ArtSlant - Closing soon http://www.artslant.com/ber/Events/show en-us 40 Michael Sailstorfer - Berlinische Galerie - April 26th, 2012 - October 8th, 2012 <p>Michael Sailstorfer (*1979 Velden/Vils), is the prize-winner of “Vattenfall Contemporary 2012”. This choice pays tribute to an artistic position that re-questions and extends the classical concept of sculpture. In his often lavishly produced works he creates new, unfamiliar relations between everyday objects and processes, so generating images with great poetic effect.<br /><br />The central motif of his first major solo exhibition in Berlin is the forest. Five trees in the installation Forst, hanging upside down and revolving around their own axes, take up the whole of the 10-metre high exhibition space. While Sailstorfer brings nature into the exhibition space here, with his second work Schwarzwald (Black Forest) he takes art into nature: he produced a square field in an area of forest using black paint, which is reminiscent of Kazimir Malevich’s Black Square dating from 1914/15. Its slow disintegration, triggered by natural processes, is watched over by a video camera and transmitted via live stream to a screen in the exhibition space.<br /><br />Sailstorfer studied under Olaf Metzel at the Academy of Fine Arts in Munich and at Goldsmiths College in London. To date, it has been possible to see solo exhibitions of his work in the Schirn Kunsthalle Frankfurt a. M. (2008), the Kestner Society Hanover (2010/11), the S.M.A.K. in Genth (2011), and Kunsthalle Nuremberg (2011).<br /><br />The prize "Vattenfall Contemporary" is a re-conception of the “Vattenfall Kunstpreis Energie”, which has been awarded annually since 1992, experiencing its 20th anniversary this year. The prize was re-conceived in collaboration with the Berlinische Galerie in 2010. Since then it has been presented to internationally acclaimed artists living and working in Berlin.</p> Fri, 20 Apr 2012 01:18:14 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list - FREIES MUSEUM BERLIN - September 14th, 2012 - October 11th, 2012 <p style="text-align: justify;">In der Ausstellung 100.000 verbindet Benten Clay verschiedene Arbeiten, die zu dem Themenkomplex <em>Nuclear Waste </em>entstanden sind. Dieser ist als Teil des Langzeitprojekts <em>Age of an End</em>, in dem Benten Clay Erscheinungen der Jetzt-Zeit, wie die Limitation natürlicher Ressourcen, unkontrollierbare Faktoren des menschlichen Strebens und Ausformungen des Umbruchs untersucht.</p> <p style="text-align: justify;">Bei der Einlagerung von Atommüll öffnet sich ein Zeitraum von 100.000 Jahren – so lange strahlen die verbrauchten Uranbrennstäbe mindestens weiter. Onkalo – das weltweit erste Endlager für hochradioaktiven Müll, das derzeit in Olkiluoto, Finnland gebaut wird, ist der inhaltliche Kern, den die Ausstellung 100.000 umspannt.</p> <p style="text-align: justify;">Signifikant für diese installative Präsentation ist die dichte Verflechtung unterschiedlicher fotografischer und filmischer Herangehensweisen. Dokumentarische Fotografien widmen sich dem Areal der Halbinsel Olkiluoto: Temporäre Wohncontainer, Blicke auf eine Landschaft, unter dessen Oberfläche zukünftig der Atommüll lagert, beleuchtetes Moos als Bioindikator. Dazu wird eine Sequenz inszenierter, großformatiger Portraits einer offiziellen Persönlichkeit gezeigt,  die eine tiefgreifende Entscheidung der Öffentlichkeit überbringen muss. Von allen Seiten zeigen Hände seltsame, sich überlagernde Gesten zwischen Bestätigung und Trost.</p> <p style="text-align: justify;">Divergierend zur Konzentration dieser Fotografien flackern schnell aneinander geschnittene Videosequenzen wie ein unterschwelliger Kommentar: gebaute Welten aus dem Computerspiel Minecraft, Autofahrten durch unbekanntes Terrain, Ausschnitte eines Informationsvideos der Onkalo-Betreiberfirma Posiva.</p> <p style="text-align: justify;">Dieser Mix leitet über in den Bereich <em>Research &amp; Development</em>, BENTEN CLAYs Forschungsabteilung, in der Konstruktionsparamenter des Endlagers und des umliegenden Ökosystems untersucht werden. Die  Ergebnisse in Form von fotografischen Tableaus, Videos und Grafiken brechen ironisch die Auszüge der offiziellen wissenschaftlichen Studien. Sie erwecken Fragen nach der Möglichkeit einer Kontrolle der Ewigkeit und integrieren sich in das visuelle Gefüge von Unwahrscheinlichkeiten.</p> Mon, 01 Oct 2012 03:22:53 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Anna Roger, Tuva Gonsholt, Ina Kristine Hove, Kjersti Johannessen, Lene Lunde, Louise Olsson - Berlin Glas e.V. - October 4th, 2012 - October 12th, 2012 <p>Berlin Glas eV is happy to have the Dynamo collective as the next resident artists in the studio, where they will present their exhibition <em>I Spy With My Little Eye</em>.  The theme of their newest body of work is centred on the desire for fame and recognition, and the result of being under surveillance that follows. To see and be seen - how is one affected by being observed? How they eventually perceive the world will create certain behaviours. They seek some attention, while rejecting it at the same time.    <br />                                   <br /> "In a room filled with eyes, camera and mirrors we would like to create a situation where the audience is watched while they are watching.  Every glass ball is decorated to represent various types of gazes, perspectives and views. <em>We want our exhibitions to be open, inspiring and challenging in a positive way.  Our idea is that each new show will have a connection with the last one and </em>we want the audience to participate. The idea to this exhibition came from comments the audience at the <em>Carry On 0:3</em> exhibition at Gallery Format in Oslo, Norway 2010. Here in Berlin there will be some of “free” glass balls for the gallery guests to decorate themselves and then hang on the wall so the exhibition will continue to grow."<br />  <br /> DYNAMO was founded in 2008 and comprised of six artists from Norway and Sweden - Anna Roger, Tuva Gonsholt, Ina Kristine Hove, Kjersti Johannessen, Lene Lunde and Louise Olsson. <em>"By forming the collective we have created an inspiring and creative community - a forum in which to share ideas and challenge each other to create new works of art, as well as to evolve as artists.</em>"</p> Thu, 20 Sep 2012 23:21:56 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Klaus Weber - Deutscher Künstlerbund, Projektraum - August 31st, 2012 - October 12th, 2012 <p>From 31 August to 12 October 2012, the Deutscher Künstlerbund (Association of German Artists) will present works by Klaus Weber, winner 2012 of the »HAP-Grieshaber-Preis der VG Bild-Kunst« awarded by Stiftung Kunstfonds.</p> <p>Klaus Weber (born 1967) operates across genres, with an oeuvre including large-scale sculptural pieces, sound installations and performances, as well as paintings and works in public spaces. In spite of their formal rigor, the main element of his technically complex and elaborate installations, some of which extend beyond the exhibition space, is usually borrowed from nature: animals, plants or meteorological forces like rain, wind and sunshine. Weber uses the unpredictable but constructive energy of nature as the driving force and motor of his installations, and the randomness inherent in such energy sources is part of his concept. Rejecting the supposed dichotomy between nature and culture, he uses his laboratory-like set-ups to synthesize the two in new ways.</p> <p>At the Deutscher Künstlerbund Project Space, Weber is showing new works under a title borrowed from equivalence theory, »alle Körper fallen gleich schnell« (All Bodies Fall Equally Fast). A vitrine contains various objects: a section from an anatomical model from which the organs have been removed, causing it to resemble a mask; the negative form of a death mask, a cast taken from it, and a grasshopper with antennae made of human hair – objects that symbolize the transience of all earthly things. With this work, Weber refers to the traditional vanitas theme that has been occurring in art since ancient times. In Broken Window (working title), cracks form a dynamic system of fractures from the centre to the edge of a pane of tinted security glass, contrasting with its supposedly protective function. Using the example of a single broken pane of glass in an abandoned house, the »broken windows theory« formulated by American sociologists describes the chain reaction that can lead to the decline of an entire neighbourhood due to a fundamental human tendency towards the negative. Weber’s works also refer strongly to the Christian faith: while vanitas motifs are intended as an appeal to devote oneself to God and spiritual matters, the structure of the broken security glass recalls church windows – fear and the need for security drives people into religion.</p> <p>Klaus Weber, who studied in the free class at Berlin’s Hochschule der Künste, was the 14th winner of the HAP Grieshaber Prize. In February 2012, the jury of the Stiftung Kunstfonds awarded the artist Klaus Weber with the »HAP-Grieshaber-Preis der VG Bild-Kunst«, which is endowed with €25,000, for outstanding artistic achievement. His works have featured in many exhibitions in Europe and America, and are present in many major collections.</p> <p>The prize money for the »HAP-Grieshaber-Preis der VG Bild-Kunst« is made available by the VG Bild-Kunst from funds drawn from designated deductions from the distribution schemes for copyright fees paid to the VG Bild-Kunst.</p> Wed, 08 Aug 2012 00:20:34 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list George Legrady - Nature Morte Berlin - September 8th, 2012 - October 12th, 2012 <p class="p1" style="text-align: justify;">George Legrady<i>- Refraction</i></p> <p class="p1" style="text-align: justify;"><i></i>Opening: September 7th, 6-9 pm</p> <p class="p1" style="text-align: justify;">Exhibition: September 8th - October 13th, 2012</p> <p class="p1" style="text-align: justify;"></p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Nature Morte Berlin is pleased to announce George Legrady’s first solo exhibition at the gallery.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">A leading figure in the realm of media art, George Legrady has created some of the most</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">fascinating multimedia installations, data visualization projects and photography of the past twenty</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">years. In his ongoing research into the semiotics of photography, socio-cultural narrative,</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">interactivity and computational technologies, Legrady pushes and manipulates cutting edge</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">technology to produce astonishingly subtle results that question our relationship with technology.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">At Nature Morte Berlin the artist will present a new body of work, consisting of 8 lenticular</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">photographic panels, a computer animation and a multimedia installation.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">The work <i>Refraction </i>consists of 8 composite photographs, printed with the lenticular process which</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">superimposes three images each becoming visible based on the spectator’s angle of view. Legrady</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">rediscovered a series of documentary photographs he took in 1973 of the annual Hungarian gala</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">ball in Montreal and was fascinated by their cinematic and seemingly staged quality. Legrady, who</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">is more known for his use of cutting edge technology, appropriated the lenticular process (a retro</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">printing method used in popular culture as early as 1940) to forge a dialogue between photography</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">and cinema. By physically involving the audience as their movement determines the transition of</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">the images, Legrady allows the spectator to be complicit in the timing and meaning of the work.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Continuing his exploration of perceptional transitions, <i>Slice, a </i>software-generated animation</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">investigates the fine line between recognition and abstraction by slicing an image into smaller and</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">smaller sections until the legible image turns into an illegible abstraction. Once reduced to this</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">state, the image sequencely rebuilds itself but into another image.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">The exhibition also includes a 4 channel audio-visual composition <i>Voice of Sisyphus. </i>This work is</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">comprised of a black and white projected photograph from the Hungarian Ball, which is analyzed</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">by software, and sonified and spatialized through a four-channel audio system. Using a highly</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">complex synthesis technique, the composition unfolds as several regions within the image are</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">filtered, subdivided, and repositioned over time.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">George Legrady was born in 1950 in Budapest and raised in Montreal. He received his MFA from</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">the San Francisco Art Institute and has been a professor of interactive media arts at the University</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">of California at Santa Barbara since 2001. His work has been exhibited at a number of prestigious</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">institutions including the Whitney Museum of American Art in New York, the Centre Pompidou in</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Paris, Zentrum fur Kunst und Medientechnologie (ZKM) in Karlsruhe, and the SOMArts Center in</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">San Francisco. The works in <i>Refraction </i>were first exhibited at Edward Cella Art + Architecture in</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Los Angeles in 2011.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;"></p> <p class="p2" style="text-align: justify;">---</p> <p class="p2" style="text-align: justify;"></p> <p class="p1" style="text-align: justify;">George Legrady <i>- Refraction</i></p> <p class="p1" style="text-align: justify;">Vernissage am 7. September, von 18 bis 21 Uhr</p> <p class="p1" style="text-align: justify;">Die Ausstellung läuft bis zum 13. Oktober 2012</p> <p class="p1" style="text-align: justify;"></p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Nature Morte Berlin freut sich George Legradys erste Einzelausstellung in der Galerie</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">anzukündigen. George Legrady ist einer der führenden Künstler im Bereich der Medienkunst und</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">hat einige der faszinierendsten Multimediainstallationen, Datenvisualisierungsprojekte und</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Fotografien der letzten zwanzig Jahre kreiert. In seiner kontinuierlichen Erforschung fotografischer</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Semiotik, soziokultureller Narrativen, Interaktivität und Computertechnologien manipuliert Legrady</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">modernste Technologie, bringt sie an ihre Grenzen und erzielt dadurch erstaunlich subtile</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Resultate, die unser Verhältnis zur Technologie hinterfragen.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">In der Ausstellung <i>Refraction </i>präsentiert der Künstler eine neue Werkgruppe, die aus acht, mit der</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Linsenrastertechnik hergestellten Fotopanelen, einer Computeranimation und einer</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Multimediainstallation besteht.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Die Arbeit <i>Refraction </i>besteht aus acht zusammengesetzten Fotografien, die mit dem</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Linsenrastersystem hergestellt sind. Bei dieser Retrodruckmethode, die schon seit 1940 in der</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Popkultur Verwendung findet, werden drei Bilder so übereinander projiziert, dass die Sichtbarkeit</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">eines Bildes jeweils vom Blickwinkel des Betrachters abhängt. Legrady entdeckte eine Reihe</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">dokumentarischer Fotografien wieder, die er 1973 vom alljährlichen ungarischen Galaball in</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Montreal gemacht hatte, und war fasziniert von ihrer filmischen, scheinbar inszenierten Qualität.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Legrady, der bekannter ist für seine Verwendung modernster Technologie, machte sich das</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Linsenrastersystem zu eigen um die Fotografie in einen Dialog mit dem Kino zu setzen. Durch die</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">körperliche Einbindung des Publikums, dessen Bewegungen die Überblendung der Bilder</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">bestimmen, ermöglicht Legrady dem Zuschauer am Ablauf und dadurch auch an der Bedeutung</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">der Arbeit teilzuhaben.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;"><i>Slice</i>, eine softwaregenerierte Animation, führt seine Erkundung von WahrnehmungsübergaÅNngen</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">fort und erforscht den schmalen Grat zwischen Erkenntnis und Abstraktion. Dabei wird ein Bild in</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">immer kleinere Teile zerschnitten bis sich das verständliche Bild in eine unverständliche Abstraktion</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">verwandelt hat. Einmal in diesen Zustand reduziert, baut sich das Bild sequenziell wieder auf,</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">allerdings in ein anderes Bild.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Die Ausstellung enthält auch eine vierkanalige audiovisuelle Komposition, mit dem Titel <i>Voice of</i></p> <p class="p2" style="text-align: justify;"><i>Sisyphus</i>. Die Arbeit besteht aus einer schwarzweiß projizierten Fotografie des ungarischen Balls,</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">welche von Software analysiert und durch ein vierkanaliges Audiosystem vertont und verräumlicht</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">wird. Durch die Anwendung einer hochkomplizierten Synthetisierungstechnik entfaltet sich die</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Komposition indem mehrere Regionen innerhalb des Bildes nach und nach gefiltert, unterteilt, und</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">neu positioniert werden.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">George Legrady wurde 1950 in Budapest geboren und wuchs in Montreal auf. Er erhielt einen</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">MFA vom San Francisco Art Institute und ist seit 2001 Professor für Interaktive Medienkunst an der</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Universität von Kalifornien, Santa Barbara. Seine Arbeiten wurden in einer Vielzahl renommierter</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Institutionen ausgestellt, unter anderem im Whitney Museum of American Art in New York, dem</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Centre Pompidou in Paris, dem Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM) in Karlsruhe und</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">im SOMArts Center in San Francisco. Die Arbeiten in <i>Refraction </i>wurden zuerst 2011 bei Edward</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Cella Art + Architecture in Los Angeles gezeigt.</p> Wed, 03 Oct 2012 01:11:56 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Hinrich Weidemann - Campagne Première Berlin - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 <p>In the context of the 12th international literature festival Berlin.</p> Mon, 01 Oct 2012 10:00:38 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Maki Na Kamura - DITTRICH & SCHLECHTRIEM - September 4th, 2012 - October 13th, 2012 <p>DITTRICH &amp; SCHLECHTRIEM is pleased to present a solo exhibition by Japanese-born, Berlin based artist Maki Na Kamura. Titled, <em>Geomotrie in LD.</em>, the exhibition features a series of 22 paintings, all 60 x 45 cm, in which the artist explores the weighted color red and the balance of structuring geometrical forms in delicately rendered natural landscapes. Profoundly aware of the formal dissimilarities between Eastern and Western artistic traditions, Na Kamura’s <em>Geometrie in LD.</em> paintings are entrenched in art historical discourse.<br /> <br /> Magdalena Kröner and Noemi Smolik have contributed essays for the exhibition catalog which includes reproductions of all artworks in the show and is available at the gallery. Magdalena Kröner says of the <em>Geomotrie in LD.</em> “the red river, it seems, is to the Maki Na Kamura of “GiL” what the “Red Fuji” was to Katsushika Hokusai, who painted it in forever new variations. Yet color presents the artist with a formal challenge rather than one on the level of representational content: everything that happens in these depictions takes place exclusively in the depths of the red. The bridge across the river with a few figures on it merely constitutes the classical frame for an expressive quest for form, movement, and gesture Na Kamura wrests from the dominance of the monochrome; they transpire afresh, are formulated afresh in each picture.”<br /> <br /> Noemi Smolik offers “capturing the world in geometric shapes has always been a way of trying to gain control of a sprawling and stubbornly amorphous nature, whose most persuasive expression is the natural landscape… Na Kamura’s pictures examine this tension. … The trees blend in with the nature that surrounds them, sometimes to the point of dissolving into it; the beams bisect the picture, cutting breaches into nature, which is always a violent act. They establish order. This contrast imbues Na Kamura’s pictures with an energized rhythm, as though the artist has taken the ideas of the Chinese theorist Chuang Yue (1750–1841) to heart, who demanded that any landscape painting possess twenty-four features, the most important of which was a “rhythm of inner energy.””<br /> <br /> This is Maki Na Kamura’s 5<sup>th</sup> solo show in Berlin. Na Kamura has participated in numerous international museum and gallery exhibitions, including a recent solo institutional exhibition at the Kasuya Museum in Yokosuka, Japan. </p> Fri, 07 Sep 2012 01:48:52 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Group Show - Galerie Deschler - September 7th, 2012 - October 13th, 2012 <p><img src="http://dbprng00ikc2j.cloudfront.net/userimages/26821/15e3/20120829005027-00220120829.jpg" /></p> Wed, 29 Aug 2012 00:53:47 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Uschi Krempel - Galerie en passant - September 22nd, 2012 - October 13th, 2012 <p>In der Ausstellung <i>sequenzen</i> in der Galerie en passant zeigt Uschi Krempel Radierungen und Siebdrucke.<br /> Die experimentelle Druckgrafik, wie die Künstlerin Uschi Krempel sie betreibt, fokussiert nicht die perfekte hohe Auflage. Vielmehr entstehen im Prozess der künstlerischen Auseinandersetzung Sequenzen von Unikaten.<br /> Schablonenhafte farbige Flächen werden kombiniert mit gezeichneten Linien und Strukturen, die durch verschiedene Techniken entstehen. Es entwickeln sich Variationen in Farbe und Komposition. Dabei treten abwechselnd Schichten in den Vordergrund während andere nur noch als Spur nachklingen.<br /> <br /> Es werden Serien von Monotypien gezeigt, in denen durch subtile Veränderung der Motive der Eindruck von aneinander gereihten Augenblicken entsteht, wie man sie beim Betrachten von Landschaften oder Bewegungen erlebt.<br /> <br /> „Jeder Strich ist ein Puls, ein Atmen ins Unendliche oder er mündet in eine Form“ <br /> <i> Leiko Ikemura</i></p> Wed, 05 Sep 2012 00:39:03 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Carol Rama - Galerie Isabella Bortolozzi - September 11th, 2012 - October 13th, 2012 Wed, 05 Sep 2012 01:55:11 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Sonny Sanjay Vadgama - Galerie Kornfeld (Galerie) - September 14th, 2012 - October 13th, 2012 <p>Bevor der britische Videokünstler Sonny Sanjay Vadgama am Central St. Martins College in London studierte, arbeitete er als Produktionsassistent für die BBC und andere Arbeitgeber im Bereich Post Production. Dort lernte er den Umgang mit einer Vielzahl digitaler Werkzeuge, die er nun für seine Kunst zu nutzen weiß.</p> <p>Seine formal und ästhetisch beeindruckenden Videos, Fotografien und Installationen erzählen von seinen politischen und kulturellen Interessen und basieren häufig auf gefundenem, digital manipulierten Material.</p> <p>2010 war er neben Künstlern wie Mona Hatoum oder Tim Noble und Sue Webster mit einem Werk auf der Ausstellung »Psychoanalysis: The Unconscious In Everyday Life« im Londoner Science Museum vertreten.</p> Wed, 29 Aug 2012 00:59:14 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Mona Hatoum - Galerie Max Hetzler (Oudenarder Straße) - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 <p>Wir freuen uns, Sie auf unsere Ausstellung mit Arbeiten von Mona Hatoum aufmerksam zu machen. Mit 'Shift' zeigt die Künstlerin neben einer neuen, großformatigen Skulptur aus Murmeln und zwei Arbeiten, die in diesem Jahr während eines Arbeitsaufenthalts in Istanbul entstanden sind (Kapan iki und Shift), weitere Werke neueren Datums. Alle Arbeiten tragen unverwechselbar die Handschrift der Künstlerin, deutlich erkennbar an der formalen Gegenüberstellung einander kontrastierender Formen und Materialien, sowie an Hatoums stets wiederkehrender inhaltlicher Auseinandersetzung mit Hierarchien und Machtverhältnissen, Heimat und daraus resultierenden Konflikten.<br /><br />«Ihre Installationen, Objekte und Performances prägen sich im Bewusstsein des Betrachters durch ihre ausgefallene, übertrieben bescheidene Erfindungsgabe ein. Eine Herausforderung, die durch die Verwendung vollkommen alltäglicher, herkömmlicher und unspektakulärer Materialien (Haar, Stahl, Seife, Murmeln, Gummi, Draht, Schnur etc.), mit denen sie so virtuos umzugehen versteht, untergraben und nahezu ad absurdum geführt wird.» (Edward W. Said)<br /><br />Seit mittlerweile gut drei Jahrzehnten hinterfragt Mona Hatoum auf metaphorische Weise politische Zusammenhänge, häufig in Verbindung mit Raster- und Gitterstrukturen wie sie auch im Minimalismus zu finden sind. Kapan iki (2012) besteht aus einem Ensemble lebensgroßer Käfige aus sogenanntem Stabstahl, der gewöhnlich bei der Herstellung von Stahlbeton verwendet wird. In jedem dieser Käfige befindet sich ein undefinierbares, rotes Glasgebilde, dessen organische Erscheinung sich in starkem Gegensatz zu dem starren Gitter seiner Umfriedung befindet. Diese Glasobjekte scheinen ihren Käfigen förmlich entkommen zu wollen und evozieren durch ihre augenscheinliche Lebendigkeit klaustrophobische Gefühle. Man wähnt sich buchstäblich in der Falle sitzend ('Kapan' bedeutet auf Türkisch 'Falle').<br /><br />Eine andere Installation, Bunker (2011), bezeichnet eine Reihe von Gebäuden aus rechteckigem Stahl, wie in der Architektur der Neuen Sachlichkeit baukastenartig zusammengesetzt. Verfärbung und Abschliff haben den tunnelartigen, aufeinander geschichteten Stahl durchlöchert. Die Skulpturen wirken vernarbt, als ob sie regelrecht einen Krieg durchlebt hätten. Obgleich ihre ursprüngliche Form allgemeingültiger Natur ist, bezieht sich die Architektur einiger 'Gebäude' aus dieser Serie auf Bauten aus Hatoums Heimatstadt Beirut. Die Miniatur-Modelle lassen an ein zukünftiges Bauvorhaben denken, in dem der Untergang schon im Vorhinein Spuren hinterlassen hat.<br /><br />Für Turbulence (2012) wurden Tausende von glänzenden, durchscheinenden Glasmurmeln unterschiedlicher Größe auf dem Boden zu einem Quadrat arrangiert. Durch die Größenunterschiede der handgefertigten Kugeln entstehen naturgemäß Muster, die an Wolken, Länder oder Kontinente erinnern. Die höchst unregelmäßige Fläche wirkt stürmisch und bewegt, und bleibt doch in den Grenzen eines formal abstrakten Quadrats bestehen.<br /><br />Bei Shift (2012) handelt es sich um einen Wollteppich mit dem Bild einer Weltkarte, die von gelben, konzentrischen Kreisen überzogen ist. Die an Radarwellen erinnernden Ringe suggerieren, dass die gesamte Welt eine potenzielle Gefahrenzone darstellt. Der Eindruck einer nicht intakten Topographie wird durch das in Teile zerschnittene und offenkundig falsch zusammengesetzte Bild verstärkt.<br /><br />Worry Beads (2009) ist ein überdimensionaler und in Bronze gegossener Rosenkranz, wie er normalerweise zum Gebet oder bei der Meditation verwendet wird. Durch die extreme Vergrößerung wirken die Perlen des Kranzes hier jedoch wie Kanonenkugeln. Die ursprünglich friedvolle Metapher wird durch ein kriegerisches Bild ersetzt. <br /><br />Impenetrable (s version) (2010) ist eine Installation aus Stacheldraht, der in einzelnen Drähten so an der Decke befestigt ist, dass ein ca. 10 cm über dem Boden schwebender Kubus entsteht. Während sich der Titel auf die Arbeit Penetrables von Jesús Rafael Soto bezieht, ist Hatoums undurchdringlicher Wald aus gefährlich spitzem Metalldraht stark mit Assoziationen behaftet, in visueller Hinsicht hingegen wirkt das Werk filigran und flüchtig.<br /><br />Over my Dead Body (1988-2002) besteht aus einer großen Reklamefläche aus PVC, auf dem das Profil der Künstlerin als schwarz-weisse Großaufnahme abgebildet ist. Auf ihrer Nase steht ein Spielzeugsoldat, bereit, ihr zwischen die Augen zu schießen. Die Arbeit vermittelt ein sarkastisches und zugleich widersprüchliches Bild, bei dem die gängige Vorstellung vom aggressiv männlichen Blick durchleuchtet, und schließlich, mit den Mitteln von Plakatwerbung erzählt, umgekehrt wird.<br /><br />Für Hair, there and everywhere (2004), eine Serie von Radierungen, hat Hatoum ganz einfach Menschenhaar zu ihrem Arbeitsmaterial gemacht, um - direkt auf die Druckplatte gelegt - wunderschöne und von Hand gearbeitete Strukturen zu schaffen, die trotz scheinbar unvorhersehbarer Faktoren im Arbeitsprozess, doch durch und durch gesteuert sind.<br /><br />Zur Ausstellung erscheint ein illustrierter Katalog mit einem Text von Patricia Falguières. Dies ist Mona Hatoums dritte Einzelausstellung in der Galerie Max Hetzler.<br /><br />Mona Hatoum, 1952 in einer palästinensischen Familie in Beirut geboren, lebt und arbeitet seit 1975 in London. Seit der Auszeichnung mit dem DAAD-Stipendium (Berliner Künstlerprogramm) 2003/04 lebt sie auch in Berlin. 2004 wurde Hatoum mit dem Sonning-Preis der Universität Kopenhagen, dem Roswitha Haftmann-Preis (Zürich), 2010 mit dem Käthe-Kollwitz-Preis (Akademie der Künste Berlin) und 2011 mit dem Joan Miró Preis (Barcelona) ausgezeichnet.<br /><br />Ihre Arbeiten wurden weltweit gezeigt. Hatoum hatte Einzelausstellungen in Museen und Institutionen wie Fundació Joan Miró, Barcelona und Arter, Space for Art, Istanbul (beide 2012); Sammlung Goetz, München (2011); Whitechapel Art Gallery, London; Beirut Art Center, Beirut; Akademie der Künste, Berlin (alle 2010); Fondazione Querini Stampalia, Venedig (2009); Daadgalerie, Berlin; Darat al Funun, Amman (beide 2008); Sydney Museum of Contemporary Art (2005); Hamburger Kunsthalle; Kunstmuseum Bonn; Magasin 3, Stockholm (alle 2004); Tate Modern, London (2000); Museum of Contemporary Art (MCA), Chicago; The New Museum of Contemporary Art, New York (beide 1997); The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia; De Appel Foundation, Amsterdam (beide 1996) und Centre Georges Pompidou, Paris (1994). <br /><br />Mona Hatoum hat an der Istanbul Bienniale (1995 and 2011), der Biennale in Venedig (1995, 2005), Documenta XI (2002), der 3. Auckland Trienniale (2007) und der 15. Sidney Biennale (2006) teilgenommen. <br /><br />Eine Teilnahme an der Liverpool Bienniale im September 2012 steht bevor.</p> Mon, 08 Oct 2012 14:10:34 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Cone, DXTR, Frau Isa, Herr von Bias, Low Bros, Nychos, Look & Vidam, Rookie - Galerie Neurotitan - September 21st, 2012 - October 13th, 2012 <p align="left">THE WEIRD ist ein Zusammenschluss von 10 jungen, international aufstrebenden Künstlern und Illustratoren, aus Deutschland und Österreich. Die Gruppe wurde nach zahlreichen gemeinsamen Ausstellungen und Wandmalereien 2011 gegründet und versucht in den Bereichen Malerei, Comic, Installation, Muralism, Urban Art, Character Design und Illustration neue Wege zu finden und Maßstäbe zu setzen.</p> <p align="left">Hauptaugenmerk gilt dabei großflächigen Wandmalereien und spontanen Kollaborationen der Künstler. Auch wenn der Graffitieinfluss der Künstler hier spürbar ist, fühlt sich die Gruppe im Popsurrealismus verortet. Die Bildinhalte und Themen, des Kollektivs sind figurativ, auf den ersten Blick oft verspielt und verträumt, gleichzeitig aber auch ironisch und provokativ. Deutlich sind surrealistische Einflüsse gepaart mit einer Ästhetik des bizarr-komischen. Dies charakterisiert auch der Name: The Weird meint die Verrücktheit, das leicht wahnsinnige in den Figuren die die Gruppe auf den Wänden ins Leben ruft.</p> <p align="left">Die gemeinsame Gruppenausstellung im Neurotitan ist die erste große Soloshow von THE WEIRD seit ihrer Gründung.</p> <p class="Subtitle2"><strong>Rookie / Robert Matzke (Münster)</strong></p> <p>Humorvoll, sarkastisch, oft auch spöttisch reflektieren die Arbeiten von Robert Matzke banale Alltagssituationen und eigene Erlebnisse. Sie stellen sich verschlüsselt, metaphorisch, oder als simpler Witz dar – skurril oder sogar grotesk erscheinen sie dabei fast immer. Wer genau hinschaut, erahnt vage den Graffiti-Hintergrund des Künstlers, der sich heute jedoch eher der Lowbrow Art und dem Popsurrealismus zugehörig fühlt. Stilistisch häufig schroff anmutend, fließen in Robert Matzkes Werken die Techniken und Materialien ineinander und vermitteln stellenweise einen unfertigen, rohen Eindruck.</p> <p class="Subtitle2"><strong>Low Bros (Hamburg)</strong></p> <p>Das Urban Art Team Low Bros besteht aus den zwei Brüdern Qbrk und Nerd und stammt aus Hamburg. Künstlerisch betätigen sich Qbrk und Nerd schon immer: Als Kinder entwickelten die Brüder eigene kleine Geschichten und schufen Phantasiewelten. Deren Einflüsse, die kindlich erinnerten Elemente des Stadt- und Landlebens, die Comics und die Videospiele sind bis in die aktuellen Arbeiten der Low Bros spürbar. Mysteriöse Charaktere wie die „Teen Wolves“ befinden sich in guter Gesellschaft mit coolen Füchsen und zahlreichen halbgeheimen Symbolen, die den Brüdern im Nachhinein manchmal selbst Rätsel aufgeben. Eine unmissverständliche Botschaft wird nicht geliefert, stattdessen möglichst viel Raum für eigene Interpretationen gelassen. Dennoch gehören all diese eigenwilligen Figuren einem gemeinsamen Universum an – eine innere Verknüpfung, die sich auch im Außen widerspiegelt.</p> <p class="Subtitle2"><strong>DXTR (Düsseldorf)</strong></p> <p>DXTRs Stil entspringt dem Graffiti, auch wenn dieses Label heute nicht mehr passen dürfte. Seine Themen und Bildinhalte sind figurativ, sie wirken verträumt und verspielt und enthalten mystische, ironische und provokative Elemente. Aus einfachen und klassischen Formen, aus Elementen der Typographie, Comics und Wimmelbildern entsteht ein Stil, den DXTR selbst als „Dead Disney“ beschreibt. Seine Szenarien werden unter anderem von Robert Crumb, Ren and Stimpy, Fritz the Cat und dem Hip Hop der 80er und 90er Jahre künstlerisch befruchtet. DXTRs gestalterisches Hauptaugenmerk gilt momentan der großflächigen Wandmalerei.</p> <p class="Subtitle2"><strong>Herr von Bias (Berlin)</strong></p> <p>Herr von Bias über Herr von Bias: „Die fleischige, von Knochen durchsetzte Hülle, mit welcher sich Herr von Bias (HRVB) schmückt, wurde Anfang der 80er Jahre zwischen zwei Schenkeln hervorgequetscht. Aufgewachsen in einer Zeit, in der die weiß gestrichenen Fassaden der Westberliner Sozialbau-Grenzghettos den goldenen Westen, Überfluss und Sorglosigkeit verhießen. Dann: Die goldenen Neunziger. Der bis dahin gut gepflegte, fast jungfräuliche, mit kleinen Kieselsteinen verzierte Beton bekam die neue Freiheit zu spüren. Große, bunte Buchstaben breiteten sich an den Fassaden im Viertel aus. Das Interesse war geweckt. Einige Zeit später stand der Selbstversuch an. Bestens ausgerüstet wurden im Schutz der Dunkelheit erste Versuche unternommen. Ernüchterung machte sich breit. Ein Mangel an Talent wurde sich selber attestiert. Fehleranalyse. Erneuter Versuch..."</p> <p>Einen Mangel an Talent kann man Herrn von Bias heute wohl nicht mehr behaupten. Er lebt und arbeitet als Illustrator, Grafiker und Fassadenmaler in Berlin und gehört seit Oktober 2011 zum Künstlerkollektiv „The Weird“.</p> <p class="Subtitle2"><strong>Frau Isa</strong></p> <p>Mysteriöse Wesen sind das, die Frau Isa zum Leben erweckt. Märchenhafte Gestalten, oft niedlich und puppenhaft, scheinbar ganz harmlos. Wer genau hinschaut, der spürt jedoch das Unheimliche, das sie ausstrahlen – einen subtilen Horror, der unter der Oberfläche schwelt und einen dunklen Schatten über die magische Welt der Wiener Künstlerin wirft. In diesem Niemandsland bedrängen perfide Vogelgeister naive junge Damen, werden Augenhöhlen zu bodenlosen Abgründen und ein breites Lächeln zur Bedrohung. Die gedämpfte Farbgebung ihrer Arbeiten unterstützt die nostalgische Atmosphäre, die Frau Isa erschafft. Bei allem Hintergründigen wirken ihre Kompositionen dennoch leicht, oft auch witzig, mit einem spitzbübischen Humor ausgestattet. Sie erinnern uns auf bittersüße Weise an die Flüchtigkeit der Schönheit und an die Vergänglichkeit der eigenen Existenz.</p> <p class="Subtitle2"><strong>Nychos</strong></p> <p>„Die grüne Hölle“ nennt Nychos das Dorf in der Nähe von Graz, in dem er aufwuchs. Als Kind einer österreichischen Jägerfamilie eröffnete sich ihm schon früh ein ganz selbstverständlicher Zugang zu Situationen, die in einem anderen Kontext als grausam oder brutal etikettiert würden. Die Unbarmherzigkeit der Natur und der stets lauernde Tod waren dem kindlichen Nychos vertraute Begleiter. Bald entwickelte er ein tiefes Gespür für die Schönheit in der Hässlichkeit; einen Blick hinter die Dinge, der sich in seinen Arbeiten auch heute ausdrückt. Eine rätselhafte Erkrankung im Alter von 19 brachte ihn schließlich dazu, sich intensiv mit dem eigenen Unterbewusstsein auseinander zu setzen –und Nychos griff zum Stift. Hier liegt auch der Ursprung des weißen Hasen, der nur einen kleinen Teil des künstlerischen Universums ausmacht, aber für die kreative Entwicklung des Österreichers eine große Rolle spielte. Nicht umsonst trägt Nychos‘ Graffiti- und Street Art-Projekt den klangvollen Namen „RABBIT EYE MOVEMENT“.</p> <p class="Subtitle2"><strong>CONE</strong></p> <p>Die unterschiedlichen Möglichkeiten, Figuren zu gestalten, faszinierten den gebürtigen Münchner CONE schon als Kind. Mit den Jahren zog es ihn mehr und mehr zum Character hin – mittlerweile sind seine Arbeiten fast ausschließlich davon beherrscht. Geprägt wurde CONE durch den frühen Zugang zu großen Büchersammlungen: Imposante Bildbände historischer Kulturen mit aufwändigen Illustrationen beeinflussten ihn ebenso wie die Malerei des Surrealismus und das Design von Plattencovern. In den letzten Jahren sind seine Motive komplexer und detaillierter geworden. Ähnlich wie Wimmelbilder bestehen sie aus vielen verschiedenen Figuren, die mit ihrer Umgebung zu einer Einheit verschmelzen. Seit längerem ist der Künstler auf der Suche nach einer alternativen Form zum Comic; einer Form, die mit mehreren Bedeutungsebenen zum genauen Hinsehen auffordert. Oft arbeitet CONE versteckte Botschaften und Elemente in seine Werke ein, die nur durch intensives Suchen auszumachen sind – und die den Betrachter belohnen, wenn er sie entdeckt.</p> <p class="Subtitle2"><strong>Vidam</strong></p> <p>Der in Budapest geborene Vidam (ungarisch für: fröhlich) wuchs in einem beschaulichem Dorf nahe Köln auf. Früh entdeckte er seine Liebe zum Zeichnen und Gezeichnetem. Diese Zuneigung kultivierte er zunächst durch das intensive Studium von Disney-Trickfilmen, später dann mit francobelgischen und Underground-Comics. Der Wunsch, selbst gezeichnete Welten zu erschaffen, verschlug Vidam nach dem Abitur in die Hauptstadt, wo er bis 2010 an der HTW Kommunikationsdesign studierte. Schon während des Studiums gründete er mit zwei Kommilitonen das Kunst- <br /> und Designprojekt Peachbeach, welches sich mittlerweile zu einer Design- und Illustrationsagentur entwickelt hat. Neben der kommerziellen Illustration für internationale Auftraggeber beschäftigt sich Vidam intensiv mit freien Projekten wie dem Malen von Graffiti und der Organisation eigener Ausstellungen weltweit. Seine zweite große Leidenschaft ist die Musik: Er produziert elektronische Tanzmusik und arbeitet unter dem gleichen Pseudonym auch als DJ.</p> <p class="Subtitle2"><strong>LOOK / Lars Wunderlich (Berlin)</strong></p> <p>1996 nahm Lars zum ersten Mal eine Sprühdose aus dem örtlichen Baumarkt zur Hand und sprühte das Wort Look an die Wand. Mehr brauchte es nicht, um in den Bann des Graffiti zu geraten. Aus der intensiven Auseinandersetzung mit Buchstaben wuchs bald der Wunsch nach einem tiefer gehenden Verständnis seines Handwerks. In Greifwald und Berlin studierte er Kunst sowie Kommunikationsdesign und entwickelte seinen Stil weiter. Lars‘ Arbeiten verschmelzen die Manierismen von Comic, Dada, Graffiti und Illustration zu einem neuen Ganzen. Thematisch beschäftigt sich der Künstler mit dem Zusammenspiel von Mensch, Natur und Zeit – und den daraus resultierenden Umständen und Abwegen. Im Jahr 2007 gründete er mit zwei Kommilitonen das Design- und UrbanArt-Kollektiv Peachbeach. Seinen künstlerischen Freiraum bewahrt sich Lars vor allem durch das Malen von Wänden, die er häufig zusammen mit seinen Kollegen von „The Weird“ verwirklicht.</p> Sat, 22 Feb 2014 15:48:28 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Renata Bonfanti, Sofie Dawo, Frauke Eigen, Elisabeth Kadow, Lena Meyer-Bergner, MMF, Verner Panton, Marianne Richter, Angela Mewes - HP Jochum - September 6th, 2012 - October 13th, 2012 Fri, 07 Sep 2012 01:44:59 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Brice Guilbert - Hunchentoot Galerie - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 <div class="row"> <div class="six columns"> <p>The French artist, Brice Guilbert, proposes to organise an exhibition of his recent works split up in three sections. It is all about the shape and space in the surroundings, in the inside of the drawing as well as about the relation between the representation of space in photography. Three different aspects of the work indicate where the artist stands in the process of his creation. A number of drawings depict the walkways, surfaces full of footprints and covered in dust. Making close reference to the oeuvre of Bruce Nauman, "Dance or exercise on the perimeter of a square" this is where the action is, the space framing the drawing, within the surface of expression.</p> </div> <div class="six columns"> <p>These drawings realised on the recovered and framed ground impart an idea of a trajectory and of a path. A charcoal mural drawing complements the series, confirming that an entry is possible, beyond the surface. A video bearing the title "2011 / 2012" shows a series of photographs shot in during this time. In a type of documentary, the pictures recount a relation which the artist develops to himself and to his loved ones. This video acts as an extended view into the innermost.</p> </div> </div> Mon, 10 Sep 2012 02:00:15 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list MARC FROMM - Jarmuschek + Partner - September 8th, 2012 - October 13th, 2012 Wed, 05 Sep 2012 02:19:41 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list