ArtSlant - Current exhibits http://www.artslant.com/ber/Events/show en-us 40 Geerten Verheus - Aanant & Zoo - October 26th, 2012 - December 8th, 2012 <p>Vom 26. Oktober bis zum 8. Dezember 2012 präsentiert Aanant &amp; Zoo mit ENVY EN ROSE erstmals eine Einzelausstellung von Geerten Verheus (*1965). Verheus zeigt Aufstellungen linearer Stoffarbeiten, die sich als überlange, ungebundene Krawatten zu erkennen geben. Von Plakaten flankiert, sind sie in Gruppen nebeneinander geordnet, formen zwischen Wand und Boden einen akkuraten Knick und entfalten die Wirkung von dunklen, hellen oder mehrfarbigen Pfeilen, die zugleich nach oben weisen und auf die Betrachtenden zukommen. So bilden sich raumgreifende Konstellationen aus plastischen Strukturen, die in der Nahsicht auch verschiedene Webarten und Musterungen aufweisen. Durch diese unterschiedlich konnotierten, doch nur zum Teil einem spezifischen sozialen Code verpflichteten Qualitäten erhält jede Konstellation eine eigene Gruppendynamik. Auf den benachbart hängenden Plakaten sind Aufschriften gedruckt, die als Werktitel der jeweiligen Aufstellung zu verstehen sind.</p> <p>Krawatten sind Zeichen von Männlichkeit und klarer patriarchaler Ordnung. „Die Krawatte stand immer“, schreibt die Kostümhistorikerin Ingrid Loschek, „in soldatischem Zusammenhang“. Die stramm sitzenden, dennoch deplatziert in den Galerieräumen gruppierten und titellastigen <em>fabric sculptures</em>, die Aanant &amp; Zoo bevölkern, spielen zwar mit den sparsamen Dosen der Minimal Art. Doch übertreibt Verheus auch durch die bunten Werbeplakate selbst die Aufhebung der strikten Trennung zwischen einerseits Kunst und andererseits den Vertretern einer Bekleidungsindustrie, die einen betagten Herrenausstatter neu ins Leben riefen – wie etwa das Londoner Label Duchamp, das auf Luxusaccessoires für Männer spezialisiert ist. Da eine begründete Auswahl innerhalb der minimalistischen wie hyperbolischen Aufstellungen von Verheus schwerfällt, ist entgegen der Kunstbetriebsmode die Entscheidung für ein Einzelwerk auf offensive Weise reine Geschmackssache. Die Gewänder einer <em>fête galante</em>, die ENVY EN ROSE doch so kunstvoll feiern könnte, dürfen sich dabei getrost im Konjunktiv uniformieren.</p> Tue, 16 Oct 2012 23:15:21 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Peter Weibel, Robert Palmer, Anders Levermann, Klaus Staeck, Freddy Paul Grunert - Akademie der Künste - Pariser Platz - December 4th, 2011 - December 9th, 2012 <div class="detail_text">Der „Climate Walk“ startet zur Weltklimakonferenz in Südafrika und wird für ein ganzes Jahr (bis zum nächsten Klimagipfel) in der Passage der Akademie das Verhältnis von Kunst und Klima thematisieren. Er macht interdisziplinäre Wissensarchive im In- und Ausland zugänglich und lädt ein, sich mit eigenen Fragen und Kommentaren einzubringen. Kontext sind globale Krisen, der Klimawandel, not-wendige gesellschaftliche Transformation im Sinne einer zukunftsfähigen „Kultur des Miteinander“ und neue Positionen gestalterisch forschender wie verantwortlich handelnder LebensKunst. Zur Eröffnung sprechen Klaus Staeck, Peter Weibel, Robert Palmer, Anders Levermann und Freddy Paul Grunert. <br /> <br /> Ein Gemeinschaftsprojekt mit dem ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe – ausgezeichnet als „Cultural Event vom Council of Europe“. Konzeption Freddy Paul Grunert/ZKM und Christian Schneegass/AdK</div> Wed, 27 Jun 2012 02:08:35 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Eduardo Chillida - Akademie der Künste - Pariser Platz - October 20th, 2012 - November 25th, 2012 <p>Anlässlich des 10. Todestages des spanischen Bildhauers Eduardo Chillida und der bedauerlichen Schließung des Chillida-Leku-Museums 2011 wird in Kooperation mit der Fundación Chillida-Belzunce in der Passage eine Vitrinenausstellung und Videodokumentation über seine Skulpturen im öffentlichen Raum in Deutschland gezeigt. Chillida, 1991 bis 2002 Mitglied der Akademie der Künste, ist international nicht nur mit der Installation von zahlreichen Skulpturen im öffentlichen Raum bekannt geworden – die Skulptur vor dem Bundeskanzleramt in Berlin ist ein prominentes Beispiel dafür –, sondern auch durch das Buch „Die Kunst und der Raum“ mit einem Text des Philosophen Martin Heidegger und einer.Serie von Litho-Collagen von Eduardo Chillida.</p> Mon, 29 Oct 2012 21:29:02 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Walter Benjamin - Akademie der Künste - Pariser Platz - October 23rd, 2012 - June 30th, 2013 <p>Walter Benjamin entwirft Bilder seiner Großstadtkindheit mit der Einsicht »in die notwendige gesellschaftliche Unwiederbringlichkeit des Vergangenen«. In Vitrinen und einem Computerterminal sind ein Pharus-Plan mit den wichtigsten Orten, Fotos und biografische Dokumente zu sehen, ferner Manuskripte, die den Weg von der »Berliner Chronik« zur »Berliner Kindheit« nachzeichnen: Berlin als Ort zum Schreiben, als literarisches Thema und als Schicksal.</p> Mon, 01 Apr 2013 01:04:12 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Lorenz Estermann - alexander levy - November 2nd, 2012 - December 22nd, 2012 <p>The Galerie alexander levy is very pleased to be able to present new<br />works from Lorenz Estermann with the Virtual Reactor exhibit. In addition to new<br />sculptures, photographs and paper works, the film METROPOLAR – Dark City will<br />be presented for the first time. In the last half year, Estermann designed a<br />complex film set for the film in order to make his sculptures emotionally<br />experiencable.<br />"Lorenz Estermann locates his art between architecture, sculpture and painting. It<br />involves models of imaginary architectural structures, which Estermann first seizes<br />upon and then realises as models in various materials (wood, metal, cardboard,<br />etc.). He paints them in a way that is unusual for architecture, whereby they<br />become something more like three-dimensional paintings. Their functionality, if<br />one imagines them in the corresponding dimension, is also disrupted, as a result<br />of which they become sculptural constructs.<br />What should a house look like, and how, by contrast, a sculpture? One should be<br />able to enter the one and walk around the other; this is at least the conventional<br />notion.<br />However, the development of art since the start of the 20th century in the shadow<br />of the avant-garde shows us that this need not be the case. Object art and<br />visionary considerations within architecture have relocated the codes and allow<br />for other forms of reality.<br />Estermann equates the model with the image. The models, like the images, are<br />vehicles of imagination, which in some case originate from imagery deposited<br />deep within the viewers and their world of experience. The exemplary character of<br />the model makes something otherwise inaccessible accessible. The model<br />provides scales and arguments, enables orientation and analogies. Beyond this, it<br />enables the layperson conceivability; it provides connections to usually almost<br />entirely closed realms of knowledge. In the model, a resource of humans is<br />addressed that can withstand reality indefinitely: imagination.<br />Estermann's three-dimensional constructs, which he also implements as collagelike<br />images, allow the viewer to look into precisely those interstices existing<br />beyond the categorisations of art.<br />We are all familiar with the telephone booths disposed of at dumps, the bus<br />shelters and temporary functional structures in commercial building, which are in<br />some cases painted in the wildest colours. Following a concept of "real art", the<br />randomly seen is reoccupied in art in terms of content. Art has the possibility of<br />enquiring as to the semantics of that seen and in this way of making attempts at<br />interpretation. In the case of Lorenz Estermann, one can now ask where his art is<br />located. He shows us the transitions from one to the other disposition – from<br />painting to sculpture and on to architecture."<br />Günther Holler-Schuster,<br />Neue Galerie Graz at the Universalmuseum Joanneum</p> Sun, 04 Nov 2012 23:49:58 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Anna Kott - ALEXANDER OCHS GALLERIES BERLIN | BEIJING - October 27th, 2012 - December 8th, 2012 <p><span style="font-size: small;">The force behind the paintings created by Anna Kott (* 1975 in Ruda Slaska, Poland) is not solely attributable to the interaction between the intense and restrained application of materials. The expression of her oil paintings on canvas and on paper is also determined through their subjects, and even more so through the use of colour, the various painting techniques and the respective image carriers.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The title of the exhibition <i>Prima Materia</i> was chosen by Kott herself and derives from a quoted term in alchemy that refers to primary matter, which can be brought to a state of perfection through the means of a process-based and voluntary conversion. Anna Kott’s paintings possess both the primary matter as well as their transformation. Emotions and reactions are reflected in the breadth of the sometimes rather ironic themes, along with the both modest and powerful colour arrangements.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Anna Kott uses intensive colours, but also greys, earth tones and pastel colours. The almost pale brush drawings retain their transparency, but often claim a spatial function at the same time, which is decisive for the work as a whole.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> The area within the composition holds the same importance as the figure, whose basis is drawing, and the same importance as the free gestures that cover the drawing and surface with broad, dynamic but definitive brushstrokes. The artist leaves open surfaces which act as though exposed, causing the figurative drawings to emerge from these surfaces like illusionary appearances.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Kott’s works on canvas maintain the delicacy of a drawing, such as her works on paper; nevertheless they also possess an unusual painterly quality, especially through their reduction. A transparency and material intensity is achieved in her works in order to create the desired and unweighted interaction.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Anna Kott speaks of a 'dialogue' that is not only guided intellectually, but also guided on the image carrier, within the composition itself and between composition and execution. To the artist, the act of painting is a cognitive, self-reflective, but also a physical exchange with former artistic choices and experiences. In this very personal process, she generates the very same strength that is instantly visible here.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> She chooses her subjects associatively. This applies to the figures, which depict the human body or animals such as pigs, fish and bulls. The same is applicable to the surrounding space represented by architectural frameworks or through purely painterly means, as they break down the canvas without revealing any perceptible space to the viewer.  Through this, the contextual expansion of her subjects quickly distances itself from every seemingly narrative approach and leads back to the driving force of the artist, which derives clearly from the act of painting itself.</span><br /> <br /><span style="font-size: small;"> Peer Golo Willi</span></p> <p><span style="font-size: small;"> </span></p> <p><span style="font-size: small;"></span></p> <p>Die Kraft der Bilder von Anna Kott (* 1975 in Ruda Slaska, Polen) liegt nicht zuletzt in dem Zusammenspiel intensiver und zurückhaltender Materialanwendungen. Der Ausdruck ihrer Malereien in Öl auf Leinwand und auf Papier ist dabei bestimmt durch ihre Motive, mehr jedoch durch ihren Umgang mit der Farbe, mit unterschiedlichen Maltechniken und mit dem jeweiligen Bildträger.<br /> <br /> Der Titel <i>Prima Materia</i>, den Kott für ihre Ausstellung gewählt hat, zitiert einen Begriff aus der Alchemie, der die Urmaterie meint, die durch prozesshafte, willentliche Umwandlung zur Vollendung gebracht werden kann. Anna Kotts Bilder tragen sowohl die Urmasse als auch deren Transformation in sich. Emotionen und Reaktionen finden ihren Ausdruck in der Weite ihrer manchmal durchaus ironischen Motivik und ihrer zurückhaltenden wie gewaltigen Farbarrangements.<br /> <br /> Anna Kott verwendet sowohl kräftige als auch graue, erdige Farben oder Pastelltöne. Die nahezu blassen Pinselzeichnungen behalten ihre Transparenz und beanspruchen dennoch nicht selten eine räumliche Funktion, die für das ganze Bild bestimmend wird.<br /> <br /> Die Fläche behält innerhalb der Komposition den gleichen Stellenwert wie die Figur, deren Grundlage die Zeichnung ist, und wie die freie Geste, die in groben, dynamischen aber sicheren Pinselzügen Zeichnung und Fläche überdeckt. Zugleich lässt die Künstlerin Flächen frei, die sodann wie freigelegt wirken und die figürlichen Zeichnungen wie unwirkliche Erscheinungen auftreten lassen.<br /> <br /> So behalten Kotts Leinwandarbeiten die Feinheit einer Zeichnung, wie ihre Arbeiten auf Papier gleichwohl eine ungewöhnliche malerische Qualität erhalten, gerade in ihrer Reduktion. Ihr gelingt es, in ihren Werken Transparenz und Materialintensität in ein gewollt ungewichtetes Zusammenspiel zu bringen.<br /> <br /> Anna Kott spricht von einem ,Dialog’, der nicht nur gedanklich sondern auch auf dem Bildträger selbst geführt wird, innerhalb der Komposition selbst wie auch zwischen Komposition und Ausführung. Das Malen bedeutet für sie eine kognitive, selbstreflektive, immer aber auch eine physische Auseinandersetzung mit früheren künstlerischen Entscheidungen und Erfahrungen. In diesem sehr persönlichen Prozess generiert sie wohl jene Kraft, die sie  hier unmittelbar visualisiert.<br /> <br /> Dabei wählt sie ihre Motive assoziativ. Das gilt für die Figuren, die menschliche Körper zeigen oder Tiere wie Schweine, Fische und Stiere. Und es gilt für den Raum, dargestellt durch Architekturen oder mit rein malerischen Mitteln, wenn sie den Bildträger zerlegen ohne dass sie den Betrachter auf eine greifbare Räumlichkeit festlegen wollen. Die inhaltliche Ausdehnung ihrer Sujets entfernt sich auf diese Weise schnell von jedem scheinbar erzählerischen Ansatz und führt zurück auf den Antrieb der Künstlerin, der offensichtlich im Malerischen zu finden ist.<br />  </p> <p><span style="font-size: small;">Peer Golo Willi<br /></span></p> Fri, 19 Oct 2012 01:42:08 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Heinz Mack - Arndt - October 26th, 2012 - February 28th, 2013 <p>ARNDT freut sich mit Heinz Mack in Berlin - Werke von 1958-2012 die bisher umfangreichste Werkschau eines der bedeutendsten lebenden Deutschen Malers und Bildhauers im Berliner Kunsthandel zu präsentieren. Es ist dies auch die erste Berliner Einzelausstellung von Heinz Mack seit seiner Retrospektive im Pergamon Museum im Jahre 2006 und der offizielle Beginn der Zusammenarbeit zwischen Heinz Mack und Matthias Arndt.<br /> Gezeigt werden Hauptwerke aus allen Schaffensperioden, beginnend mit der bereits 1960 in der Galerie Schmela ausgestellten Leinwand „Black &amp; White, 1958“ (Preis auf Anfrage), sowie musealen Arbeiten aus der ZERO Zeit, wie „Weißes Relief, 1959“ (€ 300.000), der kinetischen Rotorarbeit „Prism Whirl, 1960“ (Denise René Gallery, New York; € 180.000) und dem „Cabinet of Light Treasures, 1964“ (Preis auf Anfrage). Auf fast 500 qm. Ausstellungsfläche werden insgesamt 40 Reliefs, Bilder, Skulpturen, kinetische Arbeiten und Arbeiten auf Papier von 1958 bis hin zu den jüngsten Bildern und Reliefs, die in diesem Jahr entstanden, präsentiert. Die Preise für die Arbeiten auf Papier beginnen bei € 10.000.</p> <p><br /> Die Ausstellung formuliert ein Bekenntnis des Künstlers Heinz Mack zu Berlin, wo er von seinem frühesten Kunstschaffen an, in Galerien, privaten und öffentlichen Sammlungen bis hin zu seinen zahlreichen Skulpturen im öffentlichen Raum in allen Kunstgattungen wirkt. Es ist dies die erste Ausstellung, die sich dezidiert dem Bezug Heinz Macks zu Berlin widmet. Zu der Ausstellung „Heinz Mack in Berlin“ erscheint eine zweibändige Broschüre, die auch als PDF-Version verfügbar ist.</p> <p>„Zentrales Anliegen der Ausstellung ist es nicht nur Heinz Mack als den innovativen und unermüdlich schaffenden Künstler zu zeigen, der er ist und der mehrere Künstlergenerationen bis hin in das aktuelle Kunstschaffen hinein inspirierte. Mich persönlich beeindruckt vor allem auch die tiefe Spiritualität des Gesamtwerkes von Heinz Mack und den Optimismus die es ausstrahlt.“    Matthias Arndt</p> <p><br /> Heinz Mack verschreibt sich als Künstler seit Jahrzehnten kontinuierlich der Aufgabe, das Licht in seiner kosmischen Dimension zu erforschen und darzustellen. Seit den 1960er Jahren gilt er als einer der wegweisenden Künstler für die Entwicklung der OP Art und der Kinetischen Kunst in Deutschland, deren Errungenschaften und internationale Auswirkungen seit einigen Jahren erst näher erforscht werden. Mit zahlreichen musealen Ausstellungen und Retrospektiven wurde das Werk Heinz Macks im vergangenen Jahr zum 80. Geburtstag des Künstlers umfassend präsentiert und der Einfluss seines Schaffens auf jüngere Künstlergenerationen deutlich erkennbar.</p> <p><br /> Mack ist in seinem künstlerischen Ansatz ein Humanist, der die Welt in all ihren Facetten zu begreifen und zu studieren sucht. Er zitiert Dichtung und Philosophie als Quellen seiner Forschung ebenso wie Naturwissenschaften und Technologie. Mit allen Mitteln und denkbaren Wegen versucht der Künstler seit Jahrzehnten und bis heute sein Wissen über das, was Licht ist, zu bereichern und darzustellen. Doch bei Mack geht es keineswegs um den Transfer oder die Vermittlung von tieferen Einsichten und Bedeutungen, die mit dem Sichtbaren der Dinge verwoben sind. Vielmehr legt er großen Wert darauf, die sinnliche Kraft und die grenzenlose Ausstrahlung von Licht als eine geistige, den Raum zwar transzendierende, sich aber in ihm verwirklichende und Distanzen auflösende Energie vorzustellen. Seine Vorstellung von Licht ist insofern eine dialektische, als dass er den Schatten als Pendant in seine ästhetischen Reflektionen stets mit einbezieht.</p> <p>Das außerordentliche Gesamtwerk Heinz Macks beinhaltet ebenso monumentale Ausführungen für den Außenraum und die Gestaltung von öffentlichen Plätzen und Räumen. Viele davon wurden in Berlin umgesetzt: u.a. der 1987 vor dem Europacenter entstandene Lichtpfeiler, die Säulen-Arkaden und der Bronze-Obelisk am Henriettenplatz und die Piazzetta am Kulturforum.</p> <p> </p> <p>1931 im hessischen Lollar geboren, studiert Heinz Mack von 1950 bis 1953 an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf und schließt zusätzlich 1956 das Studium der Philosophie an der Universität Köln ab. Gemeinsam mit Otto Piene gründet er 1957 die Gruppe ZERO in Düsseldorf. Er nimmt an der Documenta II und Documenta III in Kassel teil. Neben Aufenthalten in New York, Arbeits- und Filmexpeditionen in die Algerische Wüste und in die Arktis erhält er 1970 eine Professur für einen Lehrauftrag in Osaka (Japan) und wird ordentliches Mitglied der Akademie der Künste, Berlin, der er bis 1992 angehört. Auf der 35. Biennale in Venedig vertritt er die Bundesrepublik Deutschland (mit Uecker, Pfahler und Lenk). 2004 wird Mack das Große Bundesverdienstkreuz der Bundesrepublik Deutschland als Erstauszeichnung verliehen, als Anerkennung für sein Werk und sein Wirken als Botschafter der Kulturen. 2011 wird Mack mit dem Großen Verdienstkreuz mit Stern der Bundesrepublik Deutschland geehrt.<br /> In annähernd 300 Einzelausstellungen und zahlreichen Ausstellungsbeteiligungen wurden bis heute Macks Arbeiten gezeigt. Seine Werke sind in 136 öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter in Berlin die Nationalgalerie, das Kupferstichkabinett und die Berlinische Galerie. Zahlreiche Bücher und Kataloge, sowie zwei Filme dokumentieren sein Schaffen.<br /> Heinz Mack lebt und arbeitet in Mönchengladbach und auf Ibiza.</p> Mon, 07 Jan 2013 09:12:59 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list ION GRIGORESCU, Jakup Ferri, Jaroslav Kysa, Imre Lepsényi, Société Réaliste, Ulrich Vogl, Tamas St.Turba - Balassi Institut - Collegium Hungaricum Berlin (.CHB) - October 19th, 2012 - January 27th, 2013 <p style="text-align: justify;">Europa und die USA sind die größten Exporteure ihres Freiheitsverständnisses in die ganze Welt. Freiheit wird mit Demokratie gleichgesetzt und entsprechend vermittelt. Was genau jedoch in Europa selbst unter Freiheit verstanden wird, zeigt auch zwanzig Jahre nach dem Ende des Kalten Krieges große Unterschiede. Freiheit ist ein zu hohes Gut um es der Politik zu überlassen. Die Ausstellung SCHWINDEL DER FREIHEIT im SITUATION ROOM@.CHB widmet sich Künstlerpositionen zu dem Thema Freiheit nach dem Kalten Krieg in Europa. Sie hinterfragt den vermeintlich gemeinsamen Boden auf dem das europäische Selbstverständnis basiert.<br /><br />Die Ausstellung im .CHB stellt Reaktionen, Kommentare und Kritik von acht Künstlern mit Videoarbeiten und Installationen zu diesem Thema in den Fokus. Die stalinistische Freiheitsstatue in Budapest war ein Zeichen der Besatzung und wurde zum beliebten Symbol von Budapest. (IPUT / Tamás St.Turba) Die innere Freiheit des Künstlers, der sowohl Diktaturen als auch den Erfolg in der internationalen Kunstszene übersteht, zeigt das Werk von Ion Grigorescu. Im wiedervereinten Europa verlaufen die Grenzen der Freiheit zwischen EU und nicht-EU, was für Künstler in der nomadisierenden Kunstwelt von existentieller Bedeutung ist. Wo die Grenzen für Künstler sind, macht Jakup Ferri  deutlich. Die Konsequenzen der Freiheit im ehemaligem Ostblock (Raphaël Grisey) und im Westen (Ulrich Vogl) werden aufgezeigt. Wie der Terror und Krieg den Freiheitsbegriff missbraucht und für seine Zwecke einnimmt, wie aus der Stimme des Einzelnen die Stimme der Macht wird, ist in den Arbeiten von Société Réaliste und Imre Lepsényi präsent.<br /><br />Künstler der Ausstellung SCHWINDEL DER FREIHEIT:<br />JAKUP FERRI (Kosovo/NL), RAPHAËL GRISEY (FR/D), ION GRIGORESCU (RO), JAROSLAV KYSA (SK), IMRE LEPSÉNYI (HU), SOCIÉTÉ RÉALISTE (HU/FR), TAMÁS ST.TURBA (HU), ULRICH VOGL (D)<br /><br /><sup>Die dreijährige Programmreihe KRITIK UND KRISE im SITUATION ROOM@.CHB findet als Partnerprojekt zu der XXX. Europaratsausstellung „Verführung Freiheit. Kunst in Europa seit 1945" des Deutschen Historischen Museums (DHM) statt. Das .CHB zeigt zuerst die Ausstellung SCHWINDEL DER FREIHEIT, es folgen weitere Ausstellungen und Symposien. Weitere Partner des Projektes bis 2015 sind: Palazzo Reale (Mailand), KUMU Art Museum (Tallin), Museum of Contemporary Art (Krakau), DOX Centre for Contemporary Art (Prag), Macedonian Museum of Contemporary Art (Thessaloniki). Eine Abschlusskonferenz in Mailand beendet 2015 die europäische Projektreihe.</sup><br /><br /><sup>Dieses Projekt wurde mit Unterstützung der Europäischen Kommission finanziert. Die Verantwortung für den Inhalt dieser Veröffentlichung (Mitteilung) trägt allein der Verfasser; die Kommission haftet nicht für die weitere Verwendung der darin enthaltenen Angaben.</sup></p> Sat, 10 Nov 2012 06:10:10 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Krisztián Bócsi - Balassi Institut - Collegium Hungaricum Berlin (.CHB) - October 27th, 2012 - January 20th, 2013 <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Die Fotoausstellung handelt von Persönlichkeiten aus Wissenschaft, Kultur und Wirtschaft, die Berlin zu Ihrer zweiten Werkstatt und ihrem Lebensumfeld gemacht haben. Die Idee zu diesem Projekt stammt von dem ehemaligen Kurator des Monats der Fotografie Berlin, Thomas Friedrich. Er wollte den Berliner Kessel der Kreativität in einer Ausstellung sichtbar machen. Dieser besondere Ort wird durch seine Bewohner – Berliner, zugezogene Deutsche und in Berlin wohnende Ausländer – bereichert, die wiederum durch die Stadt selbst zum Schaffen inspiriert werden. Krisztián Bócsi macht Friedrichs Idee anhand von Portraits von Musikern, Tänzern, Bildenden Künstlern, Schauspielern, Architekten, Literaten und Wissenschaftler, aber auch Studenten sowie Szenenfotos von Berlin sichtbar.</span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;">Die Ausstellung ist ein Gemeinschaftsprojekt des Ungarischen  Nationalen Kulturfonds NKA und des .CHB. Für die Unterstützung  bei der Verwirklichung des Projekts danken wir der Vertretung der  Deutschsprachigen Gemeinschaft, der Französischen Gemeinschaft  und der Wallonie, dem Finnland-Institut Berlin, dem Polnischen  Institut Berlin und dem Instituto Cervantes Berlin.</span></p> Sat, 10 Nov 2012 06:47:26 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list HD Seibt, Heidi Rosin - bauchhund salonlabor - November 17th, 2012 - January 5th, 2013 <p></p> <p>Die Arbeiten Heidi <b>R</b>osins sind Fragmente von Gefundenem und Gesammeltem wie z.B. Buchseiten, Einkaufszettel, Prospekte, Briefe usw. Sie bilden den „Untergrund“, die erste Schicht, Grundlage und Ausgangspunkte für die Malerei. Formen werden gefunden und festgehalten, wieder verworfen, übermalt, zerstört und neu gesucht. So entsteht ein Raum des Intuitiven. Bewusstes und Unbewusstes vermischt und verbindet sich, trennt und löst sich auch wieder. Farben und Linien begründen den Raum, materiell wie auch mental. Die Vielschichtigkeit der Malerei entspricht dem Raum in seiner Vieldeutigkeit. Die Sinnhaftigkeit ergibt sich durch das Finden des Figürlichen, schafft so Bezugspunkte, die das Bild erklärbar machen.</p> <p><em>Die Malerei von HD <b>S</b>eibt erzählt vom Befinden und von Befindlichkeiten, von inneren Landschaften,</em></p> <p><em>fragilen</em> <em>Verfasstheiten, fragwürdigen Konstruktionen, wackeligen Konstrukten, emotionalen Bindungen</em> <em>und deren</em>  <em>Negation - ganz im Sinne eines Paul Klee, der 1920 formulierte: "Kunst gibt nicht das</em> <em>Sichtbare wieder,</em>  <em>sondern macht sichtbar" (Schöpferische  Konfession, 1920).</em><i> </i></p> <p></p> <p><em></em><i> </i></p> Fri, 19 Oct 2012 00:43:09 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Lou Scheper-Berkenkamp - Bauhaus-Archiv Museum of Design - October 31st, 2012 - January 14th, 2013 <p>Lou Scheper-Berkenkamp (1901-1976) studied at the Weimar Bauhaus under Itten, Feininger and Klee and worked in the wall painting workshop. Since 1925, when her husband, Hinnerk Scheper, was a teacher at the Bauhaus in Dessau, she had been actively involved in the work of the Bauhaus stage under the direction of Oskar Schlemmer. At the same time, she created works of fine arts, fanciful pictures of imaginary world travels, and a profusion of illustrated letters in the form of highly creative miniatures combining texts and images that fascinated her friends. Less known is her postwar work as an illustrator of children’s books and in the area of architecture and colour. The colour scheme of Scharoun’s Berlin Philharmonic, for example, was based on a concept by Lou Scheper. This comprehensive presentation at the Bauhaus Archive is the first solo exhibition of her work. </p> Mon, 01 Oct 2012 02:48:03 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Hilde Weström - Berlinische Galerie - September 26th, 2012 - February 25th, 2013 <p>Hilde Weström (born on Oct. 31, 1912), together with Ilse Balg or Vera Meyer-Waldeck, is one of the few female architects who successfully participated in the reconstruction of Berlin after the war. One of the first women accepted into the Bund Deutscher Architekten in 1948, she founded her own firm in 1949. She then participated in numerous competitions together with colleagues such as Wils Ebert, Werner Düttmann, or Paul Baumgarten. Her wide-ranging oeuvre, which she created until her retirement in 1981, shows Weström’s engagement with a present marked by transformation and the foundational principles of new construction. Her untiring commitment to a social, individually adaptable living has made her widely known. In 1957, her designs for model apartments were presented as pioneering at the exhibition „Die Stadt von Morgen”, part of „Internationale Bauaustellung” Berlin. Selected photographs, drawings, and models from the architect’s own papers alongside loans from the Verborgenes Museum and private collections will provide insights into the life and work of this unusual pioneer of architecture.</p> Mon, 01 Oct 2012 02:52:31 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Group Show - Berlinische Galerie - October 5th, 2012 - January 28th, 2013 <div id="c5456" class="csc-default"> <div id="einleitung"> <p class="bodytext">The Berlinische Galerie is to stage the world’s first comprehensive exhibition of art photography in the GDR. Twenty years after the Wall, “The Shuttered Society” identifies traditions and trends while illustrating shifts in visual idiom and theme.</p> </div> </div> <p class="bodytext">The retrospective will thus contribute to the present discourse about photography that has unfolded in recent years with a flurry of exhibitions and publications. The works and their protagonists, the cultural policies that framed them, regional particularities, technical parameters and personal strategies have been explored in detail, so that an interested audience will now be aware of many of these photographers and of pictures that have acquired a status little short of canonical.</p> <p class="bodytext">The show at the Berlinische Galerie is designed to offer a broad overview, and the selection seeks to convey the specific character of each photographic work, its motivation and its language.</p> <p class="bodytext">Although the exhibition is devoted primarily to the medium itself, it also tells a great deal about daily life in the GDR. This is above all because the most prolific current, in terms of volume, was socially committed photography, and that is the subject of the first chapter. The photographers working within this tradition are keen to depict their world truthfully. As a result, they seek out images enabling them to make statements about real social conditions.</p> <p class="bodytext">The second chapter traces a thread with roots in the modernist idiom of the 1920s which was revived in the 1950s, but then found no successors for the next twenty years. Not until the mid-1970s did photographers lend more attention to the formal and aesthetic resources of their medium. The quest for new forms of aesthetic expression also led to works in three-dimensional space.</p> <p class="bodytext">Many of the young photographers on display in the third chapter needed this broader range of expressive options to render their complex impressions and emotions more effectively. Many had broken with the assumptions that defined the role played by their elders, for their view of East German society was disillusioned. Their investigations with the camera were born of this attitude, and their photography centres upon themselves, their bodies and their perceptions.</p> <p class="bodytext">The three chapters are preceded by a short Prologue with two significant series by Richard Peter sen. and Karl-Heinz Mai, offering an atmospheric impression of the period between the end of the Third Reich in 1945 and the foundation of the German Democratic Republic in 1949.</p> Mon, 03 Sep 2012 03:22:07 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Tue Greenfort - Berlinische Galerie - November 2nd, 2012 - April 8th, 2013 <p style="text-align: justify;">Artist Tue Greenfort, who was born in Holbæk (Denmark) in 1973 and works in Berlin, is to receive the GASAG Art Prize 2012. The jury argued its decision to honour the artist, who studied at art academy in Fünen, Denmark and the Städelschule in Frankfurt/Main with the following words:<br />“Tue Greenfort (*1973) belongs to a younger generation of artists that is approaching ecological themes in a new aesthetic manner. However, the artist is not merely concerned with questions of sustainability, but also with an understanding of ecology as a 'systemic model for social, economic and cultural phenomena and contexts' (Greenfort). He works on this field with subtle associations of content, formal precision, and ironic references to the art of the 1960s and 70s. His works are always site-specific and investigate historical facts as well as chemical and physical processes. <br />A catalogue will be appearing for the exhibition.<br /><br />Jury: <br />Prof. Dr. Eugen Blume, Director of the Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart, Berlin<br />Dr. Luca F. Ticini, Max Planck Institute for Cognitive and Neuro-Sciences Leipzig<br /> Dr. Susanne Witzgall, Researcher at the Chair of Art History at the Academy of Fine Arts, Munich<br />Dr. Thomas Köhler, Director of the Berlinische Galerie <br />Observers: Birgit Jammes, Sponsoring/Communication GASAG, Berlin and<br />Dr. Heinz Stahlhut, Head of the Fine Art Collection, Berlinische Galerie</p> Mon, 04 Mar 2013 02:38:17 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Jannis Kounellis - Blain|Southern Berlin - November 17th, 2012 - January 26th, 2013 <p>The directors of Blain|Southern are delighted to present an exhibition of new and recent works by Jannis Kounellis. Renowned for his pivotal role in the development of the <em>Arte Povera </em>movement in the 1960s, over the last 50 years Kounellis has continued to redefine artistic practice through his original use of materials.</p> <p>His works, a mixture of painting, collages, installations, ‘environments’, performances and theatrical shows, are made of everyday materials, such as soil, coal, stones, sacks, fire, live animals, bed frames and doorways, as well as <em>objets trouvés</em>. These are imbued with dramatic power, evoking history, memory and the reality of our present day experience, expressing the underlying tensions within contemporary society, and the multiplicity and fragmentation of its language.</p> <p>In this century Kounellis has developed an increasingly architectural vocabulary, typified by the labyrinth he constructed in the main hall of Berlin’s Neue Nationalgalerie for his 2008 retrospective. Working in dialogue with the Mies van der Rohe designed building, the structure served as a complete environment in which to exhibit examples of his earlier works. His exhibition at Blain|Southern will be in a similar vein, with sculptural installations that respond to the gallery’s vast, post-industrial space.</p> Mon, 07 Jan 2013 09:13:16 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Wilhelm Mundt - Buchmann Box - November 16th, 2012 - January 26th, 2013 <p>The Buchmann Galerie is presenting a new group of Trashstones of polished aluminum by<br />Wilhelm Mundt. These works occupy a special place in his oeuvre, which has now grown to<br />include more than 550 sculptures. Whereas normally his Trashstones are finished by<br />polishing the final layer of colored acrylic, here Wilhelm Mundt takes an additional<br />step by subjecting the work to another, far-reaching process.<br />The sculpture, which is actually finished, is completely molded and cast in two<br />aluminum shells. Before the two halves are assembled and closed, the artist places the<br />original Trashstone back into the aluminum sculpture. By the logic of the oeuvre, the<br />outer form of the aluminum Trashstones is the result of the process of making the inner<br />one, the core that is hidden from the viewer.<br />The interesting thing is that the aluminum Trashstones are not produced in the usual<br />way—completely by hand in the artist’s studio—but rather Wilhelm Mundt gives the<br />Trashstones that are ready to be cast to a foundry where they are molded and cast. The<br />assignment of a work number becomes important here. The number is assigned<br />chronologically according to the principle for ordering the oeuvre as a whole, which<br />from a purely practical perspective prevents the forms from being confused, which could<br />easily happen when the work is being performed by others at the foundry. The number of<br />the Trashstone becomes the work number of an industrially produced object, creating a<br />distance between the author and the producer, between manual work and technical<br />production.<br />Wilhelm Mundt has been working on the Trashstones series since 1989. It began with<br />Trashstone 001. The open-ended series makes it clear that the oeuvre continues with<br />each new sculpture.<br />The installation of the aluminum Trashstones reveals Wilhelm Mundt to be an artist who<br />reflects on the traditions of sculpture and at the same time renews them by permeating<br />them with ideas and his craft.<br />His sole exhibitions in 2010 included a show at the Lehmbruck Museum, Duisburg. His<br />works can be seen in public spaces in the Skulpturenpark Waldfrieden Wuppertal, in the<br />Lehmbruck Museum Duisburg, and at the University of Bayreuth.<br />In 2007 Wilhelm Mundt received the Jack Goldhill Award for Sculpture from the Royal<br />Academy London for his work. Since 2009 Wilhelm Mundt has been professor of sculpture<br />at the Dresden Academy of Fine Arts.</p> Sat, 15 Dec 2012 23:17:37 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list