ArtSlant - Current exhibits en-us 40 Mircea Suciu - AEROPLASTICS Contemporary - April 21st, 2012 - June 2nd, 2012 <p><b>Mircea Suciu - Black Milk<i> </i></b>                                                                                 April 21st – June 2nd</p> <p style="text-align: justify;">Aeroplastics is delighted to present <i>Black Milk</i>, Romanian artist, <b>Mircea Suciu's </b>first solo exhibition with the gallery. The title of the exhibition is derived from Paul Celan’s poem, ‘Death Fugue’, published in 1948 and considered one of the great works written by a holocaust survivor.  The poem describes how prisoners are forced to dig graves while others play music. The macabre practice of forcing prisoners to ‘perform’ in the run up to a terrible event such as a mass execution (as often happened in Auschwitz), was referred to by prisoners as the ‘Death Tango’. Celan’s text originally held this title and this information is significant both when considering Suciu’s works for this exhibition, and the motivation behind his practice.<br /> <br /> <i></i></p> <p style="text-align: justify;"><i>Black Milk</i> is comprised of a series of mostly large scale, charcoal drawings.  Like a great deal of Suciu’s works, the drawings are dark; both physically and in terms of the atmosphere they convey. The figures in Suciu’s drawings often appear trapped in some kind of routine or performance. It’s not unusual for artists to create a composition after a dance and indeed if we choose to interpret the work in this way we come closer to discovering the artist’s keen awareness of what he describes as ‘man’s tragic destiny’, with each individual</p> <p style="text-align: justify;">playing out his part in a pre-ordained drama, like dancers in a ballet.</p> <p style="text-align: justify;">Suciu is fascinated by what he describes as ‘the absurd actions of man’. He watches people intently, observing the quirks of human behaviour and the pull of human nature - so strong - that despite the examples history teaches us, each generation must go through the same experiences for themselves. In Suciu’s works the common man is caught in his given ‘role’: helpless, despairing, hedonistic or wilfully ignorant. However he chooses to address (or not), this existential anxiety, Suciu records his often strange acts. Yet while he may at times appear sad, foolish or even pathetic, it is not the common man that Suciu satirises, rather he balances his investigation into man’s foibles with an uncovering of his exploitation.</p> <p style="text-align: justify;">State and religious figures of authority often find themselves the protagonists of Suciu’s drawings. Sometimes depicted as corrupters or abusers, often times derided as figures of fun, at other times revealed as terrifying personifications of punishment, Suciu reveals the danger of putting faith in humans and systems</p> <p style="text-align: justify;">that might be exemplary but are ultimately fallible.</p> <p style="text-align: justify;">Though Suciu’s work is dark and he is a master of chiaroscuro - boldly contrasting bands of light or spot lit bodies with great looming shadows and unfathomable grounds –there is also humour and irony in the artist’s practice. Suciu is concerned with social critique and as such follows in the footsteps of artists as diverse as Bosch, Goya, Hokusai, Duamier, Redon, Lautrec and Kentridge.  Suciu employs irony and humour to great effect, revealing the most bizarre of coincidences and turns of events. Black jokes often prove uncomfortable viewing but they are proof that there is comedy even in tragedy, though it can taste very bitter.</p> <p style="text-align: justify;"> </p> <p style="text-align: justify;">We want to believe though, that good will win out. Throughout human history, man has invented gods and superheroes to ‘save’ them from the terrors of both the natural world and man’s own making. For Suciu, the rise of the superhero is a direct consequence of the overwhelming horrors of World War II. The threat posed by megalomaniacal dictators, genocide and mass atrocities, meant that man again started dreaming of champions. For Suciu, this period was the defining moment for the 20<sup>th</sup> Century, and also decided the future for the 21<sup>st</sup> Century. War is a terrible thing but it also enables the best and worst in human nature to come to the fore and it is this struggle that ultimately captivates the artist. The trouble is that once a horror or a particular weapon has been invented, human nature is such that now the blueprint exists, it makes it easier for new crimes to be perpetrated. Suciu understands this, and his drawings are wrapped around the hopelessness felt by man caught between his nature and his yearning for escape.</p> <p style="text-align: justify;">Perhaps it is this primal urge to express and record that leads Suciu to choose to make drawings in charcoal. The most primitive and ancient tool in an artist’s box of materials, it allows the user to be direct, bold and expressive. We find finger prints, as if the artist has touched his subjects, caressing them into life. There is also evidence of brush work, rag marks, thinners mixed with macerated charcoal powder to create a suspension that allows for experimental techniques and different dynamics.</p> <p style="text-align: justify;">Suciu is a master at creating a feeling of colour, even though this is a world of black and white and grey. The greys, in fact are so diverse we can project into them. Though colour is not there, the palette construction is so consistent and rigorous we can build a scale and identify tones and hues. We could live in this dark, strange world, a place Suciu defines as ‘psychological realism’ - a term used to describe early German films.</p> <p style="text-align: justify;">Suciu makes us feel as though we know it.</p> <p style="text-align: justify;">Though Suciu turns often to the middle of the 20<sup>th</sup> Century for inspiration, he is very much a 21<sup>st</sup> Century artist, ‘finding’ objects through contemporary sources such as the internet, photographs and other current media. Continuing a line from Duchamp’s ‘object trouve’ to, in his case ‘image trouve’, Suciu builds dramatic compositions that function on very different levels. Sometimes they are deceptively simple, featuring a lone figure set against a flat background, at other times they might be peopled so intensively as to create a work that is almost unreadable in a narrative sense. In the latter, the work becomes about the shapes and tones; concerned with the tropes of abstraction and optic effects, rather than ‘the story’ in any conventional sense. This, one feels, is when Suciu becomes overtaken by both his love of the medium, and the moment itself.</p> <p style="text-align: justify;">The subject is dark, but the drive to create is overwhelming.</p> <p style="text-align: justify;" align="right"> Jane Neal</p> Thu, 03 May 2012 10:18:16 +0000 Dan Rees - Albert Baronian - April 20th, 2012 - May 19th, 2012 Mon, 30 Apr 2012 18:25:22 +0000 Invader - Alice - April 20th, 2012 - May 19th, 2012 <p class="bodytext">The artist has invaded the walls of Brussels with his mosaics, redrawing a map of the city according to his artistic wanderings. </p> <p class="bodytext">In the gallery, Invader presents the aliases of the Brussels invasion (a unique piece for each street mosaic), installations of Rubik’s cubes and sculptures such as « The Speedball Machine »</p> Mon, 07 May 2012 13:22:51 +0000 Walter Swennen - Aliceday - April 20th, 2012 - May 26th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Walter Swennen, painter, philosopher and poet, born in Brussels 1946 is one of the most notable artists on the Belgian contemporary art landscape.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;">His artistic activities began in the 1960s alongside Marcel Broodthaers, creating objects in the pop art style and participating in numerous happenings. His own particular style, a kind of short circuit between popular culture and historic painting, an iconoclastic tone and disconcerting humour materializes on the various media (found objects, recovered wood panels, stove lids etc.). Language is another fundamental element of his practise : using Flemish, French, German and English, unavoidable words, to accompany paintings and innumerable drawings.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Walter Swennen's artistic production is difficult to define, but it is unique. His works operate in relation to memory and to our shared imagination, while also dealing with the artistic definition of painting.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For Walter Swennen, this is a painting of "diversion," a diversion of meaning through the operation of words and images:</span></p> <blockquote> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> "An insidious undermining, in which we find it difficult to distinguish the ironic from the serious. The viewer has no choice but to take into account the visible, legible elements of the painting, never losing sight of the fact that there is a dualist system at work, in which front and back play hide-and-seek, where top and bottom, like the well-known relationship between form and the substance, permanently collide." (Maïten Bouisset) </span></p> </blockquote> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Walter Swennen, peintre, philosophe et poète né à Bruxelles en 1946 est un des artistes les plus marquants du paysage artistique belge contemporain.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Son activité artistique débute dans les années 60 en cotôyant Marcel Broodthaers, créant des objets dans le style pop art et participant à de nombreux happenings. Son style particulier, sorte de court circuit entre culture populaire et grande peinture, au ton iconoclaste et à l’humour déroutant, se matérialise sur des supports les plus divers (objets trouvés, panneaux de bois récupérés, couvercles de gazinière etc). Le langage est un autre élément fondateur de sa pratique : usant du flamand, du français, de l’allemand et de l’anglais, les mots, incontournables, accompagnent peintures et innombrables dessins.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">La production artistique de Walter Swennen, complexe à définir, est unique. Ses œuvres en relation avec la mémoire et l’imaginaire collectif traitent également de la pratique artistique dans la peinture.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> Pour lui, il s’agit de peinture du « détournement », détournement du sens à travers les images et les mots.</span></p> <blockquote> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> « Travail de sape insidieux où l’on a du mal à départager la part de l’ironie de celle du sérieux. Le regardeur n’a alors pas d’autre choix que de prendre en compte les données visibles et lisibles du tableau, en ne perdant jamais de vue qu’il y a là un système dualiste où l’envers et l’endroit jouent à cache-cache, comme le dessus et le dessous – ce fameux rapport du fond et de la forme – se télescopent de façon permanente. » (Maïten Bouisset)</span></p> </blockquote> Sun, 06 May 2012 15:14:05 +0000 Thomas Kiesewetter - Almine Rech Gallery - April 21st, 2012 - May 25th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Put into orbit in the immaculate white sky of the Almine Rech Gallery in Brussels, Thomas Kiesewetter’s wall sculptures draw us into another dimension of his universe. His new constellation regroups a set of sculptures presented in the vertical vaults of the gallery.  And if the sculptures of Thomas Kiesewetter suggest optical disorientation, it is because they have transformed the surface of the wall into their own flat surface. The exhibition ‘Midnight Sky’ lights up eight sculpted stars– Mars, Earth, Jupiter, Venus, Neptune, Mercury, Saturn and Uranus. In the artist view, his new metal structures question the very nature and meaning of the sculptural tradition since they no longer belong to the same space as the viewer “you can look at them but they seem to be somewhere else like planets in the sky”. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">The Kassel-born artist draws his inspiration from the register of the modernists and constructivists as well as in the post-war sculpture that took a new turn in the wake of minimalism and American art. Having so far proposed a 360-degree view of his creations, the sculptor has decided to leave behind the three-dimensional sphere to spread himself out on the gallery’s vertical exhibition walls. Like suspended drawings, these geometric, anthropomorphic and coloured metal aggregates gravitate in the white cube. Paradoxically, while the ‘painting’ frees itself from the wall, the sculpture longs to become a visual work. “One views the wall sculptures like a painting, one cannot get around it, one can only face it”, observes the artist. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Thomas Kiesewetter has chosen to abandon the silence of the monochrome in favour of an interaction of forms and colours whose chromatic range is reminiscent of the approach followed by the modernist masters. Surfaces are casually brushed and sprayed with colourful paint picking up the flow of the sculptural form. His sculpting technique alternates between the precision found in the handling of the forms on the one hand, and broad brush strokes on the other. His metal workshop in Berlin is where the sculptor rethinks his art in relation to painting, thereby proposing a perfectly frontal perspective of the ‘sculptural image’. </span><br /><br /><br /><span style="font-size: small;">Eva Kirilof &amp; Marion Estimbre</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Muursculpturen zweven aan het hagelblanke zwerk van Galerie Almine Rech in Brussel. Thomas Kiesewetter neemt ons mee, ver weg van zijn gebruikelijke universum. In de nieuwe constellatie hangen zijn sculpturen in onderling verband aan de loodrechte gewelven van de galerie. Kiesewetters sculpturen werken optisch desoriënterend omdat ze van het muurvlak hun eigen platte vlak maken. In de tentoonstelling ‘Midnight Sky’ valt middernachtelijk licht op acht gesculpteerde hemellichamen: Mars, Pluto, de aarde, Jupiter, Venus, Neptunus, Mercurius, Saturnus en Uranus. Metalen structuren in een andere ruimte plaatsen dan die van de kijker, is voor de kunstenaar een manier om vragen te stellen bij aard en betekenis van de beeldhouwtraditie: ‘Je kunt ernaar kijken, maar ze zijn elders, zoals planeten aan het zwerk.' </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Kiesewetter, geboren in Kassel, laat zich inspireren door de kunst van modernisten en constructivisten en door de naoorlogse beeldhouwkunst, die met de minimal art en de Amerikaanse inbreng een heel nieuwe kant uit ging. Je kunt zijn werken nu niet meer van alle kanten bekijken, want ze strekken zich uit tegen de verticale wanden van de galerie. Kleurige, geometrische, antropomorfe metalen samengroeisels hangen als zwevende tekeningen in een witte kubus. Terwijl de schilderkunst zich vrijmaakt van de muur, wil de beeldhouwkunst een grafisch gegeven worden. ‘Je kijkt naar deze sculpturen als naar een schilderij: je kunt er alleen vóór gaan staan’, zegt Kiesewetter. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">De kunstenaar ruilt de stilte van het monochrome in voor een interactie van vormen en kleuren. Het palet doet denken aan dat van de modernisten. Hoe onregelmatig het aanbrengen van de verf met borstel of spray ook mag lijken, het speelt in op de sculpturale vormen. Het sculpteren groeit uit de wisselwerking tussen precieze vormbehandeling en gulle penseelstreken. In zijn metalen atelier in Berlijn denkt Kiesewetter na over wat zijn kunst kan zijn in verhouding tot de schilderkunst. Dat leidt tot een letterlijk frontale kijk op een ‘sculpturaal beeld’. </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Mises en orbite dans le ciel blanc immaculé de la galerie Almine Rech de Bruxelles, les sculptures murales de Thomas Kiesewetter, nous entraine dans une autre dimension de son univers. Sa nouvelle constellation regroupe un ensemble de sculptures présentées sur les voûtes verticales de la galerie. Si les sculptures de Thomas Kiesewetter suggèrent une désorientation optique, c’est parce qu’elles transforment la surface murale en leur propre surface plane. L’exposition ‘Midnight Sky’ éclaire huit astres sculptés, Mars, Pluto, Earth, Jupiter, Venus, Neptune, Mercury, Saturn et Uranus. Du point de vue de l’artiste, ses nouvelles structures métalliques questionnent la nature et le sens même de la tradition sculpturale, depuis qu’elles ne se trouvent plus dans le même espace que le visiteur : « Vous pouvez les regarder mais elles semblent ailleurs, comme des planètes dans le ciel ». </span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;">Ce natif de Kassel puise son inspiration dans le registre des modernistes et des constructivistes, ainsi que dans la sculpture d’après guerre qui prit une nouvelle tournure dans le sillage de l’art minimal et américain. Le sculpteur qui jusqu’à lors proposait une vision à 360° de ses créations, quitte la sphère tridimensionnelle pour s’étendre le long des cimaises verticales de la galerie. Comme des dessins suspendus, ces agrégats de métal, géométriques, anthropomorphiques et colorés gravitent dans le cube blanc. Paradoxalement, pendant que la « peinture » s’émancipe du mur, la sculpture aspire à devenir un travail visuel. « L’un voit les sculptures murales comme une peinture, l’autre ne peut leur tourner autour, et le dernier peut seulement leur faire face » observe l’artiste. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Thomas Kiesewetter délaisse ici le silence du monochrome pour une interaction de formes et de couleurs dont la palette chromatique n’est pas sans rappelé les démarches de maîtres modernes. Les surfaces sont nonchalamment peintes ou vaporisées de couleurs suivant la forme de la sculpture. Sa manière de sculpter hésite alors entre la précision trouvée dans la manipulation des formes d’une part et l’application de larges coups de pinceau d’autre part. Dans son atelier de métal de Berlin, le sculpteur repense sont art en relation avec la peinture, ainsi il propose une parfaite perspective frontale de l’ « image sculpturale ». </span></p> Mon, 30 Apr 2012 18:26:28 +0000 Sophie Graniou - anyspace - May 3rd, 2012 - June 2nd, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Sophie GRANIOU (°1983) plonge le spectateur dans un univers décalé, à mi-chemin, ou plutôt en suspension, entre un Musée et un Luna-Park, deux lieux apparemment hétérogènes. Et pourtant. SG ne s’intéresse pas aux musées des “Beaux-Arts”, mais plutôt à certains types de musées particuliers, moins visités, plus poussiéreux, aux scénographies plus "kitsch", ceux dans lesquels s’entassent des “objets” que Sophie Graniou voit comme des trésors d’inspiration. Ces musées proposent en général des mises en scène proches des cabinets de curiosités qui la fascinent (type Musée Dupuytren, Grévin, IIème Guerre Mondiale…).</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> L’aspect ludique se retrouve dans la plupart de ses oeuvres. On est plutôt du côté des “jeux de garçons”, type Flippers/Arcade/bière et Baby-Foot… Une réaction contre un art “féminin”, voire féministe, aujourd’hui érigé en système, un type de travail basé sur “l’intimité” féminine. Sophie Graniou s'intéresse aux objets de la “Low Culture” (objets du quotidien...), mais qu'elle présente de manière muséale, leur conférant une certaine "noblesse", celle de la "High Culture".</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> <strong><em>Xenon</em></strong>, <strong><em>Fanthom</em></strong>, <strong><em>Playboy</em></strong> et <strong><em>Freedom</em></strong> font partie de la série des "Flippers" présentée dans cette exposition. Dessins réalisés à l'encre de chine au format du jeu. Ils reprennent la structure "géométrique" originale du flipper qui l'intéresse du point de vue de la partition des zones (chaque type de structure porte un nom que l'artiste a conservé dans les titres). Le flipper l'intéresse également dans son iconographie thématique; chaque modèle étant "décoré" sur un thème particulier. SG détourne ce procédé en le croisant avec des thèmes de vitrines de Cabinets de Curiosités (apparus au XVI<sup>e</sup> siècle, lieux dans lesquels on collectionne et présente une multitude d'objets rares ou étranges représentant les trois règnes: animal, végétal et minéral, en plus de réalisations humaines). Ce qui attire aussi l'artiste dans les Cabinets de Curiosités c’est l’aspect de collection. Le collectionneur devenant une sorte “d’artiste”, ou du moins de créateur par la juxtaposition des objets, leur mise en scène.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> La série des masques intitulée <strong><em>Anatomie du Joueur</em></strong> se réfère directement au Musée Grévin et surtout au Musée Dupuytren, fondé en 1835 par Guillaume Dupuytren, professeur de médecine opératoire qui avait destiné une partie de sa fortune à l'instauration d'une chaire d'anatomie pathologique. Les pièces les plus spectaculaires, dont certaines sont parmi les plus anciennes, sont des représentations en cire de diverses parties de corps. SG reprend le procédé de présentation en moulant les visages de personnes qui l'entourent. Les jetons sur la langue des joueurs peuvent être des pièces pour la partie, ou des pièces pour le passeur si l'on considère que ce sont aussi formellement des masques mortuaires.</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> La série des labyrinthes intitulée <strong><em>La Bonne Résolution</em></strong> ( titre du "dessin agissant labyrinthe", les dessins agissants étant un dérivé de la culture ésotérique New Age qui confère à certains dessins un pouvoir, le dessin d'un labyrinthe permettant, si on le suit des yeux jusqu'à la sortie, de tenir une bonne résolution). Le labyrinthe végétal c'est aussi le plaisir de se perdre qui recrée une sorte de jeu. Formellement, il s'agit du détournement d'un célèbre jeu que l'artiste a transformé en "jardins à la française".</span><br /><span style="font-size: small;">  </span><br /><span style="font-size: small;"> <strong><em>Flying Like an Eagle</em></strong> est le titre de la pièce sur socle mettant en scène des petits joueurs du jeu de kicker. Lors du coup d'envoi, le joueur qui a la balle peut décider de la lancer en l'air. Dès lors, tous les joueurs doivent crier "Flying like an eagle" ("Gollum" en français). Les joueurs inattentifs se verront retirer 2 points. Le mouvement des adversaires, débarrassés de la barre latérale, le saut coup-de-boule est figé en plein vol.</span></p> Thu, 17 May 2012 02:53:12 +0000 Raphaël Cuomo, Maria Iorio - Argos Centre for Art and Media - April 22nd, 2012 - July 1st, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Since 2006, the long-term and collaborative projects of Maria Iorio (1975) and Raphaël Cuomo (1977) have formed two parallel ensembles of works: <em>Toward a history of the vanishing present</em> researches the economies of visibility in relation to past and present mobility regimes over the shores of the Mediterranean Sea. The resulting body of works manifests divergent histories or unfinished negotiations that account for an entangled modernity. <em>Twisted Realism</em>, which started in Rome in 2008 and developed in several phases, examines various “aesthetics of reality” and the intertwined histories of architecture, migration and cinema. Drawing on several archives in Roma and Bologna, <em>Twisted Realism</em> focuses on the reconfiguration of the urban space after WWII and its depiction in Italian cinema in the period of post-war reconstruction and the "economic miracle". The project takes Pasolini’s film <em>Mamma Roma </em>(1962) as a case study to investigate both this period, which is marked by a reorganization of capitalism, increasing consumption and the emergence of new technologies of vision in the form of television, and the contemporary Italian context. <em>Twisted Realism</em> evokes how the "glorious Italian cinema of the 1960s" was commodified in a process of privatisation of culture and monopolisation of the mediascape, as well as how it was appropriated for writing an unifying version of the national history. The exhibition at Argos brings the premiere of the same titled film presented in an architectural display, together with a series of photographs and collected documents that contextualize the project in a wider frame.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>The exhibition <em>Twisted Realism</em> is supported by <a href="">Pro Helvetia - Swiss Arts Council</a>. </strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The project <em>Twisted Realism</em> has been supported by: Erna und Curt Burgauer Stiftung; George Foundation; Fonds cantonal d’art contemporain, Genève; Fonds d’art contemporain de la ville de Genève; République et Canton du Jura. </span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">With the kind collaboration of: Centro Studi – Archivio Pier Paolo Pasolini, Cineteca di Bologna (Bologna); Archivio del Movimento Operaio e Democratico (Rome); Archivio Storico Luce (Rome); Archivio Centrale dello Stato (Rome).</span></p> <p></p> Tue, 20 Mar 2012 09:42:21 +0000 Nicolas Provost - Argos Centre for Art and Media - April 22nd, 2012 - July 1st, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">After the critically acclaimed success of his first feature film <em>The Invader</em>, Nicolas Provost (1969) presents the fresh Plot Point Trilogy at Argos. Provost’s work reflects on the grammatics of cinema, the human condition in our collective film memory and the relationship between visual art and the cinematic experience. Time and again his phantasmagorias provoke both recognition and alienation and succeed in capturing our expectations in an unravelling game of mystery and abstraction. Staged in a specially for the occasion constructed immersive setting, the exhibition at Argos brings together the three episodes of the <em>Plot Point Trilogy</em> for the first time, including the premiere of the final chapter that Provost shot in the heart of Tokyo. The trilogy investigates the boundaries and influences between fiction and reality by filming everyday life with a hidden camera and then editing the cinematic images into a fiction film using narrative codes from the Hollywood film language. The first episode, <em>Plot Point </em>(2007), turned Times Square into a dramatic thriller featuring the NYPD as a main character. After New York, Provost took his hidden camera to Las Vegas for the second episode, <em>Stardust</em> (2010), and transformed the glorious and ambiguous power of the gambling capital into an exciting crime story featuring real Hollywood stars. In the last episode of this series, Provost infiltrates the daily life of the Japanese metropolis following a serial killer character played by an actor. <strong><br /> </strong></span></p> Mon, 07 May 2012 13:23:09 +0000 Hansgeorg Dickmann, Peter de Leuw, Jef Cornelis - Argos Centre for Art and Media - April 22nd, 2012 - July 1st, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">At a time when Kassel is in the midst of preparations for <em>d13</em>, Argos takes a look back through the prism of television reporting to a key period in the history of this mega event. The <em>documenta</em> time-line runs parallel with that of television. The ARD company made the first television broadcast in Germany on 1<sup>st</sup> November 1954. It was on 15<sup>th</sup> July of the following year, during the Cold War, that the first <em>documenta</em> was held. The period from 1955 to the present reads like a story of upscaling for the masses, rooted in the consumer and entertainment culture, media proliferation and advancing populism. The only partially achieved social and artistic aims of the curators and artists, inherent to working in a format that has to reconcile all manner of paradoxes and contradictions, were another constant in this period.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">If one were to draw up an account of the reception of contemporary art, one could not ignore the <em>documenta-</em>era from 1968 to 1977. Two documentaries by Jef Cornelis (<em>d4</em> &amp; <em>d5</em>) and a live broadcast by the Hessischer Rundfunk (<em>d6</em>) tell the story of the strangled ambitions, misunderstandings and the overriding madness of the moment.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The first three <em>documentas</em>, organised by its initiator Arnold Bode, showed a retrospective overview of international art that was intended to put postwar Germany back on the map. Cornelis’ film <em>documenta 4</em> marked the break with what had gone before. Now it was all ‘art as it happens’. A twenty-four member jury that included Bode came up with a chaotic exhibition. In 1968, the year of revolution, art was in the midst of a breakdown of authority. Cornelis’ <em>documenta 5</em> unmasked the work of the curator Harald Szeemann as a consumer spectacular rather than the laboratory for art and society that had originally been envisaged. In 1977 Peter de Leuw and Hansgeorg Dickmann’s <em>documenta 6</em> sailed under the flag of ‘art in the media society’. During a live broadcast by the Hessischer Rundfunk such artists as Nam June Paik and Joseph Beuys found themselves in hostile territory. As far as the granting of equal rights to art and the media was concerned, and the notion of anti-openness, the only thing they could still do was make a pastiche of them.</span></p> <p style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: small;"> <strong><br /> Opening Night 21.04.2012 // 18:00 - 21:00</strong><strong><br /> <br /> Screening programme:</strong></span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>11h00 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong> Jef Cornelis - Documenta 4 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1968, 53’40", b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles.</span><br /><span style="font-size: small;"> <strong><br /> 12h00 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Jef Cornelis -  Documenta 5</strong> </span><br /><span style="font-size: small;"> 1972, 53’19", colour and b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>13h00<br /> Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann - </strong><strong>documenta 6</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 40’26", German spoken, English subtitles.</span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann</strong> - <strong>documenta 6 - Ad hoc Diskussion nach der Eröffnung der documenta 6 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 44’50", German spoken, English subtitles.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong> 14h30</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Jef Cornelis - Documenta 4 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1968, 53’40", b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles. </span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>15h30</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Jef Cornelis -  Documenta 5</strong> </span><br /><span style="font-size: small;"> 1972, 53’19", colour and b&amp;w, Dutch, English, French and German spoken, English subtitles.</span><br /> <br /> <br /><span style="font-size: small;"> <strong>16h30</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann - </strong><strong>documenta 6</strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 40’26", German spoken, English subtitles.</span><br /><span style="font-size: small;"> <strong>Peter de Leuw &amp; Hansgeorg Dickmann</strong> - <strong>documenta 6 - Ad hoc Diskussion nach der Eröffnung der documenta 6 </strong></span><br /><span style="font-size: small;"> 1977, 44’50", German spoken, English subtitles.</span></p> Tue, 20 Mar 2012 09:49:27 +0000 - Art Brussels - May 5th, 2012 - May 15th, 2012 Sat, 26 Nov 2011 08:33:43 +0000 Jacques Lizène - Atelier 340 Muzeum - April 27th, 2012 - June 20th, 2012 <p style="text-align: justify;">Au Musée du Quai Branly à Paris, où il participe à l’exposition « Les Maîtres du Désordre » (1), Jacques Lizène occupe la position du Cheyenne contraire. Chez les Cheyennes, la « Société des Contraires » regroupe des guerriers qui faisaient tout à l’envers. Toujours à Paris, pour la réouverture du Palais de Tokyo (2), Jacques Lizène interprète une œuvre de musique à l’envers, nouvelle création intitulée « Edaneres » du compositeur GiWduL noV neVoHteeB.</p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">C’est donc tout naturellement dans le même esprit qu’il aborde son exposition à l’Atelier 340 Muzeum, exposition qu’il intitule « Jacques Lizène, Chaises musicales croisées, musique à l’envers en remake », une exposition essentiellement composée de nouvelles productions dont une « Sculpture Nulle, 1980, pour Musique à l’Envers, en remake 2012 ». Lizène transforme l'ancienne salle de danse de l’Atelier 340 Muzeum en salle de concert à l’envers.</p> <p style="text-align: justify;">La musique à l’envers est une idée de 1979, mise en œuvre en 1996. Avec la musique à l’envers, voire doublement à l’envers, il réinvente «n’importe quelle composition en lisant à l’envers toutes les œuvres, comme art d’attitude d’art médiocre et Music’ Minable». Le but assigné au concept de réécriture compositionnelle n’a pas la prétention de créer de nouvelles sonorités mais bien de « lutter contre l’idée de jugement ».</p> <p style="text-align: justify;">Jacques Lizène, compositeur non composant et ses musiciens seront bien sûr en performance lors du vernissage de l’exposition le vendredi 27 avril à partir de 19 heure.</p> <p style="text-align: justify;">(1) Les Maîtres du Désordre, Musée du Quai Branly, du 11 avril au 29 juillet 2012<br />(2) Palais de Tokyo, réouverture, les 12 et 13 avril 2012.</p> Sat, 12 May 2012 10:06:16 +0000 Paulo Climachauska, Rafael Carneiro - Bodson Gallery - April 21st, 2012 - May 26th, 2012 Thu, 12 Apr 2012 04:49:26 +0000 Per Kirkeby - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - February 9th, 2012 - May 20th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">The Centre for Fine Arts presents a retrospective of the work of Per Kirkeby (born in 1938), one of the key painters of the Danish avant-garde. But just what does avant-garde mean: rupture, minimalism, abstraction, borrowings, subversion? One can find all of those in a prolific body of work that began in the 1960s in the wake of the Fluxus movement. But that is only one aspect of a very diverse oeuvre that draws just as much on the figuration of Danish classicism and the experiments of 19th-century French masters such as Eugène Delacroix. Kirkeby cannot be pigeonholed, nor does he want to be: he prefers to relentlessly question the position and the perceptions of the observer. An artistic process that has seen him turn to different media (canvas, blackboards, paper, bronze, etc.) in an assertion of the freedom he finds, as a trained geologist, in the omnipresence of nature. It is in this context that the Kurt Schwitters room in the exhibition is so relevant. Here, Kirkeby is not confronted with the Dadaist, but with an unfamiliar, figurative Schwitters, in love with landscape. "Forbidden paintings" – from the point of view of the modernist <i>mainstream</i>, that is. The Danish artist recognises in this work his own credo: a visceral assertion of his freedom as an artist.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Le Palais des Beaux-Arts présente une rétrospective de l’œuvre de Per Kirkeby (°1938), peintre majeur de l’avant-garde danoise. Mais que faut-il entendre par avant-garde : rupture, minimalisme, abstraction, emprunts, détournements ? On retrouve tout cela dans une œuvre prolifique qui démarre dans les années ’60 dans le sillage du mouvement Fluxus. Mais il ne s’agit là que d’un versant d’une œuvre très diverse qui puise tout autant dans la figuration des classiques danois ou les expérimentations des maîtres français du XIXe siècle, comme Eugène Delacroix. Kirkeby ne peut ni ne veut être classé, préférant questionner sans relâche la position et les perceptions de l’observateur. Un processus artistique qui se déploie sur différents supports (toiles, tableaux noirs, papiers, bronze, etc.) ; une affirmation de la liberté qu’il retrouve, lui le géologue de formation, dans une nature omniprésente. L’enclave Kurt Schwitters prend alors tout son sens. Kirkeby n’y est pas confronté au dadaïste, mais à un Schwitters méconnu, figuratif, épris de paysages. « Peintures interdites »… au regard du <i>mainstream</i> moderniste. Et le Danois d’y reconnaître son propre credo : l’affirmation viscérale de sa liberté d’artiste.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Het Paleis voor Schone Kunsten pakt uit met een retrospectieve van het werk van Per Kirkeby (°1938), één van de belangrijkste schilders van de Deense avant-garde. Maar wat moeten we precies verstaan onder avant-garde: gebrokenheid, minimalisme, abstractie, ontlening, verdraaiing? Al die elementen vinden we terug in een omvangrijk oeuvre dat voor het eerst vorm krijgt in de jaren 60, in het voetspoor van de Fluxus-beweging. Het gaat hier echter slechts om één aspect van een bijzonder veelzijdig oeuvre dat evenzeer put uit de figuratieve kunst van de Deense klassiekers als uit de experimenten van de 19de-eeuwse Franse meesters, zoals Eugène Delacroix. Kirkeby kan en wil zich niet in een vakje laten stoppen, maar stelt liever de positie en de perceptie van de waarnemer voortdurend in vraag. Een artistiek proces dat zich ontplooit op verschillende dragers (doek, zwart krijtbord, papier, brons, enz.). Als bevestiging van de vrijheid die hij, geoloog van opleiding, terugvindt in de alomtegenwoordige natuur. De enclave van Kurt Schwitters krijgt hier haar volle betekenis. Kirkeby heeft niet te maken met de dadaïst, maar met een miskende, figuratieve Schwitters die dol is op landschappen. ‘Verboden schilderijen’ … vanuit het oogpunt van de modernistische <i>mainstream</i>. De Deen herkent er zijn eigen credo in: de viscerale bevestiging van zijn artistieke vrijheid.</span></p> Mon, 27 Feb 2012 11:56:09 +0000 - Bozar - Palais des beaux-arts de Bruxelles - March 16th, 2012 - May 20th, 2012 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">What will Brussels be like in 2040 if its demographic growth continues? How will people get around the city if the motor car is no longer a sustainable means of transport? How can we reduce the social divide and avoid a dual city? How can we offer everyone an opportunity to live and work in the city with dignity? How can we coordinate the development of Brussels with its hinterland?</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Faced with all these questions, the Brussels-Capital Region turned to three teams of international experts, made up of architects, town planners, and landscape architects, among others. The <i>Brussels 2040: Three Visions for a Metropolis </i>exhibition shows the approaches taken by these three teams via videos, models, photographs, and urban master plans, presented in a scenic design by Lhoas &amp; Lhoas architects,  in collaboration with Codefrisko. Previously unseen short films, directed by the journalists Robin Ramaekers and Jo Ackermans, present each of the three visions. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">International teams: <b>51N4E, l'AUC, Bureau Bas Smets</b> (with Mint, Chôros, and Urban Solutions), <b>Studio 012 Bernardo Secchi Paola Viganò</b>, (with CREAT, Egis Mobilité, Technische Universität München – Dept. of Building Climatology &amp; Building Services, IDEA Consult, and Karbon'),<b>KCAP Architects&amp;Planners</b> (with ARUP, Systematica SpA, and ZUS [Zones Urbaines Sensibles])</span><br /><span style="font-size: small;">Exhibition design: Lhoas &amp; Lhoas architects in collaboration with Codefrisko</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><a class="DivSwitch">More date and hour info</a> </span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Welke vorm zal Brussel aannemen in 2040 als de demografische groei zich doorzet? Hoe kunnen we ons verplaatsen in de stad wanneer de auto niet langer een een optie is? Hoe kunnen we de maatschappelijke tweedeling tegengaan en het sociale weefsel van de stad versterken? Hoe kan iedereen de mogelijkheid krijgen om waardig te leven en werken in de stad? Hoe moet de ontwikkeling van Brussel in relatie tot zijn hinterland georganiseerd worden?</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Om op al deze vragen een antwoord te kunnen bieden, deed het Brussels Hoofdstedelijk Gewest beroep op drie teams van internationale experts, samengesteld uit onder meer architecten, stedenbouwkundigen en landschapsarchitecten. De tentoonstelling <i>Brussel 2040. Drie visies voor een metropool</i> presenteert de aanpak van deze drie teams aan de hand van video’s, maquettes, foto’s en stadsplannen. Lhoas &amp; Lhoas architectes werkte samen met Codefrisko de scenografie uit. Het publiek kan kennismaken met de verschillende visies dankzij enkele niet eerder vertoonde kortfilms van de journalisten Robin Ramaekers en Jo Ackermans.  </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Internationale teams: <b>51N4E, l’AUC, Bureau Bas Smets</b> (met Mint, Chôros, Urban Solutions), <b>Studio 012 Bernardo Secchi Paola Viganò</b>, (met CREAT, Egis Mobilité, Technische Universität München – Dept. of Building Climatology &amp; Building Services, IDEA Consult, Karbon’), <b>KCAP Architects&amp;Planners</b> (met ARUP, Systematica SpA, ZUS [Zones Urbaines Sensibles])</span> <span style="font-size: small;">Scenografie: Lhoas &amp; Lhoas architectes in samenwerking met Codefrisko</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Quelle forme prendra Bruxelles en 2040 si la croissance démographique se poursuit? Comment se déplacer en ville si la voiture n’est plus un moyen de transport soutenable? Comment réduire la fracture sociale et la ville duale ? Comment fournir à chacun la possibilité d’habiter et de travailler dignement en ville ? Comment organiser le développement de Bruxelles avec son hinterland ?</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Confrontée à ces nombreuses questions, la Région de Bruxelles-Capitale a fait appel à trois équipes d’experts internationaux composées, entre autres, d’architectes, d’urbanistes et de paysagistes. L’exposition ‘<i>Bruxelles 2040. Trois visions pour une métropole</i>’, présente les approches des ces trois équipes par le biais de vidéos, maquettes, photographies et plans d’urbanisme au sein d’une scénographie signée Lhoas &amp; Lhoas architectes, en collaboration avec Codefrisko. Des courts-métrages inédits, réalisés par les journalistes Robin Ramaekers et Jo Ackermans, présenteront chacune de ces trois visions. </span><br /><br /><span style="font-size: small;">Equipes internationales : <b>51N4E, l’AUC, Bureau Bas Smets</b> (avec Mint, Chôros, Urban Solutions), <b>Studio 012 Bernardo Secchi Paola Viganò</b>, (avec CREAT, Egis Mobilité, Technische Universität München – Dept. of Building Climatology &amp; Building Services, IDEA Consult, Karbon’), <b>KCAP Architects&amp;Planners</b>, (avec ARUP, Systematica SpA, ZUS [Zones Urbaines Sensibles])</span><br /><span style="font-size: small;">Scénographie: Lhoas &amp; Lhoas architectes en collaboration avec Codefrisko</span></p> Tue, 03 Apr 2012 13:57:22 +0000 Robert Janitz - C L E A R I N G - April 20th, 2012 - June 9th, 2012 Tue, 31 Jul 2012 09:59:00 +0000 Massimo Vitali, JOSE MARIA MELLADO, Frank Van Der Salm, MATSUE TAIJI - Crown Gallery - March 31st, 2012 - May 12th, 2012 Thu, 12 Apr 2012 08:19:11 +0000