma. De wiskundige  progressie (een rechthoek vermenigvuldigd door 4 en nogmaals door 4), kleurherhalingen, afwisselende  hoeken laten een dynamische perceptie van  dit doek toe. Bij het overlopen van de kunstgeschiedenis  begrijpt men dat het schilderen constant verantwoording moet afleggen tegenover het licht. Eén van de  kunstenaars uit de 20e  eeuw die zich hier van zeer nabij voor interesseerde is Laszlo Moholy-Nagy die in de  jaren 20 een activatie van de ruimte door dynamisch constructieve energiesystemen voorstond. De idee  om statische waarden door dynamische te vervangen keert terug en vindt men ook, later, bij de Russische  constructivisten en Italiaanse futuristen, of nog later bij de kinetische kunstenaars. “Les premiers projets à  s’orienter vers un système de forces dynamiques et constructives ne peuvent être qu’expérimentaux, ce sont des  dispositifs à valeur démonstrative qui questionnent les relations existant  entre  l’homme,  le  matériau,  l’énergie  et  l’espace”.  Laszlo Moholy-Nagy beschrijft hier in zekere zin wat men waarneemt in het werk van Adam  Henry: deze door het gebruik van een eigen techniek en persoonlijk rooster geactiveerde dynamische  ruimte ; diffusie-effecten, verspreiding, verdwijning worden gekoppeld aan geometrische onderwerpingen:  doorsneden, kruisingen, verdelingen, herhalingen, superposities, … Bepaalde schilderijen roepen vaak een  effect van illusie op, maar boven de optische zinsverbijstering valt er veel te ontdekken. Op het eerste zicht  is dit schilderen een optische plaats, in wording, afgesneden van de gebruikelijke realiteit, van de  objectenwereld, om vervolgens een autonome wereld te worden, wiskundig, filosofisch. Een schilderen dat  leidt tot verplaatsingen, zwerftochten, innerlijke wandelingen. Maar de blik moet het ronddolen van de  geest toelaten. Men zou kunnen stellen, Gaston Bachelard parafraserend, dat het schilderen “par ses forces  d’alchimique teinture, par sa vie colorante, peut faire un univers, si seulement elle trouve son rêveur“. Deze werken  zijn open, ze richten zich eerst tot het oog en bevrijden zich dan van een volatiele last, van het puur  esthetische plezier om hun zelfstandigheid op te nemen, om zich dan complexer te openbaren, somberder,  aardser. Men voelt een denken in beweging  weggedoken in de achtergrond, achter de kleuren, de  intersecties, voelt men de energie in beweging, achter de botsingen en verschuivingen. Men voelt een  ademhaling, een zucht. En ook een vreugde.

Pour sa première exposition personnelle en Europe, l’artiste américain Adam Henry a choisi de montrer  onze œuvres qui interrogent la lumière, la couleur et les possibilités qu’elles ont de s’exprimer dans  l’espace pictural. 

Une grande toile accueille le visiteur au premier étage. Composée de 16 rectangles d’environ 40 x 30 cm,  elle symbolise parfaitement la recherche de fragmentation et de décomposition qui parcourt le travail de  l’artiste. Les couleurs sont dispersées suivant un procédé inventé par l’artiste et évoquent le spectre de la  lumière vue à travers un prisme. La progression mathématique (un rectangle multiplié par 4 et puis encore  par 4), les répétitions des couleurs, la variété des angles permettent une perception dynamique de cette  toile.

  En parcourant l’histoire de l’art, on se rend compte que la peinture est constamment tenue de s’expliquer  face à la lumière. L’un des artistes du XXe siècle qui s’y intéressa de très près est Laszlo Moholy-Nagy qui  dans les années 20 prônait une activation de l’espace par des systèmes dynamiques d’énergie (Dynamicconstructive energy system). L’idée de remplacer les valeurs statiques par des valeurs dynamiques est  récurrente et se retrouve aussi, de façon antérieure, chez les constructivistes russes et les futuristes italiens  ou plus tard chez les artistes cinétiques. « Les premiers projets à s’orienter vers un système de forces  dynamiques et constructives ne peuvent être qu’expérimentaux, ce sont des dispositifs à valeur démonstrative qui  questionnent les relations existant entre l’homme, le matériau, l’énergie et l’espace ». Laszlo Moholy-Nagy décrit  là en quelque sorte ce qu’on perçoit dans le travail d’Adam Henry : cet espace dynamique activé en utilisant  une technique propre et une grille personnelle ; des effets de diffusion, de dispersion, de disparition sont  couplés aux soumissions géométriques : coupes, entrecroisements, fractionnements, répétitions,  superpositions,... Certains tableaux induisent souvent un effet d’illusion mais au-delà de l’égarement  optique, il y a davantage à aller chercher. Au-delà du flou que l’artiste arrive à créer, on sent qu’il y a le  désir de nous amener plus loin.

 Au premier regard, cette peinture est un lieu optique, en devenir, coupé de la réalité usuelle, du monde des  objets puis devient un espace autonome, mathématique, philosophique. Une peinture menant à des  déplacements, des errances, des promenades intérieures. Mais le regard doit permettre le vagabondage de  l’esprit. On pourrait dire, en paraphrasant Gaston Bachelard, que la peinture « par ses forces d’alchimique  teinture, par sa vie colorante, peut faire un univers, si seulement elle trouve son rêveur » . Ces œuvres sont  ouvertes, elles s’adressent à l’œil dans un premier temps et puis se délestent du volatil, du pur plaisir  esthétique pour prendre leur autonomie et dans un deuxième temps se révéler plus complexes, plus  sombres, plus terriennes. 

On pressent une pensée en action tapie dans le fond de la toile, derrière les couleurs et on sent l’énergie  en mouvement derrière les collisions et décalages.

Enfin, on imagine aisément une respiration, un souffle. Et une joie aussi