ArtSlant - Current exhibits en-us 40 Group Show - AEROPLASTICS Contemporary - June 7th, 2012 - August 11th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The title of the exhibition, <strong><em>Aspiration Factory</em></strong>, evokes a project still in-progress, an intensive investigation led by </span><span style="font-size: small;">artists who aspire through their works to provide elements worthy of contemplation with respect to the field of art </span><span style="font-size: small;">itself. With Stephan Balleux, these reflections concern painting as a medium: “You can see clearly that what </span><span style="font-size: small;">you are looking at is a painting, and thus artificial. But at the same time you also seem to be looking at </span><span style="font-size: small;">something that could be a photograph. The texture is flat, but portrays the texture of paint.” </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The “Factory” is synonymous with experimentation, a central component in the technique of a painter, who </span><span style="font-size: small;">recognizes the frequent place occupied by chance, for example when he mixes colours directly on the canvas: “I </span><span style="font-size: small;">know what Iʼm doing and at the same time I donʼt know how I get there ultimately.” Similarly with Kate Atkin, </span><span style="font-size: small;">whose small and large drawings are made with existing images as a starting-point. Take the work Etude, for </span><span style="font-size: small;">instance. Here she takes Francis Baconʼs Three Studies for Figures at the Base of a Cross: it has to do with </span><span style="font-size: small;">submitting oneself, at least in part, to the hazard of chance, and to see what flows from this encounter: “I see the </span><span style="font-size: small;">process of drawing as the generating of matter, and itʼs hard to know when to stop generating .” </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">This instability of the creative process, is seen by Chris Barnes as a foundation stone of the real (“the world we </span><span style="font-size: small;">attach to is unstable”); his sculptures of seemingly derisory appearance, closely akin to the ready-made, are first </span><span style="font-size: small;">and foremost a source of contentment for himself (“For me being an Artist is primarily about doing something that </span><span style="font-size: small;">makes me happy.”) </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Along the same lines, the Appendices of Toby Christian, fragments in marble that seem to come from large </span><span style="font-size: small;">anthropomorphic sculptures, raises the question of the very status of a work of art: is that which is hidden of more </span><span style="font-size: small;">importance than that which is shown? Here, John Isaacs offers his own version spectacularly with Everything is </span><span style="font-size: small;">not enough – before the deluge ; a gigantic silver-plated hand with 6 fingers in which is inlaid a small TV screen ; </span><span style="font-size: small;">the imagination of the spectator is fiercely challenged to guess from which monument it has been taken. This </span><span style="font-size: small;">relationship with absence is also at the centre of the series Life Rooms, pieces of foam used by models for </span><span style="font-size: small;">support while posing for life (nude) studies, and which have retained the trace marks made by their feet.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Soren Dahlgaard or rather his alter-ego, the “Dough Warrior” whose body and have are dissimulated beneath a </span><span style="font-size: small;">mass of French breads (baguettes) revisits this artist/model dynamic in literally re-covering the body painting of </span><span style="font-size: small;">persons who pose for him, in the context of performances high in colour. With Tom Crawford, the thought </span><span style="font-size: small;">process turns political: his work studies the evolution of abandoned industrial sites that have gradually become </span><span style="font-size: small;">occupied by artists, then transformed for their gallery owners, and finally gentrified for their collectors. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Construction and habitat are at the heart of the series Bleeding Houses from Marko Mäetamm, who draws </span><span style="font-size: small;">inspiration from horror stories, setting in scene houses that are endowed with their own personalities (criminal, of </span><span style="font-size: small;">course); but by including buildings in his blood-soaked list such as the Atomium, the Yser tower, the Palace of </span><span style="font-size: small;">Justice in Brussels and the S.M.A.K. in Ghent, the artist lends a connotation that is clearly political as well as </span><span style="font-size: small;">cultural.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Born in the mining town of Lubumbashi, Jean Katambayi Mukendi underscores the importance of his origins in </span><span style="font-size: small;">the process that led him to become an artist, after training as an electrician (like his father), then as </span><span style="font-size: small;">mathematician: “As children, weʼd manipulate lots of metals. Weʼd make our own toys out of metal wire.” His </span><span style="font-size: small;">sculptures are elaborated starting from pieces of cardboard and scrap electrical appliances. Electricity, along </span><span style="font-size: small;">with its economic and sociologic impact (particularly in Africa where its production and management are often </span><span style="font-size: small;">quite problematical), is at the centre of his thinking. The subject is more current than ever after the Fukushima </span><span style="font-size: small;">disaster: energy produced by Man, or tapped from the sun? </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With Charley Case, this questioning takes the form of a poetic image, with the solar star posed upon a network </span><span style="font-size: small;">of high-tension cables, in the mist of dawn. As for Dieu le Père from Laurent Jourquin, he has conclusively </span><span style="font-size: small;">opted for human technology: his eyes of LED light invite the viewer to mount in order to cross the otherwise </span><span style="font-size: small;">inaccessible gaze — but a beyond-the-tomb surprise awaits us at the summit! An off-beat humour with flavour of </span><span style="font-size: small;">morbidity as of JIMP's ; his drawings which aim to create a feeling of instability to the viewer are often inspired by </span><span style="font-size: small;">autobiographical experiences whose nature remains obscure.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De titel van de tentoonstelling, <strong><em>The Aspiration Factory</em></strong>, doet denken aan werk dat in de maak is, een intense </span><span style="font-size: small;">zoektocht van kunstenaars die ernaar streven om elementen van reflectie over de kunst zelf te tonen. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Bij Stephan Balleux gaat deze reflectie over de schilderkunst als medium: ʻHet is duidelijk dat datgene waar </span><span style="font-size: small;">je naar kijkt een schilderij is, en dus artificieel. Maar tegelijk kijk je ook naar iets dat een foto zou kunnen zijn. </span><span style="font-size: small;">De textuur is vlak, maar portretteert de textuur van verf.ʼ De ʻFactoryʼ is synoniem met experiment, een </span><span style="font-size: small;">centrale component in de techniek van de schilder, die erkent dat hij vaak ruimte laat voor het toeval, </span><span style="font-size: small;">bijvoorbeeld als hij de kleuren direct op het doek mengt: ʻIk weet wat ik doe, en tegelijk weet ik niet waar ik </span><span style="font-size: small;">uiteindelijk uitkom.ʼ</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Hetzelfde uitgangspunt bij Kate Atkin. Haar grote tekeningen vertrekken van bestaande beelden – zo is </span><span style="font-size: small;">haar Etude gebaseerd op Drie studies voor personages aan de voet van het kruis van Francis Bacon: het </span><span style="font-size: small;">gaat erom zich, althans gedeeltelijk, over te leveren aan het toeval, en te zien wat er uit de ontmoeting </span><span style="font-size: small;">ontstaat. Ook bij haar is het creatieve proces fundamenteel: ʻIk zie het tekenproces als het genereren van </span><span style="font-size: small;">inhoud, en het is moeilijk te weten wanneer je moet stoppen met genereren.ʼ</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Voor Chris Barnes is deze instabiliteit van het creatieve proces een basis van de realiteit (ʻde wereld </span><span style="font-size: small;">waaraan wij vastzitten is onstabiel.ʼ). Zijn sculpturen die er op het eerste gezicht lachwekkend uitzien en erg </span><span style="font-size: small;">verwant zijn aan readymades, zijn in de eerste plaats een bron van tevredenheid voor zichzelf (ʻKunstenaar </span><span style="font-size: small;">zijn, gaat voor mij in de eerste plaats over iets doen dat me gelukkig maaktʼ) – wat niet wil zeggen dat ze </span><span style="font-size: small;">niets te zeggen hebben over de kunstwereld, die ze met humor op de korrel nemen. Ook de Appendices van </span><span style="font-size: small;">Toby Christian, marmeren fragmenten die afkomstig lijken van antropomorfe sculpturen op groot formaat, </span><span style="font-size: small;">stellen vragen over het statuut van het werk: is wat verborgen is belangrijker dan wat wordt getoond? </span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">John Isaacs geeft daarvan zijn eigen, spectaculaire versie, met Everything is not enough - vor der Sintflut: </span><span style="font-size: small;">een gigantische verzilverde hand met zes vingers, waarin een scherm is verwerkt. De verbeelding van de </span><span style="font-size: small;">toeschouwer wordt zwaar op de proef gesteld om het vreemde monument waarvan ze afkomstig is, te </span><span style="font-size: small;">reconstrueren. Deze relatie tot afwezigheid staat ook centraal in de reeks van de Life Rooms van Toby </span><span style="font-size: small;">Christian. Deze bestaan uit stukken schuimrubber die modellen gebruiken om te blijven rechtstaan tijdens </span><span style="font-size: small;">naaktstudies en waarop nog de markeringen staan waarop ze hun voeten moesten zetten. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Soren Dahlgaard – of veeleer zijn alter ego, de ʻGuerrier de Pâteʼ wiens lichaam en gezicht verborgen zitten </span><span style="font-size: small;">achter stokbroden – herinterpreteert de relatie kunstenaar/model door het lichaam van de modellen die voor </span><span style="font-size: small;">hem poseren letterlijk met verf te bedekken tijdens erg kleurrijke performances. Bij Tom Crawford is de </span><span style="font-size: small;">reflectie eerder politiek van aard: hij bestudeert in zijn werk de evolutie van verlaten industriële sites die </span><span style="font-size: small;">beetje bij beetje door kunstenaars worden ingenomen, dan door galeriehouders worden verbouwd en tot slot </span><span style="font-size: small;">veranderen in exclusieve woningen voor hun verzamelaars. De bouw en de leefwereld staan centraal in de </span><span style="font-size: small;">reeks Bleeding Houses van Marko Mäetamm, die zich op griezelverhalen inspireert om huizen met hun </span><span style="font-size: small;">eigen (altijd criminele) persoonlijkheid te ensceneren. Maar door in zijn reeks bebloede gebouwen bouwsels </span><span style="font-size: small;">als het atomium, de IJzertoren, het Brusselse justitiepaleis of het Gentse SMAK op te nemen, krijgt ze een </span><span style="font-size: small;">duidelijk politieke en culturele connotatie.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">Jean Katambayi Mukendi, die werd geboren in de mijnstad Lubumbashi, benadrukt de rol die zijn afkomst </span><span style="font-size: small;">heeft gespeeld in het proces dat hem ertoe bracht om kunstenaar te worden, na een opleiding tot elektricien </span><span style="font-size: small;">(zoals zijn vader) en daarna tot wiskundige: ʻAls kind waren we veel met metaal bezig. We maakten ons </span><span style="font-size: small;">eigen ijzeren speelgoedʼ zegt hij onder meer. Zijn sculpturen en installaties zijn opgebouwd uit stukken </span><span style="font-size: small;">karton en afgedankte elektrische apparaten. De economische en sociale impact van elektriciteit (vooral in </span><span style="font-size: small;">Afrika waar de productie en het beheer ervan vaak problematisch is), staat centraal in zijn reflectie. Dit </span><span style="font-size: small;">thema is meer dan ooit actueel na Fukushima: door de mens geproduceerde energie, of zonne-nergie?</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le titre de lʼexposition, <strong><em>Aspiration Factory</em></strong>, évoque un travail en cours dʼélaboration, une recherche intense </span><span style="font-size: small;">menée par des artistes qui aspirent, à travers leurs œuvres, à fournir des éléments de réflexion sur le champ </span><span style="font-size: small;">de lʼart lui-même. Chez Stephan Balleux, cette réflexion porte sur la peinture en tant que médium : « You </span><span style="font-size: small;">can see clearly that what you are looking at is a painting, and thus artificial. But at the same time you also </span><span style="font-size: small;">seem to be looking at something that could be a photograph. The texture is flat, but portrays the texture of </span><span style="font-size: small;">paint. » </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La « Factory » est synonyme dʼexpérimentation, une composante centrale dans la technique du peintre, qui </span><span style="font-size: small;">reconnaît laisser souvent une place au hasard, par exemple lorsquʼil mélange directement les couleurs sur </span><span style="font-size: small;">la toile : « I know what Iʼm doing and at the same time I donʼt know how I get there ultimately. » Même </span><span style="font-size: small;">propos chez Kate Atkin, dont les grands dessins sont réalisés au départ dʼimages existantes – voir </span><span style="font-size: small;">notamment son Etude qui prend pour point départ les Trois études pour personnages au pied de la Croix de </span><span style="font-size: small;">Francis Bacon : il sʼagit de sʼen remettre, pour une part du moins, au hasard, et voir ce quʼil adviendra de la </span><span style="font-size: small;">rencontre. Chez elle également, le processus de création est fondamental : « I see the process of drawing </span><span style="font-size: small;">as the generating of matter, and it's hard to know when to stop generating. » </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Cette instabilité du processus créatif, Chris Barnes la voit comme un fondement du réel (« the world we </span><span style="font-size: small;">attach to is unstable ») ; ses sculptures dʼapparence dérisoire, qui tiennent beaucoup du readymade, sont </span><span style="font-size: small;">dʼabord source de contentement pour lui-même (« For me being an Artist is primarily about doing something </span><span style="font-size: small;">that makes me happy ») – ce qui ne veut pas dire quʼelles nʼaient rien à dire sur le monde de lʼart, quʼelles </span><span style="font-size: small;">défient avec humour. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De même, les Appendices de Toby Christian, fragments en marbre qui semblent provenir de sculptures </span><span style="font-size: small;">anthropomorphiques de grandes dimensions, posent la question du statut de lʼœuvre : ce qui est caché a-t-il </span><span style="font-size: small;">plus dʼimportance que ce qui est exposé ? John Isaacs en donne sa propre version, spectaculaire, avec </span><span style="font-size: small;">Everything is not enough - vor der Sintflut : une gigantesque main argentée pourvue de six doigts, et dans </span><span style="font-size: small;">laquelle est incrustée un écran ; lʼimagination du spectateur est mise à rude épreuve pour reconstituer </span><span style="font-size: small;">lʼétrange monument dʼoù elle a été tirée. Ce rapport à lʼabsence est également au centre de la série des Life </span><span style="font-size: small;">Rooms de Toby Christian, morceaux de mousse utilisés par les modèles pour se tenir debout lors des </span><span style="font-size: small;">études de nu, et qui ont conservé la trace des marques sur lesquelles poser les pieds. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Soren Dahlgaard – ou plutôt, son alter ego, le « Guerrier de Pâte », dont le corps et le visage sont </span><span style="font-size: small;">dissimulés par des baguettes de pain – revisite cette relation artiste/modèle en recouvrant littéralement de </span><span style="font-size: small;">peinture le corps des personnes posant pour lui, dans le cadre de performances hautes en couleur. Chez </span><span style="font-size: small;">Tom Crawford, la réflexion se fait politique : son travail étudie lʼévolution des zones industrielles </span><span style="font-size: small;">abandonnées et peu à peu occupées par des artistes, puis transformées pour leurs galeristes, et enfin </span><span style="font-size: small;">gentrifiées pour leurs collectionneurs. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">La construction et lʼhabitat sont au cœur de la série des Bleeding Houses de Marko Mäetamm, qui sʼinspire </span><span style="font-size: small;">des récits dʼhorreurs mettant en scène des maisons dotées de leur personnalité propre (et forcément </span><span style="font-size: small;">criminelle) ; mais en incluant dans sa liste de bâtiments ensanglantés des édifices tels que lʼAtomium, la tour </span><span style="font-size: small;">de lʼYser, le Palais de Justice de Bruxelles ou le S.M.A.K. de Gand, lʼartiste donne à sa série une </span><span style="font-size: small;">connotation clairement politique et culturelle.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Né dans la ville minière de Lubumbashi, Jean Katambayi Mukendi souligne lʼimportance de ses origines </span><span style="font-size: small;">dans le processus qui lʼa conduit à devenir artiste, après une formation dʼélectricien (comme son père), puis </span><span style="font-size: small;">de mathématicien : « Enfants, nous manipulions beaucoup les métaux. On se fabriquait nos propres jouets </span><span style="font-size: small;">en fil de fer », déclare-t-il notamment. Ses sculptures et installations sont élaborées au départ de morceaux </span><span style="font-size: small;">de carton et dʼappareils électriques de rebut. Lʼélectricité, son impact économique et sociologique (en </span><span style="font-size: small;">particulier en Afrique où sa production et sa gestion demeurent bien souvent problématique),  est au cœur de </span><span style="font-size: small;">sa réflexion. Le sujet est plus que jamais dʼactualité après Fukushima : énergie produite par lʼHomme, ou </span><span style="font-size: small;">tirée du soleil ?</span></p> Fri, 03 Aug 2012 15:13:45 +0000 Eric Poitevin - Albert Baronian - May 25th, 2012 - July 14th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La Galerie Baronian_Francey est heureuse de présenter la cinquième exposition personnelle d’Éric Poitevin à Bruxelles.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Depuis une vingtaine d’années, Éric Poitevin revisite à travers la photographie les différents genres de l’histoire de l’art : paysage, nature morte, portrait, nu. Il constitue ainsi des ensembles qu’il arrête et reprend à son gré. Qu’il s’agisse d’êtres humains, d’animaux ou de végétaux, l’artiste travaille selon une même démarche : dépouiller son sujet de tous ses artifices. L’absence d’expression, le cadrage serré, la lumière diffuse, le fond monochrome contribuent à offrir un point de vue le plus neutre possible. Chaque photographie se veut l’affirmation, d’un moment suspendu dans le temps. À première vue silencieuses, ses photographies instaurent malgré tout un dialogue avec le spectateur – c’est là toute la force paradoxale de ce travail. Par le choix de ses sujets (la forêt, l’animal, le corps dénudé), Éric Poitevin joue avec notre imaginaire collectif (ses peurs, ses fascinations, ses désirs).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Éric poitevin est né en 1961 à Longuyon. Il vit et travaille à Mangiennes dans la Meuse. Pensionnaire de la Villa Médicis entre 1989 et 1990, depuis plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées et il a participé à de nombreuses expositions collectives. En 2004, le Frac Île-de-France/Le Plateau (Paris) lui dédie une exposition monographique. En 2007, il expose au Musée de la Chasse et de la Nature (Paris) les photographies réalisées au Domaine de Bel-Val. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques et privées comme le Centre Pompidou - Musée national d’art moderne (Paris), le Fonds National d’Art Contemporain (Paris), le MAMCS (Strasbourg), le MAMCO (Genève), le MUDAM (Luxembourg) ou La Fundaçao de Arte Moderna Contemporanea</span></p> Fri, 01 Jun 2012 15:55:17 +0000 David Brognon (The Plug) - Albert Baronian - May 25th, 2012 - July 14th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Parmi les points de vue sur l’art des dernières décennies, celui s’appliquant, dialectiquement, aux relations avec l’espace urbain ne serait sans doute pas le moins fructueux. L’art a quitté l’intimité des musées, et à l’inverse, ce qui s’est passé dans les rues, sur les murs, disons globalement le street art, s’est imposé par son inventivité, par ses interrogations, interpellations, sur l’individu, sur la société. Voilà pour l’origine des activités artistiques de The Plug, et ses œuvres en ont gardé comme une urgence, quelque chose de direct, au-delà de leur indéniable qualité formelle, plastique. Les photographies ramènent de façon insistante à des lieux où règne le ravage, et la poésie n’en recouvre pas la désolation, le cri de l’effroi, même si telles ouvertures tiennent peut-être de quelque promesse. De promesse, et promesse de Destin simplement, très concrètement, c’est de cela qu’il s’agit, toujours au-delà de l’épurement du néon, dans ces lignes censés tracer un destin. The Plug travaille pour cela avec des femmes et des hommes qui se trouvent en marge de la société, mis à son ban; l’artiste réalise que leur existence, dans sa nudité, dans sa réduction extrême, se fait quand même irradiante.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Lucien Kayser</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les <i>Lignes de destinée </i>représentent les lignes de la main des drogués et/ou marginaux reproduites en néon.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>I Love you but’ I’ve Chosen Darkness</i> <i>(La métamorphose) </i></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Il s’agit de paravents derrière lesquels se cachaient réellement les toxicomanes pour s’injecter l’héroïnes dans la salle de shoot.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La toile d’araignée (symbole de l’addiction dans les codes de tatouages russes), est tressée et posée à la manière d’un vêtement ou d’une parure que l’on enfile ou que l’on enlève.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ce tatouage, à la manière d’un bijou ou d’un habit, transforme de manière presque indélébile toutes les personnes qui l’endossent. Rares sont ceux qui passent derrière ce paravent pour enlever de manière définitive ce symbole.</span></p> Fri, 01 Jun 2012 15:56:59 +0000 Paul Wackers, Maya Hayuk - Alice - May 31st, 2012 - June 30th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">The New York based artist is first of all concerned with figurative painting, which he tends to slightly abstract. His pictures are engaged in non-places, vegetable landscapes with bookshelves and window ledges, offering an insight in a parallel reality. Deserted spaces reflect an inner perception and remind the beholder of the still-life’s by the well-known Dutch classics e.g. Willem van Aelst. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">The regular order of the objects seems to be maintained by the image. Cans, candleholder and empty vases fill up the interior. But at a second glance straight and twisty lines disturb the familiar impression.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;"></span><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">Formally the geometrical aspects of the composition subsist side by side to the organic elements. The traces of individual interpretation become visible on the plane canvas and on the wooden panel. By this means the obscure inner impressions melt into the existing phenomena. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;"><br /></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; font-weight: bold; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">Guest artist: Maya Hayuk</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">The versatile artist lives and works in Brooklyn, New York, where she develops her powerful works. As a guest of Paul Wackers she shows some colorful paintings, which have been produced recently. Driven by energetic moves, the brushstrokes emerge a geometrical structure out of different layers on the surface. The changing directions evoke the impression of repeated patterns, but in comparison to each other, while having a closer view, every piece appears unique.</span></p> Mon, 04 Jun 2012 18:28:36 +0000 David de Tscharner - Aliceday - June 2nd, 2012 - July 20th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">One Sculpture a Day Keeps the Doctor Awaystarted as a response to the invitation from the artist collective, La Table Ronde, to exhibit in the storefront they occupy in the center of Brussels. The exhibition proposal had only one rule: to react to a verb related to the idea of “conversation” and specifically selected by the hosts for each artist. The action ascribed to David De Tscharner was "to confide".<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the midst of a particularly intense creative period, during which David produced numerous drawings and sketches, experimented with new sculptures and tested some original installation ideas, he decided to build a display structure on which he would present a new creation every day. Throughout one month, he thus “confided” his freshly made works to the gaze of passers-by in the lively street where the shop window is located.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Through the succession of objects, a narrative was woven that evoked the journey of the artist's reflection, tinged with personal experiences. The first work presented, for instance, was an old cooking pot in which a strange green mixture soaked. This work acted as a metaphor for the artist's practice, which combined colorful plastic substances, found objects and discarded materials, with playfulness and total un-inhibition. The following day, the succeeding sculpture revealed a much more autobiographical note: a face molded in plastic was violently stabbed by a wooden stick... after a lover's quarrel, according to the artist.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">At the end of the exhibition, David decided to continue the experiment on the Internet, via the website During one year, each day, David published a picture of his most recent work in his virtual storefront. The language that unfolds before our eyes blends opposites - abstract and figurative forms, natural and artificial materials, found and self-made objects, bi-and tri-dimensional work - in sculptures at once creepy and alluring which also bear significant traces of drawing and collage.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">As the son of an art therapist, it is noteworthy that the project title refers to the therapeutic potential of the artistic practice. Each sculpture thus presented on the website is left free to our interpretation, without any description or title that would guide our judgments. Only the evocative shapes and materials allow us to grasp the possible meanings of the objects. Through this game of free interpretation to which we are invited to participate, it is the artist's creative process that we are meant to discover.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For its first presentation in its entirety at the Aliceday gallery in Brussels, the series of 366 sculptures is displayed on large shelves in recycled wood, a common material in the artist's practice, which remind museum reserves. This display mode creates a total environment, where the proliferation of objects appears surprising and generous.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A publication accompanies the presentation in the space. Even if it includes the drawings of all the sculptures, the book doesn't act as an ordinary archive of the project which is already available on the website As a colouring book, the publication invites the public to appropriate the artist's project and to create, through the same playful approach, their own versions of the sculptures. Beyond the opportunity it offers to anyone to benefit from the "therapeutic" virtues of the project One Sculpture a Day Keeps the Doctor Away, each book is also an object in itself. The artist has indeed produced 366 unique copies of the publication. The cover of each copy duplicates one of the 366 sculptures reproduced inside the book. Unlike the black and white silhouettes that make up the images inside the colouring book, the covers exhibit stains of pure colour, spray-painted through stencils, which imitate the shape and colour effects of the sculptures.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The making of both the colouring books and the sculptures, which are all hand-made, requires a very laborious work, similar to craftsmanship. Even if every action – to make another sculpture, to make another book – that the artist takes is identical to the previous one it is also different each time. Like walking, it is through the repetition of a simple gesture that the artist explores a new territory every day. David de Tscharner thus ventures on the path of creation, a path which, according to Heidegger "leads to nowhere". Regardless of the destination, it is the walking, whose appeal is to explore, to act and to invest, that truly matters.<em><br />  <br />  </em></span></p> <p style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><em>***<br /></em></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em> </em></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>One Sculpture a Day Keeps the Doctor Away</em> a commencé comme une réponse à l'invitation du collectif d'artistes La Table Ronde à exposer dans la vitrine qu'il occupait au centre de Bruxelles.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La proposition d'exposition n'avait qu'une seule contrainte : réagir à un verbe lié à la notion de conversation et choisi par le collectif spécifiquement pour chaque artiste invité. L'action ainsi attribuée à David était celle de « confier ».</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Plongé dans une période de travail particulièrement prolifique au cours de laquelle David produit quotidiennement de nombreux dessins, esquisses, essais de sculptures et autres installations, l'artiste décide de construire une structure de présentation sur laquelle il dépose chaque jour une nouvelle création. Durant un mois, il confie ainsi aux regards des passants de la rue animée où se situe la vitrine ses travaux fraîchement sortis de l'atelier. A travers la succession des objets, se tisse alors un récit qui évoque le cheminement de la réflexion artistique, teintée d'expériences personnelles. La première oeuvre ainsi présentée est une vieille casserole où mijote une étrange mixture vert pop, métaphore de la pratique de l'artiste qui aime mélanger substances plastiques hautes en couleurs, objets trouvés et matériaux de rebut, de manière parfaitement ludique et décomplexée. Dès le jour suivant, la sculpture qui la remplace révèle un caractère nettement plus autobiographique : un visage de plasticine se fait ainsi éborgner par un morceau de bois... suite à une dispute amoureuse, selon les explications de l'artiste.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Au terme du projet, l'artiste décide de poursuivre l'expérience sur Internet, via le site Chaque jour, pendant un an, il publie les images de ses productions les plus immédiates dans sa vitrine virtuelle. Le langage qui se déploie sous nos yeux marie les opposés – formes abstraites et figuratives, matériaux naturels et artificiels, objets trouvés et créés, travail bi- et tri dimensionnel – en des sculptures à la fois étranges et attrayantes qui révèlent également une importante pratique du dessin et du collage.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En tant que fils d'une art-thérapeute, il n'est pas anodin que le titre du projet fasse référence aux potentiels thérapeutiques de la pratique artistique. Chaque sculpture ainsi présentée sur le site est laissée à notre libre interprétation, sans le moindre descriptif qui permettrait de guider notre jugement. Seules les formes et les matières évocatrices nous permettent d'appréhender les objets. A</span> <span style="font-size: small;">travers ce jeu de libre interprétation auquel nous sommes conviés, c'est le cheminement même de l'artiste que nous découvrons. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Pour sa première présentation dans son intégralité à la galerie aliceday à Bruxelles, l'ensemble des 366 sculptures est exposé sur des grandes étagères en bois recyclé, matériau courant dans la pratique de l'artiste, qui évoquent les réserves d'un musée. L'ensemble fonctionne comme un environnement englobant, où la multiplication des objets ainsi donnés à voir apparaît surprenante et généreuse.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Une publication accompagne également la présentation dans l'espace. Si celle-ci reprend les silhouettes de chacune des sculptures, elle n'est pas pour autant la simple archive du projet, que le site Internet constitue déjà. Sous la forme d'un livre de coloriage, cette édition propose au public de s'approprier le projet de l'artiste et de créer, à travers le même mode ludique, ses propres versions des oeuvres. Au delà de la possibilité qu'elle offre de faire bénéficier tout un chacun des vertus « thérapeutiques » du projet <em>One Sculpture a Day Keeps the Doctor Away</em>, chaque édition est également un objet en soi. L'artiste a en effet produit 366 exemplaires uniques de par leur couverture qui reprend chaque fois le motif d'une des 366 sculptures reproduites. A l'inverse des silhouettes dessinées en noir sur blanc qui composent les pages du livre de coloriage, les couvertures sont des taches de couleur pure, peintes à la bombe à travers des pochoirs, qui reproduisent les contours des sculptures et dont les effets de camaieu sont semblables à ceux que l'on observe sur celles-ci.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tant les livres que les sculptures requièrent donc un travail extrêmement laborieux, qui s'apparente à l'artisanat. Si chaque geste que fait l'artiste est à la fois identique au précédent – refaire une sculpture, refaire un livre – il est un même temps différent. A l'instar de la marche, c'est par la répétition de gestes simples que l'artiste balise chaque jour un nouveau territoire. David de Tscharner s'aventure ainsi sur le chemin de la création, ce chemin qui, selon les termes de Heidegger « ne mène nulle part », car peu importe la destination, c'est la marche, dont l’intérêt est d’explorer, d’agir et d’investir, qui importe.</span><br />  <br /> Devrim Bayar</p> Fri, 29 Jun 2012 22:51:29 +0000 Aaron Curry - Almine Rech Gallery Brussels - June 1st, 2012 - July 27th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Interview with Aaron Curry through skype on May 23rd 2012. Julie Boukobza </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>How did you approach your first show at the Brussels's gallery?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I went to visit the gallery a few months ago, and simply started by making sketches in response to the space.  My last few shows were based on a loose idea of abstraction using different forms of camouflage, with patterns that had been created using a computer. I covered the rooms and sculptures with the same pattern so that the forms would disappear at different angles, and change as you walked around them. With this show I decided to use what was already there, which is the white walls. The main gallery consists of all white sculptures and wall pieces. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>In this exhibition, it seems that you decided to make a clear distinction between the handmade and fabricated artwork?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">There is a difference but it’s not as big as it seems. The works were produced from maquettes that I had quickly made by hand with a jigsaw, almost like sketches. They were then scanned, blown up and produced in metal. What happens when you do this is the gesture that I make using the saw gets amplified. Something that is maybe six inches becomes six feet. I think of it more like an amplification of the handmade. The original gesture is mediated but it still feels extremely physical and even more intensified. It’s like plugging a guitar into an amplifier to make it louder. These works function in the same way to me. </span><br /><span style="font-size: small;"><strong> </strong> </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>It is often said about your work that you jump easily from one dimension to another, the line between two and three dimension seems blurry, how can you explain this phenomenon?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I started out as a painter, and when I first started making sculptures they were pretty much just clunky paintings that were falling off the walls. The more they spilled into the space, I realized that I liked the awkwardness of them, that the space they existed in was somewhere in between two and three dimensions. It’s a bit open ended in a way. I wasn’t brought up around art so my understanding of painting and sculpture came from books. And because I learned to look at art from a flat plane in a book, an album cover, or even a computer screen, I’ve always enjoyed the awkwardness of it as an illusion. I like to try and find in my work this space in between the two. I guess I’m always trying to get my paintings to come out into the space three dimensionally while also trying to get my sculptures to do the opposite, to flatten into the walls around them. </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Do you think that digital and / or analog values are consciously part of your practice?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I don’t know, analog make me think of music because I used to be a musician and I understand the difference in that way. As far as making artworks, I don’t know how to apply analog to it. If you think about analog in music terms, say if you record something, there is always a relation to time. It can be something on a loop, or something always moving forward. It can be cut or spliced but it usually takes time and feels kind of crude. With digital you can cut and paste much faster and easier. It’s in its nature, which is really interesting to me. I think I’m probably nostalgic for an analog idea of things, because that’s what I grew up around, it is more natural to me because of this, but digital is much more exciting! </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>What about your approach in the making?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">Even when I’m making a physical sculpture, I use this approach. I have two studios. One is a wood shop where I work on my sculptures and the other a painting studio at home. I often take photos of my sculpture in process so that I can come home and use my computer to digitally draw on top of the image using a drawing tablet to make adjustments. It gives me a certain amount of freedom to think about things and also move very quickly with them. And the next day I can return to my woodshop and make those cuts, if that makes sense. I love this idea of even looking at you now on the computer and that there are other programs and windows open behind the skype window. This is very much like a cubist idea of space, where if I put or pull another image on top of this or that program, the screen or window changes. You can mash it up that way with hundreds of images at one time. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Your sculptures always seem in motion - from Giacometti " Walking Man" to Calder's " Devil Fish"-  standing on dollies or not, as if they were ready to go somewhere, but where?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I like that sculptures usually just sit there, and when you approach them and walk around, they change. You give it movement through your interaction. And I like to give them a sense of movement, or the feeling that it is about to move, or can be moved. It’s equally interesting as balance, for example, if you make a sculpture that looks like it’s about to fall over using balance, it gives it this implied movement, through weight and form. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Is  "California versus Texas" a component of your work and a way to understand it?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;"><strong> </strong> </span><br /><span style="font-size: small;">I just did a show with Richard Hawkins, a fellow Texan and good friend of mine in Los Angeles at David Kordansky Gallery. That show was heavily influenced by Texas or more the imagery and idea of what Texas looks like from the outside. I don’t think we could have made that show working in Texas, it had to be done in Los Angeles looking back. But it’s true that even today when I look at Noguchi or David Smith I automatically make reference to something from my past that was cobbled together outside of some hillbilly shack somewhere. Whether it was a tire sculpture in my neighbors yard, or a prop from the TV show Hee-Haw. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>In which state of mind do you approach collages?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">It’s kind of an in between place. They are usually created in a moment where I take a break from other things whether it’s sculpture or painting, and allow myself the freedom to not think, or actually to think visually. It’s somehow like a commercial break on television where you tune out in between the show. It’s hard to explain. I like that I don’t need to make sure it physically stands up like a sculpture, so there isn’t any real physical interaction other than moving images around. And the great thing about this part of my practice is that I can make a hundred collages and throw them out at the end of the day if I feel that they don’t work.  That’s a lot of freedom. </span></p> Tue, 10 Jul 2012 16:17:32 +0000 Emilie Pischedda - anyspace - June 7th, 2012 - July 7th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Emilie Pischedda travaille principalement la photographie et la sculpture, attachant un intérêt particulier á l'infime, aux détails d'une banalité glanée au hasard de ses déambulations. Au fil des cadrages, elle détermine et crée des séquences de narrations fictionnelles.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> Le modus-operandi de son travail réside donc dans une pratique du glanage au cours de ses déplacements. A travers la collecte compulsive d'images et d'objets, il s'agit de se constituer une base de données, un vocabulaire plastique à partir desquels elle construit de nouvelles formes, qui  expriment à leur tour une représentation de notre monde.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> L'exposition <em>Simulacres</em> proposée à la galerie Anyspace s'articule autour de l'idée de "représentation" et par extension les notions d'illusion, d'imitation, de simulation, de faux, de leurre... Au-delà, il s'agit de traiter des rapports de l'homme à la nature et à l'image. Emilie Pischedda part du constat que toute image est fausse, puisqu'elle ne s'inscrit pas dans le "ici et maintenant".</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> La pièce en vitrine se présente comme incipit de l'exposition. Il s’agit d’une mise en abyme de l'idée de représentation, à partir d’une image de l’intérieur délabré d’un palais de l'époque impériale que l'artiste a photographié en Russie. La photographie elle-même est accrochée sur un mur recouvert d'un papier représentant la même image. Emilie Pischedda joue avec les espaces et le temps, l'histoire du lieu, le sujet, le rapport entre l'espace virtuel de la photographie et l'espace réel intérieur et extérieur. Cette image d'un mur délabré est en soi également un clin d'oeil à la peinture abstraite et à la sculpture.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> La photographie <em>Lignes, Chevrons ( Atlantes)</em>, prise dans le même lieu en Russie ouvre l'exposition dans la galerie. On y voit deux statues colossales en plâtre, enserrées dans une structure en bois et entreposées à l'intérieur du palais. A l'origine, elles en ornaient la façade et on été sauvées de destruction durant l'époque soviétique. Ces représentations idéalisées et démesurées de l'homme sont pour l'artiste l'image même du simulacre; la création d'une réalité qui n'existe pas. De plus leur fonction initiale d'apparat, d'ornement destiné à impressionner, s'inscrit également dans la thématique de l'exposition.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Emilie Pischedda propose également une série de sculptures. Des détournements d’objets décoratifs “naturalistes”; un bestiaire animalier en porcelaine et des fausses fleurs. Ils deviennent des objets monochromatiques, qui par leur recouvrement effacent le détail de l'analogie au vivant en terme de texture. La matière figurative devient un support en trois dimensions pour parler de peinture et de sculpture. La contradiction entre l'artificialité des objets employés, fausses fleurs et faux animaux, fait écho à l'apparition par le simulacre d'une nouvelle réalité transformée.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> Aux travers des religions, des mythes, l'homme se construit par le biais de l'imagerie du héros, qui pour s'affirmer en tant qu'être singulier se doit de surmonter des épreuves. Ainsi, Oedipe doit résoudre l'énigme que lui pose le Sphinx pour rentrer dans la cité de Créon: “Quel être, pourvu d’une seule voix, a d’abord quatre jambes, puis deux jambes, et trois jambes ensuite? L'Homme !”. Les trois ornements floraux présentés dans l'exposition sont représentation de ce mythe fondateur et  Les trois étapes du développement de l'homme: enfance, âge adulte, vieillesse. Le papier peint à motif floral destiné à l'encollage pour figer la nature contre un mur, est minutieusement découpé puis agencé comme un ikebana et devient sculpture. </span></p> Sat, 23 Jun 2012 17:54:47 +0000 Raphaël Cuomo, Maria Iorio - Argos Centre for Art and Media - April 22nd, 2012 - July 1st, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Since 2006, the long-term and collaborative projects of Maria Iorio (1975) and Raphaël Cuomo (1977) have formed two parallel ensembles of works: <em>Toward a history of the vanishing present</em> researches the economies of visibility in relation to past and present mobility regimes over the shores of the Mediterranean Sea. The resulting body of works manifests divergent histories or unfinished negotiations that account for an entangled modernity. <em>Twisted Realism</em>, which started in Rome in 2008 and developed in several phases, examines various “aesthetics of reality” and the intertwined histories of architecture, migration and cinema. Drawing on several archives in Roma and Bologna, <em>Twisted Realism</em> focuses on the reconfiguration of the urban space after WWII and its depiction in Italian cinema in the period of post-war reconstruction and the "economic miracle". The project takes Pasolini’s film <em>Mamma Roma </em>(1962) as a case study to investigate both this period, which is marked by a reorganization of capitalism, increasing consumption and the emergence of new technologies of vision in the form of television, and the contemporary Italian context. <em>Twisted Realism</em> evokes how the "glorious Italian cinema of the 1960s" was commodified in a process of privatisation of culture and monopolisation of the mediascape, as well as how it was appropriated for writing an unifying version of the national history. The exhibition at Argos brings the premiere of the same titled film presented in an architectural display, together with a series of photographs and collected documents that contextualize the project in a wider frame.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>The exhibition <em>Twisted Realism</em> is supported by <a href="">Pro Helvetia - Swiss Arts Council</a>. </strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The project <em>Twisted Realism</em> has been supported by: Erna und Curt Burgauer Stiftung; George Foundation; Fonds cantonal d’art contemporain, Genève; Fonds d’art contemporain de la ville de Genève; République et Canton du Jura. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With the kind collaboration of: Centro Studi – Archivio Pier Paolo Pasolini, Cineteca di Bologna (Bologna); Archivio del Movimento Operaio e Democratico (Rome); Archivio Storico Luce (Rome); Archivio Centrale dello Stato (Rome).</span></p> <p></p> Tue, 20 Mar 2012 09:42:21 +0000 Nicolas Provost - Argos Centre for Art and Media - April 22nd, 2012 - July 1st, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">After the critically acclaimed success of his first feature film <em>The Invader</em>, Nicolas Provost (1969) presents the fresh Plot Point Trilogy at Argos. Provost’s work reflects on the grammatics of cinema, the human condition in our collective film memory and the relationship between visual art and the cinematic experience. Time and again his phantasmagorias provoke both recognition and alienation and succeed in capturing our expectations in an unravelling game of mystery and abstraction. Staged in a specially for the occasion constructed immersive setting, the exhibition at Argos brings together the three episodes of the <em>Plot Point Trilogy</em> for the first time, including the premiere of the final chapter that Provost shot in the heart of Tokyo. The trilogy investigates the boundaries and influences between fiction and reality by filming everyday life with a hidden camera and then editing the cinematic images into a fiction film using narrative codes from the Hollywood film language. The first episode, <em>Plot Point </em>(2007), turned Times Square into a dramatic thriller featuring the NYPD as a main character. After New York, Provost took his hidden camera to Las Vegas for the second episode, <em>Stardust</em> (2010), and transformed the glorious and ambiguous power of the gambling capital into an exciting crime story featuring real Hollywood stars. In the last episode of this series, Provost infiltrates the daily life of the Japanese metropolis following a serial killer character played by an actor. <strong><br /> </strong></span></p> Mon, 07 May 2012 13:23:09 +0000 Hansgeorg Dickmann, Peter de Leuw, Jef Cornelis - Argos Centre for Art and Media - April 22nd, 2012 - July 1st, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">At a time when Kassel is in the midst of preparations for <em>d13</em>, Argos takes a look back through the prism of television reporting to a key period in the history of this mega event. The <em>documenta</em> time-line runs parallel with that of television. The ARD company made the first television broadcast in Germany on 1<sup>st</sup> November 1954. It was on 15<sup>th</sup> July of the following year, during the Cold War, that the first <em>documenta</em> was held. The period from 1955 to the present reads like a story of upscaling for the masses, rooted in the consumer and entertainment culture, media proliferation and advancing populism. The only partially achieved social and artistic aims of the curators and artists, inherent to working in a format that has to reconcile all manner of paradoxes and contradictions, were another constant in this period.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">If one were to draw up an account of the reception of contemporary art, one could not ignore the <em>documenta-</em>era from 1968 to 1977. Two documentaries by Jef Cornelis (<em>d4</em> &amp; <em>d5</em>) and a live broadcast by the Hessischer Rundfunk (<em>d6</em>) tell the story of the strangled ambitions, misunderstandings and the overriding madness of the moment.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The first three <em>documentas</em>, organised by its initiator Arnold Bode, showed a retrospective overview of international art that was intended to put postwar Germany back on the map. Cornelis’ film <em>documenta 4</em> marked the break with what had gone before. Now it was all ‘art as it happens’. A twenty-four member jury that included Bode came up with a chaotic exhibition. In 1968, the year of revolution, art was in the midst of a breakdown of authority. Cornelis’ <em>documenta 5</em> unmasked the work of the curator Harald Szeemann as a consumer spectacular rather than the laboratory for art and society that had originally been envisaged. In 1977 Peter de Leuw and Hansgeorg Dickmann’s <em>documenta 6</em> sailed under the flag of ‘art in the media society’. During a live broadcast by the Hessischer Rundfunk such artists as Nam June Paik and Joseph Beuys found themselves in hostile territory. As far as the granting of equal rights to art and the media was concerned, and the notion of anti-openness, the only thing they could still do was make a pastiche of them.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> <strong><br /> Opening Night 21.04.2012 // 18:00 - 21:00</strong><strong><br /> <br /> Screening programme:</strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>11h00 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong> Jef Cornelis - Documenta 4 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1968, 53’40", b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles.</span><br /><span style="font-size: small;"> <strong><br /> 12h00 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Jef Cornelis -  Documenta 5</strong> </span><br /><span style="font-size: small;"> 1972, 53’19", colour and b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>13h00<br /> Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann - </strong><strong>documenta 6</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 40’26", German spoken, English subtitles.</span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann</strong> - <strong>documenta 6 - Ad hoc Diskussion nach der Eröffnung der documenta 6 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 44’50", German spoken, English subtitles.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong> 14h30</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Jef Cornelis - Documenta 4 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1968, 53’40", b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>15h30</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Jef Cornelis -  Documenta 5</strong> </span><br /><span style="font-size: small;"> 1972, 53’19", colour and b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles.</span><br /> <br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>16h30</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann - </strong><strong>documenta 6</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 40’26", German spoken, English subtitles.</span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann</strong> - <strong>documenta 6 - Ad hoc Diskussion nach der Eröffnung der documenta 6 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 44’50", German spoken, English subtitles.</span></p> Tue, 20 Mar 2012 09:49:27 +0000 Jacques Lizène - Atelier 340 Muzeum - April 27th, 2012 - June 20th, 2012 <p style="text-align: justify;">Au Musée du Quai Branly à Paris, où il participe à l’exposition « Les Maîtres du Désordre » (1), Jacques Lizène occupe la position du Cheyenne contraire. Chez les Cheyennes, la « Société des Contraires » regroupe des guerriers qui faisaient tout à l’envers. Toujours à Paris, pour la réouverture du Palais de Tokyo (2), Jacques Lizène interprète une œuvre de musique à l’envers, nouvelle création intitulée « Edaneres » du compositeur GiWduL noV neVoHteeB.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">C’est donc tout naturellement dans le même esprit qu’il aborde son exposition à l’Atelier 340 Muzeum, exposition qu’il intitule « Jacques Lizène, Chaises musicales croisées, musique à l’envers en remake », une exposition essentiellement composée de nouvelles productions dont une « Sculpture Nulle, 1980, pour Musique à l’Envers, en remake 2012 ». Lizène transforme l'ancienne salle de danse de l’Atelier 340 Muzeum en salle de concert à l’envers.</p> <p style="text-align: justify;">La musique à l’envers est une idée de 1979, mise en œuvre en 1996. Avec la musique à l’envers, voire doublement à l’envers, il réinvente «n’importe quelle composition en lisant à l’envers toutes les œuvres, comme art d’attitude d’art médiocre et Music’ Minable». Le but assigné au concept de réécriture compositionnelle n’a pas la prétention de créer de nouvelles sonorités mais bien de « lutter contre l’idée de jugement ».</p> <p style="text-align: justify;">Jacques Lizène, compositeur non composant et ses musiciens seront bien sûr en performance lors du vernissage de l’exposition le vendredi 27 avril à partir de 19 heure.</p> <p style="text-align: justify;">(1) Les Maîtres du Désordre, Musée du Quai Branly, du 11 avril au 29 juillet 2012<br />(2) Palais de Tokyo, réouverture, les 12 et 13 avril 2012.</p> Sat, 12 May 2012 10:06:16 +0000 Arnaud Kool - Bodson Gallery - June 8th, 2012 - June 30th, 2012 Mon, 11 Jun 2012 13:29:49 +0000 Group Show - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - June 14th, 2012 - September 16th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>Sense of Place</i> is the major exhibition of the new edition of the <i>Summer of Photography</i>. Landscape occupies a central position in the history of art in general and of photography in particular. How we see it today is affected by the ecological requirements of the post-industrial society. Concern for the future has led us to reconsider our individual relationships with the environment and to take a closer look at its place in our traditions and our history. Increasingly, we live less in the landscape than with it. <i>Sense of Place</i> looks at our relationship with the environment in the context of European photography. Presenting some 160 works by 40 photographers from every member country of the European Union, the exhibition demonstrates the diversity of the European landscape. Divided into three major geographical regions - northern, central, and Mediterranean Europe - the works show how the natural environment has helped to shape identities. The photographers show that Europe is not just a political zone, but also a place with personal meanings for every individual.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Head curator:</b> Liz Wells</span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Participating artists: </b></span><br /><span style="font-size: small;"><b>North</b></span><br /><span style="font-size: small;">Per Bak Jensen (Denmark), Bruno Baltzer (Luxembourg), Elina Brotherus (Finland), Carl De Keyzer</span> <span style="font-size: small;">(Belgium), Gerco de Ruijter (The Netherlands), Olafur Eliasson (Denmark), Gina Glover (United</span> <span style="font-size: small;">Kingdom), Alexander Gronsky (Latvia), Ilkka Halso (Finland), Anthony Haughey (Ireland), Gerry</span> <span style="font-size: small;">Johansson (Sweden), Flo Kasearu (Estonia), Bart Michiels (Belgium),Jackie Nickerson (Ireland),</span> <span style="font-size: small;">Arturas Raila (Lithuania), Jem Southam (United Kingdom)</span><br /><span style="font-size: small;"><b>Central</b></span><br /><span style="font-size: small;">Pavel Banka (Czech Republic), Arion Gábor Kudász (Hungary), Andreas Gursky (Germany), Yenny </span><span style="font-size: small;">Huber (Austria), Peter Kostrun (Slovenia), Maros Krivy (Slovakia), Andreas Müller-Pohle (Germany),</span> <span style="font-size: small;">Vesselina Nikolaeva (Bulgaria), Tudor Prisacariu (Romania), Szymon Roginski (Poland), Thomas</span> <span style="font-size: small;">Weinberger (Germany)</span><br /><span style="font-size: small;"><b>South</b></span><br /><span style="font-size: small;">Nigel Baldacchino (Malta), Pedro Cabrita Reis (Portugal), Marianna Christofides (Cyprus), Céline </span><span style="font-size: small;">Clanet (France), Gerardo Custance (Spain),Augusto Alves da Silva (Portugal), Joan Fontcuberta</span> <span style="font-size: small;">(Spain), Irene Kung (Italy), Chrystel Lebas (France), Nikos Markou (Greece), Nicos Philippou</span> <span style="font-size: small;">(Cyprus), Theodoros Tempos (Greece), Massimo Vitali (Italy)</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>Sense of Place</i> est l’exposition centrale de cette nouvelle édition du <i>Summer of Photography</i>. Le paysage a occupé une place prépondérante dans l’histoire de l’art en général, et dans celle de l’image, en particulier. Mais il relève aujourd’hui d’une actualité brûlante dictée par les impératifs écologiques de l’ère post-industrielle. Cette préoccupation de notre destinée collective nous invite à reconsidérer notre relation individuelle à notre environnement et à mieux l’inscrire dans nos traditions et notre histoire. Nous vivons aujourd’hui moins dans le paysage que nous ne vivons avec lui. L’exposition <i>Sense of Place</i> décline cette thématique à travers la photographie européenne. Avec quelque 160 œuvres de 40 photographes originaires de tous les pays de l’Union européenne, elle reflète la variété du paysage européen. Réparties en trois grandes régions géographiques - Europe septentrionale, centrale et méditerranéenne -, les œuvres permettent de comprendre que les identités peuvent également se sédimenter au contact d’un environnement naturel. Les photographes ne montrent pas l’Europe comme un simple espace politique mais comme un lieu porteur de sens pour chacun d’entre nous.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>Sense of Place</i> is de centrale tentoonstelling van de nieuwe editie van de <i>Summer of Photography</i>. In de kunstgeschiedenis, en meer bepaald in de geschiedenis van de fotografie, neemt het landschap een dominante plaats in. Vandaag maakt het deel uit van een actualiteit bepaald door de ecologische eisen van de postindustriële samenleving. De bezorgdheid voor de toekomst zorgt ervoor dat we onze individuele relatie met de omgeving in vraag stellen en dat we die omgeving beter willen inpassen in onze traditie en geschiedenis. Steeds minder leven we in het landschap, als wel met het landschap. <i>Sense of Place</i> behandelt deze thematiek binnen de context van de Europese fotografie. Met een 160-tal werken van 40 fotografen uit alle lidstaten van de Europese Unie schetst de tentoonstelling de diversiteit van het Europese landschap. De werken, opgedeeld in de grote regio’s Noord-, Centraal- en mediterraan Europa, tonen hoe identiteiten ook door de natuurlijke omgeving gevormd worden. De fotografen tonen dat Europa behalve een politieke ruimte ook een plek is die voor iedereen persoonlijke betekenissen draagt.</span></p> Mon, 13 Aug 2012 14:31:02 +0000 Dieter de Lathauwer, Pablo Castilla, Fernando Benitez Bella - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - June 14th, 2012 - September 16th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Each year BOZAR presents the BOZAR Photography Award. More than 300 photographers sent three works each inspired by the theme of the Summer of Photography - the landscape. The first prize went to <b>Dieter De Lathauwer</b>, who sent in works from different series. At first glance they appear to be idyllic rock formations; their small elements unleash an escapist mindset and bring into light the subtle reference to human and natural processes that landscape has undergone throughout history. <b>Pablo Castilla</b> shows works that represent the south of Spain, Costa Tropical. No idyllic landscapes, but heartfelt images of his birthplace marked by absurdity and economic loss. <b>Fernando Benitez Bella</b> presents a work from the series Cliffs of Moher, one hundred and twenty meter high rock formations along the Irish coast. In a very personal manner, Bella depicts natural sublimity that inspired many a film set and instilled many a geo-tourist to travel.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">JURY: Carl De Keyzer (photographer), Maarten Goossens (NIKON), Erik Derycke (PhotoMagazine</span><br /><span style="font-size: small;">Shoot), Luk Lambrecht (CC Strombeek-Beveren), Christophe De Jaeger (BOZAR).</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">BOZAR organise annuellement le BOZAR Photography Award. Plus de 300 photographes ont envoyé trois oeuvres répondant au thème du Summer of Photography 2012 : le paysage. Le premier prix a été attribué à <b>Dieter De Lathauwer</b> pour des oeuvres provenant de séries différentes. Des formations rocheuses à première vue idylliques, dont de petits éléments suscitent un état d’esprit escapiste et évoquent de manière subtile les processus humains et naturels qui ont dessiné la nature. <b>Pablo Castilla</b> présente des oeuvres qui mettent en image la côte tropicale du sud de l’Espagne. Pas de paysages idylliques, mais des images de son lieu de naissance, débordantes d’émotion, marquées par l’absurdité et le déclin économique. <b>Fernando Benitez Bella</b> présente une oeuvre de la série Cliffs of Moher, des formations rocheuses de cent vingt mètres de haut le long du littoral irlandais. Sur un mode personnel, Bella représente la nature sublime qui a inspiré plusieurs décors de film et encouragé de nombreux géo-touristes à voyager. <br /><br />JURY: Carl De Keyzer (photographe), Maarten Goossens (NIKON), Erik Derycke (PhotoMagazine<br />Shoot), Luk Lambrecht (CC Strombeek-Beveren), Christophe De Jaeger (BOZAR).</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Jaarlijks organiseert BOZAR de BOZAR Photography Award. Meer dan 300 fotografen zonden drie werken, geïnspireerd op het thema van de Summer of Photography, het landschap. De eerste prijs ging naar <b>Dieter De Lathauwer </b>die werken brengt uit verschillende reeksen. Op het eerste gezicht idyllische rotsformaties, met kleine elementen die een escapistische geestesgesteldheid ontketenen en subtiel verwijzen naar de menselijke en natuurlijke processes die het landschap, doorheen de geschiedenis, tekenden. <b>Pablo Castilla </b>toont werken die het zuiden van Spanje representeren, de Costa Tropical. Geen idyllische landschappen, maar toch doorvoelde beelden over z’n geboorteplek, getekend door een absurditeit en economisch verlies. <b>Fernando Benitez Bella </b>presenteert een werk uit de serie <i>Cliffs of Moher</i>, hondertwintig meter hoge rotsformaties langs de Ierse Kustlijn. Hiermee brengt Bella op een persoonlijke manier de natuurlijke sublimiteit in beeld die verschillende filmsettings inspireerde en vele geotoeristen tot reizen aanspoorde.<br /><br />Jury: Carl De Keyzer (photographer), Maarten Goossens (NIKON), Erik Derycke (PhotoMagazine<br />Shoot), Luk Lambrecht (CC Strombeek-Beveren), Christophe De Jaeger (BOZAR).</span></p> Sun, 02 Sep 2012 16:07:31 +0000 Jorge Dirckx - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - June 14th, 2012 - September 16th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A chance to discover the winning photographs of the<i> Nikon Press Photo Awards 2011 (NPPA)</i> – the only official prize for press photography in Belgium, presented by Nikon Belux. Once a year, the NPPA are awarded for the most beautiful or original press photographs taken by Belgian or Belgian-based press photographers. Two prizes are awarded every year: the <i>Nikon Young Promising Photographer </i>prize (for the best press photographer under 30 years of age) and the <i>Nikon Press Photo Award</i> (for the finest press photograph taken by a press photographer aged 30 or over). This year's awards ceremony will take place at the Centre for Fine Arts in the context of the Summer of Photography and where the laureates' pictures will be exhibited.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Découvrez les photos gagnantes des <i>Nikon Press Photo Awards 2011 (NPPA)</i> - l’unique prix officiel pour la photographie de presse en Belgique, remis par Nikon Belux. Les NPPA récompensent une fois par an les photos de presse les plus belles ou les plus originales, réalisées par des photographes de presse belges, ou résidant en Belgique. Chaque année, 2 prix sont décernés : le <i>Nikon Young Promising Photographer </i>(le meilleur photographe de presse de moins de 30 ans) et le <i>Nikon Press Photo Award</i> (la plus belle photo de presse réalisée par un photographe de presse âgé de plus de 30 ans). Cette année aussi, la cérémonie de remise des prix est organisée à BOZAR, et dans le cadre du <i>Summer of Photography</i>, les œuvres des lauréats y seront exposées.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ontdek de winnende foto’s van de <i>Nikon Press Photo Awards 2011 (NPPA) </i>– de enige officiële prijs die de persfotografie in België in de verf zet – uitgereikt door Nikon Belux. De NPPA worden jaarlijks toegekend aan de mooiste of origineelste persfoto’s die door een Belgische – of een in België verblijvende – persfotograaf gemaakt werden. Elk jaar worden er 2 prijzen uitgereikt: de <i>Nikon Young Promising Photographer</i> (de beste persfotograaf jonger dan 30 jaar) en de <i>Nikon Press Photo Award</i> (de mooiste foto van een persfotograaf ouder dan 30 jaar). Ook dit jaar wordt de prijsuitreiking in BOZAR georganiseerd, en in het kader van de <i>Summer of Photography </i>worden er de winnende foto’s tentoongesteld.</span></p> Sat, 16 Jun 2012 09:40:27 +0000 Panos Kokkinias - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - June 14th, 2012 - September 16th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">There is something very noble, and yet tragic, in resisting one’s fate: in confronting nature, the grandiosity of the world and at the same time the nullity of one’s existence. A mother and her children standing against the wind on top of a majestic rock, a man dragging a chair in the middle o f a burnt landscape. Panos Kokkinias’ works, with their existential qualities stand untouchable in time, and yet so incredibly contemporary for the international photography scene and for Greece. In his images, which stand on their own narrating their single story and as series of the same thread of thought, people’s presence functions as a medium of the narrative and also as a tool of subverting the initial structure of the natural environment. Man represented on both levels simultaneously, as pawn and as creator. In these detailed staged compositions which emphasize on color, the Greek scenery –unspoiled or destroyed- works as the background and the protagonist. It all depends on the distance one takes, literally and metaphorically, in order to participate in each story and allow it to progress from visual to visible. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><b>Coordination: Vangelis Ioakimidis, Alexandra Athanasiadou</b> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>Co-production: </i>BOZAR EXPO | Thessaloniki Museum of Photography</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Il y a quelque chose de très noble, et pourtant si tragique dans les efforts que l’on déploie pour échapper à son destin : face à la grandeur du monde et à une nature majestueuse, notre existence parait insignifiante. Une mère et ses enfants se tiennent dans le vent au sommet d'un magnifique rocher, un homme traine une chaise au milieu d'un paysage calciné. De par leurs qualités existentielles, les œuvres de Panos Kokkinias se veulent intemporelles mais leur cadrage et les paysages de la Grèce en font aussi des œuvres terriblement contemporaines. Ses photos se conçoivent tant comme des œuvres indépendantes, chacune racontant sa propre histoire, que comme des séries suivant le même fil conducteur. La présence des personnages fonctionne comme un support narratif et un outil capable d'altérer l’environnement naturel. L'homme est représenté sur deux niveaux à la fois : comme un pion et un créateur.<br />Dans ces compositions qui accordent une grande importante à la mise en scène et à la couleur, le paysage grec – qu’il soit intact ou ravagé – fait office de toile de fond et de protagoniste. Tout dépend de la distance que l'on prend, au propre et au figuré, pour laisser chacune de ces histoires s’insinuer en nous et lui permettre de progresser du visuel au visible.<br /><br /><b>Coordination: Vangelis Ioakimidis, Alexandra Athanasiadou</b></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Het heeft iets nobels, maar ook tragisch, om weerstand te bieden aan het lot: de natuur en de grootsheid van de wereld confronteren, maar ook de nietigheid van het eigen bestaan. Een moeder en haar kind leunen tegen de wind bovenop een majestueuze rots, een man sleept een stoel voort midden in een verschroeid landschap. De werken van Panos Kokkinias vallen op door hun existentiële en tijdloze karakter, maar zijn toch ongelooflijk modern voor de internationale fotografie en voor Griekenland. In zijn beelden, die op zichzelf staand hun eigen verhaal vertellen maar ook als serie een gedachtegang kunnen weergeven, vormt de aanwezigheid van mensen een verhalend medium en een middel om de oorspronkelijke structuur van de natuurlijke omgeving te ondermijnen. De mens wordt op twee niveaus tegelijk weergegeven, als pion en als schepper. In die gedetailleerde opgezette composities die de nadruk leggen op kleur, werkt het Griekse landschap - ongerept of vernield - als achtergrond én als protagonist. Het hangt er allemaal vanaf welke afstand we nemen, zowel letterlijk als metaforisch, om in elk van de verhalen te stappen en ze zo zichtbaar te maken. <br /><br /><b>Coordinatie: Vangelis Ioakimidis, Alexandra Athanasiadou</b><span style="font-size: small;"></span></p> Mon, 27 Aug 2012 12:57:39 +0000