ArtSlant - Recently added en-us 40 Jake & Dinos Chapman - Neue Nationalgalerie - October 7th - December 31st <p style="text-align: justify;">Jake &amp; Dinos Chapman (b. 1966 and 1962 in Cheltenham and London, respectively) were, in the 1990s, members of the group Young British Artists, much celebrated by the media - along with Tracey Enim, Liam Gillick and Damien Hirst. The two brothers had studied from 1988-1990 at the Royal College of Art in London and worked as assistants to the artist duo Gilbert &amp; George, until they began constructing figurative sculptures that stood out for their special shock value. Several of these were displayed in 1997 in the much discussed exhibit "Sensation", which presented works of the Young British Artists from the entrepreneur Charles Saatchi's own collection. The exhibit was also shown in the Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof - Museum f&uuml;r Gegenwart in 1998. In 2003, the Chapman brothers were nominated for the renowned Turner Prize, awarded by the Tate Gallery.</p> <p style="text-align: justify;">For their portfolio of prints deemed "My Giant Colouring Book", produced a year later and published by Charles Booth-Clibborn at his publishing house The Paragon Press, the brothers utilised pages from traditionally common colouring books for children, which are meant to be progressively painted or drawn by numbers, ultimately causing a coherent figure or scene to form. As long as the child drawing properly forms all of the lines from one numbered point to another, harmonious, harmless images are created. The Chapman brothers radically break away from this idyllic world with their linear additions and overpainting. The calculated innocence of the colouring book scenes provoked the two to certain destruction. Evil, the perverse and dismal, death and annihilation are excitingly and humorously revealed in their revisions which render the etchings in a reduction of colour. Nightmarish abysses are revealed which also exhibit foundations in social and political reality. The corset of numbers, points and picture fragments displayed is playfully burst open. This occurs both with a few short lines in some areas, and in a complex artistic manner in others. The approach the Chapmans take in this regard is simple: "The pictures in "My Giant Colouring Book" are about how wrong you could make an image. How you could use nodal points and ignore them at the same time." (Dinos Chapman)</p> <p style="text-align: justify;">As with their sculptures, Jake &amp; Dinos Chapman are aware in their shocking aesthetics of their obligation to figures from art history - especially the Spaniard Francisco Goya, who created his 82 "Desastres de la Guerra" between 1810 and 1820. In their etchings from 1999 for "Disasters of War", likewise published by The Paragon Press in London, they quite explicitly reference this work.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;"><strong>Eine Ausstellung des Kupferstichkabinetts in der Neuen Nationalgalerie im Rahmen der Ausstellung der Nationalgalerie "Ausweitung der Kampfzone. Die Sammlung. 1968 - 2000".</strong></p> <p style="text-align: justify;">Die Ausstellung zeigt auf 35 qm die gesamte, 21 Werke umfassende Edition "My Giant Colouring Book" der britischen K&uuml;nstler Jake und Dinos Chapman, die 2004 von der renommierten Paragon Press in London (Verleger: Charles Booth-Clibborn) herausgegeben wurde. Die auf originalen Zeichnungen der Chapman-Br&uuml;der basierenden Werke wurden aufw&auml;ndig als Radierungen (Polymergravur und Fotoradierung &uuml;ber Chine coll&eacute; auf Papier) in einer Auflage von 35 Exemplaren ausgef&uuml;hrt. Die Edition wurde 2007 vom Kupferstichkabinett - Staatliche Museen zu Berlin erworben. Sie wird nun erstmals &ouml;ffentlich pr&auml;sentiert.</p> <p style="text-align: justify;">Jake &amp; Dinos Chapman (Jake geb. 1966 in Cheltenham, Dinos 1962 in London) geh&ouml;rten in den 1990er Jahren - wie etwa auch Tracey Enim, Liam Gillick und Damien Hirst - zu der in den Medien gefeierten Gruppe der Young British Artists. Die beiden Br&uuml;der hatten 1988-1990 am Royal College of Art in London studiert und als Assistenten des K&uuml;nstlerpaars Gilbert &amp; George gearbeitet, ehe sie begannen, figurative Skulpturen zu schaffen, die sich durch besondere Drastik auszeichneten. Einige von ihnen wurden 1997 in der viel diskutierten Ausstellung "Sensation" gezeigt, welche Werke der Young British Artists aus der Sammlung des Unternehmers Charles Saatchi pr&auml;sentierte. Die Ausstellung wurde 1998 auch in der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof - Museum f&uuml;r Gegenwart gezeigt. 2003 wurden die Chapman-Br&uuml;der f&uuml;r den renommierten, von der Tate Gallery vergebenen Turner Prize nominiert.</p> <p style="text-align: justify;">F&uuml;r ihr druckgraphisches Mappenwerk "My Giant Colouring Book", das ein Jahr sp&auml;ter entstand und von Charles Booth-Clibborn in seinem Verlag The Paragon Press herausgegeben wurde, verwendeten die Br&uuml;der Seiten traditionell gebr&auml;uchlicher Malb&uuml;cher f&uuml;r Kinder, die gem&auml;&szlig; dem Prinzip Malen beziehungsweise Zeichnen nach Zahlen schrittweise zu erg&auml;nzen sind, so dass am Ende eine zusammenh&auml;ngende Figur oder Szene entsteht. Sofern das zeichnende Kind ordentlich alle Linien gem&auml;&szlig; Nummerierung von Punkt zu Punkt zieht, entstehen harmonische, harmlose Bilder. Aus dieser idyllischen Welt brechen die Chapman-Br&uuml;der mit ihren Linienerg&auml;nzungen und &Uuml;bermalungen radikal aus. Die kalkulierte Unschuldigkeit der Malbuchszenen provozierte die beiden zu einer bewussten Destruktion. Das B&ouml;se, das Perverse und D&uuml;stere, Tod und Zerst&ouml;rung k&ouml;nnen sich in ihren &Uuml;berarbeitungen, welche die Radierungen in farblicher Reduktion wiedergeben, lust- und humorvoll entfalten. Es werden albtraumhafte Abgr&uuml;nde aufgezeigt, die durchaus Bez&uuml;ge zur gesellschaftlichen Wirklichkeit aufweisen k&ouml;nnen. Das vorgegebene Korsett aus Zahlen, Punkten und Bildfragmenten wird gesprengt und gleichzeitig in seiner Ideologie entlarvt: "Die Bilder in My Giant Colouring Book handeln davon, wie falsch man ein Bild machen kann. Wie man Verbindungspunkte nutzen kann, indem man sie gleichzeitig ignoriert." (Dinos Chapman).</p> <p style="text-align: justify;">Wie schon bei ihren Skulpturen wissen sich Jake &amp; Dinos Chapman in ihrer schockierenden &Auml;sthetik durchaus Vorbildern aus der Kunstgeschichte verpflichtet - ganz besonders dem Spanier Francisco Goya, der zwischen 1810 und 1820 seine "Desastres de la Guerra" schuf. In ihren 1999 entstandenen Radierungen f&uuml;r "Disasters of War" beziehen sie sich ausdr&uuml;cklich auf dieses Werk.</p> Mon, 22 Dec 2014 06:34:58 +0000 Max Ernst, Mark Rothko, René Magritte, Frida Kahlo, Jackson Pollock - Neue Nationalgalerie - October 21st - December 31st <p style="text-align: justify;">Twenty masterpieces of twentieth-century art, now on show until December 2014, ranging from Max Ernst to Mark Rothko, Ren&eacute; Magritte, and Frida Kahlo, once again illustrate the great quality and depth of scope of the collection of Ulla and Heiner Pietzsch. Started in 1964, their extraordinary collection is characterized by two interconnected core themes: European Surrealism and its reception in the United States by the Abstract Expressionists.</p> <p style="text-align: justify;">Painters like Jackson Pollock and Mark Rothko picked up on new ideas and techniques brought over by &eacute;migr&eacute; artists such as Andr&eacute; Masson and Max Ernst and adopted them to their own ends. A brilliant example of such art-historical cross-pollination is the painting 'Young Man, Intrigued by the Flight of a Non-Euclidean Fly' (1942-47), in which Max Ernst dripped paint onto the canvas laid flat. He thus anticipated the method of drip painting that would be made famous by Jackson Pollock a few years later.</p> <p style="text-align: justify;">The Pietzsch Collection has gone on show at the Neue Nationalgalerie before, in a 2009 &nbsp;exhibition entitled 'Picture Dreams'. Since then it has been the Pietzschs' long-term goal to present their collection as a permanent loan, on the sole condition that a representative selection of works be placed on permanent display in combination with works from the Nationalgalerie. Indeed, the collection of Ulla and Heiner Pietzsch would undoubtedly greatly enrich and complement our own collection of modern art, as it has never recovered from the decimation inflicted on it by the cataclysmic policies of the Nazis and the devastation of the Second World War. Staggeringly high prices on the art market for artworks by modern masters mean that it is now virtually impossible to fill the gaps in our original collection through subsequent acquisitions and re-purchases. Ulla and Heiner Pietzsch's generous offer therefore presents us with a unique, almost historic opportunity that cannot be missed.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>For an additional wing of the Neue Nationalgalerie</strong></p> <p style="text-align: justify;">Completed in 1968 and designed by Ludwig Mies van der Rohe, the Neue Nationalgalerie is already far too small for the Nationalgalerie's collection. The staggered collection displays 'Modern Times', 'Divided Heaven', and 'Expansion of the Combat Zone' (2009-2014) have clearly demonstrated that three times as much exhibition space is required just to display all the major 20th-century artworks in the permanent collection. These not only include outstanding works by artists such as Klee, Beckmann, Richter, and Beuys, but also our large holdings of the art of the GDR - works by Heisig, T&uuml;bke, and Mattheuer. If, in addition to that, we are ever to present a selection of works from the Pietzsch Collection, then we desperately need to expand.</p> <p style="text-align: justify;">At the end of this year, the Neue Nationalgalerie will close for long-awaited renovations. And while we are glad that the distinguished, iconic building is finally being restored, the question unfortunately nevertheless remains as to the pressing problems regarding space. If the Neue Nationalgalerie is not complemented by a new building soon, then our collection of modern art will again only be able to go on display in fragments. This would be especially tragic for the city of Berlin, as until the Nazis came to power, Berlin led the world with the breadth and scale of its public collections of modern art. In the 1920s, the Nationalgalerie opened a 'Gallery of the Living' in the Kronprinzenpalais (on Unter den Linden), featuring then-controversial masterpieces by Nolde, Dix, Kirchner, Klee. This museum concept was admired far and wide, and inspired the famous Museum of Modern Art in New York. Today, all major world cities have gone on to create a museum dedicated to 20th century art. The German capital again needs a sufficiently large venue to house not just the Nationalgalerie's own permanent collection, but also the magnificent endowment, presented by Ulla and Heiner Pietzsch, of an important collection of Surrealist works.</p> <p style="text-align: justify;">In the summer of 2013, the Stiftung Preussischer Kulturbesitz, the umbrella organization that oversees the SMB, proposed to expand the Neue Nationalgalerie with a new building at the Kulturforum. Only then will it be possible to show the collection of 20th century art in all its richness.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Von Max Ernst bis Mark Rothko, von Ren&eacute; Magritte bis Frida Kahlo - 20 Meisterwerke des 20. Jahrhunderts, ausgestellt hier bis Dezember 2014, verdeutlichen noch einmal exemplarisch die gro&szlig;e Qualit&auml;t und Bandbreite der Sammlung von Ulla und Heiner Pietzsch. Seit 1964 entstand die au&szlig;ergew&ouml;hnliche Kollektion, die sich durch zwei miteinander verbundene Schwerpunkte auszeichnet: den europ&auml;ischen Surrealismus und dessen Rezeption in den USA durch die Abstrakten Expressionisten. Maler wie Jackson Pollock und Mark Rothko griffen die Anregungen emigrierter K&uuml;nstler wie Andr&eacute; Masson und Max Ernst auf und entwickelten sie weiter. Ein herausragendes Beispiel f&uuml;r diesen kunstgeschichtlich bedeutenden Zusammenhang ist das Gem&auml;lde "Junger Mann, beunruhigt durch den Flug einer nicht-euklidischen Fliege" (1942-47), in dem Max Ernst Lackfarbe auf die Leinwand tropfen lie&szlig;. Er nahm damit die Methode des Dripping vorweg, durch die Jackson Pollock sp&auml;ter ber&uuml;hmt werden sollte.</p> <p style="text-align: justify;">Unter dem Titel "Bildertr&auml;ume" war die Sammlung 2009 in der Neuen Nationalgalerie &nbsp;ausgestellt und ist seitdem der Nationalgalerie als Schenkung in Aussicht gestellt, mit der einzigen Bedingung, eine repr&auml;sentative Auswahl dauerhaft im Zusammenspiel mit Werken der Nationalgalerie zu zeigen. In der Tat w&uuml;rde die Sammlung von Ulla und Heiner Pietzsch in gro&szlig;artiger Weise die Sammlung der Nationalgalerie bereichern und erg&auml;nzen: Gerade im Bereich der Klassischen Moderne sind die Verluste durch die verheerende Politik der Nationalsozialisten und durch den Zweiten Weltkrieg besonders gro&szlig;. Besonders hier, im Bereich der Klassischen Moderne, k&ouml;nnen jedoch durch die hohen Preise am Kunstmarkt kaum noch Nacherwerbungen get&auml;tigt werden. Die Offerte von Ulla und Heiner Pietzsch kann daher als einzigartige, geradezu historische Chance gelten.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>F&uuml;r einen Erweiterungsbau der Neuen Nationalgalerie</strong></p> <p style="text-align: justify;">Die Neue Nationalgalerie, erbaut 1965-1968 von Ludwig Mies van der Rohe, ist bereits jetzt f&uuml;r die Sammlung der Nationalgalerie zu klein. Die drei aufeinander folgenden Sammlungspr&auml;sentationen "<em>Moderne Zeiten</em>", "<em>Der geteilte Himmel</em>" und "<em>Ausweitung der Kampfzone</em>" (2009-2014) haben klar verdeutlicht, dass allein f&uuml;r Hauptwerke zur Kunst des 20. Jahrhunderts die dreifache Sammlungsfl&auml;che ben&ouml;tigt wird. Dazu geh&ouml;ren nicht nur&nbsp; herausragende Werke von Klee, Beckmann, Richter und Beuys, sondern auch der gro&szlig;e Bestand zur Kunst der DDR - Werke von Heisig, T&uuml;bke und Mattheuer. Will man zus&auml;tzlich eine Auswahl der Sammlung Pietzsch zeigen, ist der Raumbedarf umso gr&ouml;&szlig;er.</p> <p style="text-align: justify;">Ende dieses Jahres wird die Neue Nationalgalerie f&uuml;r eine bevorstehende Sanierung schlie&szlig;en. So gl&uuml;cklich es ist, dass das noble Geb&auml;ude endlich restauriert wird, so ungl&uuml;cklich bleibt die Gesamtlage: Wenn die Neue Nationalgalerie nicht durch einen Neubau erg&auml;nzt wird, kann die Kunst der Moderne bald wieder nur Ausschnitten gezeigt werden. Dies w&auml;re f&uuml;r Berlin besonders tragisch, hatte Berlin doch einst eine weltweite Vorbildrolle f&uuml;r den Umgang mit der Kunst der Moderne. Im Kronprinzenpalais (Unter den Linden) hatte die Nationalgalerie in den 1920er Jahren eine "Galerie der Lebenden" eingerichtet mit Spitzenwerken von Nolde, Dix, Kirchner, Klee. Dieses museale Konzept wurde weltweit bewundert und zum Ausgangspunkt des ber&uuml;hmten "Museum of Modern Art" in New York. Heute besitzen alle gro&szlig;en Weltst&auml;dte ein Museum zur Kunst des 20. Jahrhunderts, nur nicht Berlin. Auch hier, in der deutschen Hauptstadt, braucht es einen ausreichend gro&szlig;en Ort - nicht nur f&uuml;r die st&auml;ndige Sammlung der Nationalgalerie, sondern eben auch f&uuml;r das gro&szlig;artige Geschenk von Ulla und Heiner Pietzsch, f&uuml;r ihre bedeutende Surrealismus-Sammlung.</p> <p style="text-align: justify;">Die Stiftung Preu&szlig;ischer Kulturbesitz hat im Sommer 2013 vorgeschlagen, die Neue Nationalgalerie mit einem Neubau am Kulturforum zu erg&auml;nzen. Nur dann w&auml;re es m&ouml;glich, die Sammlung zur Kunst des 20. Jahrhunderts in ihrer Vielfalt wirklich zeigen zu k&ouml;nnen.</p> Mon, 22 Dec 2014 06:32:53 +0000 Manuel Graf - Künstlerhaus Bethanien - December 15th - January 21st, 2015 <p style="text-align: justify;">In <em>Qu&rsquo;est ce que c&rsquo;est la maturit&eacute;</em>, the artist <strong>Manuel Graf</strong> examines different modes of action and angles of perspective across seemingly unrelated object arrangements. Fluctuating between archaeological architectural models, surreal mobiles as well as hyperactive toys, these are unified into a sober presentation that is reminiscent of a movie set.</p> <p style="text-align: justify;"><br />In this neutralizing setting our cultural development is portrayed across different scales &ndash; from the personal maturation of the individual to the global-cultural formation of man &ndash; and accentuated in their intertwining self-similarities.</p> <p style="text-align: justify;">The work is a retrospect of&nbsp;<em>Penetrating Surfaces,</em>&nbsp;an extensive screening curated by&nbsp;Robert Seidel (<a href="" target="_blank"></a>) for the Film Museum Vienna in 2014.&nbsp; It deliberates on the materially-inherent aesthetic potential of the digital, a search above and beyond the boundaries of software and its media metaphors.</p> <p style="text-align: justify;">Manuel Graf, born in 1978, lives and works in D&uuml;sseldorf (Germany)</p> <p style="text-align: justify;">daily 9 pm &ndash; 8 am</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">In <em>Qu&rsquo;est ce que c&rsquo;est la maturit&eacute;</em> durchspielt der K&uuml;nstler <strong>Manuel Graf</strong> verschiedene Wirkungsweisen und Betrachtungswinkel von vermeintlich nicht verwandten Objektverschr&auml;nkungen. Diese changieren zwischen arch&auml;ologischen Architekturmodellen, surrealistischen Mobiles sowie &uuml;berdrehtem Kinderspielzeug und werden in einer n&uuml;chternen Pr&auml;sentation, einem Film-Set nicht un&auml;hnlich, zu einem Ganzen vereint.</p> <p style="text-align: justify;"><br /> In dieser neutralisierenden Anordnung wird die Entwicklung unserer Kultur in verschiedenen Skalen aufgezeigt &ndash; sowohl die pers&ouml;nlichen Reifung des Individuums, als auch einer global-kulturellen Menschwerdung &ndash; und deren verschlungene Selbst&auml;hnlichkeiten herausgearbeitet.</p> <p style="text-align: justify;">Die Arbeit dient als R&uuml;ckblick auf das umfangreiche Filmprogramm&nbsp;<em>Penetrating Surfaces</em>, welches von Robert Seidel (<a title="" href="" target="_blank"></a>) f&uuml;r das Filmmuseum Wien&nbsp;im Jahr 2014 kuratiert wurde. In diesem wird das materialinh&auml;rente &auml;sthetische Potential des Digitalen &uuml;ber die Grenzen von Software und ihrer medialen Gleichnisse hinaus untersucht.</p> <p style="text-align: justify;">Manuel Graf, *1978, lebt und arbeitet in D&uuml;sseldorf</p> Mon, 22 Dec 2014 06:28:27 +0000 Vanessa Farfán, José Noguero, Wanda Stolle, Daniel Lavoie, Philip Topolovac, Julio Falagán, Peter Rollny, Mamoru Tsukada - Greusslich Contemporary - December 13th - January 24th, 2015 <p align="center"><strong>&bdquo;Thanatos can Phoenix!&ldquo;<br /> About Destruction and New Inventions</strong></p> <p align="center">13.12.2014&ndash;24.01.2015</p> <p align="center">Group exhibition with: <br /> Vanessa Farf&aacute;n, Jos&eacute; Noguero, Wanda Stolle, Daniel Lavoie, <br /> Philip Topolovac, Julio Falag&aacute;n, <br /> Peter Rollny, and Mamoru Tsukada.</p> <p align="center">Vernissage: Sat. 13.12.2014, 6&ndash;9 pm <br /> Finissage: Sat. 31.01.2015, 6&ndash;9 pm</p> <p><em>Greusslich Contemporary</em> is delighted to invite you to the group exhibition &bdquo; Thanatos can Phoenix!&ldquo;. The subtle concept deals with the human being and the arts, an obviously present phenomenon of the act of destroying and simultaneously creating the new.</p> <p><strong>Vanessa Farf&aacute;n </strong>shows a tableau of small canvases of extreme enlarged cutouts of former paintings, dealing with layered systems of a city structure. This mosaic of de-contextualized fragments stays open for lasting new orders.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;</p> <p><strong>Jos&eacute; Noguero</strong> continues with the topic of his painting, deconstructing a landscape and at the same time creating a new gestic, abstract language. A long process of deleting and over-layering ends in a new experience of: color, fields, rhythm and space.</p> <p><strong>Wanda Stolle</strong> presents paper work, in which she first scratches, seemingly destructive, on the paper surface and then layers on and off many coats of black ink. Linear forms combined with an organic poetic ink language, transmitting images of cosmic cartographic appearance.</p> <p><strong>Daniel Lavoie</strong> paints on his canvas an emotionally disturbing letter in which he multi-layers beyond the point of recognition. Meanwhile in doing so, he is inspired by his research of traditional African cloth design that are created for especially emotional situations to inform, nonverbally, the community about the wearer.</p> <p><strong>Philip Topolovac</strong> presents in his photographic work a model, which forces with its martial aspects the reflection about the relation of observing and destroying techniques on the one hand and the necessary incredible productive sense of invention on the other hand.</p> <p>Practicing selection, in the sense, that the strongest come out on top, is the explicit topic of the work &bdquo;No hay lugar para los d&eacute;biles&ldquo; (&bdquo;There is no place of the weak ones&ldquo;) by <strong>Julio Falag&aacute;n</strong>. Who speaks this sentence to be read literally in the endearing, idyll painting? May it be: a ruling god, an armed cowboy or a mistreated victim? Is the higher destroying power a guaranty for higher reproduction power?</p> <p><strong>Peter Rollny</strong> demonstrates a destruction of the media of painting through the introduction of existing image containers (e.g. photography) on the canvas. His technique has become its own language. The communication within the painting, between the photographic woman and the gestic paint strokes, creates a highly dense and psychological charged situation.</p> <p><strong>Mamoru Tsukada&acute;s</strong> image is a multilayered computer aided photographic work, which portraits the antagonist of Thanatos called Eros. Layering and deleting of the deeper layers is an act of destruction but at the same time delivers the visual and contextual noise in the background which leads, consequently, to the visualizing of Eros and the mythological power of creation in general and the bigger part of the male brain power in particular.</p> <p>This exhibition shall strengthen the fascination for the emotional and technical potential of the human, supported by a critical reception of the now and an increased awareness of the own actions.</p> Wed, 17 Dec 2014 18:21:18 +0000 Julian Schnabel - galerie son - December 9th - December 20th <p>&nbsp;</p> <p>solo show&nbsp;</p> Tue, 16 Dec 2014 16:39:46 +0000