ArtSlant - Openings & events en-us 40 Gilbert & George - Albert Baronian - August 30th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Special opening during Brussels Art Days on September 7, 8 and 9</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Albert Baronian</strong> is pleased to announce the return of <strong>Gilbert &amp;</strong></span> <span style="font-size: small;"><strong>George</strong> in Brussels with the presentation of 13 unique pieces </span><span style="font-size: small;">from their last series<em><strong> London Pictures</strong></em>. </span></p> <p style="text-align: justify;"><br style="font-size: small;" /><strong><span style="font-size: small;">THE EXHIBITION</span></strong><br /><span style="font-size: small;">The series<em> London Pictures</em> - consisting of 292 new works -</span> <span style="font-size: small;">enables the city to speak for itself in the language of 3712 </span><span style="font-size: small;">newspaper posters, one by one stolen/retrieved by the artists</span> <span style="font-size: small;">themselves for more than 6 years, and then sorted and </span><span style="font-size: small;">classified by them according to subject. This method, in the </span><span style="font-size: small;">words of the artists, allows each picture to ‘decide itself’ –</span> <span style="font-size: small;">its subject, title and size determined and denoted </span><span style="font-size: small;">alphabetically and numerically by the findings of the </span><span style="font-size: small;">classification process. In this, Gilbert &amp; George have sought</span> <span style="font-size: small;">to eliminate the conscious act of ‘art-making’, asserting </span><span style="font-size: small;">instead the reality, as reported by the print news media of</span> <span style="font-size: small;">London, that lies at the heart of their subject: the routine </span><span style="font-size: small;">volatility of contemporary society. Behind each poster, </span><span style="font-size: small;">however blunt or abbreviated, lies the truth and inviolable</span> <span style="font-size: small;">realism of a human situation, its impact and consequences. It </span><span style="font-size: small;">is this truth that Gilbert &amp; George have described as the </span><span style="font-size: small;">‘moral dimension’ that they must identify within a subject</span> <span style="font-size: small;">before they can engage with it within their art. Brooding and </span><span style="font-size: small;">violent, at times absurd and at others disquieting, the<em> London Pictures</em> reveal what might be termed the nervous system</span> <span style="font-size: small;">of quotidian contemporary society: the impulses, outbursts, </span><span style="font-size: small;">sorrows, hopes, temper and desires of daily urban life. The </span><span style="font-size: small;">extraneous detail in these pictures is sparse and limited: the</span> <span style="font-size: small;">figures of Gilbert &amp; George, their expressions at once stern </span><span style="font-size: small;">or seemingly distracted; streets, net curtains, reflections in</span> <span style="font-size: small;">car windows. Within the townscape of this moral audit, the</span> <span style="font-size: small;">artists appear to pass like ghosts or seers, alternately </span><span style="font-size: small;">watchful and inert, as though their spirits were haunting the </span><span style="font-size: small;">very streets and buildings that these pictures describe. In</span> <span style="font-size: small;">this the artists have been inspired by their readings of Lord </span><span style="font-size: small;">Dowding’s published accounts, as delivered to him, he claimed, </span><span style="font-size: small;">by the ghosts of killed R.A.F. pilots, of an induction into</span> <span style="font-size: small;">the afterlife.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">Gilbert was born in the Dolomites, Italy in 1943; George was </span><span style="font-size: small;">born in Devon in 1942. They met in 1967 as students at the </span><span style="font-size: small;">Saint Martins School of Art in London.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The exhibition is accompanied by an amply illustrated </span><span style="font-size: small;">catalogue including a text written by Michael Bracewell, </span>novelist and cultural journalist.</p> Mon, 24 Sep 2012 22:11:29 +0000 Marjolijn Dijkman - Levy.Delval - August 31st, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>FRIDAY AUGUST 31 AT 6PM</strong></span><br /><span style="font-size: small;"><strong>with <br />Tobias Arndt (collector)<br />Virginie Devillez (art historian)<br />Marjolijn Dijkman (artist)<br />Alexis Ewbank (lawyer)<br />Dirk Snauwaert (curator)</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"><strong>Assembly (E.L.P.)</strong></span></p> <div style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">Agency called things forth from its list speculating on the question: "how can commons become included within art practices?". Compilations can be eligible for copyright protection if the selection, coordination, arrangement or ordering is original for many compilations (as for examples lists, charts, directories, maps, databases, albums, exhibitions, periodicals, anthologies, encyclopedias, guide books, law reports, catalogues, charts, taxonomies, collections, museums, etc...) this distinction is hard to make. A selection of various things convenes an assembly at E.L.P. in order to bear witness.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">On Friday August 31 at 6PM Agency organizes a gathering around one of the things currently at display inside "Assembly (E.L.P.)": "Thing 000863 (Musée National de l'Automobile)". "Thing 000863 (Musée National de l'Automobile)" concerns a conflict between Fritz and Hans Schlumpf and the Association du Musée National de l'Automobile de Mulhouse around Musée National de l'Automobile. During the court case "Consorts Schlumpf c. Association du Musée National de l'Automobile de Mulhouse" at Cour d'Appel in Paris in 1988 the court had to decide if the car collection by Fritz and Hans Schlumpf, which makes the largest part of the museum, deserved the judicial protection as a work of art. for more details on this case, see the document inside attachment.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Agency</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Agency is the generic name of a Brussels-based initiative that was founded in 1992 by Kobe Matthys. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The modern concept of intellectual property relies fundamentally upon the assumption of a division between the ontological categories of “nature” and “culture”. However, for many art practices such a bifurcation is difficult to make. Agency constitutes a growing list of things that resist this split. These things are derived from juridical processes, lawsuits, cases, controversies, affairs and so forth, around intellectual property (copyrights, patents, trademarks, etc...). </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Agency calls things forth from its list via varying assemblies inside exhibitions, performances, publications, etc... Every assembly poses a different speculative question. The series of assemblies explores in a topological way the operative consequences of the apparatus of intellectual property for an ecology of art practices. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Most recently Agency presented assemblies based on it's list of things at Les Laboratoires d'Aubervilliers, Aubervilliers (2012), Objectif-Exhibitions, Antwerpen (2011), The Showroom, London (2011), Contemporary Art Museum, St. Louis (2010) and in “Mind the System, Find the Gap” at Z33, Hasselt, "Animism" at Extra City and M HKA, Antwerp, Kunsthalle Bern, Generali Foundation, Vienna, Haus der Kulturen der Welt, Berlin (2009 -12), “Grand Domestic Revolution” at Casco, Utrecht (2011-2012), "Speech Matters" at Biennale, Venice (2011), "Watchmen, Liars, Dreamers" at Le Plateau, Paris (2010), etc...</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>This summer exhibition at E.L.P. was curated by Agata Jastrzabek.</strong></span></p> Thu, 30 Aug 2012 16:54:16 +0000 Richard Kenigsman - Musée Juif de Belgique - September 2nd, 2012 10:00 AM - 5:00 PM <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Dans le cadre de la Journée Européenne de la Culture Juive célébrée dans la plupart des pays européens depuis dix ans et qui, cette année, a pour thème " l'humour juif" , le Musée Juif de Belgique exposera à partir du 2 septembre 2012 les planches désopilantes et subversives de " l’Homme du Roi " , personnage créé et dessiné par l'artiste belge Richard Kenigsman.</span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">" l’Homme du Roi " , personnage créé et dessiné par l'artiste belge Richard Kenigsman. " L 'Homme du Roi " est l'exacte traduction du patronyme de son créateur Richard Kenigsman, un artiste engagé et reconnu à travers de nombreuses expositions ( Fédération Wallonie Bruxelles, Musée d'art et d'histoire du Judaïsme - Paris , Yeshiva University Museum -New York). Depuis 2007 les chroniques de " l'Homme du Roi " font les beaux jours du mensuel d'expression du judaïsme de Belgique Contact J.  Ce fut une première depuis la reconstruction des communautés juives en Europe qu'un artiste juif osa avec humour, autodérision et esprit carnavalesque se dresser contre les notables de sa propre communauté et justifier par ses dessins joyeux et gais la force libératrice et régénératrice du rire." Rien n'est plus frivole que l'esprit de sérieux " écrit Richard Kenigsman au fronton de ses chroniques, devise que n'aurait pas renié François Rabelais dit aussi Rebbe Leist, le rabbin joyeux, dans l’esprit des facéties et des fêtes de Pourim , fêtes des sots, charivaris, farces et soties de la culture populaire du Moyen Âge ou de l'humour juif typiquement new-yorkais. Les planches de " l'Homme du Roi " abolissent tous les rapports hiérarchiques et seront exposées au Musée Juif de Belgique du 2 au 30 septembre 2012.</span></div> <div style="text-align: justify;"></div> Thu, 16 Aug 2012 16:31:22 +0000 Lucy McKenzie - Galerie Micheline Szwajcer - September 6th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p>For her first solo exhibition in Belgium the Scottish artist Lucy McKenzie presents new paintings comprising several series dealing with different aspects of how an artist processes and transforms source material, and the problems of relying on distance or ambiguity with ones chosen sources.<br /><br />McKenzie’s work is expressed in many forms including painting, exhibition organization, writing, commercial design and illustration. Underpinning this pluralism is a desire to form new associations, where both appropriated and self-generated material combine to create a vision which is personal and critical of contemporary orthodoxies.<br /><br /><i>50 Shades </i>takes its title from the E.L. James novel <i>50 Shades of Grey</i>, a publishing phenomenon symbolic of women’s success within the field of commercial genre writing as opposed to ‘literature’. Another figure referenced within the exhibition is bestselling crime writer Agatha Christie.<br /><br />The paintings on show depict in meticulous trompe l’oeil research into several themes; themes never intended to be realized into fully formed works because of their subject matters, which the artist deems inappropriate for exhibition because of their controversial natures. They deal with two areas closely tied to aesthetics; misogyny and the politics of the far right, and their treatment reveals something of how vagueness is used as a tool to avoid accountability when dealing with material likely to offend. This is particularly true when relating to subculture, in honor of which she will create a ‘Fascist Bathroom’ after the anthology of writing on post punk by Greil Marcus ‘In the Fascist Bathroom’.</p> Sat, 14 Jul 2012 12:08:46 +0000 Narcisse Tordoir - Galerie Van De Weghe - September 6th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <div align="left" lang="nl-BE" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">(Tekst : Gaston Meskens)</span></div> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Een reeks kleinere werken leidt naar een gigantisch tableau dat de achterruimte van de </span><span style="font-size: small;">galerie als het ware uit haar voegen doet barsten. Het doek is te groot en past tegen geen </span><span style="font-size: small;">enkele muur. De andere van de reeks zijn opgeborgen wegens geen plaats meer.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De uitgebeelde scenes refereren naar de Scherzi reeks van de 18e eeuwse Italiaanse </span><span style="font-size: small;">schilder Giovanni Battista Tiepolo. Tiepolo wordt de laatste van de Venetiaanse schilders van </span><span style="font-size: small;">de Barok genoemd. Hij verwende de aristocratie met overweldigende ensceneringen in </span><span style="font-size: small;">heldere lieflijke tinten. Als celebrity transformeerde hij op aanvraag sacrale legendes in een </span><span style="font-size: small;">theatrale beeldtaal die bedoeld was om grandeur te laten afstralen op zijn opdrachtgevers en </span><span style="font-size: small;">hun kerken en paleizen, maar in feite testte hij hun scherpzinnigheid en tastte hij ook stiekem </span><span style="font-size: small;">de grenzen van hun tolerantie af. Dat de frisse taferelen barstten van de confronterende </span><span style="font-size: small;">ironie wordt onthuld door de Scherzi tekeningen. Daar vallen de maskers af en palmen de </span><span style="font-size: small;">freaks de scene in. De aristocraten hebben echter nooit de link gelegd en bleven glimmend </span><span style="font-size: small;">van trots naar hun verluchte plafonds en muren staren. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Narcisse Tordoir vertrekt van een gelijkaardige barokke opzet, maar er lijkt bij voorbaat iets </span><span style="font-size: small;">mis te zijn met de enscenering. Van sacraliteit en frisheid geen sprake, en in tegenstelling tot</span><br /><span style="font-size: small;">bij Tiepolo zweeft er hier niemand in de lucht. De scenes zijn ook niet bedoeld om een </span><span style="font-size: small;">plafond te decoreren. Ze staan zwaar verticaal in de ruimte, en toch lijken ze transparant en </span><span style="font-size: small;">instapklaar, tenminste voor wie bereid is zich vuil te maken. Want zonder hun waardigheid te </span><span style="font-size: small;">verliezen hebben de personages zich gelaten overgegeven aan het knip-en plakwerk en aan </span><span style="font-size: small;">de krassen, vlekken en brandmerken die tijdens het creatieproces op en rond hen </span><span style="font-size: small;">aangebracht werden. De outcasts hebben de verborgen tekeningen verlaten en hebben het </span><span style="font-size: small;">hoofdpodium ingenomen. Maar ze zijn er zich van bewust dat er iets ontbreekt. Wat </span><span style="font-size: small;">ontbreekt is het grote verhaal; het verhaal dat hen zou moeten samenhouden, maar dat in </span><span style="font-size: small;">Tiepolo’s tijd en ook vandaag nog steeds misbruikt wordt om macht in stand te houden.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Narcisse Tordoir doet geen moeite om de schijn op te houden. De ranzigheid van de scenes </span><span style="font-size: small;">is niet verborgen onder een laag frisheid, en zo wordt elk potentieel ideologisch misbruik van </span><span style="font-size: small;">deze evocatie bij voorbaat de pas afgesneden. De personages kunnen gerust zijn. Geen </span><span style="font-size: small;">enkele politieke of religieuze aristocraat heeft zin om hiermee zijn muren te decoreren, laat </span><span style="font-size: small;">staan om als hoofdacteur in deze scenes de aandacht op te eisen.</span></p> Sun, 26 Aug 2012 10:16:42 +0000 Kuhl & Leyton, Roberto Visani, Shoshanna Weinberger - Nomad Gallery - September 6th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM Tue, 07 Aug 2012 09:07:31 +0000 Group Show - AEROPLASTICS Contemporary - September 7th, 2012 6:00 PM - 10:00 PM <p><strong>Opening-preview during Brussels Art Days</strong><br /><strong>opening Friday Sept 7th / 18 - 22h</strong></p> <p><strong>Saturday 8th and Sunday 9th / 12 - 19h </strong><br /><strong>exhibition until Oct 27</strong></p> <p> </p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The first individual exhibition of <strong>Léopold Rabus</strong> at the Aeroplastics gallery is cast under the double spell of proximity and light-and-shade. The interest of the artist for his immediate environment, the evocation of the countryside on the edges Lake Neufchâtel and the small town of Cortaillod where he resides, the choice of portraying those closest to him – these characteristic traits are already present in his earlier work. But his hallucinated visions of deformed figures, at once grotesque and unsettling, have evolved towards less tormented compositions, though still imprinted with the same strangeness. This evolution has been accompanied by new work very much concerned with light: raw and uniform lighting has made way for plays of shadow and more nuanced tones. This change had already been signalled in works from 2009 like <em>Personnages derrière une serre </em>(Figures Behind a Greenhouse) or<em>Grand-mère plantant un clou </em>(Grandmother Hammering a Nail), and expresses itself fully today. Léopold Rabus also continues working in very large formats, something that often leads him to divide the composition into two canvases placed side-by-side (the diptych format often had as purpose to punctuate the narrative; here it serves to unify it). <em>Le colmatage d’un seuil</em> (Plugging a Threshold), from 2011, the painting that first greets visitors to the exhibition, itself assembles all of these elements. The subject is directly linked to the pastoral life (the repair of a small dyke at the river’s edge), and the protagonists are acquaintances of the artist. The dramatic light confers this banal scene with a quasi-Biblical air, a process directly inspired by Caravaggio. This homage to the master of <em>chiaroscuro</em> couples with another reference, perhaps unwittingly, to Gustave Courbet: the father of Realism created a scandal by using for his <em>Enterrement à Ornans</em> (A Burial at Ornans) the giant scale usually reserved for the “noble” genre of History painting…</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The matter of cemeteries is also broached in the 2012 work <em>Dépôt de gerbe</em> (Wreath Laying), a painting that brings two distinct scenes together: farm buildings and grain silo, and an elderly woman placing flowers at a tombsite. This last image served as point of departure for the painter (future restorers will perhaps discover, under the pictorial layer, the representation of a cemetery in the Swiss countryside), who then transposes this to his familiar environs. The result is not a simple addition, the protagonist keeping an autonomous form. The term “fusion” is perhaps that which best describes this method, and is something we again encounter in<em>Troupeau de vaches</em> (Cow Herd) – <em>a priori</em> a simple rural scene, but nonetheless resists submitting to any too-rapid reading. The patch of orange-red that attracts one’s attention is described by the artist as the ear of a herdsman close to a fire, and so one understands that two worlds are in permanent co-existence in the painting of Léopold Rabus, like in a waking dream. As for<em>L’homme plantant une arbre</em> (Man Planting a Tree) from 2011, the only truly diurnal composition, it is dominated by a strange, seemingly illogical construction of “branches”, but which trace upon the sky blue a network of funerary crosses no doubt in reference to the figure recumbent on the ground.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The 2012 work, </span><em style="font-size: small;">Moineaux se disputant du pain dans un poulailler</em><span style="font-size: small;"> (Sparrows Fighting over Bread in a Chicken Coop) adopts the monumental format of </span><em style="font-size: small;">Colmatage d’un seuil</em><span style="font-size: small;">. Aside from being work of a similar nature on Light, it illustrates the quite particular way that Léopold Rabus envisions the rendering of movement: the birds seem suspended in both time and space, as though it has to do with the sequential decomposition of the flight of a single sparrow. The painter introduces a shift of the same sort, and extremely subtly so, in the portraits of his “birds of cage and aviary” (the title of the work from which they are drawn – one may ask oneself, along with the artist, what distinguishes the one from the other). It is only the attentive observer who will note the presence of a double-pupil in the eye of a parrot or a parakeet, in the manner of a photograph of a bird in motion suffering from a too-short pause. The painted works of Léopold Rabus are never really as they seem.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">PY Desaive</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De eerste individuele tentoo</span><span style="font-size: small;">nstelling van<strong> Léopold Rabus</strong> in galerie Aeroplastics staat zowel in het teken van nabijheid als van clair-obscur. De interesse van de kunstenaar voor zijn directe omgeving, de evocatie van het platteland op de oevers van het Meer van Neufchâtel en het stadje Cortaillod waar hij woont, het portretteren van de mensen rondom hem, deze typische kenmerken waren al in zijn vroegere werk terug te vinden. Maar zijn hallucinante visioenen van tegelijk groteske en verontrustende vervormde personages evolueerden naar minder getormenteerde, hoewel nog altijd bevreemdende composities. Deze evolutie ging gepaard met een nieuwe interesse voor het licht: de harde en uniforme belichting heeft plaats gemaakt voor een spel van schaduwen en meer genuanceerde tinten.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Deze verandering kondigde zich al aan in werken van 2009 – zoals Personnages derrière une serre [Personages achter een serre] of Grand-mère plantant un clou [Grootmoeder slaat een spijker in] – en heeft zich thans volop doorgezet. Léopold Rabus kiest ook verder voor heel grote formaten, wat hem er geregeld toe brengt om de compositie over twee naast elkaar geplaatste doeken te verdelen (het diptiekformaat wordt vaak gebruikt om een verhaal te fraseren; bij Rabus dient het om te verenigen). Le colmatage d'un seuil [Het dichten van een bres] (2011), het werk waarmee de tentoonstelling opent, bevat al deze elementen.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het thema houdt direct verband met het plattelandsleven (de reparatie van een muurtje op de oever van een rivier), en de protagonisten zijn kennissen van de kunstenaar. Het dramatische licht geeft de banale scène een bijna Bijbelse uitstraling, een procedé dat rechtstreeks aan Caravaggio is ontleend. Deze hommage aan de meester van het chiaroscuro wordt gekoppeld aan een, misschien onbewuste, referentie aan Gustave Courbet – de vader van het realisme die schandaal maakte door voor zijn Begrafenis in Ornans afmetingen te gebruiken die waren gereserveerd voor het 'edele' genre van de historieschilderkunst …</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Over een kerkhof gaat het in Dépôt de gerbe [Neerlegging van een bos bloemen] (2012), een schilderij waarin twee afzonderlijke scènes samenkomen: de gebouwen van een boerderij en een graansilo, en een oude vrouw die bloemen legt op een graf. Dit laatste beeld was het uitgangspunt van de schilder (toekomstige restaurateurs zullen misschien onder de picturale laag de voorstelling vinden van een kerkhof op het Zwitserse platteland), dat hij heeft getransponeerd naar zijn vertrouwde omgeving. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Het resultaat is niet zomaar een eenvoudige optelling, het personage behoudt een vorm van autonomie. Dit procédé is wellicht het beste te omschrijven met het begrip fusie. Het is ook terug te vinden in Troupeau de vaches [Kudde koeien] – een eenvoudig plattelandstafereel bij uitstek, dat zich echter verzet tegen een al te snelle lezing. De oranjerode vlek die de aandacht trekt, wordt door de kunstenaar beschreven als het oor van een herder die vlak bij het vuur zit.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En dan begrijpen we dat in de schilderkunst van Léopold Rabus constant twee werelden samen bestaan, als in een wakende droom. L'homme plantant un arbre [Man die een boom plant] (2011), de enige compositie die echt overdag is gesitueerd, wordt dan weer gedomineerd door een vreemde takkenstructuur die aan geen enkele logica lijkt te beantwoorden, maar tegen de blauwe hemel een netwerk van doodskruisen tekent die wellicht betrekking hebben op het op de grond liggende personage.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Moineaux se disputant du pain dans un poulailler [Mussen vechten om een stuk brood in een kippenhok] (2012) heeft hetzelfde monumentale formaat als Colmatage d'un seuil [Het dichten van een bres]. Naast een gelijkaardige lichtbehandeling illustreert het de manier waarop Léopold Rabus beweging wil weergeven: de vogels lijken stil te hangen in tijd en ruimte, alsof het een decompositie in sequenties is van de vlucht van één enkele vogel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In de portretten van zijn 'oiseaux de cage et de volière' [kooi- en volièrevogels] (de titel van het boek waaraan ze zijn ontleend – we zouden ons samen met de kunstenaar kunnen afvragen wat het onderscheid is tussen beide), introduceert de schilder een gelijkaardige verschuiving. Alleen de oplettende kijker ziet een dubbele pupil van een parkiet of papegaai, weergegeven als een foto van een bewegende vogel met een te korte sluitertijd. De schilderkunst van Léopold Rabus is nooit echt wat ze lijkt te zijn.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">P-Y Desaive</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le premiere exposition perso</span><span style="font-size: small;">nnelle de <strong>Léopold Rabus</strong> à la galerie Aeroplastics est placée sous le double signe de la proximité et du clair-obscur. L'intérêt de l'artiste pour son environnement immédiat, l'évocation de la campagne des bords du lac de Neufchâtel et de la petite ville de Cortaillod où il réside, le choix de portraiturer ses proches, sont des traits caractéristiques déjà présents dans ses œuvres antérieures. Mais ses visions hallucinées de personnages déformés, grotesques et inquiétants à la fois, ont évolué vers des compositions moins tourmentées, quoique toujours empreintes de la même étrangeté.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Cette évolution s'est accompagnée d'un nouveau travail sur la lumière : l'éclairage cru et uniforme a fait place à des jeux d'ombres et à des teintes plus nuancées. Ce changement est déjà amorcé dans des œuvres de 2009 telles que Personnages derrière une serreou Grand-mère plantant un clou, et s'affirme pleinement aujourd'hui. Léopold Rabus poursuit également dans la voie des très grands formats, ce qui l'amène régulièrement à répartir la composition sur deux toiles mises côte à côte (le format du diptyque a souvent pour but de ponctuer la narration ; ici, il sert à l'unifier). Le colmatage d'un seuil (2011), œuvre qui accueille le visiteur dans l'exposition, rassemble à elle seule tous ces éléments.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le sujet est directement lié à la vie champêtre (la réparation d'un muret au bord d'une rivière), et les protagonistes sont des connaissances de l'artiste. La lumière dramatique confère à cette scène banale un côté quasi biblique, un procédé directement inspiré du Caravage. Cet hommage au maître du chiaroscurose double d'une référence, peut-être involontaire, à Gustave Courbet : le père du Réalisme créa le scandale en usant pour son Enterrement à Ornansdes dimensions réservées au genre « noble » de la peinture d'histoire…</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De cimetière il est justement question dans Dépôt de gerbe(2012), un tableau qui fait se rencontrer deux scènes distinctes : les bâtiments d'une ferme et un silo à grains, et une femme âgée déposant des fleurs sur une tombe. Cette dernière image consistait le sujet de départ du peintre (des restaurateurs du futur découvriront peut-être, sous la couche picturale, la représentation d'un cimetière dans la campagne suisse), qui l'a transposé dans son environnement familier. Le résultat n'est pas une simple addition, le personnage gardant une forme d'autonomie. Le terme de fusion est peut-être celui qui décrit le mieux ce procédé, et que l'on retrouve dans Troupeau de vaches– a priori une simple scène champêtre, mais pourtant rétive à toute lecture rapide. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La tache d'un rouge orangé qui retient l'attention est décrite par l'artiste comme l'oreille d'un berger à proximité d'un feu, et l'on comprend alors que deux mondes coexistent en permanence dans la peinture de Léopold Rabus, comme dans un rêve éveillé. Quant à L'homme plantant un arbre (2011), seule composition véritablement diurne, elle est dominée par une étrange structure de branchages qui ne semble répondre à aucune logique, mais trace sur le bleu du ciel un réseau de croix funèbres renvoyant au personnage couché sur le sol.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Moineaux se disputant du pain dans un poulailler (2012) adopte le format monumental du Colmatage d'un seuil. un travail similaire sur la lumière, il illustre la façon très particulière dont Léopold Rabus envisage le rendu du mouvement : les oiseaux semblent suspendus dans le temps et dans l'espace, comme s'il s'agissait de la décomposition en séquences du vol d'un moineau unique. Le peintre introduit un décalage du même type, de manière très subtile, dans les portraits de ses « oiseaux de cage et de volière » (le titre de l'ouvrage d'où ils sont tirés – l'on peut se demander, avec l'artiste, ce qui distingue les uns des autres) : seul l'observateur attentif percevra la présence d'une pupille double dans l'œil d'une perruche ou d'un perroquet, à la manière d'une photographie d'un oiseau en mouvement souffrant d'un temps de pause trop court. La peinture de Léopold Rabus n'est jamais vraiment ce qu'elle semble être.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">P-Y Desaive</span></p> Tue, 04 Sep 2012 11:58:50 +0000 Group Show - Alice - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">Artists of the last few generations have been brought up with digital images, fast sequences of computer- or television pictures and busy street traffic in the metropolis all over. They are inured to the possibilities of the internet and the overwhelming access to images and moving pictures. At the same time the longing for a life close to nature and greenery is striking the mind. All these experiences become obvious in some artistic practices and the gallery wants to show an array of different approaches to dealing with modern viewing habits in our domesticated environments.</p> <p style="text-align: justify;">The theme of a ‘domesticated or wild’ nature in our living environment responds to a need to get back in touch with ourselves, like a search of an equilibrium between mankind and society in our occidental cities.</p> <p style="text-align: justify;">But the subject of this exhibition is not meant to be illustrated by the artists, their work is a contemplative, and sometimes humoristic response to a feeling.</p> <p style="text-align: justify;">The selection of artists is not based on aesthetics only.  There is a will to bring them  together as they know each other personally or share friends.  This relative proximity explains certain correlations between the works.  Although from Denmark, Israel, Italy, USA, Belgium, Canada and France, they all seem to speak the same language.</p> <p style="text-align: justify;"><span style="text-decoration: underline;">Artists</span></p> <p style="text-align: justify;"><b>Clare Rojas (us) 1976</b>, The artist went from a folk narative world extremely detailed to an often abstract and very geometric work inspired by architecture.</p> <p style="text-align: justify;">In addition to painting, Clare Rojas also performs under the moniker Peggy Honeywell. A music project that deftly traverses the folk genre. Serene and contemplative, the Peggy Honeywell project is a further exploration of the narrative landscapes that inform and define her work.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Guy Yanai (il) 197</b>7: The artist works mainly with oil paint.  The geometric compositions of his paintings evolve the subject, starting with a feeling and little sparks on the canvas. The emotional impulse appears through a view on the street, a unusual combination of colors, a film, a plant or by internet images.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Francesco Deiana (it)</b> : He is first of all engaged with drawings on paper, but works with installations as well.  His geometric masks and figures consist of structured triangles, which are meticulously drawn by pen.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Pica Pica (be) 1978, 1979, 1980</b> : The installations or the paintings of the collective resemble a patchwork of raw materials and simple forms. One means of their works is the selected accumulation of these shapes, which arrouses a particular complexity.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Mike Swaney (ca) 1978</b>: The technique of collage dominates the work of this interdisciplinary artist. Usually he assembles drawn or painted elements with recycled paper.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Sophie d’Ansembourg (be) 1969</b>: Her oil paintings are figurative and matter of fact, sometimes inspired by observation, sometimes her mere imagination.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Maya Hayuk (us) 1970</b>: She is a versatile artist, who works on paper as well as on large-scale mural paintings. Her technique is based on the visible brushstrokes and the artworks bristle with colors in a psychedelic manner.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Samuel François (fr) 1977</b>: The sculptor interrogates innocuous objects or motives of cheap decorations with the means of sculpture and graphic artworks.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Paul Wackers (us) 1978</b>: His paintings combine abstract elements with figurative compositions of landscape or extinct nature.</p> <p style="text-align: justify;"><b>HuskMitNavn (dk) 1975</b>: The multidisciplinary artist draws his figures in a sketch style and casts them often into comic-absurd situations, which might remind the beholder of the humour of our daily routine.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Claire Decet (fr) 1978</b><b></b>: She works in a hyperrealistic manner on still lifes of nature, dead plants or industrial sceneries. Her drawings combine different animals, shapes or objects with a surrealistic sensibility.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Chris Duncan (us) 1974</b><b></b>: He articulates his pictorial language by the setting of points. The artist also realises installations with threads, which are stretched out in space.</p> <p style="text-align: justify;"><b>Olivier Kosta-Théfaine (fr) 1972</b>: He mixes the bourgeois codes with these of the city, in order to get the shift of meaning across to a broader public. His graphical treetops consist of little burned points on the printpaper, maded by pyrogravure.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <table cellspacing="0" border="0" width="540" cellpadding="0"> <tbody> <tr> <td align="left" valign="top" width="540"> <div> <div><img src="" border="0" height="96" alt="" width="540" /></div> </div> <div></div> </td> </tr> <tr> <td height="15" align="left" valign="top" width="540"> </td> </tr> </tbody> </table> <table cellspacing="0" border="0" width="540" cellpadding="0"> <tbody> <tr> <td align="left" valign="top" width="540"> <table cellspacing="0" border="0" width="540" cellpadding="0"> <tbody> <tr> <td align="left" valign="top"> <p>Is the fifth edition of Brussels gallery weekend, gathering together 37 contemporary art galleries from all around the city.<br /> After the great success of past few years, we are very pleased to announce Brussels Art Days 2012 edition which will be extented this time to a 3 day weekend.<br /> Looking forward to welcome you, we wish you a great journey.</p> </td> </tr> </tbody> </table> </td> </tr> </tbody> </table> <p style="text-align: justify;"><strong>Brussels Art days 2012</strong></p> <div class="date"><time datetime="2012-09-07"> </time></div> <div class="summary"> <div> <div> <p class="bodytext">Friday <b>September 7</b> from 4 to 9PM</p> </div> <div> <p class="bodytext">Saturday <b>September 8</b> from noon to 7PM</p> </div> <div> <p class="bodytext">Sunday <b>September 9</b> from noon to 7PM</p> </div> </div> </div> Wed, 26 Sep 2012 18:30:35 +0000 Stéphane Calais - Aliceday - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">L'artiste français Stéphane Calais présente à la galerie aliceday une nouvelle exposition solo intitulée <em>Au Noir.</em><br /> <br /> Stéphane Calais s'est imposé sur la scène de l'art contemporain depuis une vingtaine d'années. Il développe une œuvre polymorphe, créant dessins, installations, objets ou peintures. Il s’est également investi dans des projets liés au design, au paysagisme et à la bande dessinée. En naviguant entre ces différents médiums, il questionne les notions de transmission à travers des thèmes comme la rupture, l'histoire, le destin ou encore le sens de l'existence.</p> <p style="text-align: justify;">Pour l’exposition <em>Au Noir,</em> deux nouvelles séries de peintures sont présentées dans les deux espaces de la galerie. Dans la vitrine et le couloir se trouve un ensemble de peintures très colorées et vives inspirées d’hortensias et de fleurs de solanum. Les fleurs sont un sujet plus que récurrent chez l'artiste, il y voit comme un minimum culturel, un sujet purement décoratif. Les fleurs le fascinent car elles se doivent d'être codées au mieux, c'est à dire plus au moins ressemblantes afin que l’inutilité du sujet n'apparaisse que plus clairement. La composition est également de la partie : c’est là que Stéphane Calais s'en donne à coeur joie.<br /> <br /> Dans l’espace principal, la seconde série des peintures est en noir et blanc et niveau de gris. Cette série abstraite est en résonance avec les lignes du mural qui émerge du fond du mur. Sorte d'écriture automatique, elle semble continuer les formes défaites de l'expressionnisme ou en tout cas les rejouer à la manière d’une peinture de « science fiction ».<br /> Face au mur des peintures, douze grandes sérigraphies sur feutre investissent l’espace. Les motifs sérigraphiés sur feutre sont réalisés à partir d’esquisses de dentelles. Sous presque tous les motifs, on retrouve une grille fine qui évoque les grilles des katagami (pochoirs japonais utilisés pour imprimer le tissu, des kimonos des femmes). On voit donc que les deux "motifs”, dentelles et katagami rentrent en résonance avec la technique propre à la sérigraphie. Le décoratif est en accord avec la technique qui le voit naître. Comme une tapisserie ou une grande couverture amérindienne ou un rya finlandais, le décor se fond dans l’objet utilitaire issu de cultures spécifiques.<br /> <br /> Autour des deux séries de peintures se trouve un ensemble de peintures murales : depuis 1994 cette technique est chère à Stéphane Calais. Ici l'artiste a choisi deux grands motifs de grilles qui viennent encadrer ou enserrer, comme un filet pourrait le faire, les peintures accrochées aux murs. Si la première série de peintures florales est entourée de lignes jaunes claires, la série des peintures abstraites est quant à elle cernée de noir, faisant ainsi écho aux grilles de katagami. Ces grandes peintures murales se placent au niveau de l'architecture mais tout en laissant entendre que tout ici est pris dans les grandes lignes d'une oeuvre en constante évolution, en vie en somme...<br />  </p> Thu, 09 Aug 2012 19:54:48 +0000 Angel Vergara - Almine Rech Gallery Brussels - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The<strong> Almine Rech Gallery</strong> is pleased to present – for the first time and throughout its exhibition space – a new solo exhibition by <strong>Angel Vergara</strong> (Mieres, Spain, 1958). </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the wake of his much discussed installation "Feuilleton, the seven deadly sins" (1) </span><br /><span style="font-size: small;">for the Belgian Pavilion at the latest Venice Biennale, Angel Vergara is here pursuing the exploration he initiated some years ago. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Vergara edits and assembles images drawn from the media that serve to frame the act of painting, an activity that follows the temporality and movement of the images. The artist gradually paints over them in an unyielding act of concealment, while the images can thus regain, in a sense, the colour, thickness and consistency they may have lost. Proceeding by means of discrete or pronounced interventions, and using various instruments, the painter’s activity gradually immerses itself in the images, outlining them, underlining them, pursuing them. If it seems to us that he can never catch up with them, this is precisely because the artist wishes to highlight another temporality, to give shape to the necessary gap that gradually distances us from the images and transports us into the creative process underlying a work of art. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Angel Vergara’s new project invites us to enter the world of one of the great works of literary modernism. While the words “and yes I said yes I will Yes” are borrowed from the closing line of James Joyce’s novel Ulysses, for Vergara they also serve as a pretext to proclaim, over and over again, the feeling of jubilation with regard to painting. It is in the wake of Joyce’s narrative that Angel Vergara constructs his own fiction and, thanks to a new video composed as if it were a casting, calls up the celebrities that fill our screens from morning to night. Leonardo DiCaprio, Isabelle Huppert, Lady Gaga and many more become characters in this odyssey. They travel through places that are specific to the artist’s imagination and also serve his own temporality, a painterly journey through the flow of images. It is this circulation which the artist’s application of colour emphasises and pursues and sometimes records, like snapshots, in a series of paintings staged in the gallery’s space. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Through a specific layout designed by the artist, visitors are invited to undertake the journey, to let themselves be guided on this voyage through the present age and its established signs and models. Resting on the visitor’s sense of vision, this journey leads viewers towards that aesthetic horizon that contains the possibility of an emancipated painting, the promise of infinite possibilities… </span><br /><br /><span style="font-size: small;">(1) The gallery is presenting in an adjacent room the seven videos which, screened simultaneously, compose "Feuilleton, the seven deadly sins". This installation will be visible from 16 September 2012 until 10 March 2013 at the ZKM Center for Art and Media in Karlsruhe as part of the rerun of ARTandPRESS, an exhibition that was recently shown at the Martin Gropius Bau in Berlin. Feuilleton will also be visible at Printemps de Septembre in Toulouse between 28 September and 21 October 2012.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Galerie Almine Rech</strong> is trots u, gespreid over al haar ruimten, haar eerste solotentoonstelling met nieuw werk van <strong>Angel Vergara</strong> (Mieres, Spanje, 1958) te kunnen voorstellen. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Angel Vergara, die op de laatste Biënnale van Venetië zijn thuisland België vertegenwoordigde met de sterk opgemerkte installatie "Feuilleton. De zeven hoofdzonden" (1), werkt hier verder op de manier die al jarenlang de zijne is: hij monteert en groepeert bewegende beelden die hij uit de media haalt om ze vervolgens in een soort gevecht met de tijd te overschilderen zodat ze enerzijds verdwijnen maar anderzijds door de verf die eroverheen komt te zitten, aan kleurigheid, dikte en consistentie winnen. De activiteit van de schilder – reeksen toetsen en ingehouden of brede gestes waarvoor hij gebruikmaakt van erg uiteenlopende instrumenten – kruipt als het ware in de beelden en doet ze tot hun recht komen. Hij zit ze op de hielen maar lijkt ze nooit te kunnen achterhalen. Dat laatste is essentieel, want zo roept hij een andere tijdelijkheid op, zo creëert hij ten opzichte van de beelden de afstand die nodig is om ons mee te voeren naar de geheel eigen wereld van het maken van een kunstwerk. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Zijn nieuwe project voert ons mee naar de wereld van een van de grootste literaire verhalen van de moderne tijd. Als titel voor zijn project koos Vergara inderdaad de laatste woorden van James Joyces Ulysses: "and yes I said yes I will Yes". Dit door zijn herhaling sterk benadrukte ‘ja’ is voor hem een verwoording van de jubel waaraan zijn schilderkunst ontspringt. De kunstenaar laat zich voor zijn eigen fictie inspireren door het verhaal van Joyce en komt zo tot een videomontage met een casting van beroemdheden die niet van onze schermen zijn weg te branden: Leonardo DiCaprio, Isabelle Huppert, Lady Gaga en anderen trekken door de typische gebieden van Vergara’s imaginaire wereld en staan ten dienste van de tijdelijkheid van zijn artistieke activiteit – één dag lang schilderen op en te midden van bewegende beelden. Dat het daarbij om een tocht gaat, wordt letterlijk en figuurlijk in de verf gezet. Soms valt de beweging stil in wat je momentopnamen zou kunnen noemen, en met die schilderijen bouwt Vergara in de galerie een hele mise-en-scène. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Met de opstelling nodigt de kunstenaar ons uit om zelf op tocht te gaan en ons al kijkend dwars door de geijkte beelden en modellen van onze tijd te laten meevoeren naar een esthetische horizon waar de mogelijkheid van een bevrijde schilderkunst daagt, waar blijkt dat het aantal mogelijkheden oneindig is… </span><br /><br /><span style="font-size: small;">(1) In een aangrenzende zaal wordt "Feuilleton. De zeven hoofdzonden" getoond. Deze installatie met haar zeven gelijktijdige projecties is ook te zien op de Printemps de Septembre in Toulouse (van 28 september tot 21 oktober 2012) en tijdens de reprise van de tentoonstelling "Art and press" (zopas georganiseerd in de Martin Gropius Bau in Berlijn) in het ZKM (Zentrum für Kunst und Medientechnologie) in Karlsruhe (van 16 september 2012 tot 10 maart 2013). </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La galerie <strong>Almine Rech</strong> est heureuse de présenter pour la première fois et dans tous ses espaces une nouvelle exposition personnelle d’<strong>Angel Vergara</strong> (Mieres, Espagne, 1958). </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Apres sa représentation remarquée au Pavillon belge de la dernière Biennale de Venise avec son installation </span><br /><span style="font-size: small;">"Feuilleton, les sept péchés capitaux" (1), Angel Vergara poursuit ici, le travail entamé depuis plusieurs années. </span><br /><span style="font-size: small;">Il monte et associe des images prélevées dans les medias qui servent de trame à l’acte de peindre, à la peinture qui se fait dans le temps et le mouvement des images, pour peu à peu les absenter, en une sorte d’inexorable recouvrement, pour leur redonner, en quelque sorte, la couleur, l’épaisseur et la consistance qu’elles auraient perdues. Par touches successives, gestes retenus ou plus amples, utilisant différents instruments, l’action du peintre s’installe dans les images, elle les désigne, les souligne, les poursuit. S’il nous semble qu’elle n’arrive jamais à les rattraper, c’est justement pour signifier une autre temporalité, pour donner corps à l’écart nécessaire qui nous distancie peu à peu des images afin de nous transporter dans l’univers particulier de la fabrication d’une œuvre.  </span><br /><span style="font-size: small;">                              </span><wbr><span style="font-size: small;">                        </span><br /><span style="font-size: small;">Le nouveau projet d’Angel Vergara nous entraîne dans  l’univers de l’un des grands récits littéraires de la modernité. Si "and yes I said yes I will Yes" est emprunté aux derniers mots d’Ulysse de James Joyce, il résonne aussi, pour l’artiste, comme le prétexte à l’affirmation, maintes fois répétée, d’une jubilation propice à la peinture. C’est dans le sillage du récit de Joyce, qu’Angel Vergara construit sa propre fiction, convoquant au travers d’un nouveau montage vidéo, conçu comme un casting, des célébrités omniprésentes sur nos écrans. Leonardo Di Caprio, Isabelle Huppert, Lady Gaga… et bien d’autres, deviennent les personnages de cette odyssée. Ils traversent des lieux propres à l’imaginaire de l’artiste et servent aussi sa propre temporalité, le périple d’une journée de peinture dans le flux des images. C’est cette circulation que la couleur vient souligner, poursuivre et entamer pour parfois la fixer, comme des instantanés, dans une série de peintures mises en scène dans l’espace de la galerie. </span><br /><span style="font-size: small;">                              </span><wbr><span style="font-size: small;">                              </span><wbr><span style="font-size: small;">                </span><br /><span style="font-size: small;">Au travers d’un dispositif spécifique conçu par l’artiste, nous sommes invités à faire le voyage, à nous laisser conduire dans une traversée de l’époque, des signes et des modèles établis, un voyage du regard qui nous entraîne vers cet horizon esthétique où vient s’affirmer la possibilité d’une peinture émancipée, la promesse tenue d’un infini de possibilités… </span><br /><br /><span style="font-size: small;">(1) La galerie présente dans une salle adjacente les sept projections simultanées de “Feuilleton, les sept péchés capitaux”. Cette installation sera aussi visible du 16 septembre 2012 au 10 mars 2013, au ZKM (Zentrum fur Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe) dans le cadre de la reprise de l’exposition "Art and press" récemment présentée au Martin Gropius Bau de Berlin et du 28 septembre au 21 octobre 2012 au Printemps de Septembre à Toulouse.</span></wbr></wbr></wbr></p> Wed, 11 Jul 2012 07:25:41 +0000 Jean-Baptiste Maitre - anyspace - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>            Dans le Vêtement, Il y a une Poche</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans la Poche, un Carnet</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans le Carnet, une Lettre</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Et Voici cette Lettre:</em>                                                                           </span><br /><span style="font-size: small;">            </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> The <strong>Anyspace Gallery</strong> is pleased to present this first exhibition in Belgium by<strong> Jean-Baptiste Maitre</strong>. The title of the exhibition was borrowed from a book by Conan Doyle. When read, this sentence generates a mental motion similar to a camera travelling. It jumps into a garments pocket to reveal a hidden notebook with a letter inside. This work is directly linked to the recent works of the artist which deals with the mental construction of images, notably those representing artworks, their representation through media and their presence within the gallery exhibition space.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> It is of common knowledge that a large number of artworks deal with representation process: photographs, films, documentaries, texts or even simple conversations which describes and builds the mental image we can get from all sorts of shapes and volumes produced by artists. This process transforms the exhibition space within the viewer's mind - directly opposed to the exhibition space.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> Poster of the film 'Deep Throat' (1972) introduces the show. It deals with the notion of space by being retouched and stuck onto the window of the gallery. <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Expanded</span></em> is composed of an original poster cut into 25 equal parts. When exhibited, they are meant to be spread all over, thus covering the entire surface. If the exhibition surface is smaller than the poster itself, the different parts are superposed, contracting the image (which becomes <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Contracted</span></em>).</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> In the series of drawings: <em><span style="text-decoration: underline;">Various combinations of camera movements using dolly tracks following parts of Sol LeWitt wall drawing #138: “Circles and Arcs from the midpoints of four sides, July 1972</span></em>, the artist presents various plans through different camera's motions inspired by a drawing by Sol LeWitt virtually presented on the floor. The plans suggest using the drawing's structure by Sol LeWitt as a guideline through various video sequences which clearly show the exhibition options within the gallery space.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">The series <em><span style="text-decoration: underline;">Brush strokes magazine</span></em> point out various views of the exhibitions printed and organized in order to respect the shape and the layout of art magazines. A flat brushstroke creates a clear contrast with the perspective of the exhibition space presented within the image.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> The exhibition also refers to the way the artworks are mounted, communicated through the image, animated or not, and the way this specific presentation changes the works and the ideas they generate. The video <em><span style="text-decoration: underline;">Fitting frames</span></em> is an excerpt from a documentary made in 1965 by Mike Wallace on the occasion of the exhibition 'The responsive eye' at the MoMA (NYC). The sequence used shows an artist (Richard Anuszkiewicz) making an abstract geometric painting within two minutes time thanks to a technique of his own. The sequence was re-edited and the images of the film reorganized so that every stage of the painting are synchronized, placed on the same level of time. The process of the making of the painting is visible but its logic is the one of the video medium, transforming the description of the pictorial process used by the painter.  </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>            Dans le Vêtement, Il y a une Poche</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans la Poche, un Carnet</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Dans le Carnet, une Lettre</em></span><br /><span style="font-size: small;"> <em>            Et Voici cette Lettre:</em>                                                                           </span><br /><span style="font-size: small;">            </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">La<strong> Galerie Anyspace</strong> est heureuse de proposer cette première exposition en Belgique de l'artiste<strong> Jean-Baptiste Maitre</strong>. Le titre de l'exposition est tiré d'un livre de Conan Doyle. Lorsque cette phrase est lue, il se crée un travelling mental plongeant de l'image d'un vêtement vers sa poche découvrant un carnet dans lequel se trouve une lettre. Évoluant autour de ce mouvement suggéré, JBM propose plusieurs œuvres récentes traitant de la construction mentale des images, notamment celles représentant des œuvres d'art, leur représentation "médiatique", et leur véritable espace d'exposition (la galerie).</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> Nombre d'œuvres que nous connaissons le sont par le biais de représentations: photographies, films documentaires, textes ou même simples conversations qui décrivent et construisent l'image mentale que nous avons de certaines formes en volume produites par des artistes. L'espace de leur exposition devient alors celui de notre imagination opposé à l'espace réel de la galerie.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> En guise d'introduction à l'exposition, l'affiche du film 'Deep Throat' (1972), qui d'une certaine manière traite de la notion d'espace, est retravaillée dans sa structure et placardée sur la vitrine de la galerie. <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Expanded</span></em> est constitué de l'affiche originale découpée en 25 parties égales. Chaque élément est réparti de manière à couvrir la totalité de la surface sur laquelle elle est montée, quelle qu'elle soit. Si la surface d'exposition est plus petite que l'affiche elle-même, les différentes parties se superposent, contractant l'image (devenant <em><span style="text-decoration: underline;">Deep Throat Contracted</span></em>). </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Dans la série de dessins: <em><span style="text-decoration: underline;">Various combinations of camera movements using dolly tracks following parts of Sol LeWitt wall drawing #138: 'Circles and Arcs from the midpoints of four sides', july 1972</span>,</em> l'artiste propose le plan de plusieurs mouvements de caméra possibles dans l'espace de la galerie, à partir d'un dessin de Sol LeWitt appliqué virtuellement au sol. Ces plans proposent d'employer la structure du dessin de Sol LeWitt comme un guide pour de possibles séquences vidéo évoluant dans l'espace de la galerie et montrant ce qui pourrait y être exposé.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> La série <em><span style="text-decoration: underline;">Brush strokes magazine</span></em> présente différentes vues d'expositions imprimées et agencées afin de respecter l'apparence et la mise en page de magazines d'art. Un coup de pinceau a été appliqué avant que l'encre d'impression ne soit sèche à l'emplacement de chaque œuvre montrée dans chaque image. Le coup de pinceau plat s'oppose à la perspective de l'espace d'exposition représenté dans l'image.</span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">L'exposition traite également de la façon dont les œuvres d'artistes sont montrées, communiquées au travers des images, animées ou non, et comment cette présentation spécifique change les œuvres et les idées qu'elles véhiculent. La vidéo <em><span style="text-decoration: underline;">Fitting frames</span></em> est extraite d'un documentaire de 1965 par Mike Wallace réalisé à l'occasion de l'exposition 'The responsive eye' au MoMA de NY. La séquence utilisée montre un artiste (Richard Anuszkiewicz) réalisant une toile géométrique abstraite en l'espace de deux minutes grâce à une technique de son invention. La séquence a été remontée, les images du film ré-ordonnées afin de mettre sur le même plan temporel chaque étape de la réalisation de la peinture. Le déroulé de la réalisation de la peinture est visible mais sa logique est celle du médium vidéo, transformant la description du procédé pictural utilisé par le peintre.</span></p> Thu, 09 Aug 2012 19:46:48 +0000 EVOL - Bodson Gallery - September 7th, 2012 4:00 PM - 10:00 PM <p></p> <p><img style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto;" src="" /></p> Sat, 25 Aug 2012 17:02:40 +0000 - Brussels Art Days - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Fifth edition of Brussels gallery weekend, gathering together 37 contemporary art galleries from all around the city.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">After the great success of past few years, we are very pleased to announce Brussels Art Days 2012 edition which will be extended this time to a 3 day weekend.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Looking forward to welcome you, we wish you a great journey.</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Friday September 7</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">general opening from 4 to 9 PM</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Saturday September 8 &amp; Sunday September 9</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">from noon to 7 PM</span></p> <h3 style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">Participating galleries</span></h3> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A.L.I.C.E. - Aeroplastics - Aliceday - Anyspace - Valerie Bach - Albert Baronian - Catherine Bastide - Bodson-Emelinckx - Charles Riva Collection - C L E A R I N G - Crown - D+T Project - Dependance - Elaine Levy Project - Elisa Platteau &amp; Cie - Feizi - Pierre Marie Giraud - Gladstone - Hopstreet - Xavier Hufkens - Rodolphe Janssen - Jozsa - Keitelman - Krethlow - Lot 10 - Greta Meert - Meessen De Clercq - Jan Mot - MOT International - Nathalie Obadia - Almine Rech - Ricou - Sorry We're Closed - TWIG Gallery - Caroline Van Hoek - VidalCuglietta - Waldburger </span></p> Wed, 18 Jul 2012 07:35:50 +0000 Ryan Foerster - C L E A R I N G - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2"><strong><span style="font-size: medium;" size="3">C L E A R I N G</span></strong> </span><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: medium;" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="3"><br /> <span style="font-size: small;" size="2">is pleased to announce</span></span></span></p> <p style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2">An exhibition of works by<strong> Ryan Foerster <br /> <br /> </strong>Opening reception on Friday, September 7, from 4 - 9pm<br /> The exhibition will continue from September 7- October 6, 2012<br /> </span></p> <p style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2">Open from Tuesday to Saturday, 2 - 6pm<br /> And by appointment<br /> </span></p> <p style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2">The exhibition will be open during Brussels Art Days</span></p> <p><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: small;" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2"><strong> </strong></span></p> Mon, 03 Sep 2012 15:07:27 +0000 Manuel Caeiro - Crown Gallery - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM Sat, 25 Aug 2012 17:09:10 +0000 Ivan Argote - D+T Project Gallery - September 7th, 2012 4:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">D+T Project Gallery est heureuse de présenter le première exposition solo d'Ivan Argote en Belgique.<br /><br />L'art d' Iván Argote (1983, Colombie), est un art de gestes, il crèe des interventions dans des lieux publics et privés, tenant toujours compte de sa place en tant que citoyen, immigré, homme, artiste, ... donnant lieu à une variété de champs d'actions qui vont d'une rame de métro à la collection permanente d'un musée. Il intervient fugacement, s'infiltre et pose des questions sur nos relations avec l'autorité, l'histoire, le pouvoir.</p> <p style="text-align: justify;">Dans l'exposition "Close to me" Iván Argote présente un ensemble de travaux qui interrogent à une échelle personnelle notre relation aux musées et à l'histoire de l'art. Ces lieux, ces institutions, Iván les aime et s'en méfie: Por que te quiero te aporreo (qui aime bien châtie bien) nous dit Ivan en souriant. Né dans une famille athée et marxiste, élevé dans le questionnement des institutions et des croyances, il ne peut donc croire aveuglement aux choses, et c'est dans ce rapport ambivalent qu'il construit ses questionnements.</p> <p><small>7,8,9 September 2012<br /> Brussels Art Days (Open Gallery Weekend)</small><small><br /><br /> <img style="width: 440px; height: 76px;" alt="D+T Project Gallery at Brussels Art Days" src="" /></small></p> Thu, 05 Jul 2012 18:50:23 +0000