ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/brx/Events/show en-us 40 Tobias Putrih - Galerie Greta Meert - February 7th, 2013 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Greta Meert Gallery presents its first solo exhibition by Tobias Putrih (°1972, Kraj, Slovenia).</span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The installation for this exhibition has been inspired by Vsevolod Meyerhold's 1922 production of the eponymous</span> <span style="font-size: small;">play "The Death of Tarelkin". Meyerhold's dynamic and revolutionary theory of theatre was translated into a</span> <span style="font-size: small;">constuctivist scenography by the Russian artist Varvara Stepanova : 'performing furniture that can transform, fold,</span> <span style="font-size: small;">collapse, change its use'. Rather than approaching the designs as museal artefacts, Tobias Putrih reinstates them</span> <span style="font-size: small;">in a contemporary environment, proposing a series of modular objects that don't conform to a conclusive</span> <span style="font-size: small;">definition, but are situated somewhere between sculpture, scenography and furniture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The choice of fragile materials emphasizes the experimental character of the artist's method. Yet Putrih has often</span> <span style="font-size: small;">spoken out about the necessity to link his conceptual starting point with a functional aspect. In this case the utility</span> <span style="font-size: small;">function is carefully articulated, but the artist gratefuly makes use of Meyerhold's experiments with commedia</span> <span style="font-size: small;">dell'arte and the circus, to inserts a degree of playfulness and humour into the designs.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">" 'Good design and sculpture always make fun of the spectators' bodies - you always have to suffer a little</span> <span style="font-size: small;">before you can start enjoying sitting in a good chair, wearing good shoes, driving a good car. The body has to</span> <span style="font-size: small;">adapt itself, and it takes time before you feel comfortable. It is the same with sculpture - the best sculpture is</span> <span style="font-size: small;">always on the verge of failing, it is simply an object that does not fit anywhere, that is too strange to fit.'</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The stop-motion video, creating an illusion of movement, ads to the multiple status of the objects. The images are</span> <span style="font-size: small;">mixed with the opening monologue of "The Death of Tarelkin", performed by Willy Thomas, that contains a change</span> <span style="font-size: small;">of identity of the main character. This way all aspects of the exhibition merge together in the overriding principle of</span> <span style="font-size: small;">transformability.</span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">2012: White City, Villa Merkel, Esslingen, Germany</span><br /><span style="font-size: small;">2012: Track, SMAK, Gand" " "</span><br /><span style="font-size: small;">2010: Siska, International, Espace 315, Centre Pompidou</span><br /><span style="font-size: small;">2010: 291h São Paulo Biennial, Brazil</span><br /><span style="font-size: small;">2007: 'Quasi-Random' exhibition, Neuberger Museum of Art in Purchase, New York.</span><br /><span style="font-size: small;">2007: 52nd Venice Biennial</span><br /><span style="font-size: small;">2005: illustrious group exhibition 'Greater New York, PS1 New York,</span><br /><span style="font-size: small;">2002: Manifesta 4. Frankfurt am Main. "</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La galerie Greta Meert Gallery présente pour la première fois une exposition solo de Tobias Putrih (°1972, Kraj, Slovenia).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L'installation intitulée “La mort de Tarelkin” s'inspire de la pièce éponyme écrite en 1922 par Vsevolod Meyerhold.</span> <span style="font-size: small;">Les théories théâtrales révolutionnaires et audacieuses de Meyerhold furent mises en scène dans une</span> <span style="font-size: small;">scénographie de type constructiviste par l'artiste russe Varvara Stepanova, avec des « meubles créés pour se</span> <span style="font-size: small;">transformer, se replier, disparaître, changer d'usage ».</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Plutôt que de penser le design comme un artefact muséal, Tobias Putrih le réintègre dans un environnement</span> <span style="font-size: small;">contemporain ; il propose une série d'objets modulaires qui ne se conforment pas à une définition définitive, mais</span> <span style="font-size: small;">se situent quelque part entre la sculpture, la scénographie et le mobilier.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le choix de matériaux fragiles souligne le caractère expérimental de sa méthode. Pourtant Tobias Putrih a</span> <span style="font-size: small;">souvent parlé de la nécessité de relier son point de départ conceptuel à un aspect fonctionnel. Dans ce cas la</span> <span style="font-size: small;">fonction utilitaire est soigneusement articulée, mais l'artiste se sert avec reconnaissance des expériences de</span> <span style="font-size: small;">commedia dell'arte et de cirque mises en place par Meyerhold pour introduire une note d'espièglerie et d'humour</span> <span style="font-size: small;">dans ses réalisations.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">" « Le bon design et la sculpture se jouent souvent des corps des spectateurs ; il faut toujours souffrir un</span> <span style="font-size: small;">peu avant d'apprécier l'assise d'une bonne chaise, le port de bonnes chaussures, ou la conduite d'une auto de</span> <span style="font-size: small;">qualité. Le corps doit s'adapter et cela prend du temps avant de ressentir un certain confort. C'est la même chose</span> <span style="font-size: small;">avec la sculpture ; la meilleure sculpture est toujours sur le point de tomber, c'est simplement un objet qui ne</span> <span style="font-size: small;">s'adapte pas partout, qui est trop étrange pour s'adapter. »</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La vidéo en stop-motion, qui crée l'illusion du mouvement, annonce le statut multiple des objets. Les images se</span> <span style="font-size: small;">superposent au monologue d'ouverture de « La mort de Tarelkin » joué par Willy Thomas, qui expose le</span> <span style="font-size: small;">changement d'identité du personnage principal de la pièce. Une manière encore d'illustrer toutes les facettes de</span> <span style="font-size: small;">l'exposition qui fusionnent en un principe primordial de transformation.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">2012: White City, Villa Merkel, Esslingen, Germany</span><br /><span style="font-size: small;">2012: Track, SMAK, Gand" " "</span><br /><span style="font-size: small;">2010: Siska, International, Espace 315, Centre Pompidou</span><br /><span style="font-size: small;">2010: 291h São Paulo Biennial, Brazil</span><br /><span style="font-size: small;">2007: 'Quasi-Random' exhibition, Neuberger Museum of Art in Purchase, New York.</span><br /><span style="font-size: small;">2007: 52nd Venice Biennial</span><br /><span style="font-size: small;">2005: illustrious group exhibition 'Greater New York, PS1 New York,</span><br /><span style="font-size: small;">2002: Manifesta 4. Frankfurt am Main.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Galerie Greta Meert presenteert de eerste solotentoonstelling van Tobias Putrih (1972, Kraj, Slovenië).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Deze tentoonstelling is geïnspireerd op het gelijknamige theaterstuk .Dood van Tarelkin' uit 1922 van Vsevolod</span> <span style="font-size: small;">Meyerhold. De dynamische en revolutionare theatertheorie van Meyerhold werd door de Russische kunstenares</span> <span style="font-size: small;">Varvara Stepanove vertaalt naar een constructivistische scenografie: .performing furniture that can transform,</span> <span style="font-size: small;">fold, collapse, change its utility'. Putrih benadert deze ontwerpen niet als museale artefacten maar stelt een reeks</span> <span style="font-size: small;">modulaire objecten voor, die het midden houden tussen sculptuur, scenografie en meubelstuk.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Putrih's keuze voor fragiele materialen benadrukt het experimentele karakter van zijn werkwijze. Toch heeft de</span> <span style="font-size: small;">kunstenaar zich reeds vaker uitgesproken over de noodzaak zijn conceptuele uitgangspunt te verbinden aan een</span> <span style="font-size: small;">functioneel aspect. Dankbaar gebruik makend van Meyerholds experimenten met Commedia del Arte en circus,</span> <span style="font-size: small;">legt de kunstenaar in dit geval ook een zekere speelsheid en humor in de ontwerpen, die een potentiele</span> <span style="font-size: small;">gebruikstfunctie bewust ondergraven.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">" .Good design and sculpture always makes fun out of spectators body...you always have to suffer little bit to</span> <span style="font-size: small;">start enjoying sitting in a good chair, wearing good shoes, driving a good car.. body has to adapt to it and it takes</span> <span style="font-size: small;">time before you feel comfortable. and also with sculpture - the best sculpture is always on the verge of failing,</span> <span style="font-size: small;">simply it's an object that doesn't fit anywhere, it's too strange to fit.'</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">De statische objecten worden in beweging gebracht in de stop-motion video en verweven met de</span> <span style="font-size: small;">openingsmonoloog van .Dood van Tarelkin', gebracht door acteur Willy Thomas, waarin het suïcidale</span> <span style="font-size: small;">hoofdpersonage een persoonswisseling ondergaat. Zo gaan geleidelijk aan alle aspecten van deze</span> <span style="font-size: small;">tentoonstelling op in het geldende principe van transformabiliteit.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">2012: White City, Villa Merkel, Esslingen, Germany</span><br /><span style="font-size: small;">2012: Track, SMAK, Gand" " "</span><br /><span style="font-size: small;">2010: Siska, International, Espace 315, Centre Pompidou</span><br /><span style="font-size: small;">2010: 291h São Paulo Biennial, Brazil</span><br /><span style="font-size: small;">2007: 'Quasi-Random' exhibition, Neuberger Museum of Art in Purchase, New York.</span><br /><span style="font-size: small;">2007: 52nd Venice Biennial</span><br /><span style="font-size: small;">2005: illustrious group exhibition 'Greater New York, PS1 New York,</span><br /><span style="font-size: small;">2002: Manifesta 4. Frankfurt am Main.</span></p> Mon, 14 Jan 2013 17:39:24 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Valerie Krause - Galerie Greta Meert - February 7th, 2013 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Greta Meert Gallery presents its first solo exhibition by Valerie Krause (°1976, Herdeke, she lives and works in Düsseldorf).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Valerie Krause's method is synthetic; her formal language is free and open. With this exhibition she shows the immense potential of her design practice, ranging from robust works to more spatial constructions, the strong linearity of which creates lines of fracture in the space. The materials used and their qualities dictate the design; moments of transition, such as the transformation of materials are respected and often emphasized.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> The composition of most works contains large areas of tension, both material (static/dynamic, hard/soft, solid/ fluid) and formal (open/closed, geometrical/anthropomorphical, streamlined/jagged). In spite of this play of contrasts, all sculptures remain within a classical concept of beauty that is defined by correct spatial proportions, dimensions and balance.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> "The title is an indication of space, an indication of time - related to each other they are able to define a movement. At the same time the title also describes a kind of distance, waiting and longing. Both are references that have relevance in my work. The starting point is always human perceptions, relations, being moved and movement itself, whether in the form of an action, a gesture or as a position. The subject of gravitation and the will to rise up often appear. Tension of various moments that are united in one sculpture, tension of different materials. Gravity and lightness, dynamism and slowness, change of direction, interruption of continuity. And the attempt to find clarity in contrariness. The photography is a sort of collecting moment. Because it is not bound to the motive and because of its immateriality it has the ability to extend the context of the sculpture. No matter which moment is shown whether a light, a scenery, a portrait, it concerns a certain atmosphere which I try to find back in the sculpture."</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">Valerie Krause. So weit so lange, Greta Meert Gallery, 2012</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La galerie Greta Meert présente pour la première une exposition solo de Valerie Krause (°1976, Herdeke, vit et </span><span style="font-size: small;">travaille Düsseldorf).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La méthode de travail de Valerie Krause est synthétique : son langage formel est libre et ouvert. À lʼoccasion de </span><span style="font-size: small;">cette exposition, elle montre lʼimmense potentiel de sa pratique, entre des œuvres massives et des constructions </span><span style="font-size: small;">plus spatiales, dont la forte linéarité crée des axes de fracture dans lʼespace. Les sculptures sont de pures </span><span style="font-size: small;">articulations de leur composition. Les matériaux utilisés et leurs qualités intrinsèques dictent leur conception et </span><span style="font-size: small;">leur apparence. Les moments de transition, comme la transformation des matériaux, sont respectés et souvent soulignés.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La composition de la plupart des œuvres contient de larges pans de tension, à la fois matérielle (statique/</span><span style="font-size: small;">dynamique, dur/mou, solide/fluide) et formelle (ouvert/fermé, géométrique/anthropomorphique, uniforme/</span><span style="font-size: small;">irrégulier). Malgré ce jeu de contrastes, toutes les sculptures renferment un certain concept classique de beauté, </span><span style="font-size: small;">défini par dʼharmonieuses proportions ainsi quʼun équilibre spatial.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">« Le titre est une indication dʼespace, une indication de temps – reliés lʼun à lʼautre ils peuvent définir un </span><span style="font-size: small;">mouvement. En même temps, le titre décrit aussi une sorte de distance, dʼattente et de nostalgie. Ces deux </span><span style="font-size: small;">éléments sont des références importantes pour comprendre mon travail. Le point de départ est toujours la </span><span style="font-size: small;">perception humaine, la relation, le fait dʼêtre mis en mouvement et le mouvement lui-même, que ce soit sous la </span><span style="font-size: small;">forme dʼune action, dʼun geste ou dʼune position. La gravitation et la volonté dʼélévation sont des sujets qui </span><br /><span style="font-size: small;">reviennent souvent. La tension de différents moments unis dans une seule sculpture, la tension de différents </span><span style="font-size: small;">matériaux. La gravité et la légèreté, le dynamisme et la lenteur, le changement de direction, lʼinterruption dʼune </span><span style="font-size: small;">continuité. Et la tentative de trouver la clarté dans la contradiction. La photographie est une sorte dʼinstant </span><span style="font-size: small;">collecté. Parce quʼelle nʼest pas liée à une intention et du fait de son immatérialité, elle a la faculté dʼélargir la </span><span style="font-size: small;">cadre de la sculpture. Peu importe le moment montré, la scène ou le portrait, lʼintérêt réside dans une certaine </span><span style="font-size: small;">atmosphère que je tente de retrouver dans la sculpture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;">      Valerie Krause. So weit so lange, Greta Meert Gallery, 2012</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Galerie Greta Meert presenteert de eerste solotentoonstelling van Valerie Krause (1976, Herdeke, woont en werkt </span><span style="font-size: small;">in Düsseldorf).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Valerie Krauses werkwijze is synthetisch, haar vormentaal is vrij en open. Met deze tentoonstelling toont ze de </span><span style="font-size: small;">enorme mogelijkheden van haar ontwerppraktijk, van robuuste werken tot meer spatiale constructies, wiens </span><span style="font-size: small;">sterke lineariteit breuklijnen aanbrengt in de ruimte. De sculpturen zijn een pure articulatie van hun samenstelling, </span><span style="font-size: small;">de gebruikte materialen en hun eigenschappen dicteren de vormgeving en compositie. Overgangsmomenten, </span><span style="font-size: small;">zoals de transformatie van materialen, worden gerespecteerd en vaak benadrukt. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Vaak ligt in de compositie van een werk, een groot spanningsveld besloten; zowel materieel (statisch/dynamisch, </span><span style="font-size: small;">hard/zacht, solide/vluchtig) als vormelijk (open/gesloten, geometrisch/antropomorf, gestroomlijnd/grillig). Ondanks </span><span style="font-size: small;">dit spel van contrasten, blijven alle beelden echter ingeschreven in een klassieke schoonheidsconcept dat de </span><span style="font-size: small;">juiste ruimtelijke verhoudingen, dimensies en evenwicht ambieert.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">"The title is an indication of space, an indication of time - related to each other they are able to define a </span><span style="font-size: small;">movement. At the same time the title also describes a kind of distance, waiting and longing. Both are references </span><span style="font-size: small;">that have relevance in my work. The starting point is always human perceptions, relations, being moved and </span><span style="font-size: small;">movement itself, whether in the form of an action, a gesture or as a position. The subject of gravitation and the will </span><span style="font-size: small;">to rise up often appear. Tension of various moments that are united in one sculpture, tension of different materials. </span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Gravity and lightness, dynamism and slowness, change of direction, interruption of continuity. And the attempt to </span><span style="font-size: small;">find clarity in contrariness. The photography is a sort of collecting moment. Because it is not bound to the motive </span><span style="font-size: small;">and because of its immateriality it has the ability to extend the context of the sculpture. No matter which moment </span><span style="font-size: small;">is shown whether a light, a scenery, a portrait, it concerns a certain atmosphere which I try to find back in the </span><span style="font-size: small;">sculpture."  </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Valerie Krause. So weit so lange, Greta Meert Gallery, 2012</span></p> Mon, 14 Jan 2013 17:40:07 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Antoine Watteau - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - February 8th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Nearly thirty years after the last Antoine Watteau retrospective, BOZAR, in collaboration with the Palais des Beaux-Arts de Lille, is organizing an exhibition of this great early eighteenth century French painter. This will be a unique opportunity to rediscover this master along with some of his contemporaries through a hundred or so works, including paintings, drawings, prints and musical instruments. Thanks to the exceptional curatorship of conductor and musician William Christie, and to contemporary artist Michaël Borremans, the exhibition will highlight the multiple and often timeless facets of Watteau’s oeuvre. It will try to convey the echoes between painting and music. More than a monographic exhibition or a musical staging of his work, the Watteau exhibition aims to draw attention to the links connecting the various arts. There is music in Watteau and his contemporaries!</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">General curator: William Christie </span><br /><span style="font-size: small;">Scientific curator: Florence Raymond </span><br /><span style="font-size: small;">Artistic Advisor: Michaël Borremans </span><br /><span style="font-size: small;">With the collaboration of: Palais des Beaux-Arts Lille</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Près de trente ans après la dernière rétrospective consacrée à Antoine Watteau, BOZAR organise, en collaboration avec le Palais des Beaux-Arts de Lille, une exposition sur le grand peintre du début du XVIIIe siècle français. Occasion unique de redécouvrir ce maître ainsi que certains de ses contemporains à travers une centaine d’œuvres, réunissant peintures, dessins, gravures et instruments de musique. Grâce à un commissaire d’exception en la personne du musicien et du chef d'orchestre William Christie et à l'artiste contemporain Michaël Borremans, l’exposition souligne les multiples facettes, souvent atemporelles, de l’œuvre de Watteau. Elle se propose de mettre en résonance peinture et musique. Plus qu’un regard sur un ensemble d’œuvres, plus qu’une mise en musique de la matière picturale, l’exposition Watteau fait le choix de la correspondance entre les arts. Il y a de la musique chez Watteau et ses contemporains ! </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Commissaire général: William Christie </span><br /><span style="font-size: small;">Commissaire scientifique: Florence Raymond </span><br /><span style="font-size: small;">Conseiller artistique: Michaël Borremans </span><br /><span style="font-size: small;">En collaboration avec: Palais des Beaux-Arts Lille</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bijna 30 jaar na de laatste Europese Watteau-retrospectieve organiseert het Paleis voor Schone Kunsten samen met het Palais des Beaux-Arts de Lille een tentoonstelling rond de grote Franse schilder van begin 18e eeuw. Het wordt een unieke kans om opnieuw kennis te maken met de meester en zijn tijdgenoten aan de hand van een honderdtal schilderijen, tekeningen, etsen en muziekinstrumenten. Door de tussenkomst van gastcurator William Christie (musicus en orkestdirigent) en hedendaags kunstenaar Michaël Borremans beklemtoont de tentoonstelling de vele, vaak tijdloze facetten van het oeuvre van Watteau. Schilderkunst en muziek treden in dialoog. Veeleer dan een verzameling werken of de muzikale vertaling van een reeks schilderijen belicht de Watteau-tentoonstelling de kruisbestuiving tussen de kunsten. Watteau en zijn tijdgenoten, daar zit muziek in! </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Algemeen curator: William Christie </span><br /><span style="font-size: small;">Wetenschappelijk curator: Florence Raymond </span><br /><span style="font-size: small;">Artistiek raadgever: Michaël Borremans </span><br /><span style="font-size: small;">In samenwerking met: Palais des Beaux-Arts Lille</span></p> Mon, 14 Jan 2013 17:33:51 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Dirk Braeckman - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - February 8th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dirk Braeckman, leading Belgian photographer with an international reputation, plans an intervention in the exhibition <i>Antoine Watteau. The Music Lesson</i> with new photographic works inspired by Watteau.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dirk Braeckman, le grand photographe belge à la réputation internationale, interviendra dans l'exposition <i>Antoine Watteau. La Leçon de musique</i> avec de nouvelles créations photographiques, inspirées d'œuvres de Watteau.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De internationaal gerenommeerde Belgische kunstenaar Dirk Braeckman plant een interventie in de tentoonstelling <i>Antoine Watteau. De Muziekles</i> met nieuwe fotografische creaties, geïnspireerd door het werk van Watteau.</span></p> Mon, 14 Jan 2013 17:35:59 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Jos de Gruyter and Harald Thys - MuHKA Museum of Contemporary Art Antwerp - February 8th, 2013 10:00 AM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">"There are different theories. One of them states that the parallel world is a mirror of the real world and every attack from the parallel world would therefore be a form of self-destruction." </span><br /><br /><span style="font-size: small;">– from Jos de Gruyter &amp; Harald Thys’s video 'About the Relationship between the Real World and the Parallel World', 2010</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jos de Gruyter &amp; Harald Thys’s art casts a merciless perspective on reality. Through their numerous artistic approaches – including installations, video, drawing, sculpture, performance and photographs – de Gruyter &amp; Thys visualise their imaginings of the parallel world inherent within the modern human psyche, along with how it manifests itself in the everyday aspects of life and civic conformity. Everything from work, leisure and family, to social class, masculinity and marginalization are envisaged through convening an unlikely cast of non-professional actors, family members, friends, beards, objects and mannequins alike, often in banal, homespun settings that are rife with awkward power dynamics.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Their major exhibition at M HKA entitled <em>OPTIMUNDUS</em> – will be the broadest presentation of their work in Belgium and internationally to date, followed by a second chapter at Kunsthalle Wien early in 2014. The artists will create an environment bringing together a key selection of their works in all media, alongside a number of new works. <em>OPTIMUNDUS</em> will be a kind of panorama of de Gruyter &amp; Thys’s practice, bringing their unique conception of the alternative reality into the realm of an exhibition scenario. Form balances the work of de Gruyter &amp; Thys on the edge of the idiotic. Ragged mannequins are made to share common space with traced drawings of trams, the cries of animals, polystyrene heads with false facial hair, and monotonous monologues about renovations. Visitors to <em>OPTIMUNDUS</em> will also be joined by these and a cast of existing and new mannequins from the artists’ own universe.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The artists are inspired by myriad sources – like key scenes in films by Visconti or Fassbinder; reality television; the arsenal of videos that YouTube offers, ranging from Russian road rage to the home videos of Chechen President Ramzan Kadyrov; as well as traumatic events the artists have experienced over the years with various people and places. Their videos are often set within the confines of spaces where the emotion of relationships is expressed and a heart of bleakness is palpable. They are works that not only reflect on the broad issues of social class and deprivation but also consider our ways of dealing with life through the logic of our inner worlds. The works <em>Der Schlamm von Branst</em> (The Clay from Branst, 2008); <em>Ten Weyngaert</em> (2007); and <em>The Frigate</em> (2008), for example, portray the banal, tense environments of community spaces designated for people to participate in artistic activity as forms of social interaction and therapy. However, straightforward dialogue is replaced by events of the perverse and supernatural kind, seemingly occurring through curious, aggressive processes of sublimation.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> In their most recent works, human characters are replaced altogether by makeshift dummies with limited features, inhuman computerised voices and a certain emptiness at their core. For example, the video <em>Das Loch</em> (The Hole, 2010), presents an all-mannequin cast, and will also here incorporate a constellation of related mannequins and installations. This deadpan work describes the complex rivalry between two artists – Johannes, who believes in the universal expression of painting, and who feels insecure by the success of his friend Fritz, a red macho-man with an HD camera. Whereas in their recent video <em>Les Énigmes de Saarlouis</em> (The Riddles of Saarlouis, 2012), the twin characters Kitty &amp; Katty confront us with a series of impossible riddles. It is this internal, ungraspable logic that each of us possess that we are persistently reminded of in the work of de Gruyter &amp; Thys, and which will be at the core of <em>OPTIMUNDUS</em>.</span></p> <hr /> <p><span style="font-size: small;">"Er bestaan hierover verschillende theorieën. Eén ervan stelt dat de parallelle wereld een spiegel van de echte wereld is en iedere aanval vanuit de parallelle wereld zou zodoende een vorm van zelfvernietiging zijn." </span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">– uit de video van Jos de Gruyter &amp; Harald Thys 'About the Relationship between the Real World and the Parallel World', 2010</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het werk van Jos de Gruyter &amp; Harald Thys werpt een genadeloze blik op de realiteit. Aan de hand van video’s, installaties, tekeningen, sculpturen, performances en fotografie geven de kunstenaars gestalte aan hun verbeelding van de parallelle wereld, hoe die leeft in de hedendaagse menselijke psyche en hoe die zich manifesteert in het alledaagse en in maatschappelijk conformisme. Verhalen rond arbeid, vrije tijd, gezin, sociale klasse, mannelijkheid en marginalisering worden verbeeld door een cast van niet-professionele acteurs, familieleden, vrienden, baarden, objecten en poppen, vaak in banale interieurs, geladen met gestoorde machtsverhoudingen. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> De tentoonstelling <em>OPTIMUNDUS</em> in het M HKA wordt de meest uitgebreide en ambitieuze presentatie van hun werk in België en het buitenland tot op heden, en krijgt in het begin van 2014 een vervolg in Kunsthalle Wien. De kunstenaars brengen een opmerkelijk overzicht hun artistieke praktijk bestaande uit een selectie sleutelwerken van de voorbije jaren en enkele nieuwe werken. <em>OPTIMUNDUS</em> vormt een panorama van de kunstpraktijk van de Gruyter &amp; Thys en brengt zo hun unieke voorstelling van een alternatieve realiteit in een tentoonstellingsomgeving.</span><br /><span style="font-size: small;"> Vormelijk balanceert het werk van de Gruyter &amp; Thys op de rand van de idiotie: lappenpoppen delen de ruimte met gecalqueerde tekeningen van tramstellen, dierlijke kreten, en monotone monologen over renovaties, en piepschuimen koppen met valse baarden. Bezoekers van <em>OPTIMUNDUS</em> worden door deze en andere figuren uit het universum van de Gruyter &amp; Thys vergezeld.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Het werk vindt haar oorsprong in zeer uiteenlopende inspiratiebronnen, gaande van bepaalde sleutelscènes in de films van Fassbinder en Visconti, over clandestiene reality-programma’s, het alsmaar groeiende arsenaal van anoniem geproduceerde films op YouTube – van Russian Road Rage tot de home video’s van de Tsjetsjeense president Ramzan Kadyrov maar ook traumatiserende confrontaties die ze in de loop van de jaren ervoeren met welbepaalde plaatsen en individuen. De films van de Gruyter &amp; Thys spelen zich vaak af binnen de muren van ruimten waar intermenselijke spanningen zich opbouwen en een uitgesproken somberheid in het hart van de uitzonderlijke maatschappelijke verbeelding van beide kunstenaars voelbaar wordt. Toch bezinnen de werken niet enkel over de grote vraagstukken van sociale klasse en ontbering, maar zijn ze tevens obsessieve observaties van innerlijke processen. De werken <em>Der Schlamm von Branst</em> (2008), <em>Ten Weyngaert</em> (2007) en <em>The Frigate</em> (2008) bij voorbeeld portretteren de gespannen omgeving van een gemeenschapscentrum waar men verondersteld wordt kunst te beoefenen als vorm van sociale interactie en therapie. Dialoog wordt hier echter vervangen door perverse en bovennatuurlijke gebeurtenissen, die verschijnen door bizarre, agressieve processen van sublimatie. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> In hun meest recente werken zijn de menselijke personages geheel vervangen door in elkaar geknutselde poppen, die door hun minimale gelaatstrekken en onmenselijke computerstemmen een apathische leegte uitstralen. Zo worden alle rollen in <em>Das Loch</em> (2010) gespeeld door poppen die ook elders in de tentoonstelling opduiken. In een laconieke verteltrant beschrijft dit werk de complexe rivaliteit tussen Johannes, een schilder die gelooft in de universele expressie van de schilderkunstige traditie en Fritz, een kleine rode macho met een high-definition camera. In hun recente video <em>Les Énigmes de Saarlouis</em> (De Raadsels van Saarlouis, 2012) bedwelmt de tweeling Kitty &amp; Katty ons met een reeks onoplosbare raadsels die ze in chorus afratelen. In het werk van de Gruyter &amp; Thys worden we namelijk voortdurend herinnerd aan een interne, moeilijk te definiëren logica die binnen ieder van ons leeft, en die centraal staat in <em>OPTIMUNDUS</em>.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">« Il y a différentes théories à ce sujet. L’une d’entre elles affirme que le monde parallèle est un miroir du monde réel et que toute attaque venant du monde parallèle serait par conséquent une forme d’autodestruction. » </span><br /><br /><span style="font-size: small;">– extrait de la vidéo de Jos de Gruyter &amp; Harald Thys 'About the Relationship between the Real World and the Parallel World', 2010</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L’œuvre de Jos de Gruyter &amp; Harald Thys porte un regard sans complaisance sur la réalité. Par le biais de la vidéo, l’installation, le dessin, la sculpture, la performance et la photographie, le duo d’artistes donne corps à leur conception imaginaire du monde parallèle, à la manière dont celui-ci vit dans la psyché humaine contemporaine et se manifeste dans la vie quotidienne et le conformisme social. Des histoires de travail, de loisirs, et de famille, ainsi que des questions concernant la classe sociale, la virilité et la marginalisation sont représentées par une distribution d’acteurs non professionnels, composée de membres de la famille, d’amis, d’objets, de barbes et de marionnettes, le plus souvent dans des intérieurs assez banals, chargés de rapports de force troublés et troublants.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> L’exposition <em>OPTIMUNDUS</em> au M HKA constitue la présentation la plus étendue et la plus ambitieuse de leur œuvre à ce jour, tant en Belgique qu’à l’étranger, et connaîtra une suite au début de l’année 2014 à la Kunsthalle Wien. Pour ce remarquable panorama de leur pratique, les artistes ont opéré une sélection d’œuvres clés des années précédentes et réalisé quelques nouvelles pièces, offrant ainsi une rétrospective exclusive de leur réalité alternative dans un contexte d’exposition muséale. Sur le plan formel, l’œuvre du duo se situe au bord de l’absurdité : des poupées de chiffon partagent l’espace avec des dessins calqués de rails de tramway, des cris d’animaux, des monologues monotones sur des rénovations, et des têtes en polystyrène affublées de fausses barbes. Ces personnages et bien d’autres figures issues de l’univers de De Gruyter &amp; Thys accompagneront les visiteurs de l’exposition <em>OPTIMUNDUS</em> lors de leur parcours. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> L’œuvre s’inspire de sources très diverses, allant de certaines scènes cultes de films de Fassbinder ou de Visconti, à des émissions de téléréalité clandestines, en passant par l’arsenal intarissable de films produits anonymement et postés sur YouTube – de Russian Road Rage à des vidéos amateurs du président tchétchène Ramzan Kadyrov, outre des face à face traumatisants qu’ils ont vécu dans certains lieux ou avec certains individus au cours des années. Les films de De Gruyter &amp; Thys se déroulent souvent dans des espaces confinés où les tensions interpersonnelles s’accentuent et rendent tangible une mélancolie explicite qui est au cœur des représentations sociales si particulières des deux artistes. Leurs œuvres ne se penchent toutefois pas seulement sur les grandes questions relatives à la classe sociale et la privation, mais constituent tout autant des observations obsessionnelles de processus intérieurs. Les œuvres <em>Der Schlamm von Branst</em> (2008), <em>Ten Weyngaert</em> (2007) et <em>The Frigate</em> (2008), par exemple, brossent le tableau de l’atmosphère tendue qui règne dans un centre communautaire où l’on est censé pratiquer l’art comme forme de thérapie et interaction sociale. Le dialogue est cependant remplacé par des événements pervers et surnaturels, qui se manifestent à travers des processus de sublimation étranges et agressifs. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Dans leurs œuvres les plus récentes, les personnages humains sont tous remplacés par des marionnettes confectionnées assez sommairement, dont les traits très estompés du visage et les voix synthétiques d’ordinateur dégagent vacuité et apathie. Ainsi, tous les rôles de <em>Das Loch</em> (2010) sont joués par des marionnettes qui apparaissent ailleurs dans l’exposition. Dans un style narratif laconique, cette œuvre décrit la rivalité complexe entre Johannes, un peintre qui a foi en l’expression universelle de l’art pictural, et Fritz, un petit macho roux doté d’une caméra vidéo haute définition. Dans leur vidéo récente, <em>Les Énigmes de Saarlouis</em> (2012), les jumelles Kitty &amp; Katty nous abreuvent d’énigmes insolubles qu’elles ânonnent en chœur. L’œuvre de De Gruyter et Thys évoque sans cesse une logique intérieure, difficile à définir, que chacun de nous porte en soi et qui est cœur de l’exposition <em>OPTIMUNDUS</em>.</span></p> Thu, 03 Jan 2013 15:43:07 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Thomas Bayrle - WIELS - February 8th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>WIELS</strong> is presenting the first major survey exhibition in Belgium of German artist<strong> Thomas Bayrle</strong>, a pioneer of Pop, Seriality and Media Art. As such, WIELS continues its alternative reading of art history by foregrounding often overlooked artists whose work shift our understanding of major changes in the history of art and ideas.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Bayrle has worked as an artist and a graphic designer since the mid 1960s, inventing a unique visual language through the production of collages, paintings, sculptures, films and books. In the process, he built an important body of work that is surprisingly consistent, obsessive even, combining allegiances to Pop, Conceptual and Op art alike with wry humor. Despite this, and indeed despite his far-reaching influence on a whole new generation of artists through his tenure as professor at the renowned Städelschule in Frankfurt between 1975 and 2002, he remains relatively little known to the general public. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Like his late Frankfurt artist contemporaries Peter Roehr and Charlotte Posenenske, Bayrle created works in the mid 1960s based on the serial repetition of the same pattern, formal compositions indebted to the seriality of the then-emerging Minimal Art movement. Steeped in many of the ideas of the Frankfurt School, with which it shares geographic proximity, Bayrle's work has all along retained the critical engagement that drove his earliest experiments. His interest in mass culture and incorporation, in the midst of the Cold War, of the symbols of the capitalist and communist societies then charting their antagonistic course on either side of the Wall pervades his oeuvre.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The retrospective exhibition of Bayrle at WIELS will span the artist's entire carreer, from his first painted kinetic machines to his most recent engine installations, the latter recently featured at dOCUMENTA (13). The show will eschew showing work along chronological lines; rather, it will put forward the variety of, at times, contradictory themes in the artist's work, including consumerism and consumer society, political propaganda, sexuality, and religion.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Curated by Devrim Bayar</span></p> Wed, 06 Feb 2013 18:29:32 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - WIELS - February 12th, 2013 7:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tuned City is a research platform from Berlin that creates a dialogue between the worlds of architecture, city planning and sound art, trying to use the possibilities of the spatial and communicative properties of sound as an instrument in artistic and urban practices. Q-O2, a workplace for experimental music and sound art, invites Tuned City to Brussels in 2013. The aim is studying the given urban and architectural situation, and experiencing and evaluating the city from an acoustic point of view.

</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">On February 12th, Carsten Stabenow, founder of Tuned City, will briefly introduce the project and will give an outlook on the plans for Brussels. Dr. Lamberto Tronchin, Professor in Environmental Physics from the University of Bologna, recognised internationally as a leading authority on the subject of sound and acoustics and a pianist himself, will open the evening with a lecture about one of the most inspiring thinkers of sound and space in the 17th century, Athanasius Kircher. The Belgian architect and urban planner Luc Deleu, questions with his utopian projects the role of architecture and urbanism in the modern age, their position and duty in a global society and opens with his visions new perspectives of thinking architecture. Ariane Wilson, architect and art historian at the RWTH Aachen focussed her research on the role of sound in city and architecture and will give an overview about the current developments in that field.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A performance by Justin Bennett, who focusses in his work on the relationship between architecture and sound, will play with the elasticity of the concept of 'space'.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">12.02.2013, 19:00</span><br /><span style="font-size: small;">Free Entrance</span><br /><span style="font-size: small;">In English</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Info &amp; Reservation: welcome@wiels.org </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tuned City est une plateforme de recherche issue de Berlin qui établit un dialogue entre les mondes de l'architecture, de l'urbanisme, et de l'art sonore afin d'explorer les possibilités des propriétés spatiales et communicatives du son en tant qu'instrument pour les pratiques artistiques et urbaines. En 2013, Q-O2, un laboratoire de musique expérimentale et d'art sonore, invite Tuned City à Bruxelles dans le but d'y examiner de près la situation urbaine et architecturale donnée pour faire vivre et évaluer la ville d'un point de vue acoustique.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le 12 février, Carsten Stabenow, le fondateur de Tuned City, introduira brièvement le projet et partagera une vision des plans pour Bruxelles. Le Dr. Lamberto Tronchin, Professeur en Physique Environnementale à l'Université de Bologne est internationalement reconnu en tant qu'autorité sur le sujet du son et de l'acoustique, également lui-même pianiste, il ouvrira l'évènement par une conférence sur l'un des penseurs les plus inspirants du son et de l'espace au dix-septième siècle, Athanasius Kircher. L'architecte et urbaniste belge, Luc Deleu, questionne par ses projets utopiques le rôle de l'architecture et de l'urbanisme à l'ère moderne, leurs positions et responsabilités dans une société globale et ouvre par sa vision de nouvelles perspectives à la pensée architecturale. Ariane Wilson, architecte et historienne à la RWTH Aachen, concentre ses recherches sur le rôle du son dans la ville et l'architecture et proposera une présentation des développements actuels en ce domaine.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Une performance de Justin Bennett, qui se concentre sur le lien entre son et architecture, jouera avec l'élasticité du concept d''espace'.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">12.02.2013, 19h00</span><br /><span style="font-size: small;">Entrée gratuite</span><br /><span style="font-size: small;">En anglais</span><br /><span style="font-size: small;">Info &amp; réservation : <strong><strong><a href="mailto:welcome@wiels.org">welcome@wiels.org</a></strong></strong></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tuned City is een onderzoeksplatform uit Berlijn dat de werelden van architectuur, stadsplanning en klank(kunst) met elkaar in dialoog brengt, om de mogelijkheden uit te spelen van de ruimtelijke en communicatieve eigenschappen van klank als instrument bij artistieke en stedelijke praktijken. Q-O2, werkplaats voor experimentele muziek en klankkunst, nodigt in 2013 Tuned City uit in Brussel om er de gegeven stedelijke en architecturale situatie onder de loep te nemen en de stad vanuit een akoestisch perspectief te doen beleven en evalueren.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Op 12 februari zal de stichter van Tuned City, Carsten Stabenow, het project kort inleiden en vooruitblikken op de plannen voor Brussel. Dr. Lamberto Tronchin, professor in omgevingsfysica aan de Universiteit van Bologna, internationaal erkend als een autoriteit op het vlak van klank en akoestiek en zelf pianist, opent de avond met een lezing over een van de meest inspirerende denkers over klank en ruimte in de 17e eeuw, Athanasius Kircher. Belgisch architect en stadsontwikkelaar Luc Deleu, stelt met zijn utopische projecten de rol van architectuur en verstedelijking in het moderne tijdperk en hun positie en plicht in een globale samenleving in vraag en opent met zijn visies nieuwe perspectieven voor het architecturaal denken. Ariane Wilson, architecte en kunsthistorica aan de RWTH Aaken focust in haar onderzoek op de rol van klank in de stad en in architectuur en geeft een overzicht van de actuele ontwikkelingen op dat gebied.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Een performance van Justin Bennett, die zich toelegt op de relatie architectuur/geluid, zal spelen met de rekbaarheid van het begrip 'ruimte'.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">12.02.2013, 19h00</span><br /><span style="font-size: small;">Gratis Toegang</span><br /><span style="font-size: small;">In het Engels</span><br /><span style="font-size: small;">Info &amp; reservatie: <strong><strong><a href="mailto:welcome@wiels.org">welcome@wiels.org</a></strong></strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong> </strong></span></p> Wed, 06 Feb 2013 18:35:45 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Olaf Holzapfel - Albert Baronian - February 14th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Albert Baronian</strong> is pleased to announce the first exhibition of German artist <strong>Olaf Holzapfel</strong> (1969, Gölitz, GDR) at the gallery. Entitled “<em><strong>interritorial und territōriālis</strong></em>” the exhibition presents two type of new works that can be characterized as <i>Hay Pictures </i>[Heubilder] and <i>Foldings </i>[Faltungen]. <br /></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Holzapfel’s <i>Faltungen </i>are made of materials such as PVC, polycarebonate or acrylic and are produced in close co-operation with his studio assistants. The basis of each work is a flat-surface piece of synthetic material− a module,so to say that is heated in the oven and is, for the duration of a few mintues, shapeable. For this period of time, Holzapfel develops a kind of choreography (previously tried and tested with paper), in which every person involved performs a step in the temporarally sequential chain of action which finally leads to the folding. What remains in the end is the cold, an hence static, object. A two-dimenstional module becomes a three-dimensional thing, which is habitually presented on a table-like pedestal. The table stands for “work” and “action” just as does the object located on it – the ration of original material, work invested and final product being established via the human beings and their individual capacities. The “human dimension” and chance – traditional factors in art history to some degree – give Holzapfel’s works their accordingly incalculable form.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Similar forces come into play with the <i>Hay Pictures: </i>their production takes place in temporally sequential steps at a variety of geographical sites. First of all, farmers in the Lower Silesian/ Greater Poland border region between Poland and Germany twist straw to form sturdy ropes, employing a cultural technique well-established in the region. Understood as a principle of serial labout, the technique, working on the organic mateirality of the hay, introduces a priori a natural degree of deviation into the ropes so created, which are subsequently supplied to Holzapfel’s studio. There, they are woven by the artist and his assistants around or into a prepared stretcherframe and are subsequently sometimes coated in coloured India ink. These are two processes, following on from one another and informed by the minimalist creed of “one thing after another” (Donald Judd) – two distinct production rhythms, each stoic and monotonous in itself, that congeal into a form of picture or image. All this reminds one of the Italian artist Alighiero Boetti, best known for his Mappe – knitted maps of the world made of national flags and which he produces from 1971 onwards with the help of women knitter from Afghanistan. Like Holzapfel, he too carries over a regional craft into the context of contemporary art: yet while Boetti’s work reveal the fractures in the blurring and slurring of a global system of identification with regional interpretations, Holzapfel’s work stand rather, in an exemplary manner, for the simultaneity of the haptic and virtual realities in our day-to-day worlds – realities that are today rapidly drifting apart.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>Martin Germann</i></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>Excerpt from Germann, M. (2012) In a Rockscape. Works by Olaf Holzapfel 2006-2012. In: Olaf Holzapfel - Region </i>[<i>Leonhardi-Museum Dresden, 22 September-30 December 2012</i>] <i>Berlin: DISTANZ Verlag GmbH, pp. 105-109</i></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i> </i></span></p> <p style="text-align: justify;"><b>Talk between Olaf Holzapfel and Martin Germann (senior curator SMAK, Ghent) on 7 March 7pm</b></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>Entretien entre Olaf Holzapfel et Martin Germann (senior curator au SMAK à Gand) le 7 mars à 19 h.</b></span><br /><br /><span style="font-size: small;"> Albert Baronian a le plaisir de vous annoncer la première exposition de l’artiste allemand Olaf Holzapfel (1969, Gölitz, RDA) à la galerie. Intitulée « interritorial und territōriālis », l’exposition présente de nouveaux travaux sur le thèmes des relations entre le corps, l’espace intérieur, le paysage et l’environnement (à l’inverse de la pensée analytique, le paysage est l’origine des œuvres d’Olaf, il y trouve ses techniques pour aboutir au visuel). </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Les « Faltungen » de Holzapfel sont fabriqués à base de matériaux tels que le PVC, le polycarbonate, l’acrylique en étroite collaboration avec les assistants de son atelier. La base de chaque œuvre est une surface plane d’un matériel synthétique, que nous appellerons module, chauffée au four et qui devient ainsi malléable pendant quelques minutes. Holzapfel tire profit de ce laps de temps pour créer une espèce de chorégraphie (qu’il a précédemment testé avec du papier) dans laquelle chaque personne concernée réalise une étape dans la chaîne séquentielle temporaire d’actions qui aboutissent au pliage définitif. À la fin, il reste un objet froid, désormais statique. Le module en deux dimensions devient un objet en trois dimensions, généralement présenté sur un socle en forme de table. La table représente le « travail » et « l’action », tout comme l’objet qui s’y trouve – la portion de matériel original que le travail a investi et le produit définitif créé par des êtres humains et leurs aptitudes personnelles individuelles. La « dimension humaine » et le hasard, qui sont dans une certaine mesure des facteurs traditionnels dans l’histoire de l’art, donnent aux œuvres de Holzapfel leur forme forcément imprévisible.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Des forces similaires sont à l’œuvre dans ses « Images de paille » : elles sont réalisées en une série d’étapes provisoires dans différents lieux géographiques. Tout d’abord, des agriculteurs de la frontière de Basse Silésie/Grande Pologne, c’est-à-dire la région entre la Pologne et l’Allemagne, tordent la paille en cordes robustes selon une technique ancestrale bien établie dans la région. Cette technique, à percevoir comme le principe du travail en série, travaille sur la matérialité organique de la paille dans laquelle elle introduit à priori un degré naturel de déviation dans les cordes ainsi créées, qui sont ensuite livrées à l’atelier de Holzapfel. Elles y sont tissées par l’artiste et ses assistants autour ou dans un cadre à clavettes et sont ensuite parfois recouvertes d’encre de Chine. Ce sont les deux processus successifs, selon le credo minimaliste « d’une chose après l’autre » (Donald Judd), de rythmes de production distincts, à la fois stoïques et monotones en soi, qui se figent en une espèce d’image. Tout cela fait penser à l’artiste italien Alighiero Boetti, connu pour ses « Mappe », des cartes tricotées du monde réalisées avec des drapeaux nationaux et qu’il a fabriquées aux alentours de 1971 avec l’aide de tricoteuses d’Afghanistan. Tout comme Holzapfel, il introduit l’artisanat régional dans le contexte de l’art contemporain. Toutefois, alors que l’œuvre de Boetti révèle les fractures dans le flou et le diffus d’un système mondial d’identification avec des interprétations régionales, l’œuvre de Holzapfel est plutôt exemplative de la simultanéité et des réalités tactiles et virtuelles de notre monde quotidien, réalités qui de nos jours s’effritent rapidement.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Martin Germann</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Extrait de Germann, M. (2012) « In a Rockscape. Works by Olaf Holzapfel 2006-2012 ». Dans : Olaf Holzapfel - Region [Musée Leonhardi de Dresden, du 22 septembre au 30 décembre 2012] Berlin : édition DISTANZ Verlag GmbH, pp. 105-109.</span></p> <p style="text-align: justify;"><b></b></p> Mon, 28 Jan 2013 16:45:13 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list David Altmejd - Xavier Hufkens - February 14th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Xavier Hufkens</strong> is pleased to announce <strong>David Altmejd</strong>’s third solo show at the gallery. The exhibition focuses  exclusively on a new group of figurative sculptures, which range from the life-sized to the giant. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Although Altmejd’s figurative works are based on human forms, they are not intended to be representational. The  figures evolve, instead, out of the matter and technical processes used to create them. Each sculpture begins life  as a simple frame, upon which the artist painstakingly applies different components which include, amongst  others, hessian, polystyrene, chains, fur, crystals and casts of his hands or of exotic fruits. Working over the  surface and concentrating on creating resonant connections and juxtapositions between these diverse materials,  Altmejd slowly coaxes his semi-human, semi-anthropomorphic forms into being. With their elaborate surfaces  and visually complex arrangements, the sculptures demand detailed scrutiny but simultaneously deny the viewer  the opportunity to grasp the work in a single take. One of Altmejd’s primary aims is to create energy, which he  achieves by paying an obsessive, almost microscopic, attention to the details, materials, textures and contrasts in  his work. Originally trained as a biologist, the artist says of these figures: ‘The idea of creating a sculpture that is  too structurally and spatially complex to be grasped all at once comes from an interest in nature. The experience  of nature is an experience of details that results in the impression of something great.’ </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> The body as a ‘container’ and as a site for, and of, transformation — both literal and figurative — is a recurrent  theme in Altmejd’s oeuvre. Motivated by the invisible worlds that often exist just beneath the surface of things,  the artist reveals the hidden structures in his own works through negative spaces: gaps, holes, fissures and  crystal filled orifices are a recurring motif. The coconuts, which are a relatively new development, also relate  to the artist’s on-going exploration of both the inner and the outer constructions of physicality: ‘I think that  formally they relate to a lot of things in my work… it is like a seed, or an egg, or even a head. And there’s a space  inside… it’s reminiscent of a lot of forms in my work. It’s a way of creating humour… but there is also something  serious about them, almost creepy or alien.’ </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">While the obviously figurative sculptures are persuasive, fully formed, forceful physical presences, Altmejd’s  mirrored works are quite different. The reflective surfaces define and destabilise, as well as multiply, the spaces  around them. As a result, the sculptures almost disappear into, or are camouflaged by, their surroundings. Says  Altmejd: ‘If you cover an object with mirrors, it becomes invisible, totally transparent seeming. But if you walk  around it, all of a sudden it takes shape, it becomes real. So a mirror-covered object is at once immaterial and  super-material, especially if it’s broken – then it becomes hyper-material. I like that tension between totally  transparent, non-existent and suddenly super-material, dangerous and sharp.’ </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>David Altmejd</strong> (b. 1974, Montreal) obtained his master’s degree in fine art from Columbia University in New  York, where he currently lives and works. In 2007, aged thirty-two, he was the youngest artist to represent  Canada at the Venice Biennale (52 nd Venice Biennale). That same year, he had solo exhibitions at the Fundació La  Caixa Museum (Barcelona) and the Oakville Galleries, Gairloch Gardens, Ontario (the latter touring to Galerie  de l’UQAM in Montreal and the Illingworth Kerr Gallery at the Alberta College of Art &amp; Design in Calgary).  Subsequent solo exhibitions include Gallery Met at the Metropolitan Opera House, New York (2008), Magasin  – Centre National d’Art Contemporain de Grenoble (2008), Les Abattoirs, Toulouse (2008), the Vanhaerents Art  Collection, Brussels (2010), Galerie de l’UQAM, Montreal (2011) and the Brant Foundation Art Study Center,  Greenwich, Connecticut (2011). Last year, David Altmejd unveiled his first public sculpture in bronze, The Eye,  which was commissioned by the Montreal Museum of Fine Arts.</span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> Mon, 28 Jan 2013 16:50:09 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Issa Touma, Nicolas Righetti, Florian Göttke, Hrair Sarkissian, Nermine Hammam, Joachim Ben Yakoub, Marco Bohr - FotoMuseum - February 15th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;">A cheering crowd in a Libyan sports stadium, gazing hopefully in the direction of their leader. Thus started the dubious political career of Muammar Gaddafi, a career which would end 42 years later in blood and gore. The photos went around the world. The FoMu focuses on the power of photography during recent events in the Arab world. The extensive Gaddafi archives are complemented by photographs on Syria, Egypt and Tunisia. Even though photography is clearly the ultimate propaganda tool for leaders in authoritarian regimes, it can also prove to be an important weapon for the people during a revolution.</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;">FoMu shows work of the following artists and photographers: Issa Touma (SY, °1962), Nicolas Righetti (CH, °1967), Florian Göttke (DE, °1965), Hrair Sarkissian (SY, °1973), Nermine Hammam (EG, °1967), Joachim Ben Yakoub (BE, °1982) and Marco Bohr (DE, °1978). Next to these the civil journalism collective Mosireen (Egypt) and Facebook group ‘Uprising of Women in the Arab World’ are presented as well.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Een juichende mensenmassa in een Libisch sportstadium, hoopvol kijkend richting Mouammar Kadhafi. Dit was de start van zijn dubieuze politieke carrière, die 42 jaar later bloedig zou eindigen. De foto’s gingen de wereld rond. Het FoMu focust op de kracht van fotografie tijdens de recente gebeurtenissen in de Arabische wereld. Het omvangrijke Kadhafi archief wordt aangevuld met fotografische projecten over Syrië, Egypte en Tunesië. </span><br /><br /><br /><span style="font-size: small;"> Fotografie blijkt het ultieme propagandamiddel voor leiders in autoritaire regimes, maar kan ook een belangrijk wapen zijn voor het volk bij revoluties.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het FoMu toont werk van volgende fotografen en kunstenaars: Issa Touma (SY, °1962), Nicolas Righetti (CH, °1967), Florian Göttke (DE, °1965), Hrair Sarkissian (SY, °1973), Nermine Hammam (EG, °1967), Joachim Ben Yakoub (BE, °1982) en Marco Bohr (DE, °1978). Daarnaast komt ook het burgerjournalistiek collectief Mosireen (Egypte) en de Facebook groep Uprising of Women in the Arab World aan bod.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;">Une foule en délire dans un stade sportif libyen, les yeux pleins d'espoir tournés vers Mouammar Kadhafi. Ce fut le début de sa carrière politique douteuse qui allait s’achever 42 années plus tard dans un bain de sang. Les photos ont fait le tour du monde. Le Musée de la Photo se concentre sur la force de la photographie au cours des récents événements dans le monde arabe. Les considérables archives de Khadafi sont complétées par des projets photographiques consacrés à la Syrie, à l’Égypte et à la Tunisie. La photographie s’avère être le moyen de propagande par excellence pour les chefs de régimes autoritaires, mais elle peut tout aussi bien se transformer en une arme de taille pour le peuple en cas de révolution.</p> <p style="margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Artistes et photographes: Issa Touma (SY, °1962), Nicolas Righetti (CH, °1967), Florian Göttke (DE, °1965), Hrair Sarkissian (SY, °1973), Nermine Hammam (EG, °1967), Joachim Ben Yakoub (BE, °1982) et Marco Bohr (DE, °1978). </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Collectifs: Mosireen (journalisme citoyen de l‘Égypte) et «Uprising of Women in the Arab World» (groupe Facebook).<br /></span></p> Mon, 04 Feb 2013 19:21:38 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Charles Fréger - FotoMuseum - February 15th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Who are these people, covered in heavy animal skins or straw skirts and adorned with cow bells or goat's legs? Charles Fréger (born in France in 1975) accompanied traditional groups to remote, unspoilt places. The rituals create a sense of unity with the land, with the ancient customs and with each other.  Fréger shows us a forgotten slice of European culture, which is as close as it is alive.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Wie zijn deze mensen, gehuld in zware dierenhuiden of strobussels en versierd met koebellen of bokkenpoten? Charles Fréger (°FR, 1975) vergezelde traditionele groepen en gemeenschappen naar afgelegen stukjes ongerepte natuur. De rituelen die zich hier afspelen, creëren een gevoel van eenheid met het land, met de eeuwenoude gebruiken en met elkaar. Fréger toont ons een vergeten stukje van de Europese cultuur, dat even dichtbij als springlevend is.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Qui sont ces gens vêtus de lourdes peaux de bêtes, couverts de tresses de paille et ornés de cloches ou de pieds de bouc ? Charles Fréger (°FR, 1975) a accompagné des groupes traditionnels vers des lieux éloignés encore immaculés. Dans ces traditions séculaires, les rituels qui s’y déroulent créent un sentiment d’union avec la nature et la terre, et l’humanité tout entière. Fréger nous dévoile un volet oublié de la culture européenne, qui est aussi proche que vivante.</span></p> Mon, 04 Feb 2013 19:23:12 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - FotoMuseum - February 15th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Photography played an important role in the western European perception of the exotic worlds, because it opened up a dialogue about what is 'foreign' and fuelled people's imagination in the process.  The FoMu shows a selection of photographs from its own collection going back to the very beginning of photography up until the 1960s.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Fotografie speelde een belangrijke rol in de West-Europese beeldvorming van de exotische werelden.  Ze droeg bij tot de ontsluiting én de verbeelding van het ‘vreemde’.  Het FoMu toont een selectie foto’s uit de eigen collectie van het ontstaan van de fotografie tot in de jaren 1960.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La photographie a joué un rôle important dans l’image que l’Europe occidentale s'est faite des contrées exotiques. Elle a contribué à dévoiler mais aussi à imaginer ‘le monde étranger’. Le Musée de la Photo présente une sélection de photos de sa propre collection, de la naissance de la photographie jusqu’aux années 1960.</span></p> Mon, 04 Feb 2013 19:24:11 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Neo Rauch - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - February 20th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Following major solo exhibitions in the Metropolitan in New York, the Pinakothek in Munich, and the Leipzig museum of art, BOZAR EXPO presents the first exhibition in Belgium of work by this internationally popular artist, a key pioneer of the Neue Leipziger Schule. Neo Rauch (born in Leipzig in 1960) is known for his puzzling, seemingly narrative paintings. The people in them are busy with something or other; they don’t seem to entirely fit in with their surroundings. Rauch has developed a highly individual style, a mix of realism, abstraction with a surrealist touch, and influences from pop art and comic strips. His dreamlike compositions seem to be peopled by memories of the GDR. “My paintings have something vital about them, like an animal, a living thing,” says Rauch. “You don’t have to understand them, just to feel that this creation, to the greatest possible extent, is at peace with itself.” Following the success with Belgian exhibitiongoers of the Luc Tuymans exhibition, BOZAR is keen to introduce them to this German artist, a kindred spirit with a highly individual visual idiom.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Après de grandes expositions solo au Metropolitan de New York, à la Pinacothèque de Munich et au Musée d'art de Leipzig, BOZAR EXPO organise la première exposition en Belgique consacrée à ce fameux pionnier de la Neue Leipziger Schule, très populaire sur la scène internationale. Neo Rauch (Leipzig, 1960) est connu pour ses tableaux énigmatiques et, en apparence, narrateurs. Ses personnages sont toujours vaguement occupés, ils semblent hors contexte. Neo Rauch a développé un style très personnel, qui mélange réalisme, abstraction teintée de surréalisme et influences du pop art et de la B.D. Des souvenirs de la RDA semblent peupler ses compositions oniriques. « Mes tableaux ont quelque-chose de vital, comme un animal, un être vivant », explique Rauch. « Il n'y a pas besoin de les comprendre, il faut seulement sentir que cette créature est, au plus haut degré possible, en paix avec elle-même. » Après le succès de l’exposition sur Luc Tuymans, BOZAR souhaite désormais faire découvrir au public belge un artiste allemand similaire, qui utilise un langage visuel très personnel.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Na grote solotentoonstellingen in het Metropolitan in New York, de Pinakothek in München en het kunstmuseum in Leipzig organiseert BOZAR EXPO de eerste expositie in België van deze belangrijke voortrekker van de Neue Leipziger Schule met een brede internationale populariteit. Neo Rauch (Leipzig, 1960) staat bekend om zijn raadselachtige, ogenschijnlijk verhalende schilderijen. Mensen zijn met iets onbestemds in de weer, ze lijken niet helemaal te passen in de omgeving. Rauch ontwikkelde een hoogstpersoonlijke stijl, een mix van realisme, surrealistisch aandoende abstractie en invloeden uit popart en strips. Herinneringen aan de DDR lijken de droomachtige composities te bevolken. “Mijn schilderijen hebben iets vitaals, als een dier, een levend ding”, zegt Rauch. “Je hoeft ze niet te begrijpen, alleen te voelen dat dit schepsel, in de hoogst mogelijke graad, vrede heeft met zichzelf.”. Na het publiekssucces van de Luc Tuymans-tentoonstelling, wil BOZAR het Belgische publiek nu kennis laten maken met deze Duitse gelijkgestemde artiest die gebruik maakt van een heel persoonlijke beeldentaal.</span></p> Wed, 13 Feb 2013 14:36:55 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Thomas Bayrle - WIELS - February 20th, 2013 7:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Talk-guided tour of Thomas Bayrle's exhibition <em>All-in-One</em> by Devrim Bayar, curator of the exhibition. 20.02.2013, 7pm</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In French </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Visite guidée de l'exposition<em> All-in-One </em>de Thomas Bayrle par Devrim Bayar, curatrice de l'exposition.</span></p> <p style="text-align: justify;"></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Rondleiding van de tentoonstelling <em>All-in-One</em> van Thomas Bayrle door Devrim Bayar, curator van de tentoonstelling</span></p> Wed, 06 Feb 2013 18:43:21 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - Bodson Gallery - February 21st, 2013 6:00 PM - 9:00 PM Sat, 12 Jan 2013 15:10:47 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Zachary Formwalt - D+T PROJECT Gallery - February 21st, 2013 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>Zachary Formwalt</b> employs photography and film to investigate economic and social history. While his works cast light on historical events, they are at the same time an inquiry into the quality and origins of still and moving images. A recurrent concern in Formwalt’s work is that material outcomes of economic and social processes, such as architectural constructions, can be captured and visualized, while the economic processes underlying these outcomes remain elusive.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The video work <b><i>unsupported transit </i></b>is set on a construction site in Shenzhen, the first of China’s Special Economic Zones, where a new stock exchange designed by Rem Koolhaas’s Office for Metropolitan Architecture (OMA) is now being built. On this site, a story is told that begins with Eadweard Muybridge’s (1830-1904) early sequential photographs and a commissioned work he carried out for Leland Stanford (1824-1893) before the famous horse pictures were produced. The mechanism by which the images in the film were produced becomes clearer as the story moves on to a description of time-lapse photography and what Karl Marx described as the “abbreviated form of capital” – a form that makes capital appear to move of its own accord.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="text-decoration: underline; font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><small></small></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span style="text-decoration: underline;"></span> <span style="text-decoration: underline;"></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small; font-family: arial, helvetica, sans-serif;"><small></small></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>Zachary Formwalt</b> (1979, Georgia, USA) studied at the School of the Art Institute of Chicago and at Northwestern University, Evanston, Illinois. In 2008 and 2009 he was a resident at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. He has had solo exhibitions at Kunsthalle, Basel (2009) and ar/ge kunst Galerie Museum, Bolzano (2011) He has participated in group exhibitions such as<i>Monumentalism</i> at Stedelijk Museum, Amsterdam (2010), <i>The End of Money</i> at Witte de With, Rotterdam (2011) and <i>Homo Economicus</i> at Cabinet Gallery, London (2012).</span></p> <p></p> Thu, 21 Feb 2013 09:08:14 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list