ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/ber/Events/show en-us 40 Hildegard Ochse - Haus am Kleistpark - May 30th, 2012 10:00 AM - 3:00 PM <p>Hildegard Ochse (1935 – 1997) ist eine Berliner Stadt- und Staßenfotografin, deren kritischer Blick auf die Welt an der Kreuzberger Werkstatt für Fotografie unter Michael Schmidt geschult wurde. Ihre Arbeiten dokumentieren nicht nur die Oberfläche einer Situation oder eines Gegenstandes, sondern zeigen auch das, was sich hinter dem primär Sichtbaren verbirgt. Das macht ihre eindrucksvollen Fotografien zu Bild gewordenen Metaphern.<br />In der Ausstellung werden in 7 geschlossene Bildserien mehr als 190 Vintage-Prints präsentiert. Dazu gehören Aufnahmen aus den späten siebziger/ frühen achtziger Jahren, die Hildegard Ochse im angesagten Künstler-Café Mitropa in der Goltzstrasse aufgenommen hat, wie Fotografien aus der fahrenden S-Bahn, die deutlich den Zustand der damals noch geteilten Stadt zeigen.<br />Die Arbeiten von Hildegard Ochse wurden bereits in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und u.a. von der Berlinischen Galerie angekauft. 15 Jahre nach dem Tod der Autorenfotografin gilt es, ihr Werk wieder zu entdecken.</p> Mon, 30 Apr 2012 03:12:09 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Elsa Salonen - GRIMMUSEUM - May 31st, 2012 7:00 PM - 9:00 PM Wed, 06 Jun 2012 00:25:00 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Group Show - Haus der Kulturen der Welt - May 31st, 2012 4:00 PM - 6:00 PM <p class="abstract">Berlin Documentary Forum is a biennial festival dedicated to documentary practices across a variety of disciplines.</p> <p>The project seeks to explore the documentary as an art form capable of constructing and reshaping realities and histories. Encompassing cultural studies, philosophy, and diverse artistic practices, the festival accentuates the critical potential of documentary work and distinguishes it from today’s excessive production and distribution of visual documents.</p> <p>The second edition of the festival will investigate the ability of images to produce truth and authenticity, to provoke controversy, and to implement change. <b>Berlin Documentary Forum 2</b> reinforces the documentary as a dialectical form that negotiates between the real, its representation by an author, and an observing, critical audience. In a program of live performances, screenings, and presentations, international artists and theoreticians will explore the uncontrolled, and unpredictable character of the documentary “event”. Initiated in 2010 and held at Haus der Kulturen der Welt, particular attention is given to the festival’s architecture and spatial design to generate specific settings for different artistic formats and audiences.</p> <p>The group exhibition <b>A Blind Spot</b>, curated by Catherine David looks at the documentary in contemporary art and photography. The works included in this show subvert conventional visual regimes by addressing the openness and indeterminacy of the image. A Blind Spot runs from <b>31 May to 1 July 2012.</b></p> <p>As an addition to its on-site events, the festival will launch the online magazine <b>Issue Zero</b> to probe new ways of producing and viewing documentary works in networked environments. A project by Hila Peleg and Florian Schneider, Issue Zero offers an experimental platform for artistic projects on the Internet. A variety of new works especially conceived for the magazine will be presented as well as portrayals of the festival’s events.</p> Tue, 08 May 2012 23:23:57 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Sebastian Biskup, Peter Feigenbaum, Filip Zorzor - ROCKELMANN & - May 31st, 2012 7:00 PM - 10:00 PM <p>Was vereint das Computerspiel Duke Nukem, eine verwahrloste toskanische Landschaft und das Boulevardblatt Bild? Die Künstler Peter Feigenbaum, Filip Zorzor und Sebastian Biskup nutzen sie jeweils als Ausgangspunkte für eine Reflektion über die Hyperrealität (Umberto Eco) der urbanen Landschaft. Abstrakte Siebdrucke, ihre Komposition Boulevardzeitungen entlehnt, erinnern an konstruktivistische Baupläne, die Hintergründe von Computerspielen der neunziger dienen als Blaupause für architektonische Modelle urbaner Verwahrlosung, und eine toskanische Residency inspirierte spätromantische Meditationen über destruktive Elemente der Bauplanung.</p> <p>Gastkünstler Peter Feigenbaum (geb. 1984 in Massachusetts, lebt und arbeitet in New York) nimmt verblichene Erinnerungen an New York City als Ausgangspunkt. Seine architektonischen Modelle kombinieren halbvergessene Eindrücke der verfallenen Mietskasernen mit Hintergrundgrafiken der Ego-Shooter Duke-Nukem und Grand Theft Auto um eine fiktionelle, dystopische Stadtlandschaft zum Leben zu erwecken. Feigenbaums Arbeiten sind vor allem eine Meditation über die kulturellen Hinterlassenschaften der neunziger Jahre aus Sicht der unsteten persönlichen Erinnerung. Sie erinnern daran, dass Gedächnis und Erinnerung auch fiktiv konstituiert sein können.</p> <p>Filip Zorzors abstrakten Malereien (geb. 1974 in Rumänien, lebt und arbeitet in Berlin) nehmen auch städtische Phänomene und Strukturen als Ausgangspunkt. Die gezeigten Arbeiten wurden von einem Aufenthalt in Olevano, Toskana als Teil seines Stipendiums bei der Villa Massimo beeinflusst. Licht und landschaftliche Weite lockern sonst strenge Kompositionen auf; und amorph-organische Formen bilden einen Konterpunkt zu repetitiven, streng geographischen Elementen. Die Arbeiten beziehen sich auf die Landschaft um Olevano – diese ist von Bebauung und Zerstörung geprägt, und steht im Kontrast zur sonst so augenfälligen Toskana. Die Malereien vergegenwärtigen ein fortwährendes Ringen zwischen Bebauung und Natur.</p> <p>Sebastian Biskups Siebdrücke sind formal-ästhetische Untersuchungen von Boulevardblattlayouts – vorgefundener Inhalt wird als abstrakte Komposition wiedergegeben. Lediglich die Arbeitstitel im Datenformat lassen einen Zusammenhang vermuten. Der Künstler (geboren 1977 in Minden/Westfalen, lebt und arbeitet in Berlin) verweigert so dem Massenmedium einen Inhalt oder eine Relevanz: es verstummt, wird undurchschaubar, und zweckentleert. Formal ähneln die Siebdrucke konstruktivistischen Untersuchen von Raum und Komposition: im Kontrast zu ihrer Herkunft erinnern sie so an zweidimensionale architektonische Entwürfe.<br /> </p> <p>------------------------------------</p> <p></p> <p>What unites the computer game Duke Nukem, a derelict Tuscan factory and the German tabloid Bild? In the group exhibition Building/Constructing they are utilised as starting points for a meditation on the hyperreality of our built environment. Abstract silkscreens resemble eerie constructivist urban plans, backdrops of 90’s computer games serve as blueprints for architectural models of dereliction, and a Tuscan residency inspired Romanticist meditations on the potentially pernicious effect of the built environment.</p> <p>Guest artist Peter Feigenbaum (b. 1984, Massachusetts, lives and works in New York) draws on vaguely remembered episodes of teenage encounters with New York City. Feigenbaum’s models combine half-remembered visual snapshots of the city’s decaying tenements with imagery appropriated from 90’s computer games to form a dystopian fictional neighbourhood. Feigenbaum’s pieces are above all a meditation on the cultural remnants of the 1990’s, viewed through the lens of an individual’s hazy recollections. They serve as a reminder that all memories are constructions.</p> <p>Filip Zorzor’s abstract paintings (b. 1974, Romania, lives and works Berlin) are based on the built environment and urban structures. His most recent works, inspired by his stay in Tuscany – a part of his Villa Massimo scholarship – contraposes amorphous organic forms with repetitive, structural forms which reflect the urban environment. The pieces reference the Olevanon landscape which he describes as “cultivated and spoiled landscape,” and indeed the paintings elements allude to an unresolved struggle for territory.</p> <p>Sebastian Biskup’s silkscreens are formal explorations of tabloid compositions, rendering appropriated subject matter as an abstract composition. The titles reference the dates of publication, but beyond that, there is nothing in the work itself which hints at his origin. The artist’s (b. 1977 in Minden/Westfalen, lives and works Berlin) investigation empties the publication of content: it is rendered silent, inscrutable, a vast remove to its mass-cultural origin. Formally, the silkscreens resemble a constructivist exploration of space and composition – despite their origins, they appear as 2-D renderings of architectural space.</p> Tue, 22 May 2012 23:56:48 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Felix Kiessling - alexander levy - June 1st, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p>alexander levy shows<br /><br />Felix Kiessling Tür und Stern<br /><br />01.06 - 14.07.2012<br /><br />Opening: 01.06.2012, 6pm<br /><br />With the exhibition Tür und Stern the artist Felix Kiessling uses two media to dissolve our<br />habitual ways of seeing things. The work shown is from the Vektor: Fotografien series, which<br />is ongoing since 2011 and focuses on the irritation of spatial perception. Using over-sized<br />vectors, anchored in reality as steel rods within landscapes, Felix Kiessling defamiliarizes<br />space to create unreal impressions. The rods always appear horizontally or vertically in the<br />photographs, making the vectors appear as the actual axes of reference in the image, which<br />in turn makes the landscape seem like an unreal addition.<br /><br />A central role is played by a work specially designed for the space, Stern. The 6-sided, star-<br />shaped installation consists of 12-meter-long rods that extend beyond the exhibition space,<br />protruding like beams from the exterior, into the ground and through the ceiling. The<br />perception of the actual dimensions is always limited – either to within the interior or to the<br />extending beams – and the overall picture can only be understood in the knowledge of the<br />other views. Thus, the viewer is always involved within Kiessling's work, and the irritation is<br />based on his perspective.<br /><br />Like the works in this exhibition, all the works by Felix Kiessling are characterized by a<br />preoccupation with spatial perception and the distortion of dimensions. Places are<br />transformed, rearranged, and perspectives are presented. Kiessling plays with experiences,<br />poses questions about perception, and confronts the viewer with the dissolution of the familiar.<br />More information can be found at alexanderlevy.net or at felixkiessling.net<br /><br />alexander levy<br />Rudi-Dutschke-Straße 26<br />10969 Berlin<br />Tel. +49 - 30 - 25 29 22 21<br />info@alexanderlevy.net<br />www.alexanderlevy.net<br />Tues - Sat, 11am - 6pm and by appointment</p> <p>alexander levy zeigt<br /><br />Felix Kiessling Tür und Stern<br /><br />01.06 – 14.07.2012<br />Eröffnung: 01.06.2012, 18 Uhr<br /><br />mit der Ausstellung Tür und Stern löst der Künstler Felix Kiessling in zwei Medien<br />unsere gewohnten Sehweisen auf. Gezeigt wird die seit 2011 fortlaufende Serie<br />Vektor: Fotografien, in deren Mittelpunkt Irritationen der Raumwahrnehmung stehen.<br />Mit Hilfe überdimensionierter, durch Stahlstangen real verankerter Vektoren in<br />Landschaften verfremdet Felix Kiesling den Raum zu unwirklichen Eindrücken. Die<br />Stangen sind stets horizontal oder vertikal in den Fotografien zu sehen, dadurch<br />erscheinen die Vektoren wie reale Bezugsachsen im Bild und umgekehrt die<br />Landschaft zu unwirklich Hinzugefügtem.<br /><br />Eine zentrale Rolle nimmt die eigens für den Raum entwickelte Arbeit Stern ein. Die<br />6-schenklige, sternförmige Installation besteht aus 12 Meter langen Stangen, die<br />über den Ausstellungsraum hinausgehen. Wie Strahlen ragen sie aus der<br />Außenfassade, in den Boden und durch die Decke hindurch. Die Dimensionen<br />können stets nur begrenzt wahrgenommen werden – entweder der Innenraum oder<br />die weiterführenden Strahlen – und erst im Wissen um die anderen Blicke ergibt sich<br />ein Gesamtbild. So ist auch immer der Betrachter mit in die Arbeiten von Kiessling<br />eingebunden, da nur durch seine Sicht darauf Irritationen entstehen können.<br /><br />Wie die Arbeiten in der aktuellen Ausstellung ist auch das Gesamtwerk von Felix<br />Kiessling geprägt von der Beschäftigung mit Raumgefühlen und der Verzerrung von<br />Dimensionen. Orte werden verwandelt, neu geordnet und Sichtweisen vorgeführt.<br />Kiessling spielt mit Erfahrungen, befragt Wahrnehmungen und konfrontiert den<br />Betrachter mit der Auflösung von Vertrautem. Mehr Informationen finden Sie unter<br />alexanderlevy.net oder unter felixkiessling.net<br /><br />alexander levy<br />Rudi-Dutschke-Straße 26, 10969 Berlin<br />Tel. +49 - 30 - 25 29 22 21<br />info@alexanderlevy.net, www.alexanderlevy.net<br />Di - Sa, 11 - 18 Uhr und nach Vereinbarung<br /><br />Biographie Felix Kiessling:<br />geb.1980 in Hamburg, lebt und arbeitet in Berlin<br />2009 Mitbegründer des Künstlerkollektivs „Das Numen“<br /><br />Ausbildung:<br />Seit 2008 Studium an der Universität der Künstle, Berlin<br />Seit 2009 am Institut für Raumexperimente von Olafur Elisson<br /><br />Preise, Stipendien:<br />2010 Call for Future Scholarship, Überlebenskunst, initiert vom Haus der Kulturen<br />der Welt, Berlin und der Kulturstiftung des Bundes<br />2010 HBC Residency Program<br /><br />Ausstellungen (Auswahl):<br />2012 Marrakech Biennale<br />2011 “Tokyo-Berlin Vektor”, Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT), Japan<br />“Das Numen H2O - Festival Über Lebenskunst”, Haus der Kulturen der Welt,<br />Berlin<br />“Without Destination”, Reykjavik Art Museum, Reykjavik, Island</p> Mon, 21 May 2012 20:48:30 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Micha Ullman - ALEXANDER OCHS PROJECTS - June 1st, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Es geht um Geschichte, die nicht nur das Vergangene meint sondern auch die Gegenwart, und die gleichermaßen in die Zukunft weist: das Werk des israelischen Künstlers Micha Ullman (* 1939) kreist um das Thema einer gemeinschaftlichen Erinnerung. Die Mehrdeutigkeiten, die seine Werke implizieren, legen Denkprozesse offen, die auf sehr komplexe Weise lokale, politische, aber auch soziale Fragen aufgreifen oder neu stellen.<br />  <br /> Ausgehend von Malerei und Zeichnung hat sich Ullman in seinen frühen Werken der 1970er Jahre mit verschiedenen Aktionen und Skulpturen der Land Art angenähert. Seine Motivation war es jedoch nicht, einer musealen Ausstellungskultur entgegenzutreten, auch romantisierende Bezüge spielten keine tragende Rolle. Mit dem Ausheben von Gruben und den Versatz des Aushubs bediente er sich der Erde als Material, das an Schöpfungsmythen anknüpft und ihren ,heimatlichen‘ Symbolgehalt nutzt. Doch auch die Leere, die der Aushub hinterlässt, ist in vielen der Werke Ullmans als Material im erweiterten Sinne zu verstehen, als Raum, den es mit Immateriellem zu füllen gilt. Neben Erde kommt in späteren Werken Sand (meist roter Sand aus Israel) hinzu, wie beispielsweise in der Skulptur <i>Glas-Tisch</i> (2012), die in dieser Ausstellung zu sehen ist und von dem ein früheres Werkexemplar heute Teil der Sammlung der Tate Modern in London ist.<br />  <br /> Der Salzabbau der Kali-Bergwerke im thüringischen Dorndorf, aus dem seine Eltern einst emigrieren mussten, ist für den Künstler aus erinnerten Erzählungen zu einem Familienmythos geworden. Eine Ausstellung im benachbarten Lindenau-Museum aus Anlass der Verleihung des Gerhard-Altenbourg-Preises 2010 war für Ullman der Beweggrund, Salz und den ebenfalls dort geförderten Basalt für die Installation <i>Bergwerk</i> (2010/2012) zu verwenden, die in dieser Ausstellung gezeigt wird. Das helle Salz und der dunkle Basalt, unvermischt und in kreisrunden Schüttungen auf dem Boden arrangiert, treten in einen Dialog der Gegensätze von Tag und Nacht, von Himmel und Erde. Integriert in diese Installation, wie auch in die Skulptur <i>Gläser</i> (2012), sind Trinkgläser, – für Ullman ebenso wie Gruben – Container, die, gerade wenn es zwei oder mehr sind, als Zeichen energetisch aufgeladener menschlicher Gemeinschaft dienen. Glas als Material, das unter anderem aus Sand und Feuer hergestellt wird, stiftet in seiner Zerbrechlichkeit und Flüchtigkeit jene Bezüge zur Vergänglichkeit, die in der Natur der Erinnerung liegen und die für Ullmans Werk grundlegend sind.<br />  <br /> Von Spuren des Vergangenen, Spuren einstigen menschlichen Beisammenseins zeugen in eindrucksvoller Weise Ullmans Aquarellzeichnungen auf Papier. Abdrücke von Trinkgläsern und anderem Essgeschirr zeichnen sich jeweils als blasse Fehlstellen auf dem Papier ab, das mehr als die Oberfläche eines Tisches nachbildet. Es wird erzählt von einer vielleicht plötzlich, fluchtartig aufgelösten Gemeinschaft, von dem, was fehlt, und von dem, was bleibt. In einem monatelangen Verfahren, vom Künstler nur zum Teil steuerbar, hat er hier neben dem Wasser auch das Element der Luft und die Verdunstung genutzt. Das Elementare in seiner Kunst bezieht sich, so zeigt sich, sowohl auf geologische und physikalische Phänomene, als auch auf das Zeichenhafte von Gegenständen gemeinschaftlichen Zusammenlebens: Gläser, Tische, häufig auch Stühle sind kulturübergreifend als solche Zeichen lesbar.<br />  <br /> Bei allem Facettenreichtum seiner Werke verwendet Micha Ullman ein Formen- und Materialvokabular, das einfach bleibt aber gerade in seinen symbolhaften Bezügen auch auf Immaterielles und Irrationales verweist. Sein Spiel mit Aushub und Schüttung, mit Leere und Volumen, mit Präsenz und Absenz, mit Positiv und Negativ, nimmt dabei stets den Menschen als Maßstab, im eigentlichen und im übertragenen Sinne. Das Zukunftsweisende seines Werkes gründet sich wohl gerade aus dem universellen Anspruch des Künstlers, den er kraftvoll aber unprätentiös umzusetzen versteht.<br />  <br /> Micha Ullman, der zweimalige documenta-Teilnehmer (1987 und 1992), ist in diesem Jahr mit frühen Werken in der Ausstellung <i>Ends of the Earth. Land Art to 1974</i> im Museum of Contemporary Art in Los Angeles vertreten, die im Herbst auch im Haus der Kunst in München gezeigt wird. Ullman ist der diesjährige Träger des Max-Herrmann-Preises der Freunde der Staatsbibliothek zu Berlin.</p> <p></p> <p>It is about history, meaning not only the past but also the present, and at the same time pointing towards the future: the work of Israeli artist, Micha Ullman (* 1939) revolves around the theme of a collective memory. The ambiguities implied in his works unfold thought processes that pose and rephrase local, political, and social questions in a very complex way.<br />  <br /> Coming from painting and drawing, Ullman approached Land Art in the 1970s through his early actions and sculpture works. His motivation was not to oppose museum exhibition culture, also romanticised references played no role. With the digging of pits and the excavation of substances, he uses earth as a material that builds on the myths of creation and also uses its symbolic content of concept of ‘home’. For many of Ullman’s works, the emptiness remaining after an excavation is also to be understood as a material in a wider sense: as a space that is to be filled with the immaterial. In addition to earth, the artist has used sand (mostly red sand from Israel) in his later works,such as in the sculpture <i>Glas-Tisch </i>(Glass-Table) (2012), which can been see in this exhibition and of which an earlier copy of the work is now part of the Tate Modern collection in London.<br />  <br /> Through the shared stories, the salt mining of the potash mines in the Thuringian village of Dorndorf, from which his parents had once emigrated, has become a family legend for the artist. An exhibition in the neighbouring Lindenau-Museum, where he was awarded the Gerhard-Altenbourg-Preis in 2010, was a motivation for Ullman to use the salt, as well as the basalt mined there, for the installation work <i>Bergwerk</i> (Mine) (2010/2012). Arranged in separate circular beds on the floor, the light salt and dark basalt enter a dialogue of contrasts between day and night, between heaven and earth. Just likein the sculpture <i>Gläser </i>(Glasses) (2012), drinking glasses are integrated in this installation, which for Ullman are similar to mine pits- containers, that especially when two or more are used, are a symbol for the energy-charged character of human community. Made from sand and fire amongst other things, glass as a fragile and vulnerable material creates references to the transience that lies in the nature of memory and is fundamental to Ullmans work. <br />  <br /> Ullman’s watercolours on paper create traces of the past, traces of a former social togetherness. Imprints of drinking glasses and other utensils take their shape in form of pale flaws on the paper, which imitates more than just the surface of a table. It is the recounting of a story of a perhaps suddenly and hastily dispersed community, as well as a story of that which is missing and that which remains. In addition to water, the element of air and the evaporation are used in a process that takes months and where the artist is only in partial control. The fundaments of his art are both the geological and physical phenomena, as well as the symbolic aspect of objects of communal living: drinking glasses, tables and chairs are often read as representations of the latter cross-culturally.<br />  <br /> In all the different facets of his work, Micha Ullman uses a vocabulary of form and material which remains simple but precise in its symbolic references to the immaterial and irrational. The artist plays with taking out and filling in, with emptiness and volume, with presence and absence, with positive and negative, and always takes the human being as a central reference in a strict sense, as well as in a figurative one. The forward-looking element of his work probably derives from the universal aspirations of the artist, which he implements powerfully yet unpretentiously.<br />  <br /> Micha Ullman, the two-time documenta participant (1987 and 1992), is represented with his early works in this year’s exhibition <i>Ends of the Earth. Land Art to 1974</i> in the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, which will also be exhibited in the Haus der Kunst in Munich this autumn. Ullman is this year’s winner of the Max Herrmann-Preis award of the Freunde der Staatsbibliothek (Friends of the State Library) in Berlin.</p> Mon, 28 May 2012 18:34:54 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list DAVID LINK - ALEXANDER OCHS PROJECTS - June 1st, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Die Installation des deutschen Künstlers David Link (*1971) ist Teil seines Projektes <i>LoveLetters_1.0</i>, an dem er seit 2009 kontinuierlich arbeitet. Sie mutet an wie eine Schaltzentrale mit Laborcharakter, die Ästhetik ihrer Präsentation scheint zeitlich entrückt zu sein: Über einem Tisch mit Tastatur flackern grüne Schriftzeichen auf Röhren, ein alter Fernschreiber druckt in bestimmten Abständen mechanisch und geräuschvoll Texte auf Papier. Es sind Liebesbriefe, die hier entstehen, und hinter alldem steht ein Computerprogramm, das scheinbar ohne menschliches Zutun agiert.<br /> <br /> Zum einen gibt es hier also die Maschine, die ,unmenschliche Technik‘. Zwar wurden Computerprogramme einst von Menschen geschrieben, sollen aber idealiter alleine arbeiten und auf diese Weise menschliche Intelligenz imitieren. Das ist notwendig und gewollt, gerade für auf Rationalität und Effizienz ausgerichtete wirtschaftliche oder militärische Zwecke. Doch dann gibt es den Menschen, mit all seiner Irrationalität, seinen Gefühlen der Hingabe und der Liebe, seine zärtlichen Empfindungen und das Bedürfnis, diese auszudrücken. Für ihn ist Effizienz allenfalls ein Ideal, und jeder Drang, zur ,biologischen Maschine‘ zu werden, wird nicht zuletzt an solchen Begrifflichkeiten scheitern. In <i>LoveLetters_1.0</i> trifft beides aufeinander.<br /> <br /> Freilich ist es auch eine Referenz an die frühe Computer-Geschichte, an den ,Ferranti Mark I‘, dessen erster Prototyp 1948 gebaut wurde. Liebesbriefe tauchten in diesem Zusammenhang in den frühen fünfziger Jahren an der Universität von Manchester auf, generiert mit einem 1952 entwickelten Programm, unter Zuhilfenahme eines Zufallsgenerators. David Link hat wesentliche Teile der Hardware, die im Original nicht mehr erhalten ist, und das Originalprogramm rekonstruiert. Nicht nur eine akribische Recherche aller notwendigen funktionalen Aspekte war hierfür notwendig. Eine wesentliche Antriebsfeder waren für Link auch eigene Spekulationen darüber, welche Beweggründe den Urheber des Programms getrieben haben könnten.<br /> <br /> Mit seiner Installation vollbringt David Link die Überführung in eine Ästhetik, die der Wechselseitigkeit von Mensch und Technik mithilfe des heutigen, wissenschaftlichen Blickes einen bemerkenswerten Tiefgangverleiht. Dafür verwendet er zwar originale Bauteile, ändert jedoch mitunter ihre ursprüngliche Funktion. So waren etwa die Röhren, in denen jeweils ein Kathodenstrahl auf eine Phosphorschicht geschossen wird und so das grüne Flackern erzeugt, ursprünglich ein Speichermedium, ­– nun dienen sie auch der Projektion oft schwülstiger Texte.<br /> <br /> Die Liebe, so zitiert der Künstler Johann Wolfgang von Goethe, sei durch Projektion charakterisiert, durch jene Projektion, die die Vorstellung anfacht. Solche Vorstellungen können auch die Ausdrucke einzelner Ergüsse der wortgewaltigen aber allzu simplen Poesie hervorrufen, die gerahmt an den Wänden hängen und ebenfalls Teil dieser Ausstellung sind.<br /> <br /> Sie sind das Ergebnis einer experimentellen Archäologie, die mit künstlerischen Mitteln der Funktion von Sprache und dem Phänomen von Nähe und Distanz des Menschen zu neuer Technik  nachspürt. Dadurch, dass Link für die Generierung dieses reduktionistischen Blickes auf die Liebe gerade eines der frühesten Computersysteme zum Ausgang nimmt, gelingt ihm die Schaffung jener Distanz, die für eine zeitgenössische Reflexion dieses Phänomens notwendig ist.<br />  <br /> David Links Computerkunst-Installationen und Performances wurden u.a. bereits im Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), Karlsruhe, bei der V2-Organisatie, Rotterdam, bei Arnolfini, Bristol sowie im Millennium Art Museum, Peking und im Centre Pompidou, Paris, gezeigt. Link ist teilnehmender Künstler bei der diesjährigen dOCUMENTA (13) in Kassel. Im Zentrum seiner derzeitigen Forschung steht die Entwicklung einer Archäologie algorithmischer Artefakte.</p> <p></p> <p>The installation by German artist, David Link (* 1971) is part of his project, <i>LoveLetters_1.0,</i> which he has been working on since 2009 continuously. The installation resembles a control centre with the character of a laboratory. The aesthetics of its presentation seem lost in time, as green letters flicker from the electron tubes above a desk with a keyboard and an old teleprinter printing mechanically noisy texts on paper at preset intervals. It is love letters that are being created here and behind all of this is a computer program - one that appears to act without human intervention.<br />  <br /> On the one hand, there is the machine, which is an ‘inhuman technology’. Although computer programs were once written by people, they should ideally work alone whilst mimicking human intelligence. This is necessary and sought after, especially for economical or military purposes that concentrate on both rationality and efficiency. On the other hand, there are also people with irrationalities, feelings of devotion and love, tender sentiments and the need to express these. For these people, efficiency is an ideal at best, and any urge to become a ‘biological machine’ will fail, if nothing else then simply due to the concept in itself. In <i>LoveLetters_1.0</i>, both of these worlds come together.<br />  <br /> There is indeed a reference to early computer history as well; the ‘Ferranti Mark I’, whose prototype was built in 1948. Love letters also appeared in connection with computers at the University of Manchester, where the letters were generated by means of a computer program, as well as with the help of a random generator. David Link has reconstructed key components of the hardware that is no longer available, along with the original program. It was not only a meticulous search of all required functional aspects that was necessary. Another major driving force was Link’s own speculations about what motives could have compelled the author of the program.<br />  <br /> With his installation, David Link accomplishes the return to an aesthetic that gives the reciprocity between man and technology remarkable depth, along with the help of a more modern and scientific view.  He uses original parts for this, but sometimes changes their original function. For example, the electron tubes, in which a cathode ray is shot on a phosphor film to produce the green flickering- were originally used as a storage medium, but they now also contribute to the projection of often turgid texts.<br />  <br /> Love, as the artist quotes the German poet Johann Wolfgang von Goethe, is characterized through projection – through the projection that fuels the imagination. It is this imagination that can cause the individual outpours of such powerfully eloquent, but all too simplistic poetry that is now hanging framed on the walls of the gallery as part of the exhibition.<br />  <br /> They are the result of an experimental archaeology that traces the function of language, as well as the phenomenon of proximity and distance between man and modern technology through artistic means. Through using one of the earliest computer systems as an output for the production of this reductionistic view of love, Link manages to create the distance that is necessary for contemporary reflection of the phenomenon.<br />  </p> <p>David Link’s computer art installations and performances have been exhibited at the Center for Art and Media Technology (ZKM), Karlsruhe, at the V2 Organisatie, Rotterdam, at Arnolfini, Bristol and at the Millennium Art Museum, Beijing, as well as at the Centre Pompidou in Paris. Link is a participating artist at dOCUMENTA (13) in Kassel this year.The focus of his current research concentrates on the development of archaeological algorithmic artifacts.</p> Thu, 24 May 2012 23:30:54 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Koen Delaere, Bas van den Hurk, Marijn van Kreij - Autocenter - June 1st, 2012 8:00 PM - 10:00 PM Tue, 22 May 2012 23:15:50 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Claudia Virginia Vitari - BERLINARTPROJECTS - June 1st, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p>Berlin Art Projects freut sich, Sie zur Eröffnung der Einzelausstellung von Claudia Virginia Vitari am Freitag, den 1. Juni 2012 einzuladen. Unter dem Titel Le Cittá Invisibili stellt die Galerie das laufende Projekt der italienischen Künstlerin vor.<br />Im Mittelpunkt des künstlerischen Schaffens von Claudia V. Vitari steht die Auseinandersetzung mit Gruppen und Institutionen, die am Rande unserer Gesellschaft stehen. Ihr jüngstes Projekt, Le città invisibili, ist eine dokumentarische Arbeit über Radio Nikosia in Barcelona, das erste und einzige spanische Radioprogramm, das von Menschen mit seelischen Störungen organisiert und gestaltet wird. Die Künstlerin traf die Mitarbeiter und bat sie, sich selbst und ihre Geschichte zu beschreiben mit dem Ziel, sie dem Betrachter vorzustellen, der sich in ihren Geschichten wieder erkennen und finden soll.<br />Vierzehn Mitarbeiter der Radiostation begleitete und interviewte Vitari über einen längeren Zeitraum.<br />Dabei sind wahrhaftige und persönliche Dokumente entstanden, Porträtzeichnungen und Gipsabgüsse, Mitschriften und Zitate. In beleuchteten Stahlkästen, den „light boxes“, und Vitrinen präsentiert die Künstlerin die filigranen Zeichnungen und Texte, die mittels Siebdruck auf eine Kunstharzoberfläche gebracht und behutsam in Glas kristallisiert wurden. Gedanken und Erinnerungen werden konserviert und ergänzt um Zitate aus lyrischen und philosophischen Quellen.<br />Jede Box steht für eine einzelne Person und ist Teil eines künstlerischen Modells, das einen Blick in das Innere des Einzelnen vermitteln möchte.<br />Vitari bezeichnet ihre Arbeiten als „graphical documentations“. Im Medium der Schrift werden Gedanken archiviert, um dem Betrachter Verborgenes sichtbar zu machen. Den Aspekt der wissenschaftlichen Klassifizierung aufgreifend, entwickelt die Künstlerin ein System aus Modulen, den illuminierten Stahlboxen, die in ihrer Ästhetik den Betrachter auffordern, über (institutionelle) Grenzen hinauszusehen.<br />Unterstützt mit Mitteln der Region Piemont, war das Projekt im Februar und März 2012 im Museo die Scienze Naturali in Turin, ist im Juni/ Juli in der Galerie Berlin Art Projects und zu einem späteren Zeitpunkt in Barcelona zu sehen. Turin kommuniziert mit Barcelona und Berlin über das Projekt auf eine poetische Weise frei von geographischen und räumlichen Grenzen. Das Ergebnis ist eine differenzierte Sicht auf die Psychiatrie, hervorgerufen durch unterschiedliche internationale Einflüsse.<br />CLAUDIA VITARI │1978 in Turin, Italien I Studium der Malerei an der Hochschule für Kunst und Design Burg Giebichenstein, Halle an der Saale I Diplom 2004 I Teilnahme an verschiedenen Gruppen- und Einzelausstellungen u.a. in Barcelona, Turin, Berlin I lebt und arbeitet in Barcelona, Turin und Berlin </p> Sun, 01 Jun 2014 08:07:17 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Ingrid Göttlicher - Emerson Gallery - June 1st, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Nach einem längeren Arbeitsaufenthalt in Spanien, wo Ingrid Göttlicher mehrere Wandbilder realisierte, ist sie zurück in Berlin. Wir freuen uns, die mittlerweile vierte Ausstellung von Ingrid Göttlicher bei EGB nach einer dreijährigen Pause ankündigen zu können.</p> <p>Ingrid Göttlicher recently returned from a long stay in Spain. She will show recent as well as brand new works in the upcoming show. Her work is dealing with chaos and order and with the character of the material she is working with: flexibility as well as inflexibility. Collecting, archiving of material and images is the base for her work. Cutting, deconstructing and rearranging of cut images and self portraits are techniques she uses. <br /> </p> Tue, 22 May 2012 23:36:13 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Teresa Burga, Anna Oppermann - Galerie Barbara Thumm - June 1st, 2012 6:00 PM - 9:00 PM <p>The Gallery Barbara Thumm is presenting two female artists, <b>Teresa Burga</b>(born 1935 in Peru) and <b>Anna Oppermann</b>(born 1940 in Eutin, deceased1993), who methodically redefined artistic practice in the 1970s. Nowadays both positions are in their own way still and maybe more than ever considered as highly influential on contemporary discourses about how the dealing with subjectivity can lead to social approaches.</p> <p>On <b>Saturday, the 2nd of July</b>, the following speakers will discuss the contemporary relevance of the two specific methodologies in the gallery: <b>Teresa Burga</b>,<b>Miguel A. Lopéz</b>(curator), <b>Ute Vorkoeper</b>(curator) and <b>Iris Dressler</b>(WürttembergischerKunstverein).</p> <p>Since the mid-1960s <b>Anna Oppermann</b> had concerned herself with facets of and shifts in gazes, attitudes, light cast on human positions, relationships and problems, and had presented the complexity of perception and reflection in ways that could be directly seen and experienced in her so-called “ensembles”.</p> <p>As Ute Vorkoeper who is an expert for Oppermanns oeuvre, writes: „The ensemble “Theory of emotions”, is now for the first time publicly exhibited in the gallery Barbara Thumm.</p> <p>It is together with her photographic work documenting the ways in which Anna Oppermann reflected on her method, which developed gradually through the artistic process of creation, and was together with a group of self-portraits discovered only posthumously.</p> <p>These photographic self-portraits in different poses, disguises and shifting arrangements were created from the mid-1960s to the mid-1970s. The artist herself kept them together as a group, but they were never made public. However, the artist’s shifts in role and perspective – sometimes drastic, sometime subtle – are so remarkable and touching that we have taken the decision to publish them posthumously.</p> <p>Since spring 2010 the gallery Barbara Thumm is representing the estate of <b>Anna Oppermann</b>. They are pleased to announce that Oppermann will be part of the 30th Sao Paulo Biennial this autumn. The museum Abteiberg is currently displaying the new acquisition „KünstlerSein“.</p> <p>To this day, the work of <b>Teresa Burga</b> (Iquitos, 1935) holds an exceptional position within Latin American discourse on art. From the 1960s onwards, Burga developed her pop and conceptual art in a country that was ruled by a nationalist military regime between 1968 and 1980, and thus she had to overcome significant obstacles in order to exhibit and become known. Accordingly, her artistic endeavours took a path parallel to populist demands of the time for a “Peruvian national” art. On this parallel course Burga developed her method of constructing subjectivity by using gestures and repetition in an extensive series of drawings, sketches and installations, completed during the 1970s.</p> <p>Her most significant exhibition at this time was “Autorretrato. Estructura.Informe. 1972” (Self-portrait.Structure.Report. 1972). In this wide-ranging project, the artist used her own body to create a medical map of herself – using drawings of her profile and photographs of her face, an ECG and a light that displayed her cardiac function, and a biochemical haemanalysis.</p> <p>“Autorretrato” wasn’t and isn’t just an ironic reflection on the traditional, pictorial concept of the “self-portrait”, but also engages critically with processes that seek to standardise the subject.</p> <p>The juxtaposition of the two artists Burga and Oppermann is indicative for the programmatic interest of the gallery Barbara Thumm, hence to re-discover and re-evaluate groundbreaking and conceptual artistic practices from the 1960s to the 1980s.</p> <p> </p> Tue, 22 May 2012 23:46:08 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Una H. Moehrke - Galerie en passant - June 1st, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Wo und wie sind wir, wenn wir ein abstraktes Bild sehen? Was sehen, empfinden und erfahren wir? <b>Una H. Moehrke</b> verbindet in ihren neuen Arbeiten Malerei und Zeichnung auf äußerst subtile Art und Weise. Der Faktor der Leere meldet sich im Zwischenraum der reduzierten Linien der Zeichnungen und als fluoreszierende Gestik zwischen den Farbbalken der Malerei. Jenseits von jeglicher Abbildhaftigkeit balancieren Noumenales und Phänomenales die Möglichkeiten des Sichtbaren aus. Was ist noch zu sehen, wenn die Malerei fast nichts mehr zeigt außer Stille und Raum? Die Assoziation von Bewegung und ihre offene Bedeutungshorizontalität. Ein philosophisches Bilddenken, das Konkretion ausschließt, Weite schafft und auf universelle Fragen verweist, bildet den Rahmenkontext für die Arbeiten von Una H. Moehrke.</p> Wed, 16 May 2012 00:12:52 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Jens Hanke - Hunchentoot Galerie - June 1st, 2012 7:00 PM - 10:00 PM <p>Mit Island me setzt Jens Hanke seine Arbeit im Medium Zeichnung konsequent fort, um nun das übliche Format grafischer Arbeiten zu sprengen. Nicht nur die Größe einiger Arbeiten ist neu im Oeuvre des Künstlers. Gerade auch der Umgang mit dem Material, der Zeichenkohle, ist stark von Experimenten geprägt. Durch unterschiedlich dichten Auftrag von Kohlepigmenten entstehen klar definierte Bereiche, andere Stellen sind durch Radierungen oder Verwischungen geradezu aufgelöst. Die ohnehin fragliche Realität des Abgebildeten wird noch einmal deutlich in Frage gestellt – dies aber zugunsten einer hohen malerischen, nicht mehr nur linearen Wirkung. <br /><br />Trotz der doppelten Desillusionierung des absurd Konstruierten und als Zeichnung Entlarvten lässt sich ein räumlicher Sog in die Bildtiefe nicht vermeiden. Welche Vielfalt lässt sich in den Zeichnungen entdecken! Terrassierte Landschaften, die an einen Tagebau erinnern und heftige Wunden davongetragen haben – ohne etwas von ihrer urwüchsigen Kraft eingebüßt zu haben.<br /><br />Inhaltlich ist Jens Hanke der Gattung einer imaginären Landschaft verbunden. Es geht nicht um das Abbild einer äußeren, sichtbaren und rational zu erschließenden Welt; emotionale Impulse und autobiographische Reflexe brechen sich Bahn. Island me ¬– die eigene, isolierte Identität – bezieht sich dabei nicht nur auf den künstlerischen Urheber. Auch der Betrachter ist in der unbelebten Szenerie auf sich allein gestellt; er wird auf sich und die eigenen Empfindungen zurückgeworfen. <br /><br /></p> Fri, 01 Jun 2012 02:59:27 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Group Show - Kunstraum Kreuzberg / Bethanien - June 1st, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Die Künstler Gábor ERLICH (H), Florian HILDEBRANDT (D), David KARAS (H), Mascha LOGAC¹EVA (D), Nadja MILENKOVIC und Sebastian SEITZ (D), Zsuzsanna SIMON (H), Idan NELKENBAUM (IL), Loránd SZÉCSÉNYI-NAGY (H) und Anna SZIGETHY (H) werden aktuelle Arbeiten zu ihren Städten Berlin und Budapest präsentieren und gleichzeitig den Diskurs zu Urbanität und Identität wiederbeleben.<br /> Urbane Strukturen und Tendenzen waren in den letzten Jahren die Themen vieler Ausstellungen. Architektonische, soziale und kulturelle Modifikationen der Metropole standen im Mittelpunkt der Betrachtungen. Nun rückt der Kreislauf von Kommunikation, Kultur und sozialem Leben, der entscheidend für Veränderungen ist, in den Fokus. Dabei entstehen Leerstellen, deren Wirkungsweisen und Wahrnehmungsmöglichkeiten hinterfragt werden.</p> Mon, 28 May 2012 03:16:56 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Misha Andris, Song-Ming Ang, Gian Paolo Minelli, Christian Waldvogel - Substitut - June 1st, 2012 7:00 PM - 9:00 PM <p>Bereits zum fünften Mal zeigt das Substitut eine Auswahl Stipendiat/<br />innen, die in Berlin einen Atelieraufenthalt haben.Breitbeinig steht der<br /> kräftige Luciano da. Selbstbewusst schaut er<br />die Passanten auf der Torstrasse an – sein Porträt ist transparent<br />direkt ins Schaufenster geklebt. Im Raum hängt ein weiteres Bild,<br />welches ihn von hinten zeigt. Auf seinen Rücken hat er einen Teil<br />des Viertels tatöwiert, in dem er wohnt; das Barrio Piedra Buena in<br />Buenos Aires. Der Künstler Gian Paolo Minelli hat dort während<br />mehreren Jahren fotografiert und mit jugendlichen Drogenabhängigen<br />gearbeitet. Die meisten im Problemviertel konsumieren Paco/<br />La Pasta Base (Crack), irren auf der Suche nach neuem Stoff<br />schlaflos tage- und nächtelang umher. Minelli hat sich behutsam<br />dem Problemviertel und den Jugendlichen angenähert und mit ihnen<br />Aktionen organisiert, die in diversen Videos dokumentiert sind. Einmal<br />malen sie ein Murale «La Pasta Base MATA» (Crack tötet) oder<br />Luciano zieht eine lange Stoffbahn über eine dunkle Kreuzung.<br />Song-Ming Ang überschreitet in seinem neusten Video die Grenzen<br />zum Kitsch. Ausgangspunkt waren Bildschirmhintergrund-Motive.<br />Ziel des Künstlers ist, aufgrund enger kompositorischer Vorgaben<br />ein «mood-piece» zu kreieren. Inspiration für Song-Ming Ang waren<br />Karaoke-Videos, seine Motivation war, etwas Schönes zu schaffen.<br />Dies natürlich mit einer gehörigen Portion Ironie und Dilettantismus.<br />Enstanden ist ein postmodernes Pastiche, das stark an die Ästhetik<br />der 80er-Jahre erinnert und eine Referenz an Popkultur darstellt.<br />Ang gibt der Atmosphäre Vorrang über den Inhalt.<br />Es wird nie Nacht in Christian Waldvogels Video «contre-jour».<br />Die auf Spitzbergen entstandene Arbeit folgt 360° der Sonne.<br />24 Stunden fotografische Aufnahmen (alle 12 Sekunden eine) sind<br />zu einer 15-minütigen Endlosschleife komprimiert. Die nie untergehende<br />Sonne hebt unsere gewohnte Wahrnehmung der Zeit auf<br />und weckt Sehnsüchte nach ewigem Licht. «Contre-jour» ist ein<br />fotografischer Begriff, der direkte Aufnahmen gegen eine Lichtquelle<br />bezeichnet. Direkt übersetzt heisst contre-jour gegen den Tag. Weil<br />die Kamera stets auf die Sonne gerichtet ist, dreht sich die Erde im<br />Video entgegen der Erwartung nicht nach links sondern nach rechts.<br />Christian Waldvogel hebt in seiner Arbeit die Naturgesetze auf, dies<br />allerdings auf fast hinterhältige Weise, setzt er doch eine genaue<br />Beobachtung voraus. Wer achtet schon darauf, dass sich die Erde<br />eigentlich andersrum drehen müsste?<br />Über Misha Andris Arbeiten schreibt Sarina Scheidegger: Sie «sind<br />geprägt durch Parallelwelten, welche in ihrem Werk aufeinandertreffen<br />und eine Spannung zur Realität erzeugen. Süsses braucht Stinkendes,<br />Sexualität und Rituale werden angedeutet, Animalisches<br />und Kindliches vermischen sich, Fantastisches trifft auf Sakrales. (...)<br />Es sind die Gegensätzlichkeiten zwischen Mensch, Tier und Erde,<br />welche die Arbeiten Andris konturieren, in jenen finden sich Divergenzen<br />und Kollisionen aber auch immer wieder überraschende Gemeinsamkeiten.<br />Die spielerische, zwanglose Auseinandersetzung<br />mit dieser Thematik zeichnet das künstlerische Schaffen Andris aus,<br />das heilige Reh tanzt mit dem Wolfspelz und die päpstlichen Pinguine<br />erfreuen sich an der Hermaphrodite.»<br />Am letzten Tag der Ausstellung zeigt das Kolletiv mercimax die Performance<br />coffee&amp;prejudice, welche im April am PAZZ-Festival in<br />Oldenburg Premiere hatte. Dazu schreibt mercimax: Welche begangenen<br />Vergehen trauen Sie einem Menschen zu? coffee&amp;prejudice<br />lädt Sie ein, Ihre eigene Urteilskraft bei einer 1:1 Gegenüberstellung<br />zu testen. Das Kollektiv mercimax befasst sich seit seiner letzten<br />Theaterproduktion mit dem Thema der Gegenüberstellung. Es<br />benutzt das Format nicht als kriminalistische Milieustudie, sondern<br />als theatrale Metapher einer Beurteilungssituation. mercimax spielt<br />mit der Frage, wieviel Information es braucht, bis eine Person verdächtig<br />erscheint und welche Umstände das Urteil des Zuschauers<br />bilden. coffee&amp;prejudice ist eine performative Installation für einen<br />Zuschauer/eine Zuschauerin und dauert 15 Min. Die beteiligten<br />Komplizen werden vor Ort gecastet.<br />Wir würden uns freuen, wenn Sie über die Ausstellung berichten<br />könnten.<br />Freundliche Grüsse<br />Urs Küenzi</p> Fri, 01 Jun 2012 03:15:01 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Helmut Newton - The Helmut Newton Foundation - June 1st, 2012 8:00 PM - 10:00 PM <p>The new Helmut Newton exhibition “White Women / Sleepless Nights / Big Nudes” opens on June 1, 2012.<br />Many of Newton’s published works, such as “Helmut Newton‘s Illustrated” and “SUMO” have already been presented at the Helmut Newton Foundation in Berlin. Now, his first three photography books – “White Women,” “Sleepless Nights” and “Big Nudes” – will be transformed into an exhibition. These legendary publications have seen numerous reprints and hundreds of thousands of copies sold.<br />Bordering between fashion and nude photography, many of their images are now considered iconic. During Newton’s lifetime they were never displayed together. Following their presentation at the Museum of Fine Arts Houston in 2011, this exhibition will be their German premiere.</p> Fri, 25 May 2012 22:22:58 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list