ArtSlant - Closing soon http://www.artslant.com/brx/Events/show en-us 40 Sam Moyer, Elaine Cameron-Weir - Galerie Rodolphe Janssen - January 18th, 2013 - February 23rd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>On Sam Moyer’s work :</strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <em>Sam Moyer’s beguiling, expansive pictures oscillate astutely between the sublime and the decorative. How she made them is hard to tell just by looking. Mounted on panels whose dimensions range from about 5 to 10 feet, they resemble much-enlarged, black-and-white aerial photographs of mountainous topographies, possibly from another planet. They also are like giant, dark photocopies of profusely wrinkled bedsheets. In most cases, they are crosses by paler, translucent bands that appear as if caused by a flaw in the reproductive machinery.<br /> <br /> Ms. Moyer crumples sheets of fabric, dyes them back, stretches them out, makes stripes using bleach and the irons them flat onto wood panels.</em></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> in The New York Times, Art In Review, Sam Moyer by Ken Johnson, 8 March 2012</span><br /> <br /> <br /><span style="font-size: small;"> Sam Moyer (b.1983) lives and works in Brooklyn. She received a BFA from the Corcoran College of Art and Design and a MFA from Yale School of Art. Sam Moyer has exhibited her work in “Between Spaces” at PS1 Contemporary Art Center, Queens in 2010. She has also exhibited at the Contemporary Art Museum St. Louis, Cleopatra’s, Brooklyn, and Max Hans Daniel, Berlin, among other venues. And Rachel Ufner, NY , Société, Berlin.</span><br /> <br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>On Elaine Cameron-Weir’s work :</strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <em>The specific beauty of the dandy consists particularly in that cold exterior resulting from the unshakable determination to remain unmoved; one is reminded of a latent fire, whose existence is merely suspected, and which, if it wanted to, but it does not, could burst forth in all its brightness.</em></span><br /><span style="font-size: small;"> The Painter of Modern Life, Charles Baudelaire</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <em>A long-forgotten neon lamp that was switched on during the Great Depression and left burning for about 77 years has been discovered hidden behind a dusty partition at Clifton’s Cafeteria.</em></span><br /><span style="font-size: small;"> Los Angeles Times, May 26th, 2012</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <em>My heart goes round and round/ My love comes a tumblin’ down/ You leave me ahhhh/ Breathless, ah!/ I shake all over and you know why/ I’m sure it’s love honey that’s no lie/ Cause when you call my name/ You know I burn like a wooden flame/ You leave me ahhhhhh/ Breathless! </em></span><br /><span style="font-size: small;"> Breathless, composed by Otis Blackwell, first recorded by Jerry Lee Lewis</span><br /> <br /> <br /><span style="font-size: small;"> Elaine Cameron-Weir (b. 1985) is an artist currently living in New York. She received a BFA from the Alberta College of Art and Design, Alberta, Canada and an MFA from New York University, New York. Among other places, she has exhibited in Philadelphia, New York, Cologne and Paris. Her work has been reviewed in publications including Art Papers, The Brooklyn Rail, BOMB magazine and The New York Times and was recently acquired by the Philadelphia Museum of Art.</span></p> Mon, 21 Jan 2013 12:27:09 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - CIVA - Centre International pour la ville, l'architecture et le paysage - May 15th, 2012 - February 24th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Exposition organisée par la Fondation pour l'Architecture.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Cette exposition, destinée aux enfants et à leurs familles, a pour but de sensibiliser un large public à l'architecture et à l'urbanisme bruxellois.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Au programme : une découverte interactive et pédagogique de la ville et de ses composantes : les commerces, les écoles, les logements, les lieux de loisirs, les bureaux, les parcs… réunis autour de quatre sections thématiques : « se loger », « apprendre », « s'amuser » et «travailler ».</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Une scénographie adaptée aux enfants leur permet de parcourir l'exposition de manière ludique. Une double lecture, avec plans, dessins, maquettes et photographies anciennes provenant des collections des Archives d' Architecture Moderne, et de collections publiques et privées, expose la ville aux enfants et aux adultes.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">À travers plusieurs jeux et à l'aide d'un livret pédagogique, les petits visiteurs prennent pleinement part à l'exposition.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Au centre de cette cité reconstituée, le « mini-museum » présente un focus sur une thématique ou une composante de la ville et de son patrimoine : l'urbanisme, le sgraffite, l'utopie de la ville, etc. autant de thèmes variés qui changeront périodiquement, comme dans un vrai musée.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La pièce centrale de l'exposition - un espace consacré à la maison avec une maquette géante - permettra à petits et grands d'apprendre et de découvrir les éléments extérieurs et intérieurs de nos habitations : lucarne, balustre, oeil de boeuf, etc. pour s'initier au vocabulaire de l'architecture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les styles architecturaux sont abordés à travers une section présentant des chaises de différentes époques. A l'aide de photographies de maisons, ils doivent retrouver à quelle époque elles appartiennent : éclectisme, Art déco, modernisme, etc. Une autre manière d'aborder l'architecture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L'exposition se termine par une section sur les métiers et matériaux liés au patrimoine urbain. Des vidéos présentent le savoir-faire des artisans.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En plus d'une section permanente, La Cité des enfants accueillera régulièrement des expositions temporaires traitant des différents aspects de la vie en ville.</span></p> Mon, 18 Feb 2013 18:45:59 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - The Affordable Art Fair Brussels - February 21st, 2013 - February 24th, 2013 <div class="entry-content"> <p style="text-align: justify;">A fun four-day event hosting a wealth of galleries and a huge array of contemporary art, the Affordable Art Fair Brussels will be taking place between the 21 – 24 February 2013, in the Tour &amp; Taxis.</p> <p style="text-align: justify;">Our concept is simple, yet unique: an inspiring and friendly atmosphere in which you can find thousands of original paintings, prints, sculpture and photography all under one roof, and all priced between €50 to €5,000. The work of young, emerging artists hangs alongside some of the biggest household names, while the compulsory labelling of all the artwork means you know exactly what suits your budget.</p> </div> <p><strong> </strong></p> <p><strong>Opening times</strong><br /> Thursday 21 February 12.00pm – 6.00pm<br /> AAFter work  6.00pm – 10.00pm<br /> Friday 22 February 12.00pm – 8.00pm<br /> Saturday 23 February 11.00am – 7.00pm<br /> Sunday 24 February  11.00am – 7.00pm</p> <p><strong>Admission</strong><br /> Adult €13<br /> Concessions  €11<br /> Children under 16 Free</p> Mon, 18 Feb 2013 12:24:05 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Pascal Cribier - CIVA - Centre International pour la ville, l'architecture et le paysage - December 12th, 2012 - February 28th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Trop souvent délaissée, la question du stockage s'inscrit pourtant avec acuité dans toute réflexion concernant le paysage urbain contemporain. En dépendent l'organisation des flux, des circulations, la définition du bâti. Depuis plus de trente ans, le travail de Pascal Cribier, paysagiste respecté,  est motivé par une recherche dynamique entre les grands rythmes vivants. Son obsession d'utiliser les énergies des lieux dans lesquels il intervient se manifeste dans chacun de ses projets. L'ingénierie qu'il met en place dans ses projets renvoie aux processus infiniment complexes de la nature pour accumuler, distribuer, transformer et aussi détruire les réserves des matériaux nécessaires à l'économie du vivant. Une meilleure appréhension du génie vivant pour stocker et déstocker ne pourrait-elle pas participer d'un paysage urbain efficace et durable ? Mise en scène par Valérie Egles, l'exposition « Stockage/Déstockage » ne prétend pas fournir des solutions clef en main. Sa finalité se résume à partager avec les visiteurs un certain nombre d'interrogations, issues d'une longue pratique de création dans les domaines du paysage, des études urbaines et des jardins. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Pascal Cribier est aussi l'auteur d'« Itinéraires d'un Jardinier » (Xavier Barral, 2010). Cette monographie unique donne la mesure d'une œuvre qui s'est déployée depuis les années 80 sur des échelles très variées, depuis les paysages du Montana jusqu'aux jardins des Tuileries à Paris. Initialement conçu comme le catalogue d'une exposition (Espace Electra, Paris, GDF), le livre a été couronné par le jury du Prix Pechère en 2010.</span></p> Wed, 26 Dec 2012 09:37:35 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Oscar Tuazon - dépendance - January 12th, 2013 - February 28th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">I got my name written on my shirt</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">I ain’t no ordinary dude I don’t have to work</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">I don’t have to work…</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">That’s Waylon Jennings, talking about being an artist. Throughout his years at the top of the country charts in the mid 70s, Jennings kept coming back to the question of what kind of work it was he was doing. This kind of critique of the conditions of production was really the signature of what came to be known as ‘outlaw country’. Jennings was a trained entertainer who had come up through the Nashville music industry, and it’s funny to listen to the early albums, where you can really sense the dichotomy that existed between songwriters and entertainers. Guys like Jennings would just sing whatever it was the label asked them to, I guess. But it was Jennings who finally insisted on recording <em>Honky Tonk Heros</em>, with his own band rather than session musicians, and who fired Chet Atkins as producer when Atkins tried to stop him. The questions of what actually constituted artistic labor, and what kind of work an artist does, were really being played out at the time—not just in the music, but in the studio. Part of Jennings’ genius as an entertainer was to embody the act of artistic creation as a kind of manual labor.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The power of Jennings’ performance on <em>Honky Tonk Heros</em> isn’t diminished by the fact that this intensely personal, declarative album is in fact an album of cover songs. Every song on the album from start to finish had been written by Billy Joe Shaver. The famous story is that Shaver threatened Jennings until he listened to Shaver sing a few songs. Finally Jennings just became a cover version of Billy Joe Shaver.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">There’s a huge freedom in doing a cover version, inhabiting someone else’s speech—it’s a sensual experience, leaving your own body. I wanted to do a cover version of Glen Seator’s <em>Approach</em>, a project he did for Capp Street Project in 1996. <em>Approach</em> is a work which perfectly replicates the sidewalk outside the gallery inside the space of the exhibition. Seator was an artist who specialized in doing cover versions of reality. In the art world people call this ‘appropriation’ but I don’t think it’s the same thing. Appropriation implies a bit of distance, it’s a way of objectifying something; but a cover version is almost the opposite, a way of getting close to something you love. Seator’s work, even the massive sculptural projects, was more performance than sculpture– replicas of spaces that don’t exist anymore, mirrored spaces, this devastating idea that the surface of reality is replicable, just pure surface anyway. Dependent objects. It’s impossible to replicate Glen Seator’s work without him, he took it all with him.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><a name="_GoBack"></a>Billy Joe Shaver eventually ended up recording his own version of <em>Honky Tonk Heros</em>. I don’t know whether it matters if he’s covering Waylon Jennings or himself, but it’s worth listening to.</span></p> <p> </p> Mon, 21 Jan 2013 12:27:17 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Pica Pica - Alice - January 24th, 2013 - March 1st, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Aaaah finally... PICA PICA's second solo show! The first exhibition was in the gallery's precedent space back in 2009. From those fond memories, the desire grew to be once again immersed in their so very distinct, personal and yet somehow obvious universe. You will, provided you've kept somewhat of your inner child, be simply marveled by their simple constructions and colors.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span><br /><span style="font-size: small;">What seems simple at first, is in fact the result of a collection of multiple references and different techniques. Through photography, sculpture and painting, PICA PICA develops a very personal alphabet. A shape, subject or color skips from an art work or medium to the next with absolute fluidity and coherence. The sculptures influence the paintings that influence the photography and vice-versa.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span><br /><span style="font-size: small;">This natural feeling that emerges from the art finds it roots through architecture, landscaping or sheer gut feelings for 'accidental beauty'. For PICA PICA, the art of mastering the Art, is to be able to recreate the raw and primal inspiration of an object or idea, through the 'perceived' simplicity of their artistic technique. The photography becomes a instant witness of their evolution and artistic process.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span><br /><span style="font-size: small;">So why the name 'Interiors' for this exhibition you might ask? After all, it does sound like being invited to discover the latest interior design fair... A playful Jerome Degive says it's supposed to sound like an interior design magazine, "after all, however sophisticated an artwork can be, it still is a type of decoration". Of course, any other interpretation is possible, it's only an invitation to come see the exhibition.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Aaah... enfin le deuxième solo show de PICA PICA! La première exposition était en 2009, dans l'ancien espace de galerie. De ce souvenir a grandi le désir d'être à nouveau plongé dans leur univers si caractéristique et évident à la fois. C'est un travail cohérent qui vient à vous sans effort, si vous avez gardé en vous le souvenir de l'emerveillement de l'enfance pour les formes simples et découpées par les couleurs.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span><br /><span style="font-size: small;">Ce qui est d'apparence simple est le résultat d'un travail complexe de références distillées et de techniques maitrisées. Cette cohérence esthétique est un alphabet d'éléménts et d'écritures qui se mélangent dans chaque peinture, sculpture ou photographie. Les formes, les sujets, les couleurs passent d'une oeuvre à l'autre, d'un médium à l'autre, dans un mouvement perpétuel de va-et-vient. Ainsi la sculpture influence la peinture et vice-versa.</span><br /><span style="font-size: small;"> Cet alphabet d'écritures puise sont inspiration dans l'art brut, l'architecture ou encore dans "l'accident esthétique", comme un graffiti effacé sur une façade.</span><br /><span style="font-size: small;"> L'art de la maîtrise signifie pour PICA PICA, retrouver la force du geste, de la composition de l'objet qui les inspire. </span><br /><span style="font-size: small;"> La photographie a un rôle à part dans ce language plastique. Elle ajoute un contexte social et témoigne des ballades des 3 artistes dans la ville. C'est aussi à travers les photographies qu'apparaissent souvent les nouveaux éléménts, qui par la suite se fondent dans leur langage pictural.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span><br /><span style="font-size: small;">Mais pourquoi "Intérieurs" comme titre d'exposition? Il sonne comme une invitation au salon de la décoration! Jerome Degive me confirme l'allusion à un magasin de déco d'intérieur, et ajoute, non sans humour, que tout oeuvre, si sophistiquée qu'elle soit, n'en reste pas moins une forme de décoration. D'autres interprétations psychiques ou métaphoriques sont possibles. En fin de compte, c'est juste une invitation à venir voir une exposition.</span></p> Sat, 12 Jan 2013 06:33:46 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Francesco Vezzoli - Almine Rech Gallery - November 28th, 2012 - March 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;">A dancer with the Ballets Russes before becoming Picasso’s wife, Olga Khokhlova also loved to do embroidery. This was a crucial element for Francesco Vezzoli who, from the beginning, has devoted himself to the lives of women icons who expressed their suffering through the solipsistic practice of embroidery. The tears which the artist has been embroidering obsessively on these faces over the past 15 years represent the other side of glamour. <br /><br />“Olga weeps for all the ballets she never danced out of love for Picasso”, explains Francesco Vezzoli, who has now turned his attention to a legendary love story that began in early 1917. Picasso had travelled to Rome with Jean Cocteau, who introduced him to the Russian impresario Sergeï Diaghilev and his Ballets Russes. It is on this occasion that Picasso met, and fell in love with, Olga Khokhlova, one of the company’s dancers. On 18 May of that same year, Diaghilev’s new show, Parade, premiered in Paris, with costumes and sets designed by Picasso, the libretto by Cocteau and music by Erik Satie. <br /><br />Olga stopped dancing after marrying Picasso. On 12 July 1918, they got married in a Russian Orthodox church on Rue Daru in Paris, where Jean Cocteau, Guillaume Apollinaire, Max Jacob and Valerian Svetlov acted as their witnesses. <br /><br />Their love for one another is captured both in photographs of everyday life, but also in Picasso’s masterpieces, such as <em>Portrait of Olga in an Armchair</em> (Montrouge, autumn 1917), a painting which Vezzoli is particularly fond of and in which Picasso depicts Olga in a Spanish dress, seated on an armchair which she herself had embroidered. <br /><br />Exceptionally, and thanks to the <em>Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte</em>, Francesco Vezzoli has had access to these thousands of family snapshots kept in the <em>Olga Ruiz-Picasso Archives</em>, which are jointly managed by the children of Paul, the son of Olga and Pablo Ruiz-Picasso. Drawing on these precious yet until now inaccessible archives, the Italian artist has selected 19 black-and-white portraits of Olga in chronological order – as he had done, for instance, for <em>La Vie en Rose</em>, a series of 19 embroideries portraying Edith Piaf between childhood and old age. <br />  <br />Vezzoli has used the same method to produce oil paintings inspired directly by the photos of Olga at different ages, before rearranging them, using collages and embroideries. Various scenes and characters from the Ballets Russes are depicted in her tears, as are cubist motifs. This is where the past and present, the regrets and longings of Olga Khokhlova-Picasso come together. <br /><br />Painting and collage are techniques of Picasso’s that Vezzoli uses to put Olga back in the limelight. He thus declares his admiration for this woman who was a member of the Ballets Russes, one of the twentieth-century’s major artistic experiments and one that has come to occupy a lot of room in the artist’s work. Indeed, his fascination with the company led him to devote a performance to them in 2009 on the occasion of the 30th anniversary of the Museum of Contemporary Art (MOCA) in Los Angeles. Inspired by his hero Diaghilev, Vezzoli’s<em> Ballets Russes Italian Style (The Shortest Musical You Will Never See Again)</em>brought together Lady Gaga, Miuccia Prada, Baz Luhrmann, Frank Gehry, Damien Hirst and the Bolshoi Ballet. <br /><br /> “OLGA FOREVER! is a biography”, explains Francesco Vezzoli. “Through this work I am paying homage to Olga, who embodies my sensitivity and obsessions”. <br /><br /><br />© Caroline Corbetta <br /><br /><br />Francesco Vezzoli was born in 1971, in Brescia, Italy. <br />He studied at the <em>Central St. Martin’s School of Art</em> in London from 1992 to 1995. <br />Recently, Francesco Vezzoli put on the<em> 24H Museum</em>, an ephemeral installation organized in collaboration with the Prada Foundation in Palais d'Iena (Paris). <br />His work will be exhibited soon in an important solo exhibition at MAXXI, Rome (June 2013); MoMA/ PS1, New York (September 2013); MOCA, Los Angeles (November 2013). Vezzoli currently lives and works in Milan.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Olga Khokhlova - danseuse des Ballets Russes devenue épouse de Picasso – aimait également faire de la broderie: un élément très important pour Francesco Vezzoli qui, depuis ses débuts, s’est consacré à la vie d’icones féminines qui extériorisaient leur souffrance par la pratique solipsiste de la broderie. Les larmes, que l’artiste a obsessionnellement brodées sur ces visages au cours des quinze dernières années, représentent l’autre face du glamour. <br /><br />"Olga pleure tous les ballets qu’elle n’a pas dansés par amour pour Picasso", explique Francesco Vezzoli qui s’intéresse aujourd’hui à une légendaire histoire d’amour, née au début <br />des années 1917 lorsque Picasso est allé à Rome avec Jean Cocteau, qui lui présente l’imprésario russe Sergeï Diaghilev et ses Ballets. Picasso rencontre alors Olga Khokhlova, danseuse de la compagnie, dont il tombe amoureux. Le 18 mai de la même année débute à Paris le nouveau spectacle de Diaghilev, Parade, dont les costumes et décors seront réalisés par Picasso, le livret par Cocteau et la musique par Erik Satie. <br /><br />Olga a arrêté de danser après son mariage avec Picasso. <br />Le 12 juillet 1918, ils se marient dans l’église orthodoxe russe de la rue Daru à Paris, avec pour témoins Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau, Max Jacob et Valerian Svetlov. <br /><br />Cet amour que l’on retrouve à la fois dans des photographies de leur quotidien mais aussi dans des chefs d’oeuvres de Picasso, comme <em>Portrait d’Olga dans un fauteuil</em> (Montrouge, automne 1917) – tableau que Vezzoli affectionne particulièrement – dans lequel Picasso met en scène Olga dans une robe espagnole, assise sur un fauteuil qu’elle a elle-même brodé. <br /><br />Dans des circonstances exceptionnelles et grâce à la <em>Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte</em>, Francesco Vezzoli a eu accès à ces milliers de photos de famille, conservées dans l’<em>Archive Olga Ruiz-Picasso</em>, partagée par les enfants de Paul, fils d’Olga et Pablo Ruiz-Picasso. A partir de ces précieuses archives, jusqu’à présent inaccessibles, l’artiste italien a sélectionné dix-neuf portraits en noir et blanc d’Olga suivant une évolution chronologique - comme il l’a fait, par exemple, avec<em> La Vie en Rose</em> série de dix-neuf broderies du visage d’Edith Piaf; de l’enfance à la vieillesse. <br /><br />De la même façon Vezzoli a réalisé des peintures à l’huile s’inspirant directement de photos d’Olga à différentes époques, pour ensuite les recomposer avec des collages et broderies, des larmes comportant des scènes et personnages des Ballets Russes et des motifs cubistes. Passé et présent, regrets et désirs d’Olga Khokhlova-Picasso fusionnent dans ces larmes. <br /><br />Peinture et collage sont des techniques de Picasso que Vezzoli emploie pour remettre Olga au centre de la scène. Il déclare ainsi son admiration pour cette femme qui fit partie des Ballets Russes, l’une des expériences artistiques du XXe siècle qui constitue une vraie obsession pour lui. Une fascination telle, qu’il leur consacre en 2009 une performance pour la soirée du 30ème anniversaire du MOCA à Los Angeles. Dans cette performance <em>Ballets Russes Italian Style (The Shortest Musical You Will Never See Again)</em> qui s’inspire de son héros Diaghilev, Vezzoli parviendra à rassembler Lady Gaga, Miuccia Prada, Baz Luhrmann, Frank Gehry, Damien Hirst et la compagnie du Théâtre Bolchoï. <br /><br />"OLGA FOREVER ! est une biographie , explique Francesco Vezzoli, « Par ce travail, je rends hommage à Olga, une femme qui incarne ma sensibilité et mes obsessions." <br /><br /><br />© Caroline Corbetta <br /><br /><br />Francesco Vezzoli est né en 1971, à Brescia en Italie. <br />Il a étudié à la <em>Central St Martin’s School of Art</em> de Londres de 1992 à 1995. <br />Francesco Vezzoli a récemment réalisé l'installation éphémère <em>24h Museum</em> en collaboration avec la Fondation Prada au Palais d’Iéna (Paris). <br />Son travail fera prochainement l'objet d'importantes expositions personnelles au MAXXI, Rome (juin 2013); MoMA/PS1, New York (septembre 2013); MOCA, Los Angeles (novembre 2013). Il vit et travaille à Milan.</p> <hr /> <div class="Col8 ColMargin"> <div class="Tiny lpr lmr"> <p style="text-align: justify;">Olga Khokhlova, de danseres van de Ballets Russes die Picasso’s vrouw werd, hield van borduren. Dat is uiterst belangrijk voor Francesco Vezzoli, die altijd al geïntrigeerd was door het leven van vrouwelijke iconen die hun leed veruitwendigden via de solipsistische bezigheid die borduren heet. Al vijftien jaar borduurt hij tranen op hun gezichten – als teken van de keerzijde van glamour. <br /><br />"Olga weent om alle balletten die ze uit liefde voor Picasso niet heeft kunnen dansen", zegt Francesco Vezzoli. De legendarische liefdesgeschiedenis tussen Olga en Pablo begon in 1917, toen Picasso samen met Jean Cocteau naar Rome ging en daar door hem werd voorgesteld aan de Russische impresario Sergeï Diaghilev en zijn Ballets. Olga Khokhlova maakte deel uit van het gezelschap en Pablo Picasso werd verliefd op haar. Op 18 mei van dat jaar begon in Parijs Parade, het nieuwe stuk van Diaghilev, met kostuums en decors van Picasso, een libretto van Cocteau en muziek van Satie. <br />     <br />Na haar huwelijk met Picasso stopte Olga met dansen. Op 12 juli 1918 trad het koppel in het huwelijk in de orthodoxe kerk van de rue Daru in Parijs; getuigen waren Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau, Max Jacob en Valerian Svetlov. <br />     <br />Uitingen van deze liefde zijn niet alleen te vinden op foto’s van hun dagelijks leven maar ook in meesterwerken van Picasso zoals het <em>Portret van Olga in een fauteuil </em>(Montrouge, herfst 1917), een schilderij waar Vezzoli gek op is. Olga draagt hierop een Spaanse jurk en zit in een fauteuil die ze zelf geborduurd heeft. <br /><br />Dankzij de<em> Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte</em> heeft Francesco Vezzoli uitzonderlijk toegang gekregen tot de duizenden familiefoto’s van het <em>Archief Olga Ruiz-Picasso</em>, dat berust bij de kinderen van Paul, de zoon van Olga Khokhlova en Pablo Ruiz-Picasso. Hij heeft er negentien zwart-witportretten van Olga uit gehaald en ze chronologisch geordend. Eerder, in <em>La Vie en Rose</em>, had hij negentien gezichten van Edith Piaf geborduurd in een reeks die liep van haar kindertijd tot haar oude dag. <br />     <br />Zo bewerkt hij nu zijn olieverfschilderijen van Olga, die rechtstreeks teruggaan op foto’s van Olga uit verschillende perioden van haar leven, met collages en borduurwerk in de vorm van tranen die taferelen en personages van de Ballets Russes en kubistische motieven bevatten. In die tranen versmelten Olga’s heden en verleden, wat ze gemist heeft en wat ze ten diepste wenste. <br />     <br />Om Olga weer een centrale plaats toe te kennen gebruikt Vezzoli technieken die ook Picasso gebruikte: schilderen en collages maken. Zo uit hij zijn bewondering voor een vrouw die deel uitmaakte van de Ballets Russes, een artistiek ‘evenement’ van de 20e eeuw dat hem zo sterk fascineert en zelfs obsedeert, dat hij in 2009, voor de avond waarop in Los Angeles de dertigste verjaardag van het MOCA werd gevierd, een performance bracht die was geïnspireerd op Diaghilev. Aan die performance, <em>Ballets Russes Italian Style (The Shortest Musical You Will Never See Again)</em> namen naast het gezelschap van het Bolsjojtheater beroemdheden deel als Lady Gaga, Miuccia Prada, Baz Luhrmann, Frank Gehry en Damien Hirst. <br />     <br />"OLGA FOREVER! is een biografie", zegt Francesco Vezzoli. "Met dit werk breng ik hulde aan Olga. Zij belichaamt mijn gevoeligheid en mijn obsessies." <br /><br /><br />© Caroline Corbetta <br /><br /><br />Francesco Vezzoli is geboren in 1971, in Brescia (Italië). <br />Hij studeerde in de <em>Central Martin School of Art</em> in Londen van 1992 tot 1995. <br />Onlangs heeft Francesco Vezzoli het <em>24H Museum</em> bedacht, een efemere installatie, georganiseerd in samenwerking met de Prada Foundation in het Paleis van Iéna (Parijs). Zijn werk zal binnenkort in belangrijke solo shows tentoongesteld worden in MAXXI, Rome (juni 2013); MoMA/ PS1, New York (september 2013); MOCA, Los Angeles (november 2013). Vezzoli leeft en werkt in Milaan.<br /><br /></p> </div> </div> Mon, 07 Jan 2013 09:01:16 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list matthieu ronsse, Johan Creten - Almine Rech Gallery - January 17th, 2013 - March 2nd, 2013 Wed, 16 Jan 2013 15:22:45 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list michel mazzoni - anyspace - January 26th, 2013 - March 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Pour son exposition, à la galerie Anyspace, l’artiste présente un choix de photographies issues de ses dernières séries en cours.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L’un des fondements qui traverse le travail de Michel Mazzoni : troubler le rapport au temps, et présenter des images qui nous transportent dans un voyage atemporel. Son univers est fait de lieux communs qu’il transfigure en fausses architectures du futur. Cela peut nous faire penser aux ambiances cinématographiques de Tarkovski, d’Antonioni, de David Lynch, aux nouvelles de Ballard, pour ne citer qu’eux. D’ailleurs, l’exposition « Drift » lance les pistes d’une certaine narrativité, d’une forme fictionnelle.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L’aspect sériel avec les photographies de la série « Indices » s’agence comme une enquête, une investigation, une recherche, un road-movie, qui laisse place à l’imaginaire. Ces indices proches de l’infra-mince marquent des espaces, souvent familiers, anodins. Strates, cicatrices, viennent ponctuer une dérive dans des lieux contaminés par l’entropie.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Michel Mazzoni se livre à un trouble jeu, et nous engage aussi à revoir cette affirmation du « ça a été » indiciel Barthésien. L’indice implique un rapport de contiguïté avec la réalité extérieure : « il n’y a pas de fumée sans feu », la fumée est l’indice du feu. Pour Barthes, le « ça a été » implique donc que dans le processus photographique, le « çà » est une chose qui a été là de façon irréfutable, car finalement par le processus d’enregistrement, l’indice est bien réel. Michel Mazzoni, amorce un retour vers le futur où les indices ne sont que de l’ordre du fictionnel. Le « çà » n’est pas toujours là où l’on s’y attend.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De grandes ou de petites dimensions, les photographies de Michel Mazzoni interrogent donc le sens du regard et de la perception. Il poursuit ici cette quête d’images d’un temps « autre », une accumulation de temporalités ayant modelé la matière et les densités. La photographie peut être considérée comme une écriture de la lumière, elle n’est pas issue de la « mimésis » à l’instar de la peinture. Cette inscription, cette trace de la lumière revêt chez Michel Mazzoni, une importance primordiale par un traitement singulier des images. Ce travail de lumière n’est pas formel, mais participe à la mise en valeur de ces densités et de ces matières, participe à cette temporalité comme dans les images Anabase ou Weightlessness II. Le « ça a été » de Barthes est mis ici en perspective avec une double temporalité : celle du principe mécanique d’enregistrement, de son mode opératoire et celle d’un temps réellement suspendu. Le spectateur est alors confronté à une situation aporétique entre la fixation du temps et son écoulement, entre réel et fiction.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les photographies de Michel Mazzoni deviennent la psyché de notre propre entropie.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;">Valery Poulet / 2013</span></p> Mon, 11 Feb 2013 13:00:12 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Tina Gillen - Crown Gallery - January 26th, 2013 - March 2nd, 2013 Mon, 11 Feb 2013 13:00:10 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Joachim Koester - Galerie Jan Mot - January 26th, 2013 - March 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">By<br />Joachim Koester</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">NEW YORK CITY, JAN 12 – In the late 1960s the Polish theatre director Jerzy Grotowski abandoned theatre to create a system of “motions” and “spatial practices” that makes him one of the main contributors to contemporary performance. Grotowski replaced the conventional structure of drama with improvised activities, games and a psychophysical system of exercises to train and refine the bodily and mental awareness of the actor.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Exploring the intersection of performance, anthropology and ritual Grotowski developed works that would last for days and often weeks. They would take place – often without an audience – at remote locations like an old farmhouse in rural Poland, an abandoned castle or (the deserts) or a jungle in Mexico.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Grotowski visited Mexico in 1968 and several times after. During one of these trips, in 1985, Grotowski planned and directed a work involving 14 volunteers outside the city of Tlapalcingo, Morelos. Like the charlatan shaman Carlos Castaneda, or the founder of the “Theatre of Cruelty” Antonin Artaud before him, the “wilderness” of Mexico became a scene to expand the boundaries of self and presence.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Grotowski’s “motions” and “spatial practices” make an archive of gestures and ideas and engaging in this tradition is an evocation of its claims and promises. Reptile brain or reptile body, it’s your animal is a film of Grotowski’s psycho-physical exercises. Here, the wilderness has been exchanged by a dark garden situated behind Jan Mot’s gallery in the middle of Mexico City.<br /></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Joachim Koester</span><br /><span style="font-size: small;">Reptile brain or reptile body, it’s your animal, 2012</span><br /><span style="font-size: small;">16mm film</span><br /><span style="font-size: small;">5 min. 36 sec, colour, sound</span><br /><span style="font-size: small;">Camera:</span><br /><span style="font-size: small;">Vicente Pouso</span><br /><span style="font-size: small;">Actors:</span><br /><span style="font-size: small;">Cinthia Patiño, Daniel Meza Junco, José Alberto Gallardo Fernandez</span><br /><span style="font-size: small;">Production managers:</span><br /><span style="font-size: small;">Magnolia de la Garza, Nohemi Gonzalez</span><br /><span style="font-size: small;">Production: Jan Mot</span><br /><span style="font-size: small;">With the support of:</span><br /><span style="font-size: small;">Fundación/Colección Jumex, Mexico City; Danish Art Fund, Copenhagen</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><br style="font-size: small;" /></span><span style="font-size: small;"></span></p> Mon, 11 Feb 2013 13:00:15 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Stijn Cole - Galerie Van De Weghe - January 31st, 2013 - March 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Stijn Cole en het Conceptueel Impressionisme</span></p> <p style="text-align: justify;">In 1987 wordt de astrofysicus  Paul Davies ergens halverwege zijn boek <em>The Cosmic Blueprint plots  </em>persoonlijk en schrijft: “<em>Ik geloof dat de door de moderne fysica getoonde werkelijkheid fundamenteel  vreemd is aan het menselijk verstand en zich te weer stelt tegen alle pogingen van een rechtstreekse  voorstelling. De geestelijke beelden die met uitdrukkingen zoals ‘gekromde ruimte’ en ‘singulariteit’  opgeroepen worden zijn in het beste geval hoogstens ontoereikende metaforen die ertoe dienen ons een  object in te prenten, en minder om ons inzicht te geven hoe de fysische wereld werkelijk is”. Zijn besluit  is dat "Science may explain all the processes whereby the universe evolves its own destiny, but that still  leaves room for there to be a meaning behind existence.</em>" </p> <p style="text-align: justify;">Van het heelal naar een idyllische Franse tuin bijna een eeuw vroeger: aan het einde van zijn leven  werkt Claude Monet in Giverny aan zijn serie waterlelies en schrijft aan zijn vriend Georges Clemenceau  dat de werken een soort metafysisch naturalisme vertegenwoordigen dat de wereld niet reduceert tot  wat men zelf waarneemt maar dat eerder onze kennis van de wereld vergroot. Hij stelt dat deze kennis,  deze erkenning van het bestaan van een ‘realiteit voorbij haar verschijnen’, daarbij ook onze zelfkennis  vergroot. </p> <p style="text-align: justify;">Het is een geruststellende gedachte dat een intense wetenschappelijke studie van de kosmos en een  intense artistieke studie van waterlelies tot een zelfde fundamenteel inzicht in verband met de mens en  de wereld kan leiden. Het is het inzicht dat pogingen tot het rechtstreeks voorstellen van onze  natuurlijke realiteit, hetzij via wetenschap, hetzij via kunst, steeds tot mislukken gedoemd zijn, maar  ook dat net deze vaststelling leidt tot meer kennis over die natuur en over onszelf. Enkel de kortzichtige  zelfgenoegzame wetenschapper of kunstenaar ziet hierin een paradox.</p> <p style="text-align: justify;"> Als we willen uitdrukken hoe de dingen werkelijk zijn moeten we het dus stellen met metaforen, en  daarom kunnen we er maar best voor zorgen dat, als we die metaforen gebruiken, we dat eerlijk doen  en ze niet hanteren om anderen om de tuin te leiden. In wetenschap, en zeker in haar relatie met  politiek, moet er over die metaforen dus onderhandeld worden; in kunst natuurlijk niet, want de  kunstenaar hoeft niet te bewijzen dat zijn voorstelling van de realiteit betekenisvol en ‘waar’ is.  Een kosmoloog die beweert dat we de oorsprong van het heelal kunnen begrijpen door het toetsen van  een theoretisch idee aan zorgvuldige observatie is een bedrieger. Anderzijds wordt er wel eens gezegd  dat je in een impressionistisch schilderij genre Monet het werkelijke landschap terug kan zien als je je  ogen half dicht knijpt en door je wimpers tuurt. Dat zou dan het ‘bewijs’ zijn dat die voorstelling van de  realiteit betekenisvol en waar is. Gelukkig klopt dat niet, anders was het impressionisme nu ook  ontmaskerd als bedrieglijke wetenschap. De impressionisten toonden een idee over de realiteit maar  deden geen moeite om dat idee te duiden omdat ze dat niet interessant vonden. Vandaag staat in kunst  het idee naast het fysieke werk en Stijn Cole doet die moeite wel omdat hij meer geïnteresseerd is in  ideeën over de weergave van de realiteit dan in die realiteit zelf. Die ideeën leiden tot beeldende  werken, en het is zinloos om ze zorgvuldig te observeren of desnoods de ogen half dicht te knijpen om  de oorspronkelijke realiteit te ontwaren in wat getoond wordt. Zijn conceptueel impressionisme is  ‘eerlijk’ omdat het ons vertelt dat pogingen om de realiteit objectief voor te stellen zinloos zijn, maar  ook omdat het erkent dat de werken op zich duiding nodig hebben. Het is te zeggen: ze kunnen zonder,  maar dan moet de toeschouwer weten dat hij een stuk van de ‘realiteit voorbij haar verschijnen’ mist.  Bij Stijn Cole is het creatieproces een essentieel deel van het kunstwerk en het lijkt (metaforisch  gesproken…) alsof de fysieke objecten kunstzinnig ‘uitstralen’ dat ze weten dat ze niet alles kunnen zeggen.  Maar de keuze om op zoek te gaan naar het extra verhaal is vrij, en elke optie is evenwaardig,  net omdat het kunst is. De toeschouwer kan dus gerust de werken als vensters op de realiteit bekijken,  maar moet dan wel beseffen dat het zijn realiteit is, en niet die van de kunstenaar. </p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tekst: gaston meskens</span></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">Stijn Cole (1978) studeerde reclamevormgeving en beeldhouwkunst aan de Hogeschool voor  Wetenschap en Kunst Sint-Lucas Gent. In de voorbije jaren had hij verschillende soloshows bij Galerie  Geukens &amp; De Vil en soloshows in oa. het Kunstverein Schwerte (D), het Kunstverein Ahlen (D), in  Museum Dhondt Dhaenens (Deurle), in de Witte Zaal in Gent en tijdens de 2009 Preview Art Fair  (Berlijn). In 2010 was hij artist in residence in het Museum voor Schone Kunsten Gent. In 2009 deelde hij  de tweejaarlijkse Provinciale Prijs Beeldende Kunst met Hannes Van Severen en exposeerde bij die  gelegenheid in het Caermersklooster (Gent). Stijn Cole woont en werkt in Seloignes (B).</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> Tue, 29 Jan 2013 09:39:46 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Dejan Kaludjerović - Galerie Van De Weghe - January 31st, 2013 - March 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span size="2" style="font-size: small;">Dejan Kaludjerović ontwierp voor zijn eerste tentoonstelling in onze galerie een installatie waarin hij een afbeelding van Tin Man (uit Wonderful Wizard of Oz) combineert met een kinderschommel. Zoals veel van zijn vorige projecten weerspiegelt dit werk zijn onderzoek naar (in)stabiliteit, naar de waarheid achter een vormelijke voorstelling. De installatie heeft 2 armen, aan de ene hangt een schommel, aan de andere een videoprojectie, en daarboven het angstaanjagende (maar lachende) gezicht van het Tin Man personnage. Op het eerste zicht roept de schommel associaties op aan zorgeloze kinderjaren, maar wie aandachtiger kijkt wordt geconfronteerd met een gevoel van instabiliteit en van een gebrek aan zelfvertrouwen, typisch voor alle karakters in Wonderful Wizard of Oz. Dat gevoel wordt nog versterkt door de video Keine Angst vor kleinen Tieren die geprojecteerd wordt op een scherm aan de 2de arm. Het scherm zorgt voor (on)evenwicht in de installatie, met de schommel als tegengewicht. De video toont drie kinderen die een scene naspelen van een poster die op de achtergrond hangt. Op deze poster, een jaren '80 advertentie voor kinderkledij uit het Duitse blad Burda, zijn de drie kinderen gekleed als konijn, een kat en een hond. Een jongen en een meisje staan recht, de jongen stopt een wortel in de mond van een tweede meisje dat tussen hen in zit. Deze scene, die vroeger probleemloos geschikt geacht werd voor het aanprijzen van koopwaar, blijkt bij het naspelen in een hedendaagse context een expliciet sexuele toespeling te verkrijgen. Keine Angst vor kleinen Tieren benadrukt de instabiliteit van de vormelijke voorstelling, door een tot dan toe verborgen potentiële betekenis te onthullen, waarbij tegelijkertijd bepaalde politieke en economische krachten blootgelegd worden die in die tijd de sociale orde bepaalden. Kaludjerović laat met zijn installatie dus zien dat de symbolische orde, geconstrueerd door dominante ideologieën, krachtiger is dan de voorstellingsvorm zelf. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span size="2" style="font-size: small;">Dejan Kaludjerovic (°1972 Belgrado) studeerde o.a. aan de School of Visual Arts (New York) en de Academy of Applied Arts (Wenen), waar hij momenteel doctoreert. Hij stelde tentoon in Kunstlerhaus (Wenen), Santa Maria delle Croci (Ravenna), Museum of Contemporary Art (Belgrado), op de 1ste en 4de Beijing International Art Biennale, Kunstpavillion (Innsbruck), Kunsthalle Krems en het Musée d'Art Moderne (Saint-Etienne).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span size="2" style="font-size: small;">(tekst : Goran Petrovic)</span></p> Tue, 29 Jan 2013 09:43:57 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Victor Man - Gladstone Gallery (Brussels) - January 19th, 2013 - March 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;" class="bodyText"><span style="font-size: small;"><strong>Gladstone Gallery</strong> is pleased to announce an exhibition of paintings and drawings by<strong> Victor Man</strong>. Evoking literary and cultural references, historical moments, and personal history, Man proposes new connections between seemingly unrelated images, objects, and events, to create works that break with the traditional linear nature of composition. Drawing on notions of myth, legend, and imagination, Man explores the impact of the passage of time on personal and historical narratives to create new aesthetic modes of encountering and understanding the present.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodyText"><span style="font-size: small;">Among the works included in the exhibition will be a series of portraits inspired by James Joyce’s protagonist Stephen Dedalus from The Portrait of the Artists as a Young Man and Ulysses. Man became interested in developing work that grew out of literature – an art form with which he feels his own practice is closely aligned – in an effort to allow his work to be liberated from the present moment, and to have a larger framework for his work to exist within. In these works Man explores the androgyny of Dedalus, portraying him in scenes drawn both from Joyce’s novel and also with references to earlier art historical and biblical figures. Adopting a Joycean style of narration for his own work, Man has created nonlinear compositions that draw simultaneously on the past and the present.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodyText"><span style="font-size: small;">Victor Man was born in 1974 and lives in Berlin, Germany and Cluj, Romania. He has been the subject of a number of solo exhibitions at museums world wide including: Centre international d'art et du paysage, Ile de Vassiviere, France; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Netherlands; Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Bergamo, Italy; and Ikon Gallery, Birmingham, England. Man has also been included in a number of group exhibitions including: “Six Lines of Flight: Shifting Geographies in Contemporary Art” curated by Aspara DiQuinzio, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; La Triennale, “Intense Proximity,” Palais de Tokyo, Paris; “Tanzimat,” Augarten Contemporary, Belvedere Museum, Vienna, Austria; “Whose (His)story,” Kunstverein, Hamburg, Germany; “Back to Black,” Kestner Gesellschaft, Hannover, Germany; “Art Focus 5,” International Biennial of Contemporary Art, Jerusalem; and “Reframing,“ CCA, Andratx/Mallorca, Spain. His work was also exhibited in the Romanian Pavilion at the 52nd Venice Biennale in 2007, the 2nd Prague Biennial, and the 2008 Busan Biennial.</span></p> Mon, 21 Jan 2013 12:27:11 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Marcin Dudek - Harlan Levey Projects - January 26th, 2013 - March 2nd, 2013 <p>Catastrophic modernism and anti-ready made are on the agenda as critical emphasis swings between production/intention and the potential of images and objects to infiltrate collective perception and behavior via heterogeneous networks.</p> <p>Starting with the sound of the first rubber bullets fired in Poland, Marcin Dudek (Poland, 1979) reduces violent posturing to a series of sculptural and photographic works that take a somewhat autobiographical look at the dangers of consensus and sub cultural resistance with particular interest in ‘Basement Fitness’ and its discontents. And yes, it’s all a little too close to remain comfortable. </p> Sun, 06 Jan 2013 10:33:19 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Jean-Francois Rauzier - Paris-Beijing Gallery - Hotel Winssinger - January 17th, 2013 - March 2nd, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">After a successful first show in its new venue in Brussels, Galerie Paris-Beijing is pleased to announce</span> <span style="font-size: small;">the solo exhibition of French artist Jean-François Rauzier who will be showing a selection </span><span style="font-size: small;">of giant prints from his amazing series Hyperphotos.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the Land of Surrealism, Rauzier’s hyperrealist puzzles surprise the viewer by creating an “</span><span style="font-size: small;">Enchantment with reality “. Jean-François Rauzier creates a world beyond limits, immense panoramic</span> <span style="font-size: small;">landscapes in which “the in#nitely huge and the in#nitely tiny “ are melded together at</span> <span style="font-size: small;">the heart of the same vision.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Hyperphotos are the realization of an old dream that would be impossible without his great mastery</span> <span style="font-size: small;">of digital technology. Evocative large-scale images immerse the spectator into a dreamlike,</span> <span style="font-size: small;">sometimes fantastic universe.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Each of Rauzier’s works are meticulously composed by stitching together hundreds of photographs.</span></p> <p style="text-align: justify;">Th<span style="font-size: small;">e artist emphasizes contrasts and perspective to offer a reflection on reality and an invitation</span> <span style="font-size: small;">to an exceptional journey.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jean-François Rauzier was born in 1952. Fascinated by photography from an early age, he graduated</span> <span style="font-size: small;">from the School Louis Lumière in 1976. He has since been working as a professional photographer,</span> <span style="font-size: small;">while developing a personal creative work.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For a few years Jean-François Rauzier has been receiving the recognition and praise of his peers.</span> <span style="font-size: small;">In 2009 he received the Arcimboldo award for the digital creation and he was rewarded by the </span><span style="font-size: small;">APPPF in the category photograph of architecture. In 2010 he received the Eurazeo prize.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><strong><span style="font-size: small;">Enchantment with the reality</span></strong><br /><span style="font-size: small;">“There was a time when photographic collage was considered to be the most extreme avant-garde.</span> <span style="font-size: small;">In the 1930s, many artists discovered the incredible expressive richness of this form of creativity,</span><span style="font-size: small;">playing with the subtle tensions between several elements of reality.</span></p> <p style="text-align: justify;">Th<span style="font-size: small;">e photographer Jean-François Rauzier is today resuscitating this somewhat forgotten tradition,</span> <span style="font-size: small;">but using other methods. And even though he has something of the heroism of the pioneers, </span><span style="font-size: small;">his work has other aims, including that of questioning the function of the contemporary</span> <span style="font-size: small;">image.</span></p> <p style="text-align: justify;">Th<span style="font-size: small;">e technological revolution has opened up all sorts of creative possibilities. Real and virtual</span><br /><span style="font-size: small;">now have the same texture, the same appearance, conjuring up considerable doubt about the</span><br /><span style="font-size: small;">nature of the images we consume every day.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><strong><span style="font-size: small;">Utopian Worlds</span></strong><br /><span style="font-size: small;">Jean-François Rauzier had the idea of creating new images using only photography around, at</span> <span style="font-size: small;">a time when digital was just starting to be considered worthy by professionals, and when Photoshop</span> <span style="font-size: small;">also reached a level of perfection enabling retouching of undeniable quality.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">He started with landscapes, since a panorama is perfect for adding to, building upon and overlaying.</span> <span style="font-size: small;">To do so, he continued his pictorial research, but centred on the play of materials, and</span> <span style="font-size: small;">the extreme enlarging of found details. !ese initial photographic creations taught him the </span><span style="font-size: small;">importance of compiling a database, and so he began to amass thousands of skies, fragments</span> <span style="font-size: small;">of nature, pieces of architecture and other</span> <span style="font-size: small;">details encountered in the course of his travels. Any of these elements may be used in one of his</span> <span style="font-size: small;">works at any time; the only (very rare) exceptions are some animals, which will be borrowed</span> <span style="font-size: small;">from other photographers. Rauzier’s compositions have become increasingly complex over</span> <span style="font-size: small;">time. In the last few years, architecture and the urban landscape have become the key themes</span> <span style="font-size: small;">of his practice. !is technique of accumulation is quite baroque.</span></p> <p style="text-align: justify;">h<span style="font-size: small;">is fictional world that he patiently builds on his computer therefore plays upon mise en</span> <span style="font-size: small;">abyme. But Jean-François Rauzier’s images are anything but anecdotal. Each one constitutes a </span><span style="font-size: small;">worldview and an opinion of our society, aspects which #nd a similarity in the recent work of </span><span style="font-size: small;">Andreas Gursky or Jeff Wall, two artists whom he frequently cites.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jean-François Rauzier also gives us essential advice on seeing: look at the visual pool surrounding</span> <span style="font-size: small;">you and you will see a whole world made of telescoping, accumulation and collage“.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;">An extract from the text In search of the utopian image by Damien Sausset</span></p> Mon, 18 Feb 2013 19:07:10 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list