ArtSlant - Recently added http://www.artslant.com/ber/Events/show en-us 40 Jean-Charles Blais - Buchmann Galerie - February 12th - April 23rd <div class="field-items"> <div class="field-item even"> <p style="text-align: justify;">Die Buchmann Galerie freut sich, eine Ausstellung mit neuen Bildern des franz&ouml;sischen Malers Jean-Charles Blais (*1956 in Nantes) anzuk&uuml;ndigen. </p> <p style="text-align: justify;">Mitte der 1980er Jahre ist Blais mit seiner figurativen Malerei erstmals in Erscheinung getreten und wurde dem engeren Kreis der franz&ouml;sischen Figuration Libre zugerechnet, die zeitgleich mit den Jungen Wilden in Berlin, der M&uuml;lheimer Freiheit in K&ouml;ln oder der Transavanguardia in Italien, bzw. Malern wie Martin Disler in der Schweiz internationale Aufmerksamkeit gefunden hat. </p> <p style="text-align: justify;">In den letzten Jahren hat sich Jean-Charles Blais&rsquo; Bildsprache zwar weiterhin an der Darstellung der menschlichen Figur orientiert, aber zunehmend reduziert auf die Besch&auml;ftigung mit vorwiegend schwarzen schattenhaften die K&ouml;rperlichkeit der Figur aufl&ouml;senden Formen. </p> <p style="text-align: justify;">Den folgerichtigen Schlusspunkt fand diese Reduktion auf die Essenz des figurativen Ausdruckes mit der Schaffung einer Gruppe von schwarzen Bildern, bei denen nur noch vereinzelte Lichtreflexe von wei&szlig;er Farbe im schwarzen Bildraum aufblitzten. </p> <p style="text-align: justify;">Die neuen, jetzt erstmals pr&auml;sentierten, farbkr&auml;ftigen Bilder markieren somit den pr&auml;gnanten Beginn einer neuen Werkphase. </p> <p style="text-align: justify;">Mit der Schaffung eines neuen Typus, der als eine Art gro&szlig;st&auml;dtischer Hipster mit Sneakern und Wanderstock ausgestattet die Bildkompositionen bestimmt, ist es Jean-Charles Blais gelungen, Arbeiten mit einer stark einnehmenden Ambivalenz zu malen. </p> <p style="text-align: justify;">Einige der Bilder und Gouachen strahlen mit der Darstellung von s&auml;ulenartig und eigent&uuml;mlich statisch wirkenden Einzelfiguren und Paaren eine innere Gelassenheit aus. Andere sind von einer verst&ouml;renden Ikonographie, wie die knietief im Wasser stehende Figur, die mit kraftvoller Geste zwei Menschen an den Haaren aus dem Wasser zieht - oder sie loszulassen scheint, wie in einer zweiten Darstellung. Ist diese Figur ein Retter, ein moderner Christophorus, der in der Malerei oft als H&uuml;ne mit Stab und im Wasser stehend dargestellt wird? </p> <p style="text-align: justify;">Nebst der ikonographischen Erfindungskraft liegt eine Besonderheit des Werkes von Jean-Charles Blais in der Verwendung von abgerissenen Plakatw&auml;nden als Malgrund. Das Affichenpapier bietet einen ganz besonderen Untergrund f&uuml;r die &Ouml;lfarben mit denen Blais arbeitet, und erm&ouml;glicht ihm, das Bild im Format jederzeit beliebig zu beschneiden oder zu collagieren. Nachdem Jean-Charles Blais bisher immer auf der R&uuml;ckseite dieser Plakatw&auml;nde arbeitete, malt er nun auf der Vorderseite. Das verleiht der Farbe einen anderen Untergrund, vor allem aber k&ouml;nnen Details des Werbeplakates wie Buchstaben oder gedruckte Farbfl&auml;chen, im Malprozess eingearbeitet werden. </p> <p style="text-align: justify;">Jean-Charles Blais&rsquo; Werk ist reich an Bez&uuml;gen zur Geschichte der Malerei, sei es Henri Matisse, Kasimir Malewitsch oder Philip Guston. Er schafft dabei konsequent an seiner ganz eigenen Bildsprache, seinem eigenen Lexikon der malerischen Darstellung der menschlichen Figur, der man sich gerade in diesen neuen Bildern emotional kaum entziehen kann. </p> <p style="text-align: justify;">Zuletzt waren Arbeiten von Jean-Charles Blais zu sehen im Cabinet d&rsquo;art graphique, Centre Georges Pompidou Paris, der Pinakothek der Moderne M&uuml;nchen, dem Mus&eacute;e d&rsquo;art moderne et d&rsquo;art contemporain Nice und dem CAPC Mus&eacute;e d&rsquo;art contemporain, Bordeaux und dem Mus&eacute;e Picasso in Amiens. </p> <p style="text-align: justify;">Werke des K&uuml;nstlers befinden sich unter anderem in der Sammlung der Emanuel Hoffmann Stiftung Basel, dem Carr&eacute; d&rsquo;Art N&icirc;mes, dem CAPC Bordeaux, der Collection Lambert, Avignon, dem Mus&eacute;e National Monaco und dem Centre Pompidou, Paris.</p> </div> </div> Sun, 07 Feb 2016 11:41:27 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Melike Kara - Peres Projects - February 13th - March 12th <p class="p1" style="text-align: justify;">Face to face, he said, but the door does not seem to follow the advancements of your pressing body. Faces are not facts, nor are they facets, but rather acts of expression. With that in mind you relax, leaning your head and body against a brick wall, waiting for the next best thing to happen. From a glance you see the note ahead of you: Back Anytime Soon. Tick tock, tock tick, take note: time does not pass on equal terms to two distant bodies. To those who leave anybody so aimlessly pressed up against a wall waiting, today is not anytime soon, but rather any given day, sooner or later. Wer wei&szlig;, wann. Was weiss wer. Web wide world. Who will wait. Water washes water, with wasser, as well. Mix well, but do not shake. Shhhhhh! Can you hear the ticking, or is the sound only circulating my own mind? Aimlessly placed bodies and their equally amputated parts can go numb in the long run. <em>Knock knock! Who&rsquo;s there? Any. Any who? Any time soon.</em> In the unevenness of time, to the person it concerns his absence depends on the urgency of his business, not the advancements of your own pressing body. You might seem to have all the time in the world, but the world sure doesn&rsquo;t. Listen; speaking of timezones, what one single item would you take to a remote island? Take your time before you answer, you can always leave a message on my phone later. Stranded, you will start to hate islands and all that they stand for. Waves washing the sand, redundant clocks running out of battery, rounded coconuts, and the deceiving milkiness of coconut water. After all, it&rsquo;s not milk, but water. Water washes waves with water, not milk. Meanwhile, can I charge my phone in your wall, I&rsquo;m expecting an important call, from somebody, important. <em>Ring ring! Who&rsquo;s there? Some. Some who? Some body, important.</em> A pressing body presses itself against another but only one of them seems to give in. As one body fails and falls to the ground, the other walks away, leaving behind nothing but footprints in the sand that could belong to anybody who owns a pair of feet. Waves washes away waves with water, wasser and well, alone, you remain, stranded, with your favourite item. You write a note from right to left and place it on top of the other: Be right back. <em>Tick Tock! Who&rsquo;s there? Not. Not who? Not anybody that you know.</em> You sit down in silence, on an island, killing time, as if time had a body to break down. Stranded islands always seem so remote, and even more so in winter. In the absence of anything happening, all you recall is the story of an old nordic esoteric eccentric who died alone on a remote island after following a pure coconut diet. Day in and day out, he drank nothing but this milk-impersonating water. Watching waves washing, water washing water, Wer wei&szlig; wann. When they then found him numb and lifeless they were unsure if it was the fatal fall of a coconut or his faddy diet that in the end killed him. Either way, it was an end. Speaking of, time is up. So, what is your favourite item, the one you would take to a remote island? The item of your choice is time, not because it rhymes, but because it seems as if you have all the time in the world, even though the world itself doesn&rsquo;t. Shhhhhh! I can no longer hear the ticking, unless you tell me that it&rsquo;s touching you too.</p> <p class="p2" style="text-align: justify;">Hanne Lippard</p> Mon, 08 Feb 2016 18:53:25 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Kristina Schuldt - Galerie EIGEN + ART (Berlin) - February 11th - March 12th Mon, 08 Feb 2016 18:53:16 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Group Show - croy nielsen - February 27th - April 9th Sun, 07 Feb 2016 11:28:00 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Jessica Rankin - carlier | gebauer - February 13th - March 19th <p style="text-align: justify;">carlier | gebauer is pleased to present a solo exhibition with the Australian artist Jessica Rankin. Field of Mars will be the artist&lsquo;s third exhibition with the gallery.</p> <p style="text-align: justify;">Jessica Rankin is best known for her expansive celestial maps and landscapes, which are interspersed with codes, signs, and symbols that refer to the processes of memory, intuition, and interpretation. Rankin often begins her creative process with the written word, combining stream of consciousness, found texts, stories, memories and fleeting thoughts. She then cuts apart individual words and phrases and recomposes them into new sequences using a method of &rdquo;guided chance.&ldquo; These clusters of texts are then integrated into Rankin&lsquo;s drawings and embroideries.</p> <p style="text-align: justify;">In her current exhibition with carlier | gebauer, Rankin continues to employ constellation maps as a frame of reference. The works on view all refer to a single night sky - a date of personal significance for the artist. By focusing on a discreet, private moment, Rankin places the personal within a broader macro-relationship to time and space. Rankin&lsquo;s large-scale embroidery Field of Mars depicts a delicate celestial lattice plotting the points between the stars on the date that she found and visited her mother&lsquo;s grave. Although the term Field of Mars extends back to antiquity, Rankin&lsquo;s use of the name refers to the cemetery where her mother was buried. Typically ascribed to the women&lsquo;s realm, the medium of embroidery proposes an immersive slowness of process that reinscribes an association that once belonged to military antiquity into a highly subjective poetic reference.</p> <p style="text-align: justify;">Similarly, landscapes become personal and not simply geographical in Rankin&lsquo;s works. Her collage Could I Just Have The Sober Hand depicts the rolling hills, meadows, and rugged coastline of England. Using photographs culled from the book A Writer&lsquo;s Britain, Rankin&lsquo;s collage seems to emphasize the seams between each image, highlighting a discontinuity in the depicted landscape that formally evokes lapses in memory and the gap between things as they are experienced and as they are remembered.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Jessica Rankin (b.1971, Sydney) </strong>lives and works in New York. In spring 2016 Museum Dhondt-Dhaenens will present the two person exhibition Julie Mehretu/Jessica Rankin. Selected solo exhibitions include Salon 94, New York (2014); SCAD, Atlanta (2013); PS1 Contemporary Arts Center, New York (2006); and Franklin Artworks, Minneapolis (2005). Rankin has participated in numerous group exhibitions in the US, Europe and Australia.</p> Mon, 08 Feb 2016 18:53:19 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Nestor Sanmiguel Diest - carlier | gebauer - February 13th - March 19th <p style="text-align: justify;">carlier | gebauer is pleased to announce its first solo exhibition with Spanish artist N&eacute;stor Sanmiguel Diest, a founding member of the A Ua Crag collective and a leading figure of the 1980s avant-garde in Aragon.</p> <p style="text-align: justify;">Sanmiguel Diest began to pursue his artistic practice while initially maintaining a career as a pattern maker. Although the artist has long left his work in the field of applied arts behind,this experience &mdash; combined with his voracious interest in literature and philosophy &mdash; has exerted a broader influence on Sanmiguel Diest&lsquo;s schematic thinking and the quasi-mathematical structures that inform his creative process.</p> <p style="text-align: justify;">Sanmiguel Diest constructs his paintings and works on paper as palimpsests, alternately layering strata of found materials like magazine clippings, newspapers, industrial reports, mail, formulas, and texts atop one another in interplay with layers of ink, paint, graphite, solvents, and ballpen. The artist has developed a lexicon of lines and patterns that he uses to formally delimit fragmented spaces, a practice that carries throughout his oeuvre. He wields superimposed layers of information as screens, simultaneously revealing or hiding a succession of pictorial stories or texts. The series El Suicido de Lucrecia (the Suicide of Lucrecia) - which refers to a historical legend that has been an enduring subject for visual artists, including Titian, Rembrandt, and Botticelli - teems with meticulous systems of lines that vertically bisect the picture plane.</p> <p style="text-align: justify;">Sanmiguel Diest&lsquo;s at times hermetic and highly personal conception of art has resulted in a nuanced vocabulary of methodologies and symbols. Like German artist Hanne Darboven, who employed personally derived numerical systems in the creation of her artworks, Sanmiguel Diest&lsquo;s paintings and drawings have an algorithmic quality. However, if we consider an algorithm to be a finite process with a fixed symbolic vocabulary governed by precise instructions, then Sanmiguel Diest&lsquo;s alogorithm&lsquo;s are unstable, constantly stuttering and re-aligning themselves as the repetition of one process unlocks new, unpredictible effects. </p> <p style="text-align: justify;">Sanmiguel Diest employs literature &mdash; and text more broadly &mdash; as a plastic instrument. The writings of references as diverse as the sci-fi master Stanislav Lem, the Dada poet Tristan Tzara, or French symbolist poet St&eacute;phane Mallarm&eacute; have all provided inspirations for his work. Sanmiguel Diest refers to these sources, and the formal process of layering different materials atop one another, as working with overlapping layers of &rdquo;contaminated information&ldquo; &mdash; simultaneous events entangled in one another, &rdquo;soaked by rain.&ldquo;</p> <p style="text-align: justify;"><strong>N&eacute;stor Sanmiguel Diest (born 1949) </strong>lives and works in Aranda de Duero. At first his art practice revolved around actions, documents, paintings, texts and manifestos linked to collectives such as A Ua Crag and Red District. In the 1990s he began to focus exclusively on the medium of painting. Sanmiguel Diest&lsquo;s work has been collected by MACBA, Museo Reina Sof&iacute;a, and MUSAC, among others. He has exhibited his work at MUSAC (2007), and has also taken part in the recent exhibition Locus Solus: Impressiones de Raymond Roussel at the Museo Reina Sof&iacute;a (MNCARS).</p> Sun, 07 Feb 2016 11:21:58 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Alessandro Twombly - Aurel Scheibler - March 19th - April 22nd Sun, 07 Feb 2016 09:15:20 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list - Haus der Kulturen der Welt - March 19th - May 9th <div class="two-columns"> <p style="text-align: justify;">In the 1970s, artists across the world mobilized around anti-imperialist solidarity movements. Departing from the 1978 <em>International Art Exhibition for Palestine</em> in Beirut, <em>Past Disquiet</em> stitches a speculative history of networks: grassroots collectives across Paris, Rome, and Tokyo; artists&rsquo; unions in Damascus, Casablanca, Berlin, and Warsaw; biennials in Venice, Baghdad, and Rabat, and museums in Santiago de Chile, Cape Town, and Managua. Curated by Kristine Khouri and Rasha Salti, the exhibition engages the problematics of oral history while critically exploring the mechanisms of canon-making.</p> <p style="text-align: justify;">The <em>International Art Exhibition for Palestine</em> opened in the spring of 1978 in Beirut, Lebanon, at the Beirut Arab University. Organized by the Palestinian Liberation Organization (PLO), it comprised around two hundred donated works by artists hailing from aproximately thirty countries. The exhibition was intended as the seed collection for a museum in exile, taking the form of an itinerant exhibition that was meant to tour worldwide until it could be repatriated to Palestine. During the 1982 Israeli invasion of Lebanon and siege of Beirut, the buildings where the collection was stored, and where the offices housing the Plastic Arts Section and Unified Information Office were located, were destroyed.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Past Disquiet. Narratives and Ghosts from The International Art Exhibition for Palestine</em>, 1978 is a documentary and archival exhibition centered on the research conducted on and around the story of the 1978 exhibition for Palestine. It displays, mediates, and incarnates themes and questions that have guided this research, using montaged video of archival material and film as well as contemporary interviews and writing, in addition to reproductions of documents. It draws cartographies linking constellations of artists and groups bound by political affiliations and solidarities, beginning in Palestine and expanding to the rest of the world. The investigation into other itinerant exhibitions intended as a &ldquo;museum in exile,&rdquo; contemporary to the International Art Exhibition for Palestine ‒ such as the Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende and Artists Against Apartheid ‒ has revealed recent, yet forgotten museographic practices, while links to the First Arab Biennial in Baghdad (1976) and the Venice Biennale of the same year have uncovered other cartographies of a shared history.</p> <p style="text-align: justify;">The first iteration of <em>Past Disquiet</em> was presented at the Museu d&rsquo;Art Contemporani de Barcelona (MACBA), from February 20 to June 1, 2015. The second iteration of <em>Past Disquiet</em>, hosted at HKW, will be conceptualized to explore critically the mechanisms of canon-making in both the discourse and historiography of art, in addition to unearthing the relationship between the realm of art and artists&rsquo; practices between the Cold War-divided Germany and the causes that animated the anti-imperialist solidarity front, specifically the struggle for Palestine. <a title="More information" href="http://www.hkw.de/en/programm/projekte/2016/zeit_der_unruhe/zeit_der_unruhe_mehr.php" target="_blank">More information</a></p> <p style="text-align: justify;"><em>&ldquo;Past Disquiet&rdquo; is curated by Kristine Khouri and Rasha Salti. Originally conceived and presented by the Museu d&rsquo;Art Contemporani de Barcelona (MACBA) in 2015. The Berlin version is a production of Haus der Kulturen der Welt, Berlin, and MACBA. The research for this project has been made possible by the generous support of Rana Sadik and Samer Younis, the Sharjah Art Foundation, the Arab Fund for Arts and Culture (AFAC), ZedGrant, and the A. M. Qattan Foundation.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Part of <a title="Kanon-Fragen 2016-2019" href="http://www.hkw.de/en/programm/projekte/2016/kanon_fragen/kanon_fragen_start.php" target="">Kanon-Fragen 2016-2019</a></em></p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> <div class="two-columns"> <p style="text-align: justify;">Im Mittelpunkt der Archiv- und Dokumentationsausstellung <em>Zeit der Unruhe</em> steht die Geschichte der <em>Internationalen Kunstausstellung f&uuml;r Pal&auml;stina 1978</em>. Diese wurde von der Pal&auml;stinensischen Befreiungsorganisation PLO veranstaltet und er&ouml;ffnete im Fr&uuml;hjahr 1978 an der Beirut Arab University, Libanon. Ihre etwa 200 Werke waren Geschenke aus fast 30 L&auml;ndern und verstanden sich als Kern eines Museums im Exil. In Form einer Wanderausstellung sollte das Museum im Exil durch die Welt reisen, um schlie&szlig;lich nach Pal&auml;stina heimgef&uuml;hrt zu werden. W&auml;hrend der Belagerung Beiruts im Jahr 1982 zerst&ouml;rten die israelischen Streitkr&auml;fte das Depot der Sammlung ebenso wie s&auml;mtliche archivarischen und dokumentarischen Spuren der Ausstellung.</p> <p style="text-align: justify;">Um die Geschichte der zeitgen&ouml;ssischen Kunst zu schreiben, reichen Werkanalysen allein nicht aus. Ein wichtiger Teilbereich dieser Historiografie untersucht und erz&auml;hlt, wie Kunstwerke Eingang in den &ouml;ffentlichen Raum und damit in die Sph&auml;re ihrer Rezeption gefunden haben. Aus der Besch&auml;ftigung mit der Geschichte des Ausstellens ist zu erfahren, welche Bedeutung die zeitgen&ouml;ssische Kunstproduktion ihren Werken im gr&ouml;&szlig;eren Kontext politischer, medialer, wirtschaftlicher und kultureller Bedingungen zuweist: Wie werden die Werte, die Kunst dem Leben beimisst, geschaffen und verbreitet?</p> <p style="text-align: justify;">Umfang und Anspruch der <em>Internationalen Kunstausstellung f&uuml;r Pal&auml;stina</em> von 1978 waren in der Region ohne Beispiel. Ihre historische Rekonstruktion hat ein dichtes Netz und eine gemeinsame Geschichte politisch engagierter K&uuml;nstler und Projekte zutage gef&ouml;rdert, ebenso wie eine nur sp&auml;rlich dokumentierte Basisarbeit von K&uuml;nstlerkollektiven in Paris, Rom oder Tokio, in K&uuml;nstlerverb&auml;nden von Damaskus, Bagdad und Casablanca, auf wegbereitenden Biennalen in Venedig, Bagdad und Rabat und in der Form &auml;hnlicher Exilmuseen in Santiago de Chile, Managua und Kapstadt.</p> <p style="text-align: justify;">Die Ausstellung umfasst Reproduktionen wichtiger Dokumente, Montagen von Archivaufnahmen und Filmen sowie zeitgen&ouml;ssische Interviews und Texte. Sie wirft einen frischen Blick auf die k&uuml;nstlerische Praxis in den politischen Grabenk&auml;mpfen internationaler, antiimperialistischer Solidarit&auml;tsbewegungen der 1970er Jahre.</p> <p style="text-align: justify;">Indem <em>Zeit der Unruhe</em> die Erinnerungen von K&uuml;nstlern, Kritikern und Kulturveranstaltern aufgreift, entsteht eine ungeahnte, Weltgegenden und Zeiten verbindende Landkarte engagierter Kunst, auf der sich die Geschichte der Internationalen Kunstausstellung f&uuml;r Pal&auml;stina mit dem &bdquo;International Resistance Museum for Salvador Allende in Exile&ldquo;, den &bdquo;Artists of the World Against Apartheid&ldquo;, &bdquo;Arte para el Pueblo de Nicaragua&ldquo;, dem &bdquo;Salon de la Jeune Peinture&ldquo; und den&ldquo; Internationalen Brigaden antifaschistischer Maler&ldquo;, sowie mit der japanischen &bdquo;Afro-Asian Latin American Artists Association&ldquo; und den Biennalen Arabischer Kunst 1974 in Bagdad und in Rabat 1976 verbindet.</p> <p style="text-align: justify;"><em>&bdquo;Zeit der Unruhe. &Uuml;ber die Internationale Kunstausstellung f&uuml;r Pal&auml;stina 1978&ldquo; ist kuratiert von Kristine Khouri und Rasha Salti und wurde 2015 vom Museu d&acute;Art Contemporani de Barcelona (MACBA) konzipiert und pr&auml;sentiert. Die Berliner Ausstellung 2016 ist eine Produktion des Hauses der Kulturen der Welt und des MACBA.</em></p> <p style="text-align: justify;"><em>Im Rahmen von <a title="Kanon-Fragen 2016-2019" href="http://www.hkw.de/de/programm/projekte/2016/kanon_fragen/kanon_fragen_start.php" target="_blank">Kanon-Fragen 2016-2019</a></em></p> </div> <p>&nbsp;</p> <p>&nbsp;</p> </div> Sun, 07 Feb 2016 08:18:30 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Group Show - Haus der Kulturen der Welt - March 11th - May 9th <div class="two-columns"> <p style="text-align: justify;">How does the progressive quantification of our social behaviors through technology and their monetization change these very behaviors? How does extensive data collection impact our understanding of society, the state and the self? Beyond contemporary disclosures about mass surveillance by intelligence services, the promises inherent in &ldquo;big data&rdquo; determine discourses about future innovations and systems of classification in government and industry, which aim to increasingly transform political and systemic questions into those of technological management. The promises of social participation and &ldquo;digital democracy&rdquo; stand in contrast to new forms of cybernetic control and modulation of social behavior on an unprecedented scale.</p> <p style="text-align: justify;">The countless sensors of ubiquitous digital and technological infrastructures have united the state, industry, body and technology into ever more complex &ldquo;nervous systems,&rdquo; since industrialization began. The nervousness and uncertainty of modern systems are revealed in particular where relationships of power and participation come to the fore, namely in the &ldquo;social question.&rdquo; Beyond cybernetic control, there is nervousness within disciplinary systems and today&rsquo;s ideology of &ldquo;total information awareness&rdquo;, made especially evident by the gaps between the promise of information-based, solution-oriented &ldquo;management,&rdquo; security discourses and sociopolitical realities.</p> <p style="text-align: justify;">After the exhibition <a title="The Whole Earth" href="http://www.hkw.de/en/programm/projekte/projekt_83124.php" target="_blank">The Whole Earth</a> (2013) and alongside the multi-year <a title="Technosphere" href="http://www.hkw.de/en/programm/projekte/projekt_118515.php" target="_blank">Technosphere</a> project, with this exhibition the Department of Visual Arts at Haus der Kulturen der Welt continues its exploration of the present and past of cybernetics as well as the political dimensions of the global infrastructure in the anthropocene.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Nervous Systems</em> is an essay exhibition with artistic works, newly commissioned productions and contextualizing materials curated by Anselm Franke in collaboration with Stephanie Hankey and Marek Tuszynski from the Tactical Technology Collective. Tactical Tech is an international NGO that helps activists and journalists understand and use digital technologies in their work. Since its founding in 2003, Tactical Tech's work is guided by principles of freedom of information and expression. Worldwide they have supported thousands of human rights activists to creatively employ information and communication in their work towards social and political change. Tactical Tech works to show how digital traces are left behind in the mesh of power structures. For the duration of the exhibition, Tactical Tech will enable visitors to explore their own &ldquo;digital shadows&rdquo; in a walk-through installation. Visitors can also discuss subjects like data footprints and the politics of data directly with experts.</p> <p style="text-align: justify;">With artistic contributions by Mari Bastashevski, Emma Charles, Charles Gaines, Melanie Gilligan, Goldin+Senneby, Lawrence Abu Hamdan, On Kawara, Henrik Olesen, Julien Pr&eacute;vieux, Jon Rafman, Deborah Stratman, and others. With contributions by Gr&eacute;goire Chamayou, Avery F. Gordon, Orit Halpern, Tung-Hui Hu, Lawrence Liang, Matteo Pasquinelli, Noortje Maares, Nishant Shah, and Mushon Zer-Aviv.</p> <p style="text-align: justify;"><em>An exhibition by Haus der Kulturen der Welt in collaboration with Tactical Technology Collective, co-curated by Stephanie Hankey, Marek Tuszynski and Anselm Franke.</em> Nervous Systems <em>takes place as part of <a title="100 Jahre Gegenwart" href="http://www.hkw.de/en/programm/projekte/projekt_111157.php" target="_blank">100 Years of Now</a>.</em></p> <hr /> <div class="two-columns"> <p style="text-align: justify;">Wie ver&auml;ndert die massiv fortschreitende Quantifizierung unseres Sozialverhaltens und ihre Monetarisierung dieses Verhalten selbst? Wie beeinflusst die umfassende Datenerfassung Konzepte von Gesellschaft, Staat und dem Selbst? Jenseits gegenw&auml;rtiger Enth&uuml;llungen &uuml;ber die Massen&uuml;berwachung der Geheimdienste bestimmen die Versprechungen von &bdquo;Big Data&ldquo; die Diskurse &uuml;ber die kommenden Innovationen und Ordnungssysteme in Politik und Wirtschaft. Dabei sollen politische und systemische Fragen zunehmend in solche des technologischen Managements &uuml;berf&uuml;hrt werden. Dem Versprechen von gesellschaftlicher Teilhabe und &bdquo;digitaler Demokratie&ldquo; stehen neue Formen der kybernetischen Kontrolle und Modulierung von sozialem Verhalten in bisher ungekanntem Ma&szlig;stab gegen&uuml;ber.</p> <p style="text-align: justify;">Die unz&auml;hligen Sensoren der allgegenw&auml;rtigen digitalen und technologischen Infrastrukturen verbinden schon seit Beginn der Industrialisierung Staat, Wirtschaft, K&ouml;rper und Technologie zu immer komplexer werdenden &bdquo;nerv&ouml;sen Systemen&ldquo;. Die Nervosit&auml;t und Unsicherheit moderner Systeme offenbaren sich insbesondere dort, wo die Verh&auml;ltnisse von Macht und Teilhabe ins Blickfeld geraten, also entlang der &bdquo;sozialen Frage&ldquo;. Jenseits der kybernetischen Steuerung zeigt sich eine ganz eigene Nerv&ouml;sit&auml;t disziplinarischer Systeme und der heutigen Ideologie einer &bdquo;Total Information Awareness&ldquo; nicht zuletzt angesichts der L&uuml;cke, die sich zwischen dem Versprechen von datenbasiertem, l&ouml;sungsorientiertem &bdquo;Management&ldquo;, Sicherheitsdiskurs und gesellschaftspolitischen Realit&auml;ten auftun.</p> <p style="text-align: justify;">Nach der Ausstellung <a title="The Whole Earth" href="http://www.hkw.de/de/programm/projekte/projekt_83124.php" target="">The Whole Earth</a> (2013), und parallel zum mehrj&auml;hrigen Projekt <a title="Technosphere" href="http://www.hkw.de/de/programm/projekte/projekt_118515.php" target="">Technosphere</a> setzt der Bereich Bildende Kunst des Haus der Kulturen der Welt mit dieser Ausstellung seine Auseinandersetzung mit der Gegenwart und Geschichte der Kybernetik sowie den politischen Dimensionen der globalen Infrastruktur im Anthropoz&auml;n fort.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Nerv&ouml;se Systeme</em> ist eine Essay-Ausstellung mit k&uuml;nstlerischen Arbeiten, neuen Auftragsproduktionen und kontextualisierenden Materialien. Die Ausstellung wird von Anselm Franke zusammen mit Stephanie Hankey und Marek Tuszynski vom Tactical Technology Collective kuratiert. Tactical Technology Collective ist eine internationale NGO, die u.a. Aktivisten und Journalisten im Umgang mit sozialen Medien und digitalen Technologien ber&auml;t und schult. Seit der Gr&uuml;ndung im Jahr 2003 engagiert sich Tactical Tech f&uuml;r Informations- und Meinungsfreiheit. Weltweit haben sie Tausende Menschenrechtsaktivisten durch die kreative Anwendung von Information und Kommunikation beim Einsatz f&uuml;r gesellschaftlichen und politischen Wandel unterst&uuml;tzt. Tactical Tech zeigt, welche digitale Spuren im Geflecht von Machtstrukturen entstehen. Mit einer begehbaren Installation erm&ouml;glicht das Tactical Technology Collective w&auml;hrend der Ausstellung Besuchern sich in direktem Austausch mit Experten mit ihrem pers&ouml;nlichen digitalen "Schatten" auseinanderzusetzen.</p> <p style="text-align: justify;">Mit k&uuml;nstlerischen Beitr&auml;gen von Mari Bastashevski, Emma Charles, Charles Gaines, Melanie Gilligan, Goldin+Senneby, On Kawara, Henrik Olesen, Julien Pr&eacute;vieux, Jon Rafman, RYBN.ORG, Lawrence Abu Hamdan u.a.</p> <p style="text-align: justify;">Mit Beitr&auml;gen von Gr&eacute;goire Chamayou, Avery Gordon, Orit Halpern, Matteo Pasquinelli, Noortje Maares, Nishant Shah und Mushon Zer-Aviv.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Eine Ausstellung vom Haus der Kulturen der Welt in Zusammenarbeit mit dem Tactical Technology Collective, co-kuratiert von Stephanie Hankey, Marek Tuszynski und Anselm Franke.</em><br />Nerv&ouml;se Systeme <em>findet im Rahmen von <a title="100 Jahre Gegenwart" href="http://www.hkw.de/de/programm/projekte/projekt_111157.php" target="_blank">100 Jahre Gegenwart</a> statt.</em></p> </div> </div> Sun, 07 Feb 2016 08:15:18 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Hanae Utamura - Künstlerhaus Bethanien - January 22nd - February 14th <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">Hanae Utamura combines a wide range of image and text material with light projections and object arrangements to create a complex spatial installation, in which she visualizes the transformation processes of historical time-places as the specific site of socio-political constructs.</p> <p style="text-align: justify;">Her latest project, <em>Holiday at War</em> identifies leisure as an organized period of time, investigating it against the conflicting relationship of autonomy and heteronomy. Inspired by the story of the National Socialist &ldquo;Kraft durch Freude&rdquo; (Strength through Joy) organization and its monumental buildings in the seaside resort Prora on the Baltic island of R&uuml;gen she clarifies current social developments in &lsquo;gathering strength&rsquo;: the resurrection of the listed holiday complex began in 2004, and in future it will be turned into luxury holiday apartments.</p> <p style="text-align: justify;"><br /> In Utamura&rsquo;s work a black box the size of Albert Speer&rsquo;s prison cell in Berlin-Spandau transforms the temporal perspective of Hitler&rsquo;s propagandist visions and major projects, uncovering the concept of collective leisure as a strictly organized, controlling mechanism. In contrast to romantic notions of sea and relaxation, Utamura provocatively relates aspects of recreation to the machinery of work and war, critically questioning today&rsquo;s industrial society and striving for efficiency via an historical perspective. Free time thus becomes a productive component of an increasingly achievement-oriented society, which Utamura reveals as a complex ideological construction, closely linked to the labour economy.</p> <p style="text-align: justify;">Hanae Utamura is currently receiving a grant from the Pola Art Foundation.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Hanae Utamura kombiniert vielf&auml;ltiges Bild- und Textmaterial mit Lichtprojektionen und Objektarrangements zur komplexen Rauminstallation, in der sie die Transformationsprozesse von historischen Zeit-R&auml;umen als spezifische Orte von sozialpolitischen Gesellschaftskonstrukten vergegenw&auml;rtigt.</p> <p style="text-align: justify;">Ihr neustes Projekt<em> Holiday at War</em> stellt Freizeit als organisierten Zeitraum heraus und untersucht sie im Spannungsverh&auml;ltnis von Selbst- und Fremdbestimmung. Inspiriert von der Geschichte der nationalsozialistischen &ldquo;Kraft durch Freude&rdquo;-Organisation und ihrer monumentalen Bauten im Seebad Prora auf der Ostseeinsel R&uuml;gen, verdeutlicht sie aktuelle gesellschaftliche Entwicklungen des &lsquo;Kraft Sch&ouml;pfens&rsquo;: 2004 begann die Wiederbelebung der denkmalgesch&uuml;tzten Anlage, in der zuk&uuml;nftig luxuri&ouml;se Ferienappartments entstehen sollen.</p> <p style="text-align: justify;">Eine Black Box in der Gr&ouml;&szlig;e von Albert Speers Gef&auml;ngniszelle in Berlin-Spandau transformiert bei Utamura die zeitliche Perspektive zu Hitlers propagandistischen Visionen und Gro&szlig;projekten, die das Konzept von kollektiver Freizeit als streng organisierten Kontrollmechanismus entlarvt. Im Kontrast zu romantischen Vorstellungen von Meer und Entspannung bringt Utamura Aspekte der Erholung provozierend in eine Beziehung zur Arbeits- und Kriegsmaschinerie, die durch den historischen Blinkwinkel die heutige Industriegesellschaft und deren Effizienzstreben kritisch hinterfragt. Freizeit wird zum produktiven Bestandteil einer leistungssteigernden Gesellschaft, den Utamura als komplexe ideologische Konstruktion freilegt, die eng mit der Arbeits&ouml;konomie verbunden ist.</p> <p style="text-align: justify;">Hanae Utamura ist Stipendiatin der Pola Art Foundation im Rahmen des Internationalen Atelierprogramms.<br /> Ihr Ausstellungsprojekt wurde&nbsp;freundlich unterst&uuml;tzt durch die Firma Metropole Marketing GmbH.</p> </div> Sun, 07 Feb 2016 08:02:31 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Kijin Park - Künstlerhaus Bethanien - January 22nd - February 14th <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">Kijin Park creates installations characterized by a narrative quality. Each work recounts a personal journey and the experiences it offers, which serve as his source of inspiration. The artist processes his thoughts, feelings and experiences in drawings and writing. Park creates a free space for new experiences and narratives with his mainly architectonic, three-dimensional installations, which invite the viewer to interact.</p> <p style="text-align: justify;">The work entitled <em>Path</em>, links Park&rsquo;s personal story and the division between South and North Korea, as well as the story of the German division. In particular Park&rsquo;s personal experiences of military service play a large part here: he was stationed for some time at a military surveillance base in the demilitarized zone to North Korea.</p> <p style="text-align: justify;">In the first part of the work we see a bridge, broken apart in the middle &ndash; forward progress is forbidden, although the possibility is clearly visible. In the second part of the installation on the first floor there is a moveable platform equipped with a projector. The video shows the route through an old Berlin cellar that served as a bunker during the Second World War. The projector follows the movements of the video and so traces the labyrinth of bunker corridors. To avoid ending up in the picture, the viewer needs to reposition himself constantly in the space, and so becomes the one persecuted by the projection.</p> <p style="text-align: justify;">Kijin Park is currently receiving a grant from the Arts Council Korea to stay at K&uuml;nstlerhaus Bethanien.</p> <hr /> <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">Kijin Park schafft Installationen, die gepr&auml;gt sind vom Narrativen. Jedes Werk erz&auml;hlt von einer pers&ouml;nlichen Reise und den dabei gemachten Erfahrungen, die ihm als Inspirationsquelle dienen. Seine Gedanken und Erlebnisse verarbeitet der K&uuml;nstler zeichnerisch und schriftlich. Mit seinen meist architektonischen, dreidimensionalen Installationen, die zur Interaktion einladen, schafft Park einen offenen Raum f&uuml;r neue Erfahrungen und Erz&auml;hlungen.</p> <p style="text-align: justify;">Die Arbeit <em>Path</em> verbindet Parks eigene Geschichte mit der Teilung S&uuml;d- und Nordkoreas und der Geschichte der Teilung Deutschlands. Insbesondere spielen darin Parks pers&ouml;nliche Erlebnisse im Milit&auml;rdienst eine. Er war zeitweise auf einer Milit&auml;rbasis stationiert, die zur &Uuml;berwachung der demilitarisierten Zone zu Nordkorea dient.&nbsp;Im ersten Teil der Arbeit ist eine Br&uuml;cke zu sehen, die in der Mitte zerst&ouml;rt ist &ndash; ein Vorw&auml;rtskommen ist unterbunden, obwohl die M&ouml;glichkeit sichtbar ist.</p> <p style="text-align: justify;"><br /> Im zweiten Teil der Installation im 1. OG ist eine bewegbare Plattform mit einem Projektor zu sehen. Im Video wird der Weg durch einen alten Berliner Keller gezeigt, der im Zweiten Weltkrieg als Bunker diente. Der Projektor folgt den Bewegungen des Videos und zeichnet somit das Labyrinth der Bunkerwege nach. Um nicht ins Bild zu geraten, muss der Betrachter sich immer wieder neu im Raum ausrichten und wird so zum Verfolgten der Projektion.</p> <p style="text-align: justify;">Kijin Park ist als Stipendiat des Arts Council Korea im K&uuml;nstlerhaus Bethanien zu Gast.</p> </div> </div> Sun, 07 Feb 2016 08:00:44 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Eeva Hannula - Künstlerhaus Bethanien - January 22nd - February 14th <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">In her experimental photography works Eeva Hannula attempts to destabilise the essence of things and change their everyday meaning. To her the image is an uncertain matter located between fact and fiction, language and body. By using personal archive material, staged photography as well as digitally and physically edited material together she is creating images that show contradictions, atmospheres with a combination of lightness and weight-familiar and unfamiliar.</p> <p style="text-align: justify;">With <em>The Choreography of Uncertainty</em> Hannula creates a continuation to her previous series <em>The Structure of Uncertainty</em> that dealt with the uncertainty of observations, feelings and essences. In her current work she continues the theme of uncertainty but focuses on the idea of photography as writing. She experiences images as poems that give words to experiences in a surprising way that can&rsquo;t be expressed in ordinary language. The artist explores how photography can create small sequences and show different perspectives of the same thing in the same work, while the movement and repetition in her works reflect the uncertain structures and movements of the mind, memories and perceptions.</p> <p style="text-align: justify;">Eeva Hannula was a guest at K&uuml;nstlerhaus Bethanien in 2015, holding a six-month fellowship from the Aalto University School of Arts, Design and Architecture.<br /> Her stay was also supported by the Finnish Cultural Foundation, Uusimaa Regional Fund.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Eeva Hannula unternimmt mit ihren experimentellen Fotoarbeiten den Versuch, das Wesen der Dinge und ihre allt&auml;gliche Bedeutung aus dem Gleichgewicht zu bringen. Sie begreift Bilder als ungewisse Materie, die sich zwischen Fakten und Fiktion, Sprache und K&ouml;rper ansiedelt. Unter Verwendung von eigenem Archivmaterial, inszenierten Fotoaufnahmen und bearbeiteten Bildmaterialien erschafft sie Bilder, die Widerspr&uuml;che aufscheinen lassen und Atmosph&auml;ren zwischen Schwere und Leichtigkeit, Vertrautem und Unbekanntem hervorbringen.</p> <p style="text-align: justify;">The <em>Choreography of Uncertainty</em> setzt die vorangegangene Werkserie <em>The Structure of Uncertainty</em> fort, die sich mit der Ungewissheit von Beobachtungen, Gef&uuml;hlen und Wesensarten befasste. Hannulas aktuelle Arbeit f&uuml;hrt das Thema des Ungewissen weiter, konzentriert sich dabei aber auf die Vorstellung von Fotografie als einer Art des Schreibens. Sie l&auml;sst aus ihren Bildern eine Poesie entstehen, die ihre Bedeutung aus deren gegenseitiger Kontrastsetzung sch&ouml;pft und erforscht, wie Fotografie kleine Sequenzen kreieren und so ganz unterschiedliche Perspektiven auf ein und den selben Gegenstand im Werk hervorbringen kann. Dabei spiegeln die Wiederholungen und Bewegungen die ungewissen Strukturen und Regungen des menschlichen Geistes, der Erinnerung und unserer Wahrnehmung wider.</p> <p style="text-align: justify;">Eeva Hannula war 2015 als Stipendiatin der Aalto University School of Arts, Design and Architecture im K&uuml;nstlerhaus Bethanien zu Gast. Ihr Aufenthalt wurde zudem gef&ouml;rdert durch die Finnish Cultural Foundation, Uusimaa Regional Fund.</p> </div> Sun, 07 Feb 2016 07:59:25 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Juuso Noronkoski - Künstlerhaus Bethanien - January 22nd - February 14th <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">Juuso Noronkoski examines the borderlines between the photographic image and its forms of perception in the real world. He links objects found on the spot with photos documenting things long past, and combines them to produce photographic still-lifes and sculptural objects, so that the incorporated photographs not only function as windows looking back to other times and places, but also as mirrors of the viewer&rsquo;s current situation.</p> <p style="text-align: justify;">He got the idea for the work <em>Foreign Light</em>&nbsp;during a journey to Zanzibar, where the Southern Cross could be seen in the night sky. Fascinated by the thought that this constellation had already guided seafarers like Vasco da Gama 600 years before, and that light from the darkest part of the nebula requires the same time to reach earth, Noronkoski &ndash; having later found an illustration of the constellation in a book &ndash; began to photograph it repeatedly using the camera of his mobile phone. Because the flash of the camera produced a bright, star-like reflection on the newly taken image, on the one hand the &lsquo;historical&rsquo; light was covered by the &lsquo;present&rsquo; one, while on the other hand, with every new photograph a new constellation was created with an increasing number of stars.</p> <p style="text-align: justify;">In<em> This Place is Nowhere</em> Noronkoski is showing a selection of recent works, which enchant the viewer with their poetic beauty and all pose the question of human empathy: how can we see something the same way that another person sees it &ndash; in a different place, in a different society, at a different time?</p> <p style="text-align: justify;">Juuso Noronkoski is currently participating in our International Studio Programme for six months, receiving a grant from Aalto University School of Arts, Design and Architecture.</p> <hr /> <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">Juuso Noronkoski verkn&uuml;pft vor Ort befindliche Objekte mit Fotografien, die l&auml;ngst Vergangenes dokumentieren und kombiniert sie zu fotografischen Stillleben und skulpturalen Objekten, so dass die Fotografien nicht nur als Fenster des R&uuml;ckblicks auf andere Zeiten und Orte, sondern auch als Spiegel im Hinblick auf die Aktualit&auml;t des Betrachters fungieren.&nbsp;<em>Foreign Light&nbsp;</em>entstand w&auml;hrend einer Reise des K&uuml;nstlers nach Sansibar, wo am Nachthimmel das Kreuz des S&uuml;dens zu sehen war. Fasziniert von der Erkenntnis, dass die Konstellation vor 600 Jahren bereits Seefahrer wie Vasco da Gama geleitet hatte und das Licht von der dunkelsten Stelle in der Sternenwolke eben diese Zeit braucht, um die Erde zu erreichen, begann Noronkoski zu einem sp&auml;teren Zeitpunkt, eine Abbildung des Sternbilds in einem Buch mit der Kamera seines Mobiltelefons immer wieder abzufotografieren. Der Blitz der Kamera hinterlie&szlig; eine helle, sternartige Reflexion auf dem neu entstandenen Bild, so dass einerseits das &lsquo;historische&rsquo; Licht vom &lsquo;gegenw&auml;rtigen&rsquo; &uuml;berdeckt wurde und andererseits mit jeder neuen Aufnahme eine neue Konstellation mit einer wachsenden Anzahl von Sternen entstand.</p> <p style="text-align: justify;"><em>This Place is Nowhere</em>&nbsp;zeigt eine Auswahl neuerer Arbeiten Noronkoskis, die den Betrachter mit ihrer poetischen Sch&ouml;nheit verzaubern und die Frage nach dem menschlichen Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen stellen: wie k&ouml;nnen wir etwas so sehen, wie ein anderer es sieht &ndash; an einem anderen Ort, in einer anderen Gesellschaft, zu einer anderen Zeit?</p> <p style="text-align: justify;">Juuso Noronkoski ist als Stipendiat der Aalto University School of Arts, Design and Architecture im K&uuml;nstlerhaus Bethanien zu Gast.</p> </div> </div> Sun, 07 Feb 2016 07:59:02 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Kiki Kogelnik - Johann König - February 6th - March 6th <p style="text-align: justify;">K&Ouml;NIG GALERIE is pleased to present a solo exhibition by Kiki Kogelnik (1935-1997) in the chapel of the former St. Agnes Church.&nbsp;</p> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Kogelnik&rsquo;s second exhibition at K&Ouml;NIG GALERIE focuses on a production period in the mid-1960s, shortly after Kogelnik moved from Europe to New York in 1961. This was an era of international upheaval, the looming tensions of the Cold War and the Space Race were at their height and fears of imminent nuclear warfare disrupted any sense of security. Likewise, it was an age for the young. Only in her mid-twenties at the time, Kogelnik was among the first generation to witness the promise of a glittering new age of American politics and the rise of the military industrial complex, all broadcast over the recently introduced color television. Movements addressing gender and racial inequalities were in full swing, as was the sexual revolution. In this maelstrom of change, the Austrian-born painter produced a vibrant body of socio-political and personal appraisals addressing a world with an uncertain future.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">When understood within the context of the era, Kogelnik&rsquo;s works convey the unrest and optimism that were a result of the promises offered by advances in technology, science, space exploration, communication, and medicine. Rendered through a confident layering of eerily weightless bodies and body fragments, machines, robots, and shapes, the tension of the imagery contrasts its bright, playful colors. Kogelnik&rsquo;s flattened, fractured vision is an unsettling meditation on human existence and the singularity of the individual and their emotions within a context of the greater whole.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">The works in the exhibition were produced during the same period as the conception and construction of St. Agnes Church. Much like the brutalist architecture of the building, Kogelnik&rsquo;s paintings and drawings seem to be a reaction to the frivolity of the past and the effect of an increasingly mechanized world on both the body and emotions. Here, the architecture and Kogelnik&rsquo;s work reveal their elemental nature while unpretentiously exploring the dualistic optimism and moral seriousness of the time.&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">&ndash; Alicia Reuter</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Kiki Kogelnik was born in 1935 in Graz, Austria and died in 1997. She lived and worked in New York and Vienna. Selected solo exhibitions were held at Modern Art Oxford, UK (2015); Simone Subal Gallery, New York, USA (2014); K&Ouml;NIG GALERIE, Berlin, Germany (2013); Kunsthalle Krems, Austria (2013) and Hamburger Kunstverein, Germany (2012). Her work was part of Tate Modern&rsquo;s blockbuster exhibition The World Goes Pop, London, UK (2015) and was featured in group shows at Louisiana Museum of Modern Art, Humleb&aelig;k, Denmark (2013); Moderna Museet, Stockholm, Sweden (2013); Kunsthalle Wien, Vienna, Austria (2010) and at the Brooklyn Museum, New York, USA (2010) amongst others. Earlier selected solo exhibitions include &Ouml;sterreichische Galerie Belvedere, Vienna, Austria (retrospective, 1998); MAK &ndash; Museum of Applied Arts, Vienna, Austria (1996); the K&auml;rntner Landesgalerie, Klagenfurt, Austria (retrospective, 1989); the Austrian Institute, New York, USA (1965); Galerie Kornfeld, Zurich, Switzerland (1978) and Galerie n&auml;chst St. Stephan, Vienna, Austria (1961).</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <hr /> <p>K&Ouml;NIG GALERIE freut sich Kiki Kogelnik (1935-1997) in einer Einzelausstellung in der ehemaligen Kapelle von St. Agnes zu pr&auml;sentieren.</p> <div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Im Zentrum der zweiten Ausstellung Kogelniks in der K&Ouml;NIG GALERIE steht eine Schaffensperiode, die Mitte der 1960er Jahre kurz nach der &Uuml;bersiedlung der K&uuml;nstlerin von Europa nach New York im Jahr 1961 beginnt. Diese Epoche ist von internationalen Umbr&uuml;chen gepr&auml;gt. Die angespannte Lage infolge des Kalten Krieges und des Wettlaufs ins All spitzt sich zu und die Angst vor einem unmittelbar bevorstehenden Atomkrieg beeintr&auml;chtigt jegliches Gef&uuml;hl der Sicherheit. Gleichzeitig ist dies das Zeitalter der Jugend. Kogelnik, damals erst Mitte Zwanzig, geh&ouml;rt zur ersten Generation, die auf dem Bildschirm des j&uuml;ngst eingef&uuml;hrten Farbfernsehers die Verhei&szlig;ung eines neuen gl&auml;nzenden Zeitalters Amerikanischer Politik und den Aufstieg des milit&auml;risch-industriellen Komplexes miterlebt. Bewegungen zu Gender und Rassenungleichheit und auch die sexuelle Revolution sind in vollem Gange. In dieser ungest&uuml;men Zeit des Wandels, entsteht ein dynamisches Werk gesellschaftspolitischer und pers&ouml;nlicher Bestandsaufnahmen der in &Ouml;sterreich geborenen K&uuml;nstlerin. Sie zeigen ihre Auseinandersetzung mit einer Welt von ungewisser Zukunft.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Im Kontext ihrer Entstehungszeit betrachtet, vermitteln die Werke Kogelniks die Unruhe und den Optimismus dieser Epoche, die sich aus dem vielversprechenden Vorsprung durch Technik, Wissenschaft, Weltraumerforschung, Kommunikation und Medizin ergeben. Als souver&auml;n ausgef&uuml;hrte &Uuml;berlagerungen erzeugen die Darstellungen unheimlicher, schwereloser K&ouml;rper und K&ouml;rperfragmente, Maschinen, Roboter und Gestalten ein Unbehagen, das im Kontrast zu der leuchtenden, spielerischen Farbigkeit der Bilder steht. Im Zusammenhang mit dem gr&ouml;&szlig;eren Ganzen, ergibt sich aus der abgeflachten, zerlegten Vision Kogelniks eine beunruhigende Betrachtung der menschlichen Existenz und der Eigent&uuml;mlichkeit des Individuums und seiner Emotionen.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Die Werke der Ausstellung entstehen im gleichen Zeitraum wie der Bau der St. Agnes Kirche. Ganz wie die brutalistische Architektur des Bauwerks, scheinen die Gem&auml;lde und Zeichnungen Kogelniks eine Reaktion auf die Leichtsinnigkeit der Vergangenheit und die Auswirkungen einer zunehmend technisierten Welt auf K&ouml;rper und Emotionen zu sein. Darin liegt die Essenz der brutalistischen Architektur und&nbsp;des Werks Kogelniks. Mit Aufrichtigkeit und Offenheit setzen sie sich mit dem dualistischen Optimismus und der moralischen Ernsthaftigkeit der Zeit auseinander.</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">- Alicia Reuter</div> <div style="text-align: justify;">&nbsp;</div> <div style="text-align: justify;">Kiki Kogelnik (geboren 1935 in &Ouml;sterreich) lebte und arbeitete in New York, und Wien. Sie starb 1997 in Wien. Zuletzt wurde ihr Werk in Einzelausstellungen im Modern Art Oxford, UK (2015); in der Simone Subal Gallery, New York, USA (2014); bei Johann K&ouml;nig, Berlin, Deutschland (2013); in der Kunsthalle Krems, &Ouml;sterreich (2013) und im Hamburger Kunstverein, Deutschlan (2012) gezeigt. Letztes Jahr war ihre Arbeiten Teil der gro&szlig;angelegten Ausstellung The World Goes Pop in der Tate Modern, London, UK (2015). In Gruppenausstellungen war sie u.a. im Louisiana Museum of Modern Art, Humleb&aelig;k, D&auml;nemark (2013); im Moderna Museet, Stockholm, Schweden (2013); in der Kunsthalle Wien, &Ouml;sterreich (2010) und dem Brooklyn Museum (2010) zu sehen. Fr&uuml;here Einzelausstellungen hatte sie in der &Ouml;sterreichischen Galerie Belvedere, Wien (Retrospektive, 1998); im MAK &ndash; Museum f&uuml;r angewandte Kunst, Wien, &Ouml;sterreich (1996); in der K&auml;rntner Landesgalerie, Klagenfurt, &Ouml;sterreich (Retrospektive, 1989); dem Austrian Institute, New York, USA (1965); in der Galerie Kornfeld, Z&uuml;rich, Schweiz (1978) und in der Galerie n&auml;chst St. Stephan, Vienna, Austria (1961).</div> </div> Mon, 08 Feb 2016 17:46:08 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Julia Nefedova, Lena Vazhenina - DiehlCUBE - March 18th - April 24th Sun, 07 Feb 2016 07:50:33 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Martin Borowski - DiehlCUBE - January 29th - February 20th <p style="text-align: justify;">Martin Borowski gibt nicht alles. Als feingeistiger Analyst zeitgen&ouml;ssisch artistischer Spektakel, verweigert er sich und uns die Teilnahme am kreischend inszenierten Feuerwerk seiner k&uuml;nstlerischen Zunft. Borowski gibt nicht alles, weil es dessen nicht bedarf. Warum malen, was andernorts das Auge ers&auml;uft, warum dem in bildnerischer Reiz&uuml;berflutung treibenden Publikum eine Bildidee hinterher feuern, das dieser derben Kurzweil schon so vielfach erlegen ist?</p> <p style="text-align: justify;">Borowski scheint &ouml;konomisch, etwas fehlt hier und ist gleichwohl Teil der Bildfindung. Ist der K&uuml;nstler darum ein Nassauer, ein Parasit, wie so eindr&uuml;cklich von Michel Serres beschrieben? Setzt er still an der Arbeit Anderer an, ruht wohlig in deren Betriebshitze? Der franz&ouml;siche Philosoph sagt &bdquo;Parasit sein heisst: bei jemandem speisen&ldquo; also von Anderem zehren und eben das trifft hier nicht zu. Borowski bedient sich nicht an Fremdem, sein Tisch bleibt leer.</p> <p style="text-align: justify;">Spitzb&uuml;bischer Schalk scheint die bessere Umschreibung des Wesens Borowskis und seiner k&uuml;nstlerischen Unterlassung. Das Werk vollendet sich im Kopf des Betrachters, ein schlichter Allgemeinplatz, der hier in den Arbeiten des Malers eine ganz eigene Umdeutung erf&auml;hrt. Die ruhigen, fast zu k&uuml;hlen Leinw&auml;nde sind geduldige Projektionsfl&auml;chen, auf denen Spiel und Umgang des Betrachters mit dem aufgew&uuml;hlten Selbst geruhsam und in eigenem Tempo gespiegelt werden darf. So vollzieht sich des Malers Werbung als Liebender in der Teilhabe der Anderen<sup>()</sup>. Das ist kein inszenierter Diebstahl, sondern blankes Vertrauen.</p> <p style="text-align: justify;">Martin Eugen Raabenstein</p> <p style="text-align: justify;"><sup>(1) </sup>&bdquo;Der Andere aber ist abwesend; ich beschw&ouml;re ihn mir selbst herauf, damit er mich vor jener Willf&auml;hrigkeit der Welt gegen&uuml;ber bewahrt, die mir auflauert.&ldquo;&nbsp; Roland Barthes, Fragmente einer Sprache der Liebe </p> <p>&nbsp;</p> Sun, 07 Feb 2016 07:48:49 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list