ArtSlant - Openings & events http://www.artslant.com/ber/Events/show en-us 40 Ann Oren - Künstlerhaus Bethanien - May 26th 7:00 PM - 10:00 PM <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">In her cinematic works and video installations, Ann Oren addresses the interdependence of spectating and acting as an expression of current identity, deriving from social media. Oren reflects on questions of interactivity as suggested by platforms such as Twitter, Instagram and Facebook, through a margin of deliberate publicly exposed yet intimate behaviors.</p> <p style="text-align: justify;"><em>The Supreme Spasm</em> consists of a 4-channel video installation and a series of light-boxes, a cinematic adaptation of Pierrot, <em>Murderer of His Wife</em>, a play written for a single mime performer by Paul Margueritte in 1888, in which Pierrot tickles his wife to death, and ultimately suffers the same fate condemned by her spirit. Pierrot becomes a dupe of his own imitation. Oren focalizes the mime as a synonym for the theatrical moment of current produced identities and their audience apparatus. She expands the blurring of boundaries between reality and fiction from the original play, by connecting contemporary media with historical theater forms, through the use of the mime&rsquo;s figure, performed by Blake Habermann. She demonstrates the theatrical roots of our self-observant performing ego: &ldquo;Like the mime, social media users imitate imitation as they stage their own selves.&rdquo; (Ann Oren).</p> <p style="text-align: justify;">With the kind support of the Embassy of Israel in Berlin</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&nbsp;</p> </div> <p style="text-align: justify;">Ann Oren thematisiert in ihren filmischen, installativen und performativen Arbeiten das Wechselverh&auml;ltnis von Zuschauen und Agieren als Form eines aktuellen, im Kontext zu den sozialen Medien entstehenden Identit&auml;tskonzepts. Fragen von Interaktivit&auml;t, wie sie Kommunikationsplattformen wie Twitter, Instagram und Facebook suggerieren, reflektiert Oren in einem Spielraum von bewusst zur Schau gestelltem &ouml;ffentlichen und zugleich intimen Verhalten.</p> <p style="text-align: justify;"><em>The Supreme Spasm</em> besteht aus einer 4-Kanal-Videoinstallation und einer Reihe von Lichtboxen. Mit ihrer filmischen Adaptation des 1888 von Paul Margueritte f&uuml;r einen einzelnen Mimen geschriebenen St&uuml;ckes <em>Pierrot M&ouml;rder seiner Frau</em> &ndash; in dem &ldquo;Peterchen&rdquo; seine Ehefrau zu Tode kitzelt, schlie&szlig;lich durch deren rachs&uuml;chtigen Geist das selbe Schicksal erleidet und so zum Betrogenen seiner eigenen Imitation wird &ndash; fokussiert Oren den Mimen als Synonym f&uuml;r das theatrale Moment aktueller Identit&auml;tsproduktion.</p> <p style="text-align: justify;">Sie erweitert die Grenzverwischung zwischen Realit&auml;t und Fiktion des originalen St&uuml;cks, indem sie zeitgen&ouml;ssische Medien mit historischen Theaterformen durch die Figur des Mimen verbindet und demonstriert den theatralischen Ursprung unseres in der eigenen Beobachtung auff&uuml;hrenden Ichs: &ldquo;Like the mime, the media users imitate imitation as they stage their own selves.&rdquo; (Ann Oren).</p> Wed, 25 May 2016 15:55:59 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Salwa Aleryani - Künstlerhaus Bethanien - May 26th 7:00 PM - 10:00 PM <p style="text-align: justify;">In her installation objects Aleryani pursues a critical archaeology of the public space. She focuses especially on the way these physical and socio-cultural areas and their infrastructures mutually depend, shape and change each other. She examines sites, structures and colletive rituals by extracting common objects and materials from their contexts and transferring them into installation arrangements.</p> <p style="text-align: justify;">Aleryani&rsquo;s newest reflection is devoted to the concepts of hope and promise in public and political staged ceremonial settings. In her exhibition <em>Intending probability</em>, she addresses the forms and consequences of public rituals like the first brick laying of new constructions. For Aleryani the striking feature of the often theatrical scenarios is the celebration of something that does not yet exist (and therefore carries the notion of wishful thinking). In this sense, they are demonstrative expressions of the conviction that everything is under control, the suggestion of reliability and responsibility and the hope for a better future. The artist deconstructs these ceremonies and reveals aspects of interpretation that lead into multiple directions by using tools (trowel, plumb line) or different materials, like wax, transforming them into a new medium and material and therefore presenting them in a new light.</p> <hr /> <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">In ihren installativen Arbeiten betreibt Aleryani eine kritische Arch&auml;ologie des &ouml;ffentlichen Raumes und fokussiert dabei insbesondere auf die Art und Weise, wie sich diese physischen und gesellschaftlich-kulturellen R&auml;ume und deren Infrastrukturen wechselseitig bedingen, formen und ver&auml;ndern. Orte, Strukturen und kollektive Rituale erforscht sie, indem sie allt&auml;gliche Objekte und Materialien aus diesen Zusammenh&auml;ngen extrahiert und in installative Anordnungen &uuml;berf&uuml;hrt.<br /> Aleryanis neuste Recherchen gelten den Konzeptionen von Hoffnung und Versprechen in &ouml;ffentlich und politisch inszenierten zeremoniellen Settings</p> <p style="text-align: justify;">In <em>Intending probability</em>&nbsp;thematisiert sie die Formen und Auswirkungen von &ouml;ffentlichen Ritualen wie z.B. Grundsteinlegungen. Eine f&uuml;r Aleryani markante Eigenschaft der oft theatralischen Szenarien ist, dass sie etwas feiern, das noch nicht existiert und insofern demonstrativer Ausdruck der &Uuml;berzeugung sind, dass alles im Griff sei, eine Suggestion von Verl&auml;sslichkeit und Hoffnung auf eine bessere Zukunft. Aleryani dekonstruiert diese Zeremonien und f&ouml;rdert in unterschiedliche Richtungen weisende Aspekte der Interpretation zutage, indem sie Werkzeuge (Kelle, Richtschnur) oder verschiedene Materialien herausgreift, diese in ein neues Medium und Material &uuml;berf&uuml;hrt und so in neuem Licht sichtbar macht.</p> </div> Wed, 25 May 2016 15:57:24 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Charles van Otterdijk - Künstlerhaus Bethanien - May 26th 7:00 PM - 10:00 PM <div class="c2"> <p style="text-align: justify;">Over the past years Charles van Otterdijk has been working on the project <em>Double Centre</em>, based around the discovery of two locations on the German-Polish border. Double Centre addresses the culture of surveillance and the way in which information is controlled and mediated. Through photographs, texts and objects the artist explains how he came across two secret sites and proceeded to document as well as re-creating the objects which he discovered in the buildings. These objects include wooden crafted contraptions, whose use is as unclear as the authenticity of the places in which they were found.</p> <p style="text-align: justify;">Clouded in mystery, these locations appear as military or even detention centres, their aesthetics and form seeped in authority and interrogation. They allude to an unknown history as well as the legacy and continuing practice of governments throughout the world who survey and question away from the eyes of the public and the law.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Situation Report #3</em> at K&uuml;nstlerhaus Bethanien will be the last report about <em>Double Centre</em> for now.</p> <p style="text-align: justify;">Charles van Otterdkijk is an artist and researcher based between the Netherlands and Germany. In 2014/2015 he was artist-in-residence at K&uuml;nstlerhaus Bethanien, as a grantee of the Mondriaan Fonds.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">In den vergangenen Jahren hat Charles van Otterdijk &uuml;berwiegend an seinem Projekt <em>Double Centre</em> gearbeitet, dessen Ausgangspunkt seine Entdeckung von zwei geheimnisvollen, im Wald an der deutsch-polnischen Grenze versteckten Geb&auml;udekomplexen war. In <em>Double Centre</em> untersucht van Otterdijk die Kultur des &Uuml;berwachens und die Art und Weise, wie Information kontrolliert und vermittelt wird &ndash; einerseits durch den K&uuml;nstler selbst, und folglich im Hinblick auf die Gesellschaft im allgemeinen. Mithilfe von Fotos, Texten und Objekten zeigt van Otterdijk pr&auml;zise auf, wie er auf die beiden verborgenen Orte aufmerksam wurde und begann, die dort vorgefundenen Objekte dokumentarisch zu erfassen und teilweise auch nachzubilden. Unter ihnen finden sich beispielsweise merkw&uuml;rdige, aus Holz gefertigte Apparaturen, deren Zweck ebenso unklar scheint wie die Authentizit&auml;t der Orte, an denen sie gefunden wurden. Die geheimnisumwitterten St&auml;tten erscheinen wie milit&auml;rische Einrichtungen oder gar Internierungslager, deren &Auml;sthetik und Form dazu angetan ist, eine Atmosph&auml;re von Autorit&auml;t und Verh&ouml;r zu erzeugen. F&uuml;r den K&uuml;nstler sind sie ebenso ein Verweis auf eine unbekannte Geschichte wie auf die vergangene und noch immer existierende Praxis von Regierungen weltweit, Personen an geheimen Orten &ndash; weit abseits von den Augen der &Ouml;ffentlichkeit und des Gesetzes &ndash; zu &uuml;berwachen und zu verh&ouml;ren.</p> <p style="text-align: justify;"><em>Situation Report #3</em> im K&uuml;nstlerhaus Bethanien wird vorerst der letzte Bericht im Rahmen von&nbsp;<em>Double Centre</em> sein.</p> <p style="text-align: justify;">Charles van Otterdijk ist K&uuml;nstler und Forscher; 2014/15 nahm er als Stipendiat des niederl&auml;ndischen Mondriaan Fonds am Internationalen Atelierprogramm des K&uuml;nstlerhauses Bethanien teil.</p> </div> Wed, 25 May 2016 16:00:03 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list - Künstlerhaus Bethanien - May 26th 7:00 PM - 10:00 PM <p style="text-align: justify;">The new work of Polys Peslikas studies on variation / MALEREI at K&uuml;nstlerhaus Bethanien, is a series of large-and-small scale oil paintings based on a variegated study of one constructed image: a face-less, male figure with a turban.</p> <p style="text-align: justify;">Despite the unmistakable concreteness of the image depicted in each of the seven paintings of the exhibition, the paintings seem to dissolve into abstraction as the gaze of the viewer is continuously drawn into the lavish and expansive lines and folds of the fabric itself &ndash; endlessly unfolding into shapes, colours and patterns, in a manner suggesting a kaleidoscope. In the studies on variation / MALEREI the viewer becomes increasingly aware of the seductive complexity of the painted head-dress as this becomes reminiscent of the lavishness of a stage drapery projecting onto an empty theatrical stage ad infinitum. In the absence of a returned gaze, gazing moves to center stage.</p> <p style="text-align: justify;">With his latest work Polys Peslikas returns to a recurrent theme in his work, that of &raquo;representation&laquo;. Through a body of work rooted in &raquo;figurative&laquo; painting he turns the seductive power of representation onto itself by re-painting constructed images and objects that have fascinated the West, and in particular European painting for centuries.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Polys Peslikas&rsquo; neue Arbeiten studies on variation / MALEREI im K&uuml;nstlerhaus Bethanien &ndash; eine Serie von &Ouml;l-Bildern unterschiedlicher Formate &ndash; beruhen auf einer umfassenden Studie eines konstruierten Motivs: einer gesichtslosen m&auml;nnlichen Figur mit Turban.</p> <p style="text-align: justify;">Trotz der Eindeutigkeit des dargestellten Motivs in jedem der sieben ausgestellten Bilder scheinen diese sich in Abstraktion aufzul&ouml;sen. Der Blick des Betrachters wird kontinuierlich in die &uuml;ppigen Linien des gefalteten Stoffs gezogen, die sich endlos und kaleidoskopartig in Formen, Farben und Mustern entfalten. In studies on variation / MALEREI wird sich der Betrachter zunehmend der verf&uuml;hrerischen Komplexit&auml;t des gemalten Kopfschmuckes bewusst, der an eine aufwendige B&uuml;hnen-Drapierung denken l&auml;sst, projiziert auf eine leere Theaterb&uuml;hne ad infinitum. In der Abwesenheit eines erwiderten Blickes wandert die Aufmerksamkeit zum Zentrum der Darstellung.</p> <p style="text-align: justify;">Mit seiner neuesten Arbeit kehrt Polys Peslikas zu einem wiederkehrenden Thema in seinem Werk zur&uuml;ck, dem der &raquo;Repr&auml;sentation&laquo;. In seinem auf &raquo;figurativer&laquo; Malerei basierenden Werkk&ouml;rper wendet Peslikas die verf&uuml;hrerische Macht der Repr&auml;sentation gegen sich selbst, indem er konstruierte Bilder und Objekte neu aufbereitet. Bilder und Objekte von der die westliche Welt, und vor allem die europ&auml;ische Malerei, seit Jahrhunderten fasziniert ist.</p> Wed, 25 May 2016 16:01:26 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Aline Alagem - Künstlerhaus Bethanien - May 26th 7:00 PM - 10:00 PM <p style="text-align: justify;">Aline Alagem experiments in her large-format paintings and occasional video-animations with representations of passion, beauty, pain and pornography, aiming at showing the discrepancy between the pictorial appearances and the actual structures and motivations, which are no longer recognisable in such &ldquo;hyper images&rdquo;.</p> <p style="text-align: justify;">With<em> Skin, Tone</em> Alagem presents a series of hyperrealistic paintings, and for the first time, a site-specific sculptural work.</p> <p style="text-align: justify;">The exhibition explores the connections between the image of the woman as an icon in pop-culture, mythology and pornography and her fragmented duality regarding her appearances as a narrative&rsquo;s heroine, however constantly emanating from the male point of view and implementing male fantasies. She unfolds the multilayered fields that disguise themselves within the human desire for possession, idols and a dark urge of self-destruction and asks the provocative question, if they are not eventually one and inseparable. Ultimately, the artist succeeds also as a woman, who depicts picturesque pornographic scenes, in gaining a bit of control in a world of extensive loss of control.</p> <p style="text-align: justify;">With the kind support of the Embassy of Israel in Berlin</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Aline Alagem experimentiert in ihren gro&szlig;formatigen Gem&auml;lden und bisweilen auch Videoanimationen mit Darstellungen von Leidenschaft, Sch&ouml;nheit, Schmerz und Pornografie mit dem Ziel, die Diskrepanz zwischen deren bildnerischen Erscheinungsformen und ihren eigentlichen Strukturen und Motivationen aufzuzeigen, die in solchen &ldquo;hyper images&rdquo; nicht mehr erkennbar sind.</p> <p style="text-align: justify;">Mit <em>Skin, Tone</em> pr&auml;sentiert Alagem eine Serie von hyperrealistischen Gem&auml;lden sowie erstmals auch ein ortsspezifisch entwickeltes Objekt. Die Ausstellung untersucht die Verbindungen zwischen dem Bild der Frau als Ikone in Popul&auml;rkultur, Mythologie und Pornographie und deren fragmentierte Dualit&auml;t im Hinblick auf ihre Erscheinung als &lsquo;Heldin&rsquo; einer Erz&auml;hlung, die jedoch stets dem m&auml;nnlichen Blickwinkel entspringt und m&auml;nnliche Fantasien umsetzt. Sie legt die vielschichtigen Spannungsfelder offen, die sich im menschlichen Verlangen nach Besitz, Idolen und einem dunklen Drang zur Selbstzerst&ouml;rung verbergen und stellt die provozierende Frage, ob diese nicht am Ende eins und untrennbar sind. Letztendlich gelingt es der K&uuml;nstlerin aber auch als Frau, die malerisch pornographische Szenen abbildet, ein St&uuml;ck Kontrolle in einer Welt des weitreichenden Kontrollverlusts zu etablieren.</p> <p style="text-align: justify;">Mit freundlicher Unterst&uuml;tzung durch die Botschaft des Staates Israel in Berlin</p> Wed, 25 May 2016 16:07:02 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list - C/O Berlin - May 27th 7:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">&ldquo;Allure is something that does exist. Allure holds you...whether it's a gaze or a glance in the street or a face in a crowd...it pervades...you are captured by it.&rdquo; Diana Vreeland, Fashion journalist</p> <p style="text-align: justify;">It shimmers quietly and timelessly from among all the rapidly changing fashions, trends and opinions. It appears only briefly in a fleeting combination of elegance, grace and movement. Stance, attitude or allure is intangible, indescribable inconceivable and unattainable in the perpetual white noise of our zeitgeist. Yet it is the essence that radiates from deep within. It oscillates between coolness and naturalness, with a fascinating mixture of staging and authenticity. However, the more it becomes a theme in itself, shifting into focus, the more it dissipates. Should one wish to grasp it, or seek an explanation, it dissolves. Yet how can the fragile, immaterial character of allure be held photographically? Photographers constantly take on this challenge anew&mdash;with the goal of capturing this ephemeral phenomenon, sometimes spontaneously, at other times as a visual composition.</p> <p style="text-align: justify;">Whether fashion photography, street photography, reportage or conceptual approaches&mdash;the respective working context of the individual photos in not significant in this compilation of the Susanne von Meiss Collection. Instead, all the photographs share the absence of the direct gaze of the person portraited into the camera and the subtle play with the hidden and the mysterious&mdash;that goes beyond sex or gender. Hence the main focus lies on detail views of individual parts of the body and accessories, as well as on silhouettes, movement or concealment. The individual photographs do not tell any explicit stories. They do not contain any direct narrative. They serve as diverse projection films for the viewers and their interpretation.</p> <p style="text-align: justify;">The Susanne von Meiss Collection representatively covers all genres and styles in the history of photography&mdash;from the 1920s through to the present. It includes works by internationally renowned photographers, however for the main part it does not give preference to the iconic photographs but rather to unknown classics. The personal selection ranges from Diane Arbus, Richard Avedon, Rene Burri and Henri Cartier-Bresson through Horst P. Horst, Irving Penn, Paolo Roversi and August Sander to contemporary artists such as Tracey Emin, Nan Goldin, Daido Moriyama, Richard Prince and Juergen Teller.</p> <p style="text-align: justify;">The group exhibition is divided thematically into three chapters: &ldquo;pose&rdquo;, &ldquo;experiment&rdquo; and &ldquo;staging the situative&rdquo;. The photographs serve as a starting point for an art-historical analysis and observation, from an inner perspective, within the medium of photography.</p> <p style="text-align: justify;">The collection will be presented to the public for the first time at C/O Berlin. The exhibition encompasses approximately 250 photographs&mdash;including many unique and vintage prints, as well as photographs that were produced especially for the Susanne von Meiss Collection. The presentation has been curated by Felix Hoffmann and Birgit Filzmaier. A publication will be issued by Kehrer Verlag to accompany the exhibition.</p> <p style="text-align: justify;">Two vintage photographs by Richard Avedon from the 1950s were the initial inspiration for the Susanne von Meiss Collection. For 25 years now, the Swiss journalist, publicist and entrepreneur has been collecting photography with the special focus on &ldquo;allure&rdquo;&mdash;a personal compilation that transcends individual genres, styles and artists. The private collection currently includes approximately 400 works from Japan to South America. The art historian Birgit Filzmaier is curator and supervisor of the Susanne von Meiss Collection.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">&bdquo;Allure ist etwas, das existiert. Es h&auml;lt einen fest. Ob ein intensiver oder fl&uuml;chtiger Blick auf der Stra&szlig;e oder ein Gesicht in der Menge &ndash; man wird festgehalten.&ldquo; Diana Vreeland, Modejournalistin</p> <p style="text-align: justify;">Zwischen all den schnellen Moden, Trends und Meinungen schimmert sie ruhig und zeitlos hervor. In kurzen Momenten nur taucht sie in einer fl&uuml;chtigen Kombination aus Eleganz, Anmut und Bewegung auf. Haltung, Attitude oder Allure ist unfassbar, unbeschreiblich und unerreichbar im ewigen Rauschen des Zeitgeistes. Und doch ist sie die Essenz, die tief aus dem Innersten strahlt. Sie oszilliert zwischen Coolness und Nat&uuml;rlichkeit, fasziniert zwischen Inszenierung und Authenzit&auml;t. Je mehr sie selbst jedoch zum Thema wird und in den Fokus r&uuml;ckt, umso st&auml;rker verfl&uuml;chtigt sie sich. Will man sie fassen und erkl&auml;ren, l&ouml;st sie sich f&ouml;rmlich auf. Wie l&auml;sst sich nun aber Allure in ihrem fragilen, immateriallen Charakter fotografisch festhalten? Diesem Paradox nehmen sich Fotografen immer wieder neu an &ndash; mit dem Ziel, das ephemere Ph&auml;nomen mal spontan, mal arrangiert visuell zu bannen.<br /><br />Ob Modebild, Street Photography, Reportage oder konzeptuelle Ans&auml;tze &ndash; der jeweilige Werkkontext der einzelnen Fotos ist in dieser Zusammenstellung der Collection Susanne von Meiss ohne Bedeutung. Vielmehr vereint alle Bilder die Abwesenheit des direkten Blicks der Portr&auml;tierten in die Kamera und das feine Spiel mit dem Verborgenen und Geheimnisvollen &ndash; jenseits von Geschlecht oder Gender. So liegt der Fokus auf Ausschnitten einzelner K&ouml;rperteile und Accessoires sowie auf Silhouetten, Bewegung oder Verschleierung. Die Einzelbilder erz&auml;hlen keine eindeutigen Geschichten, sie enthalten kein direktes Narrativ. Sie sind facettenreiche Projektionsfolie f&uuml;r den Betrachter und seine eigene Interpretation.</p> <div class="field field-name-field-article-body2 field-type-text-long field-label-hidden field-wrapper"> <p style="text-align: justify;">Die Collection Susanne von Meiss spannt einen repr&auml;sentativen Bogen &uuml;ber alle Genres und Stile der Fotografiegeschichte hinweg &ndash; von den 1920er Jahren bis zur Gegenwart. Sie umfasst die Werke international renommierter Fotografen, jedoch bewusst zumeist nicht deren ikonische Bilder, sondern die unbekannten Klassiker. Die pers&ouml;nliche Auswahl reicht von Diane Arbus, Richard Avedon, Rene Burri und Henri Cartier-Bresson &uuml;ber Horst P. Horst, Irving Penn, Paolo Roversi und August Sander bis zu zeitgen&ouml;ssischen K&uuml;nstlern wie Tracey Emin, Nan Goldin, Daido Moriyama, Richard Prince und Juergen Teller. <br />Die Gruppenausstellung ist thematisch in die drei Kapitel &bdquo;Pose&ldquo;, &bdquo;Experiment&ldquo; sowie &bdquo;Inszenierung des Situativen&ldquo; unterteilt. Die Fotografien dienen als Ausgangspunkt f&uuml;r eine kunstgeschichtliche Analyse und Betrachtung von innerer Haltung innerhalb des Mediums Fotografie. <br /><br />Die Sammlung wird bei C/O Berlin erstmals &ouml;ffentlich pr&auml;sentiert. Die Ausstellung umfasst ca. 250 Fotografien &ndash; darunter viele Unikate und Vintageprints sowie Bilder, die speziell f&uuml;r die Collection Susanne von Meiss produziert wurden. Sie wurde von Felix Hoffmann und Birgit Filzmaier kuratiert. Zur Ausstellung erscheint eine Publikation im Kehrer Verlag.<br /><br />Zwei Vintage-Fotografien von Richard Avedon aus den 1950er Jahren gaben die Initialz&uuml;ndung f&uuml;r die Collection Susanne von Meiss. Seit &uuml;ber 25 Jahren sammelt die Schweizer Journalistin, Publizistin und Unternehmerin Fotografien mit dem speziellen Fokus auf &bdquo;Allure&ldquo; &ndash; eine pers&ouml;nliche Zusammenstellung &uuml;ber einzelne Genres, Stile oder K&uuml;nstler hinaus. Die private Sammlung umfasst zur Zeit ca. 400 Werke von Japan bis S&uuml;damerika. Die Kunsthistorikerin Birgit Filzmaier betreut die Collection Susanne von Meiss kuratorisch.</p> <p style="text-align: justify;"><strong>Er&ouml;ffnung</strong> 27. Mai 2016 . 19 Uhr</p> </div> Wed, 25 May 2016 16:24:15 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Clemens von Wedemeyer - Neuer Berliner Kunstverein - May 27th 7:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">The artistic practice of Clemens von Wedemeyer (b. 1974 in G&ouml;ttingen, living in Berlin) becomes visible in video works, short films and multi-channel installations. His examination of historical phenomena is the basis of his interest and establishes socio-political references right to the present day. With non-linear narratives the artist creates condensations that make the levels of the historical and the fictional intertwine. <br /><br />The starting point of the exhibition P.O.V. (Point Of View) at Neuer Berliner Kunstverein, which assembles seven new works, is the documentary footage of Captain Freiherr Harald von Vietinghoff-Riesch, who as an amateur cameraman filmed in Europe during the Second World War between 1938 and 1942 behind the front line. Using the material as an example, von Wedemeyer examines pictorial spaces and boundaries of the subjective camera at war. The historical shots are compared, analyzed and made tangible by way of an experimental presentation. The examination is made by means of an analysis of the filmed objects, places, points of view and duration of view as well as of other film-specific coordinates. Von Wedemeyer here investigates, who is behind the camera and which information can a subjective view provide at war. The 16mm material serves as a basis for the most recent media space installations. Such as in the work Against the point of view (2016), where one scene of the historic film footage by Harald von Vietinghoff-Riesch is isolated and reconstructed in a computer game environment in the manner of the &ldquo;Virtual Battlefields&rdquo; in order to then allow alternative courses of the historic event. In the two video essays Die Pferde des Rittmeisters (The horses of the cavalry captain) (2016) and Im Angesicht (Face to Face) (2016) entirely different motifs are reassembled. In the first work, horses become the central protagonists of the war machine, in the second, the cameraman's view of civilians, prisoners of war and Wehrmacht soldiers becomes apparent, and the perpetrator's perspective is made tangible. Was man nicht sieht (What you do not see) (2016) presents a conversation with the literary scholar, cultural theorist and writer Klaus Theweleit, the director of Neuer Berliner Kunstverein, Marius Babias and Clemens von Wedemeyer himself, in which the historical footage is commented while viewing it and aspects such as the ethnographic view, soldiers as tourists and the crimes of the Wehrmacht are analyzed. The other new video works in the exhibition reflect the film in the continuity of previous wars and reveal how in the film footage memories of the amateur filmmakers construct themselves. Ohne Titel (Alles) (Untitled (Everything)) (2016) shows the more than three-hour long 16mm original footage trimmed to four minutes.<br /><br />The research and production has been developed in a conceptual collaboration of Clemens von Wedemeyer with the artist Eiko Grimberg.<br /><br />Biography<br />Clemens von Wedemeyer (b. 1974 in G&ouml;ttingen, living in Berlin) studied photography and media at Fachhochschule Bielefeld and at the Academy of Fine Arts in Leipzig, where, since 2013, he is a professor of media art. His works have been shown in numerous international exhibitions and his films were shown at various film festivals, most recently, among others, at Forum Expanded, Berlin (2016); Filmfestival Diagonale, Graz (2016); Museum of Contemporary Art, Chicago (2015); Braunschweiger Kunstverein (2014); Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Rome (2013); dOCUMENTA (13), Kassel (2012); Frankfurter Kunstverein (2011); Barbican Centre, London (2009); PS1, New York (2006).<br /><br /><br />Publication<br />Accompanying the exhibition and as part of the n.b.k. book series &bdquo;n.b.k. Exhibitions&ldquo;, a publication by Verlag der Buchhandlung Walther K&ouml;nig, Cologne is released, with an introduction by Marius Babias and texts by Tobias Ebbrecht-Hartmann, Tom Holert and Klaus Theweleit.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Clemens von Wedemeyers (*1974 in G&ouml;ttingen, lebt in Berlin) k&uuml;nstlerische Praxis wird in Videoarbeiten, Kurzfilmen und mehrkanaligen Installationen sichtbar. Seine Auseinandersetzung mit historischen Ph&auml;nomenen bildet dabei den Ausgangspunkt seines Interesses und stellt sozio-politische Bez&uuml;ge bis in die Gegenwart her. Mit non-linearen Erz&auml;hlformen entwirft der K&uuml;nstler Verdichtungen, die die Ebenen des Historischen und Fiktionalen ineinandergreifen lassen. <br /><br />Ausgangspunkt der Ausstellung P.O.V. (Point Of View) im Neuen Berliner Kunstverein, die sieben neue Arbeiten versammelt, ist das dokumentarische Filmmaterial des Rittmeisters Freiherr Harald von Vietinghoff-Riesch, der als Amateur-Kameramann im Europa des Zweiten Weltkrieges zwischen 1938 und 1942 hinter der Front filmte. Am Beispiel des Materials untersucht von Wedemeyer Bildr&auml;ume und Grenzen der subjektiven Kamera im Krieg. Die historischen Aufnahmen werden verglichen, analysiert und durch eine experimentelle Pr&auml;sentation erfahrbar gemacht. Die Untersuchung findet &uuml;ber eine Analyse der Aufnahmegegenst&auml;nde, der Orte, Blickpunkte und Blickdauer sowie &uuml;ber weitere filmspezifische Koordinaten statt. Von Wedemeyer befragt dabei, wer hinter der Kamera steht und wor&uuml;ber ein subjektiver Blick im Krieg Aufschluss geben kann. Das 16mm-Material dient dabei als Grundlage f&uuml;r neueste medial-r&auml;umliche Installationen. So wird in der Arbeit Against the point of view (2016) eine Szene des historischen Filmmaterials von Harald von Vietinghoff-Riesch isoliert und in einer Computerspiel-Umgebung in der Art der &bdquo;Virtual Battlefields&ldquo; rekonstruiert, um alternative Verl&auml;ufe des historischen Ereignisses zu erm&ouml;glichen. In den beiden Video-Essays Die Pferde des Rittmeisters (2016) und Im Angesicht (2016) werden ganz unterschiedliche Motive neu montiert. Im ersten Werk werden Pferde zu zentralen Protagonisten der Kriegsmaschinerie, im zweiten zeigt sich die Sicht des Kameramanns auf Zivilisten, auf Kriegsgefangene und schlie&szlig;lich auf Wehrmachtssoldaten, wodurch die Perspektive der T&auml;ter deutlich wird. Was man nicht sieht (2016) zeigt ein Gespr&auml;ch mit dem Literaturwissenschaftler, Kulturtheoretiker und Schriftsteller Klaus Theweleit, dem Direktor des Neuen Berliner Kunstvereins Marius Babias und Clemens von Wedemeyer, in dem die historischen Aufnahmen w&auml;hrend einer Materialsichtung kommentiert und Aspekte wie der ethnografische Blick, Soldaten als Touristen und die Verbrechen der Wehrmacht analysiert werden. Die weiteren neuen Videoarbeiten in der Ausstellung reflektieren den Film in der Kontinuit&auml;t fr&uuml;herer Kriege und zeigen, wie sich im Filmmaterial Erinnerungen der Amateurfilmer konstruieren. Ohne Titel (Alles) (2016) zeigt das mehr als dreist&uuml;ndige 16mm Original-Filmmaterial auf vier Minuten gerafft.<br /><br />Die Recherche und Produktion ist in konzeptioneller Zusammenarbeit von Clemens von Wedemeyer mit dem K&uuml;nstler Eiko Grimberg entstanden.<br /><br />Biografie<br />Clemens von Wedemeyer (*1974 in G&ouml;ttingen, lebt in Berlin) studierte Fotografie und Medien an der Fachhochschule Bielefeld und an der Hochschule f&uuml;r Grafik und Buchkunst in Leipzig, wo er seit 2013 als Professor f&uuml;r Medienkunst t&auml;tig ist. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt und seine Filme waren auf diversen Filmfestivals zu sehen, zuletzt u. a.: Forum Expanded, Berlin (2016); Filmfestival Diagonale, Graz (2016); Museum of Contemporary Art, Chicago (2015); Braunschweiger Kunstverein (2014); Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Rom (2013); dOCUMENTA (13), Kassel (2012); Frankfurter Kunstverein (2011); Barbican Centre, London (2009); PS1, New York (2006).<br /><br /><br />Publikation<br />Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in der Reihe &bdquo;n.b.k. Ausstellungen&ldquo; im Verlag der Buchhandlung Walther K&ouml;nig, K&ouml;ln, mit einem Vorwort von Marius Babias und Beitr&auml;gen von Tobias Ebbrecht-Hartmann, Tom Holert und Klaus Theweleit.</p> Wed, 25 May 2016 16:34:51 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Elizabeth Price - Neuer Berliner Kunstverein - May 27th 7:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">Neuer Berliner Kunstverein, presents the British video artist and Turner Prize winner of 2012, Elizabeth Price, in her first institutional solo exhibition in Berlin. After a career as a pop singer and engaging herself in sculpture, in 2006, Price began to work with video and has since developed an independent and distinctive body of work. In her process-oriented practice she questions the significance of cultural artifacts, collections and archives. She often uses archive images and documents, and discharges them of their original meaning and categorization, so that they develop a life of their own and through the reorganization of the narration in the video obtain spatial and temporal dimensions. The piece The Woolworths Choir of 1979 (2013) is a 20-minute, rhythmic video collage that combines shots of Gothic choir stalls in medieval cathedrals, an appearance of the girl band The Shangri-Las in the 1960s and a department store fire in a Woolworth branch in Manchester in 1979 and structures them on the sound level with finger snapping and clapping. Price&rsquo;s main interest here is the question of the autonomy of images and sounds, and the nature of the conventions by which both are interrelated. She creates fragile connections between disparate motifs and in this way consistently makes use of the &ldquo;elasticity&rdquo; (Price) of digital video technology. In the title of the piece, she replaces the word &ldquo;Fire&rdquo; with &ldquo;Choir&rdquo; and, in doing so, reproduces her visual practice at a semantic level. <br /><br />Elizabeth Price (b. 1966 in Bradford) lives and works in London. In 2012, she received the Turner Prize. Solo exhibitions include: The Model, Sligo (2016); Ashmolean Museum Oxford (2016); Turku Art Museum (2015); Kunsthalle Winterthur (2014); Julia Stoschek Collection, Dusseldorf (2014); Mus&eacute;e d&rsquo;art contemporain de Montr&eacute;al (2013); Contemporary Art Society, London (2013); Tate Britain, London (2012, 2010); Bloomberg SPACE, London (2012); The Baltic, Newcastle (2011); New Museum, New York (2011); Spike Island, Bristol (2009).</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Der Neue Berliner Kunstverein stellt die britische Videok&uuml;nstlerin und Turner-Preis-Tr&auml;gerin von 2012 Elizabeth Price in ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung in Berlin aus. Nach einer Karriere als Pop-S&auml;ngerin und nach der Besch&auml;ftigung mit Skulptur begann Price 2006 mit Video zu arbeiten und entwickelt seither ein eigenst&auml;ndiges und unverwechselbares Werk. In ihrer prozessorientierten Praxis hinterfragt sie die Bedeutung von kulturellen Artefakten, Sammlungen und Archiven. Oft verwendet sie Archivbilder und Dokumente und enthebt sie ihrer urspr&uuml;nglichen Bedeutung und Kategorisierung, sodass sie ein Eigenleben entwickeln und durch die Neuordnung der Narration im Video eine r&auml;umliche und zeitliche Ausdehnung erfahren. Die Arbeit The Woolworths Choir of 1979 (2013) ist eine 20-min&uuml;tige, rhythmisierte Videocollage, die Aufnahmen gotischen Chorgest&uuml;hls in mittelalterlichen Kathedralen, einen Auftritt der Girl-Band Shangri-Las aus den 1960er Jahren und einen Kaufhausbrand in einer Woolworth-Filiale in Manchester im Jahre 1979 kombiniert und durch Fingerschnipsen und Klatschen klanglich strukturiert. Prices Hauptinteresse gilt dabei der Frage nach der Eigenst&auml;ndigkeit von Bildern und T&ouml;nen und dem Wesen der Konventionen, durch die beides miteinander in Beziehung gebracht wird. Sie schafft fragile Verbindungen zwischen disparaten Motiven und macht sich so die &bdquo;Elastizit&auml;t&ldquo; (Price) der digitalen Videotechnik immer wieder neu zunutze. Im Titel der Werks ersetzt sie das Wort &bdquo;Fire&ldquo; (Feuer) durch &bdquo;Choir&ldquo; (Chor) und vollzieht damit auf semantischer Ebene ihre visuelle Praxis nach. <br /><br />Elizabeth Price (*1966 in Bradford) lebt und arbeitet in London. 2012 erhielt sie den Turner Preis. Einzelausstellungen u. a.: The Model, Sligo (2016); Ashmolean Museum Oxford (2016); Turku Art Museum (2015); Kunsthalle Winterthur (2014); Julia Stoschek Collection, D&uuml;sseldorf (2014); Mus&eacute;e d&rsquo;art contemporain de Montr&eacute;al (2013); Contemporary Art Society, London (2013); Tate Britain , London (2012, 2010); Bloomberg SPACE, London (2012); The Baltic, Newcastle (2011); New Museum, New York (2011); Spike Island, Bristol (2009).</p> Wed, 25 May 2016 16:43:14 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Leslie Thornton - ROCKELMANN & - May 28th 7:00 PM - 10:00 PM <p align="left">REAPPEAR</p> <p align="left"><strong>LESLIE THORNTON</strong></p> <p align="left"><strong>OPENING: May 28, 2016, 7 &ndash; 10pm</strong><br />DURATION: May 29 &ndash; July 16, 2016</p> <p align="left">ROCKELMANN &amp; Winkleman Gallery, New York, are proud to present REAPPEAR, a solo exhibition by Leslie Thornton. Widely recognized as an innovative and highly influential filmmaker, Leslie Thornton is perhaps best known for her epic, 25-year serial work Peggy and Fred in Hell, which follows its title characters who, in Thornton&rsquo;s words, are &ldquo;raised by television&ldquo; and live in a &bdquo;post-apocalyptic splendor&hellip;adrift in the detritus of prior cultures.&ldquo; Unknown to her during her own childhood, both Thornton&rsquo;s father and grandfather worked as scientists on the Manhattan Project (which developed first Atomic bomb). She attributes having learned this as an adult to why the atomic bomb and themes of apocalypse appear in some of her works. Indeed, themes running through much of Thornton&rsquo;s work include language, childhood, nuclear war, technology, ethnography, seriality and narrative structure.</p> <p align="left">The main work presented in this exhibition is a three-channel installation titled Luna (2013). On each screen there is an image of the parachute-jump tower at Coney Island. Each image is captured and modified so that the reference to place and object is transformed, and subsumed, only to reappear as another form of spectacle. There are occasional figures, walking by, and there are a great many seagulls punctuating the shifting surfaces of the image. Thornton&rsquo;s project deals with the relationship between chronology, technology, mediation, and with the &ldquo;historical&rdquo; as an artifact of the cinematic/digital image. Luna is an invocation of loss, as well as a tacit critique of nostalgia. How do you address history with something as fragmentary and minute as cinema? What occurs and is at stake in today&rsquo;s digital absorption of the &ldquo;world&rdquo;? By focusing on the presence of the technical image, Luna addresses the trace: an impression, a trace of a voice, a trace of the disappearance of voices, an unflinching engagement with the passing away of place. In Luna, the trace is almost subsumed, it saturates the auditory field, and in this diffusion, it (almost) disappears, leaving but a ghost, an audial echo, riding the repetitive circulation of increasing static/noise: memory&rsquo;s future.</p> <p align="left">Also shown in this exhibition, Leslie Thornton&rsquo;s SNAP: Oil/Air/Water (2013) made its World Premiere at Thornton&rsquo;s solo screening of her work at London&rsquo;s Serpentine Gallery in 2013. Filmed at La Brea Park in Los Angeles, SNAP: Oil/Air/Water is the first in a new series of works by Leslie Thornton that extend the premise of photography into a framework of passing time.</p> <p align="left">Leslie Thornton&rsquo;s works have been exhibited worldwide, with screenings at the International Film Festival Rotterdam, The Museum of Modern Art, NYC; Harvard University, and installations/<a href="http://rockelmann-and.com/exhibitions/" rel="nofollow">exhibitions</a>&nbsp;at Museum53, Shanghai, China; Z&uuml;rcher Gallery, New York/Paris; Tate Modern, UK, FluxSpace, Philadelphia, IFFR/Museum of Natural History, Rotterdam, and solo shows at Winkleman Gallery, NYC, and Elizabeth de Brabant Gallery, Shanghai, China. Thornton has won many awards: she is one of the youngest&nbsp;<a href="http://rockelmann-and.com/artists/" rel="nofollow">artists</a>&nbsp;to have received the Maya Deren Award for Lifetime Achievement from the American Film Institute/Anthology Film Archives; she has also received awards from the Rockefeller Foundation, The Alpert Foundation, the Jerome Foundation, the New York State Council on the Arts, and the National Endowment for the Arts; In 2013 she was awarded a John Simon Guggenheim Fellowship. Leslie Thornton is currently Professor in the Modern Culture and Media Department at Brown University, and Faculty in Media at the European Graduate School/ Europ&auml;ische Universit&auml;t f&uuml;r Interdisziplinare Studien (EGS/EUFIS).</p> <p align="left">We welcome you to join us for the opening of &lsquo;REAPPEAR&rsquo; on Thursday, MAY 28, from 7 to 10 pm. For more information and or press images please&nbsp;<a href="http://rockelmann-and.com/contact/" rel="nofollow">contact</a>&nbsp;Geo at:<a href="mailto:geo@rockelmann-and.com" rel="nofollow">geo@rockelmann-and.com</a>.</p> <p>&nbsp;</p> Thu, 19 May 2016 15:23:57 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Renée Green - Neuer Berliner Kunstverein - June 1st 7:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Artist talk and film screening with Ren&eacute;e Green (artist, professor MIT Program in Art, Culture &amp; Technology (ACT), Somerville / Massachusetts and New York) and Andr&eacute; Rottmann (art historian, college research group BildEvidenz, Freie Universit&auml;t Berlin)</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">K&uuml;nstleringespr&auml;ch und Filmscreening mit Ren&eacute;e Green (K&uuml;nstlerin, Professorin MIT Program in Art, Culture &amp; Technology (ACT), Somerville / Massachusetts und New York) und Andr&eacute; Rottmann (Kunsthistoriker, Kolleg-Forschergruppe BildEvidenz, Freie Universit&auml;t Berlin)</p> Wed, 25 May 2016 16:40:20 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Guillaume Leblon - carlier | gebauer - June 3rd 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">carlier | gebauer is pleased to announce a solo exhibition of recent works by the French artist Guillaume Leblon. This will be his second solo exhibition with the gallery. Leblon&rsquo;s sculptural installations adopt a poetic relationship to space &mdash; embracing an active, mobile, open relationship with the world. Known for choreographing compelling spatial narratives, Leblon&rsquo;s current exhibition exudes a potent sense of ephemerality and the uncanny. <br /> <br /> A tension between absence and form pervades the exhibition. Upon entering the space, visitors will confront a foam carpet that covers the entire floor and the lower part of the wall. The delicate skin sheathing the space will accumulate traces of wear from the visitors&rsquo; movement over the course of the exhibition: a visible imprint of the absent human form. This interplay between absence and the body is a key motif that carries throughout the artist&rsquo;s most recent work. <br /> <br /> A blank face without features, detached arms without hands, a clothed torso. Each of these evocative sculptures comprises a sort of shell or envelope for an absent body, a hollow core that speaks to questions of memory, dreams, fragmentation, and possibility. This new body of work marks a transition in process and materials for Leblon. Over the years, the artist has shifted from working with found materials, remnants, and organic matter to foundry work in materials like aluminum, marble, and sand. Always invested in temporal concerns, Leblon sees this mutation in process as a transformation of the work&rsquo;s relationship to time.<br /> <br /> Leblon&rsquo;s 3-D printed plastic sculptures will be accompanied by blown glass sculpture and a new series of collage. Leblon describes the collages as a connection between every day life and the news, a sort of portal between two worlds. Combining crumbled newspapers with paint, plastics, and everyday found objects these works bristle with an abject materiality. <br /> <br /> Leblon (b.1971, Lille) lives and works in New York. He has had solo exhibitions at venues such as Contemporary Art Gallery, Vancouver; MassMoCA, North Adams; Institut d&rsquo;Art Contemporain (IAC) Villeurbanne, Fondation Paul Ricard, Paris; MUDAM, Luxembourg; and Culturgest, Porto, Kunstverein Dusseldorf. Leblon has participated in group exhibitions at Fondation d&rsquo;entreprise Herm&egrave;s, Paris; Centre Pompidou, Paris; Fundaci&oacute; Joan Mir&oacute;, Barcelona; Biennale de Lyon; Secession, Vienna; B&eacute;tonsalon, Paris; Kunsthalle Saint-Gallen; Museum MARTa, Herford; Fridericianum, Kassel; and CAC Vilnius, among others.</p> Wed, 25 May 2016 16:54:08 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Marianna Uutinen - carlier | gebauer - June 3rd 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">carlier | gebauer is pleased to announce Free, a solo exhibition of new paintings by the Finnish artist Marianna Uutinen. This will be her third solo exhibition with the gallery. Over the years, the artist has developed a signature technique that fuses thick layers of acrylic paint to create a skin-like structure that she drapes across the surface of a traditional canvas. While her previous work was distinguished by sweeping folds, a bold palette, and an opulent aesthetic, the paintings in the current exhibition strike a quieter, more contemplative tone. <br /> <br /> Throughout her practice, Uutinen&rsquo;s restless experimentation underscores how painting can be a vehicle for new thinking and breaking with old habits. The new works explore how the medium of painting can convey that which is invisible and immaterial. Shimmering and translucent, these dramatically reduced compositions are the most recent examples of the ethereal visual language that the artist has been developing over the course of a year. A vital instability prevails in Uutinen&rsquo;s new works. The pearlescent hues of each canvas vary dramatically depending on where one stands in relation to them. What at first glance appears like a soft cream color pans to dusty rose as you walk past. While Uutinen has long considered painting to be a non-expressive physical accumulation of her actions, this new body of work forms the most striking example of the artist&rsquo;s treatment of painting as a time-based medium, which in this case extends not only to the accumulation of time as represented in the artist&rsquo;s mark-making, but the time of perception as well. In other words: the time of the viewer. <br /> <br /> The dynamic surfaces of these canvases materially attest to the variability of experience and individual nature of perception. Although Uutinen does not approach painting as an expressive act, through the instability of the materials this new body of work becomes quite personal. The ever-changing celestial color palette nods towards a spiritual bent in the work, yet Uutinen hasn&rsquo;t lost her sense of humor despite such ethereal associations. The artist&rsquo;s material engagement with questions of the feminine, kitsch, sensuality and sexuality seethe just beneath the plastic surfaces, like another sparkling thing. These serene works oscillate between abundance and restraint, redirecting her signature dramatic excess into strategic eruptive flourishes. <br /> <br /> Uutinen (b. 1961, Pieks&auml;m&auml;ki) lives and works in Berlin. Her paintings have been included in numerous public collections such as Moderna Museet (Stockholm, Sweden), Louisiana Museum (Denmark), the Malm&ouml; Art Museum (Sweden), Seoul Museum (South Korea), The National Museum of Contemporary Art (Norway), Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki, Finland and the Helsinki City Art Museum (Finland). Her work was shown at the Louisiana Museum (Denmark), Moderna Museet (Malm&ouml;, Sweden), the Kiasma Museum of Contemporary Art in (Helsinki), the Ludwig Museum (Koblenz), Moderna Museet (Stockholm), and the Venice Biennale (1997).</p> Wed, 25 May 2016 16:54:11 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list - Galerie Guido W. Baudach - June 3rd 6:00 PM - 9:00 PM <p style="text-align: justify;">Additional performances every Saturday from 11 - 6pm (except 18 June)<br />and by appointment</p> <p style="text-align: justify;">East of Eden is a collaborative project between New York based artists Grear Patterson and Yves Scherer which takes its title from John Steinbeck&rsquo;s novel published in 1952. Conceived as an exhibition series, this project unfolds over multiple stages and cities in the month of June and Galerie Guido W. Baudach is pleased to present its first chapter.</p> <p style="text-align: justify;">For this the artists take over the back space of the gallery, usually reserved for private viewings by collectors, with an immersive environment inspired by a recent trip of the artists across the USA down to Mexico and their experience of shared living in the northern part of the Bronx.</p> <p style="text-align: justify;">This installation is extended into the entrance area of the gallery which has been turned into a waiting room, offering seats and distraction to the visitors.&nbsp;Here you will be welcomed by the inhabitant of the space, Anahid, who takes over the role of the host and of the emcee.&nbsp;As you follow her through the narrow corridor you enter a rather domestic setting. There is a little kitchen table, some candles and there is rainbow motif on the wall. Take a cookie from the bowl, they&rsquo;re home made, and some tea too. It&rsquo;s like the oracle&rsquo;s place, a transition area where dimensions meet, an interface. Sit down and have a little chat with the medium if you feel like. It&rsquo;s your time.</p> <p style="text-align: justify;">In the back corner of the space you will find an area of comfort, that&rsquo;s where the magic happens. Anahid will guide you to it, help you with the glasses and start the program.</p> <hr /> <div class="views-field-field-presse-value"> <div class="field-content"> <p style="text-align: justify;">Er&ouml;ffnung mit Performance: Freitag, 3. Juni 2016, 18 bis 21 Uhr<br />zus&auml;tzliche Performances immer samstags von 11 &ndash; 18 Uhr (ausgenommen 18. Juni)<br />und nach Vereinbarung</p> <p style="text-align: justify;">East of Eden in eine Gemeinschaftsprojekt der beiden in New York lebenden K&uuml;nstler Grear Patterson und Yves Scherer. Der Titel stammt von John Steinbecks gleichnamiger Erz&auml;hlung aus dem Jahr 1952. Konzipiert als Ausstellungsreihe, die sich im Laufe des Monats Juni in mehreren Stufen und an verschiedenen Orten entfaltet, f&auml;llt der Galerie Guido W. Baudach das Vergn&uuml;gen zu, Schauplatz des ersten Kapitels zu sein.</p> <p style="text-align: justify;">Dazu &uuml;bernehmen die K&uuml;nstler den Hinterraum der Galerie, welcher sonst der gesonderten Pr&auml;sentation von Kunstwerken vor Sammlern vorbehalten ist, und unterziehen diesen einer umfassenden Neudefinition, die von einer k&uuml;rzlich durchgef&uuml;hrten Reise durch die USA nach Mexiko und die Erfahrung des Zusammenlebens in der n&ouml;rdlichen Bronx inspiriert ist.</p> <p style="text-align: justify;">Die Installation umfasst aber auch den Eingangsbereich der Galerie, der in ein Wartezimmer verwandelt ist, in dem eintreffenden Besuchern neben Sitzgelegenheiten auch verschiedene Zerstreuung angeboten wird. Hier wird man von der Bewohnerin der R&auml;umlichkeiten begr&uuml;&szlig;t, Anahid, die die Rolle der Gastgeberin und Zeremonienmeisterin innehat. Folgt man ihr durch den schmalen Flur vorbei an der kleinen K&uuml;chenzeile, und betritt das eigentliche Hinterzimmer, so wird die Einrichtung gleich viel wohnlicher. Da gibt es einen kleinen K&uuml;chentisch, ein paar Kerzen und ein Regenbogenmotiv an der Wand. Nimm Dir einen Keks aus der Schale, sie sind hausgemacht, und Tee dazu. Es ist der Ort des Orakels, ein &Uuml;bergangsbereich, an dem die Dimensionen aufeinandertreffen, eine Schnittstelle. Setz Dich und halte eine kleinen Plausch mit dem Medium, wenn Dir danach ist. Es ist Deine Zeit.</p> <p style="text-align: justify;">In der hinteren Ecke des Raumes befindet sich ein besonders behaglichen Platz. Hier ist es, wo die Magie stattfindet. Anahid wird dich hinf&uuml;hren, Dir mit der Brille helfen und das Programm starten.</p> </div> </div> Wed, 25 May 2016 17:04:19 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Karin Sander - Johnen Galerie - June 3rd 6:00 PM - 8:00 PM Wed, 25 May 2016 17:22:45 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Lesley Vance - Meyer Riegger - June 3rd 6:00 PM - 8:00 PM <p style="text-align: justify;">Lets play fast and loose. Lets let the air out of our over-puffed tires for a minute. Lets shake a bit as we slide and blur across the floor. Lets be inchoate and atmospheric. That&rsquo;s how Lesley Vance is doing it in these new watercolors in which color justifies itself and a kind of automatic drawing evolves stroke into shape and then the increasingly delicate description of space. The artist explores her own miasmic looseness. Sitting flat on top of (rather than absorbed into) smooth, vellum-like surfaces, the liquefied pigment looks still-watery and alive seeming. Brushwork is aleatory and intuitive, meandering line-work somewhat reminiscent of late de Kooning or Brice Marden with his inked stick. Contrapuntally, the flow of watercolor is sliced with the scissored sharpness of collage, cut and arranged with an equally nimble sensitivity. She&rsquo;s been thinking a lot about Krasner&rsquo;s collaged paintings, full of internal disjunction, distance, and great graphic power. These paintings embody alertness, a responsiveness to those fragile gifts of chance that can happen on the drawing table, or off, if you&rsquo;re paying close attention. She is in thrall to that magic moment when form and a new kind of visual sense first take hold, emergent out of static webs and fields of color. The sudden birth, the surprise invention of shapes has a lot to do with the feeling and pleasure in these works; they tap the surging energy of her oil paintings in their early, private stages. Form often appears through subtractive wiping away and erasure. Vance&rsquo;s pictures want to be several things at once: they want to bleed, spill, streak, and be messed up whenever they want and also be taut, tight, precise, and slanted on point. Her planes&mdash;painted and collaged&mdash;interlock in weird ways and cast spells of momentary optical confusion that merge and reorder layers. They say, lets slip and slide. Lets play fast and loose.</p> <p style="text-align: justify;">Text: Sarah Lehrer-Graiwer</p> <p style="text-align: justify;">The work of Lesley Vance (b. 1977, Milwaukee, Wisconsin) has been the subject of solo exhibitions at the Bowdoin College Museum of Art, Brunswick, Maine (2012); the FLAG Art Foundation, New York (2012); and the Huntington Library, Art Collections, and Botanical Gardens, San Marino, California, with Ricky Swallow (2012). Recent group exhibitions featuring her work include Variations: Conversations in and Around Abstract Painting, Los Angeles County Museum of Art (2014); Painter Painter, Walker Art Center, Minneapolis (2013); Difference, Dallas Museum of Art (2012); and 2010 Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, New York. Vance's work is included in the public collections of the Los Angeles County Museum of Art, the Hammer Museum, Los Angeles; the San Francisco Museum of Modern Art; the Milwaukee Art Museum, Wisconsin; the Museum of Modern Art, New York; and the Whitney Museum of American Art, New York, among others. Her work is currently included in the exhibition Campaign for Art at the San Francisco Museum of Modern Art through September 2016. Vance lives and works in Los Angeles.</p> <hr /> <p style="text-align: justify;">Lassen wir mal alle R&uuml;cksichten und Konventionen fallen. Lassen wir mal kurz die Luft aus unseren &uuml;berm&auml;&szlig;ig aufgepumpten Reifen raus. Lassen wir uns mal leicht ins Schwanken geraten w&auml;hrend wir &uuml;ber den Boden schlittern und dabei bis zur Unkenntlichkeit verschwimmen. Lassen wir uns mal amorph und atmosph&auml;risch sein. So macht es Lesley Vance in diesen neuen Aquarellbildern, in denen die Farbe die eigene Rechtfertigung liefert und der Pinselstrich durch eine Art automatisches Zeichnen zur Form und dann zur zunehmend filigranen Beschreibung von Raum wird. Die K&uuml;nstlerin erkundet somit die eigene, diesig-dunst&auml;hnliche Formlosigkeit. Das verfl&uuml;ssigte, eher flach auf den glatten, pergament&auml;hnlichen Fl&auml;chen liegende als von ihnen absorbierte Pigment wirkt noch - w&auml;sserig, lebendig. Die Pinself&uuml;hrung ist aleatorisch und intuitiv, wobei die m&auml;andernde Linienf&uuml;hrung etwas an den sp&auml;ten de Kooning oder an den in Tusche get&uuml;nchten Stift eines Brice Marden erinnert. Kontrapunktisch wird der Fluss der Wasserfarbe mit der Scherensch&auml;rfe einer Collage aufgeschnitten, abgeschnitten und mit gleicherma&szlig;en flinker Sensibilit&auml;t neu angeordnet. Intensiv reflektiert hat die K&uuml;nstlerin die collagierten Gem&auml;lde von Krasner, die voller interner Br&uuml;che und Distanz sind und von denen eine ungeheure graphische Macht ausgeht. Diese Gem&auml;lde verk&ouml;rpern eine Alertheit, eine Empf&auml;nglichkeit f&uuml;r jene zerbrechlichen Geschenke des Zufalls, die sich auf &ndash; oder fern von &ndash; dem Zeichentisch ergeben, wenn man nur besonders wachsam ist. Lesley Vance arbeitet im Banne jener magischen Momente, in denen eine Form und eine neuartige Sichtweise sich erst herauskristallisieren, sich aus statischen Farbnetzen und -feldern herausl&ouml;sen. Diese pl&ouml;tzliche Genese, die &uuml;berraschende Erfindung von Formen, hat viel mit der Gef&uuml;hlslage und Freude zu tun, die diesen Werken innewohnen &ndash; sie speisen bereits in den fr&uuml;hen, privaten Stadien des Kreierens von der in den &Ouml;lgem&auml;lden &uuml;berbordenden Energie. Dabei entsteht Form oft aus einem subtraktiv entfernenden Wegwischen und Tilgen. Vances Bilder wollen mehreres auf einmal sein &ndash; sie wollen bluten, &uuml;berschwappen, zucken, sich vollschmieren, wann immer sie nur m&ouml;chten, aber auch perfekt straff, stramm, exakt und abgeschr&auml;gt sein. Ihre Bildfl&auml;chen &ndash; ob gemalt oder collagiert &ndash; verschr&auml;nken und verzahnen sich auf ungewohnte Art und Weise, wobei sie den Betrachter in den Bann einer vor&uuml;bergehenden optischen Irritation ziehen, die Schichten ineinander flie&szlig;en l&auml;sst und neu ordnet. Sie sagen: Lassen wir uns mal schlittern und schliddern. Lassen wir mal alle R&uuml;cksichten und Konventionen fallen.</p> <p style="text-align: justify;">Text: Sarah Lehrer-Graiwer</p> <p style="text-align: justify;">Werke von Lesley Vance (*1977, Milwaukee, Wisconsin, USA) waren Gegenstand von Einzelausstellungen im Bowdoin College Museum of Art, Brunswick, Maine (2012), in der FLAG Art Foundation, New York (2012) sowie in der Huntington Library, Art Collections and Botanical Gardens, San Marino, California, mit Ricky Swallow (2012). Zu den neueren Gruppenausstellungen, in denen ihre Werke zu sehen waren, geh&ouml;ren: Variations: Conversations in and around Abstract Painting, Los Angeles County Museum of Art (2014); Painter Painter, Walker Art Center, Minneapolis (2013); Difference, Dallas Museum of Art (2012); und 2010 Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, New York. Werke von Vance sind ebenfalls u.a. in den &ouml;ffentlichen Sammlungen des Los Angeles County Museum of Art; des Hammer Museum, Los Angeles; des San Francisco Museum of Modern Art; des Milwaukee Art Museum, Wisconsin; des Museum of Modern Art, New York; und des Whitney Museum of American Art, New York vertreten. Gegenw&auml;rtig werden Werke von ihr in der Ausstellung Campaign for Art im San Francisco Museum of Modern Art bis Ende September 2016 gezeigt. Vance lebt und arbeitet in Los Angeles.</p> Wed, 25 May 2016 17:26:11 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list Neo Rauch - Galerie EIGEN + ART (Berlin) - June 4th 11:00 AM - 8:00 PM Wed, 25 May 2016 17:00:52 +0000 http://www.artslant.com/ber/Events/list http://www.artslant.com/ber/Events/list