ArtSlant - Current exhibits http://www.artslant.com/brx/Events/show en-us 40 Group Show - AEROPLASTICS Contemporary - September 8th, 2012 - October 27th, 2012 <p><strong>Opening-preview during Brussels Art Days</strong><br /><strong>opening Friday Sept 7th / 18 - 22h</strong></p> <p><strong>Saturday 8th and Sunday 9th / 12 - 19h </strong><br /><strong>exhibition until Oct 27</strong></p> <p> </p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The first individual exhibition of <strong>Léopold Rabus</strong> at the Aeroplastics gallery is cast under the double spell of proximity and light-and-shade. The interest of the artist for his immediate environment, the evocation of the countryside on the edges Lake Neufchâtel and the small town of Cortaillod where he resides, the choice of portraying those closest to him – these characteristic traits are already present in his earlier work. But his hallucinated visions of deformed figures, at once grotesque and unsettling, have evolved towards less tormented compositions, though still imprinted with the same strangeness. This evolution has been accompanied by new work very much concerned with light: raw and uniform lighting has made way for plays of shadow and more nuanced tones. This change had already been signalled in works from 2009 like <em>Personnages derrière une serre </em>(Figures Behind a Greenhouse) or<em>Grand-mère plantant un clou </em>(Grandmother Hammering a Nail), and expresses itself fully today. Léopold Rabus also continues working in very large formats, something that often leads him to divide the composition into two canvases placed side-by-side (the diptych format often had as purpose to punctuate the narrative; here it serves to unify it). <em>Le colmatage d’un seuil</em> (Plugging a Threshold), from 2011, the painting that first greets visitors to the exhibition, itself assembles all of these elements. The subject is directly linked to the pastoral life (the repair of a small dyke at the river’s edge), and the protagonists are acquaintances of the artist. The dramatic light confers this banal scene with a quasi-Biblical air, a process directly inspired by Caravaggio. This homage to the master of <em>chiaroscuro</em> couples with another reference, perhaps unwittingly, to Gustave Courbet: the father of Realism created a scandal by using for his <em>Enterrement à Ornans</em> (A Burial at Ornans) the giant scale usually reserved for the “noble” genre of History painting…</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The matter of cemeteries is also broached in the 2012 work <em>Dépôt de gerbe</em> (Wreath Laying), a painting that brings two distinct scenes together: farm buildings and grain silo, and an elderly woman placing flowers at a tombsite. This last image served as point of departure for the painter (future restorers will perhaps discover, under the pictorial layer, the representation of a cemetery in the Swiss countryside), who then transposes this to his familiar environs. The result is not a simple addition, the protagonist keeping an autonomous form. The term “fusion” is perhaps that which best describes this method, and is something we again encounter in<em>Troupeau de vaches</em> (Cow Herd) – <em>a priori</em> a simple rural scene, but nonetheless resists submitting to any too-rapid reading. The patch of orange-red that attracts one’s attention is described by the artist as the ear of a herdsman close to a fire, and so one understands that two worlds are in permanent co-existence in the painting of Léopold Rabus, like in a waking dream. As for<em>L’homme plantant une arbre</em> (Man Planting a Tree) from 2011, the only truly diurnal composition, it is dominated by a strange, seemingly illogical construction of “branches”, but which trace upon the sky blue a network of funerary crosses no doubt in reference to the figure recumbent on the ground.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The 2012 work, </span><em style="font-size: small;">Moineaux se disputant du pain dans un poulailler</em><span style="font-size: small;"> (Sparrows Fighting over Bread in a Chicken Coop) adopts the monumental format of </span><em style="font-size: small;">Colmatage d’un seuil</em><span style="font-size: small;">. Aside from being work of a similar nature on Light, it illustrates the quite particular way that Léopold Rabus envisions the rendering of movement: the birds seem suspended in both time and space, as though it has to do with the sequential decomposition of the flight of a single sparrow. The painter introduces a shift of the same sort, and extremely subtly so, in the portraits of his “birds of cage and aviary” (the title of the work from which they are drawn – one may ask oneself, along with the artist, what distinguishes the one from the other). It is only the attentive observer who will note the presence of a double-pupil in the eye of a parrot or a parakeet, in the manner of a photograph of a bird in motion suffering from a too-short pause. The painted works of Léopold Rabus are never really as they seem.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">PY Desaive</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De eerste individuele tentoo</span><span style="font-size: small;">nstelling van<strong> Léopold Rabus</strong> in galerie Aeroplastics staat zowel in het teken van nabijheid als van clair-obscur. De interesse van de kunstenaar voor zijn directe omgeving, de evocatie van het platteland op de oevers van het Meer van Neufchâtel en het stadje Cortaillod waar hij woont, het portretteren van de mensen rondom hem, deze typische kenmerken waren al in zijn vroegere werk terug te vinden. Maar zijn hallucinante visioenen van tegelijk groteske en verontrustende vervormde personages evolueerden naar minder getormenteerde, hoewel nog altijd bevreemdende composities. Deze evolutie ging gepaard met een nieuwe interesse voor het licht: de harde en uniforme belichting heeft plaats gemaakt voor een spel van schaduwen en meer genuanceerde tinten.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Deze verandering kondigde zich al aan in werken van 2009 – zoals Personnages derrière une serre [Personages achter een serre] of Grand-mère plantant un clou [Grootmoeder slaat een spijker in] – en heeft zich thans volop doorgezet. Léopold Rabus kiest ook verder voor heel grote formaten, wat hem er geregeld toe brengt om de compositie over twee naast elkaar geplaatste doeken te verdelen (het diptiekformaat wordt vaak gebruikt om een verhaal te fraseren; bij Rabus dient het om te verenigen). Le colmatage d'un seuil [Het dichten van een bres] (2011), het werk waarmee de tentoonstelling opent, bevat al deze elementen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het thema houdt direct verband met het plattelandsleven (de reparatie van een muurtje op de oever van een rivier), en de protagonisten zijn kennissen van de kunstenaar. Het dramatische licht geeft de banale scène een bijna Bijbelse uitstraling, een procedé dat rechtstreeks aan Caravaggio is ontleend. Deze hommage aan de meester van het chiaroscuro wordt gekoppeld aan een, misschien onbewuste, referentie aan Gustave Courbet – de vader van het realisme die schandaal maakte door voor zijn Begrafenis in Ornans afmetingen te gebruiken die waren gereserveerd voor het 'edele' genre van de historieschilderkunst …</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Over een kerkhof gaat het in Dépôt de gerbe [Neerlegging van een bos bloemen] (2012), een schilderij waarin twee afzonderlijke scènes samenkomen: de gebouwen van een boerderij en een graansilo, en een oude vrouw die bloemen legt op een graf. Dit laatste beeld was het uitgangspunt van de schilder (toekomstige restaurateurs zullen misschien onder de picturale laag de voorstelling vinden van een kerkhof op het Zwitserse platteland), dat hij heeft getransponeerd naar zijn vertrouwde omgeving. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Het resultaat is niet zomaar een eenvoudige optelling, het personage behoudt een vorm van autonomie. Dit procédé is wellicht het beste te omschrijven met het begrip fusie. Het is ook terug te vinden in Troupeau de vaches [Kudde koeien] – een eenvoudig plattelandstafereel bij uitstek, dat zich echter verzet tegen een al te snelle lezing. De oranjerode vlek die de aandacht trekt, wordt door de kunstenaar beschreven als het oor van een herder die vlak bij het vuur zit.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En dan begrijpen we dat in de schilderkunst van Léopold Rabus constant twee werelden samen bestaan, als in een wakende droom. L'homme plantant un arbre [Man die een boom plant] (2011), de enige compositie die echt overdag is gesitueerd, wordt dan weer gedomineerd door een vreemde takkenstructuur die aan geen enkele logica lijkt te beantwoorden, maar tegen de blauwe hemel een netwerk van doodskruisen tekent die wellicht betrekking hebben op het op de grond liggende personage.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Moineaux se disputant du pain dans un poulailler [Mussen vechten om een stuk brood in een kippenhok] (2012) heeft hetzelfde monumentale formaat als Colmatage d'un seuil [Het dichten van een bres]. Naast een gelijkaardige lichtbehandeling illustreert het de manier waarop Léopold Rabus beweging wil weergeven: de vogels lijken stil te hangen in tijd en ruimte, alsof het een decompositie in sequenties is van de vlucht van één enkele vogel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In de portretten van zijn 'oiseaux de cage et de volière' [kooi- en volièrevogels] (de titel van het boek waaraan ze zijn ontleend – we zouden ons samen met de kunstenaar kunnen afvragen wat het onderscheid is tussen beide), introduceert de schilder een gelijkaardige verschuiving. Alleen de oplettende kijker ziet een dubbele pupil van een parkiet of papegaai, weergegeven als een foto van een bewegende vogel met een te korte sluitertijd. De schilderkunst van Léopold Rabus is nooit echt wat ze lijkt te zijn.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">P-Y Desaive</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le premiere exposition perso</span><span style="font-size: small;">nnelle de <strong>Léopold Rabus</strong> à la galerie Aeroplastics est placée sous le double signe de la proximité et du clair-obscur. L'intérêt de l'artiste pour son environnement immédiat, l'évocation de la campagne des bords du lac de Neufchâtel et de la petite ville de Cortaillod où il réside, le choix de portraiturer ses proches, sont des traits caractéristiques déjà présents dans ses œuvres antérieures. Mais ses visions hallucinées de personnages déformés, grotesques et inquiétants à la fois, ont évolué vers des compositions moins tourmentées, quoique toujours empreintes de la même étrangeté.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Cette évolution s'est accompagnée d'un nouveau travail sur la lumière : l'éclairage cru et uniforme a fait place à des jeux d'ombres et à des teintes plus nuancées. Ce changement est déjà amorcé dans des œuvres de 2009 telles que Personnages derrière une serreou Grand-mère plantant un clou, et s'affirme pleinement aujourd'hui. Léopold Rabus poursuit également dans la voie des très grands formats, ce qui l'amène régulièrement à répartir la composition sur deux toiles mises côte à côte (le format du diptyque a souvent pour but de ponctuer la narration ; ici, il sert à l'unifier). Le colmatage d'un seuil (2011), œuvre qui accueille le visiteur dans l'exposition, rassemble à elle seule tous ces éléments.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le sujet est directement lié à la vie champêtre (la réparation d'un muret au bord d'une rivière), et les protagonistes sont des connaissances de l'artiste. La lumière dramatique confère à cette scène banale un côté quasi biblique, un procédé directement inspiré du Caravage. Cet hommage au maître du chiaroscurose double d'une référence, peut-être involontaire, à Gustave Courbet : le père du Réalisme créa le scandale en usant pour son Enterrement à Ornansdes dimensions réservées au genre « noble » de la peinture d'histoire…</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De cimetière il est justement question dans Dépôt de gerbe(2012), un tableau qui fait se rencontrer deux scènes distinctes : les bâtiments d'une ferme et un silo à grains, et une femme âgée déposant des fleurs sur une tombe. Cette dernière image consistait le sujet de départ du peintre (des restaurateurs du futur découvriront peut-être, sous la couche picturale, la représentation d'un cimetière dans la campagne suisse), qui l'a transposé dans son environnement familier. Le résultat n'est pas une simple addition, le personnage gardant une forme d'autonomie. Le terme de fusion est peut-être celui qui décrit le mieux ce procédé, et que l'on retrouve dans Troupeau de vaches– a priori une simple scène champêtre, mais pourtant rétive à toute lecture rapide. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La tache d'un rouge orangé qui retient l'attention est décrite par l'artiste comme l'oreille d'un berger à proximité d'un feu, et l'on comprend alors que deux mondes coexistent en permanence dans la peinture de Léopold Rabus, comme dans un rêve éveillé. Quant à L'homme plantant un arbre (2011), seule composition véritablement diurne, elle est dominée par une étrange structure de branchages qui ne semble répondre à aucune logique, mais trace sur le bleu du ciel un réseau de croix funèbres renvoyant au personnage couché sur le sol.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Moineaux se disputant du pain dans un poulailler (2012) adopte le format monumental du Colmatage d'un seuil. un travail similaire sur la lumière, il illustre la façon très particulière dont Léopold Rabus envisage le rendu du mouvement : les oiseaux semblent suspendus dans le temps et dans l'espace, comme s'il s'agissait de la décomposition en séquences du vol d'un moineau unique. Le peintre introduit un décalage du même type, de manière très subtile, dans les portraits de ses « oiseaux de cage et de volière » (le titre de l'ouvrage d'où ils sont tirés – l'on peut se demander, avec l'artiste, ce qui distingue les uns des autres) : seul l'observateur attentif percevra la présence d'une pupille double dans l'œil d'une perruche ou d'un perroquet, à la manière d'une photographie d'un oiseau en mouvement souffrant d'un temps de pause trop court. La peinture de Léopold Rabus n'est jamais vraiment ce qu'elle semble être.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">P-Y Desaive</span></p> Tue, 04 Sep 2012 11:58:44 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Gilbert & George - Albert Baronian - August 31st, 2012 - October 13th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Special opening during Brussels Art Days on September 7, 8 and 9</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Albert Baronian</strong> is pleased to announce the return of <strong>Gilbert &amp;</strong></span> <span style="font-size: small;"><strong>George</strong> in Brussels with the presentation of 13 unique pieces </span><span style="font-size: small;">from their last series<em><strong> London Pictures</strong></em>. </span></p> <p style="text-align: justify;"><br style="font-size: small;" /><strong><span style="font-size: small;">THE EXHIBITION</span></strong><br /><span style="font-size: small;">The series<em> London Pictures</em> - consisting of 292 new works -</span> <span style="font-size: small;">enables the city to speak for itself in the language of 3712 </span><span style="font-size: small;">newspaper posters, one by one stolen/retrieved by the artists</span> <span style="font-size: small;">themselves for more than 6 years, and then sorted and </span><span style="font-size: small;">classified by them according to subject. This method, in the </span><span style="font-size: small;">words of the artists, allows each picture to ‘decide itself’ –</span> <span style="font-size: small;">its subject, title and size determined and denoted </span><span style="font-size: small;">alphabetically and numerically by the findings of the </span><span style="font-size: small;">classification process. In this, Gilbert &amp; George have sought</span> <span style="font-size: small;">to eliminate the conscious act of ‘art-making’, asserting </span><span style="font-size: small;">instead the reality, as reported by the print news media of</span> <span style="font-size: small;">London, that lies at the heart of their subject: the routine </span><span style="font-size: small;">volatility of contemporary society. Behind each poster, </span><span style="font-size: small;">however blunt or abbreviated, lies the truth and inviolable</span> <span style="font-size: small;">realism of a human situation, its impact and consequences. It </span><span style="font-size: small;">is this truth that Gilbert &amp; George have described as the </span><span style="font-size: small;">‘moral dimension’ that they must identify within a subject</span> <span style="font-size: small;">before they can engage with it within their art. Brooding and </span><span style="font-size: small;">violent, at times absurd and at others disquieting, the<em> London Pictures</em> reveal what might be termed the nervous system</span> <span style="font-size: small;">of quotidian contemporary society: the impulses, outbursts, </span><span style="font-size: small;">sorrows, hopes, temper and desires of daily urban life. The </span><span style="font-size: small;">extraneous detail in these pictures is sparse and limited: the</span> <span style="font-size: small;">figures of Gilbert &amp; George, their expressions at once stern </span><span style="font-size: small;">or seemingly distracted; streets, net curtains, reflections in</span> <span style="font-size: small;">car windows. Within the townscape of this moral audit, the</span> <span style="font-size: small;">artists appear to pass like ghosts or seers, alternately </span><span style="font-size: small;">watchful and inert, as though their spirits were haunting the </span><span style="font-size: small;">very streets and buildings that these pictures describe. In</span> <span style="font-size: small;">this the artists have been inspired by their readings of Lord </span><span style="font-size: small;">Dowding’s published accounts, as delivered to him, he claimed, </span><span style="font-size: small;">by the ghosts of killed R.A.F. pilots, of an induction into</span> <span style="font-size: small;">the afterlife.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">Gilbert was born in the Dolomites, Italy in 1943; George was </span><span style="font-size: small;">born in Devon in 1942. They met in 1967 as students at the </span><span style="font-size: small;">Saint Martins School of Art in London.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The exhibition is accompanied by an amply illustrated </span><span style="font-size: small;">catalogue including a text written by Michael Bracewell, </span>novelist and cultural journalist.</p> Mon, 24 Sep 2012 22:11:28 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Group Show - Alice - September 7th, 2012 - October 26th, 2012 <p style="text-align: justify;">Artists of the last few generations have been brought up with digital images, fast sequences of computer- or television pictures and busy street traffic in the metropolis all over. They are inured to the possibilities of the internet and the overwhelming access to images and moving pictures. At the same time the longing for a life close to nature and greenery is striking the mind. All these experiences become obvious in some artistic practices and the gallery wants to show an array of different approaches to dealing with modern viewing habits in our domesticated environments.</p> <p style="text-align: justify;">The theme of a ‘domesticated or wild’ nature in our living environment responds to a need to get back in touch with ourselves, like a search of an equilibrium between mankind and society in our occidental cities.</p> <p style="text-align: justify;">But the subject of this exhibition is not meant to be illustrated by the artists, their work is a contemplative, and sometimes humoristic response to a feeling.</p> <p style="text-align: justify;">The selection of artists is not based on aesthetics only.  There is a will to bring them  together as they know each other personally or share friends.  This relative proximity explains certain correlations between the works.  Although from Denmark, Israel, Italy, USA, Belgium, Canada and France, they all seem to speak the same language.</p> <p style="text-align: justify;"><span style="text-decoration: underline;">Artists</span></p> <p style="text-align: justify;"><b>Clare Rojas (us) 1976</b>, The artist went from a folk narative world extremely detailed to an often abstract and very geometric work inspired by architecture.</p> <p style="text-align: justify;">In addition to painting, Clare Rojas also performs under the moniker Peggy Honeywell. A music project that deftly traverses the folk genre. Serene and contemplative, the Peggy Honeywell project is a further exploration of the narrative landscapes that inform and define her work.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Guy Yanai (il) 197</b>7: The artist works mainly with oil paint.  The geometric compositions of his paintings evolve the subject, starting with a feeling and little sparks on the canvas. The emotional impulse appears through a view on the street, a unusual combination of colors, a film, a plant or by internet images.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Francesco Deiana (it)</b> : He is first of all engaged with drawings on paper, but works with installations as well.  His geometric masks and figures consist of structured triangles, which are meticulously drawn by pen.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Pica Pica (be) 1978, 1979, 1980</b> : The installations or the paintings of the collective resemble a patchwork of raw materials and simple forms. One means of their works is the selected accumulation of these shapes, which arrouses a particular complexity.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Mike Swaney (ca) 1978</b>: The technique of collage dominates the work of this interdisciplinary artist. Usually he assembles drawn or painted elements with recycled paper.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Sophie d’Ansembourg (be) 1969</b>: Her oil paintings are figurative and matter of fact, sometimes inspired by observation, sometimes her mere imagination.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Maya Hayuk (us) 1970</b>: She is a versatile artist, who works on paper as well as on large-scale mural paintings. Her technique is based on the visible brushstrokes and the artworks bristle with colors in a psychedelic manner.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Samuel François (fr) 1977</b>: The sculptor interrogates innocuous objects or motives of cheap decorations with the means of sculpture and graphic artworks.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Paul Wackers (us) 1978</b>: His paintings combine abstract elements with figurative compositions of landscape or extinct nature.</p> <p style="text-align: justify;"><b>HuskMitNavn (dk) 1975</b>: The multidisciplinary artist draws his figures in a sketch style and casts them often into comic-absurd situations, which might remind the beholder of the humour of our daily routine.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Claire Decet (fr) 1978</b><b></b>: She works in a hyperrealistic manner on still lifes of nature, dead plants or industrial sceneries. Her drawings combine different animals, shapes or objects with a surrealistic sensibility.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Chris Duncan (us) 1974</b><b></b>: He articulates his pictorial language by the setting of points. The artist also realises installations with threads, which are stretched out in space.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Olivier Kosta-Théfaine (fr) 1972</b>: He mixes the bourgeois codes with these of the city, in order to get the shift of meaning across to a broader public. His graphical treetops consist of little burned points on the printpaper, maded by pyrogravure.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <table cellspacing="0" border="0" width="540" cellpadding="0"> <tbody> <tr> <td align="left" valign="top" width="540"> <div> <div><img src="http://alicebxl.com/uploads/pics/bad2012.jpg" border="0" height="96" alt="" width="540" /></div> </div> <div></div> </td> </tr> <tr> <td height="15" align="left" valign="top" width="540"> </td> </tr> </tbody> </table> <table cellspacing="0" border="0" width="540" cellpadding="0"> <tbody> <tr> <td align="left" valign="top" width="540"> <table cellspacing="0" border="0" width="540" cellpadding="0"> <tbody> <tr> <td align="left" valign="top"> <p>Is the fifth edition of Brussels gallery weekend, gathering together 37 contemporary art galleries from all around the city.<br /> After the great success of past few years, we are very pleased to announce Brussels Art Days 2012 edition which will be extented this time to a 3 day weekend.<br /> Looking forward to welcome you, we wish you a great journey.</p> </td> </tr> </tbody> </table> </td> </tr> </tbody> </table> <p style="text-align: justify;"><strong>Brussels Art days 2012</strong></p> <div class="date"><time datetime="2012-09-07"> </time></div> <div class="summary"> <div> <div> <p class="bodytext">Friday <b>September 7</b> from 4 to 9PM</p> </div> <div> <p class="bodytext">Saturday <b>September 8</b> from noon to 7PM</p> </div> <div> <p class="bodytext">Sunday <b>September 9</b> from noon to 7PM</p> </div> </div> </div> Wed, 26 Sep 2012 18:38:53 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Stéphane Calais - Aliceday - September 3rd, 2012 - October 27th, 2012 <p style="text-align: justify;">L'artiste français Stéphane Calais présente à la galerie aliceday une nouvelle exposition solo intitulée <em>Au Noir.</em><br /> <br /> Stéphane Calais s'est imposé sur la scène de l'art contemporain depuis une vingtaine d'années. Il développe une œuvre polymorphe, créant dessins, installations, objets ou peintures. Il s’est également investi dans des projets liés au design, au paysagisme et à la bande dessinée. En naviguant entre ces différents médiums, il questionne les notions de transmission à travers des thèmes comme la rupture, l'histoire, le destin ou encore le sens de l'existence.</p> <p style="text-align: justify;">Pour l’exposition <em>Au Noir,</em> deux nouvelles séries de peintures sont présentées dans les deux espaces de la galerie. Dans la vitrine et le couloir se trouve un ensemble de peintures très colorées et vives inspirées d’hortensias et de fleurs de solanum. Les fleurs sont un sujet plus que récurrent chez l'artiste, il y voit comme un minimum culturel, un sujet purement décoratif. Les fleurs le fascinent car elles se doivent d'être codées au mieux, c'est à dire plus au moins ressemblantes afin que l’inutilité du sujet n'apparaisse que plus clairement. La composition est également de la partie : c’est là que Stéphane Calais s'en donne à coeur joie.<br /> <br /> Dans l’espace principal, la seconde série des peintures est en noir et blanc et niveau de gris. Cette série abstraite est en résonance avec les lignes du mural qui émerge du fond du mur. Sorte d'écriture automatique, elle semble continuer les formes défaites de l'expressionnisme ou en tout cas les rejouer à la manière d’une peinture de « science fiction ».<br /> Face au mur des peintures, douze grandes sérigraphies sur feutre investissent l’espace. Les motifs sérigraphiés sur feutre sont réalisés à partir d’esquisses de dentelles. Sous presque tous les motifs, on retrouve une grille fine qui évoque les grilles des katagami (pochoirs japonais utilisés pour imprimer le tissu, des kimonos des femmes). On voit donc que les deux "motifs”, dentelles et katagami rentrent en résonance avec la technique propre à la sérigraphie. Le décoratif est en accord avec la technique qui le voit naître. Comme une tapisserie ou une grande couverture amérindienne ou un rya finlandais, le décor se fond dans l’objet utilitaire issu de cultures spécifiques.<br /> <br /> Autour des deux séries de peintures se trouve un ensemble de peintures murales : depuis 1994 cette technique est chère à Stéphane Calais. Ici l'artiste a choisi deux grands motifs de grilles qui viennent encadrer ou enserrer, comme un filet pourrait le faire, les peintures accrochées aux murs. Si la première série de peintures florales est entourée de lignes jaunes claires, la série des peintures abstraites est quant à elle cernée de noir, faisant ainsi écho aux grilles de katagami. Ces grandes peintures murales se placent au niveau de l'architecture mais tout en laissant entendre que tout ici est pris dans les grandes lignes d'une oeuvre en constante évolution, en vie en somme...<br />  </p> Sun, 09 Sep 2012 14:33:40 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Jean-Baptiste Maitre - anyspace - September 7th, 2012 - October 13th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>            Dans le Vêtement, Il y a une Poche</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans la Poche, un Carnet</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans le Carnet, une Lettre</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Et Voici cette Lettre:</em>                                                                           </span><br /><span style="font-size: small;">            </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> The <strong>Anyspace Gallery</strong> is pleased to present this first exhibition in Belgium by<strong> Jean-Baptiste Maitre</strong>. The title of the exhibition was borrowed from a book by Conan Doyle. When read, this sentence generates a mental motion similar to a camera travelling. It jumps into a garments pocket to reveal a hidden notebook with a letter inside. This work is directly linked to the recent works of the artist which deals with the mental construction of images, notably those representing artworks, their representation through media and their presence within the gallery exhibition space.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> It is of common knowledge that a large number of artworks deal with representation process: photographs, films, documentaries, texts or even simple conversations which describes and builds the mental image we can get from all sorts of shapes and volumes produced by artists. This process transforms the exhibition space within the viewer's mind - directly opposed to the exhibition space.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> Poster of the film 'Deep Throat' (1972) introduces the show. It deals with the notion of space by being retouched and stuck onto the window of the gallery. <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Expanded</span></em> is composed of an original poster cut into 25 equal parts. When exhibited, they are meant to be spread all over, thus covering the entire surface. If the exhibition surface is smaller than the poster itself, the different parts are superposed, contracting the image (which becomes <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Contracted</span></em>).</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> In the series of drawings: <em><span style="text-decoration: underline;">Various combinations of camera movements using dolly tracks following parts of Sol LeWitt wall drawing #138: “Circles and Arcs from the midpoints of four sides, July 1972</span></em>, the artist presents various plans through different camera's motions inspired by a drawing by Sol LeWitt virtually presented on the floor. The plans suggest using the drawing's structure by Sol LeWitt as a guideline through various video sequences which clearly show the exhibition options within the gallery space.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">The series <em><span style="text-decoration: underline;">Brush strokes magazine</span></em> point out various views of the exhibitions printed and organized in order to respect the shape and the layout of art magazines. A flat brushstroke creates a clear contrast with the perspective of the exhibition space presented within the image.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> The exhibition also refers to the way the artworks are mounted, communicated through the image, animated or not, and the way this specific presentation changes the works and the ideas they generate. The video <em><span style="text-decoration: underline;">Fitting frames</span></em> is an excerpt from a documentary made in 1965 by Mike Wallace on the occasion of the exhibition 'The responsive eye' at the MoMA (NYC). The sequence used shows an artist (Richard Anuszkiewicz) making an abstract geometric painting within two minutes time thanks to a technique of his own. The sequence was re-edited and the images of the film reorganized so that every stage of the painting are synchronized, placed on the same level of time. The process of the making of the painting is visible but its logic is the one of the video medium, transforming the description of the pictorial process used by the painter.  </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>            Dans le Vêtement, Il y a une Poche</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans la Poche, un Carnet</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans le Carnet, une Lettre</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Et Voici cette Lettre:</em>                                                                           </span><br /><span style="font-size: small;">            </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">La<strong> Galerie Anyspace</strong> est heureuse de proposer cette première exposition en Belgique de l'artiste<strong> Jean-Baptiste Maitre</strong>. Le titre de l'exposition est tiré d'un livre de Conan Doyle. Lorsque cette phrase est lue, il se crée un travelling mental plongeant de l'image d'un vêtement vers sa poche découvrant un carnet dans lequel se trouve une lettre. Évoluant autour de ce mouvement suggéré, JBM propose plusieurs œuvres récentes traitant de la construction mentale des images, notamment celles représentant des œuvres d'art, leur représentation "médiatique", et leur véritable espace d'exposition (la galerie).</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> Nombre d'œuvres que nous connaissons le sont par le biais de représentations: photographies, films documentaires, textes ou même simples conversations qui décrivent et construisent l'image mentale que nous avons de certaines formes en volume produites par des artistes. L'espace de leur exposition devient alors celui de notre imagination opposé à l'espace réel de la galerie.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> En guise d'introduction à l'exposition, l'affiche du film 'Deep Throat' (1972), qui d'une certaine manière traite de la notion d'espace, est retravaillée dans sa structure et placardée sur la vitrine de la galerie. <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Expanded</span></em> est constitué de l'affiche originale découpée en 25 parties égales. Chaque élément est réparti de manière à couvrir la totalité de la surface sur laquelle elle est montée, quelle qu'elle soit. Si la surface d'exposition est plus petite que l'affiche elle-même, les différentes parties se superposent, contractant l'image (devenant <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Contracted</span></em>). </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Dans la série de dessins: <em><span style="text-decoration: underline;">Various combinations of camera movements using dolly tracks following parts of Sol LeWitt wall drawing #138: 'Circles and Arcs from the midpoints of four sides', july 1972</span>,</em> l'artiste propose le plan de plusieurs mouvements de caméra possibles dans l'espace de la galerie, à partir d'un dessin de Sol LeWitt appliqué virtuellement au sol. Ces plans proposent d'employer la structure du dessin de Sol LeWitt comme un guide pour de possibles séquences vidéo évoluant dans l'espace de la galerie et montrant ce qui pourrait y être exposé.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> La série <em><span style="text-decoration: underline;">Brush strokes magazine</span></em> présente différentes vues d'expositions imprimées et agencées afin de respecter l'apparence et la mise en page de magazines d'art. Un coup de pinceau a été appliqué avant que l'encre d'impression ne soit sèche à l'emplacement de chaque œuvre montrée dans chaque image. Le coup de pinceau plat s'oppose à la perspective de l'espace d'exposition représenté dans l'image.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">L'exposition traite également de la façon dont les œuvres d'artistes sont montrées, communiquées au travers des images, animées ou non, et comment cette présentation spécifique change les œuvres et les idées qu'elles véhiculent. La vidéo <em><span style="text-decoration: underline;">Fitting frames</span></em> est extraite d'un documentaire de 1965 par Mike Wallace réalisé à l'occasion de l'exposition 'The responsive eye' au MoMA de NY. La séquence utilisée montre un artiste (Richard Anuszkiewicz) réalisant une toile géométrique abstraite en l'espace de deux minutes grâce à une technique de son invention. La séquence a été remontée, les images du film ré-ordonnées afin de mettre sur le même plan temporel chaque étape de la réalisation de la peinture. Le déroulé de la réalisation de la peinture est visible mais sa logique est celle du médium vidéo, transformant la description du procédé pictural utilisé par le peintre.</span></p> Mon, 24 Sep 2012 09:58:54 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Pieter Vermeersch - Appartement Elisa Platteau - September 7th, 2012 - November 3rd, 2012 <blockquote> <p style="text-align: justify;">“My eagerness to join you was justified, as was my impatience, so firstly, thank you for your<br /> hospitality... After the other guests had gone, I was silent in your company... At first we treated one another as strangers, formally and with caution, later becoming accustomed... We talked, drank and often laughed... the time spent with you was carefree and relaxed.</p> <p style="text-align: justify;">We talked of many things, found a pace that was mutual... and, of course, avoided accountability"</p> <p style="text-align: justify;">Marc Camille Chaimowicz - Cafe do Reve</p> </blockquote> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">A modernistic apartment on the 10th floor, uptown downtown, a temporary endeavour.</p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Things accumulate; it is as if each temporary encounter leaves traces forever, un-erasable, as layers</span> <span style="font-size: small;">of wallpaper layering one over the other. Foreground becomes background. That what mattered, is</span> <span style="font-size: small;">at most a frame for what matters now...perpetually. Many small things in the apartment, details of</span> <span style="font-size: small;">the rooms, are choices; the lamps are, the door handles are, the artworks are, ultimately they all</span> <span style="font-size: small;">become background, they become the apartment themselves. The relationship with the work, with the</span> <span style="font-size: small;">accumulated work, with the short history of the place only intensifies. The skyline of Brussels is always</span> <span style="font-size: small;">there, but not as a protagonist, one can ignore or embrace it.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Do the works hang there to please you; to remind you? Perhaps. Is there certain lightness in the air?</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Perhaps. "... Melancholy and the graciousness of a lost age...“ Perhaps - but also not.</span><br /><span style="font-size: small;"> The apartment belongs to somebody; the environment is personal. Even if one can trace specific</span> <span style="font-size: small;">choices, the personal remains - it is still a home.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> The apartment of Elisa Platteau is an intimate place were one can see onl a few things at the time.</span> <span style="font-size: small;">Too much might offend, might impose; never too much, always moderated: elegance is perhaps the</span> <span style="font-size: small;">main asset... The space is framed; it is two spaces, two rooms, two doors, two windows, two (and</span> <span style="font-size: small;">one) terrace - one simple relationship; on environment where one is either with many, or with two, or</span> <span style="font-size: small;">alone.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> Kersten Geers</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> Appartement Elisa Platteau will host exhibitions for one year. Guests will be invited to visit the </span><span style="font-size: small;">apartment and see works in an intimate setting. Over time, new works will be added to form an</span> <span style="font-size: small;">overlapping exhibition-construct.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> Appartement Elisa Platteau’s first exhibition will show an in-situ painting of Pieter Vermeersch and</span> <span style="font-size: small;">inaugurates together with his solo show at <a href="http://www.artslant.com/brx/venues/show/23862-elisa-platteau-cie-galerie">Elisa Platteau &amp; Cie Galerie</a> on Friday 7th of September</span> <span style="font-size: small;">2012.</span></p> Tue, 06 Nov 2012 09:22:24 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list James Benning - Argos Centre for Art and Media - September 30th, 2012 - December 16th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>James Benning</strong> (1942) is one of the pioneers of independent film in the USA. His rigorous structures and tightly composed images betray his mathematical background, whereas the often autobiographical subjects reflect his working-class roots and outspoken political activism. Benning elaborates on elements from structural film, but at the same time he is perceived as a protagonist of the <em>new narrative</em> movement during the 1980s. After nearly four decades of 16mm work, digital high-definition has allowed him to become even more autonomous than before, while also increasing his productivity: his recent <em>HD films</em> confirm his classical themes as in <em>Ruhr</em> (2009) or <em>small roads</em> (2011), but they also give way to new aesthetics like the portraiture in <em>Twenty Cigarettes</em> (2011) or the remake in <em>Faces</em> (2011).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For his first solo exhibition in Belgium, James Benning presents a six channels video installation which is the third version of his 1977 seminal film: <em>One Way Boogie Woogie 2012</em> consists of eighteen long static shots with location recordings plus a Leonard Cohen song. If Mondrian’s abstract painting <em>Broadway Boogie Woogie</em> (1942-43) was a celebration of Manhattan’s dynamism, Benning offers a portrait of another America. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In 1977 he filmed 60 locations - each for 60 seconds - in Milwaukee’s industrial valley. His experiment documented the traces of decay of the metropolitan landscape and offered a meditation on destruction and progress. Then Benning remade a new film with the same 60 camera positions, along with the same Bolex 16mm camera and Nagra tape recorder: the result was called <em>Twenty Seven Years Later</em> (2004) and it is a genuine exploration of how memory functions and how much the entire area has been affected by industrialism.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> Last year Benning returned for the third time, but he only found ten locations that remained similar to 1977, so he integrated eight new places which are reminiscent of the originals. This time-travel confrontation represents Milwaukee as a physical place, revealing the landscape in beautiful detail, and commenting on the process of industrial, political and economic change in urban America over a thirty-four year period.</span></p> <p></p> Mon, 01 Oct 2012 09:46:25 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Wolf Vostell - Argos Centre for Art and Media - September 30th, 2012 - December 16th, 2012 <p style="text-align: justify;">Argos is pleased to announce that this autumn it will present a special series of videos by Wolf Vostell, one of the founders of the Fluxus movement in Germany. In the 1950s and 60s Vostell became famous for happenings that involved cars, radios, television sets and trains. On one occasion he famously staged a collision between a train and a car; another happening involved dropping a jukebox from a huge crane.</p> <p style="text-align: justify;">Vostell was one of the first artists who worked with television and he was a pioneer with video. His relationship to the media fundamentally had a higher, political meaning. To refer to it, Vostell used the term dé-coll/age, which also relates to the turbulent sixties, in which life was often experienced as “aggressive” and “destructive”. At the exhibition his seven dé-coll/age films can be viewed, which the artist made between 1963 and 1971. The Vietnam war, the persecution of the Jews,... For Vostell, violence represented an allegory of reality around him. Everyday reality was also a form of art for him, with the “acts of violence” that were committed during the protests of May 1968 being the “climax” of their merging. </p> <p style="text-align: justify;">Apart from the dé-coll/age films from the 1960s, Argos also presents videos from a series of Fluxus happenings and from one of the last and most famous of the Fluxus concerts by Vostell, namely in Madrid, 1986. Furthermore there are the videos of performances and installations in public spaces, which were filmed by Vostell in his characteristic style. </p> <p style="text-align: justify;">The exhibition presents a representative overview of all the video work Vostell produced during his career. All videos are part of a series Argos has recently acquired for its collection. From the works screened at the exhibition, it will be obvious that Vostell was a versatile innovator, who in a true avant-garde spirit and through his critical and dynamic attitude tried to free art from the bourgeois-institutional yoke—but apart from that, he was also a film and video pioneer who profoundly influenced later generations. </p> <p style="text-align: justify;">On the occasion of this exhibition, Argos publishes a wide-ranging essay about the videos, authored by Berta Sichel. (Rolf Quaghebeur)</p> Fri, 28 Sep 2012 10:05:20 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Group Show - Argos Centre for Art and Media - September 30th, 2012 - December 16th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Revue OU – Cinquième Saison is undoubtedly the most interesting group of sound works in the Argos collection. This magazine, founded by Raymond Syte in 1958, was originally called Cinquième Saison – Revue de poésie évolutive; a rather unconventional periodical that concentrated on ‘new’ poetry or – in its own words – La Poésie Jazzante. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">After two editions, the French thinker, writer, poet, composer and musician Henri Chopin (1922-2008) took over from Syte. He saw to it that from number 20 (which appeared in spring 1964) to number 44 (1974) this magazine excelled: in addition to writings printed in the unconventional magazine format of 27 cm square, the publication was accompanied by limited edition 7 and 10 inch vinyl records. The Revue OU also contained graphic scores and artist’s contributions – often collage art or works of a very varied nature on paper. In this way Revue OU (Chopin only retained the subtitle Cinquième saison out of respect for his predecessor) developed into a haven for the avant-garde of sound and literature of the time, though it did not forget their predecessors (the sound work goes back to 1918). </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Up to 2002 collectors were offering astronomical sums for the original magazines and Revue OU was in danger of fading into oblivion. But in that year Emanuele Carcano published a new selection that covered the years 1964-1974 through his Alga Marghen label, thereby adding extra archive material that provides even more contextual background for the project. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">The exhibition entitled Revue OU – Cinquième Saison: An Anthology of Sound Poetry brings together the complete digitised sound contributions made by François Dufrêne, Brion Gysin, Raoul Haussmann, Bernard Heidsieck, Arthur Rimbaud, William S. Burroughs and Paul De Vree. The visitor is invited to browse at will through these dozens of phonetic poems, pioneering pieces of musique concrète, bruitage collages and much more, all on four sets of headphones. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">The graphic contributions exhibited, by dozens of unconventional artists, writers and thinkers, including John Cage, Marcelle Cahn and Ben Vautier, not only emphasise the historical importance of the works – they truly break with tradition – but also enliven the fairly limited exhibition circuit: these inspired artists were not afraid to inject humour into their work. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Henri Chopin’s own work, iconoclastic and manifest, was of course well represented in Revue OU. Chopin used his own voice, which he was able to manipulate on early tape recorders by editing the tape itself. He was firmly convinced that sound is just as indebted to the oral tradition as to literature, and in his fragile compositions he sought a balance between chaos and order, always putting the accent on the sound itself. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">This now departed artistic jack-of-all-trades – Chopin was also a painter, printmaker, designer, typographer, independent publisher, film-maker, radio-maker and promotor of the arts in general – was able to make Revue OU into a catalogue of sounds that documented the main trends in avant-garde sound art after 1918. (Ive Stevenheydens) </span></p> <ul> <li><a href="http://www.argosarts.org/artist.jsp?artistid=02b844e17d7a4c429caf4af68ad15fa4"></a></li> </ul> Fri, 28 Sep 2012 10:08:15 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - June 22nd, 2012 - December 11th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The exhibition will be followed by <b><i>Focus on Cyprus</i></b>, several events that will illustrate Cypriot creativity. The public will, for example, be able to hear the music of the Lusignan court as performed by the Huelgas Ensemble (15.10.2012). </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>Artistic advisor for BOZAR: Franz Marijnen <br />Curator Living Arts: Androula Michaël</i></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Pour prolonger l’exposition, BOZAR propose un florilège d’événements témoignant de la créativité chypriote. Le public pourrait notamment écouter de la musique de la cour des Lusignan, interprétée par le <b>Huelgas Ensemble</b>, la célèbre chanteuse <b>Alexia Vassiliou, </b>accompagnée de <b>Costas Cacoyannis</b>, et l’auteur-compositeur-interprète <b>Alkinoos Ioannidis et Yiorgos Kaloudis,</b>. Venez également découvrir <b>Karaghiozis</b>, personnage du théâtre d’ombres, un spectacle de danse de <b>Lia Harak</b>i et l’univers du réalisateur <b>Yannis Economides</b>. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>Conseiller artistique BOZAR : Franz Marijnen <br />Curator Living Arts : Androula Michaël</i></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><em><span style="font-size: small;"></span></em></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>In het verlengde van de tentoonstelling Mapping Cyprus: Crusaders, Traders en Explorers, presenteert BOZAR in het najaar<b> Focus on Cyprus</b>, een reeks evenementen rond de bruisende creativiteit van het eiland. Op het programma veel muziek, onder meer een concert door het <b>Huelgas Ensemble</b> met werk van het hof van Lusignan, zangeres <b>Alexia Vassiliou</b> begeleid door <b>Costas Cacoyannis</b> en zanger-componist <b>Alkinoos Ioannidis</b> en <b>Yiorgos Kaloudis</b>. Maak ook kennis met het schimmenspel van <b>Karaghiozis</b>, een dansvoorstelling van <b>Lia Haraki</b> en filmmaker <b>Yannis Economides</b>. <br /><br /><i>Artistic Advisor BOZAR: Franz Marijnen <br />Curator Living Arts: Androula Michaël</i></i></span></p> <p></p> Sat, 14 Jul 2012 10:31:18 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - September 27th, 2012 - November 25th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">N|I|C|H|E is a selection of 20 promising young architectural practices, with 20 models of one of their first large-scale projects and 20 talks. Inaugurated in 2008, this series of micro-exhibitions and talks is coming to an end. BOZAR ARCHITECTURE and A+ are celebrating their four seasons by publishing a catalogue of the series and inviting the 20 practices to bring together, for one last time, the models of their achievements.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">N|I|C|H|E, ce sont 20 jeunes bureaux d’architecture prometteurs, 20 maquettes de l’un de leurs premiers projets d’envergure et 20 conférences. Lancée en 2008, cette série de micro-expositions et conférences prend fin. BOZAR ARCHITECTURE et A+ célèbrent ces quatre saisons en publiant le catalogue de ce tour d’horizon et en conviant les 20 bureaux d’architecture participant à rassembler, une dernière fois, les maquettes de leurs réalisations.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">N|I|C|H|E staat voor 20 jonge en veelbelovende architectenbureaus, 20 schaalmodellen van hun eerste omvangrijke project en 20 lezingen. De reeks microtentoonstellingen en lezingen ging in 2008 van start en loopt nu af. BOZAR ARCHITECTURE en A+ vieren de vier bewuste seizoenen met een overzichtscatalogus. Tegelijk tonen de 20 deelnemende bureaus een laatste maal hun schaalmodel. Panorama of Young Belgian Architecture.</span></p> Thu, 27 Sep 2012 06:58:09 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Charif Benhelima - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - October 4th, 2012 - January 20th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b>Charif Benhelima</b> (born in Brussels in 1967) is a Belgian artist with an international dimension. He is the son of a Moroccan father who moved to Belgium in the 1960s and a Belgian mother. The deportation of one parent and the early death of the other meant that Benhelima lost contact with both at an early age. He remained behind as a child in West Flanders, with a foreign name and many unanswered questions. This was the beginning of his<b> exploration of human relationships and living conditions in a multicultural society</b>. . With the help of Polaroid's shortcomings, an evocative <b>formal idiom has developed that allows the viewer considerable scope.</b> The viewer is denied the opportunity to interpret a picture unambiguously. He or she is at once attracted and repelled; things are shown and kept hidden, affirmed and called into question.<br /><br />The Centre for Fine Arts is presenting the <i>Charif Benhelima:</i> <i>Polaroids 1998 – 2012</i> exhibition in the Centre's intimate <i>Blanc &amp; Noir</i> spaces, in rooms that the architect Victor Horta had originally intended to be used for presenting photography. This <b>almost complete retrospective </b>of Benhelima's Polaroid work includes four series on which he has worked over longer periods: <b><i>Harlem on my Mind – I was, I am</i></b> (1999–2002), <b><i>Semites</i></b> (2003–2005), <b><i>Black Out</i></b> (2005 to today), and <b><i>Roots</i> </b>(2008 to today). Each series represents both a deepening of its predecessor's content and a reference to what preceded it. Some of the Polaroid images have been enlarged on Ilfochrome Diasec, thereby offering the visitor more insight into the artist's working methods.<br /><br />After the show at the Centre for Fine Arts in Brussels, the exhibition will travel to the <b>Niterói Contemporary Art Museum</b> (architect: Oscar Niemeyer) in Rio de Janeiro. This autumn, Charif Benhelima will also be presenting his work in the exhibition <b>Intranquillités </b>(06.10 &gt; 16.12.2012) at <b>B.P.S. 22 </b>in Hainaut, in the context of DABA Maroc, civil artistic season. This exhibition, under the impulse of Charles-Olivier Gohy, brings together the work of three artists with roots in the Moroccan diaspora. More info: <span style="text-decoration: underline;">http://bps22.hainaut.be</span></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Fils d'un père marocain émigré en Belgique dans les années soixante et d'une mère belge, <b>Charif Benhelima</b> (Bruxelles, 1967) est un artiste belge d'envergure internationale. À la suite de l'expulsion de l'un et du décès prématuré de l'autre, Charif Benhelima a vite perdu contact avec ses parents. L'enfant est resté seul en Flandre occidentale, avec un nom à consonance étrangère et beaucoup de questions sans réponses. Il s'est donc tout naturellement mis à <b>étudier les relations humaines et les conditions de vie dans les sociétés multiculturelles. </b>Il s'appuie sur les défauts du Polaroïd pour développer <b>un style</b> suggestif <b>qui laisse beaucoup de place à l'imagination du spectateur </b>et l'empêche d'interpréter une image de façon univoque. Le spectateur est à la fois attiré et repoussé, des éléments sont affichés et d'autres cachés, la photo affirme tout en laissant place au doute. <br /><br />Le Palais des Beaux-Arts présente l'exposition <i>Charif Benhelima: Polaroids 1998 – 2012</i> dans les salles <i>Blanc &amp; Noir</i> intimes du Palais des Beaux-Arts, que l'architecte Victor Horta avait initialement destinées à la présentation de photographies. Cet <b>aperçu assez complet</b> de l'œuvre de Benhelima sur polaroïds comprend quatre séries auxquelles l'artiste a travaillé pendant de longues périodes : <b><i>Harlem on my Mind</i></b> <b><i>- I was, I am </i></b>(1999 – 2002), <b><i>Semites</i></b> (2003 – 2005), <b><i>Black Out</i></b> (2005 - présent) et <b><i>Roots</i></b>  (2008 - présent). Chaque série approfondit la précédente tout en étant annonciatrice de la suivante. Quelques tirages Ilfochrome sous Diasec permettent aux visiteurs d'observer des polaroïds agrandis et de mieux comprendre le processus de travail du photographe.<br /><br />Après être passée par le Palais des Beaux-Arts, l’exposition voyagera jusqu’à Rio de Janeiro, où elle sera présentée au <b>Niterói Contemporary Art Museum </b>(architecte: Oscar Niemeyer).<b> </b>Le <b>B.P.S.22 </b>espace de création contemporaine de la Province de Hainaut, à Charleroi, présente aussi des œuvres de Charif Benhelima dans l’exposition <i>Intranquillités</i> (6.10 &gt; 16.12.2012), dans le cadre de la saison artistique et citoyenne DABA Maroc. Cette exposition regroupe, sur une idée originale de Charles-Olivier Gohy, les œuvres de trois artistes issus de la diaspora marocaine : Charif Benhelima, Mohamed El Baz et Mounir Fatmi. Plus d’info sur : <span style="text-decoration: underline;">http://bps22.hainaut.be</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="text-decoration: underline;"></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><b>Charif Benhelima</b> (Brussel,°1967) is een Belgische kunstenaar met internationale allure. Hij is de zoon van een in de jaren zestig in België geïmmigreerde Marokkaanse vader en een Belgische moeder. Door de uitwijzing van de ene en het vroegtijdig overlijden van de andere, verliest Benhelima zeer vroeg contact met beide. Hij blijft als kind achter in West Vlaanderen met een buitenlandse naam en vele onbeantwoorde vragen. Het is het begin van zijn <b>zoektocht naar de menselijke relaties en levensomstandigheden in een multiculturele samenleving</b>. Geholpen door de gebreken van Polaroid heeft zich een suggestieve <b>vormentaal ontwikkeld die veel ruimte laat aan de kijker.</b> Hij ontneemt hem de kans om een beeld éénduidig te interpreteren. De kijker wordt wordt tegelijk aangetrokken en afgestoten, er wordt getoond en verborgen gehouden, geaffirmeerd en betwijfeld. <br /><br />Het Paleis voor Schone Kunsten presenteert de tentoonstelling <i>Charif Benhelima:</i> <i>Polaroids 1998 – 2012</i> in de intieme <i>Blanc &amp; Noir</i> ruimten van het Paleis voor Schone Kunsten, zalen die de architect Victor Horta oorspronkelijk voor de presentatie van fotografie had bestemd. Dit <b>vrijwel volledig overzicht </b>op Benhelima’s Polaroid werk omvat 4 series waaraan gedurende langere perioden is gewerkt: <b><i>Harlem on my Mind - I was, I am</i></b> (1999 – 2002), <b><i>Semites</i></b> (2003 – 2005), <b><i>Black Out</i></b> (2005 heden) en <b><i>Roots</i>  </b>(2008 - heden). Elke serie is een inhoudelijke verdieping van de voorgaande én een verwijzing naar wat vooraf ging. Enkele Polaroidbeelden zijn uitvergroot op Ilfochrome-Diasec, zodat de bezoeker een beter inzicht krijgt in het werkproces van de kunstenaar. <br /><br />Van het Paleis voor Schone Kunsten in Brussel reist de tentoonstelling naar het <b>Niterói Contemporary Art Museum</b> (van Oscar Niemeyer) in Rio de Janeiro. <b>B.P.S.22</b>, ruimte voor hedendaagse creatie van de Provincie Henegouwen in Charleroi, verwelkomt dit najaar ook werk van Charif Benhelima in de groepstentoonstelling <b>Intranquillités</b> (06.10 &gt; 16.12.2012), in het kader van het seizoen rond kunst en burgerzin DABA Maroc. Deze tentoonstelling, een origineel idee van Charles-Olivier Gohy, brengt werk samen van drie kunstenaars afkomstig uit de Marokkaanse diaspora: Charif Benhelima, Mohamed El Baz en Mounir Fatmi. Meer info op: http://bps22.hainaut.be <span style="text-decoration: underline;"></span></p> Mon, 07 Jan 2013 09:01:04 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - CIVA - Centre International pour la ville, l'architecture et le paysage - May 15th, 2012 - February 24th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Exposition organisée par la Fondation pour l'Architecture.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Cette exposition, destinée aux enfants et à leurs familles, a pour but de sensibiliser un large public à l'architecture et à l'urbanisme bruxellois.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Au programme : une découverte interactive et pédagogique de la ville et de ses composantes : les commerces, les écoles, les logements, les lieux de loisirs, les bureaux, les parcs… réunis autour de quatre sections thématiques : « se loger », « apprendre », « s'amuser » et «travailler ».</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Une scénographie adaptée aux enfants leur permet de parcourir l'exposition de manière ludique. Une double lecture, avec plans, dessins, maquettes et photographies anciennes provenant des collections des Archives d' Architecture Moderne, et de collections publiques et privées, expose la ville aux enfants et aux adultes.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">À travers plusieurs jeux et à l'aide d'un livret pédagogique, les petits visiteurs prennent pleinement part à l'exposition.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Au centre de cette cité reconstituée, le « mini-museum » présente un focus sur une thématique ou une composante de la ville et de son patrimoine : l'urbanisme, le sgraffite, l'utopie de la ville, etc. autant de thèmes variés qui changeront périodiquement, comme dans un vrai musée.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La pièce centrale de l'exposition - un espace consacré à la maison avec une maquette géante - permettra à petits et grands d'apprendre et de découvrir les éléments extérieurs et intérieurs de nos habitations : lucarne, balustre, oeil de boeuf, etc. pour s'initier au vocabulaire de l'architecture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les styles architecturaux sont abordés à travers une section présentant des chaises de différentes époques. A l'aide de photographies de maisons, ils doivent retrouver à quelle époque elles appartiennent : éclectisme, Art déco, modernisme, etc. Une autre manière d'aborder l'architecture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">L'exposition se termine par une section sur les métiers et matériaux liés au patrimoine urbain. Des vidéos présentent le savoir-faire des artisans.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En plus d'une section permanente, La Cité des enfants accueillera régulièrement des expositions temporaires traitant des différents aspects de la vie en ville.</span></p> Mon, 18 Feb 2013 18:45:59 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - CIVA - Centre International pour la ville, l'architecture et le paysage - June 8th, 2012 - October 14th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dans le cadre de <span size="5">Brussels Design September 2012</span></span><br /><span style="font-size: small;">http://designseptember.be</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Cette exposition est produite et organisée par le CIVA, en collaboration avec Origin, Willy Van Der Meeren Archives, Urban Splash, HawkinsBrown, Studio Egret West, Grant Associates et Claire Curtice Publicist dans le cadre de Brussels Design September 2012.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Du 08 juin au 14 octobre 2012, le CIVA présente 1000 chambres avec vue.</span><br /><span style="font-size: small;">Le Futur des grands ensembles de logements, une exposition originale sur</span><br style="font-weight: bold;" /><span style="font-size: small;">les immeubles de logements sociaux. Au travers de maquettes, films, photos,</span><br style="font-weight: bold;" /><span style="font-size: small;">éléments de façades, rampes d'escaliers, portes d'origine, mobilier… L'exposition met en lumière la rénovation de grands ensembles des années 50-60, en</span><br /><span style="font-size: small;">tentant d'apporter une réponse aux questions suivantes :</span><br /><span style="font-size: small;">Comment vivait-on à l'époque et comment vit-on aujourd'hui ? Les besoins sont-ils les mêmes ? Qu'en est-il des conditions de sécurité et d'isolation ? Comment le « vivre ensemble » a-t-il évolué ? Pourquoi tel bâtiment est-il classé plutôt que tel autre ? Quelles sont les conséquences des différentes évolutions sociale, culturelle et économique sur le devenir et la rénovation de ces grands complexes ?</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Le CIVA a choisi d'aborder ces questions au travers de deux exemples emblématiques qui présentent de nombreux points communs.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">L'immeuble Ieder Zijn Huis (Evere, BE), dont le projet a été proposé dans un premier temps à Le Corbusier, est finalement confié par la société immobilière Ieder Zijn Huis à l'architecte et designer Willy Van Der Meeren. Il conçoit un immeuble de 105 appartements qui permet de loger 282 habitants et qui est inauguré en décembre 1960.</span><br /><span style="font-size: small;">Il y applique des principes de construction innovants à l'époque comme par exemple les pilotis et les éléments de façade en béton préfabriqué, il répartit les appartements selon le « plan libre » préconisé par les principes des CIAM et utilise différentes couleurs dans les espaces communs. Son plan prévoit que tous les trois étages, les escaliers mènent à une coursive intérieure à l'immeuble, sorte de « rue dans le ciel », qui parcourt toute la longueur du bâtiment.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Aujourd'hui, les techniques de construction utilisées par Willy Van Der Meeren,</span><br /><span style="font-size: small;">autrefois audacieuses, ne répondent plus aux normes actuelles en vigueur. Une</span><br /><span style="font-size: small;">rénovation  lourde à l'initiative du maître d'ouvrage Beliris a été confiée au bureau ORIGIN Architecture &amp; Engineering.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">L'ensemble de Park Hill (Sheffield, UK) est construit à la même époque par les</span><br style="font-weight: bold;" /><span style="font-size: small;">architectes Ivor Smith et Jack Lynn et inauguré officiellement en 1961. Avec ses</span><br /><span style="font-size: small;">995 appartements dans un domaine de 13 hectares, il constitue, dans la Grande-</span><br /><span style="font-size: small;">Bretagne de l'après-guerre, une des expériences les plus précoces et les plus ambitieuses de construction de logements sociaux de masse. Comme Ieder Zijn Huis, Park Hill a une structure en béton armé apparente, qui en fait un des plus anciens</span><br /><span style="font-size: small;">exemples du brutalisme anglais. En raison d'une série de facteurs socio-économiques,</span><br /><span style="font-size: small;">Park Hill se détériore à son tour : dès les années 1980, il n'est plus qu'un immeuble poubelle.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Park Hill est classé en 1998 après une étude thématique sur le logement social de</span><br /><span style="font-size: small;">l'après-guerre ce qui le place parmi les 7% d'immeubles classés les plus significatifs.</span><br /><span style="font-size: small;">On reconnaît ainsi sa valeur exceptionnelle.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">La réhabilitation de Park Hill est réalisée par l'agence HawkinsBrown et le Studio</span><br /><span style="font-size: small;">Egret West avec les designers paysagistes Grant Associates, en collaboration par</span><br /><span style="font-size: small;">Urban Splash, le Sheffield City Council, le Great Places Housing Group, l'English</span><br /><span style="font-size: small;">Heritage et la Homes and Communities Agency. Les travaux débutent en 2008 dans</span><br /><span style="font-size: small;">le but d'insuffler au complexe une nouvelle vie pour un nouvel âge.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Éditions CIVA : « Willy Van Der Meeren : Ieder Zijn Huis, passé et futur d'une unité d'habitation à Evere »</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Accompagnant l'exposition, une publication, « Willy Van Der Meeren : Ieder Zijn Huis, passé et futur d'une unité d'habitation à Evere » de 170 pages contenant plus de 200 illustrations est éditée en version française et en version néerlandaise.</span><br /><span style="font-size: small;">Elle est rédigée par les spécialistes du sujet, Mil De Kooning, professeur à l'UGent, Charlotte Nys, Barbara Pecheur et Jan de Moffarts du bureau ORIGIN Architecture &amp; Engineering.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Au travers de plans, de photographies anciennes, d'esquisses, ce livre présente le contexte sociologique, le concept architectural de Willy Van Der Meeren ainsi que</span><br /><span style="font-size: small;">toute la rénovation.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Il est disponible à la librairie du CIVA (30 €).</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In het kader van <span style="color: #ff6666;" size="5">Brussels Design September 2012</span></span><br /><span style="font-size: small;">http://designseptember.be</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Georganiseerd bij Het CIVA, met het samenwerking met Origin, Willy Van Der Meeren Archives, Urban Splash, HawkinsBrown, Studio Egret West, Grant Associates et Claire Curtice Publicist. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Van 8 juni tot 14 oktober 2012 presenteert het CIVA 1000 kamers met uitzicht.</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">De Toekomst van de grote woonensembles, een originele tentoonstelling over</span><br style="color: #ff6666; font-weight: bold;" /><span style="font-size: small;">sociale woningbouw. Aan de hand van maquettes, films, foto's, gevelelementen,</span><br style="color: #ff6666; font-weight: bold;" /><span style="font-size: small;">trapleuningen, deuren, meubilair en dergelijke meer richt het CIVA de schijnwerpers op de renovatie van grote woonensembles uit de jaren 1950-1960. Op de achtergrond spelen vragen als : </span><br /><span style="font-size: small;">hoe leefde men toen en hoe leeft men nu ? Zijn de behoeften nog dezelfde ? Hoe was en is het gesteld met veiligheid en isolatie ? Hoe is het samenleven geëvolueerd ? Waarom werd het ene gebouw wel en het andere niet op de monumentenlijst geplaatst ? Welke gevolgen hadden de sociale, culturele en economische ontwikkelingen voor de evolutie en de renovatie van deze grote complexen ? </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Antwoorden op deze vragen zoekt het CIVA via twee typevoorbeelden die veel met elkaar gemeen hebben.</span><br style="color: #ff6666;" /><br /><span style="font-size: small;">Voor het complex Ieder Zijn Huis (Evere, BE) werd aanvankelijk Le Corbusier gecontacteerd, maar de vastgoedmaatschappij Ieder Zijn Huis vertrouwde het project uiteindelijk toe aan architect en designer Willy Van Der Meeren. Die ontwierp een flatgebouw met 105 appartementen voor alles samen 282 bewoners. Het gebouw</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">werd ingehuldigd in december 1960. Een aantal elementen was in die tijd nieuw : het gebouw rust op pilotis en heeft een gevel uit elementen in geprefabriceerd</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">beton, de appartementen zijn verdeeld volgens het 'vrij plan' waarvoor de CIAM hadden gepleit, en voor de gemeenschappelijke ruimten worden verschillende kleuren gebruikt. Om de drie verdiepingen leiden de trappen naar een binnengalerij over de hele lengte van het gebouw, een 'straat-in-de-lucht'.</span><br style="color: #ff6666;" /><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">De bouwtechnieken die Van Der Meeren gebruikte mogen in zijn tijd dan al gedurfd</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">zijn geweest, nu beantwoorden ze niet meer aan de heersende normen.</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">De ingrijpende renovatie waarvoor bouwheer Beliris het initiatief nam, werd toevertrouwd aan het architecten- en ingenieurskantoor ORIGIN Architecture &amp; Engineering.</span><br style="color: #ff6666;" /><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">Het ensemble van Park Hill (Sheffield, UK) dateert uit dezelfde tijd (het werd ingehuldigd in 1961) en werd ontworpen door de architecten Ivor Smith en Jack</span><br style="font-weight: bold; color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">Lynn. Met zijn 995 appartementen in een domein van 13 hectare vormt het een</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">van de vroegste en meest ambitieuze projecten van sociale woningbouw in het</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">Groot-Brittannië van na de Tweede Wereldoorlog. Het heeft (net zoals Ieder Zijn</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">Huis) een zichtbare structuur in gewapend beton en is daarmee een van de oudste</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">voorbeelden van het brutalisme in Engeland. Door een reeks sociaal-economische</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">factoren raakte Park Hill snel verloederd : al in de jaren 1980 was het een plaats</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">waar mensen werden gedumpt.</span><br style="color: #ff6666;" /><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">In 1998 werd Park Hill na een thematische studie over naoorlogse sociale woningbouw</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">op de monumentenlijst geplaatst. Qua belangrijkheid behoort het tot de eerste 7% van de gebouwen op deze lijst. Daarmee is duidelijk gemaakt dat het een bijzonder waardevol complex is. De renovatie van Park Hill, begonnen in 2008 en bedoeld om het complex in deze nieuwe tijd een nieuw leven te geven, is het werk van HawkinsBrown Architects, Studio Egret West en de landschapsarchitecten van Grant Associates. Zij konden rekenen op de steun van Urban Splash, de gemeenteraad van Sheffield, de Great Places Housing Group, English Heritage en het Homes and Communities Agency.</span><br style="color: #ff6666;" /><br /><span style="font-size: small;">Uitgeverij CIVA : "Willy Van Der Meeren : Ieder Zijn Huis, verlenden en toekomst van een unité d'habitation in Evere"</span><br style="color: #ff6666;" /><br /><span style="font-size: small;">Bij de tentoonstelling hoort een boek van 170 pagina's met meer dan 200 illustraties :</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">' Willy Van Der Meeren : Ieder Zijn Huis, verlenden en toekomst van een unité d'habitation in Evere"</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">'. Via plannen, schetsen en oude foto's krijgt de lezer een beeld van de sociologische</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">context, het architecturale concept van Willy Van Der Meeren en de renovatie.</span><br style="color: #ff6666;" /><span style="font-size: small;">Het boek, waarvan ook een Franse versie verschijnt, werd samengesteld door specialisten ter zake : Mil De Kooning, gewoon hoogleraar van UGent, Charlotte Nys, Barbara Pecheur en Jan de Moffarts van ORIGIN Architecture &amp; Engineering, en is te verkrijgen in de boekhandel van het CIVA (30 €).</span></p> Mon, 10 Sep 2012 15:42:09 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list - CIVA - Centre International pour la ville, l'architecture et le paysage - October 3rd, 2012 - December 2nd, 2012 <p>ou comment la rénovation urbaine peut participer à l’image d’un quartier :<br />le contrat de quartier Navez-Portaels à Schaerbeek, 2009-2012<br /><br />of hoe stadsrenovatie meewerkt aan de imago van een wijk: het wijkcontract Navez-Portaels in Schaarbeek, 2009-2012<br /><br /><br />Accès libre / gratis toegankelijk<br />Mardi &gt; dimanche 10:30 &gt; 18:00<br />Mercredi 10:30 &gt; 21:00<br /><br />Dinsdag &gt; zondag 10:30 &gt; 18:00<br />Woensdag 10:30 &gt; 21:00<br /><br />Tram 81, 83, 94 (stop Lesbroussart)<br />Bus 38, 60, 59, 71</p> Mon, 24 Sep 2012 22:16:37 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list Manuel Caeiro - Crown Gallery - September 7th, 2012 - October 20th, 2012 Mon, 17 Sep 2012 13:07:16 +0000 http://www.artslant.com/brx/Events/list http://www.artslant.com/brx/Events/list