ArtSlant - Closing soon en-us 40 Marie José Burki - Albert Baronian - January 11th, 2013 - February 9th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Albert Baronian</strong> is pleased to announce the third exhibition of Swiss-born and Brussels-based artist<strong> Marie José Burki</strong> at the gallery. Entitled “<strong><em>Une place sur la terre</em></strong>” the exhibition presents a number of new works following out of Burki’s concern with aspects of visualizing time and the representative quality of the image, both in video as in photography. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Although each work was made to be autonomous, the exhibition can be grouped in three different categories, being portraits, text-based works and works concerned with representing the human body. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">The first series of works presented at the gallery engages with the genre of the portrait. For MJB the portrait captures a moment’s time of a person and the photograph works as a time capsule, locking up this instant as if time could be trapped. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Upon entering the gallery, at your left-hand side one can perceive the multi-parted series of portraits of adolescent girls spread over a cornered wall, entitled “AOS”. In total the series exists out of 44 photographs, here are only shown 21 which are grouped by 2, 3 or 4. The series shows three different characters who are portrayed in a similar way at various moments. This is enhanced by placing the photographs side by side, for example three adjacent photographs showing the same pose but different girls and thus different moments. The repetitious character reveals they are posing as if for a real photographer, with the artificial light source flashing on and off. Typical of their age one notices they are very conscious of their appearance and actually resemble each other in many ways. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In analogy with this another series of portraits is mounted on the back wall of the gallery, this time of various birds that were filmed in nature reserves and zoos. The video installation “Exposure : figure of speech” exists out of 4 screens showing 4 autonomous video works assembled with a succession of images. Each video shows a number of different birds in a sequence, framing only their heads moving from one side to the other. While watching one can sense the time passing by and the fact that the birds are alive. As with the portraits of the adolescent girls, each image shows the same but each bird is different, whether a duck, an owl, a falcon or an eagle. The birds however have no sense of their appearance, nor even of the fact they are being filmed. For MJB animals are revelatory of how humans interrelate and behave. As living beings, they die as humans do, lacking only the act of speech, but nevertheless earning their position on earth (as is recited in the title of the exhibition “Une place sur la terre”, as well as in an ink drawing by MJB). </span><br /><br /><span style="font-size: small;">The second type of works on show here are the series “Constellations” and two video works, both engaging with the human body. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">At the entrance of the gallery on the right the video “In der Nahe” displays an array of images taken by MJB on a rock festival in Liège, Belgium. The viewer can see close-ups of people sitting in the grass, relaxing and hanging out. By filming only the details of certain persons e.g. painted nails, a tattoo on the back, plastic jewellery etc. one can imagine a whole personality or at least how they appear to be. Thus the video becomes an account of appearance, emphasizing the way a subject stages onself in front of a camera. Each person carries a range of accessories, bags, objects, in this way a human being is never naked as an animal is. As such MJB reflects on how to portray people who are lying down- either vertically or horizontally, in the same vein as of for example Manet did with his “Dead toreador”. At the back of the gallery we find another video from the same situation under the title“In der Nahe 2”projected on the wall. Here it is a crowd of unidentified people who are being filmed with knowing. The viewer however is allowed to watch the crowd from his privileged position. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the project room a series of 9 photographic prints and one video on a screen is shown under the title “Constellations”. This series combines different types of source images such as photographic reproductions of paintings by Manet and newspaper images that have been re-photographed by the artist with MJB’s own photographs taken from her archive between 2002-2012. All photographs are chosen individually but function as a suite, alternating images that appear either as living figures or as reproductions, all of them focusing on the face or the hands. This creates different layers: while the painted faces are represented by the painting, the living faces are represented by the photograph, out of this a third moment takes shape where all the faces are taken up in the video. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">According to Burki Manet’s portraits posses an incredible presence. In his paintings he immortalized many of his friends and lovers. In the vidéo work here on show we can recognize close-ups and détails from the portrait of Berthe Morisot, a Young painter and to become his sister-in-law, as well as the Spanish dancer Lola de Valence. The character of Berthe Morisot reoccurs in different of Manet’s paintings. In a similar way MJB adopts different motifs in a recurrent way turning the video into a continuous perpetuation of close-ups, a series of photos functioning as film frames or as the images recorded on a strip of photographic film. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">There is a jump between the images, a “wrong connection”, as in a wordplay where the last syllable is taken as the first syllable of the next word (a so-called jeux de Kyrielle) . The sequence of images function on resemblance, either on a visual basis or by certain objects that are repeated all along. The images are fragmented: as the video goes along we first get a glimpse of a face, later on a hand, or another body part of the same character. As such MJB attempts to go at the inside of things as for her the world and its interrelations are in the details.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Albert Baronian</strong> a le plaisir de présenter la troisième exposition de l’artiste née en Suisse et vivant à Bruxelles <strong>Marie José Burki</strong>. Intitulée « <em><strong>Une Place sur la Terre</strong></em> », l’exposition présente une série de nouvelles œuvres reprenant les préoccupations de Marie José Burki sur le temps et la représentation, aussi bien en vidéo qu’en photographie.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">La première série de travaux présentée à la galerie se confronte à la question du portrait. Pour MJB le portrait saisit un instant de la vie d’une personne et la photographie fonctionne comme une capsule de temps enfermant l’ instant comme si le temps pouvait être capturé.</span><br /><span style="font-size: small;">En entrant dans la galerie, à main gauche, le visiteur voit la série de portraits d’adolescentes. Cette série « AOS » comprend au total 44 portraits, ceux-ci sont répartis en groupes distincts de 2, 3 ou 4 photographies. Trois adolescentes sont photographiées de l’exacte même manière mais les séances de pose ont eu lieu séparément et à différents moments. Ceci est souligné par le fait que les portraits sont exposés côte à côte , par exemple les photographies des 3 adolescentes ayant pris la même pose mais photographiées à des moments différents. </span><br /><span style="font-size: small;">Dans la même idée sur le mur du fond de la galerie sont présentés les portraits vidéographiques de différents oiseaux filmés dans des réserves naturelles ou des zoos. « Exposure : figure of speech » est constitué de 4 vidéos autonomes, chacune consistant en une succession de portraits de différents oiseaux, bougeant leur tête à leur gré. Comme pour les portraits des jeunes filles, toutes les séquences présentent de manière similaire et répétitive des portraits de canard, de hibou, de faucon ou d’aigle. Les oiseaux n’ont aucun souci de leur apparence ni du fait d’être capturés par la caméra. Pour MJB l’observation des animaux en dit long sur les attitudes et les rapports que les hommes entretiennent les uns avec les autres. </span><br /><span style="font-size: small;">Etres vivants, dénués de parole, ils vivent, meurent comme les humains et méritent « une place sur la terre » comme l’indique un dessin à l’encre de MJB (ainsi que le titre de l’exposition).</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Le second type d’œuvres dans l’exposition sont les séries « Constellations » et 2 travaux vidéos, qui toutes engagent la question du corps humain.</span><br /><span style="font-size: small;">« In der Nähe » est visible immédiatement sur la droite dès l’entrée de la galerie. Cette vidéo est constituée d’images prises lors d’un festival de musique en Belgique. Le visiteur peut voir des gros plans de personnes assises dans l’herbe. L’image se concentrant uniquement sur des détails comme une main aux ongles peints, un tatouage sur une nuque ou quelques bijoux , on peut imaginer quelque chose des personnes, au moins de leur apparence. Ainsi cette vidéo devient une fable des apparences amplifiant la manière avec laquelle un individu se met en scène lui-même devant les autres. A l’arrière de la galerie se trouve une autre vidéo tournée dans le même type de lieu, « In der Nähe (II) », projetée à même le mur.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Dans la dernière salle se trouvent une série de 9 photographies et une vidéo sur écran, toutes ces œuvres sont regroupées sous le titre de « Constellation ». Ces séries ont pour source différents types d’images, des photographies de détails de reproductions de tableaux de Manet, des photographies d’images prises dans la presse et des photographies de personnes prises par MJB entre 2002 et 2012. Toutes les images sont à la fois indépendantes et font partie de la suite vidéographique, y alternent des images de personnes, des reproductions en gros plan de visages ou de main. Ceci crée un effet d’accumulation de différentes couches d’images: un troisième moment est ainsi constitué par la combinaison des visages représentés dans la peinture et les visages représentés par la photographie. </span><br /><span style="font-size: small;">La répétition et la mémoire des images à partir de ressemblances qu’elles soient visuelles ou le fait de certains objets sont le moteur de la séquence. Les images sont fragmentées : au cours du développement de la vidéo nous percevons d’abord un bout de visage, plus tard une main, ensuite une autre partie du corps de la même personne. Ici MJB cherche à rendre visible la surface des choses, pour elle le monde se lit dans les détails. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Avec les dessins à l’encre, le néon orange forme ce qui peut être vu comme le troisième fil conducteur de l’exposition : les travaux basés sur des textes. </span><br /><span style="font-size: small;">Pour ces œuvres, MJB se souvient de phrases qu’un jour elle a lues, comme par exemple les réflexions de St Augustin sur le temps, elle les rassemble et les transpose en objets en soi. L’idée que l’univers est sans cesse en mouvement la fascine et ses récents dessins sont à considérer sous cet angle. Ni image, ni œuvre graphique, les dessins sont réalisés par projection d’encre sur du papier selon un hasard contrôlé. Une ligne de texte y est ensuite imprimée exprimant l’impossibilité de mesurer le temps qui passe. Dans le jardin, un trait en néon orange dessinant ce qui pourrait être comme une ligne du temps se déploie et dessine les mots « un jour ». Se référant à l’unité des 24 heures, cette œuvre est comme une promesse d’avenir.</span></p> Mon, 14 Jan 2013 10:50:17 +0000 TOMMY HARTUNG, Jay Heikes, Alfred Leslie, Sarah Lucas, Luther Price, Brie Ruais, Ryan Sullivan - Xavier Hufkens - January 17th, 2013 - February 9th, 2013 Wed, 02 Jan 2013 10:03:20 +0000 Group Show - MuHKA Museum of Contemporary Art Antwerp - December 7th, 2012 - February 10th, 2013 <p style="text-align: justify;">Around <em>anti-peinture</em>, final exhibition of G58 and large survey of the ‘new tendencies’. With works by: Armando, Stanley Brouwn, Enrico Castellani, Maurice De Clercq, Carlos Cruz-Diez, Herman de Vries, Wybrand Ganzevoort, Vic Gentils, Hermann Goepfert, Gerhard von Graevenitz, Jan Henderikse, Jochen Hiltmann, Walter Leblanc, Julio Le Parc, Piero Manzoni, Morellet, Henk Peeters, Martial Raysse, Jan Schoonhoven, Paul Van Hoeydonck,... <strong>With an insert by Boy &amp; Erik Stappaerts.</strong></p> <p style="text-align: justify;">Antwerp 1958. In the shadow of an ever growing and increasingly profitable world-class port, there lies a city that is both sleepy and threadbare, where art and culture are way down the municipal agenda. The meeting between Lode Craeybeckx, a mayor with a broader vision, and a group of young artists urgently determined to have their work seen, leads to the founding of G58 Hessenhuis. Paradox : the attic of the city’s oldest port building, with 1000 m² of surface area, becomes Europe’s largest exhibition space devoted to contemporary art. Until the curtain falls in 1962, this ‘forest of beams’ is active as a bustling point of intersection for a new network.<br /> <br /> This series of exhibitions is sponsored by Delen Private Bank and is realized in collaboration with FoMu and Letterenhuis.</p> <p style="text-align: justify;">The five instalments of <em>new art in antwerp 1958-1962</em> do not mean to offer a comprehensive survey of the subject. Rather, they evoke characteristic moments and fi gures from that brief but fulsome era. They constitute a serial of coloured tales with debatable accents. And, what is more: following the archeologists’ customary practice, parts of the ‘excavation site’ have been left untouched for the benefi t of those who eventually follow in their footsteps.<br /> <br /> A young Belgian artist whose work, in terms of content and form, refers to what was then new art, will take integral part in each of the exhibition’s five instalments.<br /> <br /> <br /> <br /> Curator: Jan Ceuleers, together with Ronny Van De Velde and M HKA.<br /> </p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Het vijfde hoofdstuk zoomt in op <em>anti-peinture</em>, de laatste tentoonstelling van G58 en groot overzicht van de 'nieuwe tendensen'. Met werk van: Armando, Stanley Brouwn, Enrico Castellani, Maurice De Clercq, Carlos Cruz-Diez, Herman de Vries, Wybrand Ganzevoort, Vic Gentils, Hermann Goepfert, Gerhard von Graevenitz, Jan Henderikse, Jochen Hiltmann, Walter Leblanc, Julio Le Parc, Piero Manzoni, Morellet, Henk Peeters, Martial Raysse, Jan Schoonhoven, Paul Van Hoeydonck, ...<strong>Met een insert door Boy &amp; Erik Stappaerts.</strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong><br /></strong>Antwerpen 1958. Naast een wereldhaven die elke dag meer groeit en rendeert, ligt een ingeslapen, versleten stad waar kunst en cultuur niet hoog op de agenda staan. De ontmoeting tussen Lode Craeybeckx, burgemeester met een ruimere blik, en een groep jonge kunstenaars die dringend hun werk willen tonen, leidt tot de oprichting van G58 Hessenhuis. Paradox van formaat: de zolder van het oudste havengebouw van de stad wordt met meer dan 1000m² de grootste ruimte voor hedendaagse kunst in Europa. Tot het doek valt in 1962 is het ‘woud van balken’ een druk knooppunt van een nieuw netwerk. <br /> <br /> Deze reeks tentoonstellingen wordt gesteund door Delen Private Bank en komt tot stand in samenwerking met FoMu en Letterenhuis.</p> <p style="text-align: justify;">De vijf afleveringen van <em>nieuwe kunst in antwerpen 1958-1962</em> bieden geen compleet overzicht van de feiten. Ze evoceren kenmerkende momenten en personages. Ze vormen een feuilleton van gekleurde verhalen met betwistbare accenten. En ook: volgens goed gebruik laten archeologen een deel van het opgravingsterrein onaangeroerd voor zij die na hen komen. Aan elke aflevering wordt een jonge Belgische kunstenaar gekoppeld waarvan het werk qua inhoud en vorm verwijst naar wat toen nieuwe kunst was.<br /> <br /> <br /> <br /> Curator: Jan Ceuleers, in samenwerking met Ronny Van De Velde en M HKA.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Autour d' <em>anti-peinture</em>, dernière exposition de G58 et tour de l’horizon des ‘nouvelles tendances’. Oeuvres de: Armando, Stanley Brouwn, Enrico Castellani, Maurice De Clercq, Carlos Cruz-Diez, Herman de Vries, Wybrand Ganzevoort, Vic Gentils, Hermann Goepfert, Gerhard von Graevenitz, Jan Henderikse, Jochen Hiltmann, Walter Leblanc, Julio Le Parc, Piero Manzoni, Morellet, Henk Peeters, Martial Raysse, Jan Schoonhoven, Paul Van Hoeydonck,... <strong>Avec un insert de Boy &amp; Erik Stappaerts.</strong></p> <p style="text-align: justify;">Anvers 1958. À côté du port international qui connaît une croissance et un rendement plus importants chaque jour s’étend une ville endormie, dégradée, où l’art et la culture ne sont pas l’ordre du jour. La rencontre entre Lode Craeybeckx, bourgmestre à la vision plus large, et un groupe de jeunes artistes qui désirent instamment exposer leurs oeuvres donne lieu à la création du G58 Hessenhuis. Paradoxe de taille : les combles du plus ancien bâtiment portuaire de la ville, qui font plus de 1000 m², deviennent le plus grand espace d’exposition d’art contemporain en Europe. Jusqu’à ce que le rideau tombe en 1962, cette « forêt de poutres » est le carrefour très animé d’un nouveau réseau. <br /> <br /> Cette série d'expositions est sponsorisée par Delen Private Bank et est réalisée en collaboration avec FoMu et Letterenhuis.</p> <p style="text-align: justify;">Les cinq épisodes de <em>nouvel art à anvers 1958-1962</em> n’offrent pas un tour d’horizon complet des faits, mais évoquent juste des moments et des personnages marquants et constituent ainsi un feuilleton d’histoires hautes en couleur et parfois teintées de controverse. En outre, la bonne pratique veut que les archéologues laissent une partie de leur terrain de fouilles intact pour ceux qui leur succéderont.<br /> <br /> À chaque épisode est associé un jeune artiste belge dont l’oeuvre fait référence, à la fois sur le plan du contenu et de la forme, à ce qui fut à l’époque un nouvel art.<br /> <br /> <br /> <br /> Commissaire d'exposition: Jan Ceuleers, en collaboration avec Ronny Van De Velde et le M HKA.</p> Wed, 24 Oct 2012 15:40:44 +0000 Kristof Kintera - D+T PROJECT Gallery - January 11th, 2013 - February 16th, 2013 <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For his first exhibition in Belgium, <strong>Kristof Kintera</strong> (Praha, 1973) presents artworks that mainly explore the boundaries of contemporary sculpture. His practice range from public installations to small kinetic devices. He also deals with the reification of material and transformation of everyday objects that both convey anthropomorphically referenced attitudes. Kintera embraces existantialist issues questioning the place of humans in their natural and/or artificially created environment. he investigates current complexities in a globalized context including social tensions, urbanism, consumerism, etc. His artworks permanently generate a conflict between the personal and the global along with polarities such as attractiveness and rejection. Kintera's interventions are voluntarily provocative, subversive, melancholic, schizophrenic and refer to the ready-made and various styles such as mannerism, surrealism, caricature, etc.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Kristof Kintera lives and works in Praha. He was resident at Rijksakademie Amsterdam (2003-2004). His work has been largely exhibited in international institutions such as : Bonn's Kunstmuseum, Berlin's Hamburger Bahnhof, Herford's MARTa, Prague's Museum City Gallery, Ludwig Museum in Budapest, Mikkeli Art Museum (Finland), Stockholm's Moderna Museet, Casino Luxembourg, Rockefeller Plaza New York, Rosenblum Collection Paris, Prague Biennial (I and II).</span></div> Mon, 14 Jan 2013 10:50:20 +0000 Jean-Xavier Renaud - Elaine Levy Project - January 11th, 2013 - February 16th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">I’m a realistic painter, I depict social concerns, social relationships and cultural borders. I use academic techniques such as oil, crayon, ink or watercolor. I’m an hardcore video gamer and I need the latest processors, but, as for art, I stay away all kind of technical innovations, in order to stay focused.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">In my work, no subject is forbidden. My pictures come from my personal background, from my perpetual hesitations : former city councilman running for a new party, ping-pong player, drummer, CEO of the Hautevilloise Chili Peppers Company, artist, depressed, gardener, archer.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Have a good visit,</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Jean-Xavier Renaud</span></p> Mon, 14 Jan 2013 10:50:13 +0000 Adam Henry - Meessen De Clercq - January 18th, 2013 - February 16th, 2013 <p style="text-align: justify;">For his first solo exhibition in Europe, American artist Adam Henry chose to show paintings that question light, colour and the possibilities that they have to express themselves in pictorial space.</p> <p style="text-align: justify;"> A large painting awaits visitors on the first floor. Consisting of 16 rectangles measuring about 40 x 30 cm, it perfectly symbolizes the search for fragmentation and decomposition that runs through the artist's work. The colours are meticulously scattered using spray paint and evoke certain colours of the spectrum of light seen through a prism. The mathematical progression (a rectangle multiplied by 4 and then again by 4), repetition of colours, with the variety of angles allowing a dynamic perception of the painting. As we contemplate the history of art, we realize that painting is constantly accountable to light. One of the 20th century artists to take a very close interest in this was Laszlo Moholy-Nagy in the 1920s, who advocated an activation of space via dynamic-constructive energy systems. The idea of replacing static values with dynamic values is recurrent and can also be found earlier, in the work of the Russian Constructivists and the Italian Futurists and later among kinetic artists. <em>"The first projects looking towards a system of dynamic-constructive system of forces can be only experimental demonstration devices for testing the connection between man, material forces and space"</em>. Laszlo Moholy-Nagy's description in a way applies to how the work of Adam Henry is perceived: this activated dynamic space using a specific technique and personal reference system; effects of diffusion, dispersion and disappearance are linked to geometric imperatives: overlaps, interlacing, splits, repetitions, superimpositions, etc. Some paintings create an illusion effect, but there is more to it than the optical trickery. Beyond the blur that the artist manages to create, we feel there is a desire to take us further.</p> <p style="text-align: justify;">At first glance, this painting is on the way to becoming a visual location, divorced from conventional reality, from the world of objects and then becomes an autonomous mathematical and philosophical space. A painting leading to travel, wanderings and inner journeys. But viewing this work should enable an odyssey of the mind. One could say, paraphrasing Gaston Bachelard, that the painting "<em>through the strength of its alchemy, through its colour-imparting life, can create a whole world, if only it can find the dreamer to make it happen"</em>. These works are open, initially they appeal to the eye and then they dispense with the volatile, pure aesthetic pleasure in order to assume their autonomy and in a second phase become more complex, darker, more earthly.</p> <p style="text-align: justify;">You feel a thought in action lurking in the background, behind the colours, intersections, and feel the energy in movement behind the collisions and shifts. We perceive a life, a breath. And joy too.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"> Voor zijn eerste persoonlijke tentoonstelling in Europa heeft de Amerikaanse kunstenaar Adam Henry  ervoor gekozen elf schilderijen te tonen die het licht bevragen, de kleur en de mogelijkheden die deze  hebben om zich uit te drukken in een picturale ruimte. Een groot schilderij verwelkomt de bezoeker op de  eerste verdieping. Samengesteld uit 16 rechthoeken van ongeveer 40 op 30 centimeter, symboliseren zij  perfect het onderzoek naar de fragmentatie en decompositie dat als een rode draad doorheen het werk  van de kunstenaar loopt. De kleuren zijn nauwgezet met een door kunstenaar zelf op punt gestelde  techniek verspreid en roepen de kleuren op van het lichtspectrum doorheen een prisma. De wiskundige  progressie (een rechthoek vermenigvuldigd door 4 en nogmaals door 4), kleurherhalingen, afwisselende  hoeken laten een dynamische perceptie van  dit doek toe. Bij het overlopen van de kunstgeschiedenis  begrijpt men dat het schilderen constant verantwoording moet afleggen tegenover het licht. Eén van de  kunstenaars uit de 20e  eeuw die zich hier van zeer nabij voor interesseerde is Laszlo Moholy-Nagy die in de  jaren 20 een activatie van de ruimte door dynamisch constructieve energiesystemen voorstond. De idee  om statische waarden door dynamische te vervangen keert terug en vindt men ook, later, bij de Russische  constructivisten en Italiaanse futuristen, of nog later bij de kinetische kunstenaars. “Les premiers projets à  s’orienter vers un système de forces dynamiques et constructives ne peuvent être qu’expérimentaux, ce sont des  dispositifs à valeur démonstrative qui questionnent les relations existant  entre  l’homme,  le  matériau,  l’énergie  et  l’espace”.  Laszlo Moholy-Nagy beschrijft hier in zekere zin wat men waarneemt in het werk van Adam  Henry: deze door het gebruik van een eigen techniek en persoonlijk rooster geactiveerde dynamische  ruimte ; diffusie-effecten, verspreiding, verdwijning worden gekoppeld aan geometrische onderwerpingen:  doorsneden, kruisingen, verdelingen, herhalingen, superposities, … Bepaalde schilderijen roepen vaak een  effect van illusie op, maar boven de optische zinsverbijstering valt er veel te ontdekken. Op het eerste zicht  is dit schilderen een optische plaats, in wording, afgesneden van de gebruikelijke realiteit, van de  objectenwereld, om vervolgens een autonome wereld te worden, wiskundig, filosofisch. Een schilderen dat  leidt tot verplaatsingen, zwerftochten, innerlijke wandelingen. Maar de blik moet het ronddolen van de  geest toelaten. Men zou kunnen stellen, Gaston Bachelard parafraserend, dat het schilderen “par ses forces  d’alchimique teinture, par sa vie colorante, peut faire un univers, si seulement elle trouve son rêveur“. Deze werken  zijn open, ze richten zich eerst tot het oog en bevrijden zich dan van een volatiele last, van het puur  esthetische plezier om hun zelfstandigheid op te nemen, om zich dan complexer te openbaren, somberder,  aardser. Men voelt een denken in beweging  weggedoken in de achtergrond, achter de kleuren, de  intersecties, voelt men de energie in beweging, achter de botsingen en verschuivingen. Men voelt een  ademhaling, een zucht. En ook een vreugde.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Pour sa première exposition personnelle en Europe, l’artiste américain Adam Henry a choisi de montrer  onze œuvres qui interrogent la lumière, la couleur et les possibilités qu’elles ont de s’exprimer dans  l’espace pictural. </p> <p style="text-align: justify;">Une grande toile accueille le visiteur au premier étage. Composée de 16 rectangles d’environ 40 x 30 cm,  elle symbolise parfaitement la recherche de fragmentation et de décomposition qui parcourt le travail de  l’artiste. Les couleurs sont dispersées suivant un procédé inventé par l’artiste et évoquent le spectre de la  lumière vue à travers un prisme. La progression mathématique (un rectangle multiplié par 4 et puis encore  par 4), les répétitions des couleurs, la variété des angles permettent une perception dynamique de cette  toile.<br /><br /></p> <p style="text-align: justify;">  En parcourant l’histoire de l’art, on se rend compte que la peinture est constamment tenue de s’expliquer  face à la lumière. L’un des artistes du XXe siècle qui s’y intéressa de très près est Laszlo Moholy-Nagy qui  dans les années 20 prônait une activation de l’espace par des systèmes dynamiques d’énergie (Dynamicconstructive energy system). L’idée de remplacer les valeurs statiques par des valeurs dynamiques est  récurrente et se retrouve aussi, de façon antérieure, chez les constructivistes russes et les futuristes italiens  ou plus tard chez les artistes cinétiques. « Les premiers projets à s’orienter vers un système de forces  dynamiques et constructives ne peuvent être qu’expérimentaux, ce sont des dispositifs à valeur démonstrative qui  questionnent les relations existant entre l’homme, le matériau, l’énergie et l’espace ». Laszlo Moholy-Nagy décrit  là en quelque sorte ce qu’on perçoit dans le travail d’Adam Henry : cet espace dynamique activé en utilisant  une technique propre et une grille personnelle ; des effets de diffusion, de dispersion, de disparition sont  couplés aux soumissions géométriques : coupes, entrecroisements, fractionnements, répétitions,  superpositions,... Certains tableaux induisent souvent un effet d’illusion mais au-delà de l’égarement  optique, il y a davantage à aller chercher. Au-delà du flou que l’artiste arrive à créer, on sent qu’il y a le  désir de nous amener plus loin.</p> <p style="text-align: justify;"> Au premier regard, cette peinture est un lieu optique, en devenir, coupé de la réalité usuelle, du monde des  objets puis devient un espace autonome, mathématique, philosophique. Une peinture menant à des  déplacements, des errances, des promenades intérieures. Mais le regard doit permettre le vagabondage de  l’esprit. On pourrait dire, en paraphrasant Gaston Bachelard, que la peinture « par ses forces d’alchimique  teinture, par sa vie colorante, peut faire un univers, si seulement elle trouve son rêveur » . Ces œuvres sont  ouvertes, elles s’adressent à l’œil dans un premier temps et puis se délestent du volatil, du pur plaisir  esthétique pour prendre leur autonomie et dans un deuxième temps se révéler plus complexes, plus  sombres, plus terriennes. </p> <p style="text-align: justify;">On pressent une pensée en action tapie dans le fond de la toile, derrière les couleurs et on sent l’énergie  en mouvement derrière les collisions et décalages.</p> <p style="text-align: justify;">Enfin, on imagine aisément une respiration, un souffle. Et une joie aussi</p> <p></p> Fri, 25 Jan 2013 18:41:20 +0000 Hreinn Fridfinnsson - Meessen De Clercq - January 18th, 2013 - February 16th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Questioning the refraction of light in many works, the Icelandic artist is here showing a photographic  diptych produced ten years ago.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Amsterdam-based artist has assembled a coherent body of work, rich in ideas and frequently guided by  physical phenomena which constitute our perception of things and the world.</span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The diptych is composed, on the one hand, of a picture where you see a crystal prism mounted on a tripod  and the artist's left hand, capturing the rays of the light spectrum. On the other hand, only the right hand is  in the picture and the rays land in the palm.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Besides revealing the colours of light that make up white light, these pictures show the light being received. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A fine metaphor by the artist as a receiver of colour, painter of the world to come. Colour can disappear  at any time, run like water through your fingers any second. The precarity of the moment is probably  accentuated by the simplicity of the photos taken in a park in autumn. They are not part of a specific  aesthetic exploration, other than in the subject itself: light, its composition, its components. The  perpendicular hanging of the photos is a reminder that an angle of incidence is required for rays to be  refracted.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the full text, we perceive that Eliasson has great deal of admiration for Fridfinnsson and it is not </span><span style="font-size: small;">surprising that the success of the presentation of Fridfinnsson's works at the Sao Paulo Biennial in 2012 was </span><span style="font-size: small;">acclaimed by the critics and voted as one of the top 10 highpoints by Art in America. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The artist Olafur Eliasson, known for his explorations of light phenomena, briefly contextualizes  Fridfinnsson's research in his beautiful text devoted to his elder colleague: "The Icelandic light shapes one's  senses in a special way; it changes the way one perceives objects. The relation between objects and daylight or  twilight calls for a constant re-composition if the objects and of ourselves" and he finishes his paragraph with this  sentence which could be a description of the diptych: "If I were an object, I would be a subtle one, perhaps a  quasi-object, continuously transformed by light"1 . In the diptych, the subject continually transformed by light is the artist himself.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Far from the bustle of the art world, Hreinn Fridfinnsson nevertheless continues to attract interest by </span><span style="font-size: small;">distilling works combining conceptual rigour, dreams and magic.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"> Het breken van het licht in talrijke van zijn werken bevragend toont de IJslandse kunstenaar hier een  fotografisch diptiek dat een tiental jaar geleden gerealiseerd werd. Gevestigd in Amsterdam, heeft de  kunstenaar een coherent corpus werken gerealiseerd, dat vruchtbaar is aan reflecties en vaak gegidst door  fysieke fenomenen die onze waarneming van de dingen en van de wereld uitmaken. De diptiek is enerzijds  samengesteld uit een foto waar men een kristallen prisma ziet, een op een driepoot geplaatst kristal en de  linkerhand van de kunstenaar die de stralen van een lichtspectrum vangt. Aan de andere kant is enkel de  rechterhand gekaderd die in de palm de stralen ontvangt Naast het feit dat de stralen waaruit wit licht  bestaat geopenbaard worden, tonen de foto’s een verwelkomen van het licht. Mooie metafoor van de  kunstenaar als ontvanger van kleuren, schilder van een wereld in wording. De kleur kan op eender welk  moment verdwijnen, vervloeien zoals water tussen de vingers. De onzekerheid van het moment wordt  ongetwijfeld beklemtoond door de soberheid van de beelden, genomen in een park in de herfst. Er werd in  de foto’s niet expliciet naar esthetiek gezocht, behalve het onderwerp zelf dan: het licht, haar samenstelling,  haar onderdelen. De foto’s zijn gehangen verwijzend naar de hoek noodzakelijk voor het breken van de  stralen. De kunstenaar Olafur Eliasson, bekend voor zijn exploraties rond lichtgevende fenomenen  contextualiseert kort de onderzoeken van Fridfinnsson in zijn heel mooie tekst, gewijd aan zijn oudere:  “The Icelandic light shapes one’s senses in a special way ; it changes the way one perceives objects. The relation  between objects and daylight or twilight calls for a constant re-composition of the objects and of ourselves” en hij  eindigt zijn paragraaf met de zin die een beschrijving van de diptiek zou kunnen zijn: “If I were an object, I  would be a subtle one, perhaps a quasi-object, continuously transformed by light”1 . In de diptiek is het object dat  continu door het licht getransformeerd wordt de kunstenaar zelf. In de volledige tekst kan men heel  duidelijk de bewondering lezen die Eliasson voor Fridfinnsson heeft en het hoeft niet te verwonderen dat  de presentatie van de werken van Fridfinnsson in de biënnale van Sao Paulo in 2012 door de kritiek  bijzonder succesvol onthaald werd, en verkozen tot de top 10 van sterke momenten door het tijdschrift  Art in America. Ver van alle agitatie van de kunstwereld wekt Hreinn Fridfinnsson echter steeds meer de  interesse ervan op door de werken te distilleren die conceptuele zorgvuldigheid koppelen aan dromen en  magie. </p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Questionnant la réfraction de la lumière dans de nombreuses œuvres, l’artiste islandais montre ici un  diptyque photographique réalisé il y a une dizaine d’années. </p> <p style="text-align: justify;">Installé à Amsterdam, l’artiste a constitué un corpus cohérent, fécond en réflexions et fréquemment guidé  par les phénomènes physiques qui constituent notre perception des choses et du monde. Le diptyque est composé d’une part d’une photo où on voit un prisme en cristal placé sur un trépied et la  main gauche de l’artiste qui capte les rayons du spectre lumineux. D’autre part, seule la main droite est  cadrée et reçoit en son creux les rayons. </p> <p style="text-align: justify;">Outre le fait de révéler les lumières composant la lumière blanche, ces photos montrent un accueil de la  lumière. Belle métaphore de l’artiste en tant que récepteur de couleur, peintre du monde à venir. La  couleur peut disparaître à tout moment, couler comme l’eau entre les doigts à chaque seconde. La  précarité du moment est sans doute accentuée par la sobriété des clichés, pris dans un parc, en automne.  Ils sont sans recherche esthétique particulière si ce n’est dans le sujet lui-même : la lumière, sa  composition, ses composantes. L’accrochage des photos de façon perpendiculaire rappelle qu’un angle  d’incidence est nécessaire pour que les rayons soient réfractés.</p> <p style="text-align: justify;"> L’artiste Olafur Eliasson connu pour ses explorations sur les phénomènes lumineux contextualise  brièvement les recherches de Fridfinnsson dans son très beau texte consacré à son aîné: « The Icelandic light  shapes one’s senses in a special way ; it changes the way one perceives objects. The relation between objects and  daylight or twilight calls for a constant re-composition of the objects and of ourselves » et il finit son paragraphe  par cette phrase qui pourrait être une description du diptyque : « If I were an object, I would be a subtle one,  perhaps a quasi-object, continuously transformed by light » 1 . Dans le diptyque, l’objet continuellement  transformé par la lumière est l’artiste lui-même. </p> <p style="text-align: justify;">Dans le texte complet, on perçoit nettement l’admiration d’Eliasson pour Fridfinnsson et il n’est pas  étonnant que le succès de la présentation des œuvres de Fridfinnsson à la biennale de Sao Paulo en 2012 ait  été salué par la critique et élu dans le top 10 des moments forts par Art in America. </p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Loin de toute agitation du monde de l’art, Hreinn Fridfinnsson continue néanmoins à intéresser celui-ci en </span><span style="font-size: small;">distillant des œuvres alliant rigueur conceptuelle, rêverie et magie.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p></p> <p></p> Fri, 25 Jan 2013 18:47:26 +0000 Lieven de Boeck - Meessen De Clercq - January 18th, 2013 - February 16th, 2013 <p style="text-align: justify;">Lieven De Boeck’s new exhibition at the gallery presents a majority of works dreamed up or created in Los Angeles during a recent residence by the artist. The visitor is greeted by two neon lights stating LetusbeUS, one black, the other white. Whether in the colours or in what is being said (the "us" can be read as the pronoun "we" or "United States"), the artist has introduced a duality that runs throughout the exhibition. Playing with the symmetry of space, he deliberately repeats certain works but systematically using an offset, as if things were what they are as well as their own reflection. We therefore find several works incorporating a mirror in their design. In the right-hand room, The Hollywood Alphabet meticulously evokes terms related to the Hollywood mirage, which can be related to the neon light stipulating I lie and recalls that all fiction is accompanied by some degree of lying. This neon light is shown in three different ways playing on the notion of device and its meaning ("I lie" or "I Lie[ven]"). Opposite the alphabet, a work consisting of 20 blank sheets stamped with the expression copy of original (originally a tattoo on the artist's forearm) perfectly illustrates the concept of classification which is a backbone of Lieven De Boeck's work. The exhibition Image not found refers both to disappearance and appearance with works such as Pepper’s ghost, a former theatre device which in this case creates the appearance of a word through a contraction of two other words (guest + host = ghost) via a mirror effect. The work that gives the exhibition its title is a projected slide carrying the standard phrase that appears on a blue screen when the projector is unable to read content from a DVD, for example. This could be described as an image announcing the nonappearance of an image. In the case of the slide, the blue background is a photo of the sky chosen from a series taken daily in Los Angeles by the artist. A blank image, but not that empty if you think of Duchamp's beloved "Paris Air", the theories of Yves Klein or some works by John Baldessari (Throwing three balls in the air…) or Douglas Huebler's (Location Piece #1).</p> <p style="text-align: justify;">In the left-hand room, a large billboard, similar to those used in the advertising industry, is activated revealing a reflective side and another translucent side, while a large rebus partly consisting of Californian symbols (the tower of the Disney castle, the Lion King) suggests that we turn the image around to read the solution. Reference to Marcel Broodthaers, as well as some Duchampesque enigmas when it comes to translating one's own reflection by the word "image". The target painted on a "two-way mirror" raises the issue of the ambiguous relationship between television, control mechanism and self-image.</p> <p style="text-align: justify;">The work of Lieven De Boeck is scattered with self-questioning as well as interpretations of symbols or systems like this planet Earth, dreamed up with a new system of meridians and a rotation speed of virtually zero. </p> <hr /> <p style="text-align: justify;">In zijn nieuwe tentoonstelling presenteert Lieven De Boeck in de galerie vooral werken die werden bedacht  of gecreëerd in Los Angeles tijdens zijn recente residentie daar. De bezoeker wordt verwelkomd door  twee neonwerken LetusbeUS, het ene in het zwart, het andere wit. Of het nu in de kleuren zit of in wat er  gezegd wordt (de “us” kan gelezen worden als “ons” of als “Verenigde Staten”), de kunstenaar installeert  een dualiteit die de hele tentoonstelling dooradert. In de rechterzaal roept The Hollywood Alphabet nauwgezet 26 termen in relatie met het Hollywoodiaanse gezichtsbedrog dat men in relatie kan plaatsen  met de neon I lie die ons eraan herinnert dat alle fictie gepaard gaat met een deel leugens. Deze neon  wordt op drie verschillende wijzen getoond, spelend op de notie van de installatie evenals op de betekenis  (“ik lieg” of het begin van “Ik Lie(ven)”. Tegenover het alfabet hangt een werk bestaand uit 20 blanco  bladen, bestempeld met de uitdrukking copy of original (initieel een tatoeage op de voorarm van de  kunstenaar) dat perfect de notie van classificatie illustreert, een ruggengraat van De Boeck’s praktijk. De  uitdrukking Image not found verwijst evenzeer naar verdwijning als naar verschijning met werken zoals  Pepper’s ghost, een oud theatraal mechanisme dat de verschijning van een woord mogelijk maakt dankzij de  samentrekking van twee andere woorden (guest + host = ghost) via een spiegelspel. Het werk dat de  tentoonstelling zijn titel geeft is een geprojecteerde dia die de standaardzin weergeeft die verschijnt op een  blauw scherm als een projector er niet in slaagt om een verbinding te creëren met bijvoorbeeld een DVD.  Een beeld dat het niet verschijnen van het beeld aankondigt als het ware. In het geval van de dia is de  blauwe achtergrond een foto van de hemel gekozen uit een serie die de kunstenaar dagelijks nam in Los  Angeles. Een leeg beeld, maar niet zo leeg als men denkt aan l’air de Paris geliefd door Duchamp, aan de  theorieën van Yves Klein of aan werken van John Baldessari (Throwing three balls in the air…) of van Douglas  Huebler (Location Piece #1). In de linkerzaal werd een groot billboard, vergelijkbaar met deze uit de  publicitaire sector, geactiveerd en toont aan de ene zijde een reflecterende en aan de andere zijde een  doorschijnende zijde, terwijl een grote rebus, deels gevormd uit Californische symbolen (de toren van het  Disneykasteel, The Lion King) ons voorstelt het beeld om te draaien om de oplossing te lezen. Verwijzing  naar Marcel Broodthaers maar ook naar de enigma’s van Duchamp wanneer het erover gaat de eigen  reflectie te vertalen door het woord “beeld”. Het testbeeld geschilderd op een observatiespiegel stelt op  zijn beurt de ambigue relatie tussen televisie, controlemechanisme en reflectie van zichzelf. Het werk van  Lieven De Boeck is evenzeer doorspekt met individuele bevragingen als met interpretaties van tekens of  systemen zoals de planeet aarde bedacht met een nieuw systeem van meridianen en een quasi afwezige  rotatiesnelheid.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">La nouvelle exposition de Lieven De Boeck à la galerie présente une majorité d’œuvres pensées ou créées  à Los Angeles durant une résidence récente de l’artiste. Le visiteur est accueilli par deux néons LetusbeUS,  l’un est noir, l’autre blanc. Que ce soit dans les couleurs ou dans ce qui est dit (le « us » pouvant être lu  comme le pronom « nous » ou comme « United States »), l’artiste installe une dualité qui traverse  l’entièreté de l’exposition. Jouant sur la symétrie des espaces, il prend soin de répéter certaines œuvres  mais en opérant systématiquement un décalage comme si les choses étaient ce qu’elles sont tout autant que  leur propre reflet. On trouvera donc plusieurs œuvres intégrant le miroir dans leur conception. Dans la  salle de droite, The Hollywood Alphabet évoque méticuleusement 26 termes liés au mirage hollywoodien  qu’on peut mettre en relation avec le néon stipulant I lie et qui rappelle que toute fiction est assortie d’une  part de mensonges. Ce néon est montré de trois façons différentes jouant sur la notion de dispositif ainsi  que sur sa signification (« je mens » ou « I Lie[ven] »). Face à l’alphabet, un travail constitué de 20 feuilles  vierges tamponnées de l’expression copy of original (initialement un tatouage sur l’avant-bras de l’artiste)  illustre parfaitement la notion de classification qui est une épine dorsale de la pratique de Lieven De Boeck.  L’exposition Image not found fait référence autant à la disparition qu’à l’apparition avec des œuvres telles  que le Pepper’s ghost, ancien mécanisme théâtral qui permet ici l’apparition d’un mot grâce à une  contraction de deux autres mots (guest + host = ghost) via un jeu de miroir. L’œuvre donnant son titre à  l’exposition est une dia projetée qui mentionne la phrase type qui apparaît sur un écran bleu lorsqu’un  projecteur ne parvient pas à créer une connexion avec un DVD par exemple. Une image annonçant la nonapparition d’image pourrait-on dire. Dans le cas de la dia, le fond bleu est une photo du ciel choisie parmi  une série prise quotidiennement à Los Angeles par l’artiste. Une image vide mais pas si vide si on pense à  l’air de Paris cher à Duchamp, aux théories d’Yves Klein ou à certaines œuvres de John Baldessari (Throwing  three balls in the air…) ou de Douglas Huebler (Location Piece #1).</p> <p style="text-align: justify;">Dans la salle de gauche, un grand billboard, similaire à ceux utilisés dans le secteur publicitaire, est activé  laissant voir une face réfléchissante et une autre translucide tandis qu’un grand rébus composé en partie de  symboles californiens (la tour du château de Disney, the lion king) nous propose de renverser l’image pour  lire la solution. Renvoi à Marcel Broodthaers mais aussi aux énigmes duchampiennes lorsqu’il s’agit de  traduire son propre reflet par le mot « image ». La mire peinte sur un « miroir espion » pose, quant à elle,  la relation ambiguë entre télévision, mécanisme de contrôle et reflet de soi.</p> <p style="text-align: justify;">Le travail de Lieven De Boeck est parsemé d’interrogations individuelles tout autant que d’interprétations  des signes ou des systèmes comme cette planète terre imaginée avec un système neuf de méridiens et une  vitesse de rotation quasi-nulle.<br /><span style="font-size: small;"></span></p> Fri, 25 Jan 2013 18:37:47 +0000 Michel Auder - Office Baroque - January 18th, 2013 - February 16th, 2013 <p style="text-align: justify;">The exhibition is the first individual exhibition by Michel Auder at Office Baroque Gallery. An opening reception for the artist will be held on Thursday January 17 from 17.00 thru 19.30.</p> <p style="text-align: justify;">Michel Auder is a French photographer and filmmaker. For Auder's first exhibition at Office Baroque, a series of phone pictures will be shown alongside new monumental video work. The photographs were taken during 2012 with Auder's cell phone. They pair autobiographical, intensely personal images of Auder's surroundings, with art historical genres (Still Life, Memento, ...) in a dark, but often playful and humorous manner.</p> <p style="text-align: justify;">Auder's approach to photography and video evolves out of the politics of May '68. As a witness to both sides of the cultural matrix, Auder counter-poises the political and the social in his work. Formative influences include Antonioni Bergman Pasolini. For the last forty years Auder has used video as a means to, and extension of, his experience of the world. Auder's tapes are documents of a life obsessively viewed through the camera lens. The camera is both the tool and a subject. It records and documents, operating like an eye; watching, following, committing fragmentary items of interest to a vast bank of images. Yet it also structures interaction, encouraging forms of mimesis that draw upon traditions in representation and performance, staying mindful of its links to a heritage in painting, photography and cinema. Auder’s presence as the creator of video diaries is subtly felt through manipulated television segments, his characteristically poetic style of editing, and in his audio tracks, a mixture of live sound and music often taped from the radio.</p> <p style="text-align: justify;">Michel Auder will be the subject of a solo exhibition at Culturgest in Portugal entitled Portrait of Michel Auder. The exhibition will focus on his incursions into fiction with a highly autobiographical slant, as well as on videos based on the filming of television images and others constructed through a loose association of images, which involve modes of visual thinking that come very close to poetry. Portrait of Michel Auder is part of a collaboration with Kunsthalle Basel, where an individual exhibition of Michel Auder will take place in June 2013.</p> Mon, 21 Jan 2013 12:27:06 +0000 Group Show - Atelier 340 Muzeum - October 12th, 2012 - February 17th, 2013 <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Depuis toujours les artistes, levant le regard vers le ciel, ont tenté de représenter l'univers. Bien au-delà d'une simple inspiration esthétique face aux constructions célestes, c'est une profonde réflexion sur la présence humaine au monde qu'ils ont menée.</span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les artistes, confrontés à l'infinité de l'univers, se sont faits, par l'acte de créer, les passeurs cathartiques de l'angoissante conscience du fini de l'être humain. Des contemplations romantiques d'une nature insondable au 18ième siècle, en passant par la tortueuse «Nuit étoilée» de Van Gogh et jusqu'aux récentes compositions de Kandinsky ou Miro, le cosmos a souvent été prétexte au questionnement esthétique. Au cours de l'histoire, l'idée de constellation aura également emprunté différentes acceptations, outil d'une pensée, non seulement du cosmos, mais aussi de diverses relations contingentes à l'expérience; relations de corps, de matières, de formes, d'objets,...</span></p> <p style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Aussi, pour sa nouvelle exposition thématique «Approche aux Constellations», l'Atelier 340 Muzeum propose de parcourir les oeuvres d'une quinzaine d'artistes internationaux qui ont réfléchi ce rapport des arts aux constellations possibles. Tous issus de pratiques diverses, les artistes d'«Approche aux constellations» démontrent par leur recherche la richesse de l'émulation intellectuelle et plastique suscitée par ce thème.</span></p> Wed, 13 Feb 2013 14:32:39 +0000