ArtSlant - Closing soon http://www.artslant.com/ber/Events/show en-us 40 Ryan Mosley - EIGEN + ART Lab - March 29th, 2012 - May 19th, 2012 <p>Motivated by a sense of the carnivalesque, Ryan Mosley’s canvases offer up a surreal world of invented characters and rituals that are simultaneously archaic and futuristic. Mosley develops his theatrical subjects through a spontaneous approach to painting. “They appear on the canvas,” Mosley explains, “worked, reworked, painted over, feeding on mistakes. They exude the feeling that the characters are having a conversation, or are on stage during a performance. The process is quite organic: sometimes it starts with an idea for narrative, then sometimes, according to the process of the painting, the narrative arrives.” <br /> Ryan Mosley’s approach to painting is at once both historical and fantastical, his work simultaneously acknowledging a profound debt to the received genres and traditions of art history and an exuberant willingness to subordinate such categories to a uniquely personal painterly vision. </p> Sun, 25 Mar 2012 23:47:53 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Dominique Gonzalez-Foerster - Esther Schipper - April 21st, 2012 - May 19th, 2012 <div> <div>Esther Schipper is pleased to present "Return to Noreturn", the first exhibition by Dominique Gonzalez-Foerster at the new gallery space.</div> <div> </div> <div>"Six months after returning from the Land of Oz, Dorothy has become a melancholic child who cannot sleep, as she is obsessed with her memories of Oz."</div> <div> </div> <div>Like Dorothy going back to the land of Oz in Walter Murch's film, Dominique Gonzalez-Foerster has decided to return to "Noreturn" (2009) and decompose the film which was shot in the TH.2058 exhibition at Tate Modern. There, with a comprehensive installation in the main Turbine Hall, Gonzalez-Foerster presented a narration of a shelter where humans and sculptures find protection from endless rains.</div> <div> </div> <div>Some elements that appear in the film are presented in conventional exhibition formats such as painting, sculpture, text, sound and video. The exhibition space is again transformed into a utopian environment in a future point in time. In one of the gallery rooms the film "Noreturn" will depict how this utopian environment is inhabited and used. It can be seen as a departure and a conclusion.</div> <div> </div> <div>Dominique Gonzalez-Foerster, born 1965 in Strasbourg, recently presented several stage plays / performances in collaboration with composer Ari Benjamin-Meyers in Berlin and Brussels (2011); for PERFORMA 09 and the Guggenheim New York (2008). Among her solo exhibitions are projects for Dia Art Foundation, New York (2009); The Turbine Hall, Tate Modern, London (2008); and MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y Léon (2008). She participated in the 53rd International Art Exhibition, La Biennale di Venezia (2009), Skulptur Projekte Münster (2007) and Documenta XI, Kassel (2002) and is represented with a site-specific project in Inhotim, Brazil since 2010. Gonzalez-Foerster lives and works in Paris and Rio de Janeiro.</div> <div> </div> <div>A new performance will be shown at Tensta Konsthall in cooperation with the University of Dance and Circus on May 27, 2012. The performance is based on Francois Truffaut’s film Fahrenheit 451.</div> <div> </div> <div>Works</div> <div> </div> <div>Greenred (sculpture) 2012 (plastic curtain green and red)</div> <div>Calder Red (painting) 2012 (vermilion painting)</div> <div>Old Dream (text piece) 2012 (vinyl text)</div> <div>Raining (sound piece) 2012 (speaker, sound)</div> <div>Romilly (video) 2012 (portrait, 4 minutes)</div> <div>Dublinesca (installation) 2012 (bunk beds, books)</div> <div>2058 (bibliography) 2012 (carpet, books)</div> <div>Noreturn (film) 2009</div> <div> </div> <div>Parallel to the exhibition, Esther Schipper presents a special project by Nathan Carter at the showroom. Among the installation with new drawings, sculptures and a diorama, Carter will host the Keller Kaiser. On Friday, April 27, there will be a bar and a curious taco truck out back and ceramic tequila cups made by Jose Noe Suro in Tlaquepaque Mexico at Ceramica Suro.</div> <div> </div> </div> Sun, 06 May 2012 23:25:57 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Josef Albers - Galerie Berinson - January 27th, 2012 - May 19th, 2012 <p>‘I want to open eyes.’<br />Josef Albers pursued this goal consistently. For decades he worked on variations on a single image – the Homage to the Square. His credo was to attain the utmost expression from the most minimal means of design. <br />Albers endeavoured to make the viewer doubt his perceptions and encouraged him thus to see things more precisely. Within the unchanging parameters of the square image format in his famous series Homage to the Square, he explored chromatic interaction by alternately employing stark contrasts and subtle, barely perceptible nuances. The interplay of colours changed, depending on the setting, as did the impact on the viewer of colour and composition – so much so, at times, as to contrive in his paintings the illusion of movement and dynamism.<br />The works shown here offer insights into different creative phases. Be it in the graphic series Structural Constellations, which attests to Albers’ preoccupation with the vigorous interaction of visual frames and imaginary space, or in Homage to the Square, his exploration of the effects of colour, Albers remained devoted to his on-going quests for variation on a fundamental principle.<br />His influence on modern European and North American art is rooted not only in his outstanding work but also in his activity as a teacher and lecturer in Germany and the United States. Josef Albers sought to connect theory and practice in his teaching and demanded, here too, ‘maximum effect with minimum effort’. He successfully fostered understanding both of the fundamental laws of design and their practical application. His innovative courses at the Bauhaus and – after having migrated to the USA in 1933 – at Black Mountain College and Yale proved formative for generations of young artists. He demanded that his students read form with great sensitivity and, in particular, that they pursue their artistic development with discipline and self-reliance.<br />Consequently, several independent and unique artists such as Robert Rauschenberg, Kenneth Noland, Donald Judd, Eva Hesse and Richard Serra number among his former students.<br />Galerie Berinson is presenting numerous paintings, drawings and prints – in Berlin, the first comprehensive solo exhibition of the work of Josef Albers since 1988.</p> Tue, 10 Apr 2012 23:28:23 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Blixa Bargeld - Hunchentoot Galerie - March 22nd, 2012 - May 19th, 2012 <p>Die Galerie Hunchentoot zeigt vom 22.03. bis zum 19.05.2012 „Einschüsse“ — serielle Arbeiten von Blixa Bargeld. <br /><br />Auf weißen Bildflächen verteilen sich schwarze Tupfen und Linien, et vice versa. Harte Kontraste fokussieren auf Blessuren an Fassadenoberflächen, auf die Patterns von Einschussspuren. Wenn hier von Patterns die Rede ist, dann deshalb, weil die Spuren der Einschüsse auf den Fassaden regellose Muster zeichnen, die je schon anmuten wie mit Bedacht geschaffene Bilder, gerade in ihrer Regellosigkeit. Letzteres rührt von einem an Abstraktionen geschulten Blick her. <br /><br />Die Kombination aus Sujet (Fassadenfragment) und Werktitel (Name einer Straße oder eines Platzes in Berlin-Mitte + Hausnummer) scheint für einen dokumentarischen Charakter der Serie zu sprechen, und der Verdacht ist vermeintlich umso mehr gerechtfertigt, als es sich um fotobasierte Bilder handelt. Was zu sehen ist, war oder ist da, und zwar exakt da, wo der Titel es jeweils verortet. Das ist richtig. Der Schluss, es handle sich um dokumentarische Arbeiten, ist dennoch falsch. Es gilt eben den Abstand zwischen Titel und Werk einzuziehen, der das Konkrete klar von seiner Abstraktion im Bild scheidet. Das Schwarz dieser Bilder ist tatsächlich schwarz, das Weiß tatsächlich weiß. Keine Graustufen. In der Kategorie Schwarzweißfotografie gehen die ausgestellten Arbeiten der Serie „Einschüsse“ von Blixa Bargeld daher ebenso wenig auf wie im Dokumentarischen. Vielmehr sind sie ihrer Tendenz nach abstrakter Malerei vergleichbar, in der nicht so sehr ein Anti-Realismus zu sehen ist, als vielmehr das realistische Offenbaren vorherrschender Abstraktheit, wie Siegfried Kracauer bemerkte: „Abstract painting is not so much an anti-realistic movement as a realistic revelation of the prevailing abstractness.“<br /><br />Der für „Einschüsse“ in Anschlag gebrachte Vergleich mit abstrakter Malerei sollte keinesfalls als Gleichsetzung missverstanden werden. Der Prozess der Bilderzeugung unterscheidet sich ganz wesentlich. Blixa Bargelds Bilder basieren auf Digitalfotografien, die in der Nachbearbeitung auf klar definierte Parameter reduziert wurden. Die technischen Arbeitsschritte folgten den von ihm festgelegten Regeln, im Einzelnen ausgeführt hat sie der berliner Künstler Hans Gaba. Er übernahm von der Betätigung des Auslösers bis zur digitalen Aufbereitung der Photoprint Vorlagen die durch die fotografische Praxis definierte Funktion des operator. Denken mag man bei solcher Arbeitsteilung etwa an die Serie „Lieber Maler, male mir“ von Martin Kippenberger, für die dieser einen Plakatmaler zum Abmalen der von ihm gelieferten Vorlagen angeheuert hatte. Den Ausschlag gibt der Wunsch, der eigenen Arbeit die professionelle Prägung eines bestimmten Duktus oder Mediums zu geben. Wiederum kein Eins-zu-Eins-Vergleich, denn die Serie „Einschüsse“ ist nicht so sehr durch eine ästhetische Transformation gekennzeichnet. <br /><br />Was Blixa Bargeld in Bilder übersetzt, ist eine ästhetische Praxis. Gelenkt ist diese im Wesentlichen durch die Affinität zu ungestellter Realität, die wie ein flüchtiger Text entziffert wird; durch eine zu elegischen Objekten hingezogene Aufmerksamkeit, die auf Regelloses fokussiert und zufällige Anordnungen unvoreingenommen aufsaugt; durch Affinität zur durch das Fragmentarische fotografischer Aufzeichnung suggerierten Endlosigkeit; und schließlich durch Affinität zur Unbestimmtheit. Die hier am Leitfaden von Kracauers THEORY OF FILM. THE REDEMPTION OF PHYSICAL REALITY knapp beschriebene ästhetische Praxis ist allgemeiner eine Annäherung an die Welt, ja eine von Blixa Bargeld in seinen diversen künstlerischen Arbeiten produktiv gemachte Existenzweise. Auch insofern setzen sich die Patterns der „EINSCHÜSSE“ über die provisorischen Begrenzungen der Bildflächen hinaus fort. <br /><br /><br />Maria Zinfert, Januar 2012</p> Fri, 02 Mar 2012 00:47:31 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Terry Haggerty - Kuttner Siebert Galerie - March 30th, 2012 - May 19th, 2012 <p>In der Ausstellung Mask zeigt die KUTTNER SIEBERT Galerie Papierarbeiten von <a href="http://www.kuttnersiebert.de/index.php?Action=showArtist&amp;aId=3&amp;lang=de">Terry Haggerty</a>. Mit seinen ortsspezifischen Wandarbeiten und seinen Leinwandbildern ist <a href="http://www.kuttnersiebert.de/index.php?Action=showArtist&amp;aId=3&amp;lang=de">Terry Haggerty</a> mittlerweile weitreichend bekannt und die aktuelle Ausstellung gibt nun erstmals Einblick in sein zeichnerisches Werk. Auf schlichtem, karierten Papier sind es mit schwarzem Acryl gemalte monolithe Formen, deren farbige Konturlinien die Fläche strukturieren und ihnen räumliche Gestalt verleihen. In dem die Ausstellung begleitenden Katalog schreibt Ursula Ströbele dazu: "Die teils in sich verschlungenen und überlagernden schwarzen Farbbänder wecken Assoziationen an topologische Figuren, wie das berühmte Möbiusband. Das fließende Changieren von Innen und Außen, Vorne und Hinten, die Verweigerung konkreter Fixpunkte evozieren auf den ersten Blick ein Moment von Desorientierung. Es erfordert ein wiederholtes Hinschauen, um über Perspektivwechsel die Gesamtheit der Form zu erfassen. (...) Sie erinnern an skulpturale Artefakte und raumsprengende Installationen, wie Max Bills "Unendliche Schleife" oder Richard Serras "Matter of Time". Da sie sich der klaren Definition von Anfang und Ende verweigern, wird das Auge auf seiner Suche in die Faltungen hineingezogen, von der indifferenten, opaken Dunkelheit aufgesaugt. (...) Insgesamt basieren die Zeichnungen auf einem rauhen, dynamischen Farbauftag innerhalb der begrenzenden Kontur anstatt der für ihn sonst charakteristischen hoch professionalisierten und akribisch perfekten Oberflächenlasuren, die eine Vielzahl präzise aufeinander abgestimmter Arbeitsschritte verlangen. Sie hingegen erlauben ein spontanes Arbeiten und die Entwicklung neuer Formenkonzepte."</p> Wed, 16 May 2012 00:52:02 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Carsten Sievers - Laura Mars Gallery - April 21st, 2012 - May 19th, 2012 <p>"Es gibt ein Innerhalb des Objekts und ein Außerhalb des Objekts, ein Innerhalb und Außerhalb der Sequenz, ein Innerhalb und Außerhalb des Tableaus aber kein Außerhalb des Netzes. Hier existiert nur noch das UND. Das UND, welches Beziehung herstellt." Carsten Sievers<br /> <br /> "Das Objekt tritt in Beziehung zu sich selbst. Die Sequenz, in Form ihrer Objekte tritt in Beziehung zu sich selbst. Das Tableau, bestehend aus delegierten Objekten unterschiedlicher Sequenzen tritt in Beziehung zu sich selbst – damit alle beteiligten Objekte aller beteiligten Sequenzen, usw." Carsten Sievers<br /> <br /> In seiner ersten Einzelausstellung und in der <b>Galerie Laura Mars Grp.</b> zeigt <b>Carsten Sievers</b> Objekte und Papierarbeiten. <br /> Ausgehend von Objekten aus den Jahren 1998 und 1999, welche Sievers in Anlehnung an George Kubler als "Primärobjekte" kennzeichnet, entwickelte er seit dem eine niemals zuvor gezeigte Gruppe ("Sequenz") von Reliefs. In ihrer Art, der Deklination einer formalen Grundaussage, stehen sie dem klassisch gewordenen Minimalismus, beispielsweise eines Sol Lewitt, nahe. Der an ihnen gezeigte Umgang mit Material, Oberfläche und Farbgebung allerdings macht sie zu wirklichen Dingen unserer Zeit. Durch simple Operationen und deren Wiederholungen - Zerteilen, Drehen, Fügen – erzeugt Carsten Sievers eine Programmatik des Objekts, bei der eine Grundstruktur, mit sich selbst in Variation tritt. <br /> Thematisch radikal vom Standpunkt der "Beziehung des Objekts zu sich selbst" aus gefertigt, sind die kleinen, wie auch die größeren Objekte ihrer Gestalt nach dennoch raumgreifend und raumverflochten. Durch spezifische innere Relationen, entwickeln die Objekte spezifische räumliche Wirksamkeit. <br /> Die Erarbeitung des einzelnen der gezeigten Objekte vergleicht Carsten Sievers mit der Konstellation des Remis im Schachspiel und zitiert aus einem seiner Texte aus dem Briefwechsel mit Wynn Kramarsky: "Die Arbeit, ähnlich des Schachspielens gegen sich selbst, beendet sich im Remis. Remis aller beteiligten Elemente. Eine einfache ruhige Situation, in der keine weitere Bewegung möglich ist, allerdings angereichert, mit jener Energie und Spannung, die ihre Entstehung erst ermöglichte."<br /> <br /> </p> Fri, 20 Apr 2012 01:39:57 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Florian Rüger, Marco Momi - Akademie der Künste - Hanseatenweg - April 12th, 2012 - May 20th, 2012 <p>Durch die Interaktion des Besuchers auf einer sensitiven Plattform entsteht eine Klang- und Bildwelt, welche – angelehnt an Cage und Xenakis – entweder ein Zufallergebnis oder eine gezielte Steuerung sein kann. Die Installation spielt mit Ton, Bild und audiovisueller Komposition, hervorgerufen durch Betrachter und Akteure. <br /> <br /> Thematisch liegen dieser Arbeit von Marco Momi und Florian Rüger, Berlin-Stipendiaten 2010 der Akademie der Künste, die Stadt und ihre Bewohner zugrunde, die durch ihr Handeln die Stadt beleben – je mehr Aktion, desto mehr Reaktion. Stadt-Klänge, -Bilder und -Videos werden hervorgerufen; bestimmte Bewegungen ermöglichen zudem einen tieferen Einblick, ein Hineinzoomen in die städtische Struktur. <br /> <br /> Die Arbeit entstand im Rahmen des Cage-Workshops der Jungen Akademie 2010.</p> Mon, 05 Mar 2012 01:49:52 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Arnold Newman - C/O Berlin - March 3rd, 2012 - May 20th, 2012 <p>"Mich interessiert, was Individuen antreibt, was sie in ihrem Leben anstellen. Ich wäre ein guter Psychiater." Arnold Newman<br /><br />Das gesamte Leben eines Menschen in einem Augenblick. Das fotografische Porträt als visuelle Biografie. Arnold Newman versteht es meisterhaft, die Zeitläufe in Gesicht und Mienenspiel seines jeweiligen Gegenübers freizulegen. Seine Fotografien von starker, metaphorischer Qualität bilden einen Querschnitt der Kulturschaffenden des 20. Jahrhunderts. Pablo Picasso, Marilyn Monroe, Marc Chagall, Igor Strawinsky, Max Ernst, Piet Mondrian, Marcel Duchamp, Konrad Adenauer, John F. Kennedy, Andy Warhol, David Hockney, Martha Graham – obwohl Arnold Newman zumeist weltbekannte Personen in seiner einfühlsamen Bildsprache porträtiert, lehnte er Prominenz ohne Verdienst ab. Er ist auf der Suche nach Individuen, die ihre Ideen mit außergewöhnlichem Talent umsetzen. Ihn interessiert, was die Menschen sind, nicht wer.<br /><br />Arnold Newman liebte die Lehre, was viele seiner Studenten bestätigen können. Die Retrospektive "Masterclass" zeigt, wieviel es noch von diesem Meister zu lernen gibt. Die Ausstellung umfasst 200 schwarz-weiße und farbige Vintageprints aus dem Gesamtwerk des einflussreichsten Porträtfotografen des 20. Jahrhunderts. Neben den bekanntesten Porträts von Arnold Newman umfasst die posthume Retrospektive auch Werke, die in bisher kaum Aufmerksamkeit erlangten: Stillleben, architektonische Studien, frühe Street Photography sowie bisher nicht gezeigte Kontaktbögen. Die Retrospektive wird von der Foundation for the Exhibition of Photography, Minneapolis, und von William Ewing in Zusammenarbeit mit dem Harry Ransom Center, Austin, organisiert.</p> Mon, 06 Feb 2012 03:58:21 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Bruce Davidson - C/O Berlin - March 17th, 2012 - May 20th, 2012 <p>"When you are in the Subway, what is beautiful appears bestial, and what is bestial appears beautiful." Bruce Davidson<br /><br />New York, at the beginning of the 1980s. A gloomy urban sprawl between hedonism and abyss. The subway, in its dilapidated state, is a hazardous place. Fires in tunnels, muggings, murder and drug trafficking are the order of the day; overcrowded wagons, frequent delays, graffiti and dirt everywhere. The journey with public transport is a nightmare. The photographer Bruce Davidson boards the train, immerses himself in the raging, rattling hustle and bustle of the city and portraits the passengers between uniformity and diversity, anonymity and intimacy, depression and inspiration. Whether lovers, musicians, homeless people, tourists or business people – in the subway and its passengers he finds the perfect metaphor for life in the metropolis with its aggression and ugliness, its hope and humanity.<br /><br />C/O Berlin will present a selection of the subway series by Bruce Davidson including the 47 dye transfer prints for the first time in Berlin. 25 years after the first publication, the catalogue was re-issued by the Steidl Verlag Jahre and Aperture on the occasion of the exhibition in 2011.</p> Mon, 09 Apr 2012 09:32:45 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list - Haus am Kleistpark - March 30th, 2012 - May 20th, 2012 <p>Ab dem 30.März 2012 zeigt das HAUS am KLEISTPARK die vom Aktiven Museum erarbeitete kulturhistorische Ausstellung „Gute Geschäfte – Kunsthandel in Berlin von 1933 – 1945“.</p> <p>„Gute Geschäfte“  beleuchtet beispielhaft anhand der Geschichte von 14 Berliner Kunsthandlungen und Auktionshäusern, wie die NS-Kulturpolitik auf eine bis dahin weitgehend unabhängige Branche Einfluss nahm. Neben einigen prominenten Häusern werden auch kleine, bisher weitgehend unbekannte Galerien und Händler dokumentiert.</p> <p>Die Ausstellung wurde 2011 bereits mit großem Erfolg im Berliner Centrum Judaicum sowie im Landesarchiv Berlin präsentiert. Regina Mönch schrieb über „Gute Geschäfte“ 2011 in der FAZ als einer „ausgezeichneten, erstaunlich faktenreichen und sehr differenzierten Ausstellung“.</p> <p>Zur Zeit konzentrieren sich zahlreiche Galerien in unmittelbarer Nachbarschaft zum HAUS am KLEISTPARK im Gebiet der nördlichen Potsdamer Strasse. Mit ihrem Standort knüpfen sie an die Tradition des früheren Galerieviertels im südlichen Tiergarten an, dessen Ära mit der Naziherrschaft und dem 2. Weltkrieg zu Ende ging. Aus diesem Grund liegt es nahe, die Ausstellung im HAUS am KLEISTPARK noch einmal dem interessierten Publikum zugänglich zu machen, zumal nach wie vor Aspekte der Thematik zur Aufarbeitung anstehen.<strong><br /></strong></p> Mon, 02 Apr 2012 03:37:03 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Takehito Koganezawa - Haus am Waldsee - March 2nd, 2012 - May 20th, 2012 <p class="FreieForm"><strong>Born in Tokyo in 1974, Takehito Koganezawa is an artist who employs the simplest of means to demarcate the concept of drawing between those of performance and video. Koganezawa sets up a relation between his body, video projectors and cameras. The movement of these three components generates extraordinary optical phenomena of overlay as well as condensation into image streams. The exhibition also presents drawings on paper but will mainly focus on abstract video and performance works.</strong></p> <p class="FreieForm">We may associate some of the video works in the exhibition with animated paintings by Bridget Riley or Karl Otto Götz. Others are in rapport with early video pieces by Tatsuo Miyajima. In each case Koganezawa deals with the momentum of time. By moving from drawing pen and paper to primarily electronic media as his means for drawing, the artist is able to render the passage of time immediately visible. He translates linear phenomena with magical levity into abstract, moving signs and images. The results are elusive “lines in the air”, somewhere between op art and art informel. At the same time the moving works of Koganezawa are highly independent and contemporary.</p> <p class="FreieForm">Motion remains his recurring motif throughout. Thus Koganezawa suffuses the central installation of the exhibition with a colourful maze of running electronic advertisements, which he has recorded by night with a hand-held camera on a drive on the motorways around Tokyo. The pulsing of the lights and advertisements is experienced as a silent surround-projection. The light-signs describe the erotic side of the metropolis as an incessant stream of colour, motion and elusiveness. </p> <p class="FreieForm">Nothing and time are the most important coordinates of his œuvre. For Koganezawa, every place on this planet holds its own sense of time. The artist does not attempt to arrest time; on the contrary he allows it to move on like waves on the sea. He contemplates on how to grasp a stream. Drawing is for Koganezawa a kind of primal stream. He is interested in how to mix streams and how to construct something new from such a blending. Weightlessness plays a crucial role in this context as does, by defying gravity, the relation to music and listening as the finest form of “seeing”.</p> <p class="FreieForm">Takehito Koganezawa has lived and worked in Berlin since the late 1990s. “Luftlinien” is the first survey of the artist‘s work at a German art institution. <br />A catalogue will be published in German and English with Verlag Walther König.</p> Mon, 05 Mar 2012 18:23:44 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Isabelle Dechamps, Andrés Galeano, Anna Herms, Meike Kuhnert, Kazuki Nakahara - Kunstraum Kreuzberg / Bethanien - May 5th, 2012 - May 20th, 2012 <p>Ausstellung der PreisträgerInnen des Mart-Stam-Förderpreises 2011</p> Thu, 03 May 2012 23:23:08 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Helmut Newton - The Helmut Newton Foundation - January 13th, 2012 - May 20th, 2012 <p>Polaroid technology revolutionized photography. Those who have used a Polaroid camera can hardly forget the unique odor of its developing emulsion and the thrill of the instant image. With the Polaroid, every image is one of a kind. This also applies to the later large-format Polacolor prints, whose developing process left behind characteristic borders. Polaroids have thus been frequently used for preliminary studies as well as a standalone medium. This was already the case early on, following the creation and presentation of the instant photograph at the Optical Society of America in 1947 by its inventor, Edwin Land – and especially after he presented in 1972 the legendary SX-70 System, a collapsible, simple and affordable camera. In nearly all photographic areas – from landscape and genre, portrait and self-portrait, fashion and nudes – this unique imaging process has found enthusiastic devotees all over the world.</p> <p>Helmut Newton used the technology intensively starting in the 1970s, especially for his fashion photo shoots. As he once described in an interview, this satisfied his impatient urge to want to know immediately how a certain situation would look as a photograph. In this context, the Polaroid acted as an idea sketch in addition to testing the actual lighting situation and image composition. In 1992 Newton published <i>Pola Woman</i>, an unconventional book consisting only of his Polaroids. According to the photographer, the publication lay particularly close to his heart, although it was discussed amidst great controversy. In response to the accusation that the images in the book were not perfect enough, he countered: “But that was exactly what was exciting – the spontaneity, the speed.”</p> <p>Newton’s additional notes, written on the edges of the Polaroids, are fascinating as well as revealing with regard to the model, client or location and date. The comments, the haziness of the images and the signs of use are naturally also to be found on the enlargements of the Polaroids included in the exhibition; they testify to a pragmatic approach to the original work materials, which have now possess an own inherent value. Especially interesting for today’s viewer is the unique Polaroid aesthetic that unexpectedly alters the colors and contrast of the photographed subject.</p> <p>For the first time ever, over 300 works based on the original Polaroids offer a comprehensive overview of this aspect of Newton’s oeuvre. The exhibition is thus a look into the sketchbook of one of the most influential photographers of the 20th century. Many of the iconic photographs that have already been presented in the exhibition space of the Helmut Newton Foundation can be discovered in the current exhibition in the process of their creation.</p> Fri, 13 Jan 2012 00:14:12 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Heribert C. Ottersbach - ALEXANDER OCHS PROJECTS - April 28th, 2012 - May 25th, 2012 <p>Die Sujets der Gemälde von Heribert C. Ottersbach sind meist Architekturen, Landschaften, Portraits oder Demonstrationsszenen. Die Architekturmotive erscheinen zunächst so banal, dass sie jede eindeutige Identifikation unterbinden. Und die formale Nüchternheit der Gebäude treibt Ottersbach so auf die Spitze, dass die Distanz des Betrachters zum Bild ostentativ herausgefordert wird. Auch die Idylle der Naturlandschaften ist signifikant gestört. Hell lasierte Linien ziehen sich durch die Bilder wie bei Fehldrucken, oder opake Balken überlagern die einstige Idylle und schaffen neue Bildebenen mit nachgerade unnatürlichen Strukturen.<br /> <br /> Die konsequenten Bildstörungen stellen sich allen utopischen Versprechen der Moderne wie auch der Vormoderne entgegen. Doch nicht nur die Utopien sondern auch ihr vermeintliches Scheitern stehen im Fokus von Ottersbachs Werk. Das ,Sanatorium der Moderne‘, wie Ottersbach sagt, sei nunmehr ,geschlossen, die Therapeuten tot‘ und die ungeheilten Patienten ,jetzt wieder ganz alleine‘. Dies ist der Ausgangspunkt seines Werkes wie auch des Titels dieser Ausstellung.<br />  <br /> Die Bilder werden am Computer komponiert. Ottersbach montiert sie aus Vorlagen, die er zuvor dem verfügbaren Bildfundus entnimmt und bearbeitet. Diese Konstruktionen aus Fragmenten des Visuellen, denen immer eine Dekonstruktion vorausgeht, schaffen fast zwangsläufig eine veränderte Perspektive auf das Sichtbare, die nicht nur neue Wahrnehmungen der Wirklichkeit sondern auch neue Vorstellungen davon hervorrufen kann, was den gesellschaftlichen Stellenwert von Kunst und die Bedeutung der Malerei ausmacht.<br />  <br /> Nach einer ersten Präsentation in einer Einzelausstellung in unseren Pekinger Räumen 2011 wurden für diese Ausstellung herausragende Werke aus den Jahren 2003 bis 2012 ausgewählt, von denen einige noch nie zuvor in Galerien gezeigt wurden. Der Künstler wurde bereits mit Einzelausstellungen im Essener Museum Folkwang, in der Kunsthalle Tübingen, in der Altana Kulturstiftung, Bad Homburg, dem Institut Mathildenhöhe in Darmstadt und in der Hamburger Kunsthalle geehrt.<br />  <br /> Heribert C. Ottersbach wurde 1960 in Köln geboren. Er lebt und arbeitet in Köln und Sörmland (Schweden). Seit 2009 lehrt er Malerei an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig.</p> <p></p> <p>The subjects of Heribert C. Ottersbach’s paintings are mostly architecture, landscapes, portraits or scenes of demonstrations. At first glance, the architectural subjects appear so commonplace that they prevent any clear identification. Ottersbach drives the formal austerity of the buildings to an extreme in such a way that the distance between the viewer and the painting is ostentatiously challenged. Also the idyll of natural landscapes is significantly altered. Bright glazed lines run through the images like misprints, or thick opaque stripes overlap the former idyll to create new image levels with essentially unnatural structures. <br />  <br /> The consistent interference with the image challenges all utopian promises of modernism and pre-modernism.  Not only the utopias, but also their alleged failure is the focus of Ottersbach’s work. The ‘sanatorium of modernity’ as Ottersbach says ‘is now closed, the therapists are dead’ and the uncured patients are ‘now all alone again’. This is the starting point of his work, as well as the title of this exhibition.<br />  <br /> The images are composed on computers. Ottersbach assembles them from templates, which he takes from the available image stock and then edits. These constructions from fragments of the visual, which always precede a deconstruction, almost inevitably create a transformed perspective of the visible. This can cause not only new perceptions of reality, but also new concepts of it, which ultimately constitutes the social value of art and the importance of painting.<br />  <br /> After Otterbach’s  first solo exhibition in our Beijing gallery  in 2011,  outstanding works from 2003 to 2012 have been selected for this exhibition, some of which have never before been shown in galleries. The artist has previously had solo exhibitions at the Folkwang Museum in Essen, in the Kunsthalle Tübingen, in the Altana Kulturstiftung, Bad Homburg, the Institut Mathildenhöhe in Darmstadt and at the Hamburger Kunsthalle.<br />  <br /> Heribert C. Ottersbach was born in Cologne in 1960. He lives and works in Cologne and Sörmland (Sweden).  He is a professor for painting at the Hochschule für Grafik und Buchkunst (School of Visual Arts) in Leipzig since 2009.<br /> <br /> <br /> <br /> </p> Fri, 20 Apr 2012 02:07:52 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Charles Matton - Galerie Michael Haas - April 27th, 2012 - May 25th, 2012 <p>On the occasion of the Gallery Weekend in Berlin, the Galerie Michael Haas will open its exhibition with works, or rather boxes, by Charles Matton. The boxes seduce the viewer into an idiosyncratic, imaginary and to some extent very bizarre world. Matton was a filmmaker, drawer, painter and sculptor. With the feature film “Rembrandt”, starring Klaus Maria Brandauer, he succeeded in making one of the most successful feature films of the nineties about a painter. <br /><br /> Intellectual parallels can by all means be drawn between Matton and Rembrandt. Both perceived painting to represent the conscious exploration of how life can be decoded. It is this sheer irresolvable task in particular that provided the impetus for their unceasing progression and creative power. Matton was also concerned with portraying the concentrated energy of life and making it visible in his work. <br /><br /> He was a legend in the seething Paris art scene around 1968. With his feature films, drawings and freehand illustrations in the seventies he advanced, along with Jean-Paul Goude and the sociologist and philosopher Jean Baudrillard, to become one of the founders of new visual communication in the postmodernist age. Charles Matton and Jean Baudrillard were not only friends but were also connected through their intellectual complicity. In many respects, one can read Matton’s work as a kind of artistic parallel analysis of Baudrillard’s philosophy.<br /><br /> How can reality be portrayed? Matton posed this question again and again and his preoccupation with it characterises the high quality of his works. The first boxes were created in the late seventies and were a further attempt to seek an answer to his question. Initially an instrument of support for photographic and painterly projects, they developed their own artistic independence and autonomy. The puppet theatre-like boxes show rooms such as Alberto Giacometti’s studio, a library, bedroom and imagined spaces with bizarre sculptures. The viewers immerse themselves in this microcosmos and are both perplexed and fascinated by the attention to detail and the perfection of the replicas and the objects inside them. Matton has succeeded in leading the viewer into a three-dimensional “paradise of the imagination”. Charles Matton was born in 1933 in Paris, where he also died in 2008.<br /><br /> Source text: Robert Fleck, der Blick (the gaze)</p> Mon, 19 Mar 2012 23:13:57 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Carsten Sievers - Laura Mars Gallery - April 21st, 2012 - May 25th, 2012 <p><span style="text-decoration: underline;">Pressemitteilung</span> <br /> <br /> "Es gibt ein Innerhalb des Objekts und ein Außerhalb des Objekts, ein Innerhalb und Außerhalb der Sequenz, ein Innerhalb und Außerhalb des Tableaus aber kein Außerhalb des Netzes. Hier existiert nur noch das UND. Das UND, welches Beziehung herstellt." Carsten Sievers <br /> <br /> "Das Objekt tritt in Beziehung zu sich selbst. Die Sequenz, in Form ihrer Objekte tritt in Beziehung zu sich selbst. Das Tableau, bestehend aus delegierten Objekten unterschiedlicher Sequenzen tritt in Beziehung zu sich selbst – damit alle beteiligten Objekte aller beteiligten Sequenzen, usw." Carsten Sievers <br /> <br /> In seiner ersten Einzelausstellung <b><i>und</i></b> in der Galerie Laura Mars Grp. zeigt <b>Carsten Sievers</b> Objekte und Papierarbeiten. <br /> Ausgehend von Objekten aus den Jahren 1998 und 1999, welche Sievers in Anlehnung an George Kubler als "Primärobjekte" kennzeichnet, entwickelte er seit dem eine niemals zuvor gezeigte Gruppe ("Sequenz") von Reliefs. In ihrer Art, der Deklination einer formalen Grundaussage, stehen sie dem klassisch gewordenen Minimalismus, beispielsweise eines Sol Lewitt, nahe. Der an ihnen gezeigte Umgang mit Material, Oberfläche und Farbgebung allerdings macht sie zu wirklichen Dingen unserer Zeit. Durch simple Operationen und deren Wiederholungen - Zerteilen, Drehen, Fügen – erzeugt Carsten Sievers eine Programmatik des Objekts, bei der eine Grundstruktur, mit sich selbst in Variation tritt. <br /> Thematisch radikal vom Standpunkt der "Beziehung des Objekts zu sich selbst" aus gefertigt, sind die kleinen, wie auch die größeren Objekte ihrer Gestalt nach dennoch raumgreifend und raumverflochten. Durch spezifische innere Relationen, entwickeln die Objekte spezifische räumliche Wirksamkeit. <br /> Das einzelne der gezeigten Objekte vergleicht Carsten Sievers mit dem Remis im Schachspiel und schreibt in einem Text an Wynn Kramarsky: "Die Arbeit, ähnlich des Schachspielens gegen sich selbst, beendet sich im Remis. Remis aller beteiligten Elemente. Eine einfache ruhige Situation, in der keine weitere Bewegung möglich ist, allerdings angereichert, mit jener Energie und Spannung, die ihre Entstehung erst ermöglichte."</p> Wed, 23 May 2012 16:47:15 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list