ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/brx/Events/show en-us 40 Jeff Koons - Almine Rech Gallery - March 16th, 2013 4:00 PM - 7:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Almine Rech Gallery</strong> is delighted to announce the publication of its new catalogue dedicated to Jeff Koons' first solo-exhibition in Brussels.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The catalogue includes an essay and an interview by Joachim Pissarro. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Format: 23 x 31 cm </span><br /><span style="font-size: small;">Hardcover, 95 pages, French/English </span><br /><span style="font-size: small;">Price: 65 € </span><br /><span style="font-size: small;">Edition of 1000</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">20% discount on the first 100 copies sold!</span></p> Fri, 15 Mar 2013 19:17:48 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Natalia de Mello - Jozsa Gallery - March 16th, 2013 4:00 PM - 8:00 PM Fri, 08 Mar 2013 22:43:07 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Olivier Kosta-Théfaine - Alice - March 21st, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Olivier Kost-Thefaine acts as a filter. He observes, collects, then transforms, sometimes ever so slightly…</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bits of asphalt, found here and there in the city, suspended in a delicate balance in the gallery, seem to evoke a mountainous landscape… While a series of details (degradations or spontaneous alterations), seen and collected throughout the city, are isolated then reactivated to compose a strange collection of abstract paintings.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The work of Olivier Kosta-Thefaine is double; it is as much a strategy of appropriation than diversion of the characteristic elements of the city. By isolating these various details, (might it be the garden fence of a working class house in the suburb in Turin, or the metal frame of a window seen in Poznan) the artist makes them work in a completely different register: OK-T keeps the proportions, the material, even the chromatic scale while reducing it to its essence. Once diverted from their original function, these pieces become minimalist aesthetic artworks</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A piece of wood, photographed in the streets of Paris, reveals nothing of its utility; it is listed, archived and then later reactivated in order to become a bas-relief. The deterrent effect of an anti-intrusion ‘profile’ spotted in Rotterdam becomes a fragile minimalist sculpture. Or a painting found in the street on an early Sunday morning offers a bucolic vision of a suburban landscape.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">OK-T creates his work instinctively, inspired by a poetic observation of the details of the street; a work that invites the viewer to dawdle and that enjoys the beauty of everyday life.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Olivier Kosta-Théfaine agit comme un filtre. Il observe, collecte, puis transforme, légèrement, parfois…</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Des morceaux d'asphalte glanés dans la cité, placés en équilibre dans l'espace de la galerie, semblent évoquer un paysage de montagne, tandis qu'une série de détails (dégradations ou retouches spontanées) vus et prélevés sur les murs de la ville, isolés puis réactivés compose une étrange collection de peintures abstraites.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le travail d'Olivier Kosta-Théfaine procède d'une double stratégie d'appropriation et de détournement d'éléments caractéristiques de la ville. En isolant ces détails croisés au hasard (ici la palissade d'un jardin ouvrier de la banlieue de Turin, ou encore l'encadrement métallique d'une fenêtre à Poznan) l'artiste les fait fonctionner sur un autre registre : Olivier Kosta-Théfaine en conserve les proportions, le matériau, et la gamme chromatique, tout en réduisant la forme à l'essentiel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Détournées de leur fonction première, ces pièces deviennent des tableaux à l'esthétique minimaliste. Une pièce de bois, photographiée dans une rue de Paris ne dévoile le secret de son utilité. Répertoriée, elle est archivée puis réactivée dans le but de devenir un bas-relief. Plus loin, le caractère dissuasif d'un "profil" anti-intrusion aperçu à Rotterdam laisse place à une fragile sculpture minimale, alors qu'une peinture trouvée dans la rue au petit matin propose une vision bucolique d'un paysage de banlieue.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Une oeuvre qui se crée à l'instinct, au fil d'une poésie observée dans les détails d'une rue. Un art qui invite à la flânerie, et qui s'amuse de la beauté du quotidien.</span></p> Wed, 13 Mar 2013 15:30:03 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Antonio Guiotto, Manuel Larrazábal Scano - anyspace - March 21st, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The artists will work in the Anyspace Gallery from Wednesday<br /> March 13 to Thursday March 21. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The gallery hosts the project co|oc inviting Italian artists Manuel Larrazábal Scano and Antonio Guiotto to present an artistic process of cohabitation.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Michela &gt; we have put Manuel Larrazábal Scano’s and Antonio Guiotto’s artistic practices together because of a euphoric intuition, that of promoting the encounter, in the same space, of the anarchist machines of the former and the funambulist creations of the latter. The dialogue that has since taken place is one between devices experimenting the power relationship between certain elements and the space containing them. These elements are the objects, sculptures and drawings, the sounds that they produce or contain and the interaction that keeps them balanced or makes them implode in a random motion.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The elaboration of a form of balance is present throughout Antonio Guiotto’s works, which, like funambulists, reestablish their center of gravity in relation to the space in which they take position. This research is visible in the series of support systems, constituted by casts of domestic objects, as well as by the machines made from instruments and waste materials of constructions sites, solidly anchored to the ground. In his latest works, Antonio builds devices diffusing sound frequencies picked for their therapeutic effect on the people surrounding them. These anthropomorphous constructions whisper or whistle the intimately recomposed stories that have generated them, those of the artist, even of art itself.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; Antonio Guiotto’s last work appears to be producing the paradox of stability generating movement, even though at times it only is purely cerebral movement. Hominid sculptures, creators of balance, occupy the space in which they operate. It almost seems as though they entered in a tight group, like a team of construction workers at the crack of dawn, dividing up the walls and corners that will be their work for the day. They replace columns and buttresses of old times. And even though this action is seemingly useless, it becomes necessary in order to stop the frenzy of our everyday activities, which make us indifferent to the details of architecture; this action stresses the walls of the gallery having been painted countless times, or those at home eternally waiting to be painted.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">But when one’s attention is awakened by the movement produced by external objects, one can be filled with pleasure… when, in those hot summer days, the air finally moves thanks to the fans hanging from the ceiling, or when the blender is activated to bring pleasure to our taste buds… Or when the washer lets us know that it’s almost done and, as it does so, it throws on the ground the wooden spoon left on the kitchen top which, in turn, causes the water in Rover’s bowl to spill, as it falls in it from above. When these weak and mechanic movements follow one another in a random manner, they produce a noise and sort of melody and a dance without a rhythm, making us all happy in some way.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Observing these ordinary and every day like mechanisms, pushing to the extreme their movement and thus overpowering the utilitarian rules of engineering is how Manuel Scano has fun. What he produces are useless machines, indistinct accumulations of waste materials that can fall to the ground and break, instruments able to grind the plaster on the wall through the rotational motion of a drum stick glued to a second-class fan, that can also generate colorful scribbles on a piece of paper… To be concise: real mechanisms that are fully defunctionalized.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Michela &gt; Manuel’s installations and drawings are like music scores made of pencils, pieces of wood, threads, waste, fragments and mechanic elements that are put in action in a reiterated motion. The scores are created through superimposition, accumulation and repetition of simple gestures impressed upon paper and upon the space. Each repetition produces another repetition, in a spontaneous automatism, which generates twelve-tone chords. Manuel’s compositions integrate within themselves randomness, revealing the process of auto-organization which brings the balance between order and chaos.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; This cohabitation between Antonio and Manuel in Anyspace’s space takes the shape of an essay on movement, in which the chapter on statics has been written with a pen and a mixer, and the chapter on centripetal movement with a ruler.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> co|oc is the proposition for a dialogical project which takes the form of an artistic cohabitation in a given space. Two artists are invited to share a space of creation. The notion of space is each time redefined and it can either be a physical space or a real or imaginary situation. co|oc invites two artists to travel with a simple piece of hand luggage and spend a short time in a city where they have never been exposed, in order for them to reconsider the notion of creative process and its formalization.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The first conversation is between Manuel Larrazábal Scano, Antonio Guiotto and Anyspace Gallery.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">co|oc is born from a dialogue between Francesca Chiacchio and Michela Sacchetto.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La galerie accueille le projet co|oc, qui invite les deux artistes italiens Manuel Larrazábal Scano et Antonio Guiotto à mettre en place et présenter un processus artistique de cohabitation.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Michela &gt; Nous avons associé les pratiques artistiques de Manuel Larrazábal Scano et Antonio Guiotto à partir d'une intuition euphorique : celle de faire se rencontrer, dans un même espace, les machines anarchiques de l'un et les formes funambulesques de l'autre. Le dialogue qui s'active est celui de dispositifs qui expérimentent les rapports de force entre certains éléments et l'espace qui les contient. Ces éléments sont des objets – sculptures et dessins - les sons qu'ils produisent ou qu'ils contiennent et les interactions qui les maintiennent en équilibre ou les font imploser dans un mouvement aléatoire.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L'élaboration d'une forme d'équilibre traverse les oeuvres d'Antonio Guiotto qui, comme des funambules, redéfinissent leur centre de gravité par rapport à l'espace dans lequel elles prennent position. Cette recherche se décline en une série de systèmes de soutien, constitués en partie par des empreintes d'objets domestiques, ainsi qu’en machines assemblées à partir de matériaux et de résidus de chantier solidement ancrés à terre. Dans ses derniers travaux, Antonio construit des dispositifs qui diffusent des fréquences sonores choisies pour les effets thérapeutiques qu'elles peuvent avoir sur les hommes qui les côtoient. Ces formations anthropomorphes murmurent ou sifflent les histoires qui les ont générées, celle de l'artiste et celle de l'art, intimement réunies.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; Produire le paradoxe de la stabilité en générant du mouvement, bien que parfois purement cérébral, constitue le dernier travail d'Antonio. Les sculptures humanoïdes, porteuses d'équilibre, occupent l’espace dans lequel elles doivent œuvrer. Il semble qu'elles rentrent en groupe, comme une équipe de manœuvres qui, au petit matin, se répartissent les murs et les angles. Elles se substituent aux colonnes et contreforts d’autrefois. Bien que leur action soit apparemment inutile, elle trouve sa nécessité en figeant la frénésie d'une activité quotidienne qui nous rend indifférents aux détails architecturaux : elle souligne que les parois de la galerie ont été maintes fois retouchées ou que les murs domestiques sont toujours en attente d’être repeints…</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Mais quand l’attention est attirée par des mouvements extérieurs, nous pouvons être envahis d'un plaisir subtil : quand un ventilateur fait vibrer l'air dans les chaudes journées d'été, quand la centrifugeuse s'active pour apporter du bonheur aux papilles gustatives, quand le lave-linge s'emballe alors que son travail est presque terminé, et fait tomber du plan de travail de la cuisine la louche, qui à son tour renverse l'eau du bol de Médor. Quand ces mouvements subtils et mécaniques s'enchaînent de façon chaotique, ils produisent une sorte de mélodie et de danse arythmique qui nous rend, d'une certaine manière, heureux.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Observer ces mécanismes ordinaires et quotidiens, pousser à l'extrême leur mouvement et bouleverser les règles utiles de l'ingénierie, est un divertissement auquel se livre Manuel Larrazábal Scano. Il produit des machines inutiles, des accumulations indistinctes de déchets qui peuvent s'écraser à terre, des instruments qui servent à effriter l'enduit mural par le mouvement rotatoire d'une baguette de batterie montée sur un ventilateur d'occasion, qui peut également générer mécaniquement des gribouillages multicolores sur une feuille... En résumé : des mécanismes réels dont la fonction est détournée.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Michela &gt; Les installations et les dessins de Manuel sont comme des partitions, composées de crayons, de petits bouts de bois, de fils, de déchets, de fragments et d'éléments mécaniques qui s'actionnent dans un mouvement répétitif. Les partitions naissent par superposition, accumulation et répétition de gestes simples qui s'impriment sur le papier ou dans l'espace. Chaque répétition en produit une autre, dans un automatisme spontané, qui génère des accords dodécaphoniques. Ses compositions intègrent le hasard, tout en révélant le processus d'auto-organisation qui génère un équilibre entre ordre et chaos.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; Cette cohabitation entre Antonio et Manuel dans l'espace de la galerie Anyspace prend la forme d'un essai sur le mouvement, dont le chapitre sur la statique a été écrit avec un mixeur et celui sur le mouvement centripète avec une règle.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> co|oc est la proposition d’un projet de dialogue qui prend la forme d’une cohabitation artistique dans un espace donné. Deux artistes sont invités à partager l' espace de création. La notion d’espace est redéfinie à l’occasion de chaque proposition et elle varie d’un lieu physique à une situation réelle ou imaginaire.</span><br /><span style="font-size: small;"> co|oc invite deux artistes à voyager avec un bagage à main, à séjourner pour une période limitée dans une ville qui leur est étrangère et à mettre en discussion la notion de processus créatif et sa formalisation.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La première conversation est entre Manuel Scano, Antonio Guiotto et la galerie Anyspace.</span><br /><span style="font-size: small;"> co|oc est un dialogue initié par Francesca Chiacchio e Michela Sacchetto.</span></p> Fri, 15 Mar 2013 16:03:32 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Pierre Radisic - Atelier 340 Muzeum - March 22nd, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">During its thematic exhibition <em>Approche aux Constellations</em>, the Atelier 340 Muzeum discovered the work of Belgian photographer, <strong>Pierre Radisic</strong>, and has invited him back for a major solo exhibition. The exhibition results from a meeting between a photographer and a sculptor. They share their interest in lines, volumes and textures, folds and amusing associations - on the body as if on unexplored territory.  An unknown which we should map, but not touch : at first selecting, drawing regions and areas, then gradually approaching them from afar to appreciate their visualisation. The projection of the film <em>Heavenly Bodies</em>, which Pierre Radisic produced with Walter Hus at the Brigittines in 2005, will be central to an exhibit of a selection of photographs from the 1994-1996 series bearing the same name, and covering half of the Atelier's 2000m²  exhibition floor. </p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">At the end of the exhibition, the Atelier 340 Muzeum will present a selection of Pierre Radisic's entertaining photographs and a short interview will be screened between the artist and the curator in the <em>café culturel</em>, which adjoins the exhibition space.</p> <hr /> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY">Lors de son exposition thématique <em>Approche aux Constellations</em>, l'Atelier 340 Muzeum a découvert l'oeuvre du photographe belge <strong>Pierre Radisic</strong> et l'invite à présent pour une importante exposition monographique.</p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"> Cette exposition est donc le résultat d'une rencontre, celle du photographe et du sculpteur. Ils parlent ensemble de lignes, volumes et textures. Plis et liaisons ludiques. Du corps comme d'une terre vierge à parcourir. Un inconnu qu'il nous faut cartographier. Et ne pas trop embrasser : sélectionner, dessiner régions et contrées, puis lentement s'approcher. Autour de la projection centrale du film <em>Heavenly Bodies</em>, réalisé avec Walter Hus aux Brigittines en 2005, une sélection de tirages de la série<em> </em>photographique du même nom, réalisée<em> </em>entre 1994 et 1996,<em> </em>sera présentée sur la moitié des 2000 m² d'espace au sol.</p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY">Pour l'occasion, l'Atelier 340 Muzeum présente également une sélection récréative de photos et un petit film d'entretien entre l'artiste et le commissaire de l'exposition, à découvrir en fin de parcours dans le <em>café culturel</em> attenant aux salles d'exposition.</p> <hr /> <p align="JUSTIFY">Door zijn thematische tentoonstelling <em><em>Approche aux Constellations</em>,</em> heeft het Atelier 340 Muzeum het oeuvre ontdekt van de Belgische fotograaf <strong>Pierre Radisic</strong> en hem uitgenodigd voor een belangrijke monografische tentoonstelling. Deze tentoonstelling is het resultaat van een ontmoeting tussen de fotograaf en de beeldhouwer. Samen praten ze over lijnen, volumes en texturen. Over plooien en ludieke verhoudingen. Over het lichaam als een maagdelijke aarde om te doorlopen. Als een onbekende die we in kaart moeten brengen. En niet te veel moeten omhelzen: selecteren, regio’s en ontmoetingen uittekenen, vervolgens langzaam toenaderen.</p> <p align="JUSTIFY">Rond de centrale projectie van de film <em>Heavenly Bodies</em>, gerealiseerd met Walter Hus in de Brigitijnen in 2005, wordt een selectie gepresenteerd van de fotografische serie met dezelfde naam, gerealiseerd tussen 1994 en 1996, dit op de helft van de 2000m² ruimte.</p> <p style="margin-bottom: 0cm;" align="JUSTIFY">Voor deze gelegenheid presenteert het Atelier 340 Muzeum eveneens een recreatieve selectie foto’s en een kleine film over een dialoog tussen de kunstenaar en de curator van de tentoonstelling, te ontdekken op het einde van het parcours in het <em>café culturel</em> grenzend aan de tentoonstellingszalen.</p> Wed, 20 Mar 2013 18:15:32 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Pierre Radisic - Atelier 340 Muzeum - March 22nd, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Since early childhood,  I have been intrigued by how couples resemble each other. While strolling in the streets, eating in restaurants or just observing daily life, I noted their similarities to the point of considering each couple as twins. This impression was so strong that when meeting Pierre Radisic - a photographer with both a sense of humour and a keen capacity for observation - I realized that the question I had been pondering had already been the subject of a series of his photographs. It was a great pleasure to have met him and to have had the opportunity to share this issue of duality.  In order to further share the sociological experience of physical similarities, the Atelier 340 Muzeum has invited Pierre Radisic to show a selection of his series, <em>Couples</em> (1982), in the exhibition <em>Figures Doubles</em>.</span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In parallel, the Atelier 340 Muzeum would like to invite you to discover the film, <em>Heavenly Bodies</em>, produced by Pierre Radisic and Walter Hus at the Brigitinnes in 2005. An interview between the artist and the curator of the exhibition will also be screened in the <em>café culturel</em> where a selection of the artist's entertaining photographs will be exhibited. </span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">WODEK, président-concièrge</span></p> <hr /> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;">En marchant dans la rue, en mangeant dans les restaurants, enfin, en observant la société, depuis la plus tendre enfance, je suis intrigué par la ressemblance des couples, mariés et non-mariés. Au point de les envisager comme des jumeaux.</span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;">Cette impression est si forte qu'en rencontrant Pierre Radisic, un photographe qui a beaucoup d'humour et aussi un grand intérêt pour l'observation, je me suis rendu compte que la question que je me posais, lui l'avait photographiée et imprimée. Cette rencontre fut un grand plaisir et m'a permis d'enfin partager ces questions sur la dualité. Afin de partager plus encore cette expérience sociologique, faite de correspondances physiques, l'Atelier 340 Muzeum a invité Pierre Radisic à montrer une sélection de sa série <em>Couples</em> (1982) sous le titre <em>Figures doubles</em>.</span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;">Parallèlement à cette exposition, l'Atelier 340 Muzeum vous invite à découvrir le film <em>Heavenly Bodies</em> réalisé par Pierre Radisic et Walter Hus aux Brigittines en 2005. Un film d'entretien entre l'artiste et le commissaire de l'exposition est également à découvrir dans le c<em>afé culturel </em>attenant aux salles, ainsi qu'une sélection récréative de photographies de l'artiste.</span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: left;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;">WODEK, président-concièrge                                                                   </span></p> <hr /> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;">Al wandelend door de straten, al etend in restaurants, kortom: terwijl ik de maatschappij observeer, ben ik al van kindsbeen af geïntrigeerd door de gelijkenis van koppels, getrouwd en niet getrouwd. Tot op het punt dat ik ze ging zien als tweelingen. Mijn indruk was zo sterk dat ik in een ontmoeting met Pierre Radisic, een fotograaf met veel humor en een grote interesse voor het observeren,vaststelde dat hij mijn vraag had gefotografeerd en afgedrukt. Deze ontmoeting was een waar plezier, en stelde me in staat mijn vragen over dualiteit eindelijk te delen. Ten einde dit sociologisch experiment nog meer te delen, door een fysieke correspondentie, heeft het Atelier 340 Muzeum Pierre Radisic uitgenodigd een selectie van zijn serie <em>Couples</em> (1982) te tonen onder de titel <em>Figures doubles</em><em>.</em></span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;"><em> </em></span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;">Parallel aan deze tentoonstelling, nodigt het Atelier 340 Muzeum u uit de film <em>Heavenly Bodies</em> te ontdekken, gerealiseerd door Pierre Radisic en Walter Hus in de Brigitijnen in 2005. Een film over een dialoog tussen de artist en de curator van de tentoonstelling valt eveneens te ontdekken in het <em>café culturel</em> grenzend aan de zalen, alsook een recreatieve selectie foto’s van de kunstenaar.</span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;" align="JUSTIFY"><span style="font-size: small;">WODEK, président-concièrge</span></p> Wed, 20 Mar 2013 18:17:20 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Olivier Kosta-Théfaine - Alice - March 23rd, 2013 4:30 PM - 5:30 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>At 4:30pm</b>, Olivier Kosta-Théfaine will present 'Détails d'une rue', his new solo show at Alice Gallery.A unique occasion to take a short walk with him in the streets and discover the creative process of an artist whose works mainly originate in the urban landscape.  </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>A 16h30</b>, Olivier Kosta-Théfaine présentera 'Détails d'une rue', sa nouvelle exposition personnelle chez A.L.I.C.E. L' occasion unique de faire quelques pas ensemble dans la rue et de découvrir le processus créatif d'un artiste dont les oeuvres prennent naissance dans la ville.</span></p> <p></p> Wed, 13 Mar 2013 15:32:49 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list JURGEN OTS - Appartement Elisa Platteau - March 23rd, 2013 2:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Director Bill Arning from the Contemporary Arts Museum Houston, Texas, reflects on the new works by Jurgen Ots. </span></p> <p style="text-align: justify;"><strong><span style="font-size: small;">Flickering before my eyes  </span></strong></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Staring at screens defines life in our time. It is a common experience to leave the screen that we have stared at during work and merely substitute our employer's screens with personal screens. We glance at smartphone screens to the point where we can ignore our friends, lovers, and pets for videos of strangers’ lives and acquaintances kittens. There is no moralizing to be done here about the loss of lived experience for mediated reality, as it is a choice we have collectively made. Few of us manage more than temporary reprieve from our screen addiction- self-consciously going offline for a few days.  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">It is, however, worth analyzing the allure of screens, and Jurgen Ots new series Periaqueducttal Gray serves as perfectly catalytic objects for this consideration. The artist starts with the old-fashioned sparkly projector screens that he collects in thrift shops. This uniquely identifiable material speaks of an earlier time- a media age-of-innocence when screens were unfurled before the assembled family with the majesty of sacred objects. When the potential enthrall of moving images left the movie palace for the home the potential for today's screen-world was born whole.  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ots takes these found screens apart as a spectacularly loaded material, slicing them into strips to better understand their power. He also combines ones from different periods, and as particularly volatile material the older ones are more yellowed- the most universal comprehensible sign of aging next to human wrinkles. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Someone under 35 years old is unlikely to have any memories of family films projected on these ungainly freestanding screens. It happened so rarely as to be of significant effect when it did occur. Our jazzy super-eight camera was a pride and joy of my Dad's who understood that film was supposed to tell stories with motion. I remember family squabbles over my mother's inability to take his direction. Instead of performing the action my father was trying to capture she would frieze and just wave at the lens, and get a slightly pained expression as my dad urged her to walk, wave jump, anything other than "stand still and wave”. (At some point these were transferred to VHS, watched once for comic effect and there they sit, decaying on the shelf to this day.  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">More often on that sad screen we watched these weird edits of popular Hollywood kids movies on super 8 that were available at the time and still found in flea markets-, such as "Abbott and  Costello meets the Mummy. " I could watch those repeatedly causing the old screen to come out of the closet more than the endless home movies.  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">More loaded though was the tattered leather briefcase I Found as a snoopy pubescent. I assumed rightly that anything locked and hidden was of interest. Pulled from the back of my Dad's closet I quickly picked the lock and enioyed on the same, now tattered screen super 8 porn Ioops- amusingly amateurish by today's standards. One that involved the forced sexual seduction of a conspicuously swishy gay couple by two Amazonian women at knile point was burned into the memory of this proto gay kid. While I don't Feel good about not respecting their privacy that tattered screen sexual images are what pops into my head before old screens more than our family visit to the Parthenon. An arty gay bar in NY called Pork realized that this was a common association at old screens for many and replaced their cliched video monitors with freestanding screens and stocks of plastic- reeled films. This relerenced the underground history of smokers," parties For ostensibly straight men where they would smoke cigars, drink beer and whiskey, watch porn on super eight and allow themselves to masturbate alongside other men, a gateway For male desire for many. I was amazed how anyone of my generation, born in the early 196os had a similar erotic resonance with these screens, their tatters testament to our endless scopophilic desire.” The aging yellowing on Ots' screens are equal parts smoke and desire. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">I share these family histories as an available case study For the power at the moving image, entering the home has our brains. There was considerable debate about whether these new image technologies might actually be harmlul, whether evolution would have a chance to catch up for the image world being born. When Ots hand makes in shredded screens a technological history. Adding to it a mess, gooiness and a lleshiness he speaks of the introduction of image technologies into our bodies. The browned material on the surface speaks of the messiness of visual desire, and each tatter records some untold event. Ots owns these history with his cuts and glue, taking as his right the unique ioy being a much younger man, employing his own generations’ distance from these pre-digital screens. Technological histories are always shitting, we write the stories we need to better understand where we are now. Ots works once exhibited become historical obiects themselves. How will they appear when the last person who has seen their lives and lusts flicker before them has passed from the planet. That is the final open ended question of Periaqueductal Gray. </span></p> Fri, 15 Mar 2013 08:11:27 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Egill Sæbjörnsson - Hopstreet - March 23rd, 2013 12:00 PM - 7:00 PM <p style="text-align: justify;">We are very happy to announce the second solo exhibition by <b>Egill Sæbjörnsson</b> at Hopstreet. <br /> <br /> On Saturday 23 March we welcome you on the opening from 12 till 19h during the BRUSSELS DOWNTOWN GALLERIES DAY.</p> <p style="text-align: justify;"><i>Special act: Egill and his friends </i><i>Laurence Short and Björn Halldor Helgason</i><i> will perform a live music interaction with the art works. (see timetable on the Downtown leaflet)</i> <br /> <br /> Sæbjörnsson's latest work continues his experimentation with elements of animation, sound and technology interacting in a playful and inventive way. The exhibition is comprised of three installations where the communication between sculptural objects and computer-animated image projections create self generative works. <b></b></p> <p style="text-align: justify;">Egill Sæbjörnsson's (°1973) exhibitions and performances include: Frankfurter Kunstverein, Reykjavik Art Museum, Kunstverein Nürnberg, Albert Dürer Gesellschaft, Hamburger Bahnhof, Museum Für Gegenwart Berlin, I8 Gallery Reykjavik, Hopstreet Gallery Brussels, Sassa Trulzsch Berlin and Johann König Berlin. Sæbjörnsson, together with Marcia Moraes, and their collective "The Rabbit" recently collaborated with Robert Wilson on On the Beach, 2012 at the Baryshnikov Center, New York (inspired by Einstein on the Beach, 1976).</p> <p style="text-align: justify;">Laurence Short is a programmer/animator based in London with a background in theater and music, Björn Halldor Helgason is a newly graduated composer of classic contemporary music from the Icelandic Art Academy.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">During the fair, HOPSTREET is open so you can discover the fantastic exhibition “Sticks” by <strong>Egill Sæbjörnsson</strong>. The gallery is open on Thursday, Friday and Saturday from 14 till 18h. and by appointment. <br />On Friday, the gallery is open till 22:00 on occasion of the<strong> BRUSSELS GALLERY NIGHT</strong>.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">We zijn zeer verheugd u de tweede solotentoonstelling van <strong>Egill Sæbjörnsson</strong> aan te kondigen in Hopstreet. <br /><br />Op zaterdag 23 maart verwelkomen wij u graag op de opening van 12 tot 19u tijdens de BRUSSELS DOWNTOWN GALLERIES DAY. <br /><i>Special act: Egill en zijn vrienden Laurence Short en Björn Halldor Helgason brengen live een muzikale interactie met de kunstwerken. (uurrooster wordt nog aangekondigd)</i> <br /><br />Zijn recent werk is een vervolg op zijn experimenten met elementen of animatie, geluid en technologie op een speelse, inventieve manier. De tentoonstelling zal bestaan uit drie nieuwe installaties waarbij de dialoog tussen de sculpturale objecten en de computergeanimeerde projecties resulteert in zichzelf regenererende werken.</p> <p style="text-align: justify;">Egill Sæbjörnsson's (°1973) tentoonstellingen en performances: Frankfurter Kunstverein, Reykjavik Art Museum, Kunstverein Nürnberg, Albert Dürer Gesellschaft, Hamburger Bahnhof, Museum Für Gegenwart Berlin, I8 Gallery Reykjavik, Hopstreet Gallery Brussels, Sassa Trulzsch Berlin en Johann König Berlin. Sæbjörnsson, Marcia Moraes en hun collectief "The Rabbit" werkten onlangs samen met Robert Wilson's aan "On the Beach" in het Baryshnikov Center, New York (geïnspireerd op "Einstein on the Beach" van 1976). <br /><br />Laurence Short is een programmator/animator van London met ervaring in theater en muziek, Björn Halldor Helgason is een pas afgestudeerde componist van klassieke hedendaagse muziek aan de IJslandse Kunst Academie.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Nous sommes ravis de vous annoncer la deuxième exposition en solo d’<strong>Egill Sæbjörnsson</strong> à la galerie Hopstreet. <br /><br />Nous vous accueillerons pour le vernissage, le samedi 23 mars de midi à 19 h, à l’occasion du BRUSSELS DOWNTOWN GALLERIES DAY.
<br /><em>Spectacle spécial : Egill et ses amis, Laurence Short et Björn Halldor Helgason, interpréteront en direct une interaction musicale avec les œuvres (horaire : voir le dépliant Downtown). </em><br /><br />L'œuvre récente de Sæbjörnsson s’inscrit dans le sillage de son expérimentation d’éléments tirés de la sculpture, de l’animation et de l’interaction sonore, d’une manière ludique et inventive. L’exposition se compose de trois nouvelles installations à travers lesquelles le dialogue entre les objets sculpturaux et les projections animées par ordinateur donne naissance à des œuvres qui s’auto-régénèrent. <br /><br />Egill Sæbjörnsson (°1973) a notamment exposé et joué au Frankfurter Kunstverein, au Reykjavik Art Museum, au Kunstverein Nürnberg, à l’Albert Dürer Gesellschaft, au Hamburger Bahnhof, au Museum Für Gegenwart Berlin, à la galerie I8 Gallery Reykjavik, à la galerie Hopstreet Gallery Brussels, au Sassa Trulzsch Berlin et au Johann König Berlin. Sæbjörnsson, Marcia Moraes et leur collectif "The Rabbit" ont récemment collaboré avec Robert Wilson pour « On the Beach », au Baryshnikov Center, à New York (œuvre inspirée par « Einstein on the Beach », 1976).</p> <p style="text-align: justify;">Basée à Londres, Laurence Short est un programmeur/animateur ayant l’expérience du théâtre et de la musique. Björn Halldor Helgason est un compositeur fraîchement diplômé en musique classique</p> <p></p> <p style="text-align: justify;"></p> Fri, 15 Mar 2013 16:09:08 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Gert Jan Kocken - Motive Gallery - March 23rd, 2013 5:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Gert Jan Kocken’s work is an ongoing research into the remembrance and visual representation of pivotal episodes in world history. When these episodes are committed to our collective memory, they form intricate constellations of facts, interpretations, opinions and visual impressions. This process of memorization is influenced by official chronicles and mass media, which offer clear-cut accounts of inherently ambiguous events. Kocken critically engages with these accounts, and offers multiple viewpoints that encourage the contemplation of alternative readings and counterfactual histories.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p></p> <p><strong>Art Brussels Special gallery hours </strong></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p>18 – 20 April</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p>Thursday — Saturday </p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p>10 am – 6:30 pm</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p>Breakfast between 10 am and noon</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p>Gallery night</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p>Friday 6 pm — 10 pm</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> Sat, 23 Mar 2013 07:26:22 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - Argos Centre for Art and Media - March 27th, 2013 7:30 PM - 10:30 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">On the occasion of the group exhibition <em>Bon travail</em> (02 March - 07 April 2013) Argos invites two thinkers who discuss the subject of laziness in contemporary society. For <em>Laziness: The Last Taboo</em> philosophers Isabelle Stengers (Université Libre de Bruxelles) and Petra Van Brabandt (Sint Lucas Antwerp) engage in a debate about our ambiguous position on laziness. What does our view of laziness imply with regard to the subject of work, pleasure, the contemporary production and consumption model and our being mortal?</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Laziness is the last taboo. We all hasten to embark on the next project, the next interesting assignment, a new challenge. We are flexible workers, freelance workers. We work long hours, always say “yes” and assess our value in terms of employability. We succeed if we work—i.e. if we work non-stop. Laziness is the last sin. And as is usual with sins, we are obsessed by it. Those who don’t work, have to prove they want to. That they will work any time, that they want to say “yes”, that they will be flexible. That they want to race around and succeed, get ready and be on time. That they are not lazy. We constantly want them to prove that they are willing to work, because we suspect them of indulging in the sweet pleasure of laziness—which we begrudge them. And it is precisely this grudge that betrays how our work actually makes us suffer. We transform our suffering into resentment. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Petra Van Brabandt</strong> is philosopher. She teaches Semiotics &amp; Art, and Design &amp; Context at Sint Lucas Antwerp, where she also coordinates the series of lectures<em>The City Wasn’t Born Yesterday</em> (2012-2013). Van Brabandt wrote a doctoral thesis on moral philosophy. She is currently engaged with feminist philosophy and enquires into the fields of art &amp; narrative, and art &amp; pornography.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Isabelle Stengers</strong> is a philosopher of science and works at the Université Libre de Bruxelles. In her early publications, co-authored by physical chemist Ilya Prigogine, she put forward that irreversible thermodynamics inevitably led to certain philosophical conclusions. These conclusions resulted in a political involvement based on the necessity of dealing with problems that encompass the present and future, as she sets out in the publications <em>La sorcellerie capitaliste</em> (co-authored by Philippe Pignarre, 2005), <em>Au temps des catastrophes</em>(2009) and <em>Une autre science est possible!</em> (2013).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">IN COPRODUCTION WITH DEBUREN.</span></p> Thu, 28 Feb 2013 16:34:22 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Stanley Whitney - Albert Baronian - March 28th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">For almost thirty years Whitney has been exploring two
central aspects of abstract painting: Colour and structure. <br />Colour is what structures the paintings. For a long time Whitney has been working with square
canvasses of different sizes, which he structures with up to four unequal bands consisting of one or more
lines the width of a paintbrush. Starting from the top left–almost like writing a text–he fills the bands
with a series of non-uniform rectangles and squares of different colour. This process, which ends at the
bottom right of the canvas, can be repeated two or three times. The choice of colour is intuitive and the
result of the painting process which is unpredictable an unknown.<br />Whitney works with the system of “call-and-response”, which is a principle used across multiple
disciplines, and in music is typical in spirituals, gospels, blues and jazz. He paints one colour and then
decides which colour responds to the first one. This very simple principle results in the fact that the same
colour is almost never used twice and the colours become more and more complex.
And yet, Whitney’s paintings seem easy, almost effortless. They are playful and strictly formal at the
same time. This is similar to Jazz–which seems easy–as Whitney explains: “As if you could just get up
and play the instruments, that there’s no struggle with how it’s done. It’s like Coltrane using a simple
melody. I just use a simple square”.<br />
Despite their complex colour scheme Whitney’s compositions are always harmonic and show his joy for
colour and composition. They are rhythmic, melodic, and intense. „The idea is sound through colour,
creating a polyrhythm and confronting something very beautiful with a lot of humanity to see something
that you think you know but then realize you don’t“ (Stanley Whitney).<br /><br />Stanley Whitney was born in 1946 in Philadelphia and currently lives and works in New York and Solignano, Italy.
His works have been featured in numerous international exhibitions since the early seventies. His work was part of
the 50th Venice Biennale (2003) in the project Utopia Station, and was also shown in the Dakar Biennal (2004).
Museum exhibitions include the National Academy Museum, New York (2012), the Nelson-Atkins Museum of Art,
Kansas City (2008), the University of Dayton, Dayton, Ohio (1991), the Pennsylvania Academy of Fine Arts,
Philadelphia (1985), the Brooklyn Academy of Music (1983), the Alternative Museum, New York (1981), the Studio
Museum in Harlem (1981) and the Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield (1976). He is the recipient of
the John Guggenheim Fellowship (1996) and Pollock-Krasner Fellowship (2002) as well as winning the First Robert
De Niro Sr. Prize in Painting (2011).</p> Sat, 16 Mar 2013 07:26:35 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Antonio Guiotto, Manuel Larrazábal Scano - anyspace - March 28th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The artists will work in the Anyspace Gallery from Wednesday<br /> March 13 to Thursday March 21. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The gallery hosts the project co|oc inviting Italian artists Manuel Larrazábal Scano and Antonio Guiotto to present an artistic process of cohabitation.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Michela &gt; we have put Manuel Larrazábal Scano’s and Antonio Guiotto’s artistic practices together because of a euphoric intuition, that of promoting the encounter, in the same space, of the anarchist machines of the former and the funambulist creations of the latter. The dialogue that has since taken place is one between devices experimenting the power relationship between certain elements and the space containing them. These elements are the objects, sculptures and drawings, the sounds that they produce or contain and the interaction that keeps them balanced or makes them implode in a random motion.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The elaboration of a form of balance is present throughout Antonio Guiotto’s works, which, like funambulists, reestablish their center of gravity in relation to the space in which they take position. This research is visible in the series of support systems, constituted by casts of domestic objects, as well as by the machines made from instruments and waste materials of constructions sites, solidly anchored to the ground. In his latest works, Antonio builds devices diffusing sound frequencies picked for their therapeutic effect on the people surrounding them. These anthropomorphous constructions whisper or whistle the intimately recomposed stories that have generated them, those of the artist, even of art itself.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; Antonio Guiotto’s last work appears to be producing the paradox of stability generating movement, even though at times it only is purely cerebral movement. Hominid sculptures, creators of balance, occupy the space in which they operate. It almost seems as though they entered in a tight group, like a team of construction workers at the crack of dawn, dividing up the walls and corners that will be their work for the day. They replace columns and buttresses of old times. And even though this action is seemingly useless, it becomes necessary in order to stop the frenzy of our everyday activities, which make us indifferent to the details of architecture; this action stresses the walls of the gallery having been painted countless times, or those at home eternally waiting to be painted.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">But when one’s attention is awakened by the movement produced by external objects, one can be filled with pleasure… when, in those hot summer days, the air finally moves thanks to the fans hanging from the ceiling, or when the blender is activated to bring pleasure to our taste buds… Or when the washer lets us know that it’s almost done and, as it does so, it throws on the ground the wooden spoon left on the kitchen top which, in turn, causes the water in Rover’s bowl to spill, as it falls in it from above. When these weak and mechanic movements follow one another in a random manner, they produce a noise and sort of melody and a dance without a rhythm, making us all happy in some way.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Observing these ordinary and every day like mechanisms, pushing to the extreme their movement and thus overpowering the utilitarian rules of engineering is how Manuel Scano has fun. What he produces are useless machines, indistinct accumulations of waste materials that can fall to the ground and break, instruments able to grind the plaster on the wall through the rotational motion of a drum stick glued to a second-class fan, that can also generate colorful scribbles on a piece of paper… To be concise: real mechanisms that are fully defunctionalized.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Michela &gt; Manuel’s installations and drawings are like music scores made of pencils, pieces of wood, threads, waste, fragments and mechanic elements that are put in action in a reiterated motion. The scores are created through superimposition, accumulation and repetition of simple gestures impressed upon paper and upon the space. Each repetition produces another repetition, in a spontaneous automatism, which generates twelve-tone chords. Manuel’s compositions integrate within themselves randomness, revealing the process of auto-organization which brings the balance between order and chaos.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; This cohabitation between Antonio and Manuel in Anyspace’s space takes the shape of an essay on movement, in which the chapter on statics has been written with a pen and a mixer, and the chapter on centripetal movement with a ruler.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> co|oc is the proposition for a dialogical project which takes the form of an artistic cohabitation in a given space. Two artists are invited to share a space of creation. The notion of space is each time redefined and it can either be a physical space or a real or imaginary situation. co|oc invites two artists to travel with a simple piece of hand luggage and spend a short time in a city where they have never been exposed, in order for them to reconsider the notion of creative process and its formalization.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The first conversation is between Manuel Larrazábal Scano, Antonio Guiotto and Anyspace Gallery.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">co|oc is born from a dialogue between Francesca Chiacchio and Michela Sacchetto.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La galerie accueille le projet co|oc, qui invite les deux artistes italiens Manuel Larrazábal Scano et Antonio Guiotto à mettre en place et présenter un processus artistique de cohabitation.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Michela &gt; Nous avons associé les pratiques artistiques de Manuel Larrazábal Scano et Antonio Guiotto à partir d'une intuition euphorique : celle de faire se rencontrer, dans un même espace, les machines anarchiques de l'un et les formes funambulesques de l'autre. Le dialogue qui s'active est celui de dispositifs qui expérimentent les rapports de force entre certains éléments et l'espace qui les contient. Ces éléments sont des objets – sculptures et dessins - les sons qu'ils produisent ou qu'ils contiennent et les interactions qui les maintiennent en équilibre ou les font imploser dans un mouvement aléatoire.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L'élaboration d'une forme d'équilibre traverse les oeuvres d'Antonio Guiotto qui, comme des funambules, redéfinissent leur centre de gravité par rapport à l'espace dans lequel elles prennent position. Cette recherche se décline en une série de systèmes de soutien, constitués en partie par des empreintes d'objets domestiques, ainsi qu’en machines assemblées à partir de matériaux et de résidus de chantier solidement ancrés à terre. Dans ses derniers travaux, Antonio construit des dispositifs qui diffusent des fréquences sonores choisies pour les effets thérapeutiques qu'elles peuvent avoir sur les hommes qui les côtoient. Ces formations anthropomorphes murmurent ou sifflent les histoires qui les ont générées, celle de l'artiste et celle de l'art, intimement réunies.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; Produire le paradoxe de la stabilité en générant du mouvement, bien que parfois purement cérébral, constitue le dernier travail d'Antonio. Les sculptures humanoïdes, porteuses d'équilibre, occupent l’espace dans lequel elles doivent œuvrer. Il semble qu'elles rentrent en groupe, comme une équipe de manœuvres qui, au petit matin, se répartissent les murs et les angles. Elles se substituent aux colonnes et contreforts d’autrefois. Bien que leur action soit apparemment inutile, elle trouve sa nécessité en figeant la frénésie d'une activité quotidienne qui nous rend indifférents aux détails architecturaux : elle souligne que les parois de la galerie ont été maintes fois retouchées ou que les murs domestiques sont toujours en attente d’être repeints…</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Mais quand l’attention est attirée par des mouvements extérieurs, nous pouvons être envahis d'un plaisir subtil : quand un ventilateur fait vibrer l'air dans les chaudes journées d'été, quand la centrifugeuse s'active pour apporter du bonheur aux papilles gustatives, quand le lave-linge s'emballe alors que son travail est presque terminé, et fait tomber du plan de travail de la cuisine la louche, qui à son tour renverse l'eau du bol de Médor. Quand ces mouvements subtils et mécaniques s'enchaînent de façon chaotique, ils produisent une sorte de mélodie et de danse arythmique qui nous rend, d'une certaine manière, heureux.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Observer ces mécanismes ordinaires et quotidiens, pousser à l'extrême leur mouvement et bouleverser les règles utiles de l'ingénierie, est un divertissement auquel se livre Manuel Larrazábal Scano. Il produit des machines inutiles, des accumulations indistinctes de déchets qui peuvent s'écraser à terre, des instruments qui servent à effriter l'enduit mural par le mouvement rotatoire d'une baguette de batterie montée sur un ventilateur d'occasion, qui peut également générer mécaniquement des gribouillages multicolores sur une feuille... En résumé : des mécanismes réels dont la fonction est détournée.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Michela &gt; Les installations et les dessins de Manuel sont comme des partitions, composées de crayons, de petits bouts de bois, de fils, de déchets, de fragments et d'éléments mécaniques qui s'actionnent dans un mouvement répétitif. Les partitions naissent par superposition, accumulation et répétition de gestes simples qui s'impriment sur le papier ou dans l'espace. Chaque répétition en produit une autre, dans un automatisme spontané, qui génère des accords dodécaphoniques. Ses compositions intègrent le hasard, tout en révélant le processus d'auto-organisation qui génère un équilibre entre ordre et chaos.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Francesca &gt; Cette cohabitation entre Antonio et Manuel dans l'espace de la galerie Anyspace prend la forme d'un essai sur le mouvement, dont le chapitre sur la statique a été écrit avec un mixeur et celui sur le mouvement centripète avec une règle.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> co|oc est la proposition d’un projet de dialogue qui prend la forme d’une cohabitation artistique dans un espace donné. Deux artistes sont invités à partager l' espace de création. La notion d’espace est redéfinie à l’occasion de chaque proposition et elle varie d’un lieu physique à une situation réelle ou imaginaire.</span><br /><span style="font-size: small;"> co|oc invite deux artistes à voyager avec un bagage à main, à séjourner pour une période limitée dans une ville qui leur est étrangère et à mettre en discussion la notion de processus créatif et sa formalisation.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La première conversation est entre Manuel Scano, Antonio Guiotto et la galerie Anyspace.</span><br /><span style="font-size: small;"> co|oc est un dialogue initié par Francesca Chiacchio e Michela Sacchetto.</span></p> Fri, 15 Mar 2013 16:02:43 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Farhad Moshiri - Galerie Rodolphe Janssen - March 28th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Galerie Rodolphe Janssen</strong> is proud to present its second exhibition of Iranian artist<strong> Farhad Moshiri</strong>. The exhibition will show a selection of new paintings as well as «I’m in heaven» a wall installation with knives created specifically for the show.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The work “Streetfighter black on orange” is a bright beaded canvas portraying two gentleman embracing one another in a movement both aggressive and erotic. A duality that opposes the violence of the subject and the grace of the embroidery. The beaded embroideries are realized by housewives in Teheran. It is a challenge for Moshiri to use a technique such as embroidery that has a high value in Iran and to turn it into something with western contemporary values.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> «I’m in heaven» is an installation composed of knives; objects that by their very nature, present an undisputable association with violence. To this violence, Moshiri opposes a word that is the contrary of the world of knives such as «I’m in heaven» or «Life is beautiful» (as shown in the Palazzo Grassi in the Fran- cois Pinault’s collection exhibition in 2011) or even «Home Sweet Home».</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Farhad Moshiri develops a colorful and attractive work from where a more complexe reality originates. His inspirations are : woman, kitsh, pop culture, globalization. But also the duality between the East and the West, the culture shock, his origins and his relation to the Iranian culture. About pop culture he says : “I’m actually interested in second-generation pop culture, where culture is adapted, culture that is fed down by the media, [one that] is adapted by the general public”. “A very understandable example is when Coca-Cola is written in Arabic; the overall look and aesthetic of the bottle changes.”</span></p> Fri, 05 Apr 2013 18:17:02 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Kelly Schacht - Meessen De Clercq - March 28th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM Mon, 11 Mar 2013 19:00:01 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Marieta Chirulescu - Meessen De Clercq - March 28th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> On the first floor, the Berlin based Romanian artist, Marieta Chirulescu, shows her work for the first time in Belgium after being exhibited at the Kunsthalle Basel in 2010, in Nuremberg (Kunstverein and Neues Museum) in 2011 and last year at Art Basel with the Micky Schubert gallery. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The exhibition reflects a certain minimali sm in giving prominence to the works. Thus, the work in the alcove is not on the front wall but on a side wall indicating from the outset that what there is to see in her work in general is as visible from an angle than head - on. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">When noticing fragments of ".doc" icons, symbolizing files from the word processing software Microsoft Word, the visitor understands that the artist draws on the computing world in the areas of digital and scanned documents as input for her abstract thinking.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> Chirulescu favours a mechanical technique while sometimes putting it in correlation with a visible gesture in the form of brushstrokes, fingers or with collages. Despite the minimal and objective nature, we see an underlying expressiveness that seems to consist of marks, redact ions or erasures. This is reinforced when we know that the sources that she uses include cropped documents, found photographs, scanned images, printed and reworked archives,... </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Starting out from some not very meaningful images (badly printed documents, eras ed fragments), rearranging them and removing any memory from them, Chirulescu does not allow the viewer to establish any narrative. She raises the question of what an image is. It is also interesting to note in this regard that she reproduces what is refer red to in computer jargon as an "icon" (from the Greek eikon, which means "image") and it cannot fail to make one think of sacred images in the Orthodox tradition. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> In a sense, she is joining a process of pictorial reflection which ranges from the Russian constructivists to the Bauhaus, through Theo Van Doesburg's theories of concrete art. Her interest in technological processes (but without searching for the ultimate, on the contrary) and the desire to reduce painting to its minimum visual expression puts Chirulescu within this tradition. But one of her particular features is that her painting oscillates between erasure and timid revelation, between deliberate mistakes and acknowledged deletions. She seems to favour the aesthetics of the marginal, the ignored, far - removed from flashiness and attempts to charm .</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Op de eerste verdieping toont de in Berlijn gevestigde Roemeense kunstenaar Mar ieta Chirulescu haar werk voor de eerste keer in België. Haar werk was eerder reeds te zien in de Kunsthalle Basel in 2010, in Nuremberg (Kunstverein en Neues Museum) in 2011, en vorig jaar op Art Basel waar de galerie Micky Schubert haar bracht. De sobere ophanging van de werken maakt duidelijk dat het hier om een minimale presentatie gaat. Zo neemt het werk in de alkoof niet de frontale plaats op de muur in, maar hangt het op een laterale muur, wat meteen al aangeeft dat wat er te zien is in haar werk ove r het algemeen evenzeer lateraal zichtbaar is als frontaal. Observatie van haar werk laat de kijker niet toe te begrijpen waar haar beelden vandaan komen, tot het moment waarop de bezoeker fragmenten van iconen bespeurt die de .doc extensie zichtbaar bevat ten en documenten symboliseren. Hier begrijpt men dat de kunstenaar put uit de informaticasfeer, het digitale en numerieke domein. Chirulescu geeft de voorkeur aan een mechanische techniek terwijl ze die soms plaatst tegenover zichtbare gebaren, onder de v orm van penseel - of vingersporen, of collages. Ondank het minimale en objectieve karakter bespeurt men een onderliggende expressiviteit die lijkt te bestaan uit sporen, verhullingen of zelfs doorhalingen. Dit wordt versterkt wanneer men weet wat de kunsten aar gebruikt als bronmateriaal: aangepaste documenten, gevonden foto’s, gescande beelden, gedrukte en herwerkte archieven, .... Chirulescu baseert zich op weinig betekenende beelden (slecht afgedrukte documenten, uitgeveegde fragmenten) die, door ze te herwe rken en alle herinnering die ze bevatten te verwijderen, de kijker niet in staat stellen om eender welke vorm van verhaal te ontwikkelen. Ze stelt de vraag wat een beeld is. Het is in deze zin trouwens interessant op te merken dat zij reproduceert wat in d e informatica een “icoon” genoemd wordt (afkomstig van het Grieks ‘eikon’ wat ‘beeld’ betekent) en uiteraard doet denken aan de heilige beelden in de orthodoxe traditie. In zekere zin schrijft Chirulescu zich in in een praktijk van picturale reflectie die grosso modo gaat van de Russische constructivisten tot Bauhaus, over de theorieën van Theo Van Doesburg. Haar interesse in technologische methodes (maar zonder het neusje van de zalm na te streven, integendeel) en haar wil om het schilderen tot zijn minima le visuele expressie te herleiden plaatsen Chirulescu in deze traditie. Eén van haar eigenheden is dat zij het schilderen doet schommelen tussen uitwissing en schuchtere revelatie, tussen gewilde fouten en bewust geaccepteerde doorhalingen. Zij lijkt een v oorkeur te hebben voor een marginale esthetiek, het in de steek laten, ver van alle opzichtigheid en verleiding.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> Au premier étage, l’artiste d’origine roumaine basée à Berlin, Marieta Ch irulescu montre son travail pour la première fois en Belgique après avoir exposé à la Kunsthalle de Bâle en 2010, à Nuremberg (Kunstverein et Neues Museum) en 2011 et l’an dernier à Art Basel avec la galerie Micky Schubert.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> L’accrochage reflète un certain minimalisme dans la mise en exergue. Ainsi, l’œuvre dans l’alcôve ne prend pas la place sur le mur frontal mais bien sur un mur latéral indiquant d’emblée que ce qu’il y a à voir dans son travail en général est davantage visible de biais que de face. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En percevant des fragments d’icônes « .doc » symbolisant les fichiers du logiciel de traitement de texte Microsoft word, le visiteur comprend que l’artiste puise dans la sphère informatique, dans les domaines du digitalisé et du numérique pour nourrir sa réfl exion abstraite. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Chirulescu privilégie une technique mécanique tout en la mettant parfois en corrélation avec une gestualité visible sous forme de traces de pinceau, de doigts ou encore avec des collages. Malgré le caractère minimal et objectif, on perçoit une expressivité sous - jacente qui semble être faite de traces, d’occlusions voire de ratures. Cela est renforcé quand on sait qu’elle utilise comme sources des documents recadrés, photos trouvées, images scannées, archives imprimées et remaniées,... </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En se basant sur des images peu signifiantes (documents mal imprimés, fragments effacés), en les remaniant et leur ôtant toute mémoire, Chirulescu ne permet pas au regardeur d’établir une quelconque narration. Elle pose la question de ce qu’est une image. Il est d’ailleurs intéressant de relever à ce propos qu’elle reproduit ce qu’on appelle en informatique « icône » (qui vient du grec eikon et qui signifie « image ») et cela ne peut manquer de faire penser aux images sacrées dans la tradition orthodoxe.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">  Dans un sens, elle s’insère dans une pratique de réflexion picturale qui va des constructivistes russes au Bauhaus, en passant par les théories d’art concret de Théo Van Doesburg. Son intérêt dans les procédés technologiques (mais sans en rechercher le nec le plu s ultra, au contraire) et la volonté de réduire la peinture à son expression visuelle minimale placent Chirulescu dans cette tradition. Mais une de ses particularités est qu’elle fait osciller sa peinture entre effacement et révélation timide, entre erreur s voulues et ratures assumées. Elle semble favoriser une esthétique du marginal, du laissé pour compte, très éloignée de tout tape à l’œil et de toute séduction.</span></p> Fri, 05 Apr 2013 18:14:51 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list