ArtSlant - Openings & events en-us 40 Hélio Oiticica, Thomas Valentin - Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - February 6th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p>In the context of the Forum Expanded program of the Berlinale, 63 International Filmfestival Berlin, the Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwartskunst - Berlin will be showing from 6.2.-24.2.2013 the installation CC6 COKE'S HEAD SOUP by Brazilian artist Hélio Oiticica (1937-1980).<br /> <br /> The work being exhibited is part of COSMOCOCA PROGRAMA IN PROGRESS which was created in New York in 1973 by Helio Oiticica in collaboration with filmmaker Neville d'Almeida. The COSMOCOCA series consist of 9 multimedia installations (CC1-CC9), of which the first 6 were realized. CC6 COKE'S HEAD SOUP was planned and realized in collaboration with photographer Thomas Valentin in September 1973 in New York. For these works, slides are projected within specially conceived environments and are accompanied by original soundtracks. To produce the photographs for the installations, Oiticica appropriated himself of various references from popular culture, Rock music and his own cultural background and estranged the images by drawing on them with cocaine.<br /> CC6 COKE'S HEAD SOUP shows Mick Jagger's face on the advertisement of the then recently released album "Goat's Head Soup" published in Rolling Stone magazine. The face on the grainy newspaper print appears to be gradually merging with the coke into the medium's surface. The soundtrack specially made for this installation combines everyday noises such as the sound of a typewriter or an ambulance passing by, with the Rolling Stones-song "Sister Morphine".<br /> <br /> The created environments for the COSMOCOCAS, equipped with mattresses, pillows or hammocks, invite the viewer to take an active role, creating his or her individual perspective while moving and positioning him or herself freely in the given situation in the space. <br /> CC6 COKE'S HEAD SOUP shows a consolidation of Oiticica's and d'Almeida's original ideas and techniques. A central aspect of this work also includes Oiticica's concept of the 'quasi-cinemas', which questions the usage of the cinematic image in the visual arts and expands the viewers' perspective linked to the reception of film and sound.<br /> <br /> The installation is shown in the Aktionsraum of Hamburger Bahnhof. It can be accessed through the museum restaurant. Admission is free.</p> Mon, 04 Feb 2013 01:32:49 +0000 - me Collectors Room Berlin - February 6th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p><span style="text-decoration: underline;">Expert talk</span></p> <p><span style="text-decoration: underline;">06.02.2013, 7 p.m.</span></p> <p>Free admission</p> <p><i>A journey through the world of the Wunderkammer</i></p> <p>with Thomas Olbricht, collector, and Georg Laue, art historian and art dealer.</p> <p>A crocodile hanging from the ceiling, an ivory cabinet with scientific objects, precious items made of  mother of pearl, amber and coconut: an unusual combination? What seems strange to us today was very typical of the cabinets of arts and marvels in the Renaissance and Baroque periods. Thomas Olbricht and Georg Laue are joined by Corinne von Lebusa, a contemporary artist featured in the Olbricht Collection, to discuss the meaning and exhibition principles behind this historical form of collecting.</p> <p>Prior registration: under info[at)</p> Mon, 21 Jan 2013 13:59:04 +0000 Hellmut Bruch, Gerhard Frömel, Hans Jörg Glattfelder, Andrea Maria Krenn, David Rabinowitch - dr. julius | ap - February 7th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p>2013 begins at dr. julius | ap with a collaboration between galleries: starting February 7, five artists from Vienna's Galerie Lindner will be shown in Berlin.  In return, eights artists from the dr. julius | ap exhibition FutureShock OneTwo will be housed in the rooms of the Vienna gallery.</p> <p>The Berlin exhibition, in keeping with the programmatic focus of both galleries, brings together five artists of non-representational, reductive/concrete visual art.</p> <p>The central themes of <b>Hellmut Bruc</b>h's [*1936] works are light and proportions deduced from natural laws, which take shape in 'open forms.' His works refer to light as an 'open medium'; they refer to the Fibonacci series as well as the golden mean. Since Hellmut Bruchs art assumes the reality of the immaterial, his sculptures are not reductive representations or abstractions of the visible. Rather, they proceed from the premises that form and shape the material world.  The 'open forms' thusly created build upon universal constants and strive towards infinity.</p> <p>The work of <b>Gerhard Frömel</b> [*1941] is “concrete art reduced to basic forms and content.  His artistic path leads from image to object to room installation.  Frömel's work is the artistic expression of his search for a new quality of life through encounters”a search for links in what seems to be confusion or strangeness. To a great degree his objects and room installations specifically include the viewer in this search”they demand his concentration. Through the interaction and layering of spatially separate yet inter-communicating components, the artist's vision results in a formal coherence.</p> <p> The art of <b>Hans Jörg Glattfelder</b> [*1939], which works with strict geometric elements, at first seems to belong to the rich Concrete tradition, although his dedication to spatial phenomena extends beyond this. The art theorist Hans Heinz Holz remarks in this context that with Glattfelder constructivist art enters a visually new phase, and that he is among the first to attempt to express modern physics complex understanding of space through constructive art.  In the process the right angle, which has always been important in the constructive tradition, is abandoned in favor of new structures which Glattfelder terms non-euclidean.</p> <p>Painting and object, or rather, spatially-oriented work is central to <b>Andrea Maria Krenn</b>'s [*1974] art: although classical panel painting is not to be found here, painting is nonetheless very important to her work—precisely when it deals with the interface between the two-dimensional and the three-dimensional, where space opens in an image, or when surface and painting together become an object.  In this way, space, with its many facets, is the most decisive and symptomatic aspect of all her work. [4]</p> <p> </p> <p><b>David Rabinowitch</b> [*1943] has become well-known as a sculptor.  Nonetheless, he has always also been concerned with drawing—there is a cycle of drawings of Romanesque churches, and one of trees in Central Park, created in 1972. Georg Imdahl writes of the Altan [Balcony] Group, which consists of thirteen total hand-printed woodcuts on Japanese paper created in three sessions between 2002 and 2004, It is obvious that the genre of the woodcut naturally lends itself particularly convincingly to the subject of a tree.  What one first notices in these pieces is the beauty of light and color.  It seems that the leaves of the Altan Group, in contrast to the sacred buildings, strive to take explicitly contingent arrangements of the world as sources for arrangements that can be expressed on a flat surface.  One can spontaneously make out the kinds of contours, forms, and figurations that one might come across in the floor sculptures.  It takes little effort to look at these leaves a bit more closely and see beyond the motif of tree.</p> Wed, 30 Jan 2013 00:03:00 +0000 Jochen Dehn - Aanant & Zoo - February 8th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p><img src="" /></p> <p>Vom 08. Februar bis zum 13. April zeigen wir „Fünf oder sechs einfache Sachen und Schule für Unsichtbarkeit“, die erste Einzelausstellung von Jochen Dehn in Deutschland.</p> <p>Der Künstler bietet in der Galerie Aanant &amp; Zoo wöchentliche Übungen in Ambiguität und Diffusion an und zeigt Möglichkeiten, sich aufzulösen, ohne zu verschwinden. Die Performances sind Versuchsaufbauten zur Verringerung der Distanz zwischen Betrachter und Betrachtetem.</p> <p>Jochen Dehns Kunstwerke entstehen, indem er seine künstlerische Praxis in Bestehendes einschreibt. Er benutzt, was er vor Ort findet, oft Gegenstände, die man eher übersieht oder er bringt Requisiten mit, die dann Gegenstand für multiple Transformationen werden.</p> <p>Jochen Dehn: <em>„Ich glaube, wenn wir über Kunstwerke schreiben, wäre das besser unter dem Titel: Zeug, Kunst, Werkzeuge. Der Status, den Objekte bei mir haben, ist ziemlich variabel. Zwei Straußeneier können zu einem großen Omelett verarbeitet werden, sie können so lange getrocknet werden, bis sie leer sind, wenn man das Glück hat, dass sie nicht vorher anfangen zu stinken oder sie können als Veranschaulichung dienen, um den Unterschied zwischen Figuration und Abstraktion zu zeigen.“</em></p> <p>Ein Baum, eine Herdplatte, eine Bohrmaschine oder Rasierschaum – alles wird benutzt, um den Hokuspokus heraufzubeschwören. Was wir sehen, verwandelt sich, oder etwas, das vorher nicht zu sehen war, erscheint vor unseren Augen. Ein Wissenschaftler, der ein Phänomen durch ein Mikroskop betrachtet, hat, äußerlich betrachtet, ähnliche Vorgehensweisen und Erkenntnisse. Im Gegensatz zu Wissenschaftlern benutzt Jochen Dehn keine hochwertigen, speziell für nur einen Zweck entwickelten Werkzeuge, sondern untersucht Gegenstände aus unserer Umgebung, ihre vorgesehenen Nutzungen und modifiziert diese.</p> <p>Um ihr erzählerisches Potential zu erhöhen, benutzt er Techniken, die Kollision, Scheitern oder Missverstehen beinhalten. Er malträtiert oder glorifiziert Objekte, Menschen, Zusammenhänge. Jochen Dehn verhöhnt unsere alltäglichen Wahrnehmungen und probiert Möglichkeiten, das Verhältnis unserer Körper mit ihrer Umgebung zu ändern. Das sind keine Lösungsvorschläge, es geht vielmehr darum, den Bereich des Nicht-Auflösbaren und des Nicht-Festgelegten zu vergrößern.</p> <p>Jochen Dehn: <em>„Ich erzähle Geschichten, ich mache Performances und zeige Experimente. Die Dinge und Inhalte, die ich bei meinen Auftritten benutze, haben oft ähnliche Eigenschaften wie ein conversation piece <sup>1</sup>, oder ich verleihe ihnen diesen Status im Laufe einer Performance. Ich mag Hindernisse. Sie verursachen Zusammenstöße, Stürze, Scheitern, Positionsveränderungen oder Anhalten und und führen so zu Momenten, in denen ein Ort, eine Geste, eine Form oder eine Idee fühlbar und zu einer erlebten Wirklichkeit werden.“</em></p> <p><sup>__</sup></p> <p><sup>1</sup> In den achtziger und neunziger Jahren des letzten Jahrhunderts verbreitete sich eine Innenausstattungsmode in Haushalten in Nordamerika. Die Bewohner stellten ein Ding in den Flur ihres Hauses, oder in den ersten Raum, den ein Besucher betreten würde. Wert und Schönheit dieses Dinges waren nicht die wichtigsten Kriterien für seine Auswahl, es sollte vor allem wie fehl am Platz wirken, den ersten Eindruck stören, oder hässlich, vielleicht geschmacklos sein. Visuelle Hindernisse, die ein Stocken und im Anschluss daran eine Unterhaltung auslösten. Im besten Fall wurden sie zum Grund und zum Inhalt einer Unterhaltung, die sowohl dem Besucher als auch dem Gastgeber die Zeit und Möglichkeit bot, zu überlegen, ob man weiter ins Innere des Hauses gehen wollte oder ob man besser wieder hinausginge. Diese Dinge hiessen conversation pieces.</p> <p>__</p> <p>From the 8th of February to the 13th of April we present „Five easy pieces and school for invisiblity“, Jochen Dehn‘s first solo-show in Germany.</p> <p>In the Aanant &amp; Zoo gallery space the artist proposes weekly training courses in ambiguity and diffusion and shows possibilities to dissolve without disappearing. His performances are experimental set-ups aiming at the reduction of the distance between viewer and beheld.</p> <p>Jochen Dehn inscribes his artistic practice in that which already exists. He makes use of things that he finds in situ, often things that are overlooked; or else he brings props with him, which are then subject to multiple transformations.</p> <p><em>Jochen Dehn</em>: <em>„If we write about my artworks it might be best to do so under the heading: Stuff, art, tools. The status of the objects that I deal with varies a lot. Two austrich eggs can be used to cook a giant omelette, you can dry them, until they are completely empty if you are lucky enough that they don‘t start to smell, or you can use them to show the difference between figuration and abstraction.“</em></p> <p>A tree, a hotplate, a drill or shaving foam, everything is used to conjure up the hocus-pocus. What we see becomes something else, or what was unseen appears before our eyes. A scientist, observing a phenomenon through a microscope, uses similar approaches and witnesses related appearances. In contrast to scientists Jochen Dehn does not make use of high quality tools, developed for a specific application but researches and subverts the possibilities of objects that surround us and examines their modalities of interaction and their usage.</p> <p>To enhance their semantic content he uses techniques of collision, failure and misunderstanding. The objects, persons and contexts are by turns maltreated, glorified or put to good use. He defies our everyday perceptions and offers exercises to change the relation of our bodies to the environment. It‘s not about solutions, he tries to enlarge the space of the undetermined and irresolvable.</p> <p>Jochen Dehn: <em>„I tell stories, I perform and I show demonstrations. The objects and contents that I use in my performances, often share the qualities of a conversation piece<sup>1</sup>. If they don‘t do so already I try to bestow it upon them by means of a performance. Obstacles are essential for my work. They force me to collide, skip, jump and dodge. They lead to falls, failures and stops and thus to instants of realisation: moments in which place, gesture, form and concept become tangible.“</em></p> <p>(translated by the artist)</p> Wed, 30 Jan 2013 00:37:07 +0000 Tatsuo Miyajima - Buchmann Galerie - February 8th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p>Japanese artist Tatsuo Miyajima’s Life (Rhizome) exhibition is to present his eponymous<br />group of works for the first time in Europe.<br />In his work Tatsuo Miyajima (born 1957) concerns himself with time and space. Of central<br />importance to him are three considerations: “Keep Changing”, “Connected with everything”<br />and “Continue forever”. The technological raw materials are numeric displays of light<br />emitting diodes (LEDs), so-called gadgets that Tasuo Miyajima developed himself. The<br />number is understood by him as a metaphor for each form of life and transience.<br />For Life (Rhizome) Tatsuo Miyajima developed a new generation of gadgets in cooperation<br />with Takashi Ikegami, who has researched artificial life for fifteen years at Tokyo<br />University. The number patterns no longer follow a firmly established structure but,<br />like an organism, change completely unpredictably.<br />Comparable to Gilles Deuleuze’s and Félix Guattari’s philosophical concept of the<br />Rhizome, defined as metaphor for a new model for the organisation of science and<br />cosmography and supplanting older tree-metaphor-representations of hierarchical<br />structures, the Life (Rhizome) works weave units and multiplicity into one another.<br />Neither one LED exists before or above another nor does one or the other annihilate the<br />other. Nothing exists without the other. In Rhizomes crossings and intersections are<br />possible. An element can be part of several levels of organisation and cross connections<br />are permitted. Rhizome also ultimately means the liberation from defined power<br />structures: many perspectives and many approaches can be freely linked.<br />In his work Life (Rhizome) Tatsuo Miyajima attains a new complexity between<br />technological precision and contemplation, between philosophical models and artistic<br />concepts.<br />Important works by the artist are represented in collections at the Tate Gallery,<br />London, the Bavarian State Picture Collection Munich, the La Caixa Barcelona, the Deste<br />Foundation Athens, the Museum of Contemporary Art Chicago, in the Museum of Contemporary<br />Art Tokyo, the Leeum in Seoul and the Kunstmuseum Bern.<br /><br /></p> Tue, 05 Feb 2013 22:45:17 +0000 - FREIES MUSEUM BERLIN - February 8th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p>Unter dem Titel „acht!“ stellen die Absolventen der BTK – Hochschule für Gestaltung ihre Abschlussarbeiten im Freien Museum aus. Die Eröffnung findet am 8. Februar um 19 Uhr, ganz im Zeichen des Oktaeders, statt.<br />Der geometrische Körper mit acht Seiten steht für die Vielseitigkeit der Arbeiten und die kreative Entfaltung der persönlichen Fähigkeiten während des Studiums. Die zahlreichen Varianten, einen Oktaeder zu falten, entsprechen auch den unterschiedlichen Wegen, welche die Studenten der BTK eingeschlagen haben, um ihre Visionen neuer Kommunikation zu verwirklichen. Gezeigt werden Arbeiten aus den Studiengängen Motion Design, Kommunikationsdesign, Interaction Design und Fotografie. <br />Die Werke sind bis zum 15. Februar 2013 zu sehen.</p> Tue, 08 Jan 2013 19:42:19 +0000 Heike Nösslböck - G.A.S-station - February 8th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p>Das Fenster/The window<br />an interactive and interdisciplinary installation project into the public space of Tempelherrenstraße in cooperation with international artist and artists from Berlin.</p> <p>Heike Nösslböck<br />Senseless coatings (Sinnlose Lackierungen), 2011-2012, Installation, objects in different formats and materials, coated.</p> <p>The process of insistent repeating gives those "envanescent objects everlasting lifes, an freeze" in time.</p> Mon, 11 Feb 2013 02:31:24 +0000 - Neue Nationalgalerie - February 8th, 2013 10:00 AM - 6:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">For the next six months, the Neue Nationalgalerie will be showcasing the Nationalgalerie's important collection of 19th-century German sculpture which is usually on display in the Friedrichswerdersche Kirche.</span><br /><br /><span style="font-size: small;">The converted church designed by Karl Friedrich Schinkel had to be closed in 2012 due to structural damages, and will remain closed until further notice. The exhibition 'In the White Light' thus presents the public with the last foreseeable chance to view the 36 sculptures together as a suite. In late 18th-century Berlin, then Prussian capital, a generation of successful sculptors emerged that would be forever associated with two core figures: Johann Gottfried Schadow and Christian Daniel Rauch. For a century this style, dubbed the 'Berlin School of Sculpture', exerted an influence that went beyond Berlin and even made itself felt as far away as the United States. Both Schadow and Rauch are represented in the exhibition with a range of works, including the original cast of Schadow's seminal 'Princesses Group'. This show on the gallery's upper floor gives visitors a unique opportunity to view the sculpture ensemble in the light of another architectural icon: the Neue Nationalgalerie designed by Mies van der Rohe (1886-1969), on whom Schinkel had a lasting influence.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Die Neue Nationalgalerie pr&auml;sentiert in ihrer oberen Halle f&uuml;r die Dauer von rund einem halben Jahr das bedeutende Ensemble deutscher Skulptur des 19. Jahrhunderts aus der Friedrichswerderschen Kirche von Karl Friedrich Schinkel.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Aufgrund von Bausch&auml;digungen ist die Friedrichswerdersche Kirche 2012 bis auf weiteres geschlossen worden. Die Ausstellung "Im wei&szlig;en Licht" ist daher f&uuml;r l&auml;ngere Zeit die letztmalige Gelegenheit, die 36 Skulpturen in dieser Aufstellung zu sehen. Seit dem Ende des 18. Jahrhunderts wuchs in der preu&szlig;ischen Hauptstadt eine erfolgreiche Generation von Bildhauern heran, die ihren Ausl&auml;ufern bis in die Vereinigten Staaten von Amerika reicht und vor allem mit zwei Namen verbunden ist: Johann Gottfried Schadow und Christian Daniel Rauch. Beide K&uuml;nstler sind in der Ausstellung mit einer Vielzahl von Werken vertreten, darunter der Originalgips von Schadows "Prinzessinnengruppe". Zudem offenbart sich die einmalige Gelegenheit, das Ensemble neu zu betrachten - im Licht einer anderen Architekturikone, der Neuen Nationalgalerie von Mies van der Rohe (1886-1969), dessen Werk ma&szlig;geblich von der Auseinandersetzung mit dem gro&szlig;en Vorbild Schinkel gepr&auml;gt ist.</span></p> Sat, 06 Jul 2013 17:26:44 +0000 Leandro Quintero - PODBIELSKI CONTEMPORARY - February 8th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">The sharp irony, direct simplicity and dislocated allure of Leandro Quintero‘s meta-aesthetic visual collages, trace a connection with an earlier generation of re/perceivers, like David Lynch, Juergen Teller or Wolfgang Tillmans. The redescription of the camera as the keyhole of a private room, spying uncanny details.</p> <p style="text-align: justify;">The images in Leandro Quintero‘s first solo exhibition in Berlin at Podbielski Contemporary in cooperation with the online gallery are harmoniously hanged in a poetic dialogue with eachother and show neither dogma, nor philosophy, nor method, just his “mind‘s eye”.</p> <p style="text-align: justify;">The foreroom, inflated by airs of loneliness, darkness and terror, presents a glance into Leandro‘s roam through the streets. Looking around one seems to be lost. While in the gallery‘s back room dominates the verticality and ascendent lines of their symbols, as if trying to find an escape route.</p> <p style="text-align: justify;">This enlightened eye, the divine car, the neverending corridor or that burnt fabric, are some of the “Genius Loci” presented by the ar tist. These objects and places posses a metaphysical presence and manifests a spiritualization of modern life. It bring us closer to the objects, places and people, both physically and in our consciousness.</p> <p style="text-align: justify;">These elements are part of what Joseph August Lux called “Treasure Chest Icons” (Seelenbilder).The power of these Seelenbilder, draws from the fact that they link the “external picture of life” (äusseres Lebensbild) and an “internal spiritual state” (innere seelische Verfassung).</p> <p style="text-align: justify;">Traces of the past that speak out to the modern worlds and help to break between past and present.</p> <p style="text-align: justify;">He has the difficult task of seeing and his natural and fresh modesty is a strong stamp of orginality.<br />Leandro Quintero (b. 1978, Buenos Aires) studied at the National School of Photo- graphy in Buenos Aires with Jorge Monaco. He moved to London in 2001 where he lived for more than 10 years. In this period he has done contributions to Photo Es- paña (2005), worldwide magazines and exhibitions in UK. Since 2012 lives and works in Berlin.</p> <p style="text-align: right;"><em>Text by Ana Sánchez de Vivar</em></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Die schroffe Ironie, direkte Schlichtheit und der verrenkte Reiz Leandro Quinteros meth - ästhetischer visueller Collagen gehen der Spur einer früheren Generation von „ Neurezipienten “ wie David Lynch, Juergen Teller oder Wolfgang Tillmans nach. Die Neuformulierung der Kamera, wie ein Schlüsselloch zu einem privaten Raum, in dem sie unheimliche.</p> <p style="text-align: justify;">Details erspähen. Die Bilder in Quintero s erster Einzelausstellu ng in Berlin, die Podbielsk i Contem porary in Zusammenarbeit mit der online - Galerie zeigt , ordnen sich harmonisch in einem poetischen Dialog miteinander an und zeigen weder Dogma, noch Philosophie oder Methode, nur sein „geistiges Auge“ . Das göttliche Auto, das erleuchtete Auge, der endlose Flur, jener ver senkte Stoff sind einige der „Genius Loci“, die der Künstler vorstellt. Seine Objekte und Orte besitzen eine metaphysische Präsenz und offenbaren ei ne Vergeistigung des modernen Lebens, die uns sowohl physisch als auch in unserem Bewusstsein näher an Objekte, Orte und Menschen bringt.</p> <p style="text-align: justify;">Im Vorderraum der Galerie spürt man ein en Hauch von Einsamkeit, Terror und Düs ternis , der schweifende Blick Quinteros . Beim Umher schauen fühlt man sich verloren. Im hinteren Raum dominieren die Vertikalität und emporsteigenden Linien seiner Symbole, als versuchten sie, einen Fluchtweg zu finden.</p> <p style="text-align: justify;">Diese Ele mente sind ein Teil dessen, was Joseph August Lux als „Seelenbilder“ be zeichnete. Die Macht diese r Seelenbilder speist sich aus der Tatsache, dass sie das „äußere Lebensbild“ und eine „innere seelische Verfassung“ verknüpfen. Solche Spu ren der Verg angenheit sprechen die moderne Welt an und helfen uns, einen Bruch zwischen Vergangenheit und Gegenwart zu schaffen .</p> <p style="text-align: justify;">Leandros schwierige Aufgabe besteht darin, sehen zu können. Seine Originalität zeichnet sich durch eine natürliche und unverbrauch te Bescheidenheit aus .</p> <p style="text-align: justify;">Leandro Quintero (geb. 1978 in Buenos Aires) studie rte mit Jorge Monaco an der Na tional School of Photography in Buenos Aires. 2001 zog er nach London, wo er länger als 10 Jahre lebt e. Aus dieser Zeit stammen seine Beiträge in Photo España (2005), in internationalen Zeitschriften und in verschiedenen Ausstellungen in Großbritannien. Seit 2012 lebt und arbeitet er in Berlin.</p> <p style="text-align: right;"><em>Text von Ana Sánchez de Vivar</em></p> Sun, 03 Mar 2013 15:46:33 +0000 Assaf Gruber - Galerie Michael Janssen - February 9th, 2013 3:00 PM - 8:00 PM <p>Galerie Michael Janssen is pleased to announce the inaugural exhibition of its new location in Berlin entitled <b><i>Every Corner of the Soul</i></b> by <b>Assaf Gruber</b> (b. 1980 in Jerusalem). The opening will be take place on Saturday, February 9 from 3 to 8 p.m. in the gallery's new space at Potsdamer Str. 63. <br /> <br /> In his practice Gruber reflects upon how and why a sculptural language emerges in different cultural contexts. His spatial arrangements are an expression of his efforts to overcome the limitations of the medium sculpture. In his works, he often integrates found footage from fictional films that capture ‘sculptural gestures’ performed by their different protagonists and are an integral part of his sculptures. <br /> <br /> Balancing on the borderline between the subjective and the universal, his spatial configurations integrate and simultaneously deconstruct a variety of formal vocabularies (installation, sculpture and moving image). Metaphoric and allegorical they are as gestural as they are performative. Masterfully orchestrated, they resemble landscapes of thought encompassing instability and balance in relation to private histories. <br /> <br /> One of the central works of the show lends the exhibition its programmatic title – <i>Every Corner of the Soul </i>– and is a quote from a lecture that French philosopher Michel Foucault gave in 1983 at the UC Berkley entitled <i>The Culture of the Self</i>. In it, Foucault examines Western culture's conceptual development of individual subjectivity. The work shows a looped moving image of the artist’s foot jumping in his studio projected between a blackboard painted on the wall (from which notes have been erased) and a bag next to a towel forgotten on the floor. An ambiguous paragraph from the lecture is read by Foucault and can be heard in the background. The artist’s foot is an allusion to the physicality of the human body and the blackboard to the mind. <br /> The idea behind the exhibition emerges from an attempt of the artist to trace ‘warm spots’ in the ‘corners of the soul’ - memories of excitement, anxieties, and laughter - and to create a form of subjectivity from a slowly but persistently vanishing collective memory. <br /> <br /> <i>Evasive Action</i> consists of a 1992 Sony Home Cinema monitor tilted to its side and in which a clip of Burt Lancaster climbing a rock is seen on a looped excerpt from the 1968 film <i>The</i> <i>Swimmer</i> directed by Frank Perry. The middle-aged seductive male character in the film seems to be struggling against ageing like the monstrous and obsolete home movie beamer. <br /> <br /> Other works on view in the exhibition reflect on the non-functionality of sculptural objects and are a reaction against a kind of contemporary information overload and the need of productivity in modern societies. They are as subjective and intimate as they are universal; self-posed questions with communal question marks that allude to specific events but do not necessarily require the imposition of the event onto the artwork itself.<br /> <br /> <br /> <i>Assaf Gruber (b. 1980 in Jerusalem. Lives and works in Berlin.) studied at the Ecole Nationale Supérieure de Beaux-art in Paris and at the Higher Institute for Fine Arts (HISK) in Ghent, Belgium.<br /> Selected exhibitions: 2013: Galerie Michael Janssen, Berlin (solo). 2012: Künstlerhaus Bethanien, Berlin (solo); Cultuurcentrum Evergem, Belgium (solo); Ritopek, Belgrade, Serbia (group) and Fichtebunker, Berlin (group). 2011: Dublin Contemporary 2011 (curated by Jota Castro and Christian Viveros-Fauné), Dublin, Ireland (group); ReMap 3, Athens (group); Malopolskie Centrum Kultury Sokol, Nowy Sacz, Poland (group); Grimmuseum, Berlin (group) and Château de Saint-Ouen, Saint-Ouen, France (group).<br /> <br /> </i></p> Fri, 01 Feb 2013 00:08:55 +0000 Karl Holmqvist - Galerie Neu (Mehringdamm) - February 9th, 2013 6:00 PM - 9:00 PM Wed, 27 Feb 2013 01:59:35 +0000 James Franco - Peres Projects (Temporary) - February 9th, 2013 7:30 PM - 9:30 PM <p>Peres Projects is pleased to present <i>GAY TOWN</i>, a solo project with James Franco. Please note this exhibition will be presented in a temporary project space on the historic Karl- Marx-Allee 87 prior to Peres Projects' move to its new main space at Karl-Marx-Allee 82.<br /> <br /> <i>GAY TOWN</i> explores a variety of themes that are central to Franco's artistic practice, mainly issues related to adolescence, public and private persona, stereotypes and other societal concerns such as society's preoccupation with celebrity. Franco created most of the works for <i>GAY TOWN</i> over the past two years, making many of the works in hotel rooms, makeshift studios and other temporary locations whilst completing other projects, mainly motion pictures. Franco makes reference to several of his motion picture work and related projects in parts of the installations and other works on view in <i>GAY TOWN</i>.<br /> <br /> James Franco works across media including painting, drawing, film, sculpture, installation and photography, electing the media that best fits the project rather than committing to a sole artistic practice. All of these practices will be presented in this exhibition in one of his most ambitious installations to date.<br /> <br /> James Franco (b. 1978, Palo Alto, CA) is an acclaimed American actor, filmmaker, writer, and artist. This is his second solo show in Berlin with Peres Projects.<br /> </p> Wed, 23 Jan 2013 00:39:18 +0000 Group Show - Contemporary Fine Arts - February 10th, 2013 5:00 PM - 8:00 PM <h1>Die Auktion</h1> <p>Diese Ausstellung und Auktion entstand aus einer Begegnung mit Nicole Hackert und Bruno Brunnet, den Machern der Galerie <a href="">Contemporary Fine Arts</a> in Berlin, die wir vor einigen Monaten ansprachen und fragten, ob sie sich vorstellen könnten, uns zu helfen. Wir erzählten von unserem Projekt <a href="">ONE FINE DAY e.V.</a> und spürten sehr schnell, wie das Interesse und die Begeisterung bei den beiden (ohnehin schon sehr vielfältig aktiven) Galeristen wuchs, und sich schließlich zu einer konkreten Idee formte.</p> <p>Eine Ausstellung von internationalen, solidarischen Künstlern, die allesamt ihre Werke umsonst zur Verfügung stellen, damit diese bei einer anschließenden Auktion, deren Erlöse ausschließlich dem Verein zugutekommen, versteigert werden: Mit diesem Konzept glauben wir, unsere Arbeit in Ostafrika, die mit großem Bedacht auf eine lange Laufzeit ausgerichtet ist, nachhaltig sichern und ausweiten zu können.</p> <p>Im Verlauf der folgenden Wochen und Monate trafen wir auf viele, die sich von Brunos, Nicoles und unserer Entschlossenheit anstecken ließen: Galeristen, Kulturarbeiter, Journalisten, und natürlich Künstler. Diesen sind wir besonders dankbar dafür, dass sie sich trotz einer gewissen Überdosis an vergleichbaren Anfragen für unser sehr eigensinniges und von uns (auch vor Ort) persönlich betreutes Projekt begeistern konnten.</p> <p>Mit den ausgewählten, zum Teil sehr ungewöhnlichen Arbeiten können wir nun sowohl eine relevante Öffentlichkeit mit unserem Projekt vertraut machen als auch den Fortbestand und Ausbau der Initiative für einen nicht unerheblichen Zeitraum sichern.</p> <p>Nur für fünf Tage (vom 6. bis 10. Februar 2013) wird diese Konstellation von Werken in den Räumen von Contemporary Fine Arts zu sehen sein – viele davon erstmalig. Einige wurden speziell für diese Ausstellung angefertigt.</p> <p>Parallel wird in einem separaten Raum ein Einblick in die Arbeit unserer jungen kenianischen Kunststudenten ermöglicht: Eine Auswahl von 25 Bildern wird dabei – natürlich nur ausschnitthaft – abbilden können, welche Talente dort aus zuweilen tiefstem Schlaf geweckt werden.</p> <p>„Fundraising“ dieser Art ist im Ausland gang und gäbe; hier in Deutschland aber immer noch eine eher rare freie Fördermethode, die sich nur langsam durchzusetzen scheint. Die Unabhängigkeit unserer Initiative ist aber eins unserer Kerninteressen bei der Arbeit mit ONE FINE DAY e.V. – keine Bürokratisierung, keine Abhängigkeit von Verteilungsmustern der institutionalisierten Förderungen soll den Geist dieses Unterfangens schmälern, das nichts weniger versucht, als einen befreienden Stimulus in eine Lebenskultur zu pflanzen, der ihr kreatives Selbstverständnis wiederzufinden versucht.</p> <p>Ihre Unterstützung kann entscheidend dazu beitragen. Vielen Dank für Ihr Interesse.</p> <p>Marie Steinmann &amp; Tom Tykwer</p> Tue, 29 Jan 2013 23:41:04 +0000 Matthias Brunner - Nolan Judin - February 10th, 2013 11:00 AM - 2:30 PM <p>Gale­rie Nolan Judin freut sich, anläss­lich der Inter­na­tio­nalen Filmfest­spiele Ber­lin die Video­installa­tion <em>Magnifi­cent Obses­sion – The Love Affair Between Movies and Lite­r­ature</em> (2011/2012) des Schweizer Cinéasten und Künstlers Matthias Brun­ner prä­sen­tie­ren zu dür­fen – eine sinnrei­che und sinnli­che Kom­pi­la­tion von Clips aus 36 Meis­ter­werken des europäi­schen und ame­rika­ni­schen Kinos der 50er- und 60er-Jahre in Vier­fach­projek­tion.</p> <p class="indent">Die Lie­be­sge­schichte zwi­schen Film und Lite­r­atur ist fast so alt wie die Kino­ge­schichte selbst. Bereits 1896 drehte Louis Jean Lumière einen kur­zen <em>Faust</em> und auch der viel­leicht schönste Film der golde­nen Ära des Stummfilms, F. M. Murn­aus <em>Sunrise</em> von 1927, basierte auf einer lite­rari­schen Vor­lage - einer nicht besonders guten Novelle von Hermann Sudermann. Das war kein Einzelfall: Die Liste von großar­ti­gen Fil­men, die auf zweitklas­siger Lite­r­atur basie­ren, ist fast so lang wie die von schlech­ten Ver­fil­mun­gen großer Lite­r­atur. Bedeu­tende Regis­seure sind an den Werken von Mar­cel Pro­ust, James Joyce, Albert Camus, Gabriel Gar­cia Marquez und Patrick Süskind geschei­tert.</p> <p class="indent">In kei­ner Epo­che war die Lie­be­saffäre zwi­schen Kino und Lite­r­atur so innig wie zur Zeit der Nouvelle Vague. Ver­filmt wurden ab den spä­ten 50er Jahren Bücher von Auto­ren wie Alberto Moravia, Ray Bradbury, Henri-Pierre Roche, Adele Hugo, Marguerite Duras, Alain Robbe Grillet, Jean Cay­rol, Jorge Semprun und Dolo­res Hit­chens. Paradoxerweise, denn eigent­lich war die Nouvelle Vague das Kino der Film­au­to­ren, die ant­ra­ten um mit eige­nen Stoffen und Drehbü­chern den vor­her­sehba­ren Erzähl­fluss des kommerzi­el­len Kinos zu über­winden. Aber selbst wenn diese Regis­seure keine (fremden) Werke der Lite­r­atur ver­film­ten, strah­len ihre Filme die Liebe zu Büchern aus. Sei es als Spiele­rei wie in <em>Une femme est une femme,</em> als philosophi­scher Diskurs wie in <em>Masculin-Femi­nin</em> mit Brigitte Bardot oder als Ehr­erweisung an den „petit poli­cier“, wie in <em>Bande à part</em> (alle drei von Jean-Luc Godard). Am hef­tigs­ten kommt dies viel­leicht in <em>Les quatre cents coups</em> von François Truffaut zum Aus­druck, in dem sich der jugend­li­che Jean-Pierre Léaud so lei­denschaft­lich mit Honoré de Balzac aus­ein­ander­setzt, dass er sein Schlafzim­mer in Flam­men auf­ge­hen lässt. Pas­senderweise erhielt Truffaut dafür eine Oscar-Nomi­nierung für das beste Drehbuch.</p> <p class="indent">Die Filme der Nouvelle Vague sind das Herz die­ser Installa­tion. Und weil keine „Welle“ ohne eine frü­here ent­sprin­gen kann, wer­den Aus­schnitte aus die­ser Epo­che mit Fil­men von Hollywood-Regis­seu­ren in Dialog gestellt, die als die großen Väter der Nouvelle Vague gel­ten. Es sind Lite­r­aturver­fil­mun­gen der ver­ehr­ten Meis­terregis­seure Alfred Hitchcock <em>(The Birds, Mar­nie),</em> Doug­las Sirk <em>(Magnifi­cent Obses­sion, All That Heaven Allows, Imi­ta­tion of Life),</em> Elia Kazan <em>(Sple­ndor in the Grass),</em> Vin­cente Minnelli <em>(Some Came Run­ning),</em> Blake Edwards <em>(Breakfast at Tiffany),</em> Joseph Losey <em>(Secret Cere­mony)</em> und How­ard Hawks <em>(Hatari!).</em> Aber auch in Europa hat­ten die Regis­seure der Nouvelle Vague Vor­bil­der: Max Ophüls <em>(Let­ter To An Unkown Woman, Lola Montez),</em> Luis Buñuel <em>(Journal d’une femme de cham­bre, Belle de jour),</em> Jean-Pierre Melville <em>(Leon Morin Pretre),</em> Luch­ino Visconti <em>(Il Gat­to­pardo),</em> Jean Cocteau <em>(Orphée)</em> oder Rene Cle­ment <em>(Plein soleil).</em></p> <p class="indent">Bei der Durch­sicht von hunder­ten von Fil­men der 50er und 60er Jahre fiel Matthias Brun­ner auf, dass zur glei­chen Zeit, in der sich die Nouvelle Vague lei­denschaft­lich und auch spielerisch mit Lite­r­atur aus­ein­ander­setzte, das ame­rika­ni­sche Kino sich zwar gerne bei der Lite­r­atur Stoffe borgte, dies aber oft ohne tiefere Aus­ein­ander­setzung mit den Vor­la­gen und ohne anre­gende Spiele­rei mit den Tex­ten tat. Die Lie­be­s­erklärung blieb aus. Nur wenige ame­rika­ni­sche Regis­seure - wie Doug­las Sirk, Joseph J. Mankjewicz, John Hus­ton, Vin­cente Minnelli oder Elia Kazan - bedien­ten sich der gan­zen Macht von Büchern und wurden ihnen gerecht. Es ist wohl kein Zufall, dass diese Regis­seure alle starke europäi­sche Wurzeln auf­wie­sen.</p> <p class="indent">Mit sei­ner Installa­tion <em>Magnifi­cent Obses­sion</em> geht es Brun­ner jedoch kei­nes­wegs um eine analy­ti­sche Bearbei­tung des The­mas oder um eine „Wer­tung“ der so unterschiedli­chen Filme. Er ver­mei­det die Anein­ander­reihung von stereo­ty­pen The­men und den kon­fron­ta­tiven Ver­gleich von europäi­schem und ame­rika­ni­schem Kino. Magnifi­cent Obses­sion ist eine stark asso­zia­tive, lei­denschaft­li­che und poe­ti­sche Kom­pi­la­tion von Sze­nen aus 36 Fil­men, die Reichtum und Vielschich­tigkeit der Ver­mäh­lung von Film und Lite­r­atur zu ver­mit­teln ver­sucht.</p> <p class="indent">Bei den klas­si­schen ame­rika­ni­schen Lite­r­aturver­fil­mun­gen hat Brun­ner nicht aus­schließlich Sze­nen mit Büchern aus­ge­sucht, da ihm die Auto­ren der Vor­la­gen bereits Refe­renz genug sind und ihm andere Sze­nen wich­tiger erschie­nen (so zum Bei­spiel in <em>Magnifi­cent Obses­sion, A Place in the Sun, Secret Cere­mony).</em></p> <p class="indent">Bei den Fil­men der Nouvelle Vague empfand er es hinge­gen als fast zwin­gend, sich auf Sze­nen zu kon­zen­trie­ren, in denen Bücher, Texte oder Auto­ren direkt vor­kom­men, da diese Filme stark auf solchen Schlüs­sel­sze­nen basie­ren.</p> <p class="indent">Brun­ner hat sich bemüht, mög­lichst viele Aspekte des The­mas „Buch“ in sei­ner Kom­pi­la­tion zu zei­gen: das Schrei­ben (Malle) und Dru­cken (Truffaut), der Gang in die Buchhand­lung (Ophüls), das Reklamie­ren der Buch­empfeh­lung des Buchhänd­lers (Demy), das Buch als Schaufenster­auslage (Truffaut), die Bücherver­bren­nung (eben­falls Truffaut), das Lesen (Sirk, Godard, Truffaut), die Begeg­nung in einer Biblio­thek (Edwards), die Inter­preta­tion eines Tex­tes (Kazan) oder die Liebkosung eines Gedichts durch die Kamera (Godard).</p> <p class="indent">Der Betrach­ter hört den Ton von nur einem der vier zeitgleich gezeig­ten Filme. Brun­ner wählte den Soundtrack des jeweils wich­tigs­ten Aus­schnitts – aber so, dass laufend neue und unerwar­tete Querver­bindun­gen zwi­schen den Fil­men ent­ste­hen. Es sind diese intel­li­gen­ten und zugleich ver­spiel­ten Querver­bindun­gen, die vom enor­men Wis­sen Brun­ners und sei­ner persönli­chen „magnifi­cent obses­sion“ zeu­gen.</p> <p class="indent">Die Installa­tion befindet sich im Besitz der Video-Samm­lung des Kunst­hau­ses Zürich.</p> Wed, 30 Jan 2013 01:25:55 +0000 - DNA - February 13th, 2013 6:00 PM - 8:00 PM <p>Die Ausstellung SEE New Perspectives: from<br />Balkan Photographers zeigt die Arbeiten von<br />15 talentierten Fotografen aus Südosteuropa.<br />Die Fotoreportagen, die jeweils außerhalb der<br />Heimatländer der Fotografen entstanden sind,<br />gewähren neue Einblicke in die Region und<br />zeigen, wie vielfältig sie ist.<br />SEE New Perspectives ist ein gemeinsames<br />Projekt von World Press Photo und<br />der Robert Bosch Stiftung.<br /><br /></p> Wed, 13 Feb 2013 12:23:21 +0000 - Deutsches Architektur Zentrum DAZ - February 14th, 2013 7:00 PM - 9:00 PM <p>The Tour Bois le Prêtre exhibition shows the fascinating metamorphosis of a 1960s Parisian apartment block slated for demolition even as it was still fully inhabited. Instead, the building underwent a major renovation by architects Frédéric Druot and Lacaton &amp; Vassal during which the tenants were able to remain in their homes. Apartments were enlarged and improved with winter gardens and balconies, while rents remained unchanged and energy costs were reduced. The transformation of the Tour Bois le Prêtre was more than an architectural project; it is a model for architects, urban planners, preservationists, developers and politicians for tackling one of today’s greatest engineering challenges: the energetic and social rehabilitation of the mass housing units of the 1960s and 1970s all across Europe.<br /><br />Opening with <b>Burkhard Touché</b> (KfW Bankengruppe), the Berlin curators <b>Ilka &amp; Andreas Ruby</b>.<br /><b>Anne Lacaton</b>, architect from Paris, will hold an lecture in english.<br /><br />"Tour Bois le Prêtre – Transformation of an Apartment Block" is an exhibition of DAM Deutsches Architekturmuseum Frankfurt curated by Ilka &amp; Andreas Ruby and Something Fantastic.</p> Wed, 30 Jan 2013 00:58:39 +0000