ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/ber/Events/show en-us 40 Victor Man - Galerie Neu (Mehringdamm) - April 27th - June 5th Thu, 28 Apr 2016 18:59:16 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Jim Lambie - Gerhardsen Gerner - April 29th - June 4th <p style="text-align: justify;">Gerhardsen Gerner is pleased to announce the Scottish artist Jim Lambie&rsquo;s second solo show with Gerhardsen Gerner in the Berlin gallery on the occasion of the GALLERY WEEKEND BERLIN 2016. For this event the musicians Parra for Cuva and the duo Trash Lagoon, both based in Berlin, will release a new LP. The record is also an art work by Jim Lambie, who designed the cover.</p> <p style="text-align: justify;">Sourcing his material directly from the modern world, Jim Lambie references popular culture, often drawing his subject matter from music and iconic figures. He makes use of everyday objects and materials &ndash; both as reference points and as original objects, transforming them into new sculptural forms, re-energizing them and giving them with an alternative function. With each element constructed from found objects he creates sculptures that are steeped in the spirit of the UK punk explosion with garish tones, bold display, and references to both bands and songs from an array of movements.</p> <p style="text-align: justify;">Lambie explores the potential of everyday materials and objects sourced from charity shops, like old suitcases, mirrors and popular books, as well as industrially manufactured materials like gaffer tape and potato bags. This use of ordinary objects reflects the DIY nature of the post-punk scene, where zealous participants created a subculture out of materials that were perceived as broken, obsolete, or undesirable. In his sculptures and installations, he embraces each object&rsquo;s right to meaning while also prioritizing the act of looking. His works acknowledge that the viewer comes with an understanding, a pre-existing history with the component materials that adds to their experience of it as an artwork. According to Lambie, the things we recognize&mdash;paint, potato bags, color&mdash; &ldquo;<em>set up a reverberation between them and our possibly unconscious previous visual experience with them. These works don&rsquo;t want to create a new world into which we can escape, they want to bounce the world back to us, encouraging us to look at it again.&rdquo;</em></p> <p style="text-align: justify;">Jim Lambie?s approach to art making is informed by a few fundamental ideas. A rock musician before he became a visual artist, he uses color in a way that is deeply rooted in color theory and specifically relates to the concept of <em>synesthesia</em>, an analogous experience between music and the color spectrum in which the stimulation of one sensory or cognitive pathway leads to automatic, involuntary experiences in a second sensory or cognitive pathway. Colors are harmonies and pattern and repetition form rhythms.</p> <p style="text-align: justify;">Different from his rather esoteric predecessors, Lambie?s choice of color composition is determined by a sense of directness and everyday availability. The modern world seems his source and palette. Which sheds light onto Lambie?s other basic feature, his Glaswegian origin. Lambie is deeply immersed in the history of a place characterized by the tension between industrialization and liberation movements such as William Morris? utopianism and socialism and the Arts and Crafts movement at large. The Glasgow School of Art, designed by Scottish architect and fellow Arts and Crafts member Charles Rennie Mackintosh, and also Lambie?s place of study, is an incarnation of such utopian ideas. Echoing Mackintosh, Lambie?s concern is to build around the needs of people: people seen, not as masses, but as individuals who needed not a machine for living in but a work of art. Lambie shows how we can maintain a sense of self in an over-commodified world of sameness.</p> <p style="text-align: justify;">Jim Lambie (b.1964, Glasgow) is most well known for his mixed-media sculptures and dazzling floor installations using industrial materials, found objects, and other cultural detritus. He represented Scotland&rsquo;s inaugural pavilion at the 2003 Venice Biennale and was nominated for the 2005 Turner Prize.</p> <p style="text-align: justify;">Recent solo exhibitions include <em>Zero Concerto</em>, Roslyn Oxley9 Gallery, Sydney; <em>Sun Rise, Sun Ra, Sun Set</em>, Rat Hole Gallery, Tokyo; <em>Answer Machine</em>, Sadie Coles HQ, London; and The Fruitmarket Gallery, Edinburgh. <br /> Recent group shows include <em>Eyes on the Prize</em>, The Travelling Gallery, Various cities (Turner Prize); <em>Summer Exhibition 2015</em>, The Royal Academy of Arts London; <em>A Secret Affair: Selections from the Fuhrman Family</em>, FLAG Art Foundation, New York; <em>20 Years of Collecting: Between Discovery and Invention</em>, Zabludowicz Collection, London; <em>Color Fields</em>, Bakalar &amp; Paine Galleries, Massachusetts College of Art and Design, Boston; <em>Schlaflos &ndash; Das Bett in Geschichte und Gegenwartskunst</em>, <em>&Ouml;sterreichische Galerie Belvedere</em>, 21er Haus, Vienna; <em>Private Utopia: Contemporary Works from the British Council Collection</em>, Okayama Prefectural Museum of Art, Okayama.</p> <p style="text-align: justify;">Lambie&rsquo;s work is represented in institutional and private collections worldwide, including The Pace Foundation, San Antonio; Museum of Modern Art, New York; Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington; Gallery of Modern Art, Glasgow; Rosa and Carlos de la Cruz, Miami; Rubell Family Collection, Miami; Scottish National Gallery of Art, Edinburgh; and TATE, London.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Gerhardsen Gerner freut sich sehr, in der Berliner Galerie zum GALLERY WEEKEND BERLIN die zweite Einzelausstellung mit dem schottischen K&uuml;nstler Jim Lambie ank&uuml;ndigen zu k&ouml;nnen. Die Berliner Musiker Parra for Cuva und das Duo Trashlagoon werden zu diesem Anlass eine neue Schallplatte ver&ouml;ffentlichen. Die Platte ist ein Kunstwerk von Jim Lambie, der das Plattencover gestaltet hat.</p> <p style="text-align: justify;">Jim Lambie bezieht sich in seiner Arbeitsweise auf die heutige, moderne Welt und setzt allerlei Verweise zur Pop-Kultur, vor allem Musik und Popikonen charakterisieren sein Schaffen. Er verwendet Alltagsobjekte und &ndash;materialien, &uuml;berf&uuml;hrt sie als Skulpturen in den Bereich der Kunst, und verleiht ihnen so eine alternative Funktion. Aus Teilen der vorgefundenen Materialien schafft der K&uuml;nstler, vom Geist der britischen Punktbewegung durchdrungene Skulpturen: grelle Farbschattierungen, gewagte Pr&auml;sentation und eine Bandbreite von Referenzen zu Musikgruppen sowie Songs aus zahlreichen Musikstilen.</p> <p style="text-align: justify;">Alte Koffer, Spiegel oder B&uuml;cher aus der Sparte der Trashliteratur, aber auch industriell gefertigte Materialien wie Duct-tape und Kartoffels&auml;cke: Lambie erkundet das &uuml;berw&auml;ltigende Potential der, gerne in Second-Hand&ndash;L&auml;den gefundenen&nbsp; Alltagsobjekte. Seine Herangehensweise spiegelt die Do-it-Yourself Haltung der post-punk Szene, deren Mitglieder eine Subkultur geschaffen haben, die sich &uuml;ber kaputte, veraltete oder schlichtweg h&auml;ssliche Materialien definieren. So feiert Lambie mit seinen Skulpturen und Installationen das Recht jedes Objektes auf Bedeutung und priorisiert den Vorgang des Sehens. Das Werk des K&uuml;nstlers r&auml;umt den Vorstellungen des Betrachters und der Geschichte der verwendeten Materialien Platz ein und l&auml;sst dies in die Erfahrung des Betrachters mit dem Kunstwerk miteinflie&szlig;en. Lambie findet, dass die Dinge, die wir wahrnehmen &ndash; Farbe, Kartoffels&auml;cke, Farbschattierungen &ndash; &bdquo;<em>zwischen sich und unserer, m&ouml;glicherweise vorausgegangenen, unbewussten visuellen Erfahrung eine Resonanz bilden. Diese Werke wollen keine neue Welt erschaffen, in welche wir uns fl&uuml;chten k&ouml;nnen, sie m&ouml;chten die Welt in unsere Richtung bringen und uns so dazu ermutigen, nochmals hinzuschauen</em>.&ldquo;</p> <p style="text-align: justify;">Jim Lambies Herangehensweise an das Kunstschaffen ist von einigen wenigen, wichtigen Ideen gepr&auml;gt. Lambie war, bevor er bildender K&uuml;nstler wurde, Musiker. Farbe nutzt der K&uuml;nstler gem&auml;&szlig; der Farbtheorie und bezieht sich auf das Konzept der Syn&auml;sthesie, ein analoges Verfahren zwischen Musik und dem Farbspektrum, in welchem die Stimulation einer bestimmten, sensorischen oder kognitiven Bahn zu automatischer, unbewusster Erfahrung auf einer zweiten, sensorischen oder kognitiven Bahn f&uuml;hrt. Farben formen Harmonien und&nbsp; Muster, Wiederholungen werden zu Rhythmen.</p> <p style="text-align: justify;">Im Unterschied zu seinen eher esoterischen Vorg&auml;ngern geht Lambies Wahl der Farbkompositionen von der Unmittelbarkeit und allt&auml;glichen Verf&uuml;gbarkeit aus. Die moderne Welt dient sowohl als Inspirationsquelle als auch Palette. Dieser Punkt f&uuml;hrt hin zu Lambies anderer wichtiger Besonderheit: seine Glasgower Herkunft. Der K&uuml;nstler ist tief verwurzelt in der Geschichte dieses, damals von Industrialisierung und Befreiungsbewegungen wie den Sozialutopien von William Morris oder der gesamten Arts &amp; Crafts Bewegung gespaltenen Ortes. Die Glasgow School of Art, von schottischen Architekten und Arts &amp; Crafts Anh&auml;nger Rennie Mackintosh entworfen und auch Lambies Ausbildungsort, ist eine Brutst&auml;tte solcher utopistischer Ideen. Im Sinne Mackintoshs ist es auch Lambies Anliegen, die Bed&uuml;rfnisse der Menschen in den Mittelpunkt zu r&uuml;cken: die Menschen sollen nicht als Masse, sondern als Individuen gesehen werden, die keine Maschine zum Leben brauchen, sondern ein Kunstwerk. Lambie macht vor wie wir in dieser &uuml;ber-kommerzialisierten Welt des Eint&ouml;nigkeit und des Immergleichen ein Gef&uuml;hl f&uuml;r uns selbst bewahren k&ouml;nnen.</p> <p style="text-align: justify;">Jim Lambie (1964 in Glasgow geboren) ist bekannt geworden mit seinen mixed-media Skulpturen und beeindruckenden Fu&szlig;boden-Installationen, f&uuml;r die er industrielle Materialien, vorgefundene Objekte und anderen kulturell aufgeladenen Detritus nutzt. Im Jahr 2003 war er Vertreter Schottlands auf der Biennale von Venedig und 2005 wurde er f&uuml;r den Turner Preis nominiert.</p> <p style="text-align: justify;">Einzelausstellungen: <em>Zero Concerto</em>, Roslyn Oxley9 Gallery, Sydney; <em>Sun Rise, Sun Ra, Sun Set</em>, Rat Hole Gallery, Tokyo; <em>Answer Machine</em>, Sadie Coles HQ, London; and The Fruitmarket Gallery, Edinburgh.</p> <p style="text-align: justify;">Gruppenausstellungen: <em>Eyes on the Prize</em>, The Travelling Gallery, Various cities (Turner Prize); <em>Summer Exhibition 2015</em>, The Royal Academy of Arts London; <em>A Secret Affair: Selections from the Fuhrman Family</em>, FLAG Art Foundation, New York; <em>20 Years of Collecting: Between Discovery and Invention</em>, Zabludowicz Collection, London; <em>Color Fields</em>, Bakalar &amp; Paine Galleries, Massachusetts College of Art and Design, Boston; <em>Schlaflos &ndash; Das Bett in Geschichte und Gegenwartskunst</em>, <em>&Ouml;sterreichische Galerie Belvedere</em>, 21er Haus, Vienna; <em>Private Utopia: Contemporary Works from the British Council Collection</em>, Okayama Prefectural Museum of Art, Okayama.</p> <p style="text-align: justify;">Lambies Werke sind in zahlreichen institutiuonen und privaten Sammlungen vertreten, darunter The Pace Foundation, San Antonio; Museum of Modern Art, New York; Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington; Gallery of Modern Art, Glasgow; Rosa and Carlos de la Cruz, Miami; Rubell Family Collection, Miami; Scottish National Gallery of Art, Edinburgh; and TATE, London.</p> Thu, 28 Apr 2016 18:53:02 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Minjung Kim - Galerie Volker Diehl - April 29th - June 18th <p>Gallery Weekend 2016 Special Opening Hours:<br /> Friday,&nbsp;Saturday / April 29th, 30th / 11am&ndash;7pm<br /> Sunday / May 1st / 11am&ndash;7pm</p> Thu, 28 Apr 2016 18:50:50 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Ulf Aminde - Galerie Tanja Wagner - April 29th - June 15th Thu, 28 Apr 2016 18:47:14 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Michael Schmidt - Galerie Nordenhake GmbH - Berlin - April 30th - May 28th <p style="text-align: justify;">During Gallery Weekend Berlin Galerie Nordenhake presents its fifth solo exhibition of photographer Michael Schmidt (1945-2014). Schmidt&rsquo;s works are characterised by the persistent quest of finding a new approach to reality by means of photography.</p> <p style="text-align: justify;">Since the mid 1990s his oeuvre includes works that the artist created by using images from his working archive. The process of re-contextualising his individual shots forms an integral part of Schmidt&rsquo;s artistic practice. The interval between the shooting of the pictures and the revision enables a different perspective on the original subject. The artist also aims to reactivate the aesthetic potential of the archived material by employing different artistic criteria and creating new compilations of the works. This editorial process of not merely selecting but also re-arranging the photographs ultimately leads to a novel interpretation.</p> <p style="text-align: justify;">This process is employed in NATUR, a project that Schmidt completed shortly before his death in 2014. The exhibition of the delicate small-scale prints from negatives dating back to 1987-97 is preceded by the creation of a photo book, a practice at the core of Schmidt&rsquo;s work. The choice of the title indicates that the artist goes beyond the mere depiction of a specific landscape and articulates an idea of nature in a distinctive pictorial language. Schmidt&rsquo;s black and white images contain a wealth of silver tones and rich greys imbuing the images with an almost physical sense of gravity or lightness. The selection of the subjects, the employment of focus and blur and above all the implementation of light convey an existential understanding of nature and its significance for us.</p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p class="gray" style="text-align: justify;">Michael Schmidt was born in 1945 in Berlin, where he died in 2014. He is regarded as one of the seminal German post-war photographers. His works can be found in national and international collections and have been presented in numerous solo and group exhibitions. A major retrospective of Michael Schmidt's work curated by Thomas Weski is planned for 2020 and will be shown in one of the museums of the Nationalgalerie Berlin.</p> <p class="gray" style="text-align: justify;">In 1976, Michael Schmidt founded the Werkstatt für Fotografie at VHS Berlin-Kreuzberg, which became a major forum for international discussions on photography in (West) Berlin. In 1987 he exhibited WAFFENRUHE (CEASEFIRE) at Berlinische Galerie. In 1988 the Museum of Modern Art, New York presented the work in the exhibition &bdquo;New Photography 4". In 1996 EIN-HEIT was shown for the first time at MoMA, New York under its English title U-NI-TY. This was the first solo-exhibition of a German photographer at MoMA since decades. In the same year, EIN-HEIT was presented for the first time in Germany at Sprengel Museum Hanover. In 1995 a first survey exhibition of his work was on view at Museum Folkwang Essen, after the museum had shown exhibitions of Schmidt in 1981 and 1988. In 2010 Michael Schmidt presented his comprehensive survey exhibition &ldquo;Grey as Colour. Photographs since 2009&rdquo; at Haus der Kunst, Munich.</p> <p class="gray" style="text-align: justify;">Michael Schmidt participated in the 55th Venice Biennial in 2013, and the Berlin Biennial in 2006 and 2010. LEBENSMITTEL (FOOD) was presented in solo exhibitions at Museum Morsbroich, Leverkusen (2012), Galerie im Taxispalais, Innsbruck (2013) and at Martin-Gropius-Bau, Berlin (2013). In 2014 the artist was awarded with the prestigious Prix Pictet for his work LEBENSMITTEL. The Prix Pictet exhibition "Consumption" was on view at the Victoria and Albert Museum in London and then travelled extensively in both Europe and internationally.</p> <p class="gray" style="text-align: justify;">The Foundation for Photography and Media Art with the Michael Schmidt Archive was founded in 1999, and since the artist&rsquo;s death is organising and preserving the artist&rsquo;s archive.</p> <p class="gray" style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>OPENING: APRIL 29, 6-9 pm </strong></p> <p style="text-align: justify;"><strong>Opening hours during Gallery Weekend: April 30th &amp; May 1st 11-19 h </strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Die Galerie Nordenhake pr&auml;sentiert w&auml;hrend des Gallery Weekends Berlin ihre f&uuml;nfte Einzelausstellung mit Michael Schmidt (1945-2014). Schmidt war als K&uuml;nstler daf&uuml;r bekannt, mit fotografischen Mitteln in verschiedenen Werkgruppen immer wieder einen neuen Zugang zur Wirklichkeit zu schaffen.</p> <p style="text-align: justify;">Seit Mitte der 1990er Jahre stellte er wiederholt Arbeiten aus seinem Archiv zusammen. Der Prozess der Re-Kontextualisierung seiner einzelnen Aufnahmen war ein wesentlicher Bestandteil seiner k&uuml;nstlerischen Praxis. Der zeitliche Abstand zu den Aufnahmen und die sich inzwischen weiterentwickelten k&uuml;nstlerischen Kriterien erlaubten eine ver&auml;nderte Sicht auf das Ausgangsmaterial.</p> <p style="text-align: justify;">Am Ende des Arbeitsprozesses, der nicht nur von der Auswahl der Bilder bestimmt ist, sondern auch von deren Arrangement, steht eine Neuinterpretation der urspr&uuml;nglichen Thematik.</p> <p style="text-align: justify;">Mit NATUR hat der K&uuml;nstler 2014 ein weiteres Projekt mit dieser Methode kurz vor seinem Tod abgeschlossen. Dieser Ausstellung der nuancierten, kleinformatigen Abz&uuml;ge von Negativen aus den Jahren 1987 bis &lsquo;97 geht die Ver&ouml;ffentlichung der Bilder in einem K&uuml;nstlerbuch voraus. Die Zusammenstellung seiner Fotografien in B&uuml;chern war ein zentraler Aspekt von Michael Schmidts Werk.</p> <p style="text-align: justify;">Durch die Titelwahl macht Schmidt deutlich, dass er in den Bildern &uuml;ber die Darstellung einer spezifischen Landschaft hinausgeht und eine Vorstellung von Natur in seiner ganz eigenen Sprache verfasst. Die Schwarzwei&szlig;fotografien zeigen die f&uuml;r Schmidt typische reiche Grauwertskala, welche den Bildern ein fast physisches Gewicht von Schwere oder Leichtigkeit verleiht. Die Auswahl der Motive, der Einsatz von Sch&auml;rfe und Unsch&auml;rfe, vor allem aber die Umsetzung des Lichts formulieren ein existenzielles Verst&auml;ndnis von Natur und ihrer Bedeutung f&uuml;r uns.</p> <p style="text-align: justify;">Michael Schmidt wurde 1945 in Berlin geboren, wo er 2014 starb. Er gilt als einer der bedeutendsten deutschen Nachkriegsfotografen. Seine als Buch-und Ausstellungsprojekte realisierten Werkgruppen wurden in zahlreichen Ausstellungen pr&auml;sentiert und sind in nationalen und internationalen Museumssammlungen vertreten. F&uuml;r das Jahr 2020 ist eine umfangreiche Retrospektive von Michael Schmidts Werk geplant. Sie wird von Thomas Weski kuratiert und in einem der H&auml;user der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin zu sehen sein. </p> <p style="text-align: justify;">Michael Schmidt gr&uuml;ndete 1976 die Werkstatt f&uuml;r Fotografie in der Volkshochschule Kreuzberg, welche zum wichtigen internationalen Forum f&uuml;r die Auseinandersetzung mit Fotografie in (West)Berlin wurde. 1987 pr&auml;sentiert er WAFFENRUHE (CEASEFIRE) in der Berlinischen Galerie, Berlin. 1988 zeigte das Museum of Modern Art in New York die Arbeit in der Ausstellung &bdquo;New Photography 4". 1996 wurde EIN-HEIT unter ihrem englischen Titel U-NI-TY zum ersten Mal im Museum of Modern Art in New York ausgestellt. Es war die erste Einzelausstellung eines deutschen Photographen im MoMA seit Jahrzenten. Im gleichen Jahr wurde EIN-HEIT im Sprengel Museum Hannover erstmalig in Deutschland pr&auml;sentiert. Eine erste &Uuml;berblicksausstellung seines Werks wurde 1995 im Museum Folkwang Essen gezeigt, wo bereits 1981 und 1988 Ausstellungen seiner Arbeiten zu sehen waren. 2010 pr&auml;sentierte Schmidt dann mit &bdquo;Grau als Farbe. Fotografien bis 2009&ldquo; eine umfangreiche &Uuml;berblicksausstellung im Haus der Kunst in M&uuml;nchen. Michael Schmidt nahm 2006 und 2010 an der Berlin Biennale und 2013 an der 55. Venedig Biennale teil. Dort pr&auml;sentierte er LEBENSMITTEL, welche zuvor in Einzelausstellungen im Museum Morsbroich, Leverkusen (2012), in der Galerie im Taxispalais, Innsbruck (2013) und dem Martin-Gropius-Bau, Berlin (2013) zu sehen war. 2014 wurde Michael Schmidt f&uuml;r LEBENSMITTEL mit dem mit dem Prix Pictet ausgezeichnet. Die dazugeh&ouml;rige Ausstellung &bdquo;Consumption&ldquo; war im Victoria and Albert Museum in London zu sehen und wurde in zahlreichen anderen Institutionen international ausgestellt.</p> <p style="text-align: justify;">1999 wurde die Stiftung f&uuml;r Fotografie und Medienkunst mit Archiv Michael Schmidt gegr&uuml;ndet, die seit dem Tod des K&uuml;nstlers sein Archiv aufarbeitet und bewahrt.</p> Thu, 28 Apr 2016 18:28:29 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Ketuta Alexi-Meskhishvili - Galerie Micky Schubert - April 29th - June 25th <p style="text-align: justify;">I too, who was slowly reducing myself to whatever in me was irreducible, I too had thousands of blinking cilia, and with my cilia I move forward, I protozoan, pure protein. Hold my hand, I reached the irreducible with inevitability of a death-knell - I sense that all this is ancient and vast. I sense in the hieroglyph of the slow roach the writing of the Far East. And in this desert of great seductions, the creatures: I and the living roach. Life, my love, is a great seduction in which all that exists seduces. That room that was deserted and for that reason primarily alive. I had reached the nothing, and the nothing was living and moist. Clarice Lispector, The Passion According to G. H.</p> <p style="text-align: justify;">Gallery's opening times during Gallery Weekend: Saturday, April 30th and Sunday, April 31st, 11 a.m. to 7 p.m.</p> Thu, 28 Apr 2016 18:21:12 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Edmund de Waal - Galerie Max Hetzler (Goethestraße) - April 29th - July 16th <p style="text-align: justify;">We are pleased to announce British artist Edmund de Waal's first solo exhibition with Galerie Max Hetzler.The exhibition will be inaugurated during Gallery Weekend 2016 and will be on view across both gallery locations in Berlin.<br /><br />Recognised for his delicate porcelain vessels meticulously arranged in carefully composed groups displayed in vitrines or shelves, Edmund de Waal creates his own dialogue between tradition and modernity, blank spaces and opulence, minimalism and architecture. His unique ceramic objects, coloured in subtle nuances and irregularly shaped, form the base of his installations and combine ideas of repetition, rhythm and composition with references to literature and music.<br /><br />De Waal first came to know the city of Berlin through the writings of Walter Benjamin, particularly his autobiographical fragments in <em>A Berlin Childhood around 1900</em>. The exhibition title, <em>Irrkunst</em>, has been taken from Benjamin&rsquo;s concept of the art of getting lost, the art of noticing what has been disregarded.<br /><br />In the Bleibtreustrasse gallery, offering a room with a view on Walter Benjamin's former school, the artist will show works that reflect Benjamin's childhood, his passion for gathering objects and the idea of collecting as memory work. Here, amongst others, de Waal will present a major new series of vitrines. Furthermore, a selection of original notes and manuscripts from the Walter Benjamin archive in Berlin will be on view at Bleibtreustrasse and illustrate Benjamin's own way of working as well as de Waal's deep fascination with the &oelig;uvre of this thinker.<br /><br />In the second venue at Goethestrasse &ndash; a former post office &ndash; de Waal will explore ideas of departure and loss through one large-scale installation in wood and porcelain, a response to the space being for things gone astray, the undeliverable. Moreover, Goethestrasse will include a temporary library of writings by and about Walter Benjamin, where visitors will be able to read and reflect.<br /><br />The exhibition will be accompanied by a catalogue published by Holzwarth Publications.<strong><br /><br /><br />Edmund de Waal</strong> was born in 1964 in Nottingham, he currently lives and works in London. De Waal's work was presented in several solo and group exhibitions at important institutions, such as Kunsthistorisches Museum, Vienna (2016); Bonnefantenmuseum, Maastricht; Royal Academy, London; Barbican Art gallery, London (all 2015); Theseus Tempel, Vienna; Turner Contemporary, Margate (both 2014); National Gallery, London (2013); Alison Richard Building, Cambridge (2012); Tate Britain, London; Victoria and Albert Museum, London (both 2009); Tate Liverpool (2004) and LACMA, Los Angeles (2000), among others.<br /><br />Also known for his writings, Edmund de Waal won several literary prizes with his bestseller <em>The Hare with Amber Eyes</em> (2010). His new book <em>The White Road</em>, a narrative history of porcelain, will be published in German in fall 2016 by Hanser Verlag.<br /><br />We would like to thank the Walter Benjamin Archiv, Berlin for their generous support.<strong><br /></strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Wir freuen uns, Sie auf unsere erste Einzelausstellung mit dem britischen K&uuml;nstler <strong>Edmund de Waal</strong> in der Galerie Max Hetzler aufmerksam zu machen. Die Ausstellung wird zum Gallery Weekend 2016 zeitgleich in beiden R&auml;umlichkeiten in Berlin er&ouml;ffnet.<br /><br />Bekannt f&uuml;r seine filigranen Porzellangef&auml;&szlig;e, die er in pr&auml;zise konstruierten Vitrinen zu Gruppen arrangiert, schafft de Waal einen Dialog zwischen Tradition und Moderne, Leerstellen und &Uuml;berfluss, Minimalismus und Architektur. Seine Keramikobjekte in zarten Nuancen und unregelm&auml;&szlig;igen Formen &ndash; jedes ein Unikat &ndash; bilden die Grundlage seiner Installationen, in denen er Ideen von Wiederholung, Rhythmus und Komposition mit Referenzen auf Literatur und Musik verkn&uuml;pft.<br /><br />Edmund de Waal lernte die Stadt Berlin durch die Schriften Walter Benjamins kennen, insbesondere durch seine Sammlung autobiografischer Skizzen <em>Berliner Kindheit um neunzehnhundert</em>. Der Ausstellungstitel <em>Irrkunst</em> geht auf Benjamins Konzept &uuml;ber die Kunst sich selbst zu verirren und die Wahrnehmung des Unscheinbaren zur&uuml;ck.<br /><br />In der Bleibtreustra&szlig;e zeigt der K&uuml;nstler Werke, die auf Benjamins Kindheit und seine Leidenschaft f&uuml;r das Sammeln und Archivieren von Objekten als eine Form der Erinnerungsarbeit verweisen. Mit Blick auf die ehemalige Schule Walter Benjamins, die vom letzten Raum aus zu sehen ist, pr&auml;sentiert de Waal hier unter anderem eine neue Serie von Vitrinen. Dar&uuml;ber hinaus ist in der Bleibtreustra&szlig;e eine Auswahl von originalen Notizen und Manuskripten aus dem Berliner Walter Benjamin Archiv zu sehen, die Benjamins eigene Schaffensweise sowie de Waals Faszination f&uuml;r das Werk des Denkers verdeutlichen.<br /><br />Den zweiten Berliner Ausstellungsraum in der Goethestra&szlig;e &ndash; eine ehemalige Schalterhalle der Post &ndash; sieht de Waal zugleich als Ort des Aufbruchs und des Verlusts. Er pr&auml;sentiert hier eine extra f&uuml;r diesen Raum entwickelte gewaltige architektonische Arbeit aus Holz und Porzellan. Des Weiteren entsteht in der Goethestra&szlig;e eine tempor&auml;re Bibliothek aus Schriften von und &uuml;ber Walter Benjamin, die Besuchern Gelegenheit zum Lesen und Reflektieren gibt.<br /><br />Zur Ausstellung erscheint ein Katalog bei Holzwarth Publications.<strong><br /><br />Edmund de Waal</strong> ist 1964 in Nottingham geboren, er lebt und arbeitet in London. De Waals Werke wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in internationalen Institutionen gezeigt, unter anderem im Kunsthistorischen Museum, Wien (2016); Bonnefantenmuseum, Maastricht; Royal Academy, London; Barbican Art Gallery, London (alle 2015); Theseus Tempel, Wien; Turner Contemporary, Margate (beide 2014); National Gallery, London (2013); Alison Richard Building, Cambridge (2012); Tate Britain, London; Victoria and Albert Museum, London (beide 2009); Tate Liverpool (2004) und LACMA, Los Angeles (2000).<br /><br /><br />Edmund de Waal ist dar&uuml;ber hinaus bekannt als Schriftsteller und Autor und hat mit seinem Bestseller <em>Der Hase mit den Bernsteinaugen</em> (2010) zahlreiche literarische Auszeichnungen erhalten. Sein k&uuml;rzlich auf Englisch erschienenes Buch <em>The White Road</em>, eine Erz&auml;hlung &uuml;ber die Geschichte des Porzellans, wird im Herbst 2016 auf Deutsch bei Hanser Verlag publiziert.<br /><br />Wir danken dem Walter Benjamin Archiv, Berlin f&uuml;r die gro&szlig;z&uuml;gige Unterst&uuml;tzung.<strong><br /></strong></p> Thu, 28 Apr 2016 18:19:28 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Edmund de Waal - Galerie Max Hetzler (Bleibtreustraße) - April 29th - July 16th <p style="text-align: justify;">We are pleased to announce British artist Edmund de Waal's first solo exhibition with Galerie Max Hetzler.The exhibition will be inaugurated during Gallery Weekend 2016 and will be on view across both gallery locations in Berlin.<br /><br />Recognised for his delicate porcelain vessels meticulously arranged in carefully composed groups displayed in vitrines or shelves, Edmund de Waal creates his own dialogue between tradition and modernity, blank spaces and opulence, minimalism and architecture. His unique ceramic objects, coloured in subtle nuances and irregularly shaped, form the base of his installations and combine ideas of repetition, rhythm and composition with references to literature and music.<br /><br />De Waal first came to know the city of Berlin through the writings of Walter Benjamin, particularly his autobiographical fragments in <em>A Berlin Childhood around 1900</em>. The exhibition title, <em>Irrkunst</em>, has been taken from Benjamin&rsquo;s concept of the art of getting lost, the art of noticing what has been disregarded.<br /><br />In the Bleibtreustrasse gallery, offering a room with a view on Walter Benjamin's former school, the artist will show works that reflect Benjamin's childhood, his passion for gathering objects and the idea of collecting as memory work. Here, amongst others, de Waal will present a major new series of vitrines. Furthermore, a selection of original notes and manuscripts from the Walter Benjamin archive in Berlin will be on view at Bleibtreustrasse and illustrate Benjamin's own way of working as well as de Waal's deep fascination with the &oelig;uvre of this thinker.<br /><br />In the second venue at Goethestrasse &ndash; a former post office &ndash; de Waal will explore ideas of departure and loss through one large-scale installation in wood and porcelain, a response to the space being for things gone astray, the undeliverable. Moreover, Goethestrasse will include a temporary library of writings by and about Walter Benjamin, where visitors will be able to read and reflect.<br /><br />The exhibition will be accompanied by a catalogue published by Holzwarth Publications.<strong><br /><br /><br />Edmund de Waal</strong> was born in 1964 in Nottingham, he currently lives and works in London. De Waal's work was presented in several solo and group exhibitions at important institutions, such as Kunsthistorisches Museum, Vienna (2016); Bonnefantenmuseum, Maastricht; Royal Academy, London; Barbican Art gallery, London (all 2015); Theseus Tempel, Vienna; Turner Contemporary, Margate (both 2014); National Gallery, London (2013); Alison Richard Building, Cambridge (2012); Tate Britain, London; Victoria and Albert Museum, London (both 2009); Tate Liverpool (2004) and LACMA, Los Angeles (2000), among others.<br /><br />Also known for his writings, Edmund de Waal won several literary prizes with his bestseller <em>The Hare with Amber Eyes</em> (2010). His new book <em>The White Road</em>, a narrative history of porcelain, will be published in German in fall 2016 by Hanser Verlag.<br /><br />We would like to thank the Walter Benjamin Archiv, Berlin for their generous support.<strong><br /></strong></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Wir freuen uns, Sie auf unsere erste Einzelausstellung mit dem britischen K&uuml;nstler <strong>Edmund de Waal</strong> in der Galerie Max Hetzler aufmerksam zu machen. Die Ausstellung wird zum Gallery Weekend 2016 zeitgleich in beiden R&auml;umlichkeiten in Berlin er&ouml;ffnet.<br /><br />Bekannt f&uuml;r seine filigranen Porzellangef&auml;&szlig;e, die er in pr&auml;zise konstruierten Vitrinen zu Gruppen arrangiert, schafft de Waal einen Dialog zwischen Tradition und Moderne, Leerstellen und &Uuml;berfluss, Minimalismus und Architektur. Seine Keramikobjekte in zarten Nuancen und unregelm&auml;&szlig;igen Formen &ndash; jedes ein Unikat &ndash; bilden die Grundlage seiner Installationen, in denen er Ideen von Wiederholung, Rhythmus und Komposition mit Referenzen auf Literatur und Musik verkn&uuml;pft.<br /><br />Edmund de Waal lernte die Stadt Berlin durch die Schriften Walter Benjamins kennen, insbesondere durch seine Sammlung autobiografischer Skizzen <em>Berliner Kindheit um neunzehnhundert</em>. Der Ausstellungstitel <em>Irrkunst</em> geht auf Benjamins Konzept &uuml;ber die Kunst sich selbst zu verirren und die Wahrnehmung des Unscheinbaren zur&uuml;ck.<br /><br />In der Bleibtreustra&szlig;e zeigt der K&uuml;nstler Werke, die auf Benjamins Kindheit und seine Leidenschaft f&uuml;r das Sammeln und Archivieren von Objekten als eine Form der Erinnerungsarbeit verweisen. Mit Blick auf die ehemalige Schule Walter Benjamins, die vom letzten Raum aus zu sehen ist, pr&auml;sentiert de Waal hier unter anderem eine neue Serie von Vitrinen. Dar&uuml;ber hinaus ist in der Bleibtreustra&szlig;e eine Auswahl von originalen Notizen und Manuskripten aus dem Berliner Walter Benjamin Archiv zu sehen, die Benjamins eigene Schaffensweise sowie de Waals Faszination f&uuml;r das Werk des Denkers verdeutlichen.<br /><br />Den zweiten Berliner Ausstellungsraum in der Goethestra&szlig;e &ndash; eine ehemalige Schalterhalle der Post &ndash; sieht de Waal zugleich als Ort des Aufbruchs und des Verlusts. Er pr&auml;sentiert hier eine extra f&uuml;r diesen Raum entwickelte gewaltige architektonische Arbeit aus Holz und Porzellan. Des Weiteren entsteht in der Goethestra&szlig;e eine tempor&auml;re Bibliothek aus Schriften von und &uuml;ber Walter Benjamin, die Besuchern Gelegenheit zum Lesen und Reflektieren gibt.<br /><br />Zur Ausstellung erscheint ein Katalog bei Holzwarth Publications.<strong><br /><br />Edmund de Waal</strong> ist 1964 in Nottingham geboren, er lebt und arbeitet in London. De Waals Werke wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in internationalen Institutionen gezeigt, unter anderem im Kunsthistorischen Museum, Wien (2016); Bonnefantenmuseum, Maastricht; Royal Academy, London; Barbican Art Gallery, London (alle 2015); Theseus Tempel, Wien; Turner Contemporary, Margate (beide 2014); National Gallery, London (2013); Alison Richard Building, Cambridge (2012); Tate Britain, London; Victoria and Albert Museum, London (beide 2009); Tate Liverpool (2004) und LACMA, Los Angeles (2000).<br /><br /><br />Edmund de Waal ist dar&uuml;ber hinaus bekannt als Schriftsteller und Autor und hat mit seinem Bestseller <em>Der Hase mit den Bernsteinaugen</em> (2010) zahlreiche literarische Auszeichnungen erhalten. Sein k&uuml;rzlich auf Englisch erschienenes Buch <em>The White Road</em>, eine Erz&auml;hlung &uuml;ber die Geschichte des Porzellans, wird im Herbst 2016 auf Deutsch bei Hanser Verlag publiziert.<br /><br />Wir danken dem Walter Benjamin Archiv, Berlin f&uuml;r die gro&szlig;z&uuml;gige Unterst&uuml;tzung.<strong><br /></strong></p> Thu, 28 Apr 2016 18:15:59 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Oscar Murillo - Galerie Isabella Bortolozzi - April 30th - June 25th Thu, 28 Apr 2016 18:12:03 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Andy Hope 1930 - Galerie Guido W. Baudach - April 29th - May 28th <div class="views-field-field-press-value"> <div class="field-content"> <p style="text-align: justify;">As the ancient evils create a gravitational pull towards an unknown force, bringing us into great trepidation for the future, the need not only for a divided self but also the all seeing eye is necessary for the mobilization of secret symbols in art to activate appropriate art historical positioning. Harking back to the monochromes of Malevich, Andy Hope 1930, for his 5th exhibition at Galerie Guido W. Baudach, Black Fat Fury Road, takes us on the path towards the promised land of abstraction &ndash; a journey cut short by the realization that there is nothing there but a contamination of the modernist membrane. The onlooker is sent back with no longer the comfort of a &ldquo;mirage of salvation&rdquo; but a dark, haggard reflection of an image, its foreboding endlessness, rather than an image itself. Is this what the post-modern deconstructivist project has left us with? Is this what we are painters for &ndash; to work under the umbrella of a greater impurity?</p> <p style="text-align: justify;">Hope incorporates a continuation of works from his UNappropriated Activities exhibition in 2015, where the detournement harboured within the works, embody a crazed sense of frustration with certain correlationist forms of will to power &ndash; strains that have left the mind at a loss. As a remedy, Andy Hope 1930 employs his own form of panpsychism &ndash; thoughts contained in all things and not correlated to being. He uses it as a device to make art that doesn't attempt games on the sociological dimension, instead it can dive directly into dealing with perception, aesthetics and, most importantly, pushing towards a speculative reality independent of human thought and experience without having to force these signs directly onto the hungry hive mind.</p> <p style="text-align: justify;">Our accursed share &ndash; albeit sanctified by an existence or right to participate in the art historical framework of painting &ndash; is sullied by the hand of doubt, yet as doubt, a term belligerently put into practice in the 1970s-90s, offered us very little except a streamlined acceleration of the decay of culture and its painterly irrelevance as a powerful tool, we are left with a displacement of gesture towards speculative alternatives, worlds and zones of comfort that subsume the shortcomings of painting. When looking at Hope's efforts, we must bear in mind that what is visible on the surface plain are not paintings but painting exit points. Paintings are not relevant for Hope, they are devices to suggest where modernist ideals of Art could find their appropriate place &ndash; locked into some strange immateriality, atheism and within a Kantian sense of a visible mind with the potential of altering our psychological state. His universe is queer as much as an alien race would be queer on our planet - queer in the sense that they would not fit comfortably on a German cultural stage.</p> <p style="text-align: justify;">Whether the discourse that surrounds painting is still lagging behind in the strange hero-worship of idealized, even now to be understood, demagogic tipping points &ndash; tribespeople with a hive-mind still look up towards the shadows of these false idols knowing full well that the forms created were only &ldquo;shadows&rdquo; or &ldquo;myths&rdquo; that are meant to keep the whole system in motion for whom? For those who are engaged in the reality of painting, its act and strategies, however, their theoretical examinations will lead to circumvention, repurposing and redefinition.</p> <p style="text-align: justify;">Hyperobjects are vast, long lasting objects distributed in time and space so vastly that they defy human notions of timely and spatial dimensions, for example nuclear radiation. In many ways, hyperobjects, albeit at least partly created by humans, may come closest to a human-alien encounter in our present time, they in fact may mark a historical moment in which non-humans could make a decisive and irrevocable contact with humans. Andy Hope 1930&rsquo;s art is not a hyperobject itself, but it opens up channels on which to communicate with hyperobjects, it exists in the same universe as them.</p> <p style="text-align: justify;">-Flame</p> <p style="text-align: justify;">Andy Hope 1930 lives and works in Berlin. He belongs to the most important german artists of his generation, merging high and subculture in a singular way. Hope's work has been presented within numerous important solo and group exhibitions in Europe and abroad.&nbsp;A selection of recent exhibitions at international institutions and public collections includes:&nbsp;Random Sampling,&nbsp;Haus der Kunst, Munich (2016); So ein Ding muss ich auch haben,&nbsp;Lenbachhaus, Munich (2016);&nbsp;Avatar und Atavismus - Outside der Avantgarde, Kunsthalle Dusseldorf (2016); MAD#1, la maison rouge, Paris (2015); Self-Inflicted Justice By Bad Shopping, Sammlung Falckenberg/ Deichtorhallen Hamburg (2015); Unendlicher Spass, Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2014); Fruits of Passion: Collection from the Mus&eacute;e National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris (2014); Painting Forever!, KunstWerke, Berlin (2013); KABOOM! Comics in Art, Weserburg, Museum f&uuml;r moderne Kunst, Bremen (2013); The 9th Gwangju Biennale, The Gwangju Biennale Foundation, China (2012); Medley Tour by Andy Hope 1930 (solo), Kestnergesellschaft, Hanover (2012); MMK 2011. 20 Years of Presence, MMK Museum f&uuml;r Moderne Kunst, Frankfurt (2011); Mind the Gap, Kai10 Arthena Foundation, Dusseldorf (2011); Robin Dostoyevsky by Andy Hope 1930 (solo), CAC Centro de Arte Contempor&aacute;neo, Malaga (2011); Charles Riva Collection (solo), Brussels (2010); Freud Museum (solo), London (2010); Sammlung Goetz (solo), Munich (2009).</p> <hr /> <div class="views-field-field-presse-value"> <div class="field-content"> <p style="text-align: justify;">So wie die finsteren M&auml;chte alter Zeiten ihre Anziehungskraft entfalten, um uns ins Unbekannte zu ziehen und uns dabei schreckliche Angst um die Zukunft &uuml;berkommt, so wird das Bed&uuml;rfnis nicht nur nach einem Geteilten Selbst, sondern auch nach einem Allsehenden Auge unabdingbar zur Mobilisierung der geheimen Symbole der Kunst, um durch sie die passende kunsthistorische Verankerung zu finden. In Black Fat Fury Road, seiner f&uuml;nften Ausstellung in der Galerie Guido W. Baudach, f&uuml;hrt uns Andy Hope 1930 im R&uuml;ckgriff auf die Monochrome von Malevich auf einen Pfad ins gelobte Land der Abstraktion &ndash; eine Reise, die schon sehr bald abgebrochen wird durch die Erkenntnis, dass dort nichts ist, au&szlig;er einer Verschmutzung der modernistischen Membran. Der Betrachter wird ohne tr&ouml;stende Erl&ouml;sungsphantasien wieder zur&uuml;ckgeschickt, stattdessen hat eine dunkle, ausgezehrte Spiegelung eines Bildes und seine drohende Endlosigkeit das Bild an sich ersetzt. Ist diese Spiegelung alles, was uns das postmoderne, dekonstruktivistische Projekt &uuml;brig gelassen hat? Sind wir zu Malern geworden, um unter dem Schirm einer weit gr&ouml;&szlig;eren Unreinheit zu arbeiten?</p> <p style="text-align: justify;">Hope bezieht sich auf einige in der Ausstellung UNappropriated Activities (2015) vorgestellte Ideen und entwickelt diese weiter. Ein in den dortigen Arbeiten verborgenes D&eacute;tournement offenbarte ein au&szlig;er Kontrolle geratenes Gef&uuml;hl der Frustration &uuml;ber bestimmte korrelationistische Formen des Willens zur Macht &ndash; Belastungen, durch die die Psyche einen Mangel erf&auml;hrt. Als Gegenmittel setzt Hope seine eigene Form des Panpsychismus ein &ndash; Denken, das in allen Dingen enthalten ist ohne Korrelation zum Sein. Er benutzt es als Hilfsmittel, um Kunst zu machen, die sich nicht mit Spielen auf der soziologischen Ebene aufh&auml;lt, sondern stattdessen direkt eintauchen kann in die Auseinandersetzung mit Wahrnehmung und &Auml;sthetik. Und die sich vor allem in Richtung einer spekulativen Realit&auml;t zu bewegen vermag, die unabh&auml;ngig von menschlichem Denken und Erleben funktioniert, ohne diese Zeichen direkt in das hungrige Gehirn der Masse zwingen zu m&uuml;ssen.</p> <p style="text-align: justify;">Unser verfemter Anteil daran &ndash; mag er durch das Recht, am kunsthistorischen Malereikontext teilzunehmen, noch so legitim sein &ndash; wird durch die Hand des Zweifels verdorben. Obwohl der Zweifel, ein Begriff, der in den 1970er-90er Jahren angriffslustig in die Tat umgesetzt wurde, uns sehr wenig zu bieten hatte, abgesehen von einer optimierten Beschleunigung des kulturellen Zerfalls und der Anwendung malerischer Irrelevanz als m&auml;chtigem Instrument. Was uns &uuml;brigbleibt, ist eine Verschiebung der Gesten in Richtung spekulativer Alternativen, Welten und Komfortzonen, die die Unzul&auml;nglichkeiten der Malerei subsumieren. Wenn wir Hopes Bestrebungen betrachten, m&uuml;ssen wir immer im Hinterkopf behalten, dass das, was auf der Oberfl&auml;che sichtbar ist, nicht Bilder sind, sondern Austrittspunkte aus Bildern. Malerei ist f&uuml;r Hope nicht relevant, sie ist ein Mittel der Suggestion, ein Hinweis darauf, wo modernistische Ideale der Kunst ihren angemessenen Platz finden k&ouml;nnten &ndash; eingeschlossen in einer seltsamen Immaterialit&auml;t, in Atheismus und innerhalb eines im kantischen Verst&auml;ndnis sichtbaren Geistes, mit dem Potential, unseren Geisteszustand zu ver&auml;ndern. Sein Universum ist im selben Ma&szlig;e queer wie eine Lebensform von Aliens auf unserem Planeten queer w&auml;re &ndash; queer, im Sinne von: Sie w&uuml;rden nicht gerade heimelig auf einer deutschen Kulturb&uuml;hne sitzen.</p> <p style="text-align: justify;">Auch wenn der Diskurs, der die Malerei umgibt, in seiner grotesken Heldenverehrung von idealisierten, demagogischen Umkehrpunkten noch immer hinterherhinkt, so blickt das Kollektivgehirn der Stammesmitglieder noch immer zu den Schatten dieser falschen Idole auf, obwohl sie ganz genau wissen, dass deren erschaffene Formen nur &bdquo;Schatten&rdquo; oder &bdquo;Mythen&rdquo; waren, die dazu dienen sollten, das ganze System in Bewegung zu halten &ndash; nur f&uuml;r wen? F&uuml;r jemanden, der sich mit der Realit&auml;t der Malerei besch&auml;ftigt, mit ihrem Ablauf und ihren Strategien, werden diese theoretischen Untersuchungen zwangsl&auml;ufig zu Umwegen, Umnutzungen und Neudefinitionen f&uuml;hren.</p> <p style="text-align: justify;">Hyperobjekte sind riesige, sehr lang anhaltende Objekte, die sich so weitreichend in Raum und Zeit erstrecken, dass sie sich menschlichen Vorstellungen von r&auml;umlichen und zeitlichen Dimensionen entziehen, zum Beispiel atomare Strahlung. In vielerlei Hinsicht k&ouml;nnten Hyperobjekte, auch wenn sie zumindest teilweise vom Menschen erschaffen wurden, einer gegenw&auml;rtigen Begegnung von Mensch und Alien am n&auml;chsten kommen; tats&auml;chlich k&ouml;nnten sie einen historischen Moment darstellen, an dem Nicht-Menschen und Menschen in einen entscheidenden und unwiderruflichen Kontakt treten. Die Kunst von Andy Hope 1930 ist an sich kein Hyperobjekt, aber sie &ouml;ffnet Kan&auml;le auf denen sie mit Hyperobjekten kommunizieren k&ouml;nnte. Sie existiert im selben Universum wie diese.</p> <p style="text-align: justify;">- Flame</p> <p style="text-align: justify;">Andy Hope 1930 lebt und arbeitet in Berlin. Er geh&ouml;rt zu den wichtigsten deutschen K&uuml;nstlern seiner Generation. Hoch- und Subkultur verschmelzen in Hope&rsquo;s Werken in einzigartiger Weise. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen wichtigen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland gezeigt. Eine Auswahl an Ausstellungen j&uuml;ngerer Zeit in internationalen Institutionen und &ouml;ffentlichen Sammlungen beinhaltet:&nbsp;Random Sampling,&nbsp;Haus der Kunst, M&uuml;nchen (2016); So ein Ding muss ich auch haben,&nbsp;Lenbachhaus, M&uuml;nchen (2016);&nbsp;Avatar und Atavismus - Outside der Avantgarde, Kunsthalle D&uuml;sseldorf (2016); MAD#1, la maison rouge, Paris (2015); Self-Inflicted Justice By Bad Shopping, Sammlung Falckenberg/Deichtorhallen Hamburg (2015); Unendlicher Spass, Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2014); Fruits of Passion: Collection from the Mus&eacute;e National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris (2014); Painting Forever!, KunstWerke, Berlin (2013); KABOOM! Comics in Art, Weserburg, Museum f&uuml;r moderne Kunst, Bremen (2013); The 9th Gwangju Biennale, The Gwangju Biennale Foundation, China (2012); Medley Tour by Andy Hope 1930 (solo), Kestnergesellschaft, Hannover (2012); MMK 2011. 20 Years of Presence, MMK Museum f&uuml;r Moderne Kunst, Frankfurt (2011); Mind the Gap, Kai10 Arthena Foundation, D&uuml;sseldorf (2011); Robin Dostoyevsky by Andy Hope 1930 (solo), CAC Centro de Arte Contempor&aacute;neo, Malaga (2011); Charles Riva Collection (solo), Br&uuml;ssel (2010); Freud Museum (solo), London (2010); Sammlung Goetz (solo), M&uuml;nchen (2009).</p> </div> </div> </div> </div> Thu, 28 Apr 2016 18:09:44 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Carsten Nicolai - Galerie EIGEN + ART (Berlin) - April 21st - May 28th <p style="text-align: justify;">For the exhibition <em>reflektor distortion</em> in the Galerie EIGEN + ART Berlin, Carsten Nicolai developed a site-specific installation with the same title. In this installation, he deals with a theme frequently present in his artwork: disturbances, random occurrences, and self-organizing structures. As in his previous works, for example the series <em>milch</em> (2000) and <em>wellenwanne lfo</em> (2012), he sees the installation as an experiment that takes up reflections, disturbances, and interferences on a surface, thereby confronting the viewer with various questions about his own perception and the creative process.</p> <p style="text-align: justify;"><em>reflektor distortion</em> consists of three main components and generates three states of a reflection: mirroring, distortion, and disturbance.</p> <p style="text-align: justify;">In the middle of the room with Carsten Nicolai's current exhibition is a parabolic basin filled with water, whose surface becomes a parabolic mirror. A motor rotates the basin, and a loudspeaker with low-frequency sounds additionally sets the water in motion. On the exhibition room's walls are neon tubes whose light reflects from the water's surface.</p> <p style="text-align: justify;">Both the rotation of the basin and the sound pattern produce interferences on the surface of the water, so that when the viewer looks at the basin he sees a modulated and distorted mirror image of the surroundings.</p> <p style="text-align: justify;">In this experimental set-up, the mirroring surface becomes a medium showing a distorted likeness of the surroundings. For Carsten Nicolai, disturbances are, first, random occurrences that break through accustomed perception, but at the same time also signs of the emergence of creative processes that can occur only through deviation from what is familiar or planned. In his work, Carsten Nicolai consciously selects the experimental situation in which disturbances and random occurrences are permitted and even desired.</p> <p style="text-align: justify;">In his current work, <em>reflektor distortion</em>, he confronts the viewer with the questions of how reality arises, how it is perceived, and what the viewer generates as reality for himself. What is reality? &ndash; Does it exist at all?</p> <p style="text-align: justify;"><br />From April 29 undtil May 1, 2016 there will takes place the Gallery Weekend Berlin.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">F&uuml;r die aktuelle Ausstellung <em>reflektor distortion</em> in der Galerie EIGEN + ART Berlin hat Carsten Nicolai eine raumbezogene Installation mit dem gleichnamigen Titel entwickelt. Er setzt sich auch in dieser Installation mit dem in seiner k&uuml;nstlerischen Arbeit immer wieder pr&auml;senten Thema von St&ouml;rungen, Zuf&auml;lligkeiten und sich selbst organisierenden Strukturen auseinander. Wie schon in vorangegangenen Werken, wie beispielsweise der Serie <em>milch</em> (2000) oder <em>wellenwanne lfo</em> (2012) versteht er die Installation als Experiment, das Spiegelungen, St&ouml;rungen und Interferenzen einer Oberfl&auml;che aufgreift und den Betrachter dabei mit verschiedenen Fragestellungen der eigenen Wahrnehmung und des kreativen Prozesses konfrontiert.</p> <p style="text-align: justify;"><em>reflektor distortion</em> besteht aus drei Hauptelementen und generiert drei Zust&auml;nde einer Spiegelung: Spiegel, Verzerrung und St&ouml;rung.</p> <p style="text-align: justify;">In der Mitte des Ausstellungsraums der aktuellen Ausstellung von Carsten Nicolai befindet sich eine parabolisch geformte Schale, die mit Wasser gef&uuml;llt ist, und deren Oberfl&auml;che zum Parabolspiegel wird. Ein Motor versetzt die Schale in Rotation und ein Lautsprecher mit tiefen Soundfrequenzen versetzt das Wasser zus&auml;tzlich in Bewegung. An den W&auml;nden des Ausstellungsraums befinden sich Neonr&ouml;hren, deren Licht sich in der Wasseroberfl&auml;che spiegelt.</p> <p style="text-align: justify;">Sowohl durch die Rotation der Schale, als auch durch die Soundmuster entstehen Interferenzen der Wasseroberfl&auml;che, so dass sich dem Betrachter beim Blick auf die Schale ein moduliertes und verzerrtes Spiegelbild der Umwelt zeigt.</p> <p style="text-align: justify;">Die Spiegeloberfl&auml;che wird in dieser Versuchsanordnung zum Medium, das die Umwelt als verzerrtes Abbild zeigt. St&ouml;rungen sind f&uuml;r Carsten Nicolai zum einen Zuf&auml;lligkeiten, die die gewohnte Wahrnehmung durchbrechen, sie sind damit gleichzeitig aber auch Hinweise auf das Entstehen kreativer Prozesse, die erst durch das Abweichen von Gewohntem oder Geplantem entstehen k&ouml;nnen. Carsten Nicolai w&auml;hlt in seinem Werk bewusst die Versuchssituation, in der St&ouml;rungen und Zuf&auml;lligkeiten erlaubt ja fast schon gewollt sind.</p> <p style="text-align: justify;">In seinem aktuellen Werk <em>reflektor distortion</em> konfrontiert er den Betrachter mit der Frage danach, wie Realit&auml;t entsteht, wie sie wahrgenommen wird und was der Betrachter f&uuml;r sich als Realit&auml;t generiert. Was ist Realit&auml;t &ndash; existiert sie &uuml;berhaupt? </p> Thu, 28 Apr 2016 17:58:29 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Ed Fornieles - Galerie Arratia Beer - April 30th - June 11th <p style="margin-left: 120px;"><strong>Forget</strong>: Forget your preconceptions.</p> <p style="margin-left: 120px;"><strong>Active</strong>: Read actively and participate in the exercises.</p> <p style="margin-left: 120px;"><strong>State</strong>: Feel the excitement and curiosity to learn. Sit up, lean forward.</p> <p style="margin-left: 120px;"><strong>Teach</strong>: Read as though you must teach this to others.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Der Geist: Flesh Feast</em> &ndash; Ed Fornieles&rsquo; first solo exhibition in Berlin &ndash; is a journey into the culture of self-management and specifically self-management diets that view the body and mind as a system to be understood, leveraged, and controlled.</p> <p style="text-align: justify;">A desire for intimacy is present, a desire to somehow share a hope or a belief or a delusion, where agency is realized through the fog of old habits and addictions. But intimacy is hard, and desires are prickly and often not what they seem.</p> <p style="text-align: right;"><em>Take a moment to manage your state.</em></p> <p style="text-align: right;"><em>Now let&rsquo;s dive in.</em></p> <p><strong>On Offer:</strong></p> <p style="text-align: justify;"><em>Der Geist</em> (2016) is a film that both chronicles Fornieles&rsquo; attempt to adopt his own self management diet and a drama that plays out over a backdrop of shifting images that can be read as an internal train of thought or perhaps a stream of endless imagery that cocoons any group, culture or search.</p> <p style="text-align: justify;">During the exhibition, starter diet packs will be on sale to anyone interested in beginning their own journey into the world of self-management diets; each pack will contain diet information and the first meal to get you going on your own programme of self exploration. &nbsp;</p> <p style="text-align: justify;">3D printed tableaus, digitally printed carpets, a food cart&hellip;.</p> <p>&nbsp;&middot;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; health</p> <p>&middot;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; values</p> <p>&middot;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; stories</p> <p>&nbsp;Beyond any core nutritional guidelines.</p> <p>These objects act as markers, anchors or features in a shifting landscape.</p> <p>&nbsp;</p> <p><strong>New Bodies: </strong></p> <p style="text-align: justify;">The artist&rsquo;s body has evolved into a lovable yet slightly anxious fox; this recursive avatar becomes a tool to pry open the lid of how identity is produced. Existing in the gap between the artist&rsquo;s body and a world of images, the fox&rsquo;s superpower becomes a flexibility that allows him to transverse, insert and rub-up-against, fracturing and expanding Fornieles&rsquo; own sense of self.</p> <p>&nbsp;</p> <p style="margin-left: 36pt; text-align: justify;"><em>&ldquo;Don't cry over the past, it's gone. Don't stress about the future, it hasn't arrived. Live in the present, and make it beautiful."</em></p> <p style="margin-left: 36.0pt;"><strong>&nbsp;</strong></p> <p><strong>The Concerns:</strong></p> <p style="text-align: justify;">&nbsp;The world can often seem out of control, chaotic and opaque, unable to shape, remodel or change what you see through a political process; the self suddenly becomes a domain where actions can be felt and rewards harvested. In this environment the question becomes about ends. Do you align yourself with the mechanisms around you, conform to the desire for pure efficiency or repurpose these tools, redirecting them towards some other, less definable point.</p> <p style="margin-left: 160px; text-align: justify;">Social media, as well as data analysis and an attention to the interpersonal relations that arise from a post-digital environment, have informed Fornieles&rsquo;s works previously, and have been transposed into scripts and improvised performances (<em>Dorm Daze</em>, 2011 and <em>New York New York Happy Happy (NY NY HP HP)</em>, New Museum 2013, The Work Place 2015). These relations are played out again here with a looming presence of physical and psychological risk. The diet packs &ndash; acting as a trigger &ndash; enter into a re-contextualised circulation initiated by Fornieles, identified not by the pumping, frenetic marketing blare of a diet lifestyle brand, but conforming to the equally unregulated and rampant production machine of the global art market.</p> <p style="margin-left: 160px; text-align: justify;">These principles of exchange are appearing at a time when immaterial labour and an ever-greater material disjunction to the conditions of production assert themselves. They may be as much related to strategies of co-opting the &lsquo;public sphere&rsquo; (<em>&Ouml;ffentlichkeit</em>) &ndash; the identifiable space of networked relations &ndash; as they are brought back to subjectivity-forming activity by way of a symbolic relationship to neo-liberalism.</p> <p>&nbsp;<strong>About:</strong></p> <p style="text-align: justify;">Identity is performed, the knowledge of this seems both empowering and terrifying; to interfere contains the risk of trauma and the promise of hope.</p> <p class="text-align-right"><em>These diets are made for us!</em></p> <p style="margin-left: 160px; text-align: justify;">Whilst the diets, delivered in their &ldquo;fresh from the field&rdquo; cart, bring the New Age promise of your &ldquo;growth&rdquo; as a person, like Ockham&rsquo;s razor they simultaneously reduce: habits, mass, dependencies; and in contrast to the capitalist drive for growth make you lighter, less. The sculptures on display exist in a network of narrative, each one revealing parts of a whole. The site of intervention though, is first the artist&rsquo;s body and then that of the viewer, who here can also be called eater, slimmer, improver.</p> <p>&nbsp;</p> <p><strong>Image of the future:</strong></p> <p>&nbsp;</p> <p style="margin-left: 160px; text-align: justify;"><em>Consumption</em> and <em>being consumed</em> are modulated by their interchangeability and constant exchange. Fornieles asks if it is possible to repurpose performance enhancing diets, seemingly geared to a productivity aligned with neo-liberal expectations, toward a more holistic remodelling of the individual and societies, while acknowledging the anxieties, dependencies and politics inherent to them. &nbsp;&nbsp;</p> <p style="margin-left: 160px; text-align: justify;">Out with the oppositional, in with the Bulletproof&reg; Diet.</p> <p class="text-align-right"><em>&nbsp;</em><em>How are you feeling?</em></p> <p>&nbsp;</p> <p>Text Ed Fornieles &amp; Adam Gibbons</p> <hr /> <p><strong>Vergessen</strong>: Vergiss Deine Vorurteile.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Aktiv</strong>: Lese aktiv und nehme an den &Uuml;bungen teil.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Zustand</strong>: F&uuml;hle die Aufregung und die Neugierde des Lernens. Setze Dich auf, und lehne Dich nach vorn.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Lehren</strong>: Lese so, als ob Du es Andere lehren.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Der Geist: Flesh Feast </em>&ndash; Fornieles&rsquo; erste Einzelausstellung in Berlin &ndash; ist eine eigent&uuml;mliche Reise in die Kultur der Selbstoptimierung, in der K&ouml;rper und Geist als System gesehen werden, das es zu verstehen, im Gleichgewicht zu halten und zu kontrollieren gilt.</p> <p style="text-align: justify;">Die Sehnsucht nach Intimit&auml;t ist allgegenw&auml;rtig, die Sehnsucht irgendwie eine Hoffnung, oder einen Glauben, oder selbst einen Irrglauben zu teilen; die Wirkung ist nur durch den Nebel der alten Gewohnheiten und Abh&auml;ngigkeiten zu erkennen. Doch Intimit&auml;t ist schwierig und Sehns&uuml;chte haben Stacheln und sind oft nicht das, was sie vorgeben zu sein.</p> <p style="text-align: justify;">Jetzt, halte einen Moment inne und mache dir deinen Zustand bewusst.</p> <p style="text-align: justify;">Und nun, tauche ein.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Im Angebot: </strong></p> <p style="text-align: justify;">Der Film <em>Der Geist </em>(2016) erz&auml;hlt in zwei Handlungsstr&auml;ngen zum einen von Fornieles&rsquo; Versuch sich selbst einer Optimierungsdi&auml;t zu unterziehen und zum anderen ein Drama, dass sich vor dem Hintergrund sich st&auml;ndig vermehrender und ver&auml;ndernder Bilderflut &ndash; die als Gedankenstrom lesbar sind - entfaltet.</p> <p style="text-align: justify;">Im Laufe der Ausstellung werden Starter-Di&auml;tpackungen an all jene verkauft, die an einer eigenen Reise ins Land der Selbstoptimierung interessiert sind. Die Packungen halten Informationen zu der jeweiligen Di&auml;t sowie eine erste Mahlzeit bereit, mit der man sich auf den direkten Weg zur Selbsterkundung begeben kann.</p> <p style="text-align: justify;">3D gedruckten Skulpturen, Teppiche, Digitaldruck, ein Marktwagen&hellip;.</p> <p style="text-align: justify;">- Gesundheit</p> <p style="text-align: justify;">- Werte</p> <p style="text-align: justify;">- Geschichten</p> <p style="text-align: justify;">Weit &uuml;ber die herk&ouml;mmlichen Werte der Ern&auml;hrungsrichtlinien hinaus.</p> <p style="text-align: justify;">Diese Objekte dienen als Wegweiser, als Anker in einer unruhigen, sich bewegenden Landschaft.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Neue K&ouml;rper: </strong></p> <p style="text-align: justify;">Der K&ouml;rper des K&uuml;nstlers hat sich zu einen liebensw&uuml;rdigen, aber doch &auml;ngstlichen Fuchs entwickelt; dieser rekursive Avatar wird zur Brechstange zum Aufhebeln der Mechanismen der Produktion von Identit&auml;t. Fornieles&lsquo; Selbstwahrnehmung bricht sich durch die Flexibilit&auml;t, der Superkraft des Fuchses, der in der L&uuml;cke zwischen dem K&ouml;per des K&uuml;nstlers und der Welt der Bilder existiert.</p> <p style="text-align: justify;">&ldquo;Weine nicht &uuml;ber die Vergangenheit, sie ist vorbei. Sei nicht beunruhigt &uuml;ber die Zukunft, sie ist noch nicht hier. Lebe im Jetzt und mache es zu etwas Wundervollem.&rdquo;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Die Sorgen: </strong></p> <p style="text-align: justify;">Die Welt scheint oft chaotisch, au&szlig;er Kontrolle, undurchsichtig: das Selbst ist unf&auml;hig das Gesehene in Form zu bringen oder zu ver&auml;ndern, durch politische Prozesse wird das Selbst pl&ouml;tzlich zu dem Ort, an dem Taten f&uuml;hlbar werden und Anerkennung geerntet werden kann. In dieser Umgebung geht es um die Frage nach dem Ziel. Bringst du dich selbst in Linie mit den Mechanismen die dich umgeben, konform mit der Sehnsucht nach reiner Effizienz, oder verwendest du die Werkzeuge anders, gegen etwas Anderes, gegen etwas weniger klar Definiertes?</p> <p style="text-align: justify;">Soziale Medien, Daten Analyse und die Bedeutung zwischenmenschlicher Beziehungen im post-digitalen Zeitalter haben Fornieles&rsquo; Kunst stark beeinflusst und finden in Filmskripten und improvisierten Performances (Dorm Daze, 2011 und New York Happy Happy (NY NY HP HP), New Museum 2013) ihr inhaltliche Weiterentwicklung. In <em>Der Geist: Flesh Feast </em>werden diese miteinander verkn&uuml;pften Themenkomplexe mit ihren psychologischen und physischen Risiken weiterbearbeitet.</p> <p style="text-align: justify;">Die Di&auml;tpackungen existieren hier nicht als Produkte einer glitzernden Lifestylemarke, sondern werden durch Fornieles im Ausstellungsraum re-kontextualisiert und zu Objekten des deregulierten, ungez&uuml;gelten Kunstmarktes.</p> <p style="text-align: justify;">Diese Prinzipien des Austausches entstehen in einer Zeit, die verst&auml;rkt immateriellen Arbeit f&ouml;rdert mit einer gleichzeitig einhergehenden immer gr&ouml;&szlig;er werdenden Verzerrung der materiellen Produktion. Man kann sie als Strategien betrachten, die sich der &Ouml;ffentlichkeit bem&auml;chtigen &ndash; der Ort der identifizierbaren Beziehungen &ndash; in die sie durch ihre symbolische Beziehung zum Neoliberalismus als subjektformenden Aktivit&auml;ten zur&uuml;ckgef&uuml;hrt werden.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Zum Thema: </strong></p> <p style="text-align: justify;">Identit&auml;t wird aufgef&uuml;hrt- diese Erkenntnis ist gleichzeitig erm&auml;chtigend und be&auml;ngstigend; sich einzubringen tr&auml;gt das Risiko des Traumas und das Versprechen auf Hoffnung.</p> <p align="right">Diese Di&auml;ten sind f&uuml;r uns gemacht!</p> <p style="text-align: justify;">W&auml;hrend die Di&auml;tpackungen auf einem Marktwagen, der Frische und Nat&uuml;rlichkeit verspricht, verkauft werden, geben sie uns das New Age versprechen, dass sie uns als Person wachsen lassen. Wie Ockhams Rasiermesser reduzieren sie die Gewohnheiten, die Masse, die Abh&auml;ngigkeiten und im Kontrast zum kapitalistischen Mehr und Gr&ouml;&szlig;er, machen sie uns leichter, weniger. Die ausgestellten Skulpturen sind Teile in einem Erz&auml;hlkomplex, jedes berichtet von einem anderen kleinen Aspekt der Geschichte. Zun&auml;chst ist der K&ouml;rper des K&uuml;nstlers der Ort der Handlung, dann der des Betrachters, der hier auch der Esser, der Schlanker-Werdende, der Verbesserer genannt werden k&ouml;nnte.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Das Bild der Zukunft: </strong></p> <p style="text-align: justify;">Konsum und konsumiert werden modulieren sich durch ihre Austauschbarkeit und Durchl&auml;ssigkeit. Fornieles fragt, ob eine Umdeutung der Selbstoptimierungs-Di&auml;ten m&ouml;glich ist. Kann man Di&auml;ten, die ganz offensichtlich einem neoliberalen Selbstverbesserungswahn Vorschub leisten, f&uuml;r eine mehr ganzheitlich gepr&auml;gte Lebensweise und Gesellschaft umformulieren?</p> <p style="text-align: justify;">Hinweg mit den Widerspr&uuml;chen, rein mit der Bulletproof&reg;-Di&auml;t!</p> Thu, 28 Apr 2016 17:55:16 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Marley Freeman - Chert - April 29th - June 11th <p style="text-align: justify;">PORCINO re-opens in a new venue, together with Chert, in Ritterstr. 2a. For the first opening reception in the new space, Porcino is happy to host NY painter Marley Freeman.<br /> <br /> -----<br /> PORCINO is an exhibition space in Berlin located inside Chert Galerie. It was founded by David Horvitz in 2013.</p> Thu, 28 Apr 2016 17:51:25 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Tomás Saraceno - Esther Schipper - April 26th - May 28th <p style="text-align: justify;">Esther Schipper is pleased to present <em>Aerocene, </em>Tom&aacute;s Saraceno&rsquo;s second solo exhibition with the gallery. The exhibition will be on view from April 26 and continue through May 28, 2016. A special opening reception concurrently with 2016 Gallery Weekend Berlin will take place on Friday April 29 from 6&ndash;9 PM.</p> <p style="text-align: justify;">Tom&aacute;s Saraceno (b.1973, Argentina) combines insights from space exploration, science fiction, and geometries found in the biological sciences. <em>Cloud Cities, </em>Saraceno&rsquo;s most celebrated project, envisions a sustainable airborne city inspired by the morphology of soap bubbles, spider webs, cloud formations and astrophysics. In 2011 the artist&rsquo;s exhibition <em>Cloud Cities </em>filled the entire main hall of the Hamburger Bahnhof in Berlin with a fantastical landscape of suspended sphere-like structures, proposing new ways of inhabiting the environment. A large-scale, interactive <em>Cloud City </em>sculpture was presented on the roof garden of The Metropolitan Museum of Art in New York in 2012. Following the conceptual line of <em>Cloud Cities, </em>the <em>Aerocene </em>project that lends the title to the exhibition at Esther Schipper manifests as a choreography around the world, as traces in the air, as a series of airborne sculptures that will achieve the longest emission-free journey around the world: becoming buoyant only by the heat of the sun and infrared radiation from the surface of Earth. These aerosolar works are also presented in the exhibition.</p> <p style="text-align: justify;">For Saraceno, arachnology is an alternative tool for the investigation of the cosmos and he has embarked on a long-term artistic research dedicated to spider webs. One of his most spectacular arachnid inspired installations, Galaxy <em>Forming along Filaments, Like Droplets along the Strands of a Spider&rsquo;s Web </em>was exhibited in the 53rd Venice Biennale exhibition Making Worlds, in 2009. Saraceno further expanded on this work, in collaboration with world leading arachnologists and researchers, by being the first to scan, analyse, and reconstruct a three-dimensional spider web.</p> <p style="text-align: justify;">Like the lighter-than-air <em>Aerocene </em>sculptures, white silken filaments of spider webs could float into a jet stream and sail at a considerable height above the surface of the earth, questioning anthropogenic claims to the earth. In a recent series of works on paper made of spider silk and ink, Saraceno explores social cartography via spider &ldquo;ballooning,&rdquo; the unique air travel method by which the spider propels itself straight into the air by releasing thousands of single threads of spidersilk in quick succession which float entangled, mapping the environment.</p> <p style="text-align: justify;">In 2014 the artist expanded into the realms of sound and interspecies communication with an exhibition at Museo d&rsquo;Arte Contemporanea di Villa Croce, Genoa, Italy, further pursued in 2015 at the first solo exhibition in Southeast Asia, at NTU Centre for Contemporary Art Singapore, for which he turned spider webs into musical instruments. Attuning to the invertebrate lifeworlds, <em>Arachnid Orchestra </em>embodied the structural properties of spiders&rsquo; silk as well as their sophisticated mode of communication.</p> <p style="text-align: justify;">Saraceno&rsquo;s exhibition at Esther Schipper will premiere <em>Arachno Concert: With Arachne (Nephila senegalensis), Cosmic Dust (Porus Chondrite) and the Breathing Ensemble, </em>a chamber performance where wave frequencies extend from the vibratory world of the spider throughout the cosmos. In a dim room, an audience of ten visitors orchestrate an audiovisual piece as part of aa more-than-human ensemble resulting in a lasting spatial experience.</p> <p style="text-align: justify;">Collaborating closely with scientists from highly specialized disciplines, Tom&aacute;s Saraceno&rsquo;s utopian project distils this interdisciplinary knowledge, occupying the intersection of art and science. As French philosopher Bruno Latour writes in a forthcoming essay on Saraceno&rsquo;s work: &ldquo;Rare are the artists who have published papers with scientists because the science they had to feed on was too limited! To extend the frontier of art, Tom&aacute;s first had to push the frontier of [...] science.&ldquo;</p> <p style="text-align: justify;">Tom&aacute;s Saraceno has exhibited extensively. Recent solo exhibitions include: <em>Arachnid Orchestra. Jam Sessions, </em>NTU Centre for Contemporary Art, Singapore (2015); <em>Becoming Aerosolar, </em>21er Haus, Vienna (2015); <em>Cosmic Jive. Tom&aacute;s Saraceno: The Spider Sessions, </em>Museo d&rsquo;Arte Contemporanea di Villa Croce, Genova (2014); <em>In Orbit, </em>K21, D&uuml;sseldorf (2013&ndash;ongoing); <em>Tom&aacute;s Saraceno on the Roof: Cloud City, </em>Roof Garden Installation, Metropolitan Museum of Art, New York (2012); <em>On Space Time Foam, </em>HangarBicocca, Milan (2012); <em>Cloud Cities, </em>Maison Herm&egrave;s, Tokyo (2012); <em>Cloud Cities, </em>Hamburger Bahnhof&ndash;Museum f&uuml;r Gegenwart, Berlin (2011); <em>Cloud-Specific, </em>Kemper Museum of Contemporary Art, St. Louis (2011); <em>14 billion, </em>Bonniers Konsthall, Stockholm (2010), and <em>Tom&aacute;s Saraceno: Lighter than air, </em>Blaffer Gallery, University of Houston, Houston (2010) iterated from <em>The Walker </em>Art Center, Minneapolis (2009). In June 2016, Tom&aacute;s Saraceno&rsquo;s solo exhibition will open at MARCO, Museo de Arte Contemporaneo in Monterrey, Mexico.</p> <p style="text-align: justify;">Saraceno&rsquo;s work is included in the collections of The Museum of Modern Art, New York; SFMOMA, San Francisco; Walker Art Center, Minneapolis; Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, Berlin; Museum f&uuml;r Moderne Kunst, Frankfurt; The National Gallery of Denmark; Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art, Brisbane, Australia, and Istanbul Modern Art Museum, Istanbul, Turkey.&nbsp;</p> Thu, 28 Apr 2016 17:45:05 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list David Horvitz - Chert - April 29th - June 11th <p style="text-align: justify;">We are glad to invite you at our new space in Ritterstr. 2a, for the opening reception of David Horvitz's new solo show.<br /> <br /> David Horvitz's solo exhibition, "ja", is all about water. <br /> <br /> Water clouds, water bottles, water damages, evaporation, invisibility, distance, navigation, connection and insurance.</p> Thu, 28 Apr 2016 17:35:26 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Megan Rooney - croy nielsen - April 29th - June 4th <p style="text-align: justify;">On the occasion of the Berlin Gallery Weekend, we look forward to the opening of Megan Rooney's solo 'Piggy Piggy' at the Garage.</p> <p style="text-align: justify;"><br /> Kindly supported by the Canadian Embassy Berlin</p> <p style="text-align: justify;">Gallery Weekend Berlin<br /> Opening Friday, April 29, 6 &ndash; 9 pm<br /> Saturday and Sunday,<br /> April 30 and May 1<br /> 11 am &ndash; 7 pm<br /> 4. May &ndash; 4. June 2016<br /> Wed &ndash; Sat 12 &ndash; 6 pm</p> Thu, 28 Apr 2016 17:33:45 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list