ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/brx/Events/show en-us 40 Elena Bajo - D+T PROJECT Gallery - May 2nd, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><small>For her third solo show at D+T Project Gallery, Elena Bajo (1976) presents a new series of works created in Los Angeles, a research part of the project  La Femme Radicale  or The Point of No Return commissioned by Octavio Zaya for the art journal Atlantica. (Octavio Zaya is the curator of the Spanish Pavilion, Venice Biennale 2013).<span style="text-decoration: underline;"></span><span style="text-decoration: underline;"></span></small></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><small>The research on the history and image's ontology of anarchist women such as Emma Goldman (1869-1940) and their reinterpretations by various craftsmen brings altogether a unique body of work that pays tribute to political activism.<span style="text-decoration: underline;"></span><span style="text-decoration: underline;"></span></small></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><small><span style="text-decoration: underline;"></span> <span style="text-decoration: underline;"></span>"(…) Since the original digital portraits were found in black and white, the process of investigation of the local  history of psychedelic drugs used by the californian native,  brought in colors exposing the potential similarities between hallucinatory and pixel effects. Referring to the traditional genre of portrait painting, the artist points at the way Goldman’s singularity gets lost in the abstract image the same way her personal voice was part of a broader political agenda. By extracting the image from its original condition, Bajo sets it free and embodies this process as a symbol of anarchy itself" (Florence Ostende)<span style="text-decoration: underline;"></span><span style="text-decoration: underline;"></span></small></span></p> <div><span style="font-size: medium; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><small><em></em></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small></small><small></small></small></small></small></small></span> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><small><small><span style="font-size: medium;"><small>Elena Bajo lives and works in Berlin and Los Angeles. She has gained international recognition and has extensively exhibited in Europe and the United States and took part in international venues such as: Manifesta 9, Genk/BE (2012); Extra City, Antwerp/BE (2011); David Roberts Arts Foundation, London/UK (2011); Performa 11, NY/USA (2011); MUHKA, Anwerp/BE (2011); Moscow Biennale/RU (2007, 2005); Istanbul Biennial/TK (2005). In May, Elena Bajo will be part of a major exhibition at la Casa Encendida Madrid/ES.</small></span></small></small></span></p> </div> Wed, 27 Mar 2013 08:13:32 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Dirk Braeckman, Marc Trivier - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - May 3rd, 2013 8:00 PM - 10:30 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">An evening with two of Belgium's most celebrated photographers moderated by <b>Vincen Beeckman</b>.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Marc Trivier</b> and <b>Dirk Braeckman</b> elaborate about the influences that have shaped their work. For Trivier, literature has been particularly important: it guides his "random" research, which has focused on time, the visible, traces, and space. In philosophical terms, Theodor Adorno is one of his principal points of reference. Dirk Braeckman's photographs, on the other hand, are suffused with musical, pictural and cinematic influences, although photographic technology, pornography and the surrealism of Marcel Mariën are ever present too.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Une soirée autour de deux photographes belges reconnus modérée par <b>Vincen Beeckman</b>.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Marc Trivier</b> et <b>Dirk Braeckman</b> aborderont les influences qui ont marqué leur travail. Pour le premier c’est surtout la littérature qui donne les lignes directrices de ses recherches « à l’aveugle ». Avec comme propos le temps, le visible, la trace, l’empreinte et l’espace. Et comme point de repère philosophique Theodor Adorno, parmi d’autres. Dirk Braeckman abordera sa photographie par le biais de la peinture, la musique, le cinéma. Des médias qui ont marqué sa création. Tout comme la technologie photographique, la pornographie et le surréalisme comme celui de Marcel Mariën.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Een avond rond twee bekende Belgische fotografen gemodereerd door <b>Vincen Beeckman</b>. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Marc Trivier</b> en <b>Dirk Braeckman</b> zullen de invloeden in hun werk toelichten. Voor de eerste is vooral literatuur doorslaggevend. Zij is het richtsnoer van zijn ‘blinde’ onderzoek, waarvan tijd, ruimte, het zichtbare en het spoor de ordewoorden zijn. Theodor Adorno behoort tot zijn belangrijkste filosofische leidslieden. De foto’s van Dirk Braeckman zijn dan weer doordrenkt van schilderkunst, muziek en film. Ook fototechnologie, pornografie en het surrealisme zoals dat van Marcel Mariën zijn sterk present.</span></p> Wed, 01 May 2013 08:52:27 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Chantal Akerman - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - May 4th, 2013 10:00 PM - 11:59 PM <div class="ap-whitebox-body description"> <p style="text-align: justify;">An iconic figure in the world of contemporary film<i>, </i>for over twenty years Chantal Akerman has also been developing work intended for exhibition spaces. Meditative, engaged and intensely personal, her multi-screen video installations express the inexpressible about identity and otherness, confinement and migration by appropriating reality through a complex game of autobiographical references. At the Kunstenfestivaldesarts, this humanist artist will be presenting a new installation combined with a performance. Against a backdrop of images, some of which are filmed live in or from her apartments in Paris, Brussels and New York, between here and there, inside and outside, we hear her read letters to her mother in which she contemplates her life and the world. So close and yet so far away… Akerman questions the relationship between presence and absence at a time when the technological mediation of communication is merely increasing the distance between people.<br /><br />Presentation : Kunstenfestivaldesarts, BOZAR<br />Production : The Kitchen (New York City)<br />Co-production : Kunstenfestivaldesarts, LVMH<br />Supported by : Vidi Square</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Figure incontournable du cinéma contemporain<i>, </i>Chantal Akerman développe aussi depuis une vingtaine d’années une oeuvre destinée aux espaces d’exposition plutôt qu’aux salles obscures. Méditatives, engagées et intensément personnelles, ses installations vidéo multi-écrans disent l’indicible de l’identité et de l’altérité, de l’enfermement et de la migration, en s’appropriant le réel par un jeu complexe de références autobiographiques. Au Kunstenfestivaldesarts, cette artiste humaniste présente une nouvelle installation doublée d’une performance. Sur des images filmées, partiellement en direct, dans ou depuis ses appartements à Paris, Bruxelles ou New York, entre ici et là-bas, intérieur et extérieur, on l’entend lire des lettres à sa mère où elle contemple sa vie et le monde. Si proche et pourtant si lointaine… Akerman interroge la relation entre présence et absence à une époque ou la médiation technologique de la communication ne fait qu’augmenter la distance entre les êtres.<br /><br />Presentation : Kunstenfestivaldesarts, BOZAR<br />Production : The Kitchen (New York City)<br />Co-production : Kunstenfestivaldesarts, LVMH<br />Soutien : Vidi Square</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Filmmaakster Chantal Akerman is niet weg te denken uit de hedendaagse cinema. De afgelopen jaren trok ze met haar werk ook meer naar de tentoonstellingsruimte. Haar <i>multi screen </i>video-installaties vertellen een autobiografisch en intens persoonlijk verhaal - van identiteit en anders-zijn, van afzondering en migratie - waarin de werkelijkheid nooit veraf is. Op het Kunstenfestivaldesarts creëert Chantal Akerman een nieuwe installatie annex performance. Ze leest brieven voor aan haar moeder waarin ze kijkt naar zichzelf en naar de wereld. Op verschillende schermen zien we een mengeling van rechtstreekse en gemonteerde beelden vanuit haar woning in Brussel, Parijs of New York. De kunstenares is overal en nergens, mijlenver weg en toch dichtbij. Akerman plaatst vraagtekens bij de verhouding tussen aanwezigheid en afwezigheid in een tijd waarin lange afstands communicatie de kloof tussen mensen alleen maar groter lijkt te maken. <i>Maniac Shadows </i>is een eigenzinnig venster op de wereld.<br /><br />Presentation : Kunstenfestivaldesarts, BOZAR<br />Production : The Kitchen (New York City)<br />Co-production : Kunstenfestivaldesarts, LVMH<br />Supported by: Vidi Square</p> </div> Wed, 01 May 2013 08:58:15 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Chantal Akerman - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - May 5th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">An iconic figure in the world of contemporary film<i>, </i>for over twenty years Chantal Akerman has also been developing work intended for exhibition spaces. Meditative, engaged and intensely personal, her multi-screen video installations express the inexpressible about identity and otherness, confinement and migration by appropriating reality through a complex game of autobiographical references. At the Kunstenfestivaldesarts, this humanist artist will be presenting a new installation combined with a performance. Against a backdrop of images, some of which are filmed live in or from her apartments in Paris, Brussels and New York, between here and there, inside and outside, we hear her read letters to her mother in which she contemplates her life and the world. So close and yet so far away… Akerman questions the relationship between presence and absence at a time when the technological mediation of communication is merely increasing the distance between people.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Presentation : Kunstenfestivaldesarts, BOZAR</span><br /><span style="font-size: small;">Production : The Kitchen (New York City)</span><br /><span style="font-size: small;">Co-production : Kunstenfestivaldesarts, LVMH</span><br /><span style="font-size: small;">Supported by : Vidi Square</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Figure incontournable du cinéma contemporain<i>, </i>Chantal Akerman développe aussi depuis une vingtaine d’années une oeuvre destinée aux espaces d’exposition plutôt qu’aux salles obscures. Méditatives, engagées et intensément personnelles, ses installations vidéo multi-écrans disent l’indicible de l’identité et de l’altérité, de l’enfermement et de la migration, en s’appropriant le réel par un jeu complexe de références autobiographiques. Au Kunstenfestivaldesarts, cette artiste humaniste présente une nouvelle installation doublée d’une performance. Sur des images filmées, partiellement en direct, dans ou depuis ses appartements à Paris, Bruxelles ou New York, entre ici et là-bas, intérieur et extérieur, on l’entend lire des lettres à sa mère où elle contemple sa vie et le monde. Si proche et pourtant si lointaine… Akerman interroge la relation entre présence et absence à une époque ou la médiation technologique de la communication ne fait qu’augmenter la distance entre les êtres.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Presentation : Kunstenfestivaldesarts, BOZAR</span><br /><span style="font-size: small;">Production : The Kitchen (New York City)</span><br /><span style="font-size: small;">Co-production : Kunstenfestivaldesarts, LVMH</span><br /><span style="font-size: small;">Soutien : Vidi Square</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Filmmaakster Chantal Akerman is niet weg te denken uit de hedendaagse cinema. De afgelopen jaren trok ze met haar werk ook meer naar de tentoonstellingsruimte. Haar <i>multi screen </i>video-installaties vertellen een autobiografisch en intens persoonlijk verhaal - van identiteit en anders-zijn, van afzondering en migratie - waarin de werkelijkheid nooit veraf is. Op het Kunstenfestivaldesarts creëert Chantal Akerman een nieuwe installatie annex performance. Ze leest brieven voor aan haar moeder waarin ze kijkt naar zichzelf en naar de wereld. Op verschillende schermen zien we een mengeling van rechtstreekse en gemonteerde beelden vanuit haar woning in Brussel, Parijs of New York. De kunstenares is overal en nergens, mijlenver weg en toch dichtbij. Akerman plaatst vraagtekens bij de verhouding tussen aanwezigheid en afwezigheid in een tijd waarin lange afstands communicatie de kloof tussen mensen alleen maar groter lijkt te maken. <i>Maniac Shadows </i>is een eigenzinnig venster op de wereld.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Presentation : Kunstenfestivaldesarts, BOZAR</span><br /><span style="font-size: small;">Production : The Kitchen (New York City)</span><br /><span style="font-size: small;">Co-production : Kunstenfestivaldesarts, LVMH</span><br /><span style="font-size: small;">Supported by: Vidi Square</span></p> Wed, 01 May 2013 08:56:47 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - May 9th, 2013 10:00 AM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Thanks to the Monography Series Award NIKON-BOZAR Belgian photographers - or foreign photographers who have resided in Belgium for over a year - are invited to submit a proposal for a solo exhibition at the Centre for Fine Arts. A panel of renowned jury members will select the most interesting project from all the proposals. The panel is multidisciplinary, enabling it to evaluate the artistic, social and philosophical merit of the photos.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">There is no age limit but the artistic aspect of the photos is a key element. The proposed exhibition must relate to an interesting theme and a significant artistic contribution has to be apparent in the photos.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Cette premi&egrave;re &eacute;dition de la Monography Series est le r&eacute;sultat d&rsquo;un nouveau prix annuel,&nbsp;initi&eacute; gr&acirc;ce &agrave; la collaboration de BOZAR et&nbsp;NIKON,&nbsp;qui souhaite couronner l&rsquo;&oelig;uvre d&rsquo;un photographe belge.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Parmi les 160&nbsp;portfolios introduits, le jury multidisciplinaire a choisi de mettre &agrave; l&rsquo;honneur le travail d&rsquo;Annemie Augustijns (1965&deg;, Brasschaat) dont il a appr&eacute;ci&eacute;&nbsp;la coh&eacute;rence. D&rsquo;embl&eacute;e, son travail t&eacute;moigne d&rsquo;un r&eacute;el penchant pour l&rsquo;architecture moderniste tardive. De fa&ccedil;on objective, mais jamais rigide, elle met en images les b&acirc;timents et leur am&eacute;nagement int&eacute;rieur et saisit les &eacute;motions que cette architecture peut susciter&nbsp;: la joie, la m&eacute;lancolie, l&rsquo;espoir et la na&iuml;vet&eacute;.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Deze eerste editie van de Monography Seriesis het resultaat van een nieuwe prijs voor fotografie, ge&iuml;nitieerd dankzij de samenwerking tussen BOZAR en&nbsp; NIKON, die het &oelig;uvre van &eacute;&eacute;n Belgisch fotograaf belicht.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Onder de 160 ingezonden portfolio's heeft&nbsp;de multidisciplinaire jury&nbsp;het werk van Annemie Augustijns (1965&deg;, Brasschaat) bekroond. De jury waardeert de coherentie van haar werk, waaruit een grote liefde voor de laat-modernistische architectuur spreekt. Objectiverend, maar nooit rigoureus brengt zij de gebouwen en interieurs van deze periode in beeld en capteert zij de gevoelens die deze architectuur teweeg brengt; vreugde, weemoed, hoop en na&iuml;viteit.</span></p> Wed, 01 May 2013 09:02:06 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - May 9th, 2013 8:00 PM - 9:00 PM <h2 style="color: #5e76a9; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Displacement and Reconstruction: The Francis Bacon's Studio, Hugh Lane Gallery, Dublin</span></h2> <table align="right"> <tbody> <tr> <td><span style="font-size: small;"> </span></td> </tr> </tbody> </table> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The history of modern art records many artists who have thoroughly rearranged, reconstructed, or extended their studios; well-known examples include Gustave Moreau, Piet Mondriaan, Kurt Schwitters, and Constantin Brancusi, as well as contemporary figures such as Urs Fischer, Gregor Schneider, Bik van der Pol, and Jan De Cock. For the artists in question, the studio is not just a place for making art, but a <i>practice in itself</i>. In their studios, art is made and the making of art is itself given artistic form. They subject the studio space and its architectural framework to a variety of forms of rhetoric and iconography as they work on the construction, representation, and reflection of their own artistic identity. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In this talk we will look at the extent to which this extensive historical background can be employed as a reference framework for a critical analysis of the many museum <i>reconstructions</i> of (historical) artist's studios over recent decades and in particular of the striking reconstruction of Francis Bacon's studio at the Hugh Lane Gallery in Dublin. Bacon's studio was not only transported across the sea from London to Dublin, but was also only partly reconstructed. As an artist, moreover, Bacon had never regarded his own studio as a distinct artistic project, let alone as a space that should be preserved for history. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Alongside conceptual questions about original artistic intention and museological concerns about historical authenticity, this ambitious undertaking also raises, above all, a series of fascinating architectural issues. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Wouter Davidts</b> lives and works in Antwerp, Belgium. He is Head of the Visual Arts Programme at Sint Lucas University College of Art and Design, Antwerp. He is the author of <i>Bouwen voor de kunst? </i>(A&amp;S/books, 2006) and co-edited <i>The Fall of the Studio </i>(Valiz, 2009), <i>CRACK: Koen van den Broek</i> (Valiz, 2010), and <i>Luc Deleu - T.O.P. office: Orban Space</i> (Valiz, 2012). He curated <i>Abstract USA 1958-1968. In the Galleries</i> at the Rijksmuseum Twenthe in Enschede (2010) and <i>Orban Space: Luc Deleu - T.O.P. office</i> at Stroom Den Haag (2012).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Come early and visit the exhibition Changing States before the conference ! Your ticket for the conference guarantees you free access to the archives of Francis Bacon on May 9th.</span></p> <hr /> <h2 style="color: #5e76a9; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Displacement and Reconstruction: The Francis Bacon's Studio, Hugh Lane Gallery, Dublin</span></h2> <table align="right"> <tbody> <tr> <td><span style="font-size: small;"> </span></td> </tr> </tbody> </table> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L’histoire de l’art moderne compte de nombreux artistes qui ont aménagé, transformé ou agrandi leur atelier de façon intensive. Parmi les exemples les plus anciens, citons Gustave Moreau, Piet Mondriaan, Kurt Schwitters et Constantin Brancusi et, plus récemment, Urs Fischer, Gregor Schneider, Bik van der Pol et Jan De Cock. Ces artistes considèrent l’atelier non seulement comme un lieu où ils peuvent pratiquer leur art, mais aussi comme <i>un cabinet en soi</i>. Dans leur atelier, ils font de l’art, mais ils façonnent aussi la pratique de l’art elle-même. Ils soumettent l’espace et le cadre architectural de l’atelier à des formes divergentes de la rhétorique et de l’iconographie et développent ainsi la construction, la représentation et la réflexion de leur propre identité artistique.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dans cette conférence, nous allons examiner dans quelle mesure cette riche histoire peut servir de cadre de référence à une analyse critique des nombreuses <i>reconstructions</i> muséales d’ateliers d’artistes (historiques) de ces dix dernières années, en particulier la remarquable reconstruction de l’atelier de Francis Bacon dans les locaux de la Hugh Lane Gallery à Dublin. L’atelier de Bacon a non seulement dû traverser la mer pour déménager de Londres à Dublin, mais il n’a en plus été reconstruit que partiellement. En outre, en tant qu’artiste, Bacon n’avait jamais considéré son propre studio comme un projet artistique à part entière, et encore moins comme un espace à conserver pour la postérité.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En plus d’interrogations conceptuelles sur l’effort artistique initial et de préoccupations muséologiques sur l’authenticité historique, cette entreprise de grande envergure pose aussi toute une série de questions architecturales passionnantes.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Wouter Davidts</b> vit et travaille à Anvers. Il est responsable des arts libéraux au Sint Lucas University College of Art and Design d’Anvers. Il est l’auteur de <i>Bouwen voor de kunst? </i>(A&amp;S/books, 2006) et le rédacteur de <i>The Fall of the Studio </i>(Valiz, 2009),<i> CRACK: Koen van den Broek</i> (Valiz, 2010) et <i>Luc Deleu - T.O.P. office: Orban Space</i> (Valiz, 2012).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Il a été le commissaire d’<i>Abstract USA 1958-1968. In the Galleries </i>au Rijksmuseum Twenthe d’Enschede (2010) et d’<i>Orban Space: Luc Deleu - T.O.P. office</i> au Stroom Den Haag (2012).</span></p> <hr /> <h2 style="color: #5e76a9; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Displacement and Reconstruction: The Francis Bacon's Studio, Hugh Lane Gallery, Dublin</span></h2> <table align="right"> <tbody> <tr> <td><span style="font-size: small;"> </span></td> </tr> </tbody> </table> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De moderne kunstgeschiedenis kent tal van kunstenaars die op intensieve wijze hun atelier hebben ingericht, verbouwd of uitgebreid, met bekende historische voorbeelden als Gustave Moreau, Piet Mondriaan, Kurt Schwitters en Constantin Brancusi, en hedendaagse figuren als Urs Fischer, Gregor Schneider, Bik van der Pol en Jan De Cock. Deze kunstenaars zien het atelier niet enkel als een plaats om kunst te praktiseren, maar als een <i>praktijk op zich</i>. In hun ateliers wordt kunst gemaakt én wordt het kunst maken zélf gemodelleerd. Ze onderwerpen de ruimte en het architecturaal kader van het atelier aan uiteenlopende vormen van retoriek en iconografie, en werken zo aan de constructie, representatie en reflectie van hun eigen artistieke identiteit. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In deze lezing zullen we nagaan in welke mate deze rijke geschiedenis ingezet kan worden als referentiekader voor een kritische analyse van de talrijke museale <i>reconstructies</i> van (historische) kunstenaarsateliers in de voorbije decennia, in het bijzonder de opmerkelijke reconstructie van het atelier van Francis Bacon in de ruimtes van de Hugh Lane Gallery in Dublin. Het atelier van Bacon onderging niet enkel een overzeese verhuizing van Londen naar Dublin, maar werd tevens slechts gedeeltelijk gereconstrueerd. Bovendien had Bacon als kunstenaar zijn eigen studio nooit als een zelfstandig artistiek project begrepen, laat staan een ruimte die voor de geschiedenis bewaard moest blijven. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Naast conceptuele kwesties omtrent oorspronkelijke artistieke inzet en museologische preoccupaties omtrent historische authenticiteit, roept de grootschalige onderneming bovenal een reeks boeiende architecturale vraagstukken op. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Wouter Davidts</b> woont en werkt in Antwerpen. Hij is Hoofd Vrije Kunsten aan Sint Lucas University College of Art and Design, Antwerpen. Hij is auteur van <i>Bouwen voor de kunst? </i>(A&amp;S/books, 2006) en samensteller van <i>The Fall of the Studio </i>(Valiz, 2009), <i>CRACK: Koen van den Broek</i> (Valiz, 2010) en <i>Luc Deleu - T.O.P. office: Orban Space</i> (Valiz, 2012).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Hij was curator van <i>Abstract USA 1958-1968. In the Galleries</i> in het Rijksmuseum Twenthe in Enschede (2010) en <i>Orban Space: Luc Deleu - T.O.P. office</i> in Stroom Den Haag (2012).</span></p> Wed, 01 May 2013 09:06:48 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Bob Verschueren - Museum Van Buuren - May 9th, 2013 2:00 PM - 5:30 PM Wed, 01 May 2013 09:51:21 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - Alice - May 10th, 2013 4:00 PM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>On the occasion of 10 years of Ed Banger Records at the Botanique festival, SO-ME and Busy P sign the book "Travail, Famille, Party", at Alice Gallery.</b></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">To celebrate 10 years of the label, SO-ME’s artistic director has selected over 400 iconic pictures. Captured through the objectivity of the camera, they combine artistic reflection and immediacy. In 300 pages,"Travail, Famille, Party" is assessed as a family album that never closes. This unique visual record label combines life since its inception in 2003 with their own experiences of SO-ME.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Between the tour of the group Justice, DJ sets from the 4 corners of the world relive the unusual visual and musical decade of the last 10 years.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">"Travail, Famille, Party" is published by Headbangers publishing and costs €49<b> -cash only-</b></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b><b>A l'occasion des 10 ans du label Ed Banger Records au Festival les Botaniques,<br /> SO-ME et Busy P signeront le livre Travail, Famille, Party à Alice Gallery.</b></b></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Pour célébrer les 10 ans du label, son directeur artistique SO-ME a sélectionné 400 photos emblématiques.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Capturées à travers les objectifs de ses appareils photos, elles allient à la fois réflexion artistique er instantanéité.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> En 300 pages, TFP s'apprécie comme un album de famille qu'on ne voudrait jamais refermer.</span><br /><span style="font-size: small;"> Ce témoignage visuel exclusif conjugue la vie du label depuis sa création en 2003 et les propres expériences de SO-ME.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Entre la tournée du groupe Justiqe, les DJ sets aux 4 coins du monde, et les anniversaires fêtés depuis maintenant 10 ans, revivez cette décennie visuelle et musicale hors du commun.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Travail, Famille, Party est édité par Headbangers Publishing, l'ouvrage coute 49 euros <b>-cash only-</b></span></p> <p><b></b></p> Tue, 07 May 2013 15:34:26 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Renzo Martens - WIELS - May 11th, 2013 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Institute for Human Activities was founded in 2012. With legal structures in Amsterdam, Brussels and Kinshasa, a number of renowned institutional partners and advisors, and a dedicated team of artists and scholars, the Institute's <em>raison d'être</em> is to recalibrate art's critical mandate.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the transfer of critical, interventionist art from the areas of intervention to the areas where the art is presented to audiences, a gap seems to arise; a gap very similar to the division between labor and profit in other globalized industries. Art may expose the need for a political change in Nigeria or Peru, but in the end brings beauty, opportunity and capital to Berlin-Mitte, or Chelsea and the Lower East Side in New York.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">We may lament this and feel that the alliance between art, money and power undermines art’s integrity and critical mandate. However, we believe that the radical acceptance of the terms and conditions of the production of art will offer the potential to forge a new mandate for critical art.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Institute for Human Activities operates on a settlement in the Democratic Republic of the Congo, eight hundred kilometers upstream from Kinshasa on the river Congo. Here, in one of the most burdened yet promising regions in the world, the Institute launched its five-year <em>Gentrification Program</em>. In an in-vitro testing ground, it mobilizes the modalities of art production. In the course of its implementation, the Institute will establish a site for love, art and profit.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">From May 8 until May 11, artistic director of the Institute for Human Activities, Renzo Martens, will give a lecture, in the context of the Kunstenfestivaldesarts, explaining the aims and the workings of the <em>Gentrification Program</em>. He will offer a first insight into the Institute’s activities. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>On the Institute for Human Activities</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">08 &amp; 10.05.2013: 20:30
</span><br /><span style="font-size: small;">09 &amp; 11.05.2013: 18:00
</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>EN</strong>

</span><br /><span style="font-size: small;">±1h</span><br /><span style="font-size: small;">€ 12 / € 10
</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Q &amp; A with the artist after each lecture</em></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tickets: <a href="http://www.kfda.be/en/tickets">http://www.kfda.be/en/tickets</a> </span><br /><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>CREDITS</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Lecture by</strong>
 Renzo Martens</span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Developed in collaboration with 
</strong>Delphine Hesters, Els Roelandt, Jaap Koster<strong><br />Thanks to </strong>Barbara Van Lindt, Rudi Maerten<strong><br /></strong><strong>Presentation</strong>
 Kunstenfestivaldesarts, WIELS</span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Production </strong>
Institute for Human Activities (IHA)</span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Co-production</strong>
 Kunstenfestivaldesarts</span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Supported by </strong>
Mondriaan Fund, AFK, Prince Claus Fund, Van Abbemuseum (Eindhoven),
KASK School of Arts (Ghent), KVS (Brussels)</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het Institute for Human Activities werd opgericht in 2012. Met juridische structuren in Amsterdam, Brussel en Kinshasa, een aantal gerenommeerde institutionele partners en adviseurs, en een toegewijd team van kunstenaars en geleerden, is de bestaansreden van het Instituut het herkalibreren van het kritische mandaat van kunst.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Er lijkt een kloof te ontstaan bij de overdracht van kritische, interventionistische kunst vanuit de gebieden van interventie naar de gebieden waar de kunst wordt gepresenteerd aan het publiek. Een kloof die heel erg vergelijkbaar is met die van de verdeling tussen arbeid en winst in andere geglobaliseerde sectoren. Kunst kan de noodzaak van een politieke verandering in Nigeria of Peru blootleggen, maar brengt uiteindelijk schoonheid, kansen en kapitaal naar Berlijn-Mitte, of Chelsea en de Lower East Side in New York.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Men kan dit beklagen en vinden dat de link tussen kunst, geld en macht de integriteit en kritische eigenschap van kunst ondermijnt, maar wij denken echter dat de radicale aanvaarding van de bepalingen en voorwaarden van de productie van kunst het potentieel zal bieden om een nieuw mandaat voor kritische kunst te smeden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het Institute for Human Activities werkt op een nederzetting in de Democratische Republiek Congo, achthonderd kilometer stroomopwaarts van Kinshasa op de Congo rivier. Hier, in een van de meest belaste maar toch veelbelovende regio's in de wereld, lanceerde het Instituut haar vijfjarig Gentrification Program. In een in-vitro proeftuin, mobiliseert het de modaliteiten van de kunstproductie. In de loop van de uitvoering ervan, zal het Instituut een site voor liefde, kunst en winst opzetten.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In het kader van het Kunstenfestivaldesarts geeft Renzo Martens, artistiek directeur van het Institute for Human Activities, van 8 tot 11 mei een lezing waarin de doelstellingen en de werking van de Gentrification Program uit de doeken wordt gedaan. Dit wordt dhet eerste inzicht in de activiteiten van het Instituut.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>On the Institute for Human Activities</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">08 &amp; 10.05.2013: 20:30
</span><br /><span style="font-size: small;">09 &amp; 11.05.2013: 18:00
</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>EN</strong>

</span><br /><span style="font-size: small;">±1u</span><br /><span style="font-size: small;">€ 12 / € 10
</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Vraag en Antwoord met de kunstenaar na elke lezing </em></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tickets: <a href="http://www.kfda.be/en/tickets">http://www.kfda.be/nl/tickets</a> </span><br /><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>CREDITS</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Lezing d</strong><strong>oor </strong>Renzo Martens</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Ontwikkeld in samenwerking met</strong> Delphine Hesters, Jaap Koster, Els Roelandt</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Dank aan</strong> Barbara Van Lindt, Rudi Maerten</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Presentatie </strong>Kunstenfestivaldesarts, WIELS</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Productie </strong>Institute for Human Activities (IHA)</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Coproductie </strong>Kunstenfestivaldesarts</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Met de steun van</strong></span><br /><span style="font-size: small;">Mondriaan Fonds, AFK, Prins Claus Fonds, Van Abbemuseum (Eindhoven), KASK School of Arts (Gent), KVS (Brussel)</span></p> Fri, 10 May 2013 16:11:50 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Thomas Bayrle - WIELS - May 12th, 2013 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For many years now, Helke Bayrle – Thomas Bayrle's wife who works as a film maker – has documented the activities of the Portikus. The result is a unique collection of artist portraits.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Portikus is an exhibitions space that is associated with the Städelschule in Frankfurt am Main. A production site rather than a traditional gallery, it is an institution willing to redefine its basic parameters with every new project. Since the late 1980s, some 160 exhibitions and innumerable other events have been staged there, and with each project the space has changed. Sometimes it is a factory, sometimes a kitchen or a stage for gatherings and performances. Sometimes it is a classical white museum space, sometimes a cinema, a green house or a swimming pool. How can one portray an institution like this?</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Helke Bayrle's short films are backstage material, the kind of things that the viewer of the finished exhibitions never sees. Some of the filmed artists really like talking about what they do and about the significance of what they present, others prefer to simply work with the installation team and the curator. Helke Bayrle’s unique material is very large and represents an important archive of contemporary exhibition making.<strong><br /></strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The screening will be followed by a conversation with the director of the film (in English)</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Info &amp; reservation: welcome@wiels.org</strong></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;" class="p1"><span style="font-size: small;">Après des années dédiées à la documentation des activités de Portikus, Helke Bayrle - la femme de Thomas Bayrle qui travaille comme réalisatrice - présente une collection unique de portraits des protagonistes du centre d'art.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="p1"><span style="font-size: small;">Portikus est un espace d'art associé à la Städelschule à Francfort où Thomas Bayrle a enseigné pendant plus de vingt ans. Plus proche d'un centre de création que d'une galerie, Portikus est une institution qui questionne sa définition même à chaque projet. Depuis les années 1980, plus de 160 expositions et un large nombre d'événements y ont eu lieu, transformant à chaque fois l'espace : aujourd'hui une usine, demain une cuisine ou une scène pour des réunions ou des performances. On y retrouve parfois un "white cube" classique, un cinéma, un jardin botanique ou même une piscine. Comment faire le portrait d'une telle institution ?</span></p> <p style="text-align: justify;" class="p1"><span style="font-size: small;">Les courts films de Helke Bayrle sont tournés dans les coulisses de Portikus. La réalisatrice y dévoile ce qui est invisible aux visiteurs. Parmi les artistes filmés, certains prennent plaisir à nous expliquer la signification de leurs oeuvres ; d'autres préfèrent rester entourés de leur équipe de montage. L'archive de Helke Bayrle est un document unique qui témoigne de la construction des expositions d'art contemporain.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="p1"><span style="font-size: small;">La projection sera suivie d'une conversation avec la réalisatrice (en anglais)</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;" class="p1"><span style="font-size: small;">Na vele jaren de activiteiten van Portikus te documenteren, presenteert Helke Bayrle, vrouw van Thomas Bayrle en filmmaker, een reeks unieke kunstenaarsportretten in de vorm van kortfilms. </span></p> <p style="text-align: justify;" class="p2"><span style="font-size: small;">Portikus is een tentoonstellingsruimte die geassocieerd wordt met de Städelschule in Frankfurt am Main. Omdat het eerder een productiesite is dan een traditionele galerie, is de instelling bereid om basisparameters voor elk nieuw project te herdefiniëren. Sinds de late jaren 1980, zijn er zo'n 160 tentoonstellingen en talloze andere evenementen georganiseerd, en met elk project wijzigde de ruimte. Soms is het een fabriek, soms een keuken of een workshop voor bijeenkomsten en optredens. Soms is het een klassieke witte museumruimte, soms een bioscoop, een groen huis of een zwembad. Hoe kan men een instituut als dit typeren?</span></p> <p style="text-align: justify;" class="p2"><span style="font-size: small;">De kortfilms van Helke Bayrle werden gefilmd in de coulissen van Portikus. Het resultaat is een unieke blik achter de schermen, zaken die de bezoeker van de tentoonstellingen nooit te zien krijgt. Een deel van de kunstenaars praat graag en veel over wat ze doen en over de betekenis van wat ze te presenteren, anderen geven de voorkeur aan het werken met het team en de curator. Het unieke materiaal van Helke Bayrle is zeer breed en vertegenwoordigt een belangrijk archief van de productie van hedendaagse tentoonstellingen. </span></p> <p style="text-align: justify;" class="p2"><span style="font-size: small;">Na de filmvertoning is er een gesprek met de filmmaker (in het Engels)</span></p> Mon, 13 May 2013 21:48:17 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Sam Falls, Ry Rocklen, Amanda Ross-Ho, Asha Schechter, Sean Kennedy - Albert Baronian - May 16th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Albert Baronian</strong> is pleased to present <strong><em>Stand-in</em></strong>, a group exhibition curated by Laurence Dujardyn, bringing together the work of Los Angeles based artists<strong> Sam Falls, Sean Kennedy, Ry Rocklen, Amanda Ross-Ho and Asha Schechter</strong>. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">The exhibition will focus on current modes of image making and how these are translated into sculpture, painting and other means of expression. The works presented here are interested in how the photographic processes, both digital and analogue, are related to materiality and how this can create a dissonance between image and material. They investigate how pictures can function as stand-ins for our physical surroundings and alienate the viewer from an image, with the multiplication of information that is simultaneously transmitted and received.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The proliferation of image production and consumption is changing the way we experience every aspect of life, altering our perception and understanding of everyday reality. According to Michel de Certeau in “The Practice of Everyday Life”, the mere consumption of images turns into a re-appropriation of objects, images and ideas and produces a constantly changing bricolage of practices that shape daily life. Thus consumption becomes a potentially subversive or even treacherous tactic of selection and combination: images are sourced and used because of the interest in their representations of something specific and their own indexical history. The title “Stand-in” not only refers to its meaning as a surrogate for something but also brings up the idea of the body double or the substitute for a motion-picture performer during dangerous scenes. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">In <b>Sean Kennedy</b>’s works the translation from object to image and material to information is effected by his use of overhead space. An agglomeration of elements is put on top of two framed clear acrylic glass panels that hang overhead between ceiling and floor, creating a picture-like effect. The objects are arranged according to a meticulous scheme forming a tableau. This reveals the artists’ interest in how space is organized and how by putting them out of reach, objects can become representations of themselves and turn into props. As such the glass surfaces are transformed into many different things: window, tabletop, storefront, basketball backboard, shelf − focusing on their storage and display function. By using a flat horizontal plane, a certain democracy between the elements is produced, while establishing a relationship with photography, scanning, drawings and painting. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Out of <b>Ry Rocklen</b>’s interest in mundane objects and their formal familiarity arose two new sculptures and one wall-based work. With Analia’s Ladder the artist transformed a high resolution photograph of a ladder into a three-dimensional object, while keeping the two-dimensional nature of the image intact. This results in a graceful and somewhat theatrical and absurd sculptural work which is stripped of its purpose and familiarity. For a second work, Rocklen found a blue carpet with a picture of a moon, fibreglassed and covered it with bathroom mosaic tiles reflecting the original colours and image. Similarly the artist covered a crewel embroidery depicting Van Gogh’s sunflowers with copper and gold plating, while adding his signature next to that of the artisan and the original artist. With a permissive attitude towards abandoned debris or kitsch and by adding a seductive touch of bling, the artist gives them a new life in a different realm.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Asha Schechter</b> is interested in how the form and content of an image delimit its consumption and lifespan. The visual landscape of Los Angeles continually shifts together with the increasing availability of stock images and cheaper production. Today we incessantly digest multiple images at once in the real and virtual world. This simultaneity is echoed in Schechter’s works, which consist of different layers taken from various cultural and material sources. This is visible in his series of newsprint works where textile patterns, referencing specific brands, fabrics and subcultures, are printed onto his community newspaper, “The Park La Brea News”. The dual planes intermingle content, by confusing background and foreground while expanding the meaning of both. In the three large-scale prints on view scans of fabric are combined with stock 3-D models typically used for commercial purposes as in video games and advertising. The juxtaposition of real and synthetic materials mirrors the construction of visual culture at present, but rather than cloaking it in naturalized artifice, these works bring the tension between them to the surface. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Sam Falls</b>’ work often starts out of a photographic investigation in order to bridge the distance between different mediums and techniques, such as painting and sculpture. In a new body of work, Falls is using planting pots to further exploit his interest in abstract representation, the intersection of colour and exploitation of materials. For instance, in Untitled (Pots, Blue 3) pots are arranged in a still-life photograph, covered with circular print patterns made by applying paint on the edges of the pots and stamping them onto the image. The pots that are depicted translate into a sculpture, eventually spray painted into bright colours, while the drop cloths – which are remnants of the process of painting and making the sculptures - turn into beautiful abstract fabric works, of which two are included in the exhibition, Untitled (Dropcloth, Pots, 1 + 2 ). For Sam Falls the focus is not on what is in the picture (nor even in reality), but what it is that the viewer is looking at and how one can come up with one’s own reading which is considered as valid as the artists’ intention. The question these works raise, beyond a medium's ability to represent an object or idea, is a question of perception itself and how we relate today to photography and painting.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">In her practice <b>Amanda Ross-Ho</b> uses a wide variety of forms as vehicles through which a rigorous investigation of visual language is embedded. Her work unites seemingly oppositional languages and spaces: autobiographical artefacts are elaborated for formal qualities while traces and residues from studio and gallery practice are recreated as deliberate gestures. In many of her works visual translations and shifts of scale and time appear. This happens with Untitled Centerfold (CAMERA AUSTRIA), which was originally produced as a print layout for the magazine Camera Austria, as a part of a portfolio curated by Sharon Lockhart. The images traffic on elements of photography, more specifically the relationship of the artist to the medium via her family autobiography and her personal history in performative gesture. Subsequently the layout was realized as a full-scale architectural work – the Centerfold. The second work of Ross-Ho on show, Untitled Hole #2 (Don’t Front), was first realized as a part of an installation for the Bellwether gallery, NY. Initially developed for a spread in the accompanying exhibition catalog, the composition was then translated exactly to scale in the exhibition space. The photograph itself is an image originally shot within an installation where Ross-Ho cut five core samples out of the sheetrock of the exhibition space and used these to construct a box in the middle of the room. The resulting holes function as a two-dimensional presentation, furthering a discussion of the push and pull of dimensionality, consumption, economy and loss. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>BIOGRAPHIES<br /></i></span><br /><span style="font-size: small;"><i>Amanda Ross-Ho</i> (b. 1975, Chicago, IL) presently has two concurrent solo shows at Mitchell-Innes and Nash, New York and Shane Campbell, Chicago. In July 2013 she will present a large-scale public project at The Museum of Contemporary Art, Chicago. Her recent solo exhibition at the Los Angeles Museum of Contemporary Art was accompanied by a comprehensive catalogue and her work has been included in exhibitions at the Museum of Modern Art, New York; Orange County Museum of Art, Newport Beach; Pomona College Museum of Art; Henry Art Gallery, Seattle; and in the 2008 Whitney Biennial.</span><br /><span style="font-size: small;"><i><br />Sean Kennedy</i> (b. 1983, Akron, OH) studied at the Städelschule, Frankfurt am Main, Germany and received his MFA from the University of Southern California. Previous solo/duo exhibitions include: Sean Kennedy / Chadwick Rantanen at UNTITLED, New York, NY and at Thomas Duncan Gallery, Los Angeles, CA and Jancar Jones Gallery, San Francisco, CA. His work was recently included in group exhibitions at Mary Mary, Glasgow, UK (together with Matthew Cerletty and Mateo Tanatt), Brand New Gallery, Milan, Italy and in PAINT THINGS: Beyond the Stretcher, deCordova Sculpture Park and Museum, Lincoln, MA. In the fall of 2013 he will have his second solo exhibition at Thomas Duncan gallery, Los Angeles, CA. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>Sam Falls</i> (b. 1984, San Diego, CA) received his BA from Reed College in 2007 and MFA from ICP-Bard in 2010. Falls’ work has been widely exhibited, including solo exhibitions at American Contemporary, NY, Printed Matter Inc., NY, West Street Gallery, NY, Luce Gallery, Torino, Italy, M+B, Los Angeles. His forthcoming exhibitions are at T293, Rome, Italy, Eva Presenhuber, Zurich, Balice Hertling, Paris and LA&gt;&lt;ART, Los Angeles. Recently he joined Metro Pictures, NY. Falls was listed as one of Modern Painters’ "100 Artists to Watch," chosen for ARTFORUM's "Best of 2011 - Critics' Pick" and named as one of the "Top 30 Under 30" for Forbes by Jeffrey Deitch. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>Ry Rocklen</i> (b. 1978, Los Angeles, CA)’s work recently was the subject of solo exhibitions at Thomas Solomon gallery, Los Angeles, UNTITLED, New York and ZZZ at the Visual Arts Center, The University of Texas at Austin, TX. In 2009 he had a solo exhibition Time After Time at Baronian Francey, Brussels. His work has been included in group exhibitions such as the first Los Angeles Biennial Made in L.A. (2012) at the Hammer Museum, Venice Beach Biennial (2012) curated by Ali Subotnick, PS1 in New York and the Whitney Museum (for the 2008 Whitney Biennial) in New York. In the past year he participated in group shows at Brand New Gallery, Milan, Italy and Tanya Bonakdar gallery, NY. Recently he joined galerie Praz-Delavallade, Paris. </span><br /><span style="font-size: small;"><i><br />Asha Schechter </i>(b. 1978, Portland, OR) received his MFA from the University of California Los Angeles (UCLA) in 2009. He has participated in group shows such as Broken Umbrellas at Laurel Gitlen Gallery, NY, Productive Steps (curated by Sam Falls &amp; Lucas Blalock) at Mount Trempner, NY and Public Relations at Night Gallery, Los Angeles, CA. Recently his work was included in Needles in the Camel’s Eye at Thomas Duncan gallery, Los Angeles, Things, Words and Consequences (curated by Sanya Kantarovsky) at Moscow Museum of Modern Art, Russia and Tatjana Pieters Gallery, Ghent, Belgium. He has a forthcoming solo exhibition at The Finley, Los Angeles, CA. Next to this he is running a project space in his own apartment under the name of The Vanity.</span></p> Mon, 29 Apr 2013 15:49:38 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Stephen Powers - Alice - May 16th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">For his second show at A.L.I.C.E Gallery, Steve Powers presents his latest enamel paintings on aluminium, alongside the latest series of daily paintings, entitled « Metaltations », which are based on sketches he drew in the subway on the way to his studio.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext">"I’m in awe of the power and the reach of music. To compete with the majesty of music, I make paintings that are visual blues. I distill my everyday experience into paintings I call Daily Metaltations. They are painted very fast, fresh from the epiphanies that inspired them. The larger paintings draw from those metaltations and go to a deeper understanding of the transactions we make everyday to live our lives." Stephen Powers</p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext">Stephen J. Powers, born in Philadelphia in 1968, is a New York-based artist. He made a name first as a graffiti artist in New York during the 1990s, under the name ESPO (Exterior Surface Painting Outreach). In the early 2000s he began working in his studio and exhibited at Deitch Projects, until the closure of the gallery in 2010. During the last eight years he has mainly been creating public works.</p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext">His work has been shown at the Venice and Liverpool Biennials in 2001 and 2002, respectively, and in 2008 Powers painted a love story in the streets of Dublin and Belfast. In August 2008, teaming up with Creative Time, he opened The Waterboard Thrill Ride, an animatronic depiction of waterboarding in Coney Island.</p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext">In 2010 Powers worked on a large-scale mural project in Philadelphia, entitled « A Love Letter For You » in partnership with the City of Philadelphia Mural Arts Program. This work involved painting 50 murals in West Philadelphia and it attracted positive reviews from The New York Times and the Wall Street Journal.</p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext">Powers told the New York Times that he was « taking the form of the murals, which are powerful for all the wrong reasons, and trying to retain some of the power and use it in a really good way ». In the same year, Powers first solo museum exhibition was at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts.</p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext">In an interview with Zoe Larkins for Art in America magazine in 2012, Steve Powers discusses the difference between his murals on the street, and those exhibited in the gallery: « It's all the same. It's just indoor voice and outdoor voice. »</p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext">Powers continues: « In the street I boil it down to the quickest, fastest, boldest, brightest sentiments. And inside I can be a lot more complex. I get to whisper, I get to talk a little more. [It's] a lot more conversational, a lot less yelling and singing. » He also comments on the difference of showing in a gallery: « people are making a special trip to go there," he says. "They're ready and willing to accept the signal. » </p> Mon, 22 Apr 2013 15:13:15 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Group Show - Galerie Rodolphe Janssen - May 16th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The title of the show is borrowed from that of a late allegorical work by the Belgian painter James Ensor, an artist whose visual and textual clues may at times suggest various interpretations. In this particular instance Ensor appears to be mocking the position of an aloof critic. Painted in 1939, the composition features an ear and writing implements hovering above an inkwell and a book bearing the title, all of which are being effusively spat upon, fountain-like, by a host of fantastical figures, as well as a parrot and a pig. Ensor, whose picture-making here can be characterized as a form of self-reflexive play, is perhaps both composer and audience, delighted by his staging and the mischievous performance. Ensor's position cannot be seen as neutral, for he has chosen a side, most likely his own. Appearances, we readily admit, tend to be misleading, and our interpretation may be entirely off the mark. Even so, the notion of doing as you please and saying what you want remains forever tempting, and whether on the part of the artist or the critic, or the curator and collector as the case may be. To "let them laugh" is ultimately a display of great restraint, resolve, and self-confidence, an act which affirms that a higher purpose is meant to be served. More than seventy years after Ensor imagined this picture, the fact that artists continue to explore the world in ways which alter our perception of reality, and of ourselves, reminds us of the very permeability of the set of circumstances we call art. Moreover, we acknowledge how difficult it remains for an expanded visual realm to be verbally articulated and defined in any way that satisfies the endeavor. Experience always comes first, and silence is never the last word.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;">  When I first wrote these initial notes, a number of artists responded positively to the "non-committal" nature of my remarks. I learned long ago that it's better not to say what a show is about before the fact. Because when a show actually happens, you realize that it's about something else that was only half-expected. A show, like an artwork, only begins to reveal itself once it's done, and even then the assembled works are brought together very briefly. After a show has closed, they are returned to galleries or to the studios in which they were made, or they go on to new lives with their adopted families, to the homes of collectors. Somehow, in preparing for this show, I had imagined myself not only as someone who surrounds himself with art as a means to comprehend the world and himself, but as a young man who had actually known James Ensor, who passed away in 1949. Perhaps they had met near the very end of Ensor's life and the beginning of his own. If he had been 20 at the time, today he would be 84 years old, or close to the age when Ensor died. And what if he is still somehow actively engaged with the art being made today, with the work of the artists in this show? It happens, of course, that for some of us the pursuit of art becomes a central part of life's journey. The fact that this may sound romantic to many should not in any way discourage the few for whom it will be true. Although this fictional collector and I do not reside within the same body, we inhabit the same mind. At his advanced age he remains engaged with the art of a younger generation, and while his family and friends may think him foolish as he acquires any number of strangely beguiling objects and pictures, he simply sits back, does nothing, and lets them laugh.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Bob Nickas, 2013</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le titre de l’exposition est tiré d’une œuvre allégorique tardive de James Ensor. Les éléments visuels et textuels dont sont peuplées les peintures de cet artiste belge peuvent parfois prêter à différentes interprétations. Dans le présent tableau datant de 1939, Ensor semble se moquer des critiques qui se tiennent à carreau. Il y a représenté une oreille et une plume suspendues dans les airs au-dessus d’un encrier et d’un livre sur lequel figure le titre de l’œuvre, tous copieusement aspergés/conspués par une série de figures fantastiques, un porc et un perroquet. Ensor pourrait s’y être adonné à une sorte de jeu d’introspection. Peut-être s’est-il mis à la fois dans la peau de l’auteur et du spectateur et a-t-il pris plaisir à cette mise en scène malicieuse. Ce qui est sûr, c’est qu’il n’est pas neutre : il a clairement pris parti, plus que probablement pour lui-même. Mais les apparences sont parfois trompeuses et il se pourrait que notre interprétation soit totalement à côté de la plaque. Il n’en demeure pas moins que faire ce qu’on a envie de faire et dire ce qu’on a envie de dire est toujours tentant, aussi bien pour un artiste qu’un critique, voire un commissaire d’exposition le cas échéant. « Laisser rire » témoigne d’une grande maîtrise de soi, opiniâtreté et confiance en soi. C’est aussi donner à comprendre que l’on sert un but plus élevé. Que plus de soixante-dix ans après la création de cette œuvre, certains artistes continuent d’agir sur notre perception de la réalité et de notre propre image par leur manière d’explorer le monde, nous rappelle que l’art est toujours susceptible d’ouvrir d’innombrables portes et inextricablement lié au passé. Force est de constater par ailleurs à quel point il est difficile de rendre toute la richesse du monde visuel avec des mots. Le ressenti l’emporte toujours sur les explications et le silence n’a jamais le dernier mot.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Lorsque j’ai couché ces premières notes sur papier, plusieurs artistes ont réagi positivement face au caractère « non engagé » de mes réflexions. L’expérience m’a appris qu’il vaut mieux ne pas parler du propos d’une exposition avant qu’elle soit un fait car vous risquez de vous rendre compte qu’une fois qu’elle est montée, elle dépasse les attentes. Une exposition, tout comme une œuvre d’art, ne se livre pleinement qu’une fois achevée. En plus, les œuvres réunies aux cimaises sont vouées à passer peu de temps ensemble. À l’issue de l’exposition, elles reprennent le chemin des ateliers ou des galeries où elles ont vu le jour, ou partent vivre une nouvelle vie dans une famille d’adoption, une famille de collectionneurs. En me préparant pour cette exposition, je ne me suis pas mis dans la peau de quelqu’un qui s’entoure d’œuvres d’art pour tenter d’appréhender le monde et de voir plus clair en lui-même, mais dans celle d’un jeune homme qui avait connu James Ensor décédé en 1949. Peut-être s’étaient-ils rencontrés au crépuscule de la vie d’Ensor ou à l’aube de sa vie d’adulte à lui. En supposant qu’il avait 20 ans à l’époque, il aurait aujourd’hui 84 ans, soit environ l’âge auquel Ensor est mort. Et si en plus il s’intéressait encore à l’art contemporain, aux œuvres des artistes à l’affiche de cette exposition ? Certes, il est des personnes pour qui l’art est un ingrédient essentiel de leur existence. Le fait que cela puisse paraître romantique aux yeux de la majorité des gens, ne saurait décourager la minorité pour qui il en est ainsi. Ce collectionneur fictif et moi ne partageons pas le même corps, mais bien le même esprit. En dépit de son âge avancé, il continue à suivre de près l’art des jeunes générations. À la vue des peintures et objets à la fois étranges et séduisants qu’il achète en grands nombres, sa famille et ses amis le déclarent fou. Mais lui, il s’en lave les mains ; il ne fait rien et les laisse rire.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Bob Nickas, 2013</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De titel van de tentoonstelling is ontleend aan een laat allegorisch werk van James Ensor. De visuele en tekstuele elementen in het oeuvre van deze Belgische schilder laten soms meerdere interpretaties toe. In dit geval lijkt Ensor de spot te drijven met critici die afstand houden van het besproken werk. Op dit schilderij van 1939 zien we een oor en schrijfgerief zweven boven een inktpot en een boek met de bewuste titel. Allerlei fantastische figuren, een papegaai en een varken spuien stralen vocht over de genoemde elementen. Je zou kunnen zeggen dat Ensor met dit schilderij op een speelse manier nadenkt over zichzelf. Misschien is hij tegelijk maker en publiek en schept hij plezier in de ondeugende mise-en-scène. In elk geval is hij niet neutraal: hij heeft partij gekozen, hoogstwaarschijnlijk voor zichzelf. Toegegeven, schijn kan bedriegen. Misschien slaan we met onze interpretatie de bal helemaal mis. Blijft dat je zin doen en recht voor de raap zijn altijd verleidelijk is, voor kunstenaars net zo goed als voor critici en, desgevallend, curatoren. ‘Ze laten lachen’ is een uiting van zelfbeheersing, beslistheid en zelfvertrouwen. Je geeft ermee te kennen dat je een hoger doel dient. Dat Ensor deze compositie meer dan zeventig jaar geleden bedacht en kunstenaars nog steeds onze perceptie van de werkelijkheid en van onszelf veranderen door de manier waarop ze de wereld verkennen, herinnert ons eraan dat het geheel van toestanden dat we kunst noemen een brede waaier aan mogelijkheden opent en moeilijk kan worden losgemaakt van het verleden. En we zien hoe moeilijk veel wat tot het visuele behoort, op een bevredigende manier in woorden kan worden omgezet en omschreven. De ervaring komt altijd eerst en de stilte heeft nooit het laatste woord.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Toen ik deze inleidende opmerkingen op papier stelde, kreeg ik van een aantal kunstenaars positieve reacties op hun ‘niet-geëngageerde’ karakter. Het is mij al heel lang geleden duidelijk geworden dat je beter niet zegt waar een tentoonstelling over gaat zolang ze niet een feit is. Want als ze er eenmaal is, besef je dat ze over iets gaat wat je slechts half had verwacht. Het is met een tentoonstelling als met een kunstwerk: ze begint zich pas bloot te geven als ze er is. Bovendien blijven de bijeengebrachte werken slechts voor korte tijd samen. Na de tentoonstelling gaan ze terug naar de galerieën of de ateliers waar ze ontstonden, of beginnen ze een nieuw leven in een of ander adoptiegezin – lees: bij een verzamelaar. Toen ik mij op deze tentoonstelling voorbereidde, zag ik mijzelf niet als iemand die zichzelf met kunst omringt om zo tot inzicht te komen over de wereld en zichzelf, maar beeldde ik me in dat ik een jongeman was die de in 1949 overleden James Ensor nog had gekend. Misschien hadden ze elkaar ontmoet toen Ensor al stokoud en hijzelf nog zeer jong was. Als hij toen 20 was, zou hij nu 84 zijn, bijna zo oud dus als Ensor toen hij stierf. En als hij nu nog eens actief bezig was met hedendaagse kunst, met kunstenaars wier werk op deze tentoonstelling te zien is? Inderdaad, voor sommigen is bezig zijn met kunst een centraal gegeven op hun levensweg. Dat dit velen romantisch in de oren klinkt, mag de weinigen voor wie het het geldt, niet ontmoedigen. Deze fictieve verzamelaar en ik wonen niet in hetzelfde lichaam maar wel in dezelfde geest. Op zijn gevorderde leeftijd is hij nog steeds bezig met de kunst van een jongere generatie. Zijn familie en zijn vrienden verklaren hem gek omdat hij nog steeds grote aantallen vreemd-verlokkelijke objecten en schilderijen koopt. Maar hij, hij leunt rustig achterover, doet niets, en laat ze lachen. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Bob Nickas, 2013</span></p> Mon, 29 Apr 2013 15:53:13 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list José María Sicilia - Meessen De Clercq - May 16th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>“Our ability to perceive quality in nature begins, as in art, with the pretty. It expands through successive stages of the beautiful to values as yet uncaptured by language.”</i></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Aldo Leopold</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Voor zijn tweede solotentoonstelling in de galerie neemt José María Sicilia de volledige galerie in met werken op papier en sculpturen. Het uitgangspunt van deze tentoonstelling, getiteld <i>The Instant</i>, is de verdieping van zijn onderzoek rond sonagrammen, grafische transcripties van geluiden volgens verschillende variabelen (zoals amplitude, tijd en frequentie).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Op het gelijkvloers en op de eerste verdieping worden gestileerde sonagrammen getoond, voortspruitend uit gezang van diverse vogelsoorten. De eerste werken die Sicilia in 2009 – 2010 rond deze thematiek creëerde waren chromatisch sober en gemaakt met grafiet op wit plaaster, terwijl de bezoeker hier geconfronteerd wordt met een echte symfonie van uitbundigheid en schitterende kleuren. <br /></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In de grote triptiek in de linkerzaal vindt men het karakteristieke rood van Sicilia terug. In andere werken worden pure kleurvlakken afgewisseld met grote witruimtes die zuurstof verlenen aan de werken. De organische dimensie van de werken is manifest aanwezig, die de schoonheid van de natuur en haar spilzucht doen weerklinken. De overlappingen van de vormen, elk een vogelgezang symboliserend, wekt zelfs de indruk van een puzzel die, eenmaal samengesteld, naar harmonie leidt. In deze orkestratie van vormen en kleuren verschijnen nu en dan gebaren van de kunstenaar. Of hij nu gebruik maakt van een penseel, een sjabloon of een werktuig, men voelt dat hij vrijheid geeft aan de lijn en dat vanuit deze vrijheid het zingen van de kleur tevoorschijn komt.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Symboliseren de ontwikkelingen van de tracés, en lijnen als zweepslagen migraties en bochtige vluchten? Het is eenvoudig om deze werken te lezen alsof het gaat om getekende klanken die, eenmaal als geheel waargenomen, begrijpelijk worden of tenminste hoorbaar. Het is moeilijk om in de zwarte vormen de sonore roep van de ransuil niet te horen, of het geschreeuw van een kerkuil. Moeilijk om geen lange stiltes te vermoeden, wars van alle gepiep of gekras, in de witte oppervlaktes. De kwaliteit van deze werken ligt in het verbinden van een “visuele muzikaliteit” aan een onderliggend leven vol vreugde en energie.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Naast kleur heeft Sicilia de notie van doorschijnendheid ingebed in deze nieuwe werken. Deze notie, fundamenteel in zijn artistieke praktijk - men vindt dit evenzeer terug in de werken op was als in zijn prenten of zijn werken op papier-, wordt hier mogelijk gemaakt door de grote fijnheid van het papier dat hij gebruikt. Geboeid door de complexiteit van het Japanse papier en de zorgvuldigheid van de Japanse ambachtslui heeft Sicilia met talrijke soorten papier geëxperimenteerd vooraleer dat papier te creëren dat zowel soepel, licht als resistent is. Dit laat hem toe het papier te plooien, te ontplooien en opnieuw te plooien en te spelen met zowel binnen- als buitenzijde. De bezoeker die aandachtig kijkt kan ontdekken dat in bepaalde gevallen een plooi aan de basis ligt van een Rorschachachtige kleurvlek, of dat een vlak kleurvlak geschilderd op geplooide papierzone teruggevonden kan worden op twee van elkaar verwijderde plaatsen. Wat de werken ook kenmerkt is dat Sicilia beide zijden van het papier benut, zowel de recto- als versozijde. Door op beide kanten te werken verzacht de kunstenaar de kracht van bepaalde kleuren. De kwaliteit van dit papier is voor de kunstenaar zeer rijk en laat hem toe te werken met contrasten en dégradés, te spelen met sporen en verbrokkelde vormen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De talrijke reizen van de kunstenaar naar Japan hebben geleid tot een toenemende interesse in tradities en het Japanse animistische geloof. Sicilia werd uitgenodigd om er volgende oktober tentoon te stellen in het Fukushima Prefectural Museum of Art en heeft, in de nasleep van zijn eerste bezoeken aan de regio werk ontwikkeld dat zijn onderzoek naar sonagrammen koppelt aan het drama van 2011. Hij inspireerde zich op het radioactiviteitsniveau uit de reactor n°1 van de door zeebeving en tsunami geraakte nucleaire centrale. Sicilia zorgde voor driedimensionale sonagrammen van voor het oog onzichtbare metingen. De twintig kleine sculpturen, te zien in de vitrine in de wunderkammer zijn er het eerste resultaat van en werden <i>Winter Flowers Fukushima </i>getiteld. Ze lijken gemaakt uit organisch materiaal, wat hun vreemdheid beklemtoont. <br /></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Doorheen deze tentoonstelling voelt men bij Sicilia een echte promiscuïteit met de natuur; haar mooie kant, maar ook haar vernietigende zijde, zoals in het geval van Fukushima. Op een bepaalde manier herinnert hij er ons aan dat we meer toebehoren aan het universum dan het universum ons toebehoort. <br /></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">« <i>Notre faculté de percevoir la qualité dans la nature commence, comme en art, par le plaisir des yeux. Elle s’étend ensuite, suivant différentes étapes du beau, jusqu’à des valeurs non encore captées par le langage. </i>»</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Aldo Leopold</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Pour sa deuxième exposition personnelle à la galerie, José María Sicilia investit le corps entier de la galerie avec des oeuvres sur papier et des sculptures. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L’idée directrice de l’exposition, intitulée <i>The Instant</i>, est d’approfondir sa recherche autour des sonagrammes qui sont des retranscriptions graphiques de sons suivant différentes variables (l’amplitude, le temps et la fréquence par exemple). Pour les travaux présentés au rez-de-chaussée et au premier étage, les sonagrammes sont stylisés et proviennent de chants d’oiseaux d’espèces variées. Les premières oeuvres créées en 2009-2010 autour de cette thématique avaient une apparence chromatique sobre (graphite sur plâtre blanc) alors qu’ici, le visiteur est confronté à une véritable symphonie d’exubérance et de couleurs chatoyantes. On retrouve, dans le grand triptyque de la salle de gauche, un rouge caractéristique chez Sicilia mais aussi, dans d’autres oeuvres, des aplats de couleur pure alternés avec de larges plages de blanc qui donnent une respiration aux oeuvres. La dimension organique de ces oeuvres est manifeste et on perçoit un écho à la beauté de la nature et à sa prodigalité. L’imbrication des formes symbolisant chacune le chant d’un oiseau donne même l’impression d’un puzzle qui une fois assemblé mène à l’harmonie. Cette orchestration des formes et des couleurs laisse toutefois apparaître, de temps à autre, les gestes de la main de l’artiste. Qu’il soit muni d’un pinceau, un pochoir ou un outil, on sent qu’il donne quartier libre à la ligne et que de cette liberté jaillissent les frémissements de la couleur. Les développements des tracés, les déliés et les lignes coups de fouet symboliseraient-ils migrations et vols sinueux ?</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">On lit volontiers ces travaux comme s’il s’agissait de signes dessinés et qu’une fois perçus dans leur totalité, ils devenaient intelligibles ou audibles ; difficile de ne pas entendre, dans l’oeuvre tout en recouvrement noir, le rappel sonore du hibou ou le hululement d’une chouette et difficile de ne pas soupçonner de longs silences, vierges de tout piaillement ou de tout croassement, dans les surfaces blanches. La qualité de ces oeuvres est d’allier une « musicalité visuelle » à une vie sous-jacente pleine de joie et d’énergie.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Outre la couleur, Sicilia a incorporé la notion de translucidité pour ces nouveaux travaux. Cette notion, fondamentale dans sa pratique artistique (on la retrouve autant dans ses oeuvres sur cire d’abeille que dans ses estampes ou dans ses oeuvres sur papier), est induite par la finesse des papiers qu’il utilise. Passionné par la complexité du papier Japon et la méticulosité des artisans japonais, Sicilia a expérimenté de nombreux types de papiers avant de trouver celui-ci qui allie souplesse, légèreté et résistance, ce qui lui permet de le plier, le déplier, le replier et de jouer sur l’intérieur et l’extérieur. En regardant attentivement, le visiteur peut dans certains cas découvrir qu’un pli a engendré une tache de couleur de type</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Rorschach ou qu’un aplat peint sur une zone de jonction du papier plié se retrouve à deux endroits éloignés l’un de l’autre. Une autre caractéristique de ces oeuvres est l’impression sur les deux faces du papier, le recto et le verso. En oeuvrant sur les deux côtés, Sicilia atténue la vigueur de certaines couleurs. Cette qualité du papier est très riche aux yeux de l’artiste et lui permet de moduler contrastes et dégradés, de jouer sur les traces et les formes morcelées.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les nombreux voyages de l’artiste au Japon l’ont amené à s’intéresser de plus en plus aux traditions et croyances animistes japonaises. Sicilia a été invité à exposer en octobre prochain au Fukushima Prefectural Museum of Art et a développé dans la foulée de ses premières visites dans la région du séisme un travail liant sa recherche de sonagrammes au drame de 2011. Il s’est basé sur des relevés du taux de radioactivité du réacteur n°1 de la centrale nucléaire accidentée pour visualiser des sonagrammes en trois dimensions qui sont exposés dans la wunderkammer. Les vingt petites sculptures intitulées <i>Winter Flowers Fukushima </i>rendent en quelque sorte visible l’invisible. Elles semblent faites d’os ou d’une autre matière organique, ce qui accentue leur étrangeté.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A travers cette exposition, on sent chez Sicilia une véritable promiscuité avec la nature ; sa beauté mais aussi son côté ravageur comme à Fukushima. D’une certaine façon, il nous rappelle que nous appartenons plus à un univers que l’univers ne nous appartient.</span></p> Mon, 22 Apr 2013 15:22:37 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Malcolm Morley - Xavier Hufkens - May 16th, 2013 5:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">It is with great pleasure that <strong>Xavier Hufkens</strong> announces a new exhibition by <strong>Malcolm Morley</strong>. It comprises eight new oil paintings and a painting installation made by the artist in 2012 and 2013.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Morley’s mastery of colour and composition come to the fore in this exhibition. His painting technique, which he has always referred to as ‘Superrealism’, revolves around the exquisite rendering of details. Each of his chosen images, which are drawn from found or remembered source material, is subdivided into a grid of small squares that are transferred to the canvas one by one. This method enables the artist to achieve an extraordinary pictorial intensity. Dynamic images fragment into mosaics of small abstract paintings, in which there is no longer a distinction between background and foreground. Upon close inspection, each square centimetre of Morley’s paintings is nothing less than a small masterpiece.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Says Morley: “The subject of all these paintings is the painting of them.” In these recent works, Morley combines his signature subjects – ships and old airplanes, advertising images, the Second World War, England, and British and American history – with the epic themes of discoveries (of Bermuda, a British overseas territory, and America) and disasters (most notably shipwrecks). <em>Corsair and Santa Maria</em> (2011), for example, combines the image of a Corsair fighter aircraft (a type that saw service in World War II and the Korean War) with one of <em>La Santa Maria</em>, the largest of the three ships sailed by Columbus on his first voyage to the New World – and which was shipwrecked on Christmas Day, 1492.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bermuda, which features in several works in the exhibition, was colonised as the result of a shipwreck. In 1609, British Admiral Sir George Somers steered his ship to safety there during a ferocious storm. The island’s past resurfaces in <em>Balloons Over Hamilton</em> (2012), which depicts a scene in the capital of Bermuda. The work shows the historic Sessions House (built in 1817), the interior layout of which is identical to the Houses of Parliament in London, and a boat painted with the letters ‘SISL’, is a reference to Somers Isles Shipping Ltd (a modern-day Bermudian freight shipping company named after Admiral Somers).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Literature, which has long been a source of inspiration to Morley, inspired the painting <em>The Island of the Day Before</em> (2012). The title is identical to that of a book by Umberto Eco. The protagonist of the novel is the seventeenth century Italian nobleman – and sole survivor of a shipwreck – Roberto della Griva. The story, however, is narrated from the point of view of the modern editor who is attempting to organise della Griva’s papers. In the book, past and the present are interlaced, and time and space dissolve, just as they do in Morley’s paintings.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Morley, who grew up in the midst of World War II, and is an avid reader of historical books about the period, has vivid memories of the Blitz that destroyed his childhood home. The war is a recurrent theme in his oeuvre and the artist returns to it once more in the striking painting-installation entitled <em>The Spitfire (</em>2012). The work takes its name from Morley’s hand-painted, double-sided pub ‘sign’ that hangs perpendicular to a large painting of the ‘Spitfire pub’ itself. Morley is particularly interested in the fact that when viewers stand in front of the pub sign, it is reduced to a black line and seems to disappear. He also had a friend shoot through the ‘sign’ with a gun. Other typically British elements include the painted cut out of a naval officer and the bulldog with the British flag, which refer to the Royal Navy and Winston Churchill. Juxtaposed with these is the image of the young Palestinian man jumping over the wall. This figure derives from an earlier painting, <em>Wall Jumpers</em> (2002), the source of which was a media image showing Palestinians scrambling over the separation barrier built by Israel in the occupied territories.<em> The Spitfire</em> is a world in which the personal and public collide.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Malcolm Morley</strong> was born in London in 1931. He studied at the Camberwell School of Arts and Crafts and the Royal College of Art. Since his first show in New York in 1957, he has had countless exhibitions in Europe and North America and has taken part in international exhibitions, including Documenta 5 and 6. His first retrospective in Whitechapel Gallery earned Morley the honour of being the first to receive the Turner Prize for British artists (1984). Recent solo exhibition include: <em>Malcolm Morley: Paper and Process</em>, Parrish Museum of Art, Southampton, New York (2012-13), <em>Malcolm Morley in a NutShell: The Fine Art of Painting 1954-2012</em>, Yale School of Art, New Haven, Connecticut (2012) and <em>Malcolm Morley</em>, the Hayward Gallery, London (2001). Malcolm Morley has been exhibiting with Xavier Hufkens since 2000. He lives in New York.</span></p> Mon, 22 Apr 2013 15:29:34 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Magnus Plessen - Gladstone Gallery (Brussels) - May 18th, 2013 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;" class="bodyText"><span style="font-size: small;"><strong>Gladstone Gallery</strong> is pleased to announce an exhibition of new paintings by <strong>Magnus Plessen</strong>. Drawing on the formal techniques of painting to push the boundaries of the medium, Plessen uses defined brushstrokes, and a process of adding paint to the canvas and subsequently subtracting it to create spatial depth in his work. Incorporating abstract forms and figurative elements into each composition, Plessen investigates the conflict between the two modes of representation. Rather than evaluate abstraction from a painterly perspective, Plessen explores the way in which abstraction reflects our life experiences and the way we view our surrounding environment, as we move variously between states of disorientation and confusion to moments of clarity and understanding.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodyText"><span style="font-size: small;">Painted in a palette of bright, vivid colors, Plessen’s newest body of work features abstract, nearly geometrical elements, combined with fragments of body parts that appear where one might otherwise expect a human figure. Plessen conceived of the series after reading Michael Foucault’s “Manet and the Object of Painting,” in which Foucault argues that Manet is the forerunner of abstraction. Critical of Foucault’s thesis, Plessen created a painting based on Manet’s Dans la Serre, composing a visual counter-argument to Foucault’s point. Rather than assume that the flatness of Manet’s work led to inevitable abstraction, Plessen explores the way in which the two-dimensional nature of the work can be transformed and advanced, leading to a sense of three-dimensional movement in the painting instead. Plessen describes the experience of revisiting Dans la Serre while reading Foucault’s essay: “By identifying the hands as horizontal and vertical orientations on a two-dimensional surface, the coherence of the scene is severely disturbed, the unengaged conversation between the two figures becomes unimportant. Body parts become independent of their place or function in the context of this image – jumping out of the dense green background moving around the point where they are attached to the canvas through the hands pointing down and left.”</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodyText"><span style="font-size: small;">Moving away from the notion of using figuration to create an illusion on the canvas, Plessen seeks new ways of conveying the three-dimensional on a two-dimensional plane. Inverting the traditional concept of ascribing a single orientation to each work, Plessen has created paintings that can be rotated, transforming the relationship between subject and object, and inviting viewers to reconsider their perspective. As the orientation of the work changes, so too does the formal composition of the painting, creating a sense of dynamic movement within each work.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodyText"><span style="font-size: small;">Magnus Plessen was born in 1967 in Hamburg, Germany. His work has been the subject of numerous solo exhibitions at various venues including: the Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois; Kunstsammlung Nordrhein-Westfallen, Düsseldorf, Germany; MoMA P.S. 1, New York, New York, and the Centre Pompidou, Paris, France. In 2003, his work was included in the 50th Venice Biennale.</span></p> Fri, 17 May 2013 18:21:30 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list