ArtSlant - Openings & events en-us 40 Pierre Pol Lecouturier, Cédric Alby - Galerie Waldburger Wouters - May 17th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM Tue, 17 Apr 2012 06:14:53 +0000 Andrea Cagnetti - Galerie Ludwig Trossaert - May 18th, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Sculptures in Iron treated with oxides.</p> Fri, 13 Jul 2012 17:23:13 +0000 Paul van Rij - Galerie Ludwig Trossaert - May 18th, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Oil on canvas</p> Fri, 13 Jul 2012 17:23:14 +0000 Henning Christiansen - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - May 19th, 2012 8:00 PM - 10:00 PM <div style="text-align: justify;" class="ActivityDescription"><span style="font-size: small;"><b>Henning Christiansen</b> (1932-2008) was a Danish artist and an active member of <b>Fluxus</b>. His rich body of work, which is now being rediscovered with a growing interest - an imposing <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank">monograph</a></span> and a few vinyl releases have recently seen the light -, includes a large amount of visionary sound compositions blending together nature sounds and original music but also numerous paintings, drawings, installations, performances… Christiansen’s entire production can be seen as a vibrant example of a praxis in a constant flux, by an artist who believed in the need to trespass conventional boundaries between disciplines and to work in close collaboration with the others, resenting the idea of the artist as an isolated genius. Over the course of the years, Christiansen developed a strong working relationship with artists/friends like <b>Joseph Beuys </b>and <b>Nam June Paik</b>, with whom he performed and recorded several times, sharing common visions on art. He was also a close friend of <b>Per Kirkeby </b>whose exhibition can be visited until May 20.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Here is a unique opportunity to watch never seen before film and video material documenting some of his historical performances. <b>Thorbjørn Christiansen</b> (Henning Christiansen’s son) and <b>Mark Harwood</b> (of <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank">Penultimate Press</a></span>, who have just published a LP by Christiansen) will be present to shed light on the man and his work.</span><br /><br /><span style="text-decoration: underline; font-size: small;"><a href="" target="_blank">Henning Christiansen on Ubuweb</a></span><br /><span style="text-decoration: underline; font-size: small;"><a href="" target="_blank">Picture set from an exhibition held in 2007</a></span><hr /> <table align="right"> <tbody> <tr> <td><span style="font-size: small;"><a href=";category=category-41-2&amp;external=0&amp;ptm=1&amp;ads=1"><img src="" border="0" /></a> </span></td> </tr> </tbody> </table> <span style="font-size: small;"><b>Henning Christiansen</b> (1932-2008) était un artiste danois, membre actif de <b>Fluxus</b>, dont l’œuvre abondante fait actuellement l’objet d’un travail de redécouverte suscitant un intérêt croissant - en témoigne la récente parution d’une imposante <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank">monographie</a></span> et de plusieurs disques vinyles. Son travail comprend de nombreuses compositions sonores visionnaires, mêlant sons de nature et enregistrements musicaux, mais aussi d’innombrables peintures, dessins, installations, performances... Sa production tout entière pouvant être envisagée comme le vibrant exemple d'une praxis en mouvement constant, déployée par un artiste pour qui la nécessité d’abolir les limites conventionnelles entre les disciplines était absolue. Christiansen a toujours préféré travailler avec les autres (artistes, musiciens, étudiants) plutôt que seul, méprisant l'idée de l'artiste œuvrant comme un génie isolé. Christiansen a ainsi développé une étroite collaboration avec des artistes / amis tels que <b>Joseph Beuys</b> et <b>Nam June Paik</b>, avec qui il a joué, performé et enregistré à de nombreuses reprises. Il était également proche de <b>Per Kirkeby</b>.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">Voici une occasion unique de voir des films et vidéos jusqu’ici inédits documentant quelques-unes de ses performances historiques. <b>Thorbjørn Christiansen</b> (fils de Henning Christiansen) et <b>Mark Harwood</b> (responsable du label <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank">Penultimate Press</a></span>, qui vient de publier un LP de l’artiste) seront présents pour évoquer l'homme et son œuvre.</span><br /><br /><span style="text-decoration: underline; font-size: small;"><a href="" target="_blank">Henning Christiansen sur Ubuweb</a></span><br /><span style="text-decoration: underline; font-size: small;"><a href="" target="_blank">Photos d'une exposition organisée en 2007</a></span><hr /> <div style="text-align: justify;" class="ActivityDescription"><span style="font-size: small;"><b>Henning Christiansen</b> (1932-2008) was een Deens artiest en een actief lid van <b>Fluxus</b>. Zijn rijk oeuvre - dat momenteel met toenemende interesse herontdekt wordt - bestaat uit een groot aantal visionaire geluidscomposities waarin natuurgeluiden vermengd worden met originele muziek, maar ook uit verschillende schilderijen, tekeningen, installaties, performances, … Onlangs nog zag een imposante <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank">monografie</a></span> het licht en kwamen er enkele releases op vinyl uit. Christiansens volledige werk kan beschouwd worden als een levendig voorbeeld van een voortdurend in beweging zijnde praxis, door een artiest die geloofde in de behoefte om de conventionele grenzen tussen de disciplines te overschrijden en nauw samen te werken met andere artiesten. Hij stond immers niet achter het idee van de artiest als geïsoleerd genie. In de loop van de jaren ontwikkelde Christiansen een sterke werkrelatie met artiesten en vrienden als <b>Joseph</b> <b>Beuys</b> en <b>Nam June Paik</b>, met wie hij verschillende keren in de studio zat en optrad, en met wie hij dezelfde visie op kunst deelde. Hij was ook goed bevriend met <b>Per</b> <b>Kirkeby</b>, wiens werk nog tot 20 mei tentoongesteld wordt. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Een unieke gelegenheid om film- en videomateriaal - van enkele van zijn performances - dat nooit eerder vertoond werd, te bekijken. <b>Thorbjørn Christiansen</b> (zoon van Henning Christiansen) en <b>Mark Harwood</b> (van <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank">Penultimate Press</a></span>, dat onlangs een LP van Christiansen publiceerde) zullen aanwezig zijn om wat meer uitleg te geven over de man en zijn werk. </span><br /><br /><span style="text-decoration: underline; font-size: small;"><a href="" target="_blank">Henning Christiansen op Ubuweb</a></span><br /><span style="text-decoration: underline; font-size: small;"><a href="" target="_blank">Foto's van een tentoonstelling van 2007</a></span></div> </div> Thu, 17 May 2012 02:51:15 +0000 - Musée Magritte Museum - May 23rd, 2012 10:00 AM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Cinema room in the Magritte Museum</strong></span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"><strong style="font-size: small;">The Sesame Programme</strong> from EDUCATEAM is aimed at social and socio-cultural organisations. It implements long term innovative projects, therefore making the collections from the Royal Museums of Fine Arts of Belgium accessible to all. Thanks to the sponsorship of GDF Suez, earlier this year Sesame gave young people from social organisations the chance to discover and personally appreciate surrealism and the work of René Magritte.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">The visual and poetic creations (drawings, collages, ‘cadavres exquis’) presented here were made by young people aged 11 to 16 years, during creative courses and workshops in the Museum.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">For this CinéRené project, photography and film were put at the centre stage, as they are the media most readily used by teenagers.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">After an initial meeting at the associations, followed by a visit to the Magritte Museum then to the Cinematek, young people from four associations attended film workshops during the school holidays. Led by professional filmmakers Nicolas Rincon Gille, Florian Vallée and Manon Coubia, these courses allowed young people to make their own film. They imagined a scenario, drew a storyboard, learned to use photo and video tools, created a set, suggested sound effects, understood special effect techniques, and staged themselves in their own film.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">“Participate, have fun together, going to the museum, learn new techniques, understand surrealism and the meaning of the paintings, be confident in yourself, find solutions, develop your imagination, no longer feel shy, work with pros, discover you have talents, see originals, laugh while working, be proud of the result, that is all we have experienced and felt in this project CinéRené.” Testimony of youngsters from the ‘asbl Caléidoscope’ and the ‘Foyer de jeunes de Molenbeek’.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext" align="center"><span style="font-size: small;"><strong>Discover the four short films and the visual and literary achievements<br />by these young budding surrealists!<br />Enjoy your visit in ‘CinéRené’</strong></span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">12 non profit associations took part in CinéRené : ‘ Foyer de jeunes de Molenbeek’, ‘asbl Caléidoscope’, ‘Centre de jeunes Locomotiv’ and ‘Centre de jeunes Dolto’ (Asbl Bravvo), ‘asbl Sampa’ (emergency centre for newly arrived unaccompanied teenagers), ‘Maison de jeunes Chicago’, ‘asbl La Tramontane’ (help and educational welcome service), ‘Rebond-Service d’aide à l’intégration’ (Service helping integration), ‘EYAD-La Maison de la Turquie’ (welcome service for newly arrived teenagers), ‘Cap'Ado-Centre d'Accueil pour Demandeurs d'Asile de Jodoigne’, ‘Maison de jeunes Base envol’, ‘AMO La Chaloupe d’Ottignies’.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">Contact : Anne Querinjean and Chloé Despax</span><br /><span style="font-size: small;">+32 (0)2 508 33 55</span><br /><span style="font-size: small;"><a href=""></a></span><br /><span style="font-size: small;"></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"><strong>Tentoonstelling CinéRené<br />23 mei tot 1 juli 2012<br />in de filmzaal van het Magritte Museum</strong></span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> Museum op Maat organiseert rondleidingen en ateliers op maat van specifieke doelgroepen. Zo is er het programma Sesam voor mensen in economische, sociale of culturele moeilijkheden. In het kader van Sesam sponsorde GDF Suez het filmlabo ‘Cinérené’ voor jongeren uit kansengroepen.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"><strong> Een Meet &amp; Greet met René Magritte</strong></span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">Zeven organisaties kregen bezoek van een museummedewerker. De jongeren maakten op speelse wijze kennis met het surrealisme en Magritte. Surrealisme werd verbonden met ‘surrealistische’ street art en hedendaagse kunst. Ze exploreerden het museum en creëerden zelf een surrealistische collage, met als vertrekpunt het zelfportret. Kortom: ze werden ondergedompeld in het magische universum van deze kunstenaar.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> <strong>Camera, ready, ACTION!</strong></span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">Vervolgens werden er twee organisaties geselecteerd om een film te draaien. Het gaat om een groep allochtone jongeren uit de Cardijnschool Brussel en een groep niet-begeleide minderjarige nieuwkomers uit OC Eeklo. De jongeren werden gecoacht door videokunstenaars Filip Van Dingenen en Ive Van Bosstraeten en museummedewerker Sarah Goderis.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> De vertrekbasis van de filmlabo’s was telkens de ‘MRI-koffer’. MRI staat voor ‘Magisch Realistische Interface’. Dit is een educatieve betekenaar waarvan het concept in het ‘Bureau Surréaliste’ door Breton en zijn kompanen is uitgedacht. Ze wilden het surrealistische en magisch realistische vocabularium herinterpreteren voor de toekomstige generaties.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> Gewapend met een filmcamera verkenden de jongeren van de Cardijnschool het museum en de Brusselse straten. Ze leerden de knepen van het vak en deden surrealistische interventies in de stad. Ze creëerden een surrealistisch associatief verhaal in en rond het museum. Aan experiment, improvisatie en associaties geen gebrek dus. Dit is een duidelijk geval van ‘multitasking’: ze acteerden, schreven het scenario, filmden, regisseerden, leerden de knepen van het filmvak.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> De jongeren van OC Eeklo leerden eerst meer over film en cameratechnieken en trokken daarna de stad in. De jongeren zijn voornamelijk afkomstig uit Afghanistan en door hun afkomst staat film voor hen gelijk aan Bollywood. Ook hun kijk op kunst is compleet anders: ‘Waarom zijn er zoveel bewakers bij zo’n tekening achter glas??’ Het hoogtepunt van dit filmlabo bestaat uit het event ‘Wafflestan’, waarbij de jongeren een performance deden en wafels bakten op de markt van Eeklo.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> Het resultaat van hun atelierwerk en de afgewerkte kortfilms kan u bewonderen op de tentoonstelling CinéRené.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">We wensen u alvast een fijn bezoek toe!</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;" class="bodytext" align="center"><span style="font-size: small;"><strong>Exposition CinéRené<br />du 23 mai au 1er juillet 2012<br />dans l’espace film au -1 du Musée Magritte</strong></span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"><strong>Le Programme Sésame</strong>, au sein d’EDUCATEAM, s’adresse aux associations sociales et socio-culturelles. Il met en place des projets novateurs qui s’inscrivent dans la durée, rendant ainsi accessible à tous les collections des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique. Grâce au mécénat de GDF Suez, Sésame a proposé cette année à des jeunes venus d’associations sociales de découvrir et de s’approprier de façon originale le surréalisme et l’œuvre de René Magritte.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">Les <strong>productions plastiques</strong> (dessins, collages, ‘cadavres exquis’) et poétiques présentées ici ont été réalisées par des jeunes entre 11 et 16 ans, lors de parcours créatifs et d’ateliers dans le Musée.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">Pour ce projet CinéRené, la photographie et le cinéma ont été mis à l’honneur, car ce sont des médias que les adolescents approchent volontiers.</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;">Suite à une première rencontre au sein des associations, à une visite au Musée Magritte puis à la Cinematek, des jeunes de quatre asbl ont suivi des ateliers cinéma durant les vacances scolaires. Animés par les cinéastes professionnels Nicolas Rincon Gille, Florian Vallée et Manon Coubia, ces stages ont permis aux jeunes de réaliser leur propre film. Ils ont imaginé un scénario, dessiné un storyboard, appris à manier les outils photo et vidéo, créé un décor, proposé des bruitages, compris des techniques d’effets spéciaux, et se sont mis en scène dans leur propre film !</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> ‘Participer, s’amuser ensemble, aller au musée, travailler en groupe, apprendre de nouvelles techniques, comprendre le surréalisme et la signification des tableaux, avoir confiance en soi, trouver ensemble des solutions, développer son imagination, ne plus se sentir timide, travailler avec des pros, se découvrir avec des talents, voir des originaux, rigoler en travaillant, être fier du résultat, voilà tout ce que l’on a vécu et ressenti dans ce projet CinéRené. Nous avons expérimenté que le travail collectif devient créatif, apporte des nouvelles idées. Dans les ateliers créatifs naissent des idées qui se trouvent dans le film, grâce aux idées de tous. Nous avons ressenti du respect entre nous qui est devenu une belle complicité.’ Témoignage des jeunes de l’asbl Caléidoscope et du Foyer de jeunes de Molenbeek</span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext" align="center"><span style="font-size: small;"><strong>Découvrez les quatre court-métrages et les réalisations plastiques et<br /> littéraires de ces jeunes surréalistes en herbe!<br /><br />Bonne visite dans ‘CinéRené’</strong></span></p> <p style="text-align: justify;" class="bodytext"><span style="font-size: small;"> 12 asbl francophones ont participé à CinéRené : le Foyer de jeunes de Molenbeek, l’asbl Caléidoscope, le Centre de jeunes Locomotiv’ et le Centre de jeunes Dolto (asbl Bravvo), l’asbl Sampa (accueil d’urgence d’adolescents primo-arrivants non accompagnés), la Maison de jeunes Chicago, l’asbl La Tramontane (Service d’Aide et d’Accueil Educatif), le Rebond-Service d’aide à l’intégration, EYAD-La Maison de la Turquie (accueil d’adolescents primo-arrivants), Cap'Ado-Centre d'Accueil pour Demandeurs d'Asile de Jodoigne, la Maison de jeunes Base en vol, l’AMO La Chaloupe d’Ottignies.</span></p> Sat, 12 May 2012 11:24:02 +0000 Eric Poitevin - Albert Baronian - May 24th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La Galerie Baronian_Francey est heureuse de présenter la cinquième exposition personnelle d’Éric Poitevin à Bruxelles.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Depuis une vingtaine d’années, Éric Poitevin revisite à travers la photographie les différents genres de l’histoire de l’art : paysage, nature morte, portrait, nu. Il constitue ainsi des ensembles qu’il arrête et reprend à son gré. Qu’il s’agisse d’êtres humains, d’animaux ou de végétaux, l’artiste travaille selon une même démarche : dépouiller son sujet de tous ses artifices. L’absence d’expression, le cadrage serré, la lumière diffuse, le fond monochrome contribuent à offrir un point de vue le plus neutre possible. Chaque photographie se veut l’affirmation, d’un moment suspendu dans le temps. À première vue silencieuses, ses photographies instaurent malgré tout un dialogue avec le spectateur – c’est là toute la force paradoxale de ce travail. Par le choix de ses sujets (la forêt, l’animal, le corps dénudé), Éric Poitevin joue avec notre imaginaire collectif (ses peurs, ses fascinations, ses désirs).</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Éric poitevin est né en 1961 à Longuyon. Il vit et travaille à Mangiennes dans la Meuse. Pensionnaire de la Villa Médicis entre 1989 et 1990, depuis plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées et il a participé à de nombreuses expositions collectives. En 2004, le Frac Île-de-France/Le Plateau (Paris) lui dédie une exposition monographique. En 2007, il expose au Musée de la Chasse et de la Nature (Paris) les photographies réalisées au Domaine de Bel-Val. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques et privées comme le Centre Pompidou - Musée national d’art moderne (Paris), le Fonds National d’Art Contemporain (Paris), le MAMCS (Strasbourg), le MAMCO (Genève), le MUDAM (Luxembourg) ou La Fundaçao de Arte Moderna Contemporanea</span></p> Wed, 23 May 2012 08:49:33 +0000 David Brognon (The Plug) - Albert Baronian - May 24th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Parmi les points de vue sur l’art des dernières décennies, celui s’appliquant, dialectiquement, aux relations avec l’espace urbain ne serait sans doute pas le moins fructueux. L’art a quitté l’intimité des musées, et à l’inverse, ce qui s’est passé dans les rues, sur les murs, disons globalement le street art, s’est imposé par son inventivité, par ses interrogations, interpellations, sur l’individu, sur la société. Voilà pour l’origine des activités artistiques de The Plug, et ses œuvres en ont gardé comme une urgence, quelque chose de direct, au-delà de leur indéniable qualité formelle, plastique. Les photographies ramènent de façon insistante à des lieux où règne le ravage, et la poésie n’en recouvre pas la désolation, le cri de l’effroi, même si telles ouvertures tiennent peut-être de quelque promesse. De promesse, et promesse de Destin simplement, très concrètement, c’est de cela qu’il s’agit, toujours au-delà de l’épurement du néon, dans ces lignes censés tracer un destin. The Plug travaille pour cela avec des femmes et des hommes qui se trouvent en marge de la société, mis à son ban; l’artiste réalise que leur existence, dans sa nudité, dans sa réduction extrême, se fait quand même irradiante.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Lucien Kayser</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les <i>Lignes de destinée </i>représentent les lignes de la main des drogués et/ou marginaux reproduites en néon.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><i>I Love you but’ I’ve Chosen Darkness</i> <i>(La métamorphose) </i></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Il s’agit de paravents derrière lesquels se cachaient réellement les toxicomanes pour s’injecter l’héroïnes dans la salle de shoot.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La toile d’araignée (symbole de l’addiction dans les codes de tatouages russes), est tressée et posée à la manière d’un vêtement ou d’une parure que l’on enfile ou que l’on enlève.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Ce tatouage, à la manière d’un bijou ou d’un habit, transforme de manière presque indélébile toutes les personnes qui l’endossent. Rares sont ceux qui passent derrière ce paravent pour enlever de manière définitive ce symbole.</span></p> Wed, 23 May 2012 08:51:48 +0000 Elena Bajo - D+T PROJECT Gallery - May 24th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM Sat, 12 May 2012 17:27:23 +0000 Eleonore Saintagnan - Levy.Delval - May 24th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>Les Malchanceux</em> (The Unlucky Ones), Eleonore Saintagnan’s last movie, can be shown to the whole familly, a Saturday evening, on the couch. Everybody can enjoy the story of these traditional ninepin players . Les Malchanceux can be carefully watched by a bunch of art specialists. Comments may differ, but the content will remain the same: this epic carries the torpor of the morning, a taste for Nature, very close to us. Suddendly, we’re overwhelmed by humor; or carried away by the music; or caught by the subtle frames and editing.</span><br /><span style="font-size: small;">(...)</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;">Les Malchanceux records collective events that become truly social and political for the very reason that they're far from ostentation and happen well out of sight.</span></p> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"> </span></div> <div style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Damien Airault</span></div> Fri, 18 May 2012 05:56:55 +0000 Jimmie Durham - MuHKA Museum of Contemporary Art Antwerp - May 24th, 2012 10:00 AM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;" class="intro"><span style="font-size: small;">In spring 2012 the M HKA will be presenting a major retrospective of the work of <strong>Jimmie Durham</strong>. This artist, born in US, settled permanently in Europe in 1994 after a turbulent period in which he alternated his artistic activities with a life as an activist for the American Native Indian movement. His work is both profound and accessible, political and personal, both ‘of the moment’ and outside of all current trends. He raises incisive questions about our existence and has had a substantial influence on several generations of artists, curators, theorists and art lovers all over the world. The M HKA is showing the most complete survey ever of his work. This exhibition looks exhaustively at his activities as an activist, essayist, poet, performance artist and sculptor and devotes plenty of attention to work from the sixties and documentary material, neither of which has ever been seen in Europe before. After the M HKA, the show will go on to several venues in Europe and then to Mexico.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;" class="intro"><span style="font-size: small;">In het voorjaar van 2012 brengt het M HKA een grootschalige retrospectieve van het werk van Jimmie Durham. Deze in de VS geboren kunstenaar vestigde zich in 1994 - na een turbulente periode waarin hij zijn artistieke praktijk afwisselde met een activistisch bestaan in de Amerikaans-Indiaanse beweging - definitief in Europa. Zijn werk is diepgaand en toegankelijk, politiek en persoonlijk, en zowel ‘van het moment’ als de gangbare tendensen voorbij. Hij stelt scherpe vragen over het bestaan en oefent een grote invloed uit op verschillende generaties kunstenaars, curators, theoretici en kunstliefhebbers wereldwijd. Het M HKA brengt het meest volledige overzicht van zijn werk tot nog toe. De tentoonstelling belicht uitvoerig zijn praktijk als activist, essayist, poëet, performancekunstenaar en beeldhouwer en schenkt ruime aandacht aan – in Europa – nooit eerder vertoond werk uit de jaren zestig en documentair materiaal. De tentoonstelling reist nadien verder naar verschillende locaties in Europa en naar Mexico.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;" class="intro"><span style="font-size: small;">Au printemps 2012, le M HKA présente une grande exposition rétrospective de l’œuvre de Jimmie Durham. Après une période turbulente, pendant laquelle il alternait la pratique artistique et le militantisme actif dans les mouvements d’émancipation amérindiens, cet artiste originaire de l'US s’est définitivement établi en Europe en 1994. Son œuvre, profonde et accessible, politique et personnelle, parvient à s’inscrire résolument dans la contemporanéité tout en transcendant les tendances courantes. Il pose des questions pointues sur l’existence et exerce une grande influence sur plusieurs générations d’artistes, commissaires d’expositions, théoriciens et amateurs d’art des quatre coins du monde. Le M HKA présente la rétrospective la plus complète de son œuvre à ce jour. L’exposition, qui met explicitement en lumière sa pratique de militant, essayiste, poète, artiste de performance et sculpteur, accorde une attention particulière à ses œuvres des années 60 – jamais montrée en Europe – ainsi qu’à du matériel documentaire. Après le M HKA, l’exposition voyagera dans diverses villes d’Europe et ensuite au Mexique.</span></p> Sat, 12 May 2012 10:51:35 +0000 Group Show - MuHKA Museum of Contemporary Art Antwerp - May 24th, 2012 10:00 AM - 5:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Around the ground-breaking exhibition Vision in Motion / Motion in Vision which seized Hessenhuis in Spring 1959. Works by Robert Breer, Pol Bury, Yves Klein, Heinz Mack, Bruno Munari, Otto Piene, Dieter Roth, Jesús Rafael Soto, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Günther Uecker, Paul Van Hoeydonck. <strong>With an insert by contemporary artist Bart Stolle.</strong> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Antwerp 1958. In the shadow of an ever growing and increasingly profitable world-class port, there lies a city that is both sleepy and threadbare, where art and culture are way down the municipal agenda. The meeting between Lode Craeybeckx, a mayor with a broader vision, and a group of young artists urgently determined to have their work seen, leads to the founding of G58 Hessenhuis. Paradox: the attic of the city’s oldest port building, with 1000 m² of surface area, becomes Europe’s largest exhibition space devoted to contemporary art. Until the curtain falls in 1962, this ‘forest of beams’ is active as a bustling point of intersection for a new network.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> This series of exhibitions is sponsored by Delen Private Bank and is realized in collaboration with FoMu and Letterenhuis. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The five instalments of <em>new art in antwerp 1958-1962</em> do not mean to offer a comprehensive survey of the subject. Rather, they evoke characteristic moments and fi gures from that brief but fulsome era. They constitute a serial of coloured tales with debatable accents. And, what is more: following the archeologists’ customary practice, parts of the ‘excavation site’ have been left untouched for the benefi t of those who eventually follow in their footsteps.<br /> <br /> A young Belgian artist whose work, in terms of content and form, refers to what was then new art, will take integral part in each of the exhibition’s five instalments.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De derde aflevering gaat over de baanbrekende tentoonstelling <em>Vision in Motion / Motion in Vision</em> die het Hessenhuis kaapte in de lente van 1959. Met werk van Robert Breer, Pol Bury, Yves Klein, Heinz Mack, Bruno Munari, Otto Piene, Dieter Roth, Jesús Rafael Soto, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Günther Uecker, Paul Van Hoeydonck. <strong>Met een insert van hedendaags kunstenaar Bart Stolle.</strong> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Antwerpen 1958. Naast een wereldhaven die elke dag meer groeit en rendeert, ligt een ingeslapen, versleten stad waar kunst en cultuur niet hoog op de agenda staan. De ontmoeting tussen Lode Craeybeckx, burgemeester met een ruimere blik, en een groep jonge kunstenaars die dringend hun werk willen tonen, leidt tot de oprichting van G58 Hessenhuis. Paradox van formaat: de zolder van het oudste havengebouw van de stad wordt met meer dan 1000m² de grootste ruimte voor hedendaagse kunst in Europa. Tot het doek valt in 1962 is het ‘woud van balken’ een druk knooppunt van een nieuw netwerk. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Deze reeks tentoonstellingen wordt gesteund door Delen Private Bank en komt tot stand in samenwerking met FoMu en Letterenhuis.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">De vijf afleveringen van <em>nieuwe kunst in antwerpen 1958-1962</em> bieden geen compleet overzicht van de feiten. Ze evoceren kenmerkende momenten en personages. Ze vormen een feuilleton van gekleurde verhalen met betwistbare accenten. En ook: volgens goed gebruik laten archeologen een deel van het opgravingsterrein onaangeroerd voor zij die na hen komen. Aan elke aflevering wordt een jonge Belgische kunstenaar gekoppeld waarvan het werk qua inhoud en vorm verwijst naar wat toen nieuwe kunst was.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Autour de l’exposition pionnière <em>Vision in Motion / Motion in Vision</em> qui a pris d’assaut la Hessenhuis au printemps 1959. Oeuvres de Robert Breer, Pol Bury, Yves Klein, Heinz Mack, Bruno Munari, Otto Piene, Dieter Roth, Jesús Rafael Soto, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Günther Uecker, Paul Van Hoeydonck. <strong>Avec un insert de Bart Stolle.</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Anvers 1958. À côté du port international qui connaît une croissance et un rendement plus importants chaque jour s’étend une ville endormie, dégradée, où l’art et la culture ne sont pas l’ordre du jour. La rencontre entre Lode Craeybeckx, bourgmestre à la vision plus large, et un groupe de jeunes artistes qui désirent instamment exposer leurs oeuvres donne lieu à la création du G58 Hessenhuis. Paradoxe de taille : les combles du plus ancien bâtiment portuaire de la ville, qui font plus de 1000 m², deviennent le plus grand espace d’exposition d’art contemporain en Europe. Jusqu’à ce que le rideau tombe en 1962, cette « forêt de poutres » est le carrefour très animé d’un nouveau réseau. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Cette série d'expositions est sponsorisée par Delen Private Bank et est réalisée en collaboration avec FoMu et Letterenhuis. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Les cinq épisodes de <em>nouvel art à anvers 1958-1962</em> n’offrent pas un tour d’horizon complet des faits, mais évoquent juste des moments et des personnages marquants et constituent ainsi un feuilleton d’histoires hautes en couleur et parfois teintées de controverse. En outre, la bonne pratique veut que les archéologues laissent une partie de leur terrain de fouilles intact pour ceux qui leur succéderont.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> À chaque épisode est associé un jeune artiste belge dont l’oeuvre fait référence, à la fois sur le plan du contenu et de la forme, à ce qui fut à l’époque un nouvel art.</span></p> <p></p> Sat, 12 May 2012 10:56:30 +0000 Laurie Anderson - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - May 29th, 2012 8:30 PM - 10:30 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Since the 1980s <b><a href=";feature=bf_next&amp;list=AVGxdCwVVULXcRCize1MVoC34PQlfdRSKK&amp;lf=list_related" target="_blank">Laurie Anderson</a> has been operating on the frontiers where music, theatre, and the visual arts meet</b>. She is known above all for her multimedia performances and her groundbreaking use of technology (often via inventions of her own such as voice filters and the "talking stick"). Over the years, moreover, she has emerged as an acute observer of goings-on in US society. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>Another Day in America</i> builds on the <i><a href="" target="_blank">Homeland</a> </i>album (Nonesuch, 2010), which was nominated for a Grammy. In this hybrid show, pieces for solo violin alternate with spoken-word passages and electronic soundscapes. Via stories about everyday life in the US, Anderson takes a look at the state of US culture ten years after 9/11.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">This performance will be<b> the opening of the <i>Trouble</i> festival of Les Halles</b> in Schaarbeek. You can find the whole programme of the <b><i>Trouble</i></b> festival (29.05 &gt; 02.06) on <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank"></a></span></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Depuis les années ’80, <b><a href=";feature=bf_next&amp;list=AVGxdCwVVULXcRCize1MVoC34PQlfdRSKK&amp;lf=list_related" target="_blank">Laurie Anderson</a> explore un art aux confins de la musique, du théâtre et des arts plastiques</b>. Elle est principalement connue pour ses <b>performances multimédias </b>et son emploi révolutionnaire de la technologie (souvent via ses propres inventions comme des filtres pour la voix et le <i>talking stick</i>). Au fil des années, elle s’est aussi présentée comme étant une fine observatrice de la vie au sein de la société américaine. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>Another Day in America </i>se fonde sur l’album <i><a href="" target="_blank">Homeland</a> </i> (Nonesuch, 2010) nominé pour un Grammy. Dans ce spectacle hybride, des pièces pour violon solo alternent avec des passages parlés et des paysages sonores électroniques. Grâce à des histoires narrant la vie quotidienne aux États-Unis, Anderson réalise un état des lieux de la culture américaine dix ans après le 11 septembre. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Cette performance formera <b>l’ouverture du festival <i>Trouble </i>des Halles de Schaerbeek</b>. Retrouvez toute la programmation du festival <b><i>Trouble </i></b>(29.05 &gt; 02.06) sur <a href="" target="_blank"></a></span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Sinds de jaren ’80 beweegt <b>Laurie Anderson</b> zich op het breukvlak van <b>muziek, theater en beeldende kunsten</b>. Ze is vooral bekend om haar <b>multimediavoorstellingen </b>en haar baanbrekende gebruik van technologie (vaak via eigen uitvindingen als stemfilters en de <i>talking stick</i>). Door de jaren wierp ze zich ook op als een scherp observator van het reilen en zeilen binnen de Amerikaanse samenleving. </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><i>Another Day in America</i> bouwt voort op het album <i><a href="" target="_blank">Homeland</a></i> (Nonesuch, 2010), dat genomineerd werd voor een Grammy. In dit hybride spektakel wisselen stukken voor soloviool af met <i>spoken word</i>-passages en elektronische klanklandschappen. Via verhalen over het alledaagse Amerika maakt Anderson een stand van zaken op van de Amerikaanse cultuur tien jaar na 9/11. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Deze performance vormt <b>de opening voor het <i>Trouble</i>-festival van Les Halles</b> in Schaarbeek. U vindt het volledige programma van het festival <b><i>Trouble</i> </b>(29.05 &gt; 02.06) op <span style="text-decoration: underline;"><a href="" target="_blank"></a></span></span></p> Mon, 28 May 2012 18:21:02 +0000 Paul Wackers, Maya Hayuk - Alice - May 31st, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">The New York based artist is first of all concerned with figurative painting, which he tends to slightly abstract. His pictures are engaged in non-places, vegetable landscapes with bookshelves and window ledges, offering an insight in a parallel reality. Deserted spaces reflect an inner perception and remind the beholder of the still-life’s by the well-known Dutch classics e.g. Willem van Aelst. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">The regular order of the objects seems to be maintained by the image. Cans, candleholder and empty vases fill up the interior. But at a second glance straight and twisty lines disturb the familiar impression.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;"></span><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">Formally the geometrical aspects of the composition subsist side by side to the organic elements. The traces of individual interpretation become visible on the plane canvas and on the wooden panel. By this means the obscure inner impressions melt into the existing phenomena. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;"><br /></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; font-weight: bold; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">Guest artist: Maya Hayuk</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color: #222222; font-family: arial, sans-serif; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.917969); font-size: small;">The versatile artist lives and works in Brooklyn, New York, where she develops her powerful works. As a guest of Paul Wackers she shows some colorful paintings, which have been produced recently. Driven by energetic moves, the brushstrokes emerge a geometrical structure out of different layers on the surface. The changing directions evoke the impression of repeated patterns, but in comparison to each other, while having a closer view, every piece appears unique.</span></p> Tue, 08 May 2012 18:25:59 +0000 Aaron Curry - Almine Rech Gallery - May 31st, 2012 5:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Interview with Aaron Curry through skype on May 23rd 2012. Julie Boukobza </span><br /><br /><span style="font-size: small;"><strong>How did you approach your first show at the Brussels's gallery?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I went to visit the gallery a few months ago, and simply started by making sketches in response to the space.  My last few shows were based on a loose idea of abstraction using different forms of camouflage, with patterns that had been created using a computer. I covered the rooms and sculptures with the same pattern so that the forms would disappear at different angles, and change as you walked around them. With this show I decided to use what was already there, which is the white walls. The main gallery consists of all white sculptures and wall pieces. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>In this exhibition, it seems that you decided to make a clear distinction between the handmade and fabricated artwork?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">There is a difference but it’s not as big as it seems. The works were produced from maquettes that I had quickly made by hand with a jigsaw, almost like sketches. They were then scanned, blown up and produced in metal. What happens when you do this is the gesture that I make using the saw gets amplified. Something that is maybe six inches becomes six feet. I think of it more like an amplification of the handmade. The original gesture is mediated but it still feels extremely physical and even more intensified. It’s like plugging a guitar into an amplifier to make it louder. These works function in the same way to me. </span><br /><span style="font-size: small;"><strong> </strong> </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>It is often said about your work that you jump easily from one dimension to another, the line between two and three dimension seems blurry, how can you explain this phenomenon?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I started out as a painter, and when I first started making sculptures they were pretty much just clunky paintings that were falling off the walls. The more they spilled into the space, I realized that I liked the awkwardness of them, that the space they existed in was somewhere in between two and three dimensions. It’s a bit open ended in a way. I wasn’t brought up around art so my understanding of painting and sculpture came from books. And because I learned to look at art from a flat plane in a book, an album cover, or even a computer screen, I’ve always enjoyed the awkwardness of it as an illusion. I like to try and find in my work this space in between the two. I guess I’m always trying to get my paintings to come out into the space three dimensionally while also trying to get my sculptures to do the opposite, to flatten into the walls around them. </span><br /><span style="font-size: small;"> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Do you think that digital and / or analog values are consciously part of your practice?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I don’t know, analog make me think of music because I used to be a musician and I understand the difference in that way. As far as making artworks, I don’t know how to apply analog to it. If you think about analog in music terms, say if you record something, there is always a relation to time. It can be something on a loop, or something always moving forward. It can be cut or spliced but it usually takes time and feels kind of crude. With digital you can cut and paste much faster and easier. It’s in its nature, which is really interesting to me. I think I’m probably nostalgic for an analog idea of things, because that’s what I grew up around, it is more natural to me because of this, but digital is much more exciting! </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>What about your approach in the making?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">Even when I’m making a physical sculpture, I use this approach. I have two studios. One is a wood shop where I work on my sculptures and the other a painting studio at home. I often take photos of my sculpture in process so that I can come home and use my computer to digitally draw on top of the image using a drawing tablet to make adjustments. It gives me a certain amount of freedom to think about things and also move very quickly with them. And the next day I can return to my woodshop and make those cuts, if that makes sense. I love this idea of even looking at you now on the computer and that there are other programs and windows open behind the skype window. This is very much like a cubist idea of space, where if I put or pull another image on top of this or that program, the screen or window changes. You can mash it up that way with hundreds of images at one time. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Your sculptures always seem in motion - from Giacometti " Walking Man" to Calder's " Devil Fish"-  standing on dollies or not, as if they were ready to go somewhere, but where?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">I like that sculptures usually just sit there, and when you approach them and walk around, they change. You give it movement through your interaction. And I like to give them a sense of movement, or the feeling that it is about to move, or can be moved. It’s equally interesting as balance, for example, if you make a sculpture that looks like it’s about to fall over using balance, it gives it this implied movement, through weight and form. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>Is  "California versus Texas" a component of your work and a way to understand it?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;"><strong> </strong> </span><br /><span style="font-size: small;">I just did a show with Richard Hawkins, a fellow Texan and good friend of mine in Los Angeles at David Kordansky Gallery. That show was heavily influenced by Texas or more the imagery and idea of what Texas looks like from the outside. I don’t think we could have made that show working in Texas, it had to be done in Los Angeles looking back. But it’s true that even today when I look at Noguchi or David Smith I automatically make reference to something from my past that was cobbled together outside of some hillbilly shack somewhere. Whether it was a tire sculpture in my neighbors yard, or a prop from the TV show Hee-Haw. </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"><strong>In which state of mind do you approach collages?</strong> </span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;">It’s kind of an in between place. They are usually created in a moment where I take a break from other things whether it’s sculpture or painting, and allow myself the freedom to not think, or actually to think visually. It’s somehow like a commercial break on television where you tune out in between the show. It’s hard to explain. I like that I don’t need to make sure it physically stands up like a sculpture, so there isn’t any real physical interaction other than moving images around. And the great thing about this part of my practice is that I can make a hundred collages and throw them out at the end of the day if I feel that they don’t work.  That’s a lot of freedom. </span></p> Fri, 25 May 2012 18:51:17 +0000 Sarah Ortmeyer - Meessen De Clercq - May 31st, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="color: #000000; font-size: small;"><span color="#676767" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Sarah ORTMEYER will invest the whole gallery with the exhibition entitled</span><span color="#676767" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> </span><span color="#676767" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><a href=";N=322&amp;L=43&amp;F=H" target="_blank"><span color="#ea1e83" style="color: #000000;">SAD EIS</span></a></span><span color="#676767" face="Arial, Helvetica, sans-serif" size="2" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">. The work takes on the phenomena of ritualized happiness and includes a forest of wedding cake stands as bland and grey as an anti-rainbow (MARRY ME ME), an abandoned ice cream parlor (LASSO LADEN), and a room filled with aniconic carpets and tender, empty kisses (KISS KUSS) - all on top of a withe damp, and heartbreakingly fresh laundry room (PETER WEISS).</span></span></p> Thu, 24 May 2012 00:28:04 +0000 David de Tscharner - Aliceday - June 2nd, 2012 12:00 PM - 7:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">One Sculpture a Day Keeps the Doctor Awaystarted as a response to the invitation from the artist collective, La Table Ronde, to exhibit in the storefront they occupy in the center of Brussels. The exhibition proposal had only one rule: to react to a verb related to the idea of “conversation” and specifically selected by the hosts for each artist. The action ascribed to David De Tscharner was "to confide".<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">In the midst of a particularly intense creative period, during which David produced numerous drawings and sketches, experimented with new sculptures and tested some original installation ideas, he decided to build a display structure on which he would present a new creation every day. Throughout one month, he thus “confided” his freshly made works to the gaze of passers-by in the lively street where the shop window is located.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Through the succession of objects, a narrative was woven that evoked the journey of the artist's reflection, tinged with personal experiences. The first work presented, for instance, was an old cooking pot in which a strange green mixture soaked. This work acted as a metaphor for the artist's practice, which combined colorful plastic substances, found objects and discarded materials, with playfulness and total un-inhibition. The following day, the succeeding sculpture revealed a much more autobiographical note: a face molded in plastic was violently stabbed by a wooden stick... after a lover's quarrel, according to the artist.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">At the end of the exhibition, David decided to continue the experiment on the Internet, via the website During one year, each day, David published a picture of his most recent work in his virtual storefront. The language that unfolds before our eyes blends opposites - abstract and figurative forms, natural and artificial materials, found and self-made objects, bi-and tri-dimensional work - in sculptures at once creepy and alluring which also bear significant traces of drawing and collage.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">As the son of an art therapist, it is noteworthy that the project title refers to the therapeutic potential of the artistic practice. Each sculpture thus presented on the website is left free to our interpretation, without any description or title that would guide our judgments. Only the evocative shapes and materials allow us to grasp the possible meanings of the objects. Through this game of free interpretation to which we are invited to participate, it is the artist's creative process that we are meant to discover.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For its first presentation in its entirety at the Aliceday gallery in Brussels, the series of 366 sculptures is displayed on large shelves in recycled wood, a common material in the artist's practice, which remind museum reserves. This display mode creates a total environment, where the proliferation of objects appears surprising and generous.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">A publication accompanies the presentation in the space. Even if it includes the drawings of all the sculptures, the book doesn't act as an ordinary archive of the project which is already available on the website As a colouring book, the publication invites the public to appropriate the artist's project and to create, through the same playful approach, their own versions of the sculptures. Beyond the opportunity it offers to anyone to benefit from the "therapeutic" virtues of the project One Sculpture a Day Keeps the Doctor Away, each book is also an object in itself. The artist has indeed produced 366 unique copies of the publication. The cover of each copy duplicates one of the 366 sculptures reproduced inside the book. Unlike the black and white silhouettes that make up the images inside the colouring book, the covers exhibit stains of pure colour, spray-painted through stencils, which imitate the shape and colour effects of the sculptures.<br /> </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The making of both the colouring books and the sculptures, which are all hand-made, requires a very laborious work, similar to craftsmanship. Even if every action – to make another sculpture, to make another book – that the artist takes is identical to the previous one it is also different each time. Like walking, it is through the repetition of a simple gesture that the artist explores a new territory every day. David de Tscharner thus ventures on the path of creation, a path which, according to Heidegger "leads to nowhere". Regardless of the destination, it is the walking, whose appeal is to explore, to act and to invest, that truly matters.<em><br />  <br />  </em></span></p> <p style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><em>***<br /></em></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em> </em></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><em>One Sculpture a Day Keeps the Doctor Away</em> a commencé comme une réponse à l'invitation du collectif d'artistes La Table Ronde à exposer dans la vitrine qu'il occupait au centre de Bruxelles.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La proposition d'exposition n'avait qu'une seule contrainte : réagir à un verbe lié à la notion de conversation et choisi par le collectif spécifiquement pour chaque artiste invité. L'action ainsi attribuée à David était celle de « confier ».</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Plongé dans une période de travail particulièrement prolifique au cours de laquelle David produit quotidiennement de nombreux dessins, esquisses, essais de sculptures et autres installations, l'artiste décide de construire une structure de présentation sur laquelle il dépose chaque jour une nouvelle création. Durant un mois, il confie ainsi aux regards des passants de la rue animée où se situe la vitrine ses travaux fraîchement sortis de l'atelier. A travers la succession des objets, se tisse alors un récit qui évoque le cheminement de la réflexion artistique, teintée d'expériences personnelles. La première oeuvre ainsi présentée est une vieille casserole où mijote une étrange mixture vert pop, métaphore de la pratique de l'artiste qui aime mélanger substances plastiques hautes en couleurs, objets trouvés et matériaux de rebut, de manière parfaitement ludique et décomplexée. Dès le jour suivant, la sculpture qui la remplace révèle un caractère nettement plus autobiographique : un visage de plasticine se fait ainsi éborgner par un morceau de bois... suite à une dispute amoureuse, selon les explications de l'artiste.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Au terme du projet, l'artiste décide de poursuivre l'expérience sur Internet, via le site Chaque jour, pendant un an, il publie les images de ses productions les plus immédiates dans sa vitrine virtuelle. Le langage qui se déploie sous nos yeux marie les opposés – formes abstraites et figuratives, matériaux naturels et artificiels, objets trouvés et créés, travail bi- et tri dimensionnel – en des sculptures à la fois étranges et attrayantes qui révèlent également une importante pratique du dessin et du collage.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En tant que fils d'une art-thérapeute, il n'est pas anodin que le titre du projet fasse référence aux potentiels thérapeutiques de la pratique artistique. Chaque sculpture ainsi présentée sur le site est laissée à notre libre interprétation, sans le moindre descriptif qui permettrait de guider notre jugement. Seules les formes et les matières évocatrices nous permettent d'appréhender les objets. A</span> <span style="font-size: small;">travers ce jeu de libre interprétation auquel nous sommes conviés, c'est le cheminement même de l'artiste que nous découvrons. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Pour sa première présentation dans son intégralité à la galerie aliceday à Bruxelles, l'ensemble des 366 sculptures est exposé sur des grandes étagères en bois recyclé, matériau courant dans la pratique de l'artiste, qui évoquent les réserves d'un musée. L'ensemble fonctionne comme un environnement englobant, où la multiplication des objets ainsi donnés à voir apparaît surprenante et généreuse.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Une publication accompagne également la présentation dans l'espace. Si celle-ci reprend les silhouettes de chacune des sculptures, elle n'est pas pour autant la simple archive du projet, que le site Internet constitue déjà. Sous la forme d'un livre de coloriage, cette édition propose au public de s'approprier le projet de l'artiste et de créer, à travers le même mode ludique, ses propres versions des oeuvres. Au delà de la possibilité qu'elle offre de faire bénéficier tout un chacun des vertus « thérapeutiques » du projet <em>One Sculpture a Day Keeps the Doctor Away</em>, chaque édition est également un objet en soi. L'artiste a en effet produit 366 exemplaires uniques de par leur couverture qui reprend chaque fois le motif d'une des 366 sculptures reproduites. A l'inverse des silhouettes dessinées en noir sur blanc qui composent les pages du livre de coloriage, les couvertures sont des taches de couleur pure, peintes à la bombe à travers des pochoirs, qui reproduisent les contours des sculptures et dont les effets de camaieu sont semblables à ceux que l'on observe sur celles-ci.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Tant les livres que les sculptures requièrent donc un travail extrêmement laborieux, qui s'apparente à l'artisanat. Si chaque geste que fait l'artiste est à la fois identique au précédent – refaire une sculpture, refaire un livre – il est un même temps différent. A l'instar de la marche, c'est par la répétition de gestes simples que l'artiste balise chaque jour un nouveau territoire. David de Tscharner s'aventure ainsi sur le chemin de la création, ce chemin qui, selon les termes de Heidegger « ne mène nulle part », car peu importe la destination, c'est la marche, dont l’intérêt est d’explorer, d’agir et d’investir, qui importe.</span><br />  <br /> Devrim Bayar</p> Fri, 29 Jun 2012 22:51:30 +0000