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Berlin

ALEXANDER OCHS PROJECTS

Exhibition Detail
TO ONE WHO HAS BEEN LONG IN CITY PENT
Besselstraße 14
10969 Berlin
Germany


September 12th, 2012 - October 20th, 2012
Opening: 
September 11th, 2012 7:00 PM - 9:00 PM
 
Ruin, Lu SongLu Song, Ruin,
2012, Öl auf Leinwand / Oil on canvas, 80 x 100 cm
© Courtesy of the artist & ALEXANDER OCHS GALLERIES BERLIN | BEIJING
> QUICK FACTS
WEBSITE:  
http://www.alexanderochs-galleries.com
NEIGHBORHOOD:  
friedrichshain-kreuzberg
EMAIL:  
info@alexanderochs-galleries.de
PHONE:  
+49 (0) 30 24 00 866 80
OPEN HOURS:  
Thu & Fri 2-6 pm | Sat 11 am – 6 pm + by appointment
> DESCRIPTION

Wenn man mit der Melancholie ein Temperament in Verbindung bringt, das primär mit europäischen Konnotationen aus Literatur und Bildender Kunst behaftet ist, erscheinen die Bilder des chinesischen Malers Lu Song (*1982) befremdlich und einladend zugleich. Dies gilt sowohl hinsichtlich ihrer vielschichtigen Schönheit als auch ihres Tiefgangs.
 
Mit dem Titel, den Lu Song für diese Ausstellung gewählt hat, zitiert er ein Gedicht von John Keats, jenem Vertreter der englischen Romantik. Keats beschreibt dort die Empfindungen eines Menschen, der sich lange in der Enge der Stadt gefangen sah und nun die Schönheiten ländlicher Natur erlebt. Bei Lu geht es jedoch weniger um die pantheistischen Anschauung eines John Keats als vielmehr darum, innere Bilder zu schaffen, die innere Widersprüche zeigen. Solche inneren Widersprüche gründen sich vielleicht auf ganz persönliche Erfahrungen, die er in China gemacht hat und vor allem auch heute noch macht.

Die Motive seiner Bilder sind oft zunächst unscheinbar, gleichwohl erinnern sie auch an Darstellungen der Romantik. Lu Song kombiniert seine phantastischen Naturlandschaften aber auch mit Gebäudekomplexen, wie man sie heute in Peking vorfindet. Er malt Ansichten von Parkanlagen, die oft unwirklich erscheinen, – viele seiner Motive fand er im Berliner Tiergarten. In diesen Bildern verschmelzen Natur und Urbanität, ohne dass sich diese Dichotomie auflösen ließe. Figuren, ebenso wie die Gebäude von der Flora überwuchert, stehen einsam in der domestizierten Natur und tauchen Lu Songs Schauplätze in eine Melancholie, die gleichermaßen bedrohlich und anziehend ist.
 
Lu Song weiß in seinen Bildern diese romantisierenden Sujets durch malerische Mittel aufzubrechen: Jeder trügerische Schein der Idylle wird in massiver, gleichzeitig aber subtiler Weise nachhaltig gestört. Häufig bringt er Silikon auf die Leinwand auf, übermalt es, um es später durch Abschabung mit Rakeln wieder zu entfernen. Er verwendet extrem verdünnte Ölfarbe, die so flüssig ist, dass sie oft unmittelbar nach dem Auftrag vom Bildträger fließt. Es überdecken sich so Farbschleier, Schlieren laufen senkrecht aus dem Bild und geben die Textur der Leinwand frei. Mit diesen Verflüssigungen provoziert Lu Song die Unkontrollierbarkeit der Farbe und fordert die Eigenständigkeit der Leinwand heraus, – um im selben Moment dagegen agieren zu können.
 
Dieses Agieren ist entscheidend in jenem Prozess der Werkentstehung, in dem es keine absehbare Versiegelung der Leinwand geben kann, in dem Material geschichtet, entfernt, freigelegt und benetzt wird. Jedes Sujet bildet sich erst im Entstehungsprozess und in der Reaktion der Materialien heraus. Wenn er wüsste, sagt Lu, wie ein Bild am Ende aussähe, dann bräuchte er es gar nicht erst zu malen. Es ist also diese Herausbildung, die ihn antreibt, er folgt niemals einer antizipierenden Komposition.Der Prozess des Malens bleibt in erster Linie der Reaktion der Materialien und seiner eigenen Intuition verbunden.

Das schichtweise Auftragen der Malmittel und das Freilegen unterer Schichten bis hin zum Malgrund verraten viel über Lu Songs künstlerische Denkweise, die einen nachgerade psychologischen Ansatz vermuten lässt. Lu entlässt das Material aus seiner bewussten Kontrolle und überlässt ihm die Regie. Bemerkenswert ist auch, dass er keinen konkreten Bezug zur Lebenswirklichkeit in China herstellt sondern vielmehr (und durchaus melancholisch) auf die seelische Verortung in der Gegenwart zielt. Mit der Schaffung innerer Bilder nimmt sich Lu Song eine innere Freiheit, die vielleicht gerade für eine jüngere Generation chinesischer Künstler kennzeichnend sein kann.
 

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When one unites melancholy with a temperament that is primarily loaded with European connotations from literature and visual art, the paintings by the Chinese painter, Lu Song (* 1982) may seem foreign and inviting at the same time. This applies to the complex beauty of the works, as well as their depth.
 
With the title chosen for this exhibition, Lu Song quotes a poem by John Keats, a representative of English Romanticism. In this poem, Keats describes the sensations of a man who had been trapped in the confines of the city for too long and is now experiencing the beauties of rural nature. To Lu, it is less about the pantheistic conception of John Keats, and more a matter of creating inner images that display internal contradictions. These internal contradictions are perhaps based on personal experiences made and, more importantly, still made in China.
 
The subjects of his paintings often seem inconspicuous at first, however they are also reminiscent of images from Romanticism. Lu Song combines beautiful natural scenery with building complexes, as found in Beijing today. He paints park views, which often seem unreal – many of these subjects have been found in Berlin's Tiergarten. Nature and urbanity merge in his paintings, without letting the dichotomy dissolve. As well as buildings with overgrown flora, people stand amidst domesticated nature in solitude and enter Lu Songs scenarios of melancholy, which can be simultaneously threatening and appealing.
 
Lu Song knows how to break through the romanticized subjects of his works by painterly means: every deceptive appearance of an idyll is lastingly disrupted in a massive, but subtle way. He often applies silicone to the canvas and paints over it, only to later remove it by scraping it off with a squeegee. He uses extremely diluted oil paint that is so fluid, it often runs down the canvas immediately after application. Veils of colour overlay each other, permitting these veils to run vertically down the image and revealing the texture of the canvas underneath them. Lu Song provokes the unruliness of paint through the liquefaction, thus challenging the autonomy of the canvas – only to work against it at the same time.
 
This act is crucial to the process of the paintings development; in which there can be no foreseeable seal on the canvas and in which the layered material is removed, exposed and recoated. Each subject is developed during the creation process and in response to the materials used. Lu says that if he already knew what a painting would look like in the end, then he need not paint it at all. It is therefore the development itself that drives him, as he never follows an anticipatory composition. The process of painting remains primarily interrelated to the reaction of the materials and his intuition.
 
The layered application of the materials, as well as the exposal of the layers below or even the paintings surface itself, reveal a lot about Lu songs artistic way of thinking and even suggest a psychological approach. Lu dismisses the material from his conscious control, leaving it to lead the way. It is also worthy to note that Lu makes no specific reference to the reality of life in China, but rather (quite melancholically) aims to display the emotional positioning of the present. With the creation of his inner images, Lu Song takes on an inner freedom that may be especially typical for the younger generation of Chinese artists.
 

Peer Golo Willi


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