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Brussels

Galerie Rodolphe Janssen

Exhibition Detail
JÜRGEN DRESCHER
Rue de Livourne 35
Livornostraat
1050 Brussels
Belgium


September 7th, 2012 - October 27th, 2012
Opening: 
September 7th, 2012 6:00 PM - 10:00 PM
 
Tuna, Jürgen DrescherJürgen Drescher, Tuna,
2012, Styrofoam epoxy resin pigment , 50 x 194 x 64 cm (19 3/4 x 76 3/8 x 25 1/4 in_
© Courtesy of the Artist and VGalerie Rodolphe Janssen
> QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://www.galerierodolphejanssen.com
NEIGHBORHOOD:  
Center - Uptown
EMAIL:  
info@galerierodolphejanssen.com
PHONE:  
t +32 2 538 08 18
OPEN HOURS:  
Tuesday to Friday 10:00 > 18:00 Saturday 14:00 > 18:00
TAGS:  
installation
> DESCRIPTION

What do you get? 

The artist asks the viewer: “What do you get?” What can I convey through my works? How much of that comes through to you? There is no unambiguous answer to these questions, because usually no surveys are carried out, and it is surely also always a question of viewers’ readiness and mood, of their taste, and of their previous experience—all of which shape their reactions.

In his first solo exhibition in Brussels, the Berlin sculptor Jürgen Drescher (b. 1955) has created a distinctive mise-en-scène of a selection of three-dimensional objects; some of these have been executed in two different forms and are presented in a juxtaposition of sorts. In his work, the artist constantly interrogates the socio-political potential of art and encourages debate on received perspectives regarding the status quo of objects, world politics, and globalization. Here, as in earlier exhibitions, we find casts and molds of everyday objects familiar to all of us. They awaken very diverse associations and sometimes inspire shame, insecurity or curiosity; they also confront us with our own expectant attitude, with our (lack of) knowledge, or with our prejudices. After a process of selection, Drescher appropriates these objects by means of sculptural techniques. He develops a personal approach to them and abstracts them into the sphere of art by translating them into materials such as aluminum, treated synthetic resins, or silver—and sometimes by also altering their scale.

Standing here in the entrance to the exhibition space of the Galerie Rodolphe Janssen, we immediately see the “bodies” of two three-dimensional speech bubbles without text, hovering in front of the walls to our right and left. The white bubble seems directly to blur into the wall; the silver bubble causes our mirror image to splinter as we approach it. It is futile to search for directly communicated information here. Tough luck! The same is true of the empty cardboard box, cast in aluminum and placed in the gallery. You get nothing, it’s only the shell.

On the wall, two more large objects follow, which once again “mirror” each other. It is only after a second glance that these circular—seemingly almost entirely abstract—forms might lead us to think of the drains that water passes through in the context of their everyday use. We constantly see and use such drains: However, the wastewater is far from our thoughts (out of sight, out of mind—we know all about that). Drescher has clearly defamiliarized these massively enlarged bathroom fixtures cum solar symbols from their abject connotations. Thus, the matte, silver-gray “XXL drain”—made of aluminum and still bearing the traces of the poured metal of its production process—literally seems to emit sunrays. In contrast, the other drain was “dipped” in the colors red and blue. An evocative “vacation picture” is thus created out of an object that is actually banal—perhaps a sunset by the sea? How nice, we might think: But isn’t the entire sea itself one continuous problem area?

The casts of decorative quilted blankets or coverlets, leaning on the wall further back, have their origins in different cultures. Educated viewers will recognize this on the basis of their different designs. The more or less floral decor points to the islamic world, the more abstract cross to Europe. All the same, people sleep in both cultures, and quilts and blankets make us think of repose. But, is this repose not entirely subjective and an absolute luxury good, anyway—while the world “out there” keeps turning …?

And then: two gigantic hands that could be the remnants of a colossal statue. Their symbolism points us in the direction of hands-on, handiwork, working class heroes—perhaps communism. However, they are just lying around: not connected to a body, waiting for their reanimation.

Finally, in the rear area of the exhibition, we become witnesses to a mysterious scenario. A life-sized reproduction of a frozen tuna fish has been installed on the floor. A situation similar to that of a market—and are we not, in the gallery, at a market of sorts? The fish is an icy white, only the incisions made to test its quality are red, almost like in real life. And, once again, we find ourselves thinking of the sea. The tuna fish, which, for several years now—all around the world and without a second thought—we have been eating in the form of sushi, is now in severe danger of extinction and is thus a commodity in high demand.
Here the dead tuna is surrounded by aluminum casts of framed paintings. “High culture”, we might think: But the silvery, glimmering cast pictures’ motifs—at best schematically identifiable and, in part, stained by the sooty smoke of their production process—point to the unearthly, to the psychedelic, to nothingness. Intoxication makes us forget (how practical!), but that is not going to wake the tuna back up …

Taking his own indecision as the theme of his art, Drescher involves us in a search for solutions; while doing so, however, he remains within the frame of art business. His objects are thus always “commodities” with a core of truth. Viewers and potential buyers can decide whether to interpret them as an expression of political activism or as a form of “l’art pour l’art” buttressed by existential questions. Whereby—a dead tuna makes this more difficult than an empty cardboard box.

Barbara Buchmaier, 2012


What do you get? 

"What do you get?", fragt der Künstler den Betrachter. Was kann ich mit meinen Werken rüberbringen? Was davon kommt bei Dir an? Eine eindeutige Antwort auf diese Frage gibt es nicht. Denn im Regelfall wird ja keine Umfrage durchgeführt und sicher ist es auch immer eine Sache der Bereitschaft, der Stimmung des Betrachters, seines Geschmacks und seiner Vorbildung, die seine Reaktion prägen wird.

In seiner ersten Einzelausstellung in Brüssel zeigt uns der in Berlin lebende Bildhauer Jürgen Drescher (* 1955), der in seinen Arbeiten beständig das gesellschaftspolitische Potential von Kunst befragt und eingeübte Sichtweisen auf den Status Quo der Dinge, die Weltpolitik und die Globalisierungsdebatte zur Debatte stellt, eine spezifisch inszenierte Auswahl dreidimensionaler Objekte, von denen er einige in zwei unterschiedlichen Ausführungen in einer Art Gegenüberstellung präsentiert. Wie bereits in früheren Ausstellungen sind es auch hier Abgüsse und Abformungen von alltäglichen Gegenständen, wie wir sie alle kennen. Sie wecken verschiedenste Assoziationen, rufen mal Scham, mal Verunsicherung oder Neugier hervor und konfrontieren uns mit unserer eigenen Erwartungshaltung, unserem (Nicht)Wissen oder unseren Ressentiments. Über bildhauerische Verfahren eignet sich Jürgen Drescher diese Gegenstände nach einer strengen Vorauswahl an. Er macht sie für sich verfügbar, abstrahiert sie in die Sphäre der Kunst, indem er sie in Materialien wie Aluminium, oberflächenbehandeltes Kunstharz oder Silber übersetzt und dabei teilweise auch in ihrer Größe verändert.

Da stehen wir, in der Ausstellungs-Halle der Galerie Rodolphe Janssen, blicken gleich am Eingang, jeweils rechts und links vor der Wand schwebend, auf die „bodies“ zweier dreidimensionaler Sprechblasen ohne Text. Die weiße scheint direkt mit der Wand zu verschwimmen, die silberne bricht unser Spiegelbild in viele Teile, wenn wir uns ihr nähern. Gezielt vermittelte Information sucht man hier vergebens. Pech gehabt. Genauso wie in dem leeren, im Galerieraum abgestellten, in Aluminium abgegossenen Karton. You get nothing, it’s only the shell.

Es folgen, sich wiederum „spiegelnd“, zwei weitere große Objekte an der Wand. Erst auf den zweiten Blick mag man bei diesen kreisrunden, beinahe rein abstrakt wirkenden Gebilden an Abflüsse denken, durch die im alltäglichen Gebrauch das Schmutz-Wasser abfließt. Ständig sehen wir auf solche Abflüsse und nutzen sie. Doch das Abwasser ist uns fern: aus den Augen, aus dem Sinn, wir kennen das. Jürgen Drescher hat den abjekten Beigeschmack der von ihm stark vergrößerten Sanitär-Accessoires deutlich verfremdet und sie zu Sonnensymbolen gemacht. So scheint der silbergrau-matte „XXL-Abfluss“ aus Aluminium, auf dem die Spuren des während des Produktionsprozesses einfließenden Metalls nicht entfernt wurden, förmlich zu strahlen. Der andere hingegen wurde in die Farben Rot und Blau „getaucht.“ So wird aus dem eigentlich banalen Objekt ein stimmungsvolles „Urlaubsbild“ – vielleicht ein Sonnenuntergang über dem Meer? Schön, könnte man denken, doch ist nicht auch das Meer eine einzige Problemzone?

Die weiter hinten an die Wand gelehnten Abgüsse von gesteppten Bett- und/oder Tagesdecken gehen auf verschiedene kulturelle Ursprünge zurück. Am jeweils unterschiedlichen Muster kann der gebildete Betrachter dies erkennen. Das eher florale Dekor weist in die Türkei und den Islam, das stärker abstrahierte Kreuz nach Europa. Doch in beiden Kulturen schlafen die Menschen, und lassen uns Decken an Ruhe denken: Doch, ist diese Ruhe nicht rein subjektiv und absoluter Luxus sowieso, während sich „draußen“ die Welt weiterdreht ...? 

Und dann: zwei riesige Hände: sie könnten Überreste einer Kolossalstatue sein. Ihre Symbolik weist uns in Richtung Hand-lung, Hand-Arbeit, Working-Class-Hero – Kommunismus vielleicht. Doch sie liegen einfach nur so da, ohne Anbindung an einen Körper, warten auf Reanimation. 

Im hinteren Teil der Ausstellung werden wir schließlich Zeugen eines mysteriösen Szenarios. Auf dem Boden wurde die lebensgroße Nachbildung eines toten Thunfischs installiert. Eine Situation ähnlich wie auf dem Markt – und sind wir nicht auch in der Galerie auf einer Art Markt? Der Fisch ist eisig-weiß, nur die Schnittstellen zur Prüfung der Qualität sind rot, fast wie in echt. Und schon sind wir wieder beim Meer. Der Thunfisch, den wir seit einigen Jahren auf der ganzen Welt so selbstverständlich zu Sushi verarbeitet essen, ist inzwischen stark vom Aussterben bedroht und somit ein begehrtes Handelsobjekt. 
Umrahmt wird der tote Tuna von schweren Aluminiumabgüssen gerahmter Gemälde. High Culture, könnte man meinen, doch die Motive der abgegossenen, jetzt silbrig schimmernden Bilder – maximal noch schematisch erkennbar und teilweise mit Schmauchspuren des Herstellungsprozesses befleckt – weisen ins Überirdische, ins Psychedelische, ins Nichts. Rausch macht vergessen – wie praktisch, doch davon wird der Tuna auch nicht wieder wach ...

Seinen eigenen Zwiespalt zum Thema seiner Kunst machend, involviert uns Jürgen Drescher in seine Suche nach Lösungen, in der er jedoch den Rahmen des Kunstbetriebs nicht verlässt. So sind seine Objekte immer „Ware“ mit wahrem Kern. Der Betrachter, der potenzielle Käufer kann entscheiden, ob er sie als Ausdruck politischen Engagements deuten oder als mit existenziellen Fragen untermauerte „l’art pour l’art“ interpretieren will. Wobei es einem ein toter Tuna da schon schwerer macht als ein leerer Karton.

Barbara Buchmaier, 2012


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