ArtSlant - Openings & events en-us 40 Markus Bacher - Contemporary Fine Arts - November 21st, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p>We are pleased to announce the first solo exhibition with new works by <b>Markus Bacher </b>at <b>Contemporary Fine Arts</b>. The artist was born in Kitzbühel/Tyrol in 1983 and graduated from the University of Applied Arts Vienna in 2009. He lives and works in Vienna and Cologne.</p> <p>“Surfaces, lines and colours” – that’s how Markus Bacher describes his painting. He develops his works using a dualistic principle. The mainly monochrome foundation he builds up out of different layers, thus giving it an intensive vitality. On this ground he sets more paint, often pastose and relief-like, multi-coloured and detailed.</p> <p>Markus Bacher‘s works oscillate between figurative and abstraction. Figurative or scenic associations are possible, but are not challenged.</p> Wed, 14 Nov 2012 23:35:04 +0000 live, Der Franz Clark Nova Petra von Papagei DJs, Sil & mery Barox Kisskiss KK J.A.P.O El Pez Soluble und Gäste - FREIES MUSEUM BERLIN - November 21st, 2012 4:00 PM - 12:00 AM <p align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm; line-height: 100%;"><span face="Helvetica, sans-serif" style="font-family: Helvetica,sans-serif;">In the midst of cuts to cultural budgets, international economic crises, and severe overvaluation in the art market, the Freies Museum Berlin has flourished for three years running. The movers, artists, cultural scientists, and organizers have designed a space for the production of real art – a place where artists from all over the world can work together and bring to life their visions – big and small.</span></p> <p align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm; line-height: 100%;"></p> <p align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm; line-height: 100%;"><span face="Helvetica, sans-serif" style="font-family: Helvetica,sans-serif;">The Freies Museum Berlin now looks back on 52 large exhibitions and approximately 100 events with more than 500 artists from 40 different countries. </span></p> <p align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm; line-height: 100%;"></p> <p align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm; line-height: 100%;"><span face="Helvetica, sans-serif" style="font-family: Helvetica,sans-serif;">In the last three years there hasn't been time for a massive party, but we're going to make up for that on Saturday, July 21st. The day's program is organized jointly by the Freies Museum, Walden Kunstausstellungen, and the Suomesta Galleria in collaboration with Piatto Forte.</span></p> <p align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm; line-height: 100%;"></p> <p lang="it-IT" align="RIGHT" style="margin-bottom: 0cm;"><span face="Courier" style="font-family: Courier;"><span size="2" style="font-size: small;"><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">FREIES</span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"><br /></span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">MUSEUM</span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"><br /></span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">BERLIN</span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"><br /><br /></span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">Potsdamer Straße 91. 10785 Berlin.</span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"><br /></span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">phone +49 (0) 30 34721814.</span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"><br /></span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">mail </span><span color="#0000ff" style="color: #0000ff;"><span style="text-decoration: underline;"><a href="" rel="nofollow"><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"></span></a></span></span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">.</span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"><br /></span><span color="#0000ff" style="color: #0000ff;"><span style="text-decoration: underline;"><a href="" rel="nofollow"><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"></span></a></span></span><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;">.</span></span></span></p> <p align="RIGHT" style="margin-bottom: 0cm;"><span face="Cambria" style="font-family: Cambria;"><span size="2" style="font-size: small;">U1- Kurfürstenstraße</span></span></p> Wed, 11 Jul 2012 12:03:11 +0000 Group Show - Haus der Kulturen der Welt - November 22nd, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p class="abstract">Senegal in January 2011: while the Arab World was in upheaval, a group of artists and journalists decry the erosion of democracy with the cry “Y'en a marre! (Enough is Enough!)”.</p> <p>What followed were an unprecedented series of protest actions against the incumbent government lasting 13 months, which have now led to the democratic election of a new president. At the end of this season of protest, after the first round of elections in February 2012, the curator Koyo Kouoh and her fellow campaigners in the RAW Material Company compiled the various images of events – not just for the sake of documentation but also with a view to raising questions – questions about how to localize the protests in Pan-African terms, about the forms of political and social dynamics in the “Senegalese Spring”, about the pictorial language of a revolution.</p> <p>At the opening of the exhibition, <b>Achille Mbembe, Boris Diop, Gilbert Achcar </b>and others place the events in Senegal in the context of African protest culture and revolutionary powers. A concert with <b>Didier Awadi</b>, one of the central figures of the Senegalese HipHop scene and at the same time a leading activist of the protest movement, rounds off the program.</p> Thu, 08 Nov 2012 23:57:09 +0000 Victor Berezovsky - GALERIE EMMANUEL POST - November 23rd, 2012 7:00 AM - 10:00 AM <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"><i>Winter break:</i></p> <p style="text-align: justify;"><i>December 22, 2012 - January 7, 2013</i></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">We are pleased to announce the exhibition <i>From A to B and all the places in between</i> of artist Victor Berezovsky with most recent works on wood, canvas, and paper.<br />Berezovsky was born in Wellington, New Zealand, in 1974, and lives and works in Dresden. He studied painting at the Fine Arts Canterbury University, New Zealand, from 1991 to 1995.<br /><br /><br />"Art does not depict what is visible, it makes things visible." <br />(Paul Klee)<br /><br />"Ostensibly seductive, the work of Berezovsky can be understood as still life, architectural landscape, but above all as portrait, and as an exterior view of man. <br />However, the pictorial objects soon prove to be arranged not by virtue of their concrete basis. They operate with the sensuous presence of their painterly composition on the level of symbolic significance. <br />The outcome of their pictorial metaphors, full of surreal appeal, uses the simplest, archaic, and demotic elements together with a complex metalanguage in a virtuoso combination of ingenious constructions and laboratory processes. <br />The selective dislocations of color and format serve as augurs of meaning in the narrative of interior visualisation. <br /><br />The surreal, psychologising pictures of the real self in the works of Berezovsky draw the observer closer to their specificity. These painterly appraisals of existence carried out here are in truth images of thinking about thinking, images of the conditions and limits of thinking about thinking processes, and their resulting (fatal) real effects. <br />These works are narratives and reports at the same time, not of the reality or irreality of things, but, in fact, of the (self-)generation of realities.<br /><br />Berezovsky’s work is a brilliant, voluptuously inviting, congenial artistic contribution to the current philosophical discussion on the tensions in observations of the second and third orders."<br /><br />W.P.</p> <p></p> <p></p> <p></p> Sun, 06 Jan 2013 20:09:59 +0000 Martina Reichelt - Galerie en passant - November 23rd, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>In der Ausstellung „mo(ve)ments“ in der Galerie en passant zeigt Martina Reichelt Malerei und Zeichnung, mediale Kunst und Performance.<br /> <br /> Tanz und Bewegung sind zentrale Momente in den neuen Arbeiten der Künstlerin: „Eine tänzerische Bewegung ist flüchtig wie der Augenblick. Was vom Tanz bleibt, sind Erinnerungen in den Köpfen der Zuschauer. Aber welche Spuren hinterlässt der Körper des Tänzers auf den Oberflächen, die er berührt?“<br /> In ihrer Malerei, in Fotografien und Videoarbeiten macht Martina Reichelt diese Spuren sichtbar. Abdrücke des Körpers, Bewegungslinien und Bewegungsfiguren, Bremsspuren oder bildhafte Zeichen werden zu Notationen eines zeitlichen Ablaufs.<br /> Die ausgestellten Arbeiten zeigen ein Wechselspiel zwischen gemalten und medialen Momentaufnahmen und geben den Bewegungen eine neue zeitliche Dimension.</p> Wed, 07 Nov 2012 00:03:19 +0000 Thomas Baldischwyler - Galerie Lena Brüning - November 23rd, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Thomas Baldischwyler´s working methods are constantly changing depending on the topic and context. Through various media such as collage, glass painting, installation and photography, even music projects and video, he develops a different perspective on „written“ history. Cross references to cultural-historical events serve as a catalyst for a new understanding of the subjective factors of the past.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> At Galerie Lena Brüning Baldischwyler will show six text works which serve as a frame for the content of the whole presentation. These collage works, using cut-outs of long-gone galleries’s advertisments from ’70s and ’80s issues of Art Forum magazine, are “frozen“ on silk-screened copies of commercial cutting boards. Compared to classical cut-ups as we know them from William S. Burroughs or Brion Gysin, these compositions are more strict and structured, and rather remind one of the view of Ernst Jandl’s cabinet while he was working on the onomatopoeic poem “Ottos Mops“.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> In the gangway of the gallery, “Scissors of History“ - a work on paper quoting and adapting Paul Klee´s “Angelus Novus“ - serves as levitating fingerpost. Arrows point into the two exhibtion spaces, now nearly identically installed: each room displays three text works and three canvasses. Only the appearance of two tables, one in each room, both equipped with different objects, creates a variation of the seemingly mirrored serial order.</span></p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Thomas Baldischwylers Arbeitsweisen und -zusammenhänge verändern sich je nach Thema und Kontext. Hierzu gehören Musikprojekte, Filme und künstlerische Gattungen wie Collage, Hinterglasmalerei, Installation und Photographie. Verweise auf kulturhistorische Ereignisse sollen dabei als Vergleichspunkte für ein anderes Verständnis von subjektiven Rahmenbedingungen „geschriebener“ Geschichte dienen.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> Die inhaltliche „Klammer“ der Präsentation in der Galerie Lena Brüning sind sechs mittelformatige Text-Arbeiten. Als Ausgangsmaterial dieser Collagen hat Baldischwyler Ausschnitte aus dem Anzeigenteil von in den späten 1970ern und frühen 1980ern veröffentlichten Ausgaben des amerikanischen Kunst-Magazins ART FORUM verwendet. Diese Cut-Ups von Veranstaltungshinweisen längst nicht mehr existenter Galerien werden von ihm auf siebgedruckten Kopien von handelsüblichen Schneidebrettern „eingefroren“. Trotz der vertikalen Hängung bleibt die Anmutung einer Moment-Aufnahme. Aber anders als bei „klassischen“ Cut-Ups wie z.B. von William S. Burroughs oder Brion Gysin ist das Arrangement zu streng und wirkt eher wie der Einblick ins Arbeitszimmer Ernst Jandls bei der Entstehung seines onomatopoetischen Gedichts „ottos mops“.</span><br /><br /><span style="font-size: small;"> Im Flur der Galerie fungiert „Scissors Of History“ - eine auf Papier gearbeitete Variation von Paul Klees „Angelus Novus“ - als freischwebender Wegweiser. Pfeile zeigen in die vom Grundriss unterschiedlich angelegten aber in der Bildverteilung – jeweils drei mittelformatige Text-Arbeiten und drei grossformatige Arbeiten auf Leinwand - fast identisch ausgestatteten Räume. Allein zwei unterschiedliche Tische sorgen - auch mit ihrer Bestückung - für eine Variation der sich scheinbar spiegelnden seriellen Anordnung.</span></p> Tue, 01 Jan 2013 21:20:11 +0000 Anna Borowy - janinebeangallery - November 23rd, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p>Anna Borowy titled her this year‘s solo exhibition in janinebeangallery „Champagnerbad“ (Champagne bath), giving an ironic hint in advance which the random spectator might require facing Borowy‘s elysian show of blessed figures. Nevertheless her artworks don‘t need this headline for comprehension, since the overwhelming sensuality of the paintings finds grounding in the firm calm of the expression and balance o f the protagonists. Their sphinxlike posture ban the spectator not only with a transfigured <i>noli me tangere</i>, but also they are genuine catalyzers for the viewer‘s pause to think.                <br /> So the beauty in Anna Borowy‘s paintings is noticeably ambivalent, being real and powerful as such, but also immanently abyssal in its consequences and backgrounds.  <b> </b></p> <p><strong>Gallery holiday break: December 23rd, 2012 - January 2nd, 2013.</strong></p> Tue, 13 Nov 2012 23:28:44 +0000 - Kunstverein Tiergarten, Galerie Nord - November 23rd, 2012 3:00 PM - 8:00 PM <p><i>Freitag 23.11., 15–20 Uhr <br /> Samstag 24.11., 11–18 Uhr <br /> Sonntag 25.11., 11–17 Uhr</i></p> <p>Am dritten Novemberwochende ist es soweit: Die erste öffnet ihre Pforten, zu der über 50 zum Teil international arbeitende BuchkünstlerInnen und Verlage ihre Werke bei uns der Öffentlichkeit vorstellen. <br /> Das Publikum der kann sich anspruchsvolle Buchkunst und Grafikeditionen anschauen, kaufen und sich mit den Machern dieser vielfältigen Kunstform austauschen. <br /> <br /> Die Buchkunst ist eine der facettenreichsten Kunstformen überhaupt. So werden alte Drucktechniken wie der Buchdruck, der Holzschnitt oder die Radierung mit zeitgenössischen Texten zusammengebracht. Aber auch sehr moderne Techniken wie Computer- und Offsetdruck finden ihre Anwendung im Schaffen der jeweiligen Künstler. Oft ist der Bezug zu ihren Büchern durch das eingesetzte Material geprägt. Das Haptische und das Handwerkliche im Arbeitsprozess spielen oft eine zentrale gestalterische Rolle: <br /> Sabine Golde von Carivari aus Leipzig, die als Professorin an der Burg Giebichenstein in Halle Studierende in Buchkunst unterrichtet, begreift das Buch als Bühne, auf der sie Worte und Texte in ihrer Lesart inszeniert. Die mit internationalen Preisen ausgezeichnete Buchgestalterin sagt: <i>"Ich sehe das Buch als Behältnis, Ideen und Gedanken zu versammeln, einen Kontext zwischen Wort und Bild zu schaffen."</i> <br /> Anette Vogel von der Münchner Vogelpresse sagt zu ihren Arbeiten: <i>"Für mich ist die Buchkunst eine faszinierende gestalterische Form, die es ermöglicht, für ein Thema, einen Text oder eine Idee ein ganzes Universum zu entwickeln."</i> <br /> Corn.elius von der edition wasser im turm, Berlin, sagt: <i>"Wenn ich ein Künstlerbuch in die Hand nehme, gehe ich auf eine Reise, jede Seite eine neue Tür, durch die ich in neue Räume schreite, renne, laufe, jedes Buch eine neue Welt, die ich erkunde. Darum mache ich Bücher."</i> <br /> Die holländische Künstlerin Els ter Horst sagt über ihre Werke: <i>"A book is a suitcase in which you can store all kinds of things and can find the whole world. A book is intimate and transportable. A book enables possibilities, different ways of seeing, is telling a chronology or represents a whole family."</i> <br /> So vielfältig die Aussagen von Buchkünstlerinnen sind, so vielfältig ist die Buchkunst der Editionen und Verlage, die sich auf der präsentieren. <br /> Unter den Ausstellenden sind so renommierte Buchkünstler wie Reinhard Scheuble mit seinem Verlag Quetsche, V.O. Stomps-Preisträger von 1999, die Edition Mariannenpresse, Carpe Plumbum und die Corvinus-Presse, ebenfalls V.O. Stomps-Preisträger von 2007 und 2009. <br /> In der Gruppe &lt;USUS&gt; Uta Schneider, Ulrike Stoltz, finden zwei Künstlerinnen zusammen, die schon lange Jahre einen festen Platz in der Buchkunst einnehmen und ihren Fokus auf Typografie, Installation, Klang und Text gelegt haben. Aber auch junge Talente aus den Hochschulen in Leipzig und Halle zeigen ihre außergewöhnlichen Werke. <br /> Was alle KünstlerInnen dieser Sparte vereint, sei es als Künstler, Drucker oder Verleger von Unikatbüchern, Kleinauflagen, Holzschnitten und Editionen, ist die Liebe zu den schönsten Büchern. Auf der 2012 kann jeder sie sehen, sich zeigen lassen und mit denen sprechen, die sie kreieren und erarbeiten.</p> Wed, 21 Nov 2012 00:36:43 +0000 Can "Khan" Oral - Laura Mars Gallery - November 23rd, 2012 8:00 PM - 10:00 PM <p><b>BUCH</b><br /> <br /> Sich auf Internetseiten für Sex-Dates einzuloggen hat etwas von einer Verheißung – man taucht ein in ein unermessliches Meer aus Wunschbildern und Daten. Hier finden sich Fetischsüchtige und Normalos, dominante „Tops“ und submissive „Bottoms“, Transen und weibische Typen. Und es gibt für jeden Geschmack das Passende. Digitaler Flaneurismus ist eine ständige Sehnsucht nach Suchen und Finden.<br /> <br /> <i>Angels of Disguise (The Abstract Aesthetics of Digital Flaneurism)</i> von Can „Khan“ Oral ist eine Sammlung von Bildfunden auf diesen virtuellen Seiten, die eine Poesie des Aufreizens formuliert. Die Bilder geben allerlei Einzelheiten des Menschen wieder, Wesen oder Identität aber sind verwischt: Die Form einer Brust sagt mehr aus als das, was im Ausweis steht. Niemand kann sicher sagen, welche Persönlichkeit hinter dem Bild verborgen ist: Ist die Identität konstruiert oder authentisch, ihr Träger bürgerlich oder pervers?<br /> Nicht Rangfolgen körperlicher Gestalt, von Schönheit oder Staatsangehörigkeit stiften die ordnenden Kategorien dieser Sammlung, sondern die vielfältigen formalen Techniken des Verkleidens, Maskierens, Verschleierns oder Hervorhebens, welche die Vorstellung vom Natürlichen und Wirklichen zerstreuen. Verbergen ist zeigen.<br /> <b><br /> CD/DVD</b><br /> <br /> Die Untersuchung ging von der Frage aus: Warum zielt Pornografie überwiegend auf das Auge und so selten auf das Gehör? Die anschließende Erforschung erstreckte sich vom professionellen, schauspielerisch inszenierten Sexstreifen bis hin zum heutzutage vorherrschenden amateurhaften Pornovideo, in dem der visuelle wie akustische Handlungsrahmen und die sexualisierte Atmosphäre ebenso bedeutsam geworden sind wie der eigentliche Geschlechtsakt selbst.<br /> <br /> Das Ausgangsmaterial der Audio-Porn-Megamix-Soundcollage (Come Into My Light) wurde während endloser Spaziergänge im Cyberspace und im selben flaneuristischen Gestus wie bei Angels of Disguise angesammelt. (Das sechzigminütige Tonmaterial ist ebenfalls im Boxset auf CD in alphabetischer Reihenfolge enthalten.)<br /> <br /> Sexfilmportale halten jeden nur erdenklichen Fetisch und Sound bereit: von der freien Natur zu Körpergeräuschen zu elektronischem Gerät oder schlicht zum plärrenden Fernseher in der Wohnung nebenan. Der Soundmix besteht grösstenteils aus Dateien, die durch fehlerhaftes Hoch- oder Herunterladen oder unsachgemäß eingesetzte Aufnahmeausrüstung beschädigt wurden. Ähnlich wie bei den bearbeiten Fotografien der Serie Angels of Disguise wird der digitale Mangel zu einer Maske, die das ursprüngliche Dokument entweder verhüllt oder hervorhebt.<br /> <br /> Begleitet wird der Audio-Porn-Megamix (Come Into My Light) von einem stummen und kaum bewegten Kurzvideo, eine Aufnahme des Mondes, das digital zu einem 42-minütigen Zeitlupenereignis gestreckt wurde. Der Mond, auf ewig Begleiter und Gegenüber der Erde, wird zur kosmischen Metapher dafür, welche unendlichen und immerwährenden Möglichkeiten und Bedeutungstiefen etwas vom Menschen Geschaffenes birgt: Computer und Internet nämlich – das digitale Zeitalter als Sinnbild für eine globale und vielleicht sogar kosmische Verbundenheit zwischen den Menschen?<br /> <br /> Can „Khan“ Oral mit eigenen Worten: „Die Idee für den Audio-Porn-Megamix begann mit einer Frage: ‚Warum zielt Pornografie überwiegend aufs Auge und ganz selten aufs Gehör?’ Ich fing an, nach Beispielen zu suchen, und trieb nur so eine Flexidisc aus den Sechzigern auf, ’ne Art Telefonsexaufnahme untermalt von Ye-Ye-mäßiger Loungemusik. Ich stieß dann auf ‚Porno for the Blind’, da schildert jemand blinden Hörern ziemlich unerregt, was er beim Pornogucken sieht, also ohne Pornojargon oder viel Emotion dabei. Keine Ahnung, ob das bloß die falsche Besetzung war oder mit Absicht. Als Nächstes ging ich dazu über, Tonspuren von Pornovideos zu sammeln, die ich im Internet aufrief. Mir wurde klar, dass der schauspielerische Pornostreifen alter Schule fast ganz verdrängt worden war von massenhaft ins Netz gestellten Amateurvideos oder dem, was sich dafür ausgibt. Interessant fand ich, dass die Clips manchmal stumm veröffentlicht sind oder bei manchen der O-Ton durch Musik ersetzt war, meistens aus der Top-40-Hitparade, und andere Videos durchs Rauf- oder Runterladen, unvollständig aus dem Netz rausgesogen oder kaputt reingestellt, oder einfach durch defektes Aufnahmegerät beschädigt waren. Mehr und mehr verlegte ich mich auf Videos, in denen das erotische Selbstportrait ohne viel Stöhnen, Grunzen und Gerede auskam. Das Zimmer und die sexualisierte Atmosphäre wurden zur Hauptsache. Unter meinem Kopfhörer öffneten mir Verkehrsgeräusche, Stimmen von Nachbarn oder allein schon das Sirren der Kamera einen dreidimensionalen Raum aus Zeigen und Nicht-Zeigen, aus intim oder voll draufgehalten, aus Verdorbenheit und Unschuld, einen Raum im Raum im Raum, unendlichen Flaneurismus.“<b><br /> </b><br /> ------------------------------------------------------------------------<br /> <b><br /> Can „Khan“ Oral</b>, geboren in Frankfurt/M als Sohn türkisch/finnischer Eltern, lebt und arbeitet seit 2002 als Musik- und Filmmusikproduzent, Performer, Schauspieler und bildender Künstler in Berlin. Von 1992-2002 in New York ansässig, besaß er den Plattenladen Temple Records in Soho, veranstaltete im Südteil Manhattans Kunstevents und Partys, betrieb drei Plattenlabels und produzierte und performte mit verschiedenen Künstlern, so mit Diamanda Galas, Julee Cruise (Twin Peaks/David Lynch), Kid Congo Powers (The Cramps/Nick Cave &amp; The Bad Seeds) oder Brigitte Fontaine, mit der er gemeinsam 2010 in Paris den angesehenen Qwartz-Award in der Kategorie Bester Song gewann. <br /> Can „Khan“ Oral ist einmal im Monat Gastgeber einer Party im Berliner Club Berghain und international mit verschiedenen Künstlern und Projekten auf Tournee. 2012 arbeitete Khan mit Stereo Total an der Oper „Wir sind ein Bild aus der Zukunft“ (Theater Hau 3), und außerdem an Ausstellungen in Berlin, Nizza und für die documenta XIII in Kassel.</p> Tue, 20 Nov 2012 22:54:14 +0000 S. G. RHODES - Galerie Isabella Bortolozzi - November 24th, 2012 6:00 PM - 8:00 PM Wed, 21 Nov 2012 00:25:02 +0000 Group Show - Galerie Pankow - November 27th, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p align="JUSTIFY">Seit frühchristlicher Zeit begleiten in der abendländischen Welt Szenarien vom Ende der Welt und dem sich anschließenden neuen Reich die Vorstellungen vom menschlichen Dasein. Wesentliche Inspirationsquelle war hierfür die Offenbarung des Johannes.</p> <p align="JUSTIFY">Weltuntergangsphantasien und ihre bildlichen Darstellungen waren in allen geschichtlichen und kunstgeschichtlichen Perioden aber auch Metaphern, die aus aktuellen gesellschaftlichen Zuständen heraus genährt wurden. Darin wurden Ängste artikuliert und in Bilder gebannt, es wurden aber auch Zukunftsvisionen entwickelt.</p> <p align="JUSTIFY">Das Jahr 2012 ist nach dem Milleniumswechsel erneut ein magischer Zeitraum. Anlass für vielfältige Spekulationen geben das angebliche Ende des Maja-Kalenders zur Wintersonnenwende 2012 aber auch zahlreiche astronomische Vorgänge in unserem Sonnensystem. Darüber hinaus gibt der gegenwärtige Zustand unserer Welt Anlass zu größter Sorge um den Fortbestand der Zivilisation auf unserem Planeten. Zu den vordringlichsten Problemen gehören dabei die Folgen des Klimawandels und die verheerende Wirkung des Finanzkapitalismus.</p> <p align="JUSTIFY">Die Ausstellung „Apokalypse und Utopie“ zeigt 22 künstlerische Positionen, die sich mit dem alten Thema beschäftigen und dieses in einen aktuellen Kontext stellen.</p> <p>Die Bandbreite der Arbeiten reicht von der düsteren Weltuntergangsphantasie über die nüchterne Beschreibung des Status Quo bis hin zur Formulierung sehnsuchtsvoller Utopien außerhalb des realen Raumes. Es sind Statements, die mehr Fragen formulieren als Antworten geben, impliziert der Gegensatz der Begriffe Apokalypse und Utopie doch eine große Ambivalenz, die sowohl unterschiedliche Herangehensweisen als auch Interpretationen ermöglicht. Da eindeutige Antworten hier nicht erwartet werden können umfasst die Ausstellung neben Malerei, Zeichnung, Fotografie und Installation ein Videoprogramm, in dem Filme von 7 Künstlern gezeigt werden und ein Veranstaltungsprogramm mit Vorträgen und Diskussionen zum Thema.</p> <p align="JUSTIFY">Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Werkabbildungen und Informationen zu den ausstellenden Künstlern sowie Texten von Christoph Tannert, Paula Böttcher, Bernd Rosner, zum Thema Apokalypse und Utopie.</p> <p>Gezeigt wird das<strong> Videoprogramm</strong><strong> täglich </strong>um:<strong><br /> 12 Uhr  | 14 Uhr   |  16Uhr  |  18 Uhr<br /> </strong></p> <p><em>Christian Niccoli</em><br /> PLANTSCHEN<br /> 2008, 16 mm, Stereo, 5:05 min</p> <p><em>Christoph Draeger</em><br /> BLACK SEPTEMBER<br /> 2002, MiniDV, Stereo, 14:30 min</p> <p><em>Mikael Eriksson, Nastsja Keller, Klaus Killisch</em><br /> PANDORA MOTEL<br /> 2009, Video DV-PAL, Stereo, 23:35 min</p> <p><em>Lisa Junghanß</em><br /> LETZTE TUGEND<br /> 2008, DV-Video, s/w, 2:12 min</p> <p><em>Niklas Goldbach</em><br /> GAN EDEN<br /> 2006, Video DV-PAL, Stereo, 10:00 min</p> <p><em>Oliver Pietsch</em><br /> BECAUSE<br /> 2008, video, 3:20 min</p> <p><em>Ulu Braun</em><br /> WESTCOAST<br /> 2009, video collage HD, 7:20 min.</p> <p>Das Videoprogramm wurde von Olaf Stüber kuratiert.</p> <p><strong>weitere Veranstaltungen während der Ausstellung:</strong></p> <p>29.11.2012 | 20 Uhr Zu den Utopien:<br /> Die Kunst des Aufhörens und Neubeginnens<br /> Alternativen aus Kunst und Wissenschaft<br /> Hannes Böhringer und Bernd Rosner im Gespräch</p> <p>6.12.2012 | 20 Uhr Apokalypsesehnsucht und die „Kunst des Bleibens“<br /> Referent: Eckhart Gillen</p> <p>10.1.2013 | 20 Uhr „And I heard, as it were the noise of thunder“<br /> Olaf Stüber zeigt Künstlervideos</p> <p>17.1.2013 | 20 Uhr „This Is The End – Imaginationen der Apokalypse“<br /> Referent: Eckhard Fürlus</p> Sun, 25 Nov 2012 00:12:22 +0000 - Balassi Institut - Collegium Hungaricum Berlin (.CHB) - November 28th, 2012 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><strong>Filmabend und Publikumsgespräch mit Gellert Kovacs, Historiker, Wallenberg-Forscher (Stockholm), und Adam Kerpel-Fronius, Politikwissenschaftler, Wissenschaftlicher Mitarbeiter der Stiftung Denkmal für die ermordeten Juden Europas (Berlin)</strong></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Vor 100 Jahren ist der schwedische Diplomat Raoul Wallenberg geboren, der durch seinen Einsatz zur Rettung ungarischer Juden in Budapest 1944 berühmt wurde. Das .CHB zeigt den Film „Good Evening, Mr. Wallenberg", der die Geschichte von Wallenbergs Zeit in Budapest erzählt. „Ein durch seine humane Botschaft beeindruckender Film, der einen Wettlauf um Leben und Tod beschreibt und sich für Menschlichkeit in einer Zeit der Barbarei ausspricht." Der Film ist Gewinner des schwedischen Guldbagge-Filmpreises in den Kategorien Bester Film, Beste Regie, Bestes Drehbuch und Beste Kamera. (Regie: Kjell Grede. In den Hauptrollen: Stellan Skarsgård, Katharina Thalbach und Károly Eperjes. 1990, 115 Min, auf Deutsch mit Englischen Untertiteln)</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Im anschließenden Gespräch wird die Arbeitsweise und die Rolle von Wallenberg und seiner Helfer aus historischer Sicht erläutert, durch den Wallenberg-Forscher Gellert Kovacs, dessen Buch Skymning över Budapest in Kürze erwscheinen wird, basierend auf dem Forschungsbericht „Report for the foreign ministry - Raoul Wallenberg, a research in his footsteps in Budapest 1944-45". Moderation: Adam Kerperl-Fronius.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;">Eine Veranstaltung des Gragger-Instituts am .CHB in Zusammenarbeit mit der Schwedischen Botschaft Berlin und der Schwarzkopf-Stiftung Junges Europa.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"></span><br /><span style="font-size: small;">Anmeldung erbeten [Fax: 030/280 95 150, E-Mail: <a href=""></a>, online]</span></p> Sat, 10 Nov 2012 06:34:53 +0000 Ignacio Uriarte - Deutsches Architektur Zentrum DAZ - November 29th, 2012 7:00 PM - 8:00 PM <p>Ignacio Uriarte’s pieces are attempts at escape from everyday work life, a kind of petit bourgeois resistance: be not productive in the workplace, but rather creative. Uriarte re-enacts every gesture, every quotidian movement a thousand times over – exactly as they are executed in the life of every deskworker. With the mantra of this replication, he reflects the repetitiveness and rhythm of work. But despite their systematic creation, Uriarte’s pieces are surprisingly sensual – the textures of a folded piece of paper and the shadows it casts; the stroke of a pen, whether with ink or without. His drawings, installations and videos explore positive and negative spaces, static and active spaces, structured and chaotic spaces.</p> Wed, 21 Nov 2012 00:12:55 +0000 Bernhard Brungs - DITTRICH & SCHLECHTRIEM - November 29th, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p>DITTRICH &amp; SCHLECHTRIEM präsentiert die Einzelausstellung ON SUSAN SONTAG mit neuen Arbeiten Bernhard Brungs’, die am Donnerstag dem 29. November von 18-20 Uhr eröffnet wird.<br />  <br /> Bernhard Brungs' neue Werkgruppe ON SUSAN SONTAG umfasst 12 klein- und großformatige Malereien zum Leben der amerikanischen Intellektuellen Susan Sontag. Die Ausstellung ist dabei in drei, biografisch angeordnete Segmente geteilt, die jeweils Schlüsselszenen aus wesentlichen Abschnitten in Sontags Leben zeigen. <br />  <br /> "Niemals ist man sprachloser als im Akt der Bewunderung. Jeder Versuch zu beschreiben, warum man fasziniert ist, scheint nur in die etwas hilflos klingende Aussage „Ich bin fasziniert“ münden zu können. […] Es ist dieser das bewundernde Begehren markierende Nullpunkt des Sprechens, an dem Bernhard Brungs’ Bilder von Dichtern, Philosophen und Intellektuellen ansetzen. Sowohl in den Werkgruppen, in denen er sich mit Baudelaire, Genet und Rimbaud beschäftigte, wird man auf diese Sprachlosigkeit gestoßen, als auch in denen, die er den deutschen Expressionisten um Else Lasker-Schüler, Georg Trakl und Hugo Ball widmete, Ludwig Wittgenstein und Virginia Woolf.<br />  <br /> Wie an Brungs’ im vergangenen Jahr entstandenen Arbeiten zu erkennen ist, muss er auch für die amerikanische Intellektuelle Susan Sontag schon länger eine solche Faszination gehegt haben. Wie bei dem Personal seiner früheren Bildserien hat er sich nicht nur intensiv mit den Essays, Romanen, Tagebüchern und Filmen der Autorin auseinandergesetzt, sondern auch mit ihrer Biografie – einer Biografie, die von inspirierender Furchtlosigkeit und beeindruckender Selbstbestimmtheit gezeichnet ist, aber auch von Brüchen, Selbstmythologisierungen und strategisch gestreuten Unwahrheiten. In seinen Sontag-Bildern scheint Brungs zum Kern des Intellektualität und glamouraffine Zeitgenossenschaft vereinenden Charismas der legendären Sontag vordringen zu wollen, das schon Künstler wie Jasper Johns, Andy Warhol und Annie Leibovitz faszinierte und bis heute dazu führt, dass sie Generationen von Lesern als Identifikationsfigur dient.  […]" <br />  <br /> Auszug aus dem Ausstellungstext von Daniel Schreiber „Nach Worten - Bernhard Brungs’ Bilder der Bewunderung.“ Daniel Schreiber ist der Autor der Biographie „Susan Sontag – Geist und Glamour,” Aufbau Verlag, 2007.<br />  <br /> <span style="text-decoration: underline;">                                       </span><br /> <br /> DITTRICH &amp; SCHLECHTRIEM is proud to present a solo exhibition, ON SUSAN SONTAG, with new works by artist Bernard Brungs, opening on Thursday, November 29th from 6-8 PM. Brungs’ new group of works is composed of 12 small and large format paintings concerning the life of American intellectual Susan Sontag. The exhibition is divided into three biographically arranged segments; each visualizes a scene from a key stage in Sontag’s life.<br />  <br /> "We are never more speechless than in the act of admiration. Any attempt to describe why we are fascinated, it seems, inevitably circles back to a statement that feels a little helpless: the observation that “we are fascinated.” […] This zero point of speech that marks the admirer’s desire is what Bernhard Brungs’s pictures of poets, philosophers, and intellectuals home in on. We are confronted with such speechlessness in the groups of works in which the artist engages with Baudelaire, Genet, and Rimbaud, as well as in those devoted to the German expressionists around Else Lasker-Schüler, Georg Trakl, and Hugo Ball, to Ludwig Wittgenstein and Virginia Woolf.<br />  <br /> “As the works Brungs has created over the course of the past year suggest, he must have harbored a fascination of this sort for the American intellectual Susan Sontag for some time. As with the characters in his earlier series, he not only read the writer’s essays, novels, and diaries closely and watched her films, he also studied her life—a life shaped by inspiring fearlessness and impressive self-determination, but also by discontinuities, efforts to mythologize herself, and the strategic dissemination of untruths. In his Sontag pictures, Brungs’s object seems to be to penetrate to the core of his legendary model’s charisma, a fusion of intellectual prowess and involvement in the salient tendencies of her time, with a particular affinity for the glamorous—a charisma that fascinated artists like Jasper Johns, Andy Warhol, and Annie Leibovitz before him; to this day, generations of readers have identified with Sontag. […]" <br />  <br /> Text excerpts from the exhibition catalogue essay “After Words – Bernhard Brungs’s Pictures of Admiration” by Daniel Schreiber. Daniel Schreiber is the author of the biography “Susan Sontag – Geist und Glamour,” Aufbau publishers, 2007.<br />  </p> Sat, 24 Nov 2012 23:52:25 +0000 Paule Hammer - Galerie Jette Rudolph - November 29th, 2012 6:00 PM - 10:00 PM <p class="schwarzklein"><i>"Das Andere ist ein Relief, wie ich es bin, nicht absolut vertikale Existenz.", </i>bemerkt der französische Philosoph Maurice Merleau-Ponty. <i>[1]</i></p> <p class="schwarzklein"><i>Die Galerie Jette Rudolph freut sich sehr, ihre zweite Soloshow von Paule Hammer in Berlin präsentieren zu dürfen. Wie bereits in Teil 1 von Paule Hammers „Interview Magazin“ in der Leipziger Galerie Laden für Nichts setzt auch die Ausstellung in Berlin den Fokus auf die nun fortgesetzte Serie der Interviewbilder, für welche der Künstler Freunde sowie alte und neue Bekannte zur Porträt- und Gesprächssitzung ins eigene Atelier lädt. <br /> Waren zuvor die eigenen Träume des Künstlers sowie weiter ausgreifende weltenzyklopädische Fragen an die Menschheit das Ausgangsmaterial der Motiv-Text-Bilder Hammers, in denen sich persönlich Erlebtes mit von Freunden Erzähltem und medialen Informationen vermischte, so öffnet sich der Künstler nun in der intimen Atmosphäre der Porträtsitzung im eigenen Atelier verstärkt den individuellen Träumen, Erfahrungen, Wünschen oder personenübergreifenden Welttheorien seiner Gegenüber, mit welchen ihn aber stets ein direktes soziales Umfeld als Basis des vertrauten Austausches verbindet. <br /> Absichtsvoll liegen den Arbeiten des Künstlers dabei traditionelle kunsthistorische Genres zu Grunde, wie etwa die Landschaftsmalerei, das Stillleben und das Porträt. Diese entwickelt Hammer jedoch über ihre Grenzen hinaus in ein erweitertes Bezugfeld, sodass sie sich nicht mehr in der Darstellung wieder erkennbarer lokaler Gegebenheiten oder individueller menschlicher Merkmale erschöpfen, sondern die Grenzen ihrer eigenen Formen sprengen: „Die Formen zu überschreiten bedeutet […] nicht, sich von den Formen zu lösen, noch ihrem Ort gegenüber fremd zu bleiben. Das Formlose geltend zu machen bedeutet nicht, Nicht-Formen zu verlangen, sondern vielmehr, sich auf eine Arbeit der Formen einzulassen.“ [2] Sowohl die Entgrenzung der tradierten Repräsentationsvorgaben als auch die Festlegungen auf unterschiedlichste Kontexte verleiht den Arbeiten des Künstlers somit ihre spezifische Dynamik. </i></p> <p class="schwarzklein"><i>Auf der Projektionsebene des Bildes, explizit der Leinwand oder des Zeichenkartons, vollzieht Hammer verschiedene Strategien, um Bild und Information ergänzend zusammenzubringen oder auch als utopische Parallelwelten nebeneinanderzustellen. Stets zeichnet sich dabei das Hammer’sche System dadurch aus, durch ein Zusammenfügen dichotomischer Bereiche eine facettenreiche Innenschau des Menschens frei zu legen. <br /> So wird in "Juliane 1" das von der hier porträtierten Künstlerin im Dialog mit Hammer geschilderte noch vergleichsweise unkonkrete Konzept der Entwicklung einer fiktiven männlichen Künstlerfigur namens "Alain d' Arc" wie eine Textfolie hinter die davor gelagerten Profilschatten der Interviewpartner geblendet. <br /> In "MIG" dahingegen steht in Vogelperspektive die dominierende Vedute einer ehemaligen NVA-Siedlung im Vordergrund, als der Jugend-Ort der Protagonistin "Nicole", welche in dem fensterartig eingeblendeten Textlayout ihre tristen Erinnerungen an jenen Ort wiedergibt: "(...) Und es gab niemals Leute auf der Strasse, die einfach spazieren gegangen sind (...). Um sechs gab es ein Alarmsignal. Dann war Ruhe." </i></p> <p class="schwarzklein"><i>Paule Hammer macht sich – anders als in seinen (Sound-)Skulpturen – in der Malerei den besonderen Charakter des Mediums Bild zunutze, als eine Ebene des "Zwischen" zu fungieren und damit dem Betrachter eine Sichtbarkeit der Dinge, Personen und Informationen anzubieten, "(...) die uns in eine Beziehung mit anderen und mit der Welt bringen und uns eine Repräsentation des Selbst, auch des eigenen Körpers, erlauben." [3] <br /> Mit und in seinen Bildern vermag der Künstler, sein gesammeltes Material zu abstrahierten Gestalten und (Text)Mustern zu transformieren, welche die Distanz zwischen dem Selbst und der Außenwelt manifestieren. Dabei stellt Hammer die (Selbst-)Wahrnehmung des sich erinnernden Subjekts (respektive seines Protagonisten) als auf bestimmten Strukturen basierende Selbstbilder vor, welche nicht auf Entitäten zurückgreifen als vielmehr auf dynamische Muster, in welchen das Verhältnis zwischen Mensch und Welt in steter Bewegung ist. </i></p> <p class="schwarzklein"><i> Die Idee der Emergenz des Sichtbaren vollzieht sich aber nicht nur innerhalb des Bildes sondern auch in der vom Bild in den Raum übergreifenden Gestaltung des Ausstellungsparcours' in der Galerie. Es ist die besondere Charakteristik der Arbeiten des Künstlers, den Bildgrund mit fast plakativ anmutenden Farbmischungen abzudecken, worauf sich wie beispielsweise in der Arbeit "Nicole" in hartem Kontrast und mit feinem Pinselstrichen die Lineaturen des sich weit über das Bildfeld vernetzenden Beziehungsgeflechts der Protagonistin verspannen. Auch kräftige Konturierungen einzelner Motiv- oder Textteile kommen zum Einsatz, um der Tendenz einer gegenseitigen Überblendung der einzelnen Inhalte im Bild wiederum entgegenzuwirken. <br /> Zuletzt provoziert der Künstler die Überschreitungen des maßstäblich beschränkten Projektionsschirms der Leinwand oder des Papiers in Form von direkt auf die Wand gemalten und einzelne Bilder sinngemäß miteinander verbindenden „Beziehungsarmen". Dabei will Paule Hammer nicht etwa einen theoretischen Überbau in der Ausstellung manifestieren als vielmehr einen argumentativen Zusammenhang im Sinne einer perzeptiven Offenheit der Bildwahrnehmung herstellen zwischen Sein, Erscheinung und Bedeutung.</i></p> <p class="schwarzklein"><i> _________<br /> [1] Maurice Merleau-Ponty: "Das Sichtbare und das Unsichtbare", München 1986, S. 338. <br /> [2] Georges Didi-Huberman: „Formlose Ähnlichkeit oder die Fröhliche Wissenschaft des Visuellen nach Georges Bataille“, München 2010, S. 34. <br /> [3] Vgl. Reinhold Görling: „Die Schreckensseite der Sichtbarkeit: Traumabilder“, in: Antje Kapust u. Bernhard Waldenfels (Hg.): „Kunst.Bild.Wahrnehmung.Blick. Merleau-Ponty zum Hundertsten“, München 2010, S. 118.</i></p> <p class="schwarzklein"><i> </i></p> <p class="schwarzklein"><strong><i>The gallery will be closed from December 22 till January 3, 2013.</i></strong></p> Tue, 13 Nov 2012 23:14:42 +0000 Sabine Reitmaier - Galerie Cinzia Friedlaender - November 30th, 2012 7:00 PM - 9:30 PM <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;"></p> <p style="text-align: justify;">For the past ten years, Sabine Reitmaier has photographed the covers of Psychologie Heute, a German special-interest magazine that addresses mental health issues from burn-out to relationship problems. The covers generally portray a single female model, shot in colour against a monochromatic background, along with the magazine’s title and its signature graphics and issue-specific topics. The magazine’s layout is seemingly balanced in its visual relationship between image and text: its clean design is stark and highly legible with images shot in medium close-up and generally cropped, wherein face and hand gestures become the focus, the pictorial event. Unlike style or gossip magazines, the lure of the cover page invites a one-to-one identification, not as an aspiration towards fame or luxury, but by individualising affect, portraying feelings and emotions as both empirical and tractable, signs and symptoms as both limpid and manageable.</p> <p style="text-align: justify;">Upon closer inspection, however, Reitmaier’s cover images convey something unexpected, a disconnect through their mannered staging: the models’ expressions and poses are simplified and condensed to the point parody, like a photo-roman or film still: over-determined, they are silent yet visually communicative. The images suggest a fictional narrative moment in time, the capture of an incident or happening with a past and a potential future, a kind of genre or stock image but without captions to identify the scene. In this exhibition the handpainted monochrome backgrounds and their associative colour ‘emotions’ (for example, red for anger, blue for sadness) only underline the lack of contextual information conferring all interest upon affect.</p> <p style="text-align: justify;">To perform affect as a communicative skill signals another aspect of the Reitmaier’s work – the work of labour itself. Where does ‘the work’ of the exhibition happen and how does its enfolding make labour speak its forms, its processes, its production of subjectivity? By exhibiting her commercial work as her art work and by picking apart those very images, Reitmaier seeks to disable such axioms as art/non-art, commercial/fine art, high/low and so on but nonetheless leaves traces of these binarisms because they in fact furnish what the elements of work, or rather, being a worker means today. In an era of neoliberal ‘realism’, an anthropological understanding of the subject envisions the world through the marketplace where competition is naturalized to the extent that we are all workers and entrepreneurs of ourselves – a totalizing view of economic social reality, human nature and rationality. This shift in ideology and its forms is foremost a shift of the production of subjectivity and truth, the all-encompassing economic calculus behind every aspect of human activity.</p> <p style="text-align: justify;">Reitmaier’s exhibition not only articulates a mode of production, of how labour functions, where affect, communication and social knowledge – allegorised in the magazine covers and in their decontextualisation – are tools of survival, but also a mode of subjection, the way ‘economic being’ is naturalised in the role of the artist/worker herself.</p> <p style="text-align: justify;">Text: David Bussel</p> <p style="text-align: justify;"><strong>The gallery will be closed from<br /> 24.12.2013 – 08.01.2013</strong></p> <p></p> <p></p> <p></p> Sun, 23 Dec 2012 11:13:55 +0000