ArtSlant - Recently added en-us 40 - Martin-Gropius-Bau - October 21st - January 15th, 2017 <div class="accordiontext_module"> <div class="intro"> <p>Based on selected distinguished national and international projects, the exhibition represents the state of the art in sustainable and modern timber architecture. The presentation spans from spectacular projects by Toyo Ito, Shigeru Ban and Frei Otto to direction setting urban timber houses such as those by Kaden &amp; Klingbeil in Berlin/Prenzlauer Berg, and upwards to the newest trends in high-rise buildings realized in timber. Plans, excerpts and photographs accompany the large-sized models.</p> </div> <div class="cont"> <p>A building material which has been falling into obscurity from the beginning of the modern era begins its return to contemporary architecture and the public consciousness. Whilst steel, glass, brick and concrete have long been symbols for modern building, now a construction material which is probably the oldest in history enriches the architecture of today. The renaissance of modern timber building began in the early nineties and seems set to develop continuously. A familiar material presents itself in a new diversity. Ongoing research is yielding huge development and improvement in structural engineering and in the use of timber. Computer aided methods in calculation and production offer completely new forms of design. One of mankind&rsquo;s oldest building materials therefore now provides innovative and interesting contributions to modern architecture.</p> <p>The exhibition presents sensational timber architecture which is being developed all over the world and which was unimaginable until a short time ago. It provides clear responses to the pressing questions of climate change. Visually it will be demonstrated how timber buildings retain the climate relevant gas carbon dioxide and how conventional, energy intensive building materials can be replaced by the use of a truly renewable resource. This aspect is backed up by eco balance reports on existing buildings. It is clear that wood has become the symbol of sustainability and of resource-saving building. Such hope for the solutions to the environmental problems of the construction industry can be found in no other building material.</p> <p>The narrative of the exhibition begins in the woods. Its importance for our environment and society will be explained and the reasons as to why it is sensible to use this fascinating material will be explored. The circle is completed by the portrayal of the increasing significance of alternative varieties of wood, such as hardwoods which will become more relevant in the industry&rsquo;s future.</p> <p>The fascination for a material which grows - so to speak - next door and which is uniquely useful in so many ways will be shown in the exhibition. A material which has demonstrated for centuries its suitability for use in huge structures as well as for furniture and which is still associated with feelings of comfort by many people.</p> <p>The exhibition is curated by Professor Hermann Kaufmann in cooperation with Professor Winfried Nerdinger both of Technical University of Munich. It is organized in cooperation with the DAZ &ndash; Deutsches Architektur Zentrum (Center of German Architecture) in Berlin and sponsored by the DBU &ndash; Deutsche Bundesstiftung Umwelt (German Federal Environmental Foundation), DHWR &ndash; Deutscher Holzwirtschaftsrat e.V. (Council of German Forestry Industry), GdW &ndash; Bundesverband deutscher Wohnungs- und Immobilienunternehmen e.V. (Federation of German Real Estate Companies), proholz Bayern, Verband des Bayerischen Zimmerer- und Holzbaugewerbes (Bavarian Association of Carpentry and Woodworking Industries) and Bayerische Staatsforsten A&ouml;R (Bavarian State Forest institution of public-law).</p> <p>More information:&nbsp;<a title="" href="" target="_blank" rel="nofollow"></a></p> </div> </div> <div class="event_details"> <div class="event_organizer"> <p>ORGANIZER&nbsp;Technische Universit&auml;t M&uuml;nchen. An exhibition of the Associate Professorship of Architectural Design and Timber Construction and the Architekturmuseum der Technischen Universit&auml;t M&uuml;nchen in cooperation with Deutsches Architektur Zentrum DAZ, supported by the German Federal Environmental Foundation (DBU), the German Wood Council (DHWR), the German Association of Housing Enterprises and Housing Cooperatives (GdW) and proHolz Bavaria.</p> </div> </div> Thu, 22 Sep 2016 14:23:53 +0000 - Martin-Gropius-Bau - October 8th - January 9th, 2017 <div class="accordiontext_module"> <div class="intro"> <p>Germany? But where is it?<br />I cannot find the country<br />Johann Wolfgang von Goethe, 1796</p> <p>On 9 November 1989, media all over the world reported on the fall of the Berlin Wall &ndash; an event that gave rise to a new, united Germany. Today, this Germany plays an important role in world affairs. For decades, citizens in East and West Germany lived under different political systems, but they had many deep-rooted memories in common.</p> </div> <div class="cont"> <p>This exhibition explores some of these memories on the basis of approximately 200 objects that originated during the last 600 years in Germany, and which are formative for culture, business and politics &ndash; past and present. They tell stories of great German achievements, of philosophers, poets and artists, and of historical events that have shaped the face of Germany today. A nation that has emerged in the shadow of the most terrible memory of all, the Holocaust.</p> <p>There are memories that are well known, and others that have yet to be discovered or newly rediscovered. The selected works often tell several stories and paint a nuanced picture of Germany&rsquo;s complex history. Using high-profile museum pieces and historical documents, the exhibition&rsquo;s five chapters outline, in thematic and chronological jumps, how Germany ultimately became what it is today:</p> <p>Germany - Memories of a Nation<br />Fluid borders<br />Empire and Nation<br />Made in Germany<br />Crisis and Remembrance</p> <p>The exhibition begins and ends with the year 1989 and Gerhard Richter&rsquo;s Betty from 1991, who is glancing back.</p> <p>Valuable works are on display, such as Albrecht D&uuml;rer&rsquo;s 1515 woodcut of a rhinoceros and the 1730 porcelain version of Johann Gottlieb Kirchner, which was based on a template from D&uuml;rer. They represent two of the most valuable technological and artistic achievements of the German world: modern printing and the invention of porcelain. Porcelain was re-invented in the early 18th century in Mei&szlig;en. It became an important European industry and proved competition to China&rsquo;s &ldquo;white gold&rdquo;. The grandiose Nuremberg Chronicle from 1493 reflects the introduction of the print, which was invented by Johannes Gutenberg in the 15th century. Through this invention, knowledge and art would easily be disseminated throughout Europe.</p> <p>The astrolabe of 1596 displays German precision and the highest standards in gold work. Skilful German metal craftsmen built some of the best scientific instruments of Early Modern times. Johann Anton Linden was one of them. His astronomical compendium is as big as an eBook reader &ndash; and is a world time clock and GPS in one. An aphorism is engraved: &ldquo;Time is running out. Death is like a threshold that you have to cross.&rdquo;</p> <p>One of the most impressive objects of the exhibition is Ernst Barlach&rsquo;s bronze sculpture, entitled The Floater (&ldquo;Schwebender&rdquo;). It's an angel in another form: the mouth and eyes are closed, the wings are folded, the gaze directed inward. Barlach (1870-1937) created it in 1926 on behalf of G&uuml;strower Church Council as a war memorial for the 700th&nbsp;anniversary of the cathedral. The face is reminiscent of the artist K&auml;the Kollwitz, who lost her son in the war in October&nbsp;1914. It represents the pain of all mothers.</p> <p>Barlach enthusiastically enlisted himself for military service in 1915. He came back a pacifist. In 1933, the Nazis removed his sculptures from public spaces. He was considered a &ldquo;degenerate&rdquo; artist; because his style had nothing to do with heroism. In August 1937, the angel was removed from the cathedral, brought to Schwerin and melted down in 1940 for the war effort. The plaster mould was saved, and a second recast was made and hidden in a village near L&uuml;neburg. In 1951, the angel was meant to be issued again. However, G&uuml;strow was in East Germany, 160&nbsp;km from Berlin. The Cold War was in full swing. It was also unclear how the GDR would deal with Barlach&rsquo;s art, so the cast was issued in Cologne&rsquo;s Antoniterkirche. It wasn&rsquo;t until 1953 that a faithful cast for the G&uuml;strow Cathedral was made. On 13 December 1981, Helmut Schmidt, former Chancellor of Germany, and Erich Honecker, then General Secretary of the East German Socialist Unity Party of Germany, visited Barlach&rsquo;s angel in the cathedral in an official state visit. For both heads of state, the angel represented a common memory.</p> <p>In 1937, the Buchenwald concentration camp was built at the gates of Weimar &ndash; the city of Goethe and Schiller, of Bauhaus, and the cradle of the democratic constitution of the Weimar Republic. According to estimates, approximately 56,000&nbsp;people died there by 1945. The camp gate of Buchenwald was built in 1938. It bears the inscription &ldquo;To each his own&rdquo;. It was designed by Franz Ehrlich, former Bauhaus student who was detained in the Buchenwald concentration camp. The signature is attached and legible from the inside. The prisoners would have had the inscription constantly before their eyes. The inscription hearkens back to the two-thousand-year old Roman legal principle: &ldquo;To live honourably, to hurt no one, to give each his own [suum cuique]&rdquo;.</p> <p>Twelve years of Nazi terror counts as one of Germany&rsquo;s central, inescapable memories. The years led to the systematic murder of six million Jews and brought death and destruction throughout Europe.</p> <p>Many artists, including Georg Baselitz, process this time again and again in their work. In his 1977 etching &ldquo;Eagle&rdquo;, the German eagle and the flag of democratic Germany are worn and frayed and upside down; a reflection perhaps on the fragility of these ideals.</p> <p>The exhibition traces German identity from a British perspective. The result is a dialogue between Germany and its history.</p> <p>A British Museum exhibition. Curator: Barrie Cook, historian at the British Museum. Initiated by Neil MacGregor, former Director at the British Museum, London, and created on the basis of his Beck-Verlag book.</p> <p>The Martin-Gropius-Bau is grateful to the Federal Government Commissioner for Culture and Media, whose funding made this exhibition possible, as well as the German Historical Museum and the Berlin State Museums for the generous loaning of items; to the Friede Springer Foundation for the generous support of the education programme.</p> </div> </div> <div class="event_details"> <div class="event_organizer"> <p>ORGANIZER&nbsp;Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau. An exhibition of the British Museum accompanied by a book of Neil MacGregor.</p> </div> </div> Thu, 22 Sep 2016 14:25:55 +0000 - Martin-Gropius-Bau - September 30th - January 8th, 2017 <div class="accordiontext_module"> <div class="intro"> <p>Gestaltung&nbsp;(design) is research, and research is&nbsp;Gestaltung. Using models, tools and images, the exhibition reveals the fundamental importance of creative processes for science and research for the first time. From the hand ax to the 3D-printed organ, from biomimetic materials to feeling prostheses,&nbsp;+ultra. knowledge &amp; gestaltung&nbsp;presents the value of the insights and knowledge gained through the human transformations of nature, as well as their consequences. In a world, in which nature itself appears already shaped by human hand, the boundaries between nature and culture, organic and inorganic, matter and mind are increasingly eroding. Visitors can experience this tension as they explore expansive installations and witness images operations in which reality and simulation merge.<br /><br /><a title="" href="" rel="nofollow" target="_blank"></a></p> </div> </div> <div class="event_details"> <div class="event_organizer"> <p>ORGANIZER&nbsp;Cluster of Excellence &ldquo;Image Knowledge Gestaltung. An Interdisciplinary Laboratory&ldquo;, Humboldt-Universit&auml;t zu Berlin<br /><br />Supported by the Deutsche Forschungsgemeinschaft (DFG), the foundation Stiftung Deutsche Klassenlotterie Berlin (DKLB), Einstein-Foundation Berlin, Schering Stiftung, Sparkasse Berlin, Humboldt-Universit&auml;ts-Gesellschaft<br />CURATOR&nbsp;Nikola Doll in collaboration with Katharina Lee Chichester<br />MEDIA PARTNERS&nbsp;Berliner Zeitung, ZITTY, tip berlin Himbeer-Magazin Berlin</p> </div> </div> Thu, 22 Sep 2016 14:14:32 +0000 Group Show - Circle Culture Gallery - September 17th - November 5th <p>You can observe the desire for the &lsquo;raw&rsquo; that is present in all segments of contemporary culture: a yearning for the authentic, the natural, the free and the real. In an architectural context, the choice of raw concrete and the creation of powerful structures enabled by its brutal looking textures stood for a whole era in the 1960s. A time when natural values, the hippies and "back to nature" mingled with new paradigms in construction techniques and urbanist utopia. The brutalist movement was born.<br /><br />Today, we can feel parts of that era coming back to life. Overfed by plastic, pollution and consumption, we hark back to humble and natural values. From L.A. to Shanghai to Berlin, we are going back to unprocessed and healthy food. In our local coffee spots we get lost in nostalgia for &lsquo;the little farm on the prairie&rsquo;, and sheer simplicity is experiencing a renaissance among the global interior design community through the Japanese philosophy of Wabi Sabi. Back to raw is not just another global hipster trend, it reflects the deepest and most healing reflex of humankind to feel connected to nature, things and through that to the universe. <br /><br />The fiercely active Facebook community &ldquo;The Brutalism Appreciation Society&rdquo; celebrates that longing for brutally naturalistic architecture fantasies with its very existence. One would suppose that such a passion for textures and violent structures appeals to our almost erotic reflexes. Our deep human condition is touched, embraced. Also our collective unconsciousness is talking aloud&mdash;a liberation of consumptive oppression and destruction of our nature by industrialised artificiality. Humanity has just begun to understand that it needs to adapt to nature and not the other way around. Preserved indigenous tribes of the Amazon rainforest still cultivate an integrative and respectful way of life in relation to the planet, the flora and fauna: wisdom and sagacity that we lost thousands of years ago in the pursuit of power and money. <br /><br />&ldquo;Raw Desires: Brutalism &amp; Violent Structures&rdquo; is less an architectural review on brutalism than an attempt to translate a specific feeling, one that captivates so many in our society. The various works here are challenging in their questions. They focus on realities, psychologize urban structures, redefine the given, recontextualize nature and eroticize roughness.</p> Wed, 21 Sep 2016 16:34:13 +0000 James White - Gerhardsen Gerner - November 4th - December 3rd <p style="text-align: justify;">"<em>The film lives as long as it is dark in the cinema</em>." (Samuel Goldwyn)</p> <p style="text-align: justify;">Gerhardsen Gerner is very pleased to announce the fifth solo exhibition with the British painter James White at the Berlin gallery.</p> <p style="text-align: justify;">James White presents eight new paintings on acrylic faced aluminum honeycomb panels, which in turn are mounted in voluminous plexiglass boxes. They are all kept to the same intimate medium format and are arranged as four horizontal formats and four portrait formats. However, the image on display is always oriented horizontally. In this exhibition, White's photorealistic paintings are consistently executed in black and white to show close up interior shots.</p> <p style="text-align: justify;">The landscape formats portray incidental snapshots in temporarily appropriated spaces. The impersonality of the decor suggests hotel rooms but a closer look corrects this random impression. The paintings are strategically aligned to the material qualities of the depicted objects and open up unusual perspectives onto the objects that surround us every day.</p> <p style="text-align: justify;">White dedicates two of the horizontal formats to bathrooms, with their glossy surfaces and refined light and shadow situations. The grain of the wood panels, the marble countertops, reflecting mirrors, metal rods, light refraction in water glasses, cardboard and cellophane, dull plastic or soft towels impress through their materiality within the possibilities of painting.</p> <p style="text-align: justify;">The portrait formats, in turn, could have come from anywhere : a sheet of crumpled paper in the artists studio, a ceiling fan in a hotel room&nbsp;photographed with strong flash, a collection of extendable mirrors for bathrooms that are stacked against each&nbsp;other in a storeroom, another extendable mirror partially reflects a circular window.</p> <p style="text-align: justify;">Most of the paintings include at least one mirror and there are many reflective surfaces which open the narrowly focused scene into another dimension. This allows the&nbsp;viewer the illusion or a distorted notion of what is beyond the image space which evokes associations with film and its techniques: in cutaway shots the camera briefly fixes on an object related to the main action to change the pace or mood of the scene. The narrative continues outside the image area or a parallel plot is introduced. This also seems to be the case with White&rsquo;s images, what is implied or inferred becomes the real subject matter of the work. It is up to us to further imagine the room with its occurrences and to fill it with meaning.</p> <p style="text-align: justify;">This disjointed impression is enhanced by the white bars that are placed on three sides around the horizontal image sections. The sharp white edges mark the end of each section, yet the space continues. White thus adds a confusing graphic element to his paintings. The "pages" are designed so that they might also suggest the lay-out of an art catalogue. It could also be suggested that White humorously refers to Walter Benjamin, using the medium of his exceedingly precise painting to pose the question as to the uniqueness of the painting due to its technical reproducibility.</p> <p style="text-align: justify;">In their shiny black and white, the works exude a quiet, thoughtful intimacy, inviting the viewer to meditate. At the same time they seem aseptic with their clinically white bars, separated from the outside and locked away behind vitrine like plexiglass. In these new paintings White further emphasizes the object quality of his work with the plexiglass boxes allowing a clear view of the specifically constructed substrate &ndash; a look behind the scenes.</p> <p style="text-align: justify;"><br /> James White was born in 1967 in Tiverton, Devon. He lives and works in London. His work has been exhibited widely in Europe and the United States.<br /> White was a John Moores 24 prizewinner in 2008 and the subject of a major monograph, James White: Paintings, with essays by Martin Herbert and Jeremy Millar, published in 2011 by FUEL.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><strong>&bdquo;</strong><em>Der Film lebt so lange, wie es im Kino dunkel ist</em>.<strong>&ldquo;</strong>(Samuel Goldwyn)</p> <p style="text-align: justify;">Gerhardsen Gerner freut sich sehr, die f&uuml;nfte Einzelausstellung mit dem britischen Maler James White in der Berliner Galerie ank&uuml;ndigen zu k&ouml;nnen.</p> <p style="text-align: justify;">James White pr&auml;sentiert acht neue Malereien auf akrylbeschichteten Aluminiumwabenplatten, die wiederum in volumin&ouml;se Plexiboxen aufmontiert sind. Alle sind sie in demselben intimen Mittelformat gehalten und gerecht in vier Querformate und vier Hochformate aufgeteilt. Jedoch ist der dargestellte Bildausschnitt immer horizontal ausgerichtet. White konzentriert sich in seiner fotorealistischen Malerei auch in dieser Ausstellung konsequent auf in Schwarz-Weiss gefasste Interieuraufnahmen mit engem Bildausschnitt. <br /> Die Querformate beschreiben zuf&auml;llig entstandene Momentaufnahmen in tempor&auml;r angeeigneten R&auml;umen, die Unpers&ouml;nlichkeit der Einrichtung l&auml;sst auf Hotelzimmer schlie&szlig;en. Bei n&auml;herer Betrachtung aber schwindet der zuf&auml;llige Aspekt, die Gem&auml;lde sind strategisch nach Materialqualit&auml;ten der abgebildeten Gegenst&auml;nde angelegt und er&ouml;ffnen ungew&ouml;hnliche Blickwinkel auf jene Objekte, die uns t&auml;glich umgeben.</p> <p style="text-align: justify;">White widmet sich in zwei der Querformate Hotelbadezimmern mit ihren gl&auml;nzenden Oberfl&auml;chen und raffinierten Licht- und Schattensituationen. Die Maserungen der Holzpanelen, die Ablagefl&auml;chen aus Marmor, reflektierende Spiegel, Metallstangen, Lichtbrechung in Wassergl&auml;sern, Karton und Zellophanfolie, stumpfes Plastik oder weiche Handt&uuml;cher bestechen durch ihre Malerei gewordene Stofflichkeit. <br /> Die Hochformate wiederum k&ouml;nnten &uuml;berall entstanden sein und beziehen sich inhaltlich nicht zwingend auf die Hotelthematik: ein Blatt zerknittertes Papier auf einer Marmortischplatte, ein mit starkem Blitz fotografierter wei&szlig;er Ventilator an heller Zimmerdecke, eine Ansammlung von Ausziehspiegeln f&uuml;r Badezimmer, die auf einer Holztreppe drapiert sind, ein Ausziehspiegel vor einem angeschnittenen, runden Fenster.</p> <p style="text-align: justify;">Die meisten Gem&auml;lde beinhalten wenigstens einen Spiegel und es gibt viele reflektierende Oberfl&auml;chen, welche die enge Bildfl&auml;che in eine weitere Dimension &ouml;ffnen und den Betrachtern die Illusion oder eine verzerrte Ahnung von dem erm&ouml;glichen, was au&szlig;erhalb der Bildfl&auml;che liegt. Das weckt im Betrachter Assoziationen zu Film und seinen Techniken: in Cutaway shots fixiert die Kamera in einer kurzen Sequenz ein Objekt, das mit der Haupthandlung in Zusammenhang steht, um die Atmosph&auml;re oder die Geschwindigkeit im Film zu &auml;ndern. Die Handlung kann au&szlig;erhalb des Bildausschnittes weitergehen oder eine Parallelhandlung wird eingef&uuml;hrt. So scheint es sich auch mit Whites Ausschnitten zu verhalten, denn die eigentliche, vielleicht dramatische Handlung seiner Szenen spielt sich au&szlig;erhalb des Sichtbaren ab. Es bleibt uns &uuml;berlassen, den Raum mit seiner Handlung weiterzuspinnen und ihn mit Bedeutung anzuf&uuml;llen.</p> <p style="text-align: justify;">Das Moment des Ausschnitthaften wird durch die wei&szlig;en Balken verst&auml;rkt, die sich an jeweils drei Seiten um die horizontalen Bildausschnitte legen. Die scharfen wei&szlig;en Kanten markieren das Ende jedes Ausschnittes, der Bildgrund geht jedoch weiter. White f&uuml;hrt hiermit ein verwirrendes graphisches Element in seine Bilder ein. Die &sbquo;Seiten&rsquo; sind so gestaltet, dass es sich auch um das Lay-out eines Kunstkataloges handeln k&ouml;nnte. Fast augenzwinkernd scheint White auf Walter Benjamin zu verweisen, und wirft im Medium seiner &uuml;bergenauen Malerei die Frage nach der Einzigartigkeit des Gem&auml;ldes durch seine technische Reproduzierbarkeit auf.</p> <p style="text-align: justify;">In ihrem gl&auml;nzenden Schwarz-Wei&szlig; strahlen die Werke eine ruhige, nachdenkliche Intimit&auml;t aus, sie laden zur Meditation ein. Gleichzeitig wirken sie aseptisch mit ihren klinisch wei&szlig;en Balken, separiert vom Au&szlig;en und weggeschlossen hinter transparenten Plexiboxen. In seinen neuen Malereien hebt James White mehr und mehr die Objekthaftigkeit seiner Arbeiten hervor. Die volumin&ouml;sen Plexiboxen lassen den Blick frei auf die Bildkanten aus Wabenplatten in Aluminium und &ndash; er&ouml;ffnen so einen Blick hinter die Kulissen.</p> <p style="text-align: justify;"><br /> James White wurde 1967 in Tiverton geboren und lebt und arbeitet in London. Ausstellungen unter anderem: New Paintings, The Goss-Michael Foundation, Dallas; NATURE MORTE: Contemporary Artists reinvigorate the Still Life, Ha gamle prestegard, Stavanger; The Adventure of Reality: International Realism, Kunsthal, Rotterdam; Go for It! Art from the Olbricht Collection, Weserburg Museum of Modern Art, Bremen; All Tomorrows Pictures, ICA, London. <br /> White hat im Jahr 2008 den John Moores 24 Preis f&uuml;r Malerei erhalten. 2011 erschien die gro&szlig;e Monographie &bdquo;James White: Paintings&ldquo;, mit Essais von Martin Herbert und Jeremy Millar (erschienen bei FUEL).</p> Wed, 21 Sep 2016 16:19:20 +0000 - Tanya Leighton Gallery - September 3rd - October 8th <p style="text-align: justify;">OPENING 2 September, 6-9PM<br />OPENING SPEECH 6:30PM<br /><br /><br />(TO THE SPECTATOR:)<br /> <br /> IMAGES (&amp;/OR) LANGUAGE (&amp;/OR) GESTURES (&amp;/OR) FICTIONS:<br /> <br /> ALL IN TIME: <br /> (FROM THE 18TH HOUR OF THE 2ND DAY OF THE 9TH MONTH <br /> THROUGH THE 18TH HOUR OF THE 8TH DAY OF THE 10TH MONTH <br /> OF THE 2,016TH YEAR)<br /> <br /> &amp; CONSISTING OF:<br /> <br /> 1. CONSTRUCTIONS:<br /> PICTORIAL, TEMPORAL, HYPOTHETICAL<br /> <br /> &amp; 2. CONDITIONS:<br /> LINGUISTIC, SPATIAL, DISTRIBUTIONAL<br /> <br /> &amp; 3. CONSEQUENCES:<br /> PLACED WITHIN &amp; DISPERSED INTO NETWORKS OF SOCIAL RELATIONS, REFLECTING SURROUNDINGS, LIKE KNIVES IN WATER<br /> <br /> (THREE TENUOUS PLANES OF FOCUS<br /> VARIEGATING:<br /> WITH FLUCTUATIONS IN OXYGEN LEVELS,<br /> BY THE WEIGHT OF A FINGERPRINT)<br /> <br /> &amp; APPEARING ONLY LONG ENOUGH TO SUGGEST <br /> WHAT COULD HAVE BEEN <br /> &amp; REMEMBERED ONLY INSOFAR AS THEY SUGGEST <br /> WHAT STILL COULD COME:<br /> <br /> A LENS AS A CONDUIT CONSTRUCTED TO BE FOGGED<br /> A SKIN AS A PRECIPICE DESIGNED TO BE FLAYED</p> Wed, 21 Sep 2016 16:11:36 +0000 Louisa Clement, Anna Vogel, Moritz Wegwerth - Sprüth Magers Berlin - September 17th - October 29th <p style="text-align: justify;">The formal manifestations of their work are as varied as the concepts behind them, and yet Louisa Clement, Anna Vogel and Moritz Wegwerth have one thing in common: they are among the first students Andreas Gursky admitted into his fine art class at the Kunstakademie D&uuml;sseldorf in 2010. The interdisciplinary structure of the class (students work with photography along with diverse media including painting, sculpture, video, performance) is a constant challenge to broaden one&rsquo;s own horizons. Two approaches appear central to Gursky&rsquo;s teaching: first, that he encourages his students to delve intensively into the history of their respective medium; second, he motivates them to work with current social circumstances. These factors also play an important role in the three artists&rsquo; works. <br /> <br />The early, 22-part photo series <em>On One&rsquo;s Way</em> (2013) by Louisa Clement (b. 1987), bundles unusual visual experiences from various train rides spread out over the course of a year. The things that caught her photographic attention were places and spaces that would normally elude practical perception: the sliding mechanism on the door, for example, the ventilation grid and armrest. Clement photographs with a smartphone, which plays an important part of her aesthetic. The same is true of her 2015 series <em>Heads</em>, for which the artist photographed mannequin heads through the store windows of fashion shops. She only chose mannequins whose heads had no facial features, so the longer we look at those empty faces, the more we imagine certain characters. Clement&rsquo;s heads provide ample opportunity for creative projection. </p> <p style="text-align: justify;">With the series <em>Fractures</em> (2016), the artist delves once again into the world of display windows. As with Heads, all of the images feature a background with color taken from the original environment. For Clement, the isolated body fragments serve as a metaphor for the everyday search for identity. In this sense, it is only logical that she titled her most recent series <em>Avatar</em> (2016). In a world of social media and virtual reality, the age-old longing to be someone else is closer to fulfillment than ever before. <br /> <br />Anna Vogel (b. 1981) deconstructs the traditional photographic realm in her work. A number of her photographs have been sliced with a cutter and painted over with lacquer and acrylics. In <em>Translator III</em> and <em>IV</em> (2016), she has omitted the photographic image completely. The light-to-dark gradient backgrounds are computer generated, and then drawn over using specially made stencils &mdash; a painstaking and also meditative working process. The photo paper acts as an indicator of photography; it gives the work the character of a technical image. </p> <p style="text-align: justify;">Another narrative strand appears in technical objects that the artist has taken to her studio and edited on the computer. <em>Tinted Transformer III</em> or <em>Protection I</em> and <em>II</em> (2016) show subjects from the field of motor racing. The scrubbed environment and objects themselves appear almost flawless. <br />With <em>Groundblast</em> (2016), we get an idea of what is happening on this side of the world&rsquo;s user interfaces. The image of a chimney detonation is largely isolated from elements related to its location and conjures associations with current war scenarios. The warships in <em>Salto di Quirra I</em> and <em>II</em> (2015), which superficially recall Romantic imagery, in fact refer to an environmental scandal caused by weapons testing in a restricted military zone. Nearby residents of the eponymous place in Sardinia have suffered under these tests for decades. <br /> <br />Moritz Wegwerth (b. 1981) studies details of the world with an eye for the seemingly negligible. The artist has created a digital archive on the history of photography that includes some 50 protagonists from Eug&egrave;ne Atget to Annette Kelm &mdash; a constant touchstone for his own activity. He uses it to question each new work and its claim to validity in a contemporary context. His interest lies in individual images, not series. The work <em>Gamescom II</em> (2016) shows participants in the world&rsquo;s biggest video game show in almost total darkness, waiting to be let in. The representational context appears extremely minimal, so that at first glance a viewer might believe they are looking at a kind of black-red ornament. It is only on closer inspection that we see the precisely balanced ratio of crowd density and spatial depth that characterizes the work. </p> <p style="text-align: justify;">In <em>Ultramarine</em> (2016), the focus is on the blue reflection of the water-filled rain gutter that cuts vertically across the snapshot image. A lightning rod mounted on the flat roof forms a strange curve with no technical justification, except for the inimitable obstinacy of the workman who put it there. In this respect, the work also reflects the artist&rsquo;s own, subtle sense of humor. Wegwerth visited Sabbathday Lake Shaker Village, a settlement for members of the Shaker faith community, as part of a fellowship program at the Skowhegan School of Painting &amp; Sculpture in Maine. He struck up a conversation with Brother Arnold Hadd, one of the last active Shakers, who invited him to live and work in the village for a week. This encounter led to the large-format work <em>Shaker Trees</em> (2016) &mdash; a reminiscent look at the remote location, but also much more of a monument, or tribute, to the open countryside. Again, the artist has made only minimal changes, in this case by converting the image to black and white. <br /> <br />The idea that photography has the ability to represent perception and experience plays an important role in the work of Louisa Clement, Anna Vogel and Moritz Wegwerth. All of them build on a tradition that emerged from their study of photography as a medium. The perception of an artwork is not understood as a passive act to be taken for granted, but rather as a product of cultural and historical circumstances. <br /> <br />The exhibition is being held as part of the <em>EMOP Berlin &ndash; European Month of Photography 2016</em>. <br />The Berlin gallery is concurrently presenting the solo exhibition <a href="" target="_blank"><em>THE JUNGLE</em></a> by Sterling Ruby.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Die Erscheinungsformen ihrer Arbeiten sind so unterschiedlich wie die Konzepte, die ihnen zugrunde liegen, und doch haben Louisa Clement, Anna Vogel und Moritz Wegwerth eines gemeinsam: Sie geh&ouml;ren zu den ersten Studenten, die Andreas Gursky 2010 in seine Klasse f&uuml;r Freie Kunst an der Kunstakademie D&uuml;sseldorf aufnimmt. Die interdisziplin&auml;re Struktur der Klasse &ndash; neben Fotografie wird mit Malerei, Skulptur, Video, Performance gearbeitet &ndash; bietet st&auml;ndig Anlass den eigenen Horizont zu erweitern. Zwei Ans&auml;tze erscheinen in Gurskys Unterricht zentral: zum einen, dass er seine Studenten anh&auml;lt, sich intensiv mit der Geschichte ihres jeweiligen Mediums auseinanderzusetzen, zum anderen, dass er sie auffordert, sich mit den gegenw&auml;rtigen gesellschaftlichen Umst&auml;nden zu besch&auml;ftigen. Insofern spielen diese Gesichtspunkte auch in den Arbeiten der drei K&uuml;nstler eine wichtige Rolle. <br /> <br />Die fr&uuml;he 22-teilige Fotoserie <em>On One&rsquo;s Way</em> (2013) von Louisa Clement (*1987), b&uuml;ndelt die ungew&ouml;hnlichen visuellen Erlebnisse diverser Zugfahrten, die sich &uuml;ber ein Jahr lang erstreckten. Ihr fotografischer Blick verfing sich dabei an Stellen und Zwischenr&auml;umen, die der praktischen Wahrnehmung normalerweise entgehen: am Gleitmechanismus der Schiebet&uuml;r etwa, am L&uuml;ftungsgitter, an der Armlehne. Clement fotografiert mit dem Smartphone, es macht einen wichtigen Teil ihrer &Auml;sthetik aus. Das gilt auch f&uuml;r die 2015 entstandene Serie Heads. Hierbei fotografiert die K&uuml;nstlerin K&ouml;pfe von Schaufensterpuppen durch die Au&szlig;enscheiben von Model&auml;den. Sie w&auml;hlt ausschlie&szlig;lich Puppen, deren K&ouml;pfe keine Gesichtsz&uuml;ge aufweisen. Je l&auml;nger wir diese leeren Gesichter betrachten, desto st&auml;rker imaginieren wir bestimmte Charaktere. Clements K&ouml;pfe geben vielerlei Anlass zu gestaltender Projektion. Mit der Serie <em>Fractures</em> (2016) begibt sich die K&uuml;nstlerin erneut in die Schaufensterwelt. Wie bei <em>Heads</em> sind auch hier s&auml;mtliche Bildhintergr&uuml;nde mit einer Farbigkeit versehen, die der urspr&uuml;nglichen Umgebung entnommen ist. Die isolierten K&ouml;rperfragmente sind f&uuml;r Clement Metapher einer allt&auml;glichen Identit&auml;tssuche. Insofern ist es nur konsequent, dass sie ihre j&uuml;ngste Serie <em>Avatar</em> (2016) nennt. Das uralte Verlangen jemand anderes sein zu wollen, wird heutzutage mehr denn je durch sozialen Medien und virtueller Realit&auml;t erf&uuml;llt. <br /> <br />Anna Vogel (*1981) dekonstruiert in ihrem Werk den traditionellen fotografischen Horizont. Ihre Fotoarbeiten sind teilweise mit dem Cutter eingeritzt sowie mit Lack und Acryl &uuml;bermalt. Bei <em>Translator III</em> und <em>IV</em> (2016) verzichtet sie gar v&ouml;llig auf das fotografische Abbild; die helldunkel verlaufenden Bildgr&uuml;nde sind computergeneriert und anschlie&szlig;end mit eigens gefertigten Schablonen &uuml;berzeichnet. Ein akribischer und zugleich meditativer Arbeitsprozess. Das Fotopapier fungiert hier als Indikator f&uuml;r Fotografie, es verleiht der Arbeit den Charakter des technischen Bildes. Ein weiterer Erz&auml;hlstrang zeigt sich in technischen Gegenst&auml;nden auf, die die K&uuml;nstlerin im Studio aufnimmt und am Computer bearbeitet. <em>Tinted Transformer III</em> oder <em>Protection I</em> und <em>II</em> (2016) stellen Motive aus dem Bereich Motorsport dar. Die bereinigte Umgebung und die Gegenst&auml;nde selbst erscheinen geradezu makellos. In der Arbeit <em>Groundblast</em> (2016) bekommen wir eine Vorstellung davon, was sich diesseits der Benutzeroberfl&auml;chen in der Welt zutr&auml;gt. Das Motiv der Sprengung eines Schornsteins, ist weitgehend von ortsbezogenen Elementen isoliert und l&auml;sst sich mit gegenw&auml;rtigen Kriegsszenarien assoziieren. Die Kriegsschiffe in <em>Salto di Quirra I</em> und <em>II</em> (2015), die oberfl&auml;chlich betrachtet an romantische Motive erinnern, deuten in Wahrheit auf einen Umweltskandal, verursacht durch Waffentests in einem milit&auml;rischen Sperrgebiet unter dem die Bewohner am gleichnamigen Ort auf Sardinien seit Jahrzehnten leiden. <br /> <br />Moritz Wegwerth (*1981) untersucht die Einzelheiten der Welt mit dem Blick f&uuml;r das scheinbar Nebens&auml;chliche. Der K&uuml;nstler hat sich ein digitales Archiv zur Fotogeschichte angelegt, es umfasst etwas 50 Positionen von Eug&egrave;ne Atget bis Annette Kelm, ein st&auml;ndiger Pr&uuml;fstein f&uuml;r das eigene Handeln. Jede neue Arbeit wird damit auf ihren Geltungsanspruch im zeitgen&ouml;ssischen Kontext hinterfragt. Sein Interesse gilt dem einzelnen Bild, nicht der Serie. Die Arbeit <em>Gamescom II</em> (2016), zeigt die Teilnehmer der weltgr&ouml;&szlig;ten Computerspielmesse in fast v&ouml;lliger Dunkelheit auf den Einlass wartend. Der gegenst&auml;ndliche Kontext erscheint &auml;u&szlig;erst reduziert, daher glaubt man zun&auml;chst eine Art schwarz-rotes Ornament wahrzunehmen. Erst n&auml;her betrachtet offenbart sich das exakt balancierte Verh&auml;ltnis von Personendichte und Raumtiefe, das die Arbeit kennzeichnet. Bei <em>Ultramarine</em> (2016) liegt das Augenmerk auf der blauen Spiegelung der wassergef&uuml;llten Regenrinne, die sich vertikal durchs Bild zieht &ndash; eigentlich eine Momentaufnahme. Die Installation des Blitzableiters auf dem Flachdach macht eine merkw&uuml;rdige Kurve, die technisch durch nichts gerechtfertigt ist, au&szlig;er durch den unnachahmlichen Eigensinn des Handwerkers. So gesehen spiegelt die Arbeit auch den leisen Humor des K&uuml;nstlers wider. Im Rahmen eines Stipendiaten Programms an der Skowhegan School of Painting &amp; Sculpture in Maine besucht Wegwerth Sabbathday Lake Shaker Village, einer Siedlung in der Mitglieder der Glaubensgemeinschaft der Shaker leben. Er kommt mit Brother Arnold Hadd, einem der letzten aktiven Shaker, ins Gespr&auml;ch und wird von ihm eingeladen eine Woche im Dorf zu leben und zu arbeiten. Aus der Begegnung ist die gro&szlig;formatige Arbeit <em>Shaker Trees</em> (2016) entstanden: eine Reminiszenz an den abgelegenen Ort, aber noch vielmehr ein Monument, eine Hommage an die freie Natur. Auch hier hat der K&uuml;nstler nur das N&ouml;tigste ver&auml;ndert, indem er das Motiv in Schwarzwei&szlig; umwandelt. <br /> <br />Die Idee, dass Wahrnehmung und Erleben sich durch die Fotografie darstellen lassen, spielt im Werk von Louisa Clement, Anna Vogel und Moritz Wegwerth eine wichtige Rolle. Sie alle bauen auf einer Tradition auf, welche sich durch die Untersuchung des Mediums Fotografie herausgebildet hat. Die Wahrnehmung eines Kunstwerks wird von den K&uuml;nstlern nicht nur als selbstverst&auml;ndlicher und passiver Akt aufgefasst, sondern ist vielmehr ein Produkt kultureller und historischer Vorraussetzungen. <br /> <br />Die Ausstellung findet im Rahmen des <em>EMOP Berlin &ndash; European Month of Photography 2016</em> statt. <br />Spr&uuml;th Magers pr&auml;sentiert in Berlin zeitgleich die Einzelausstellung <a href="" target="_blank"><em>THE JUNGLE</em></a> von Sterling Ruby.</p> Wed, 21 Sep 2016 16:09:07 +0000 Sterling Ruby - Sprüth Magers Berlin - September 17th - October 29th <p style="text-align: justify;">For Sterling Ruby&rsquo;s second solo exhibition at Spr&uuml;th Magers, Berlin, he presents works from his <em>SCALES</em> series of mobile sculptures &ndash; conceived for the first time as a single installation. <br /> <br />Sterling Ruby&rsquo;s output across a diverse range of media can be measured as a fine balance between chaos and order. Manifesting his coherent artistic vision in painting, sculpture, video, photography, ceramics, textiles and, more recently, clothing, Ruby embarks upon investigations into the material and intellectual fabric of contemporary society. <br /> <br />These new mobile sculptures, titled <em> SCALES</em>, are three-dimensional versions of recent collages and are executed on a similar scale to his murals, textiles, and paintings. However, they can be seen as more akin to his amorphous, stuffed soft works in the way that they occupy space. The title of the series alludes to the idea of balance and weight that refers, in turn, to the laws of equilibrium, and conjures the mystical symbol of Libra in astrology. <br /> <br />The title of the show itself, <em> THE JUNGLE</em>, implies a dense, uncompromising ecosystem of dangling foliage. The installation of mobiles is conceived as such an environment; the varying heights and densities carry the eye through space. Ruby&rsquo;s monumental mobiles are comprised of monochrome, cutout shapes and ephemera from his studio that includes components of previous works and detritus from the studio floor. By introducing these elements, the monochromatic parts are given a narrative framework that instills the work with a contemplative conceptual edge and allows us to consider the material combinations throughout his body of work. <br /> <br />More than other series in Ruby&rsquo;s oeuvre, <em> SCALES</em> explicitly references modernist, Bauhaus, and Suprematist aesthetics, becoming a model through which he can strip down his own artistic history and conditioning. At odds with the more mechanical elements of modernist aesthetics, the use of base, handmade elements gives a scrappy, craft-orientated finish. Brightly coloured formal shapes evoke the orbiting celestial bodies of the solar system, while other elements &ndash; fragments of steel with raw welded edges, chains linked together to create beautiful drawn arcs, steel drums, engine blocks, buckets, pipes and baseball bats &ndash; suggest a grittier, industrial tenor. <br /> <br />Continuing the tradition set by Modernist forbearers, chance plays a part in the conception of these sculptures. The cutout forms are shaped both by nature and chance, an element that is in and of itself. Likewise, the movement of the mobiles is incidental; the sculptures tremble and glide according to the conditions within the gallery, creating new constellations and ways to be perceived. <br /> <br />As Ruby himself has noted, it is impossible to separate mobile sculpture from the legacy of Alexander Calder. Ruby&rsquo;s specific Californian milieu is also fertile ground for more recent art historical references; Chris Burden, Mike Kelley and Jason Rhoades have all produced sculptures that dangle and balance. These artists often used mobiles as a political tool in the context of the US justice system, interpreting its iconographic image of Lady Justice balancing the scales, here Ruby acknowledges that history and incorporates it with the formal elements, the colours, shapes and forms deployed in the works of Calder, Ellsworth Kelly and Robert Motherwell colliding the elegance of modernism with the contemporary. <br /> <br />Sterling Ruby (American, born 1972, Air Force Base in Bitburg, Germany) lives and works in Los Angeles. Recent solo exhibitions include Winterpalais, Belvedere Museum, Vienna (2016); <em>WORK WEAR: Garment And Textile Archive 2008-2016</em>, Spr&uuml;th Magers, London (2016); <em>STOVES</em>, Mus&eacute;e de la Chasse et de la Nature, Paris (2015); The Baltimore Museum of Art (2014); <em>DROPPA BLOCKA</em>, Museum Dhondt-Dhaenens, Ghent (2013); <em>SOFT WORK</em>, Centre d&rsquo;Art Contemporain Gen&egrave;ve, travelled to FRAC Champagne-Ardenne, Reims; Bonniers Konsthall, Stockholm; MACRO, Museo d&rsquo;Arte Contemporanea, Rome (2012-2013); and <em>I AM NOT FREE BECAUSE I CAN BE EXPLODED ANYTIME</em>, Spr&uuml;th Magers, Berlin (2011). Selected group exhibitions include <em>Made in LA 2016: a, the, though, only</em>, Hammer Museum, LA (2016); 2014 <em>Whitney Biennial</em>, Whitney Museum of American Art, New York (2014); <em>Taipei Biennial 2014</em>, Taipei Fine Arts Museum (2014); <em>The 10th Gwangju Biennale: Burning Down the House</em>, Gwangju (2014); and <em>Back To Earth. From Picasso to Ai Weiwei &ndash; Rediscovering Ceramics in Art</em>, Herbert Gerisch-Stiftung, Neum&uuml;nster (2013). <br /> <br />The Berlin gallery is concurrently presenting a group exhibition curated by Andreas Gursky with works by Louisa Clement, Anna Vogel and Moritz Wegwerth.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">In seiner zweiten Einzelausstellung bei Spr&uuml;th Magers in Berlin, pr&auml;sentiert Sterling Ruby Werke aus <em>SCALES</em>, einer Serie von Mobiles, die zum ersten Mal als Gesamtinstallation gezeigt werden. <br /> <br />Sterling Rubys Werk umspannt ein breites Spektrum an Medien und zeichnet sich durch eine fein <br />justierte Balance zwischen Ordnung und Chaos aus. In seiner k&uuml;nstlerischen Vision, die sich in <br />Malerei, Skulptur, Video, Fotografie, in Keramik- oder Textilarbeiten und in j&uuml;ngerer Zeit auch in Form von Kleidung manifestiert, erforscht Ruby die materiellen und intellektuellen Strukturen unserer&nbsp; Gesellschaft. <br /> <br />Die Mobiles der Serie <em>SCALES</em> sind dreidimensionale Variationen seiner Collagen und sind in einem &auml;hnlichen Ma&szlig;stab wie auch seine Wandbilder, Textilarbeiten und Malereien ausgef&uuml;hrt. Die Art, wie sie den Raum in seiner ganzen Dimension bespielen, erinnert indessen eher an j&uuml;ngere <br />Pr&auml;sentationen seiner Stoffarbeiten. <em>SCALES</em>, der Titel der Serie ist eine Anspielung auf Balance und Gewicht &ndash; Aspekte, die die Prinzipien des Gleichgewichts in Erinnerung rufen und das Symbol der Waage evozieren. <br /> <br />Der Titel der Ausstellung, <em>THE JUNGLE</em>, suggeriert ein dichtes, unnachgiebiges &Ouml;kosystem aus undurchdringlicher Vegetation. Und tats&auml;chlich ist die Installation aus Mobiles als ein solches Umfeld konzipiert, wobei die unterschiedlichen Abstufungen in H&ouml;he und Dichte den Betrachter dazu einladen, den Blick durch den Raum wandern zu lassen. Rubys raumf&uuml;llende Installation besteht aus monochromen, zugeschnittenen Elementen und &Uuml;berbleibseln aus seinem Atelier, wie zum Beispiel Fragmenten aus fr&uuml;heren Arbeiten oder Abf&auml;llen vom Atelierfu&szlig;boden. Durch die Einbindung solcher Relikte wird den monochromen Elementen ein erz&auml;hlerischer Rahmen hinzugef&uuml;gt, der dem Werk eine kontemplative, konzeptuelle Komponente verleiht und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die unterschiedlichen Materialkombinationen in diesem Werkkomplex lenkt. <br /> <br />Mehr noch als andere Serien aus Rubys &OElig;uvre enth&auml;lt <em>SCALES</em> explizite Bez&uuml;ge zur &Auml;sthetik der Moderne sowie zum Bauhaus und Suprematismus. Das Werk wird somit zu einem Modell, das Ruby nutzt, um die eigene k&uuml;nstlerische Geschichte und Konditionierung auszuloten. Im Gegensatz zu eher mechanischen Aspekten der &Auml;sthetik der Moderne f&uuml;hrt die Einbindung einfacher und von Hand gefertigter Komponenten zu einer bruchst&uuml;ckhaften, handwerklich orientierten Qualit&auml;t. In ihrer ungebrochenen Farbigkeit erinnern die Formen an Himmelsk&ouml;rper auf ihrer Bahn durch das Sonnensystem. Andere Komponenten, wie Elemente aus Stahl mit grob geschwei&szlig;ten Kanten oder ineinander verschlungene Ketten, die reizvoll geschwungene B&ouml;gen in den Raum zeichnen, Stahlf&auml;sser, Motorbl&ouml;cke, Eimer, Rohre und Baseballschl&auml;ger haben einen raueren industriellen Anklang. <br /> <br />Indem er den Faktor Zufall in die Konzeption dieser Skulpturen integriert, greift Ruby eine Tradition auf, die bereits von den Vorv&auml;tern der Moderne etabliert wurde: Er flie&szlig;t in die Gestaltung Rubys ausgeschnittenen Formen mit ein und bildet einen Bestandteil, der aus sich selbst heraus entsteht. Gleicherma&szlig;en zuf&auml;llig ist auch die Bewegung der Mobiles: Die Skulpturen vibrieren und schwingen in kontinuierlicher Reaktion auf die herrschenden Bedingungen in der Galerie und bilden immer andere Konstellationen, die neue Wege der Wahrnehmung er&ouml;ffnen. <br /> <br />Wie Ruby feststellt, k&ouml;nnen Mobiles unm&ouml;glich von dem Verm&auml;chtnis Alexander Calders getrennt werden. Das besondere Umfeld in Kalifornien, dem Ruby entstammt, war auch ein fruchtbarer N&auml;hrboden f&uuml;r andere kunsthistorische Verweise aus j&uuml;ngerer Zeit: Chris Burden, Mike Kelley und Jason Rhoades haben herabh&auml;ngende und im Gleichgewicht balancierende Skulpturen produziert. Die Mobiles dieser K&uuml;nstler waren h&auml;ufig politisch motiviert; sie stellten sie in den Kontext des US -amerikanischen Rechtssystems und interpretierten sie als ikonografische Darstellungen der die Waage balancierenden Justitia. Ruby honoriert diese Geschichte in der Serie, verbindet sie mit formalen Elementen, Farben und Formen, wie sie in den Werken von Calder, Ellsworth Kelly und Robert Motherwell auftauchen, und verkn&uuml;pft so die Eleganz der Moderne mit dem Zeitgen&ouml;ssischen. <br /> <br />Sterling Ruby (Amerikaner, geb.1972 auf dem Air Force-St&uuml;tzpunkt in Bitburg) lebt und arbeitet in Los Angeles. Zu seinen j&uuml;ngsten Einzelausstellungen z&auml;hlen unter anderem eine Pr&auml;sentation im <br />Winterpalais, Belvedere Museum, Wien (2016); <em>WORK WEAR: Garment And Textile Archive 2008 -2016</em>, Spr&uuml;th Magers, London (2016); <em>STOVES</em>, Mus&eacute;e de la Chasse et de la Nature, Paris (2015); <br />The Baltimore Museum of Art (2014); <em>DROPPA BLOCKA</em>, Museum Dhondt-Dhaenens, Gent (2013); <br /><em>SOFT WORK</em> im Centre d&rsquo;Art Contemporain Gen&egrave;ve, anschlie&szlig;end im FRAC Champagne-Ardenne in Reims, der Bonniers Konsthall in Stockholm und dem MACRO Museo d&rsquo;Arte Contemporanea in Rom (2012-2013); sowie <em>I AM NOT FREE BECAUSE I CAN BE EXPLODED ANYTIME</em>, Spr&uuml;th Magers, Berlin (2011). Ausgew&auml;hlte Gruppenausstellungen sind unter anderem <em>Made in LA 2016: a, the, though, only</em>, Hammer Museum, LA (2016); <em>2014 Whitney Biennial</em>, Whitney Museum of American Art, New York (2014); <em>Taipei Biennial 2014</em>, Taipei Fine Arts Museum (2014); <em>The 10th Gwangju Biennale: Burning Down the House</em>, Gwangju (2014); und <em>Back to Earth. Von Picasso bis Ai Weiwei &ndash; Die Wiederentdeckung der Keramik in der Kunst</em>, Herbert Gerisch-Stiftung, Neum&uuml;nster (2013). <br /> <br />Spr&uuml;th Magers pr&auml;sentiert in Berlin zeitgleich eine von Andreas Gursky kuratierte Gruppenausstellung mit Arbeiten von Louisa Clement, Anna Vogel und Moritz Wegwerth.</p> Wed, 21 Sep 2016 16:03:42 +0000 Björn Braun - Meyer Riegger - September 16th - October 22nd <p style="text-align: justify;"><em>Nibbled Potatoes made of Tin</em></p> <p style="text-align: justify;">In this, his second exhibition in the Meyer Riegger Gallery, Bj&ouml;rn Braun continues with his particular form of collaborations. Only, this time, the collaborators are once again different. Whereas in his &ldquo;Untitled&rdquo; works from the years 2013 and 2014, they were canaries, wild boars and landscapes, they are now mice, ravens, worms, magpies, rabbits and Hermann Hesse, who literally have a field day with the artist, hacking away at his raw materials. This &lsquo;field&rsquo;, however, is not a real, ploughed field, on which potatoes, apples and radishes are systematically cultivated. Braun&rsquo;s field is the Berlin Tiergarten, an area in which he grew up and which has long been a place of highly diversified small-scale and miniature-scale urban climatic zones, whose biodiversity both botanically and zoologically would put any field in the countryside to shame &ndash; and not only in Brandenburg.</p> <p style="text-align: justify;">With his sixth sense for signs and spoors in any shape or form, Braun, together with rabbits and the above-mentioned sundry animals, has here ingested apples, potatoes and radishes piece by piece. It is important to stress the pieces, because just as no worm eats an apple all at one go, neither did Braun consume fruit and vegetables all on his own. Faithful to the old truth of early sociobiology that when two goats eat the same turnip it has nothing to do with food-sharing, Braun was not concerned here with any slicing and portioning wrapped up in eco-sophic language. What it is decidedly about, however, is metabolizing in pieces the cultural material that is apples, potatoes and radishes when diverse users leave diverse traces on one and the same sample.</p> <p style="text-align: justify;">What can be seen in this process are the imprints left by the various forms of teeth and bites in the only partially consumed material &ndash; imprints that are normally hardly noticed or not noticed at all, because they disappear with the apples and potatoes into the stomachs of their consumers. In Braun&rsquo;s recasting, however, the visibility of these traces of biting and gnawing is not a prime goal, which as it were offers an access in art to so-called Nature. On the one hand, he destroys any illusion of immediacy by the very materials into which he transfers the nibbled fruit and vegetables. The apples are translated into polymer concrete or industrial concrete, the radishes into plaster and the potatoes into tin. And on the other hand, Braun arranges the re-cast objects to form various high pillars or columns. It seems not insignificant here that the sign-bearing column form responds to the call for democratic transparency. Signs on columns always used to serve, first and foremost, the sheer presentation of the signs in all their multiplicity and not in their general comprehensibility. The textures that emerge on Braun&rsquo;s apples, potatoes and radishes follow in a certain way the effect of showing the variety of signs as in the ancient conception of a column. Braun&rsquo;s art in this case consists in successfully leaving the traces on the material in all their crypticness, without them seeming esoteric. There is no secret knowledge that could give one a swifter access to this work than that which is acquired by close and detailed looking. Everything is as clear as day or night, just as the various activity times of Braun&rsquo;s collaborators.</p> <p style="text-align: justify;">This is an aspect that can also be found in the artist&rsquo;s wall-hung piece &ldquo;Rusty Rain Italy&rdquo;. For this work, Braun shredded two books &ndash; one a cheap novel entitled Rostiger Regen [Rusty Rain] and the other Hermann Hesse&rsquo;s Italien [Italy] &ndash; in a mixer with water, and then squeezed out the result to make paper again. In this work too, the texture and remains of the lettering remain visible enough as traces to make it possible to guess or intuit the original material. Here too, however, Braun does not pester one with overly democratic educational didacticism, although the collocation of the cheap fiction title and Hermann Hesse&rsquo;s over-determined Italy title is assuredly not lacking in wit and esprit. Only, the wall-painting is more than the wittiness of its title. As a landscape painting mounted on wood and stretcher frame, its residues of lead in the still visible printed letters take on something evil, something that cannot be so easily laughed away, just as the marks left by the bites are not simply easy to read.</p> <p style="text-align: justify;">Cord Riechelmann</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><em>Angebissene Kartoffeln in Zinn</em></p> <p style="text-align: justify;">Bj&ouml;rn Braun setzt auch in seiner dritten Einzelausstellung in der Galerie Meyer Riegger seine Art der Kollaborationen fort. Nur sind die Mitarbeiter noch einmal andere geworden. Waren es in den Arbeiten &bdquo;Ohne Titel&ldquo; aus den Jahren 2013 und 2014 Kanarienv&ouml;gel, Wildschweine und Landschaften, so sind es jetzt M&auml;use, Raben, Ratten, W&uuml;rmer, Elstern, Kaninchen und Hermann Hesse, die die Rohmaterialien mit dem K&uuml;nstler buchst&auml;blich beackern. Wobei der Acker kein richtiger Acker ist, auf dem Kartoffeln, &Auml;pfel und Rettiche systematisch angebaut werden. Brauns Acker ist der Berliner Tiergarten, eine Gegend in der er aufgewachsen ist und die schon l&auml;nger ein Ort diversester urbaner Klein- und Kleinstklimazonen ist, dessen Artenvielfalt botanisch und zoologisch jeden Landacker nicht nur in Brandenburg alt aussehen l&auml;sst.</p> <p style="text-align: justify;">Mit dem Gesp&uuml;r f&uuml;r Spuren in jeder Form hat Braun hier zusammen mit Kaninchen und den oben erw&auml;hnten Tieren &Auml;pfel, Kartoffeln und Rettiche in St&uuml;cken sich einverleibt. Wichtig ist die Betonung der St&uuml;cke, denn ebenso wenig wie ein Wurm einen Apfel in einem Schluck verzehrt, verzehrte Braun Obst und Gem&uuml;se im Alleingang. Getreu der alten Wahrheit der fr&uuml;hen Soziobiologie, nach der es nichts mit Food-Sharing zu tun hat, wenn zwei Ziegen von derselben R&uuml;be fressen, ging es Braun dabei aber nicht um irgendein &ouml;kosophisch verbr&auml;mtes Teilen. Es geht entschieden darum, den Kulturstoff aus dem &Auml;pfel, Kartoffeln und Rettiche sind, von verschiedenen Nutzern mit verschiedenen Spuren an einem St&uuml;ck in Teilen zu metabolisieren.</p> <p style="text-align: justify;">Was so sichtbar wird, sind die Abdr&uuml;cke der verschiedenen Gebiss- und Bissformen im nur zu Teilen verzehrten Material, die normalerweise kaum oder gar nicht beachtet werden, weil sie mit den &Auml;pfeln und Kartoffeln im Magen ihrer Nutzer verschwinden. Die Sichtbarkeit der Biss- und Nagespuren ist aber in Brauns Umsetzung kein vordergr&uuml;ndiges Ziel, das den Zugang zur sogenannten Natur sozusagen in der Kunst pr&auml;sentiert. Zum einen zerst&ouml;rt er jede Illusion der Unmittelbarkeit schon durch die Materialien, in die er das angekaute Obst und Gem&uuml;se &uuml;berf&uuml;hrt. Die &Auml;pfel werden in Polymer- bzw. Industriebeton &uuml;berf&uuml;hrt, die Rettiche in Gips und die Kartoffeln in Zinn. Und zum anderen ordnet Braun die umgegossenen Objekte in verschieden hohen S&auml;ulen an. Es erscheint dabei nicht ohne Bedeutung, dass die mit Zeichen versehene S&auml;ulenform noch dem Auftrag demokratischer Transparenz gefolgt ist. Zeichen auf S&auml;ulen dienten immer in erster Linie der puren Darstellung der Zeichen in ihrer Vielfalt und nicht ihrer allgemeinen Verst&auml;ndlichkeit. Die Texturen, die auf Brauns &Auml;pfeln, Kartoffeln und Rettichen entstehen, folgen in gewisser Weise dem Zeichenvielfaltszeigeeffekt der alten S&auml;ulenkonzeption. Brauns Kunst besteht in diesem Fall darin, dass es ihm gelingt, die Spuren auf dem Material in ihrer Kryptik zu belassen, ohne dass sie dabei esoterisch wirken. Es gibt keine Geheimlehre, die einem einen schnelleren Zugang als den des genauen Hinsehens zu diesem Werk vermitteln k&ouml;nnte. Alles ist so sonnen- und nachtklar wie die verschiedenen Aktivit&auml;tszeiten seiner Kollaborateure.</p> <p style="text-align: justify;">Ein Aspekt, den man auch in seiner Wandarbeit &bdquo;rostiger Regen Italien&ldquo; wiederfinden kann. Braun hat f&uuml;r diese Arbeit zwei B&uuml;cher, einen Trivialroman mit dem Titel &bdquo;rostiger Regen&ldquo; und Hermann Hesses &bdquo;Italien&ldquo;, in einem Mixer mit Wasser zerschreddert und dann wieder zu Papier geschr&ouml;pft. Auch in dieser Arbeit bleiben Textur und Buchstabenreste als Spuren so weit sichtbar, dass man das Ausgangsmaterial erahnen kann. Braun bel&auml;stigt einen aber auch hier nicht mit allzu demokratischer Bildungsdidaktik, obwohl die Aneinanderreihung von Trivialtitel und Hermann Hesses &uuml;berdeterminiertem Italien-Titel bestimmt nicht ohne Witz ist. Nur ersch&ouml;pft sich das Wandbild eben nicht im Witz des Titels. Als Landschaftsbild auf Holz und Keilrahmen aufgezogen, bekommen die Bleireste in den noch sichtbaren Buchstaben auch etwas B&ouml;ses, etwas das sich nicht so leicht weglachen l&auml;sst, wie eben auch die Bissspuren nicht einfach leicht lesbar sind.</p> <p style="text-align: justify;">Cord Riechelmann</p> Wed, 21 Sep 2016 15:58:33 +0000 Group Show - Mehdi Chouakri - September 16th - October 22nd Wed, 21 Sep 2016 15:55:28 +0000 Bernd Kirschner - Künstlerhaus Bethanien - October 7th - October 30th Wed, 21 Sep 2016 15:47:30 +0000 Tatiana Macedo - Künstlerhaus Bethanien - October 7th - October 30th Wed, 21 Sep 2016 15:47:18 +0000 - Künstlerhaus Bethanien - October 7th - October 30th Wed, 21 Sep 2016 15:47:08 +0000 Sveinn Fannar Johannsson - Künstlerhaus Bethanien - October 7th - October 30th Wed, 21 Sep 2016 15:46:59 +0000 Chih-Chien Wang - Künstlerhaus Bethanien - October 7th - October 30th Wed, 21 Sep 2016 15:46:49 +0000 Thomas Florschuetz - Galerie Volker Diehl - September 17th - November 19th <p style="text-align: justify;">Galerie DIEHL freut sich, nunmehr die vierte Einzelausstellung mit neuen Fotoarbeiten von Thomas Florschuetz w&auml;hrend der ARTWEEK Berlin zu er&ouml;ffnen.</p> <p style="text-align: justify;">&bdquo;Thomas Florschuetz&rsquo; [&hellip;] [Fotos sind] nicht, was sie auf den ersten Blick zu sein schein[en]. Die Arbeiten liegen wie ein durchsichtiger Vorhang &uuml;ber dem abgebildeten Gegenstand, der durch den gew&auml;hlten Bildausschnitt zwar durchschimmert, aber nie in seiner charakteristischen Erscheinung erkennbar wird. Diese Form der Verschl&uuml;sselung des fotografierten Objektes ist das Ergebnis einer Folge von Reduktionen, die zu dem f&uuml;hren, was die Arbeit von Thomas Florschuetz charakterisiert: Es sind aus scheinbar bekannten Objekten gewonnene autonome Bilder, deren neue Form sich erst in der Pr&auml;sentation an der Wand oder in der Zusammenstellung im Buch erschlie&szlig;t.</p> <p style="text-align: justify;">Florschuetz befragt die Entstehung und Struktur von Bildern mit k&uuml;nstlerischen Mitteln. Seine Intention ist die Gestaltung einer Idee, sein Ziel ist die Dokumentation einer Suche nach Klarheit und Deutlichkeit. Das Ergebnis ist dabei zun&auml;chst &auml;sthetischer und nicht, wie wir vom Medium der Fotografie zu wissen meinen, dokumentarischer Natur. &bdquo;</p> <p style="text-align: justify;">Alexander Klar, in: Thomas Florschuetz &ndash; Assembly, 2013</p> Wed, 21 Sep 2016 15:30:38 +0000